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DROUOT
martes 25 jun a : 14:30 (CEST)

Arte moderno

Millon - +33147279534 - Email

3, rue Rossini 75009 Paris, Francia
Exposition des lots
mardi 25 juin - 11:00/12:00, Salle VV
lundi 24 juin - 11:00/18:00, Salle VV
samedi 22 juin - 11:00/18:00, Salle VV
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Lote 2 - Giovanni BOLDINI (Ferrare 1842 - Paris 1931) - Retrato de la esposa de Jules Amigues, 1867 Óleo original sobre lienzo 37 x 22,5 cm En un marco de madera y estuco dorado, etiquetado en el anverso BOLDINI Se entregará al comprador un certificado de Madame Francesca Dini El retrato representa a Marie-Laure-Elina De Muller, casada con Jules Amigues (Perpiñán 1828-París 1883), escritor, abogado y político bonapartista. La pareja tuvo dos hijos, Georges (1856-1921), ilustrador y caricaturista bajo el seudónimo de "Japhet", y Jacques, colaborador del periódico bonapartista "Petit Caporal" y fundador de la compañía de seguros "La Préservatrice". Tras haber pertenecido a Jacques y después a su hijo Maurice Amigues, el cuadro ha pasado a manos de los actuales propietarios. En la parte superior del marco, una antigua inscripción a bolígrafo reza: "Mme Jules Amigues/ por Giovanni Boldini/ Florencia 1867". [...] Giovanni Boldini, pintor italiano, estuvo rodeado de arte desde muy joven. Tras su formación en su ciudad natal (que se nutrió del ejemplo de importantes maestros antiguos como Cosmé Tura y Dosso Dossi), se trasladó a Florencia durante unos diez años donde, a partir de 1864, participó en la gran temporada poética de los Macchiaioli. En 1871, seducido por el estilo de vida parisino, decide instalarse en la capital francesa [...] y se convierte en uno de los artistas más solicitados de la cuadra Goupil. Alcanza el éxito con pequeños cuadros de extraordinario estilo y belleza, a veces representando escenas galantes con trajes del siglo XVIII, a veces elegantes retazos de vida en los que la vivacidad de la pincelada rococó se aplica a la realidad de la metrópolis moderna. En la década de 1880, Boldini volvió al retrato, su pasión de juventud, representando a la gente de su tiempo en los cuadros de gran formato que le dieron fama internacional. Mucho antes de su reputación como "retratista mundano" y pintor emblemático de la Belle Époque, Boldini había pasado casi una década en Florencia, en el seno del movimiento de los Macchiaioli, influido por ellos en las raras ocasiones en las que probó suerte en la pintura de paisaje. Pero a partir de 1864, Boldini se dedicó sobre todo a renovar el género del retrato, inventando una tipología que se extendería entre sus compañeros Macchiaioli, que le siguieron en la búsqueda de la captación de las actitudes de los retratados -la mayoría de las veces de cuerpo entero- y de los ambientes que realmente habitaban. De este modo, los interiores de los estudios, los salones y los dormitorios se convirtieron en pequeñas cajas ópticas llenas de detalles que relataban y hacían visibles aspectos de la vida social y del carácter de sus personajes. A este momento creativo pertenece el presente cuadro, que representa a la esposa de Jules Amigues en la época en que el célebre político debutaba como periodista en Italia, como corresponsal de "Le Temps", mezclándose asiduamente con la sociedad cosmopolita que se reunía en las colinas florentinas de Bellosguardo y, en particular, en la espléndida Villa dell'Ombrellino -habitada entonces por el excéntrico artista Marcellin Desboutin-. Fue aquí donde se conocieron Boldini y Amigues, implicados de diversas maneras en el proyecto de Desboutin y del editor Felice Solar de crear un periódico francófono en Toscana. Además, en 1867, año de creación de nuestro cuadro, la familia Amigues y Boldini se alojaban en Castiglioncello -en la costa al sur de Livomo- como huéspedes de Diego Martellì, crítico de arte y amigo de los Macchiaioli y más tarde de los impresionistas [véase Piero Dini - Francesca Dini, "Giovanni Boldini. Catalogo ragionato", Allemandi, Turín 2002, volumen II (Epistolario), p. 26]. El presente cuadro representa la esbelta figura de Madame Amigues sobre un fondo verde oscuro, iluminado en la parte inferior por los tonos rojos y anaranjados de la alfombra, que evocan la calidez de un interior burgués. Madame Amigues lleva un rico vestido negro ribeteado de azabache, cuya línea recuerda una crinolina simplificada de moda a finales de los años 1860. Un refinado encaje blanco cubre sus muñecas y su cuello, bajo el cual un gran lazo velado se despliega sobre su pecho en un tono claro y luminoso. Con el cabello castaño desfilado sobre la frente y dividido en diademas, el rostro de la modelo se vuelve hacia nuestra derecha, un movimiento contenido que Boldini supo captar rápidamente: Madame Amigues aparece así posada, sin estar inmóvil, mientras que el maestro italiano revela su estilo característico a través de una ejecución elegante y fascinante. Por Francesca Dini, experta en la obra de Giovanni Boldini. Reseña y traducción de Etude Millon

