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18. Juli - Antike Kunst

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90 Ergebnisse

Los 1 - Skulptur eines Barbaren; Rom; I-II Jahrhundert n.Chr. Marmor. Es stellt Mängel durch den Lauf der Zeit verursacht. Abmessungen: 63 x 16 x 15 cm. Die stehende Figur ist mit einer langen Tunika und Hosen bekleidet, was darauf schließen lässt, dass es sich um einen Barbaren handelt. Es fehlen der Kopf, der Hals, der obere Teil der Büste und die Hände, die separat hergestellt wurden, wahrscheinlich aus weißem Marmor. Die Unterarme ruhen auf den Oberschenkeln; die Hände könnten gefesselt gewesen sein, obwohl ähnliche Figuren manchmal eine Kelle halten. Das rechte Bein ist über das linke gekreuzt. Ästhetisch hat sie Ähnlichkeiten mit der barbarischen Gefangenen Thusnelda, Loggia dei Lanzi, FlorenzFrühes 2. Entdeckt in Rom, 1541 bereits Teil der Sammlung Capranica della Valle in Rom. Seit 1584 in der Villa Medici in Rom, in Florenz seit 1787. Seit 1789 in der Loggia. Die Inspiration für diese Skulptur stammt wahrscheinlich von der Serie der gefesselten Würfel, die das Forum von Trajan schmückten. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei ein: das Porträt und das historische Relief, die es in der griechischen Welt nicht gab. Dennoch orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer bildhauerischen Produktion an den griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition verbunden wurden. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Cato selbst prangerte die Plünderung und Ausschmückung Roms mit hellenistischen Werken an, die er als gefährlichen Einfluss auf die einheimische Kultur betrachtete, und bedauerte, dass die Römer Statuen aus Korinth und Athen bewunderten, während sie die dekorative Terrakotta-Tradition der antiken römischen Tempel verhöhnten. Die griechische Kunst hatte die etruskisch-römische Kunst im Allgemeinen so weit verdrängt, dass griechische Statuen zu den begehrtesten Kriegsbeuten gehörten und bei den Triumphzügen der siegreichen Feldherren ausgestellt wurden.

