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mar 25 jun

Alfred Pierre Noël Cazaubon (1895-1979) Orfeo alzando su lira Hacia 1940 Firmado CAZAUBON en la terraza Gran figura en escayola pintada en imitación de bronce Firmado CAZAUBON en la terraza Gran figura en yeso pintada a imitación del bronce Firmado CAZAUBON en la terraza Gran figura en escayola pintada a imitación del bronce 287 x 75 x 58 cm (112,9 x 29,5 x 22,8 in) Notas a pie de página: Procedencia Adquirido en París en los años 1970 por el actual propietario Disponemos de poca información sobre Pierre Cazaubon (1885-1979). Nació en Pau y se formó en el taller de Joseph Alexandre y Ernest Gabard (1879-1957). Expone regularmente en la Société des amis des Arts de Pau. Prosigue su formación en París con Injalbert (1845-1933). Posteriormente, entre 1927 y 1928, pasa una temporada en América, donde realiza los bajorrelieves de la iglesia de San Juan de Nueva York y del Palacio de Congresos de La Habana. A su regreso a París en 1929, es nombrado miembro del Salón de Otoño con el premio Bernheim de Villier, y expone por primera vez junto a artistas como Bugatti, Maillol, Pompom y Dejean. Su escultura "Porteuse d'eau" (Portadora de agua), colocada a la entrada de la Sala IV, atrajo una gran atención y fue considerada una revelación por sus "cualidades de atenta sencillez y modelado insinuante, suave, pero perfectamente preciso" (loc. cit., Le Temps, 5 de noviembre de 1929). A continuación, expone regularmente esculturas en diferentes materiales, piedra, bronce y yeso, en el Salón de Otoño. Fue premiado en las Exposiciones Universales de 1930 y 1937, y en 1947 obtuvo una medalla de oro en la categoría de arte monumental en la Exposition internationale de l'habitation et de l'urbanisme en el Grand Palais. Conocemos también una escultura monumental de bronce que representa a Heracles estrangulando a una serpiente y que se vendió en la casa de subastas de Pau-Pirineos, Etude Gestas, el 17 de junio de 2000. El gobierno francés le encargó varias esculturas, por lo que está relativamente bien representado en las colecciones públicas francesas (Museo de Pau, Museo de Arte Moderno de París, Teatro Nacional de Chaillot, Centro Nacional de Artes Plásticas, etc.). Las obras de Pierre Cazaubon son típicas del periodo de los años treinta y están fuertemente inspiradas en Maillol y Bourdelle. Al igual que Bourdelle, intenta dar a sus esculturas una dimensión monumental. La figura que aquí se muestra es un buen ejemplo de ello, y es casi con toda seguridad el diseño en yeso del suntuoso bronce de las mismas dimensiones fundido por Attilio Valsuani (en activo entre 1927 y 1960), actualmente en la galería Nicolas Bourriaud de París. Literaturas comparadas F. Roches, "Le salon d'automne 1941" , l'Architecture française: architecture, urbanisme, décoration 1940 - 1975, París Dossier d'artiste du musée des années Trente, Boulogne-Billancourt, Le Temps, 5 nov. 1929 Ficha de artista de las obras y documentación de los museos de la ciudad de Pau Isabelle d'Amécourt Experta - Miembro SFEP [email protected] Este lote está sujeto a los siguientes símbolos de lote: AR AR Se cobrará un porcentaje adicional a los compradores de lotes precedidos por el símbolo AR correspondiente a los derechos de reventa de los artistas en virtud del Reglamento sobre derechos de autor de 2006. Para más detalles, consulte las condiciones de venta. De koper is ons een extra premie verschuldigd ter dekking van onze kosten in verband met de betaling van royalty's krachtens de Artists Resale Right Regulations 2006. Para más información, consulte las siguientes secciones. El Comprador deberá abonarnos una Prima Adicional para cubrir nuestros Gastos relacionados con el pago de derechos de autor en virtud del Reglamento sobre el derecho de participación de los artistas de 2006. Para más información, consulte nuestras condiciones generales. Para más información sobre este lote, visite Bonhams.com