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 20 - Pierre BONNARD (Fontenay aux Roses 1867 - Le Cannet 1947) - El castillo de Virieu cerca de Le Grand-Lemps, hacia 1886 Óleo sobre lienzo montado sobre tabla de parqué 38 x 40 cm Procedencia: Colección Terrasse-Floury Colección Terrasse-Floury Todavía en la familia por herencia Bibliografía : Guy-Patrice y Floriane Dauberville, Bonnard 2e Supplément Catalogue raisonné de l'Œuvre peint, París, Ediciones Bernheim-Jeune, 2021 página 71, número 02190, reproducido Estas son las obras íntimas que Pierre Bonnard nos regala para contemplar desde su casa familiar de Le Grand-Lemps, y que tenemos el honor de presentar a la venta. Con una decena de hectáreas de terreno arbolado y un vasto jardín, "Le Clos" se encuentra al pie de los Alpes, en la antigua región del Dauphiné. Aquí pasaba Pierre Bonnard sus vacaciones de niño, en la casa que había pertenecido a su abuelo paterno, agricultor y semillero. El pintor se alojó aquí regularmente en primavera, desde el principio de su carrera hasta la venta de la propiedad en 1928. Timothy Hyman describe este lugar como una de las "constantes de su vida, desde su más tierna infancia hasta la víspera de su sexagésimo cumpleaños" (Bonnard, Londres, 1998, p. 70), y con el paso de los años se convirtió en un importante motivo recurrente en la obra de Pierre Bonnard. Por otra parte, fue en el verano de 1895 cuando Pierre Bonnard, que entonces vivía en Le Grand Lemps, se sintió por fin completo en su identidad de pintor, declarando: "Un buen día, todas las frases y teorías en las que se habían basado nuestras conversaciones -el color, la armonía, la relación entre la línea y el tono, el equilibrio- parecieron perder su carga abstracta y volverse concretas. De repente supe lo que buscaba y cómo iba a llegar a ello" (Timothy Hyman, Bonnard, Londres, 1998, p.35). En los años que siguieron a esta revelación, Bonnard pintó varios de sus lienzos más notables en Le Clos y poco a poco fue dirigiendo su atención hacia la campiña del Dauphiné. Sin embargo, estos lienzos tienen algo en común: revelan paisajes donde la naturaleza es la reina, sublimada, y donde los recuerdos felices de Le Clos impregnan cada elemento de las composiciones. Para Bonnard, estos cuadros representan un remanso de paz, un lugar intemporal que no se ve afectado por los cambios constantes de la modernidad. Estas obras particularmente íntimas nos invitan a nosotros, los espectadores, a entrar en la historia del hombre y artista Pierre Bonnard, y se ofrecen por primera vez en subasta. Siempre reliquias de familia, estos tres cuadros de Le Grand Lemps y del Dauphiné forman parte del patrimonio Terrasse-Floury, ya que Andrée Théodorine, hermana de Pierre Bonnard, estaba casada con Claude Terrasse, bisabuelo de los actuales propietarios.