Schätzw. 23 000 - 24 000 EUR

Los 3 - Säulenkrater. Attika. Athen, 5. Jahrhundert v. Chr. Dem SYRISKOS (475-450 v. Chr.) zugeschrieben. Schwarze Keramik mit roten Figuren. Restauriert Maße: 36 x 36 x 31 cm. Der Säulenkrater, der älteste Untertyp des Kraters, zeichnet sich durch seine vertikalen Henkel aus, die wie Säulenschäfte aussehen und von horizontalen Vorsprüngen gekrönt werden. In diesem Fall zeigt die Dekoration drei Figuren in der Rotfigurentechnik. Eine von ihnen scheint Dionysos darzustellen. Syriskos war in den 470er und 460er Jahren v. Chr. in Athen als Vasenmaler und Töpfer tätig. Syriskos' Vasen weisen eine große Vielfalt an Formen auf, darunter auch einige ungewöhnliche. Als Vasenmaler arbeitete er hauptsächlich mit der rotfigurigen Technik, malte aber gelegentlich auch Vasen mit weißem Hintergrund. Er malte Szenen aus der Mythologie und dem Alltagsleben. Wie bei anderen Künstlern, die sowohl Maler als auch Töpfer waren, könnte auch bei Syriskos die Zeit als Maler der Zeit als Töpfer vorausgegangen sein. Der Fall Syriskos gibt einen Einblick in die soziale Stellung der Töpfer in Athen. Veränderungen in der Art und Weise, wie er seine Werke signierte, können seinen Aufstieg in der athenischen Gesellschaft belegen. Der Name Syriskos bedeutet "kleiner Syrer" und deutet wahrscheinlich darauf hin, dass er ein Sklave war, wie es viele Töpfer und Maler gewesen zu sein scheinen. Die "Syriskos"-Signaturen dieses Künstlers erscheinen früh in seiner Karriere. Spätere Vasen wurden als Pistoxenos Syriskos, "Vertrauter Fremder, der kleine Syrer" und schließlich nur noch als Pistoxenos signiert. Die Namensänderung könnte auf einen neuen Status der Freiheit für einen ehemaligen Sklaven hinweisen. Die rotfigurige Keramik war einer der wichtigsten figürlichen Stile in der griechischen Keramik. Sie wurde um 530 v. Chr. in Athen entwickelt und bis ins 3. Jahrhundert v. Chr. verwendet. Jahrhundert v. Chr. Sie löste innerhalb weniger Jahrzehnte den bis dahin vorherrschenden Stil der schwarzfigurigen Keramik ab. Die technische Grundlage war in beiden Fällen die gleiche, aber bei den roten Figuren wurde die Farbgebung umgekehrt, die Figuren wurden vor einem dunklen Hintergrund hervorgehoben, als ob sie von einem Theaterlicht beleuchtet würden, und folgten einem natürlicheren Muster.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Los 4 - Ushebti für Khaemwaset. Altes Ägypten, Neues Reich, 19. Dynastie, Herrschaft von Ramses II, 1279 - 1213 v. Chr. Fayence. Restaurierter Hals. Provenienz: Privatsammlung A. Alonso, Salamanca. Entstanden zwischen 1960 und 1980 / Galería Arqueológica J. Bagot, Spanien, 2015; Ausgestellt: Museo Colección Ifergan, Málaga (2018-2020); Feriarte, IFEMA (Madrid, 12-20 November 2022). Maße: 15,5 cm. Dieser khaemwaset ushebti ist als Arbeiter dargestellt, der zwei Hacken schwingt, um auf den Feldern des Osiris des Jenseits zu arbeiten. Er trägt eine kurze Perücke, aus der auf der rechten Seite ein Zopf herausragt. Er trägt einen lockigen Osiris-Bart, der in einer engen Kurve nach vorne endet. Aus seinem mumienförmigen Leichentuch, das den ganzen Körper bedeckt, ragen nur die auf der Brust gekreuzten Hände hervor, die die bereits erwähnten landwirtschaftlichen Geräte halten. Auf dem Körper befindet sich ein vertikales Register mit einer Hieroglyphenschrift. Diese horizontale Inschrift bedeutet übersetzt: "Möge der Osiris, Sohn des Königs, (Priester) Shem, Khaemwaset, Gerechter der Stimme, erleuchtet werden". Khaemwaset war ein Fürst von Ägypten. Er war der vierte Sohn von Pharao Ramses II. und der zweite Sohn seiner zweiten großen königlichen Gemahlin, der Königin Isis-Nefert. Er ist der bekannteste von Ramses' Söhnen, da seine Beiträge zur ägyptischen Gesellschaft jahrhundertelang in Erinnerung geblieben sind. Aufgrund seiner Arbeit bei der Identifizierung und Restaurierung von historischen Gebäuden, Gräbern und Tempeln wird er als erster Ägyptologe bezeichnet. Er war Hohepriester des Ptah und am Ende seines Lebens Statthalter von Memphis und Kronprinz. Er starb im Alter von 56 Jahren, im 55. Jahr der Herrschaft seines Vaters. Sein Grab befindet sich wahrscheinlich in Saqqara, wo einige Überreste gefunden wurden, die zu ihm gehören könnten."