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

jue 27 jun

Paul Landowski, 1875 Paris – 1961 Boulogne-Billancourt - HÉRCULES Y EL HINDÍN QUERINÍTICO, 1922 Altura: 49,3 cm. Anchura: 60,9 cm. Profundidad del zócalo: 23 cm. Profundidad total: 25 cm. Firmado en el zócalo alargado de esquinas redondeadas, con la marca de fundición "F. BARBEDIENNE Fondeur Paris". Bronce plateado. Gran grupo de figuras que representan al joven Hércules que, según el mito griego, debía atrapar la cierva como tercera de sus doce tareas. Hércules está representado aquí como juvenilmente esbelto en estilo Art Déco, lo que dio origen a la idea de la escultura como trofeo deportivo. La escultura fue también un trofeo para la copa internacional de esquí de 1922; también se realizó otro molde para la delegación olímpica sueca en 1922. Basado en el modelo de 1921, el modelo de escayola se encuentra en el Museo de los años 30 de Boulogne Billancourt. En su diario, Landowski confesó su admiración por el escultor Bourdelle, reconociendo el parecido entre la cabeza del joven y la de Hércules. Las obras se encuentran en el Museo Metropolitano de Nueva York. Solo algunos de los vaciados estaban patinados en plata, uno con pátina de oro se vendió en una subasta en 2018.La familia del escultor era de origen polaco. Fue miembro de la Academia de Bellas Artes de París desde 1926 y más tarde fue su director. También fue director de la Villa Médicis de Roma. A.R. Literatura: Cf. Jules Romaines, Gérard Caillet, Pierre Berdoy, Paul Landowski, 1875-1961, La main et l'esprit, París 1961 (1401586) (11) Paul Landowski, 1875 París - 1961 Boulogne-Billancourt HÉRCULES Y LA CIERVA CERNEANA, 1922 Altura: 49,3 cm. Longitud: 60,9 cm. Profundidad del zócalo: 23 cm. Profundidad total: 25 cm. Firmado en el zócalo con esquinas redondeadas con la marca de fundición "F. BARBEDIENNE Fondeur Paris". Bronce; plateado. Gran grupo figurado que representa al joven Hércules, quien, según la mitología griega, debía capturar a la cierva Ceryneia como tercero de sus doce trabajos. Hércules aparece juvenil y esbelto en el espíritu del Art Déco, lo que dio pie a que la escultura pudiera considerarse también un trofeo deportivo: en 1922 se utilizó como trofeo internacional de esquí. El modelo de escayola se conserva en el "Museo de los años 30" de Boulogne Billancourt. Bibliografía: Jules Romaines, Gérard Caillet, Pierre Berdoy, Paul Landowski, 1875-1961, La main et l'esprit, París 1961.

Valorac. 10 000 - 12 000 EUR

jue 27 jun

Jean-Baptiste Carpeaux, 1827 Valenciennes – 1875 Courbevoie - UGOLÍN Altura: 48 cm. Anchura: 37,2 cm. Profundidad: 27,3 cm. Firmado "B. Carpeaux" en el anverso de la base de turba, sello del taller "Propriété Carpeaux" en el reverso. Fundido en vida del artista, en 1870, a partir de un modelo de 1861. Bronce, pátina oscura. Grupo de bronce que representa expresivamente un acontecimiento histórico, a saber, el destino del noble toscano Ugolino della Gherardesca, conde de Donoratico, muerto de inanición en Pisa en 1289 junto con sus dos hijos y dos nietos debido a rivalidades políticas. Dante ya había retomado el tema trágico en su "Divina Comedia". Carpeaux, galardonado con el Premio de Roma en 1854, pasó los años siguientes en Italia, que probablemente inspiró este tema. El "Juicio final" de Miguel Ángel, pero también el antiguo Laocoonte, le sirvieron de inspiración. Como escultor, siempre maestro de la expresión psicológica, creó una conmovedora representación del tormento físico y emocional de las cuatro figuras desesperadamente hambrientas. El padre resiste el impulso de aceptar a sus hijos como alimento, una situación monstruosa que se hace extremadamente evidente en el grupo de figuras. La escultura de tamaño natural fue creada entre 1857 y 1861 como obra final para la beca de Roma. Una versión en mármol (altura: 197,5 cm) fue adquirida por el Metropolitan Museum de Nueva York. Un bozzetto de yeso (54 cm) se encuentra en el Musée des Beaux-Arts, Valenciennes, otro en el Musée d'Orsay París, y un "Ugolino" 1861, en el Petit Palais, París. La versión en bronce fue creada como reducción en 1863, a partir del modelo de 1861. Carpeaux fue alumno de Fernand Liet, Duret y Rude. Tras estudiar en Italia, donde fue descrito como un "Miguel Ángel recién resucitado", expuso en la Villa Médicis. Se instaló en París en 1862, donde, amigo de Géricault, conoció al escultor Albert-Ernest Carrier-Belleuse. Influido por François Rude, se convierte en alumno de Francisque Joseph Duret en la Academia. Pronto recibió encargos de alto rango y realizó numerosos bustos, figuras de cuerpo entero y grupos de figuras, siempre expresivos y acordes con el naturalismo. Dalou y Forain fueron alumnos suyos. Bronces correspondientes en la Staatliche Kunsthalle Karlsruhe (n.º inv. P 232) y en la Hamburger Kunsthalle (n.º inv. S-1979-7). A.R. Literatura: Michel Poletti, Alain Richarme, Jean-Baptiste Carpeaux, Sculpteur, Catalogue raisonné de l'oeuvre édité. París 2003, p. 71 y ss. Exposición: Elegante-Expresivo, de Houdon a Rodin Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Escultura francesa del siglo XIX en la Staatliche Kunsthalle Karlsruhe. (1401583) (11) Jean-Baptiste Carpeaux, 1827 Valenciennes - 1875 Courbevoie UGOLIN Altura: 48 cm. Anchura: 37,2 cm. Profundidad: 27,3 cm. Firmado en el anverso del zócalo de hierba "B. Carpeaux", en el reverso sello del estudio "Propriété Carpeaux". Fundición de toda la vida, 1870. Modelo 1861. Bronce con pátina oscura. Grupo figurado de bronce que representa expresivamente un acontecimiento histórico, a saber, el destino del noble toscano Ugolino della Gherardesca, conde de Donoratico, que murió de hambre en la cárcel de Pisa en 1289 debido a rivalidades políticas, junto con sus dos hijos y sus dos nietos. Carpeaux, que ganó el Prix de Rome en 1854, pasó los años siguientes en Italia, lo que probablemente le inspiró este tema. El Juicio Final de Miguel Ángel y el antiguo Laocoonte le sirvieron de inspiración. La escultura fue creada entre 1857 y 1861 a tamaño natural, como obra final de su beca en Roma. El Museo Metropolitano de Nueva York adquirió una versión en mármol (altura: 197,5 cm). Un bozzetto de yeso (54 cm) se conserva en el Musée des Beaux-Arts de Valenciennes, otro en el Musée d'Orsay de París, un Ugolino de 1861 en el Petit Palais de París. La versión en bronce fue creada como reducción en 1863 a partir del modelo de 1861. Bibliografía: Michel Poletti, Alain Richarme, Jean-Baptiste Carpeaux, Sculpteur, Catalogue raisonné de l'oeuvre édité, Paris 2003, pp. 71... Exposiciones: Elegante - Expresivo. De Houdon a Rodin, escultura francesa del siglo XIX, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Siegmar Holsten (ed. et. al.), 2007.