Valorac. 18 000 - 22 000 EUR

Lote 25 - Maurice DENIS (Granville 1870 - Paris 1943) - Perros-Guirec, Jesús con Marta y María, 1917 Óleo original sobre lienzo 102 x 157 cm Firmado y fechado abajo a la izquierda Maurice Denis 1917 Etiqueta antigua en el bastidor: Première Exposition de collecteurs au profit de la Société des amis du Luxembourg ..... Procedencia Charles Pacquement, adquirido en la costosa exposición Druet de 1918 (Carnet des Dons et Ventes de l'artiste (CDV) n°983) Por descendencia, permaneció en la familia Pacquement Venta Palais Galliera, 7 de diciembre de 1976, París, lote 16 del catálogo de venta Colección particular Venta por Maître Paul Renaud, Hôtel Drouot, 17 de marzo de 2000 Colección particular, París Venta Beaussant Lefevre, 10 de junio de 2015, lote 118 Adquirido en esta venta por el propietario actual Exposición : Galería Druet, "Maurice Denis", París, 1918, n°2 Duodécima Exposición del Salón de Otoño, París, 1 de noviembre - 10 de diciembre de 1919, n°480 Première Exposition des Collectionneurs au profit de la Société des amis du Luxembourg, París, marzo-abril de 1924, n°185 (colección Ch. Pacquement) Musée des Arts Décoratifs, "Maurice Denis 1888-1924", París, 11 de abril - 11 de mayo de 1924, n° 259 (fechado en 1918) Museo de Arte Moderno, "Maurice Denis", París, 1945, n°122 Bibliografía : Suzanne Barazzetti, Maurice Denis, París, Grasset éditeur, 1945, página 289 (con la mención errónea de una exposición en Druet en 1927). Aparecerá en el catálogo razonado de la obra de Maurice Denis, actualmente en preparación por Claire Denis y Fabienne Stahl. En 1890, Maurice Denis publicó una nota en la revista "Art et critique", en la que definía el término "neotradicionalismo". Se trataba de un nuevo ismo, la marca de una tendencia artística y estética que estaba tomando forma entre finales del siglo XIX y principios del XX. El artista trató de definir el Simbolismo, entonces asociado a los Nabis, como un movimiento que rechazaba el arte académico y el Impresionismo. El artista escribió "He conocido a jóvenes que hacían una fatigosa gimnasia de los nervios ópticos para ver trompe-l'œil [...]: y lo conseguían, lo sé. El Sr. Signac le demostrará con ciencia impecable que sus percepciones cromáticas son de lo más necesario. Y el Sr. Bouguereau, si sus correcciones de estudio son sinceras, está íntimamente convencido de que copia la "naturaleza". [...] La admiración irracional de los cuadros antiguos (en los que, puesto que hay que admirarlos, se buscan interpretaciones concienzudas de la 'naturaleza') ha deformado ciertamente el ojo de los maestros de la Escuela. [...] ¿Alguien se ha dado cuenta de que esta "naturaleza" indefinible cambia constantemente, que no es la misma en el Salón del 90 que en los salones de hace treinta años, y que existe una "naturaleza" à la mode - una fantasía cambiante como los vestidos y los sombreros? " Por un lado, Maurice Denis criticaba la búsqueda de la mímesis antigua. Por otra, deseaba "tomar partido contra los excesos del análisis y los peligrosos prestigios nacidos de la superstición de los fenómenos atmosféricos" (Paul Jamot, Maurice Denis, Plon, París, 1945, p. 5). Con ello, el artista se distanció de las aportaciones del Impresionismo al arte. Así, su obra está marcada por temas clásicos, como los temas religiosos y profanos, las escenas familiares, los paisajes, el acontecer de Italia y Bretaña. Sus cuadros no están dictados por la imitación de la naturaleza, sino que combinan una realidad subjetiva impregnada de cierta melancolía. Durante los años de entreguerras, Maurice Denis fue un artista y decorador de renombre, ilustrando en varias ocasiones las declaraciones que había hecho años antes. La obra que presentamos, pintada en 1917, no es una excepción a este orden, lo que la hace representativa del estilo de Maurice Denis. "Cuando descubrió su vocación de artista a la edad de quince años, Maurice Denis escribió en su diario el 15 de mayo de 1885: "Debo convertirme en un pintor cristiano para poder celebrar todos los milagros del cristianismo, siento que eso es lo que debo hacer". En su mente, existía un poderoso vínculo entre el cristianismo y la pintura. Lo que quería ante todo era reinventar un arte cristiano para su época, combinando su desarrollo artístico con su viaje espiritual como creyente. En esta obra, Maurice Denis aborda un tema que le era particularmente cercano: el encuentro de Jesús con Marta y María, tal como se recoge en San Lucas (10: 38-42). Eligió no representar una conversación, sino una escena de una comida sagrada, muy similar a otro de sus cuadros, Les Pèlerins d'Emmaüs (hacia 1896, colección particular). El marco corresponde al balcón del "Silencio", una casa bretona con vistas a la playa de Perros-Guirec que el artista había comprado en 1908. A su manera habitual, Den

