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DAVID SCHORR (Chicago, 1947 - Nueva York, 2018). "Danza de la muerte", 1991. Litografía, copia 10/18. Firmada, fechada y justificada en la zona inferior. Tamaño: 63 x 50,5 cm; 70 x 56,5 cm (marco). David Schorr fue un artista estadounidense cuya producción artística abarca la pintura, el dibujo, el huecograbado, la litografía y el aguafuerte. Elogiado por sus proyectos profundos y polifacéticos, Schorr exploró temas diversos que iban desde la comedia hasta la introspección del alma a través de sentimientos de nostalgia. Nacido en Chicago, Schorr recibió formación artística en las universidades de Brown y Yale. Comenzó a dar clases en la Universidad Wesleyan en 1971 e impartió una amplia gama de cursos, entre ellos grabado, dibujo, tipografía, diseño de libros, diseño gráfico y caligrafía, durante casi cinco décadas. Fue becario Fulbright en tres ocasiones, en Italia en 1975 y en la India en 1998 y 2001. Durante muchos años fue profesor adjunto en el Instituto Nacional de Diseño de Ahmedabad. Schorr fue ilustrador habitual de la obra literaria de The New Republic. Su obra también se ha publicado en The New York Times, The New Yorker, New York Magazine y Poetry Magazine. Mary Ryan Gallery ha celebrado siete exposiciones de la obra de Schorr entre 1986 y 2012. En 2015, recibió el Premio Binswanger a la Excelencia en la Enseñanza. Cada una de sus exposiciones individuales ha ido acompañada de un libro de artista diseñado por Schorr. Paul Monette, Phyllis Rose, Richard Howard, Judith Thurman, Stephen Greenblatt y Jonathan Galassi escribieron los ensayos de sus libros de artista. El Kennedy Center, el restaurante Scaramouche de Toronto, el restaurante Verdi de Santa Mónica y muchas otras instituciones públicas y privadas encargaron a Schorr importantes murales y carteles. Su obra forma parte de las colecciones del Museo de Arte de Cleveland (OH), el Centro de Arte Davison de la Universidad Wesleyan, el Museo Fogg de la Universidad de Harvard, el Museo de Israel, la Biblioteca y Museo Morgan de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Galería Nacional de Washington DC, la Biblioteca Pública de Nueva York y la Galería de Arte de la Universidad de Yale.

Precio de salida  80 EUR

ROCK POP. 4 Albumes con 4 LPs de vinilo. Este lote se compone de grupos de Rock Pop: Bilgeri, Chris de Burgh, Peter Case, "Some Girls Are Ladies". BILGERI. 1987. (Zafiro ?- 20112122) "Power Of Ten". CHRIS DE BURGH. 1992(A&M Records ?- 397 188-1) "Peter Case". PETER CASE. Edición alemana, 1986. (Geffen Records ?- 924 105-1) Procedencia: Este lote procede de la colección Jordi Tardà. Estado de conservación: Muy buen estado Peter Case (nacido el 5 de abril de 1954) es un cantautor y guitarrista estadounidense. Su carrera abarca desde el rock n' roll y el blues, hasta el folk rock y la interpretación acústica en solitario. Reinhold Bilgeri es un músico, escritor, guionista y cineasta austriaco. En la década de 1970 fundó el dúo Bilgeri & Köhlmeier junto con el escritor Michael Köhlmeier. Con la canción "Oho Vorarlberg", el dúo grabó un gran éxito en Austria en 1973. Bilgeri también adquirió notoriedad regional como vocalista de la banda de rock de la costa oeste Clockwork, con la que actuó hasta el inicio de su carrera en solitario en 1981. En 1981, Bilgeri alcanzó el éxito con la canción Video Life. Con canciones como Love Is Free o Some Girls are Ladies, celebró posteriormente más de 20 éxitos en las listas austriacas de los años ochenta y noventa. Con el álbum "* Oho", Bilgeri volvió a sus raíces de cabaret de Vorarlberg en 2001. Chris de Burgh es un cantautor e instrumentista irlandés. Comenzó como artista de art rock, pero más tarde empezó a escribir material más orientado al pop. Ha cosechado varios éxitos entre los 40 principales en el Reino Unido y dos en Estados Unidos, pero es más popular en otros países, especialmente Noruega y Brasil. Su canción de 1986 "The Lady in Red" alcanzó el número uno en varios países. De Burgh ha vendido más de 45 millones de discos en todo el mundo. Peter Eardley Sarstedt presentó una breve factura al principio de su carrera como Peter Lincoln, cantante, compositor e instrumentista británico. Era hermano de los músicos Eden Kane y Clive "Robin" Sarstedt. Aunque su música se clasificaba como pop, generalmente abarcaba baladas derivadas de la música folk tradicional más que del rock and roll tradicional. Se le conoce sobre todo por escribir e interpretar la canción "Where Do You Go To (My Lovely)?", que encabezó la lista de singles del Reino Unido en 1969. Novello in song", ganó un premio Ivor Novello. El disco siguió siendo el mayor éxito de Sarstedt, aunque publicó numerosos álbumes y singles de éxito a partir de finales de la década de 1960. Siguió de gira durante las décadas de 1980, 1990 y 2000, principalmente en espectáculos de revival de los años 60, hasta su retirada en 2010 por problemas de salud.