Valorac. 250 000 - 300 000 EUR

vie 28 jun

BALDUS, Édouard El Louvre. 1149 fotos originales pegadas en 462 láminas, 1 grabado y 2 planos. Presentado en 9 estuches. Las fotografías son impresiones en papel salado a partir de negativos sobre papel (para los pequeños formatos: detalles de esculturas) o vidrio colodión (para los grandes formatos: pabellones del Nuevo Louvre), entre 1855 y 1857.La construcción del Nuevo Louvre fue objeto de una formidable operación fotográfica encargada por el Ministro de Estado, Achille Fould, y Lefuel. En mayo de 1854, siguiendo instrucciones verbales del ministro, Lefuel pidió a Baldus (1813-1882), fotógrafo que había trabajado en la historia del Louvre, que utilizara el nuevo medio de la fotografía para conservar una imagen de las extraordinarias obras de construcción del nuevo Louvre. El objetivo de Lefuel era constituir un archivo fotográfico de los momentos clave de la construcción del nuevo Louvre. Baldus fotografió así las diferentes etapas de la construcción del nuevo Louvre. Se trata de la serie de "vistas dominicales" o "pruebas dominicales". Cada domingo, Baldus fotografiaba los distintos pabellones y alas del Louvre en construcción desde varios puntos de vista, desde la demolición de las antiguas estructuras hasta la elevación de los pisos y la instalación de estatuas en las fachadas. Hoy, gracias a estas fotografías, podemos seguir paso a paso la construcción de los nuevos edificios. Baldus tomó fotos de gran calidad de las distintas etapas de la construcción del Louvre, con encuadres meticulosos y tomas que dan la impresión de espacio, volumen y monumentalidad. Cualidades que pocos fotógrafos de la época fueron capaces de lograr. Baldus evitaba el pintoresquismo, y sus placas son consideradas por los especialistas como la cumbre de su arte. En 1855, Baldus recibió un nuevo encargo. Se trataba de fotografiar todas las estatuas y decoraciones de las fachadas del Louvre. Este trabajo constituye una fuente única para nuestro conocimiento de las estatuas realizadas durante este periodo de esplendor para el arte de la escultura. Se fotografiaron todas las estatuas, no sólo las que vemos hoy en día, sino también las que se propusieron a Lefuel y fueron rechazadas, las que fueron abandonadas y las que fueron destruidas o trasladadas. Todas las estatuas fueron fotografiadas entre 1855 y 1868, a excepción de dos estatuas de Préault, La Guerre et la Paix (sin duda debido a la rapidez de ejecución del autor). Las fotografías de las estatuas y decoraciones fueron tomadas por Baldus, renunciando a cualquier efecto artístico y concentrándose en la reproducción más rigurosa de la estatuaria (todas las fotografías fueron tomadas de frente a la obra, sin ninguna distorsión debida a la perspectiva). Las estatuas se fotografían en la fase de modelo de escayola, cuando los escultores las ponen a disposición en la Isla de los Cisnes. Cada fotografía va acompañada de un comentario en el que se indica el autor, el nombre de la obra o, en su defecto, el tipo de obra (frontón, grupo de coronación, etc.), el lugar de instalación y el año de ejecución. Estas fotografías e indicaciones constituyen una colección de inestimable valor para investigadores e historiadores. Este excepcional fondo documental comprende varios miles de fotos, unas cinco mil en total. Estas fotos se utilizaron ampliamente como referencia para la restauración de los Hombres Ilustres y Genios con Atributos, entre 1990 y 1993. Estas fotos son también indispensables para seguir la pista de todos los artistas que contribuyeron a la decoración del Louvre, en particular los menos conocidos. Cuando recibió el encargo del Louvre, Baldus ya era conocido como fotógrafo de arquitectura. Había sido elegido por la comisión Monuments Historiques para fotografiar los monumentos históricos de Francia en el marco de la misión heliográfica lanzada en 1851 (junto con otros tres fotógrafos, Henri Le Secq, Gustave Le Gray y O. Mestral). En 1855, recibe el encargo de fotografiar los paisajes atravesados por la línea ferroviaria de París a Boulogne. En 1859 realizó un informe similar para la línea París-Lyon-Méditerranée. En 1856, el Ministro del Interior le encargó también inmortalizar los paisajes del Ródano tras las inundaciones de 1856. Después de 1868, y hasta su muerte en 1889, Baldus se limitó a explotar su colección fotográfica publicando sus fotos en forma de álbumes y participando en eventos internacionales (París, Bruselas, Londres, etc.).