Valorac. 60 000 - 80 000 EUR

Lote 35 - Robert William VONNOH (Hartford 1858 - Nice 1933) - Retrato de Bessie Potter Vonnoh Óleo original sobre lienzo 41 x 31 cm Marcado al dorso con la plantilla del marchante C. Friedrichs Art Material Nueva York Nacido en 1858 en el seno de una familia estadounidense de Hartford, Robert William Vonnoh comenzó su formación artística en la Massachusetts Normal Art School en 1875, y después en París, donde fue admitido en la Académie Julian en 1881. En 1886, Vonnoh se casó con Grace D. Farrelll. Farrelll y celebraron su unión en el Hôtel Chevillon de Grez-sur-Loing. Los paisajes de este pueblo causaron una profunda impresión en el artista, que ahora sólo aspiraba a pintar fuera de su estudio, con la naturaleza como único modelo. Toda su obra pictórica celebra así lo que algunos críticos calificarían de "escuela de Grez", aunque el artista realizó varios viajes a París, al sur de Francia y a Estados Unidos. Cada lienzo representa una atmósfera donde la luz se capta en el momento, donde el tiempo parece suspendido. Vonnoh consigue combinar una paleta cromática caracterizada por su frescura y delicadeza con un toque limpio y preciso. Los tonos casi pastel de sus óleos, en particular sus rosas, verdes y azules, se combinan con pinceladas formadas por varios trazos pequeños, que dan un aspecto algodonoso a sus árboles en flor y una atmósfera vaporosa a sus paisajes. No en vano se asocia a menudo al artista con el movimiento postimpresionista, o con artistas como Armand Guillaumin, Camille Pissarro y otros. La pasión de Vonnoh por esta parte de Île-de-France le llevó a instalarse definitivamente en Grez-sur-Loing, en una de las casas de Marie Simard, entre 1870 y 1880, acompañado de su segunda esposa, Bessie Potter, escultora estadounidense. La colección que ponemos a la venta es un testimonio de su amor y de su práctica artística, ya que ambos tomaron como tema a Bessie Potter, uno para realizar su retrato y el otro su autorretrato. Esta colección es también un emotivo homenaje de la pintora estadounidense, fascinada por la belleza de la naturaleza y sus matices, desde los paisajes del Sena y el Marne hasta las orillas del Mediterráneo.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

Lote 40 - Robert VONNOH (Hartford 1858 - Nice 1933) - El cerezo en flor Óleo original sobre lienzo 61,5 x 76 cm Firmado abajo Robert Vonnoh En Grez, las hermanas Simard vivían en un patio contiguo al Hôtel Chevillon (sede de la colonia internacional de pintores impresionistas), y frente a la esquina de la Place du Sauvage y la panadería de mis abuelos. Este recinto, precedido por un porche, alberga aún varias casitas, una de las cuales Marie Simard había alquilado desde los años 1880 al pintor americano Robert Vonnoh. Marie había permanecido soltera y acogió a su "niño grande" como una madre durante sus estancias en Francia y gestionó su patrimonio cuando regresó a América. Su hermana Aline estaba casada con Désiré Moreau, antiguo conductor de carruajes en París y primo hermano de mi abuelo, el panadero. Las dos familias vecinas estaban muy unidas y las dos hermanas conocían los gustos artísticos de su vecino y primo político. En 1914, el estallido de la guerra llevó a Vonnoh a dejar su estudio y su contenido al cuidado de las dos hermanas. Al final de las hostilidades, Vonnoh regresó a Francia con su segunda esposa, Betty Potter, pero se instaló en Niza. Pasó algún tiempo en Grez, probablemente tras la muerte de Marie. Hizo un inventario de sus cuadros con la ayuda de Aline y le dejó la parte de sus muebles y obras que ya no le interesaban. Aline conservó "religiosamente" el legado de su "héroe" y, a su muerte en 1938, lo transmitió a su prima Marthe -mi abuela-, a quien consideraba digna de velar por la perennidad de este recuerdo. Marie Simard, la casera (fallecida el 8 de febrero de 1920) Gracias a su hermana Alix Simard (fallecida el 27 de noviembre de 1938), que cedió los cuadros a Marthe Floreau Crepin (fallecida el 30 de diciembre de 1950), abuela de la actual propietaria.