Schätzw. 4 500 - 5 000 EUR

Los 5 - Kratera von Campana; Apulien, Magna Grecia, 4. Jahrhundert v. Chr. Keramik mit der Technik der roten Figuren. Beiliegendes Thermolumineszenz-Zertifikat. Es stellt Rekonstruktion im Teil des Fußes und Wiederherstellungen auf Bruchlinien der ursprünglichen Fragmente. Abmessungen: 35 x 34 cm (Durchmesser). Apulischer Krater mit roten Figuren und zwei seitlichen Henkeln. Ausgestellter Korpus, umgedrehte Doppelhenkel und ausgestellter Rand, alles auf einem konkaven, gestuften und abgerundeten Fuß. Rote Motive auf schwarzem Grund, mit weißem und gelbem Zubehör. Über den Motiven ein Lorbeerkranz, darunter jeweils ein Wellenband. Große Palmetten unter den Henkeln. Vorderseite mit einer jungen männlichen Figur, die nach links auf einer Pflanze sitzt, mit gesticktem Filet, langem Haar, einer über den unteren Gliedmaßen angebrachten Umrahmung und einem Zirkel, vielleicht einer Phiale. Gegenüber ein stehender Jüngling, der einen Tirsos und einen Mantel über dem linken Arm hält. Auf der Rückseite stehen sich zwei junge Männer gegenüber, die sich unterhalten, wobei einer von ihnen einen Stab in der Hand hält. Der durch seine Form als "glockenförmig" bezeichnete Typus hat kleine horizontale, nach oben gerichtete Henkel und ein umgedrehtes glockenförmiges Gefäß; es handelt sich um einen spät verwendeten Typus. Der Kelchkrater ist ein modernerer Typ als der Säulen- und der Schneckentyp, wenn auch früher als der Glockenkrater, und seine Form mit einem fast umgekehrten trapezförmigen Profil erinnert an den Blütenkelch. Die rotfigurige Keramik war einer der wichtigsten figurativen Stile der griechischen Töpferkunst. Sie wurde um 530 v. Chr. in Athen entwickelt und bis ins 3. Jahrhundert v. Chr. verwendet. Sie löste die bis dahin vorherrschende schwarzfigurige Keramik innerhalb weniger Jahrzehnte ab. Die technische Grundlage war in beiden Fällen die gleiche, aber bei den roten Figuren wurde die Farbgebung umgekehrt, die Figuren wurden vor einem dunklen Hintergrund hervorgehoben, als ob sie von einem Theaterlicht beleuchtet würden, und folgten einem natürlicheren Schema. Die Maler, die mit schwarzen Figuren arbeiteten, waren gezwungen, die Motive gut voneinander getrennt zu halten und die Komplexität der Illustration zu begrenzen. Im Gegensatz dazu erlaubte die Technik der roten Figuren eine größere Freiheit. Jede Figur wurde vor einem schwarzen Hintergrund silhouettiert, was den Malern erlaubte, anatomische Details mit größerer Genauigkeit und Vielfalt darzustellen. Bei dieser Technik wurden die Motive mit einem transparenten Lack auf das noch feuchte Stück gemalt, der nach dem Brennen einen intensiven schwarzen Farbton erhielt. Die Motive waren also vor dem Brennen unsichtbar, was bedeutete, dass die Maler ganz aus dem Gedächtnis heraus arbeiten mussten, ohne dass sie ihre vorherige Arbeit sehen konnten. Nach dem Brennen blieben die nicht glasierten Bereiche in der rötlichen Farbe des Tons, während die glasierten Bereiche, die "bemalten", eine dichte und glänzende schwarze Farbe annahmen. Das beigefügte Thermolumineszenz-Zertifikat. Es zeigt die Rekonstruktion im Bereich des Fußes und die Wiederherstellung der Bruchlinien der ursprünglichen Fragmente.