Valorac. 2 000 - 3 000 EUR

vie 28 jun

Joseph CSAKY (1888-1971) Teryicorh Yeso de estudio (faltan pequeños trozos). Titulado en el anverso, firmado en el lateral y fechado en (19)65. Altura: 56 cm Contexto histórico: en la mitología griega, Terpsícore era la musa de la danza. Procedencia: - Venta Atelier de Joseph Csaky, Claude Boisgirard y Axel de Heeckeren, Hôtel Drouot, París, 10 de marzo - 28 de junio 1978, lote nº 86 (yeso vendido con derechos de impresión para ocho ocho ejemplares); - venta de la colección Patrick Trigano, Christie's, París, 5 de julio de 2005, nº 80 (las nueve musas juntas). Bibliografía: Félix Marcilhac, Joseph Csaky, du cubisme historique à la figuration réaliste - Catalogue raisonné des sculptures, Éditions de l'Amateur, París, 2007, modelo referenciado con el n° 1965-FM.364/a y reproducido en la p. 387 y en la p. 267 para una una fotografía de los nueve vaciados en yeso. 158 ART NOUVEAU - ART DECO OGER - BLANCHET Viernes 28 de junio de 2024 85 159 Joseph CSAKY (1888-1971) Haleia Yeso de estudio (faltan pequeños trozos). Titulado en el anverso, firmado en el lateral y fechado en (19)65. Altura: 56 cm . 3.000 euros / 4.000 euros Trasfondo histórico: en la mitología griega, Thalie es la musa de la comedia. Procedencia : - Venta Atelier de Joseph Csaky, Claude Boisgirard y Axel de Heeckeren, Hôtel Drouot, París, 10 de marzo - 28 de junio de 1978, lote nº 81 (yeso vendido con derechos de impresión para ocho ocho ejemplares); - Venta de la colección Patrick Trigano, Christie's, París, 5 2005, nº 80 (las nueve musas juntas); colección particular colección, París. Bibliografía: Félix Marcilhac, Joseph Csaky, du cubisme historique à la figuration réaliste - Catalogue raisonné des sculptures, Éditions de l'Amateur, París, 2007, modelo referenciado con el n° 1965-FM.360/a y reproducido en la p. 386 y en la p. 267 para una una fotografía de los nueve vaciados en yeso