Precio de salida  20 EUR

mar 11 jun

RAMÓN CALSINA BARÓ (Barcelona, 1901 - 1992). "La tía Vacarisses". Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Con etiqueta al dorso de la Sala Nonell de Barcelona. Presenta una ligera craqueladura. Medidas: 100 x 80 cm; 130 x 111 cm (marco). Tras iniciar su formación en la Academia Baixas de Barcelona, Calsina ingresa en 1920 en la Escuela de La Lonja, donde fue discípulo de Feliu Mestres. Debutó individualmente en 1930 en la Sala Parés, y al año siguiente expuso en París. De especial importancia fueron las antológicas que celebró en Barcelona en 1957 y 1966. Su estilo, cercano al realismo mágico, es preciso y estilizado, a menudo irónico y lleno de detalles insólitos o fantásticos. También revela ciertas influencias de Goya, Daumier y Hogarth. Como dibujante, creó ilustraciones, carteles y vidrieras. Diseñó el vestuario y la escenografía de la obra "El casament de la Xela", de Xavier Berenguel (1938). Entre 1931 y 1933 colaboró con la revista alemana "Der Querschnitt". También ilustró novelas, como "El Quijote" y las obras de Edgar Allan Poe. En 1964 ganó el premio internacional de dibujo Ynglada-Guillot, y en 1990 se le concedió la Cruz de Sant Jordi. En 1984 un nutrido grupo de poetas, escritores, artistas e intelectuales hizo un llamamiento social para el reconocimiento de Calsina, a raíz del cual la Caja de Ahorros de Barcelona, con la colaboración de la Generalitat de Catalunya, le dedicó una exposición antológica. En 1990 se celebró otra en el Centro Conde Duque de Madrid, con la colaboración del Ayuntamiento. Está representado en varios museos españoles, así como en importantes colecciones privadas. En 2009 se creó la Fundación Ramón Calsina, promovida por sus herederos.