Schätzw. 9 500 - 10 500 EUR

Los 7 - Parietalrelief mit einem Würdenträger mit Kinderlähmung. Ägypten, Neues Reich, 18. Dynastie, Herrschaft von Pharao Amenhotep III, Mitregent Amenhotep IV, 1417-1352 v. Chr. Kalkstein. Provenienz: -Privatsammlung Max-Pol Pouchet, Frankreich. Von den ägyptischen Behörden als Dank für seine Arbeit in Nubien gestiftet. Die Rückseite ist beschriftet "n.8791/10 n.61" - Von den Erben erworben. Veröffentlichungen: beigefügt ist eine Studie über die Antike des Stücks. Konservierung: guter Erhaltungszustand. Es hat einige Kratzer auf der Oberfläche. Maße: 23 cm. Länge; 19 cm. Höhe. Ägyptisches Flachrelief, Scheitelfragment, auf dem wir einen hohen Würdenträger mit unbedecktem Oberkörper sehen, der eine Hand auf einen Kommandostab legt. Dieses Stück ist nicht nur wegen seiner Qualität und seines Alters in der ägyptischen Kunst von großem Wert, sondern auch, weil es von einer Krankheit, der Kinderlähmung, zeugt, die damals schon viele Menschen das Leben kostete. Der linke Arm ist dicker als der rechte und die gummiartigen Finger können nur eine Anspielung auf die Krankheit sein, die keinen Unterschied in Bezug auf den sozialen Rang machte. Dieser Beamte, wahrscheinlich ein Magistrat oder Tyaty, zeigt ein friedliches Gesicht im Profil, wie es in der ägyptischen Kunst üblich war. In der ptolemäischen Zeit hatte man jedoch den strengen Hieratismus und die strenge Geometrie früherer Epochen hinter sich gelassen. Der leicht hervortretende Bauch ist eine ungewöhnliche Lösung im eher hieratischen Stil der früheren Dynastien. In diesem Fall soll er auf den hohen sozialen Status und das wohlhabende Leben der Person hinweisen. Eine ägyptische Stele aus der Zeit zwischen 1580 und 1350 v. Chr., die einen Priester mit einem durch Kinderlähmung verkümmerten Bein zeigt, gilt als die früheste plastische Darstellung der Krankheit. Sie wurde im Tempel der Astarte in Memphis gefunden.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Los 8 - Gott Attis. Rom, 2. Jahrhundert n. Chr. Marmor. Maße: 52 x 16 x 14 cm. Runde Skulptur, die den Torso von Attis darstellt, einem griechischen Gott, der von den Phrygern übernommen und auch von den Römern verehrt wurde. Als Gott der verlorenen und wiederentdeckten Vegetation verkörpert er den vergänglichen und wiederbelebten Frühling. Attis steht für die Natur, die im Herbst stirbt und im Frühling wieder aufersteht. Diese orientalische Gottheit hat ihren Ursprung in Phrygien, und es sind mehrere Versionen der mythologischen Legende bekannt, die immer seinen Tod durch Selbstkastration und seine anschließende Wiederauferstehung hervorheben. Er galt als der Geliebte der Göttin Cybele. In der römischen Welt finden wir Darstellungen von Attis in allen möglichen künstlerischen Erscheinungsformen, von denen wir die Skulptur hervorheben wollen. Ihre Ikonographie ist sehr vielfältig, da diese Gottheit in verschiedenen Haltungen dargestellt wird, manchmal allein und manchmal in Begleitung von Kybele. Diese Vielfalt ist auf den Wunsch zurückzuführen, den Gott in den wichtigsten Momenten seines Mythos zu zeigen oder durch sein Bild Ideologien mit symbolisch-religiösem Inhalt auszudrücken. Hervorzuheben sind die Figuren, die ihn als Schutzgottheit der Toten und ihrer Auferstehung darstellen, in diesem Fall ohne jeglichen Bezug zu Kybele, da auch er Leiden und Tod gekannt und überwunden hatte. Die römische