Valorac. 15 000 - 20 000 EUR

Lote 43 - Raymond THIBESART (Bar sur Aube 1874 - 1968) - Las piedras del molino, 1912 Pastel 22,5 x 30,5 cm Firmado, fechado y fechado abajo a la izquierda Thibesart Vaux 12 Raymond Thibesart fue un pintor francés asociado al movimiento postimpresionista, cuyo estilo se describe a menudo como suave y delicado. Nacido en el seno de una familia acomodada, mostró aptitudes para el dibujo desde muy joven y comenzó a estudiar con Emile Boggio, pintor impresionista venezolano, a partir de los once años. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes en 1894, y posteriormente en la Academia Julian, donde se inspiró en la pintura impresionista y puntillista y de la que surgieron varios artistas fundadores del movimiento Nabis. En 1897, Raymond Thibesart recibió una medalla de la Société des Artistes Français y expuso regularmente en el Salon d'Automne y en el Salon des Indépendants. A finales del siglo XX, y sobre todo tras su viaje a Italia con Emile Boggio, Raymond Thibesart se orientó cada vez más hacia el postimpresionismo. Plasmó los paisajes que recorría con toda la espontaneidad del trabajo sobre el motivo y los colores, como en Suiza, Bélgica, Córcega y otros lugares. Raymond Thibesart desarrolló un lenguaje pictórico muy personal, con un uso magistral de la luz y el color, captando los efectos cambiantes del sol sobre paisajes, árboles, flores, pajares, etcétera. Sus obras reflejan una meticulosa observación de la atmósfera que emana de cada elemento de la naturaleza. Así, Thibesart retrata con finura la luz fría del invierno o la vitalidad del verde primaveral. Dotado de una gran sensibilidad, logra captar la belleza efímera que se le presenta y la transcribe en su lienzo con poesía y serenidad. En resumen, sus cuadros de paisajes son verdaderas odas a la naturaleza y a la luz, que invitan al espectador a la contemplación e incluso al ensueño.

Valorac. 500 - 800 EUR

Lote 58 - Charles CAMOIN (Marseille 1879 - Paris 1965) - Vista de la bahía de Saint Tropez Óleo sobre cartulina Vista de 17 x 26,5 cm Firmado abajo a la izquierda Ch. Camoin "Camoin pintó más de trescientos cuadros de Saint-Tropez y sus alrededores. El puerto, la Place des Lices, la Plage des Canoubiers, la Petite Afrique, La Ponche, etc., son lugares destacados de Saint-Tropez. Las escenas bucólicas del interior que ilustran la recogida de aceitunas o almendras, la vendimia o las representaciones de su feliz familia (picnics, descansos) le proporcionaron la mayor parte de sus temas. Las obras de madurez son más espontáneas, asociadas a una temática rica, a veces fluida, pero siempre colorista y luminosa. Contienen la influencia de Renoir, de la que no escaparía la obra parisina del pintor. Camoin afirma su gusto por una pintura sensual, voluptuosa y espontánea, cualidades de las que carecía y que Renoir le había reprochado. Poco después de su encuentro con el viejo impresionista, escribió a su amigo Audibert: "Comprendo muy bien lo que Renoir ha dicho de mí. (Mis estudios) tienen una frescura de impresión y una espontaneidad que siempre se pierden en las obras más avanzadas, pero que deben ser sustituidas por una plenitud, una mayor solidez de construcción. (...) Renoir tiene razón, hay que atreverse". (...) Trabajando sin descanso, escribe a Matisse: "Acabo de pasar un periodo de trabajo muy sostenido, pero bastante fatigoso, subiendo mañana y tarde con mi mochila por los campos, y he tenido la impresión de que empezaba a interesarme por el paisaje, donde descubría cosas que no había visto desde hacía años que estaba aquí". Véronique Serrano, Camoin Revival. Les jours heureux, en Camoin dans sa lumière, Musée Granet Aix en Provence, 2016.