Valorac. 1 800 - 2 200 EUR

mar 11 jun

JOSÉ MANUEL CAPULETTI LILLO DEL POZO (Valladolid, 1925 - Eltville am Rhein, Alemania, 1978). Sin título. Óleo sobre lienzo. Daños en el bastidor. Firmado en la esquina inferior derecha. Medidas: 70 x 70 cm; 78 x 78 cm (marco). Obra realista en la que el artista sitúa a un músico como protagonista de la escena. La pieza es heredera de corrientes como el realismo mágico y también de la pintura metafísica, ya que comparte elementos en común, como el estilo clásico y el uso de este tipo de paisajes. Manuel Capuletti fue un artista autodidacta. Comenzó a introducirse en el mundo del arte en 1951, cuando decidió trasladarse a París, donde en 1952, gracias a su marchante André Weil, realizó su primera exposición individual en su galería. A pesar de ello, no fue hasta años más tarde cuando consiguió superar una situación precaria y asentar su carrera artística. En 1954 ya formaba parte de la élite cultural de la capital francesa, participando en numerosas exposiciones en las que adquirió un gran reconocimiento por parte del público y la crítica. Fue también en 1954 cuando comenzó a ampliar sus horizontes artísticos, participando en diversos proyectos teatrales, como Arte Flamenco Puro, estrenado en el Théâtre des Champs Elysées de París, y para el que Capuletti diseñó el vestuario. A partir de 1958, su pintura dio el salto a Estados Unidos, exponiendo su obra en numerosas galerías del país, como Hammer Galleries, en Nueva York, y explotando su faceta como diseñador de vestuario, llegando a colaborar con la compañía Harkness Ballet de Nueva York, para la que también realizó varios decorados. En 1967 regresó a España, y dos años más tarde realizó una importante exposición de retratos de cantaores y bailaores flamencos en el Ateneo de Sevilla. Sin embargo, en 1976 falleció inesperadamente durante un viaje a Alemania, y fue enterrado en el cementerio de Walluf. Gran parte de su legado quedó en las colecciones Mairena y Alcalá. La obra de Capuletti, de clara estética surrealista de herencia metafísica, se manifestó a través de numerosos soportes; dibujos, ilustraciones, grabados, pinturas y carteles fueron habituales en su producción, destacando especialmente su labor artística en el teatro, donde sobresalieron sus escenografías y vestuarios para espectáculos flamencos y ballets de famosos bailaores flamencos, como Vicente Escudero, Antonio y Pilar López.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

mié 12 jun

MIMMO ROTELLA (Catanzaro, Italia, 1918 - Milán, 2006). "Super Batman", 2003. Décollage adherido a lienzo. Pieza única. Firmado en la esquina inferior derecha. Fechado y titulado al dorso. Con etiqueta de la Fundación Mimmo Rotella. El Centro Pompidou conserva otro décollage de esta misma película. Se adjunta certificado firmado por Guy Pieters, de la Galería Pieters. Presenta daños en el margen inferior. Medidas: 182 x 130 cm; 186 x 134 cm (marco). En "Batman" Mimmo Rotella demuestra una vez más su incansable faceta de creador y su implicación en la experimentación con los nuevos lenguajes artísticos de la segunda mitad del siglo XX. El italiano, que en su día comenzó como pintor de abstracciones geométricas, demuestra en este "décollage" su progreso artístico y su constante contacto con el mundo que le rodea. Utiliza carteles publicitarios y viejos carteles de cine que, una vez arrancados de las paredes, pega al lienzo para crear composiciones semiabstractas. El cartel elegido para el décollage de la puja es de la película "Batman", una producción de William Dozier protagonizada por Adam West (en el papel de Batman) y Burt Ward (en el papel de su compañero Robin). Artista multidisciplinar, Mimmo Rotella trabajó con técnicas tan diversas como la pintura, la cerámica, el tapiz, el dibujo, el grafismo y la fotografía. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Roma, y tras el final de la guerra, en 1945, se trasladó a Roma, donde entró en contacto con la vanguardia. Más tarde se trasladó a París y Estados Unidos, y a su regreso a Roma se interesó por las posibilidades expresivas del cartel publicitario, creando una nueva técnica llamada décollage. En París participó en la experiencia del Noveau Rèalisme y su interés por la poética de los procesos mecánicos se expresó también con la creación del Mec-art, o procesos de transcripción seriada de la imagen. Actualmente está representado en museos como el Guggenheim de Nueva York y el Centro Georges Pompidou de París, entre muchos otros.