Bildhauerei unterscheidet sich von der griechischen Bildhauerei vor allem durch die Schaffung des Skulpturenporträts. Das römische Porträt hat seine Wurzeln in der etruskischen Kunst, aber auch in der hellenistischen griechischen Welt und in den "masks mayorum", d. h. den Wachsmasken, die den Verstorbenen zum Gedenken und zur späteren Verehrung auf das Gesicht gesetzt wurden. Die am häufigsten verwendeten Materialien in der römischen Porträtplastik waren Bronze und Marmor. Zu Beginn stellte die römische Porträtplastik nur den Kopf und einen Teil des Halses dar. Später wurden Fortschritte bei der Darstellung der gesamten Büste, einschließlich der Schultern und der Brust, gemacht. Es wurden aber auch Ganzkörperskulpturen angefertigt, wie die hier gezeigte.

Schätzw. 12 000 - 13 000 EUR

Los 12 - Kugeliger Huaco; Moche-Kultur, Peru, 400-700 n. Chr. Terrakotta. Es hat einen Bügelgriff aus einer späteren Periode. Präsentiert Wiederherstellung in Bruchlinie im Bereich des Kopfes und Verluste in den Mund befindet. Abmessungen: 21,5 x 17,5 x 12,5 cm. Huaco mit Körper in kugelförmiger Form, die eine modellierte Verzierung in der oberen Zone präsentiert, die mit einem Kopf des Jaguars mit den offenen Kiefern endet. Was den Körper betrifft, stellt dieser eine Dekoration vor, die auf der Polychromie basiert, wo geometrische Elemente mit anthropomorphen Figuren von stilisierter Ästhetik kombiniert werden. Die Modellierung des Stücks wurde mit großem Realismus gemacht, der in den Details des Jaguars geschätzt werden kann. Die an der Nordküste Perus angesiedelte Moche-Kultur entwickelte sich zwischen 1 und 800 n. Chr. in den Tälern von Lambayeque, Chicama, Moche und Viru. Diese Region ist durch eine Wüste gekennzeichnet, die von mehreren Wasserläufen durchzogen ist, die in einen Ozean münden, der besonders reich an Meeresressourcen ist. Die Kunsthandwerker der Moche schufen Meisterwerke in Keramik, Weberei, Gold- und Silberschmiedekunst. Ihr charakteristischer Stil umfasst die unterschiedlichsten Materialien, wie z. B. die Pyrographie der Kürbisse, die Wandmalerei, die Federkunst, die Körperbemalung und die Tätowierung. Die Verzierung der Keramiken zeugt von einer kaum zu übertreffenden Meisterschaft in der Töpferkunst, die sich der Techniken des Ritzens, des Flachreliefs durch Stempeln und der Malerei auf glatten Oberflächen bedient. Ein großer Teil dieser Objekte wurde in spezialisierten, staatlich kontrollierten Werkstätten hergestellt, in denen die Stücke in Serie mit Gussformen gefertigt wurden. Diese Gefäße weisen nicht nur eine große Vielfalt an Formen und Dekorationsstilen auf, sondern tragen auch Darstellungen von Mythen und Ritualen. Unter den keramischen Formen stechen die so genannten "Porträtflaschen" oder Gefäße hervor, in denen das Gesicht einer wichtigen Persönlichkeit der Gesellschaft dargestellt ist. Bei ihnen lassen sich die charakteristischen Gesichtszüge, die Verwendung von Gesichtsbemalung oder Tätowierungen und die Verwendung komplizierter Kopfbedeckungen sehr detailliert beobachten. Diese "Porträt"-Fähigkeit der Moche-Keramik lässt sich auch bei den Darstellungen möglicher Alltagsszenen oder erotischer Szenen beobachten, ebenso wie bei den Bildnissen, die Bucklige, Blinde, Hasenfüße und andere Krankheiten zeigen. Sie weist Restaurierungen in Form von Frakturlinien im Bereich des Kopfes und Verluste im Mundbereich auf.