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

sáb 29 jun

Sébastien de BOISHERAUD (1847-1927) "Si avanzo, sígueme; si retrocedo, mátame; si muero, véngame - Henri de La Rochejacquelein", 1882. Yeso firmado, titulado y fechado. Altura: 70,5 cm. Anchura: 38 cm. Fondo: 31,5 cm (desaparecido, dañado y restaurado). Esta poderosa figura de Monsieur Henri (1772-1794) evoca probablemente la batalla de Les Aubiers y se hace eco del cuadro de Pierre-Narcisse Guérin. Aquí, el general de 21 años se lanza al ataque en el momento álgido de la batalla, como lo demuestra el agujero causado por una bala en su sombrero. Con la espada desenvainada, anima a sus hombres y pasa por encima de un mortero y un fusil roto. Con la mano izquierda, sostiene firmemente el estandarte fleurdelisé. A los 19 años, Henri de La Rochejaquelein se negó a seguir a su familia en la emigración y optó por defender el trono en la guardia constitucional de Luis XVI, donde fue llamado en 1791. El 10 de agosto de 1792, formó parte de los desafortunados suizos que defendieron el palacio de las Tullerías. Cuando regresó a su patria, encontró a los vandeanos sublevados contra la persecución religiosa, el servicio militar obligatorio y la ejecución del rey. El 13 de abril de 1793, en el castillo de la Durbellière, en Mauléon, 3.000 campesinos insurrectos le aclamaron y le instaron a liderarles. Fue allí donde pronunció sus eternas palabras: "¡Si avanzo, seguidme! Si retrocedo, ¡matadme! Si muero, ¡vengadme! Ese mismo día, obtuvo una victoria en Les Aubiers sobre las tropas del general Quétineau. El norte de la región de Deux-Sèvres se sumió en la insurrección. Sébastien de Boishéraud había "conocido el fuego" como granadero durante siete años. Dotado para el dibujo, se interesó por la escultura a su regreso del cautiverio en Alemania en 1871. Alumno de Amédée Ménard y Charles Lebourg, expuso en los salones de Nantes y París. Artista figurativo, esculpe personajes de su país y de la historia. El Museo de Arte e Historia de Cholet conserva una estatua de terracota de François-Athanase de Charette. Fechada en 1885, sus dimensiones se aproximan a las de nuestra obra, que también figura en la portada del folleto "Les Boishéraud dans la Tourmente révolutionnaire, archives familiales, 2005". Por lo que sabemos, sólo se conocen unos pocos ejemplares de este yeso, todos ellos en colecciones privadas.

Valorac. 500 - 800 EUR

sáb 29 jun

Francis RENAUD (Saint-Brieuc, 1887-1973) VONNICK. Excepcional escultura en mármol de talla directa, hacia 1929. Titulada en la base y firmada al lado "RENAUD". Altura : 67 cm. (Pequeño desgaste). Realizado en 1927, el estudio en escayola de Vonnick fue realizado en terracota y expuesto en el Salón de 1935. Nuestra escultura, única y notable, es muy probablemente el mármol presentado en el Salón de los Artistas Franceses en 1929. Vonnick, jeune fille de Daoulas, es una escultura delicada y poderosa, encarnación del genio sensible de Francis Renaud, donde la pureza de la línea para expresar la profundidad del alma humana. Vonnick es la síntesis entre el naturalismo y la estilización geométrica, entre lo antiguo y lo moderno, y la dulzura que emana de esta joven bretona lo deja bien claro. Por último, Vonnick es una escultura única tallada en mármol, un material noble y difícil de domesticar, el crisol ideal para esta obra maestra de la escultura bretona. Hijo de comerciantes que vivían en la calle Saint-Guillaume de Saint-Brieuc, Francis Renaud asistió a la escuela municipal de dibujo de Saint-Brieuc, antes de entrar como pintor en la Escuela de Bellas Artes de Rennes en 1903 y luego en la ENSBA de París en 1908, en el taller de Fernand Cormon. Tras el servicio militar, Francis Renaud se matriculó en escultura en el taller de Jean-Antoine Injalbert. Expuso en el Salón de Artistas Franceses, donde ganó una medalla de oro en 1932. Sus obras se conservan en el Museo de Bellas Artes de Rennes, el Museo de Arte e Historia de Saint-Brieuc, el Museo de Bellas Artes de Quimper y el Museo Bretón de Quimper. Bibliografía: - JR Rotté, "Francis Renaud, sculpteur breton" en Briochin du temps passé, les cahiers de l'Iroise, 1985. - Colectiva, bajo la dirección de Philippe Le Stum, "La puissance et la grâce, sculpteurs bretons 1900-1950", Château de Kerjean, 1998.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