Valorac. 140 000 - 160 000 EUR

mié 12 jun

JACQUES VILLEGLÉ (Quimper, 1926-París, 2022). "Johnny Scorpions", 1999. Décollage (carteles desgarrados marouflés) sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Firmado y titulado al dorso. Se adjunta certificado de autenticidad firmado por el artista y por Guy Pieters. Medidas: 220 x 170 cm; 229 x 179 cm (marco). Jacques Villeglé explicó que fue en el metro de París, en 1969, cuando su lenguaje "décollage" (el proceso inverso al collage, ya que actúa por sustracción) tomó forma con fuerza. Ese día se encontró con un cartel que protestaba contra la visita del Presidente Nixon. El graffiti tenía una tipografía política que reforzaba la idea de rechazo. A partir de ese momento, desarrolló su grafismo político. Sin embargo, ya en los años cincuenta había empezado a apropiarse de carteles urbanos. Emuló en sus obras los desgarros que sufren los carteles a la intemperie por manos anónimas con el paso del tiempo, revelando capas subyacentes. "Johnny Scorpions" continúa por este camino, practicando una "guerrilla de signos", un palimpsesto de mensajes que dan lugar a un nuevo alfabeto, fragmentario y subversivo. Jacques Villeglé fue un destacado miembro del grupo artístico Nouveau Réalisme. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Rennes, donde conoció a Raymond Hains. Entre 1947 y 1949 estudió arquitectura en Nantes y luego se instaló en París. Comienza a coleccionar objetos en las playas, especialmente en Saint-Malo (alambres, restos del muro atlántico...) objetos con los que concibe esculturas, pero a partir de 1949, colecciona carteles lacerados, iniciando una línea más personal como "cartelista de guerrilla". A principios de los años cincuenta, el joven artista frecuentaba a los letristas disidentes (Bull Dog Brau, Guy Debord y Gil Wolman). En 1954, Villeglé conoce al poeta letrista François Dufrêne. En 1958 escribió un manifiesto sobre los carteles lacerados titulado "Realidades colectivas", prefiguración del manifiesto del Nuevo Realismo. En 1960, tras participar en la primera Bienal de París, Jacques Villeglé se une al grupo de los Nuevos Realistas, siendo uno de los miembros fundadores, junto con Martial Raysse, Yves Klein, Arman, Tinguely, Hains, Dufrêne, Spoerri...). Este movimiento decreta "nuevos enfoques perceptivos de lo real" y se basa, en lo que respecta a Villeglé, en un arte que quiere estar desprovisto de técnica y cercano a lo que se encuentra en la calle. Junto con su amigo Raymond Hains, con quien realizó la película "Penélope", Villeglé se apropia de los desgarros abstractos y líricos de la ciudad, infunde en sus obras una dosis de contestación política y se apropia de los mensajes políticos y mediáticos deconstruyendo su significado. Su primera exposición personal tuvo lugar en 1959. A partir de esa fecha, la obra de Villeglé se expuso en más de un centenar de exposiciones personales (en Europa y Estados Unidos) y en numerosas exposiciones colectivas (Salón de los Jóvenes de París, Salón Comparison, Salón Nika...). Importantes museos nacionales adquirieron sus obras pero, a pesar del aspecto innovador de su visión, Jacques Villeglé tuvo que esperar hasta 1970 para vivir de su arte y no alcanzó el reconocimiento público hasta finales de los años setenta. Tendría que esperar hasta 1998 para que el Museo Nacional de Arte Moderno adquiriera uno de sus carteles lacerados. En 1971 la Staatgallerie de Stuttgart le dedica la primera exposición museística centrada exclusivamente en los "affiches lacérées". Ese mismo año protagoniza la retrospectiva del Moderna Museet de Estocolmo y del Museo de Krefeld. En 1976 y 1977 participa en la exposición itinerante Panorama of French Art 1960-1975, que recorre Oriente Próximo y el norte de África. Los cinco años siguientes participa en varias exposiciones, como París-Nueva York y París-París, en el Centro Pompidou. En 1977 aparece la primera edición de Lacerée anonyme ou Urbi & Orbi. A lo largo de la década de 1980 y hasta la actualidad, participa en más de 200 exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, al tiempo que edita y publica su catálogo razonado. También aparecen varias monografías sobre su obra y su figura, así como una biografía escrita por Odile Felgine. Entre 2000 y 2010 promueve y colabora en diversas actividades de arte callejero; es reconocido por los grafiteros parisinos más importantes como pionero y precursor de su obra.