Schätzw. 1 100 - 1 300 EUR

Los 15 - Priapus. Hellenismus, Griechenland, 2. bis 1. Jahrhundert v. Chr. Marmor. Provenienz: Privatsammlung, London, erworben zwischen den 1960er und 1980er Jahren. Guter Erhaltungszustand, keine Restaurierungen. Die Figur hat den linken Unterarm und den unteren Teil der Beine verloren. Maße: 24 cm hoch. Diese Skulptur vollständig aus Marmor stellt Priapus, in runder Masse geschnitzt. Er war ein kleiner Gott, eine ländliche Gottheit der Fruchtbarkeit. Sein Hauptattribut ist ein großer erigierter Phallus, Symbol der befruchtenden Kraft der Natur. Hier ist er lächelnd dargestellt und in eine offene Tunika gehüllt, die über seine Schultern gleitet und seine Genitalien freilegt. Während der hellenistischen Periode erlebte die griechische Bildhauerei einen großen Wandel, der sich besonders in der Darstellung von Emotionen bemerkbar machte. Dies kommt in dem lachenden Antlitz unseres Priapus wunderbar zum Ausdruck. Die hellenistische Bildhauerei stellt die letzte Periode in der Entwicklung der griechischen Bildhauerei dar und entwickelte sich in der Zeit zwischen dem Tod Alexanders des Großen im Jahr 323 v. Chr. und der Eroberung Ägyptens durch die Römer zwischen 30 und 31 v. Chr. Sie ist eine eklektische, säkulare und historisierende Sprache, die vom Erbe der klassischen Bildhauerei der vorangegangenen Periode ausgeht und zu der neue orientalische Einflüsse hinzukommen. Sie bedeutete auch eine Verbesserung der Darstellung der Anatomie und der emotionalen Ausdruckskraft des Menschen sowie einen grundlegenden Wandel in der Ästhetik, die das Ideal hinter sich lässt, um das Individuum darzustellen und vom Allgemeinen zum Besonderen überzugehen. So wird das frühere ethische und pädagogische Ideal zugunsten einer neuen Betonung der alltäglichen menschlichen Aspekte in einer Kunst aufgegeben, deren Hauptzweck die Ästhetik ist, auch wenn sie gelegentlich auch propagandistisch sein wird. Dieses neue Interesse am Menschen und seinem Innenleben, seinen Emotionen, Problemen und Sehnsüchten, führt zu einem realistischen Stil, der das Dramatische, das Prosaische und die Bewegung betonen muss. Außerdem bringt der Hellenismus die ersten individualisierten und plausiblen Porträts der westlichen Kunst hervor. Die Thematik wird auch auf Darstellungen des Alters und der Kindheit, kleinerer nicht-olympischer Gottheiten und Nebenfiguren aus der Mythologie sowie volkstümlicher Figuren bei ihrer täglichen Arbeit erweitert. Guter Erhaltungszustand, ohne Restaurierungen. Sie hat den linken Unterarm und den unteren Teil der Beine verloren.