mié 03 jul

MARIUS JEAN ANTONIN MERCIÉ (1845-1916) David venciendo a Goliat Modelo creado en Roma 1869-70; publicado por Barbedienne (1810-1892) a partir de 1875 Bronce patinado marrón Firmado "A MERCIE" en la terraza Lleva el sello del fundador "F. BARBEDIENNE. Fondeur" en el reverso de la base (Pequeña deformación de la espada) David venciendo a Goliat, escultura de bronce con pátina marrón de Marius Jean Anthonin Mercié ALTURA 62,50 CM - ANCHURA 24,6 PULG. Obras relacionadas Antonin Mercié, David, hacia 1872, bronce, Al. 184,1 ; Anch. 76,8 ; Pr. 83,2 cm, París, Museo de Orsay, inv. RF 186. Bibliografía relacionada Florence Rionnet, Les bronzes Barbedienne, l'œuvre d'une dynastie de fondeurs (1834-1954), París, Arthena, 2016, modelo que figura con el nº 1072, p. 372. Con este envío de Roma, Antonin Mercié conoció un éxito inmediato y el reconocimiento del Estado, que le concedió la Legión de Honor y le encargó una versión en bronce en 1872, que se colocó en el Museo de los Artistas Vivientes en 1874. También fue un éxito popular: la obra se reprodujo en todos los periódicos. Las reducciones en bronce se multiplicaron y la fundición Barbedienne produjo seis versiones en diferentes tamaños. El 18 de diciembre de 1916, el diario L'Echo publica una noticia que resume muy bien el entusiasmo general por esta figura: "La estatua más popular realizada por Antonin Mercié es sin duda su 'David el Vencedor'. Los pequeños italianos que venden yesos en las calles de París llevan casi siempre en sus cestas varios modelos de esta figura. [...] " Los contemporáneos de Antonin Mercié vieron en esta escultura, enviada desde Roma en 1870, un eco de los acontecimientos que sacudían Francia en aquel momento. Tras la victoria prusiana, el espíritu francés se levantaba y esperaba ya una próxima reconquista. Mercié vio en el héroe bíblico una expresión de esta esperanza. Hace de David una personificación de Francia y de Goliat un símbolo del opresor prusiano. Al utilizar este tema bíblico, Mercié sigue los pasos de los escultores florentinos del Renacimiento, en particular de Donatello, que dio a su David una dimensión cívica y política. Del maestro florentino, Mercié retoma también el encanto grácil dado por el canon del cuerpo y el ligero contrapposto. A esta dulzura juvenil, Mercié añadió detalles más dinámicos y realistas que hicieron populares sus esculturas durante la Tercera República. A raíz de este David, Mercié recibió numerosos encargos de monumentos públicos de exaltación de la patria y de sus héroes.

Valorac. 1 500 - 2 000 EUR

mié 03 jul

AUGUSTE BARTHOLDI (1834-1904) Cabeza de América ca. 1856-1863 Yeso patinado en preparación para el monumento Bruat, Colmar (Accidentes menores) Cabeza de América, escultura en yeso patinado de Auguste Bartholdi, hacia 1856-1863 ALTURA 58 CM - ALTURA 22,8 PULG. Procedencia Por tradición oral, adquirida por el anterior propietario directamente a los descendientes de la familia Bartholdi. Obras relacionadas - Auguste Bartholdi, Estatua del almirante Bruat, 1857-1864, bronce, Champs de Mars, Colmar ; - Auguste Bartholdi, Proyecto para el monumento a Bruat, modelo en yeso tintado, 1856, Museo Bartholdi, Colmar; - Auguste Bartholdi, Cabeza de África, Fragmento de la antigua fuente, arenisca rosa, 1863, Museo Bartholdi, Colmar ; - Auguste Bartholdi, Cabeza de América, Fragmento de la fuente antigua, arenisca rosa, 1863, Museo Bartholdi, Colmar. Bibliografía relacionada - Stanislas Lami, Dictionnaire des sculpteurs de l'École française au dix-neuvième siècle, t. I, edición de p. 65 ; - Jacques Betz, Bartholdi, Les éditions de Minuits, París, 1954, pp. 46, 47 y 49; - Robert Belot y Daniel Bermond, Bartholdi, Perrin, 2004, pp.117 a 119; - Robert Belot, Bartholdi, l'homme qui inventa la liberté, colección Biographies et mythes historiques, Ellipses, 2019, pp.159 a 169, 314, 527. Con su rara modernidad y sus poderosas formas, esta cabeza de yeso de América corresponde al estado definitivo de la Alegoría del Nuevo Continente. América está "representada por un joven cuyo aspecto tiene aún algo de salvaje; con el pie izquierdo aparta viejos ídolos, bajo el codo una rueda dentada simboliza la industria, y un remo, el genio de la navegación". Su frente está coronada por una estrella. Esta estrella adornaba originalmente la frente de la mujer que debía representar a Europa "como símbolo de la luz de la que Europa es el centro". Aunque se ha dicho que esta estrella añadida era un signo masónico, una señal discreta del compromiso francmasónico de Bruat, su traslado de la frente de la "Vieja Europa" a la "Joven América" adquiere una dimensión totalmente simbólica y precursora en el gesto de Bartholdi, que, desde entonces, quiso lanzar un mensaje humanista a través del arte. Más de una década antes de que Bartholdi, próximo al movimiento abolicionista, se acercara a Édouard de Laboulaye, republicano moderado que veía en América un modelo de libertad en 1865 y proponía su proyecto de Estatua de la Libertad, presenta aquí una imagen optimista del Continente que simboliza el ideal democrático y la acogida de los inmigrantes.