Valorac. 90 000 - 100 000 EUR

mié 12 jun

GILBERT & GEORGE; GILBERT PROESCH (Italia, 1943) y GEORGE PASSMORE (Reino Unido, 1942). "Thief", 2011, serie "London Pictures". 4 piezas montadas sobre un panel de madera con raíles formando parte del conjunto. Pieza única. Parte trasera con etiquetas con título, fecha, posición e instrucciones de cuidado. El panel nº 4 está firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Se adjunta certificado expedido por Jean Bernier & Marina Eliades en el que se indica que la obra fue expuesta en la Galería Bernier/Eliades de Atenas en 2012. Medidas: 76 x 73,5 cm (cada panel); 151 x 127 cm (total). Ladrón, Sexo, Bomba, Bancos, Apuñalado... éstas son las palabras clave que el genial dúo Gilbert y George destacan en rojo sangre en las diferentes series que forman parte de "London Pictures", agrupándolas por temas. Colores llamativos para expresiones sensacionalistas forman un diseño repetitivo en cuyos márgenes aparecen las efigies de ambos artistas como testimonios despistados. Forman un mural de noticias fragmentarias, un mosaico de escándalos y penas de nuestra sociedad. La serie se creó ordenando y clasificando por temas cerca de 4.000 carteles de titulares de periódicos, robados por los artistas a lo largo de varios años. Michael Bracewell escribe sobre "London Pictures": "Basándose directamente en la vida cotidiana de una gran ciudad, London Pinctures permite a la sociedad contemporánea contar su propia historia en su propio lenguaje. En el paisaje urbano de esta auditoría moral, Gilbert & George parecen pasar como fantasmas y videntes, alternativamente vigilantes y distraídos, como si sus espíritus rondaran las mismas calles y edificios que estos cuadros representan. Parecen componer una gran novela visual, revelando sin juicios el implacable relevo del drama urbano, en todas sus gradaciones de esperanza y sufrimiento". Gilbert and George es una pareja de artistas británicos compuesta por Gilbert Proesch y George Passmore, que han desarrollado su trabajo dentro del arte conceptual, la performance y el body art, siendo famosos principalmente por actuar como "esculturas vivientes". Se conocieron como estudiantes en la St. Martin's School of Art de Londres, y desde 1968 viven juntos y trabajan profesionalmente como dúo artístico. Una de sus primeras obras fue The Singing Sculpture (1969), en la que la pareja de artistas bailaba y cantaba Underneath the Arches, un éxito musical de los años treinta. Desde entonces se han forjado una sólida reputación como esculturas vivientes, convirtiéndose ellos mismos en obras de arte, expuestas durante diversos periodos de tiempo a la vista del público. Suelen aparecer impecablemente vestidos con traje y corbata, adoptando diversas posturas en las que permanecen inmóviles, aunque a veces también se mueven o leen algún texto, y en ocasiones aparecen en montajes o instalaciones de diversa índole. Además de su faceta "escultórica", Gilbert y George también realizan obras pictóricas, collages y fotomontajes, en los que a menudo se representan a sí mismos, junto a diversos elementos de su entorno inmediato, con referencias a la cultura urbana y un fuerte componente reivindicativo, donde abordan temas como el sexo, la raza, la muerte y el sida, la religión o la política, criticando a menudo al gobierno británico y al poder establecido. En este sentido, su serie más prolífica y ambiciosa ha sido Jack Freak Pictures, donde los colores rojo, blanco y azul de la bandera británica tienen una presencia constante. Gilbert y George han expuesto en algunos de los mejores museos y galerías del mundo, como el Stedelijk van Abbemuseum de Eindhoven (1980), la Hayward Gallery de Londres (1987), la Tate Modern (2007), etc. Han participado varias veces en la Documenta de Kassel (5, 6 y 7), y en 2005 representaron a su país en la Bienal de Venecia. En 1986 fueron ganadores del Premio Turner.