Schätzw. 14 000 - 18 000 EUR

Los 16 - Vase; Mochica-Kultur, Peru, 400-700 n. Chr. Polychrome Keramik. Thermolumineszenz angebracht. Es hat Restaurierungen und Neulackierung auf die Bruchlinien auf dem Hals und Fuß. Maße: 22 x 32 cm. Vase aus zweifarbiger Mochica-Keramik. Das Innere ist mit zwei Kriegern mit Tumi-förmigen Frisuren verziert, die Seile halten, einem dritten Krieger mit vogelförmiger Frisur, der einen großen Vogel am Hals fängt und einen zeremoniellen Tumi hält, und einem dritten Krieger mit vogelförmiger Frisur, der einen großen Vogel am Hals hält. Ein dritter Krieger mit vogelförmiger Frisur, der einen großen Vogel am Hals hält und einen zeremoniellen Tumi hält, und zwei anthropomorphe Figuren mit Vogelköpfen, die sich gegenüberstehen. Zwei Kakteen und eine Blume in der Hintergrund. Die Mochica ist eine archäologische Kultur, die sich an der Nordküste Perus entwickelte und deren Hauptstadt das Gebiet war, das heute Huacas del Sol und Huacas de la Luna heißt. Die Mochica waren große Architekten und Meister der Goldschmiedekunst und entwickelten ein fortschrittliches Bewässerungssystem. Sie entwickelten ein fortschrittliches Bewässerungssystem. Ihre Keramikproduktion war besonders reichhaltig und kreativ, und mit ihr stellten die Moches das tägliche Leben und den religiösen Glauben dar. Die Töpferwaren der Moches gelten als die hochwertigsten aller alten präkolumbianischen Kulturen. Sie wurden aus rotem oder, in Ausnahmefällen, orangefarbenem oder rauchschwarzem Ton hergestellt und in der Regel in Form gegossen, was eine Massenproduktion und eine breite Palette an Ikonographie ermöglichte.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 20 - Hades. Römische Kultur. II - III Jahrhundert A.D. Marmor. Provenienz: Privatsammlung D. A., Belgien. Ehemals in einer spanischen Sammlung, erworben in den 1980er Jahren. Konservierung: Guter Erhaltungszustand, es fehlen der linke Arm und ein Teil der Krone. Gebrochen und an der Taille wieder zusammengesetzt. Maße: 30 cm hoch. Sculptural Satz von zwei Figuren, eine verloren, nur die Füße sind erhalten, in runden Masse. Die Skulptur wird durch das Bild des Hades, auf der linken Seite befindet, und die, die wahrscheinlich war Persephone, auf der rechten Seite gebildet. Dazwischen, und als Stütze für beide Figuren, ein architektonisches Element mit einer geometrischen Form, die an eine für die römische Kunst typische Grabstele erinnern könnte. Es könnte sich aber auch um ein Grabmal handeln, ein mehr als charakteristisches Element, das auf die beiden Protagonisten, den Gott der Unterwelt und seine Gemahlin, verweisen könnte. Hades ist als Person mittleren Alters dargestellt, bärtig und mit üppigem Haar über den Schultern. Er ist mit einer Tunika bekleidet. In der Skulptur steht er aufrecht, der rechte Fuß ist etwas weiter vorgerückt als der linke, das Gesicht ist nach rechts gerichtet. Seine Arme sind vom Körper getrennt, wobei der linke sein Zepter oder seinen Stock, der ursprünglich bis zu den Füßen reichte, umschlingt und hält. An seiner Seite zwei Fragmente von zwei Füßen, die sicherlich zu Persephone gehörten. Hades für die Griechen und Pluto für die Römer. Er ist der Sohn von Kronus und Hera, Bruder von Zeus, Poseidon, Hera und Demeter. Mit Zeus und Poseidon ist er einer der drei Herrscher, die das Reich des Universums nach ihrem Sieg über die Titanen aufteilten: Hades wurde die Unterwelt, die Höllen oder der Tartarus zugeschrieben. Der Legende nach entführte Hades, der in die junge Persephone verliebt war, diese, während sie mit einigen Nymphen in der Ebene von Enna in Sizilien Blumen pflückte. Die Entführung geschah im Einverständnis mit Zeus und in Abwesenheit von Demeter. Schließlich befahl Zeus dem Hades, Persephone ihrer Mutter zurückzugeben, aber die junge Frau hatte aus Versehen oder vielleicht aus Versuchung durch den Hades einen Granatapfelkern gegessen, und da sie in der Unterwelt keine Nahrung zu sich nehmen durfte, reichte dies aus, um sie für immer an die Hölle zu ketten. Um ihr Leid zu lindern, sorgte Zeus jedoch dafür, dass sie ihre Zeit zwischen der Unterwelt und der irdischen Welt aufteilen konnte. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei ein: das Porträt und das historische Relief, die es in der griechischen Welt nicht gab. Allerdings orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer bildhauerischen Produktion an griechischen Vorbildern, eine Grundlage, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert wurde. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Cato selbst prangerte die Plünderung und Ausschmückung Roms mit hellenistischen Werken an, die er als gefährlichen Einfluss auf die einheimische Kultur betrachtete, und bedauerte, dass die Römer Statuen aus Korinth und Athen bewunderten, während sie die dekorative Terrakotta-Tradition der antiken römischen Tempel verhöhnten. Diese oppositionellen Reaktionen waren jedoch vergeblich; die griechische Kunst hatte die etruskisch-römische Kunst im Allgemeinen so weit unterworfen, dass griechische Statuen zu den begehrtesten Kriegsbeuten gehörten und beim Triumphzug der siegreichen Generäle ausgestellt wurden. Kurz darauf, im Jahr 133 v. Chr., wurde das Reich Guter Erhaltungszustand, es fehlen der linke Arm und ein Teil der Krone. An der Taille gebrochen, aber wieder zusammengesetzt. wiederhergestellt