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

Lote 77 - Francis PICABIA (Paris 1879-1953) - El pescador, ca. 1937-1938 Aguada sobre cartulina 48,5 x 60 cm a la vista Firmado abajo a la derecha Francis Picabia Procedencia: Regalo de nacimiento a la madre del actual propietario de Olga Picabia, en 1958, a Madame Hélène Marie Paule Saint Maurice (Henri Saint Maurice, su abuelo, amigo íntimo de Francis y Olga Picabia) Todavía en la familia Se entregará al comprador un certificado del Comité Picabia. Este gouache de Francis Picabia, Le Pêcheur, que tenemos el honor de presentar en nuestra venta, fue un regalo de nacimiento de Olga Picabia a la madre del actual propietario, Madame Hélène Marie Paule Saint Maurice, en 1958. Esta obra, que nunca ha salido de la familia, nunca se ha presentado en el mercado del arte. Este gouache es, por tanto, una pieza totalmente única que encarna el vínculo de amistad que unió a estas dos familias. Henri Saint-Maurice, nacido en 1901 en Martinica y marido de Hélène Marie Paule Saint Maurice, fue director general de la Compagnie minière de Conakry y ferviente coleccionista de las obras de Picabia. Erudito de su época, estudió en los institutos Louis-le-Grand y Saint-Louis. Fue admitido en la Ecole Centrale des Arts et Manufactures, donde se graduó como ingeniero en 1923. Posteriormente se licenció en Derecho, especializándose en Derecho Internacional Público y Economía Política. En 1937 se graduó en la Escuela Libre de Ciencias Políticas. Comenzó su carrera profesional en Thomson-Houston, antes de trasladarse a México y luego a Laos para trabajar en minas de metal. A continuación regresó a Francia y obtuvo un puesto en Citroën en 1937, luego en la Société Industrielle des Télécommunications en 1944 y en Dunlop entre 1949 y 1955. Paralelamente, escribe una tesis y se doctora en Derecho en la Facultad de París en 1955. A continuación, la Oficina Internacional del Trabajo le confía una misión de formación de altos ejecutivos en Yugoslavia hasta 1958. Esta experiencia le permitió dedicarse a escribir un libro sobre los problemas del desarrollo. En 1960, Henri Saint-Maurice asumió definitivamente la dirección de la Compagnie minière de Conakry y siguió publicando obras sobre la remuneración y la formación del personal, como L'Homme sans la misère. Su actividad profesional le llevó a viajar por todo el mundo y a codearse con numerosos círculos eruditos y artísticos con los que estableció vínculos, intercambió ideas y compartió pasiones. Uno de estos preciosos encuentros fue con Francis Picabia, pintor y miembro de la aristocracia española y de la burguesía francesa de su época. Atraído por el dibujo y la pintura desde muy joven, Francis Picabia comenzó su aprendizaje en 1895 en la Escuela de Artes Decorativas. En 1899, debutó en el Salón de Artistas Franceses, lo que le permitió abrirse paso poco a poco en la escena artística. A partir de 1902, Picabia empieza a fijarse cada vez más en la obra de Pissarro y Sisley, lo que le lleva a cambiar su visión del arte. Es entonces cuando comienza el periodo impresionista de Picabia. Expone en el Salon d'Automne, luego en el Salon des Indépendants, y firma un contrato con la Galerie Haussmann. En 1909, con su reputación bien establecida, Picabia se embarca en la aventura del arte moderno y se vuelve cada vez más independiente en su práctica artística. Buscaba su propio lenguaje visual, una renovación pictórica cuyo objetivo era romper con una lectura tradicional del arte. Se acerca a las vanguardias, en particular a la abstracción. En 1909 se casó con Gabrielle Buffet, músico francesa y más tarde figura clave del movimiento Dadá. Su matrimonio duró hasta 1930, cuando las dos parejas, Francis Picabia y Gabrielle Buffet-Picabia por un lado, y Henri Saint-Maurice y Hélène Marie Paule Saint-Maurice por otro, se hicieron íntimos amigos. La primera prueba de esta cercanía es una carta de Gabrielle Buffet-Picabia, encontrada en casa de los actuales propietarios de Le Pêcheur, en la que se menciona a Henri Saint-Maurice. Con el paso de los años, Picabia fue tomando conciencia de la monotonía de gran parte del arte moderno parisino de finales de los años veinte. "Mi estética actual nace del aburrimiento que me causa el espectáculo de los cuadros que me parecen congelados en una superficie inmóvil, alejada de las cosas humanas. Esta tercera dimensión, que no es producto del claroscuro, estas transparencias con su rincón de olvido me permiten expresarme, a semejanza de mis voluntades interiores, con cierta verosimilitud. Cuando coloco la primera piedra, se encuentra

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