Valorac. 30 000 - 50 000 EUR

mié 03 jul

AUGUSTE BARTHOLDI (1834-1904) Cabeza de África hacia 1863 Yeso patinado en preparación para el monumento Bruat, Colmar (Accidentes menores) Cabeza de África, escultura en yeso patinado de Auguste Bartholdi, hacia 1863 ALTURA 58 CM - ALTURA 22,8 PULG. Procedencia Por tradición oral, adquirida por el anterior propietario directamente a los descendientes de la familia Bartholdi. Obras relacionadas - Auguste Bartholdi, Estatua del almirante Bruat, 1857-1864, bronce, Champs de Mars, Colmar ; - Auguste Bartholdi, Proyecto para el monumento a Bruat, modelo en yeso tintado, 1856, Museo Bartholdi, Colmar; - Auguste Bartholdi, Cabeza de África, Fragmento de la antigua fuente, arenisca rosa, 1863, Museo Bartholdi, Colmar ; - Auguste Bartholdi, Cabeza de América, Fragmento de la fuente antigua, arenisca rosa, 1863, Museo Bartholdi, Colmar. Bibliografía relacionada - Stanislas Lami, Dictionnaire des sculpteurs de l'École française au dix-neuvième siècle, t. I, edición de p. 65 ; - Jacques Betz, Bartholdi, Les éditions de Minuits, París, 1954, pp. 46, 47 y 49; - Robert Belot y Daniel Bermond, Bartholdi, Perrin, 2004, pp.117 a 119; - Robert Belot, Bartholdi, l'homme qui inventa la liberté, colección Biographies et mythes historiques, Ellipses, 2019, pp.159 a 169, 314, 527. Esta cabeza representa a un negro de rasgos poderosos y duros, congelados en una expresión a la vez digna, orgullosa y amarga. En el contexto abolicionista de los años 1860, Bartholdi ofrece aquí a la vez una poderosa imagen del africano víctima de la esclavitud pero decidido a liberarse de sus cadenas opresoras, y su primera obra que transmite su compromiso político y su adhesión a los valores universalistas. El impacto de esta representación de África fue también inmediato para ciertas personalidades que se adherían a los mismos valores, como el doctor Schweitzer, médico y filósofo que llegó a ganar el Premio Nobel de la Paz en 1952. El museo Bartholdi conserva un conmovedor relato de su experiencia, titulado "¿Estoy presa de un sueño o de una alucinación?", que se transcribe íntegramente en la biografía de Robert Belot de 2019: "... Lo que veo como la joya más noble de Colmar es "el Negro" (término utilizado en la época, transcrito tal cual para permanecer fiel al texto original) que, con las manos cruzadas sobre las rodillas y una mirada profunda y aturdida, está tendido a los pies del Almirante. Sí, este "Negro" es la obra más noble y original de nuestra época escultórica. No conozco ninguna estatua que me haya causado una emoción tan maravillosa, que me conmueva tan profundamente hasta lo más hondo del alma. La verdad de la naturaleza y la verdad del ideal se combinan en un grado tan maravilloso...".

Valorac. 30 000 - 50 000 EUR

mié 10 jul

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Madonne au serpent", 1966. Yeso dorado. La edición está formada, por un lado, por tres piezas en escayola que fueron regaladas a tres restaurantes catalanes de Barcelona, Tarragona y Figueres; por otro, por algunos otros ejemplares en el mismo material que se realizaron para amigos y familiares de Joan Duran, creador del marco que rodea la escultura (siendo este último grupo al que pertenece la obra en licitación). También forma parte de la edición un último ejemplar en bronce dorado. Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo. Marco realizado por Joan Durán. Catalogado en: "Le dur et le mou", Eccart, R&N Descharnes, p. 204, fig. 496. Medidas: 49,5 x 33 x 6,5 cm (escayola); 62,7 x 46,5 x 12,5 cm (marco). Elementos típicamente dalinianos decoran el marco de este relieve de la Inmaculada Concepción: un conjunto de caracoles, en alusión al encuentro del maestro surrealista con Sigmund Freud, están flanqueados por dos huevos que simbolizan la fertilidad, un motivo repetido muchas veces en el repertorio de Dalí, que incluso decora el techo del Museo Salvador Dalí de Figueras, Durante sus primeros años, Dalí descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramon Pichot, un artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí comienza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se aloja en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales en 1926, fue expulsado por alegar que allí no había nadie apto para examinarlo. Ese mismo año, Dalí viaja por primera vez a París. Allí conoce a Picasso, y establece algunas características formales que se convertirán en distintivas de toda su obra a partir de entonces. Durante este periodo, Dalí expone regularmente tanto en Barcelona como en París y se une al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. El pintor desembarca en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A raíz de su primera exposición individual en Nueva York, se consolidó definitivamente su proyección internacional, y desde entonces expone y da conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Valorac. 10 000 - 12 000 EUR