Valorac. 65 000 - 75 000 EUR

mié 12 jun

JEAN MICHEL FOLON (Bélgica, 1934 - Mónaco, 2005). "Quarante et unième pensée", 2002, edificio Empire State. Escultura en bronce patinado. Ejemplar 1/8. Firmada en la parte superior de la base. Se adjunta certificado expedido por la Fundación Folon. Medidas: 200 x 40 x 35 cm. En esta escultura Folon crea un personaje anónimo que parece perdido en un mundo indefinido y absurdo. Su cabeza está cubierta por un rascacielos americano, concretamente por el Empire State Building, lo que impide al alienado protagonista observar y comprender lo que ocurre a su alrededor. Pintor, ilustrador y escultor belga, Jean-Michel Folon estudió arquitectura en el Institut Saint-Luc de Bruselas, y en 1969 celebró su primera exposición individual de acuarelas en la Lefebre Gallery de Nueva York. Al año siguiente expuso en Tokio y Milán, y también participó en la Bienal de Venecia. Ya plenamente reconocido internacionalmente, participará en destacados certámenes como la Bienal de São Paulo de 1973, donde ganará el Gran Premio de Pintura. A lo largo de su carrera, Folon trabajó con diversas técnicas de ilustración, así como con el grabado, la serigrafía, el mosaico y el vidrio esmaltado. También creó numerosos carteles, muchos de ellos para causas humanitarias. Importantes museos le han dedicado exposiciones, como el Museo de Artes Decorativas de París (1971), el Museo Boymans van Beuningen de Rotterdam (1976), el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (1977), el Museo Metropolitano de Nueva York (1990) y el Museo Bunkamura de Tokio (1995), entre otros. Actualmente está representado en colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

Valorac. 90 000 - 100 000 EUR

mié 12 jun

John Law Letter Signed - Economista escocés (1671-1729) conocido como reformador monetario y como creador del "esquema del Mississippi" para el desarrollo de los territorios franceses en América. LS en francés, firmado "Law", tres páginas en dos hojas contiguas, 8 x 11,75, 20 de febrero de 1720. Dirigida desde París, una carta sin traducir de John Law anunciando que el rey Luis XV ha considerado necesario "extender el curso de las especies de oro y plata sobre la base ordenada por el decreto del 9 de este mes", y remitiendo una copia de este "decreto de extensión...[para] hacerlo publicar y exhibir". En buen estado. Acompañado de una copia oficial impresa de la decisión del consejo a la que se hace referencia en la carta. Law se dio a conocer con un concepto de papel moneda respaldado por tierras, en lugar de por oro o plata, promulgado en su texto de 1705 Money and Trade Considered: With a Proposal for Supplying the Nation with Money. Tras exponer su idea por toda Europa, finalmente tuvo la oportunidad de ponerla en práctica en 1716 en Francia. Sus esfuerzos condujeron a la creación del monopolio de la Compañía del Mississippi, que, junto con su contemporánea Compañía de los Mares del Sur, se convirtió en una de las míticas primeras burbujas. Los primeros inversores en la compañía se hicieron millonarios casi al instante (de hecho, la palabra "millonario" tiene su origen en los comerciantes de la Compañía del Mississippi), y en enero de 1720 los precios subían un 23% al mes. La burbuja estalló en mayo de 1720, dejando disturbios a su paso. Temiendo por su vida, Law huyó a Bruselas y luego a Venecia, y pasó el resto de su vida en relativa pobreza.

Valorac. 4 000 - 6 000 USD
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