mié 10 jul

Winfield Scott Autograph Document Signed - ADS, una página, ambas caras, 5,5 x 10,75, 17 de junio de 1852. Una directiva manuscrita de Winfield Scott en el reverso de un conocimiento de embarque parcialmente impreso, que atestigua que el "buen barco llamado Niágara cuyo capitán para este viaje es J. B. Haynes... anclado ahora en el puerto de Leghorn y con destino a Nueva York" contiene "una caja que contiene un busto de mármol que mide un cubo de 13,6 pies". Scott escribe las instrucciones para la entrega del busto en el reverso: "Entregar el mencionado mosto [busto] de mármol de mi persona, por el Sr. Ives, nativo de Nueva York, que ahora trabaja temporalmente como escultor en Roma y Florencia, a la orden del comandante Thomas Williams, del Ejército de los EE.UU., que pagará todos los gastos, etc.". La parte inferior está anotada y firmada por el Williams de referencia, fechada en Fort Mackinac, Michigan, el 28 de junio de 1852, en su totalidad: "Por favor, entregue el busto de mármol a Sidney Brooks, Esqr, N. York". Williams fue un oficial del ejército de carrera que luchó en la Guerra de México y que sirvió durante algunos años como ayudante de campo de Scott. Como general de la Unión en la Guerra Civil, luchó en Carolina del Norte y luego a lo largo del Mississippi y murió en combate en agosto de 1862 en Baton Rouge. En buen estado de conservación, con escrituras en los lados opuestos. La fecha de la directiva de Scott es digna de mención, ya que estaba a punto de ser elegido candidato Whig a la presidencia. Los Whigs abrieron su convención en Baltimore el 17 de junio, el mismo día en que Scott escribió este documento, y tres días después lo elegirían como su candidato para la carrera presidencial de 1852. Este documento se refiere al busto de Scott esculpido por Chauncey B. Ives (1810-1894) hacia 1851. Escultor neoclásico estadounidense, Ives trabajó primero en New Haven, Boston y Nueva York, produciendo muchos bustos de retratos, pero en 1844 se fue a Italia por motivos de salud. Allí pasó el resto de su carrera, continuando con los retratos de estadounidenses que visitaban el país, pero también plasmando en mármol bustos de yeso que había modelado en casa. Es probable que el busto de Scott que nos ocupa pertenezca a esta última categoría.

Valorac. 200 - 400 USD

jue 11 jul

ANGELA CONNER (BRITISH B. 1935), ANDREW CAVENDISH, 11TH DUKE OF DEVONSHIRE - ANGELA CONNER (BRITÁNICA, nacida en 1935)ANDREW CAVENDISH, XI DUQUE DE DEVONSHIRE Yeso pintado 45 cm (17½ pulg.) de alto Angela Conner y Andrew Cavendish, XI duque de Devonshire, se hicieron muy amigos tras ser presentados por John Osborne, cuñado de Angela Conner y dramaturgo. Desde aquel primer encuentro, Conner se convirtió en un entusiasta coleccionista de su obra, llegando a poseer más de cuarenta esculturas suyas, entre ellas bustos de destacados políticos, miembros de la realeza, escritores y famosos británicos, así como esculturas de jardín de mayor tamaño. Impresionado por su obra, Conner recibió el encargo de realizar retratos del propio duque de Devonshire y su familia, que se expusieron en 1975 en la Chatsworth Theatre Gallery junto a cuadros de Lucian Freud. Cavendish fue un aristócrata y político británico, conocido sobre todo por sus contribuciones a la conservación y gestión de propiedades históricas e instituciones culturales en Inglaterra. Además de heredar y restaurar Chatsworth House en Derbyshire, fue presidente de la Historic Houses Association y del Georgian Group, organizaciones dedicadas a la conservación de edificios y paisajes históricos en Inglaterra. También participó activamente en política, siendo diputado durante casi veinte años y ocupando diversos cargos gubernamentales, entre ellos el de Secretario de Estado para las Relaciones con la Commonwealth. Es bastante extraordinario cómo llegué a conocerla. Había ido al teatro y [...] me senté al lado de una señora a la que no conocía de nada y que me dijo que era escultora y que acababa de empezar a esculpir. Había hecho una cabeza de Roy Strong y le dije que me encantaría ir a verla. [...] Y así es como empezó todo". El Duque de Devonshire, 3 de enero de 2001, de una entrevista con Helen Dempsey. Procedencia: Directamente de la colección del estudio del artista

Valorac. 400 - 600 GBP
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