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Los 21 - Fragment eines Sarkophags. Griechische Kultur, Clazomenae, Mitte 6. bis 5. Jahrhundert v. Chr. Terrakotta und Pigmente. Provenienz: Privatsammlung eines Adligen, London. Erworben bei Galerie Cybele, Paris, Frankreich. Versteigert bei Christie's New York 2016. Zuvor in einer Privatsammlung in England. Thermolumineszenztest beigefügt. Konservierung: guter Zustand, keine Restaurierungen. Maße: 42,5 x 12,5 cm. Das sich auf der Vorderseite entwickelnde Flechtwerkmotiv entspricht einem dekorativen Muster, das bei den clazomenischen Sarkophagen des klassischen Griechenlands, wie dem im Alten Museum in Berlin oder in den Museen von Smyrna aufbewahrten, zu sehen ist: Sie sind mit gerillten Laubsägearbeiten wie der hier gezeigten eingefasst, die entlang der langen Seiten verlaufen, während auf den kurzen Seiten Darstellungen von Gottheiten, Muscheln und homoerotische Szenen junger Aristokraten zu sehen sind. An der Seite sind griechische geometrische Laubsägearbeiten erhalten. Clazomenes oder Clazomene war eine antike Hafenstadt des antiken Griechenlands an der Küste Anatoliens, die an das Ägäische Meer grenzte. Die bemalten Terrakotta-Sarkophage, die in der Nekropole der örtlichen Ausgrabungsstätte entdeckt wurden, sind die wertvollsten Werke der ionischen Malerei des 6. Jahrhunderts v. Chr. Viele von ihnen werden in den benachbarten Museen von Smyrna aufbewahrt. Klazomenes war ein Verbündeter des Ionischen Bundes (oder der Dodekapolis, dem Zusammenschluss der zwölf Städte). Während des ionischen Aufstandes gegen die Perser im frühen 5. Jahrhundert v. Chr. wurde Clazomenes auf eine Insel verlegt, die kaum von der Küste entfernt war. Die Überlieferung besagt, dass Alexander der Große die Insel durch eine künstliche Rampe mit dem Festland verband. Die Stadt Urla, die auch ein Bezirk der Provinz Smyrna in der Türkei ist, befindet sich an der Stelle, an der sie einst stand. Thermolumineszenztest beigefügt.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Los 22 - Reiter auf Panther. Batak-Kultur, Insel Sumatra, Indonesien. XIX Jahrhundert. Kalkstein. Provenienz: Privatsammlung, Paris, Frankreich. Konservierung: guter Zustand. Präsentiert zwei restaurierte Bruchlinien an der Taille. Maße: 85 x 97 x 25 cm. Skulptur eines Reiters, der auf einem Panther oder einem Shinga reitet, wahrscheinlich von der Toba-Kultur, der zahlreichsten Gruppe der Batak, im Norden Sumatras geschaffen. Diese Statuen wurden im Allgemeinen nach dem Bildnis eines Häuptlings geschnitzt. Das seltsame Tier, das die Rolle des Pferdes spielte, konnte ein Panther oder ein Singha sein, ein hybrides Ungeheuer, das oft halb als Reptil und halb als Büffel dargestellt wurde. In der vorchristlichen Zeit fertigten Priester-Magier, Datu genannt, für ihre Dörfer und Familien Skulpturen aus Holz oder gelegentlich auch aus Stein an. Die Funktion dieser Skulpturen war immer magisch und religiös, niemals nur dekorativ. Bei den Batak wurden alle Ahnenfiguren, Fabelwesen und Ritualgegenstände ausschließlich von den Datu geschnitzt. Dennoch wurden die Schnitzereien auch wegen ihrer Schönheit hoch geschätzt und als heilige Erbstücke in den Familien über viele Generationen hinweg aufbewahrt. Die Batak gehören zu den Völkern Indonesiens. Ihr Kerngebiet liegt in Nordsumatra mit dem Zentrum am Toba-See. Vor ihrer Befriedung unter der niederländischen Kolonialherrschaft in Ostindien waren die Batak als wilde Krieger und Kannibalen bekannt. Später wurde das Christentum weithin angenommen, und die Batak-Kirche ist heute die größte christliche Gemeinde in Indonesien. Die Gesellschaft der Batak ist patriarchalisch und es gibt ein Mitgift-System. Die Batak-Kultur zeichnet sich durch ihre Weberei, Holzschnitzerei und vor allem durch ihre kunstvollen Steingräber aus. Ihre Bestattungskultur ist sehr reichhaltig und komplex und umfasst eine Zeremonie, bei der die Gebeine der Vorfahren mehrere Jahre nach dem Tod wieder beigesetzt werden. Die Batak sprechen eine Vielzahl von eng verwandten Sprachen, die alle zur austronesischen Sprachfamilie gehören. Es wird angenommen, dass die Vorfahren der Batak über den Indischen Ozean segelten und Madagaskar kolonisierten. Guter Zustand. Es hat zwei restaurierte Risslinien an der Taille.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 24 - Büste von Sol Invictus; Rom, II-III Jahrhundert. Bronze. Präsentiert Mineralablagerungen, grüne und rote Patina und Verlust von Strahlen. Abmessungen: 7 x 4, 5 x 3 cm. Seltene römische Bronzebüste von Sol Invictus. Sie stellt den jungen Sonnengott mit einer Krone aus sieben Strahlen (heute verschwunden) auf seinen voluminösen Locken und einem Mantel auf der rechten Schulter dar. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei: das Porträt und das historische Relief, die in der griechischen Welt nicht existierten. Dennoch orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer bildhauerischen Produktion an griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert werden sollten. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Cato selbst prangerte die Plünderung und Ausschmückung Roms mit hellenistischen Werken an, die er als gefährlichen Einfluss auf die einheimische Kultur betrachtete, und bedauerte, dass die Römer Statuen aus Korinth und Athen bewunderten, während sie die dekorative Terrakotta-Tradition der antiken römischen Tempel verhöhnten. Die griechische Kunst hatte die etruskisch-römische Kunst im Allgemeinen so weit verdrängt, dass griechische Statuen zu den begehrtesten Kriegsbeuten gehörten und bei den Triumphzügen der siegreichen Feldherren ausgestellt wurden. Sie weist mineralische Ablagerungen, grüne und rote Patina und Blitzschäden auf.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 30 - Osiris; Ägypten, XXVI. Dynastie, Saita-Periode, ca. 600 v. Chr. Bronze. Es zeigt den Verlust der Füße, Mineralablagerungen auf der Oberfläche und Kratzer auf dem ganzen Stück. über das ganze Stück. Maße: 17 x 6 x 4 cm. Ägyptische Bronzefigur des Osiris, stehend dargestellt, mit den Händen, die aus seinem Mantel herausragen, den Stab und den Dreschflegel haltend, sowie die Krone mit Uräus. Diese Darstellung folgt der kanonischen Ikonographie des Osiris: Der Gott ist in ein Leichentuch gehüllt, das sich perfekt an die Konturen seines Körpers anpasst. In seinen Händen hält er das ?agellum (das Nekhekh-Zepter, in der linken Hand sichtbar) und das Hekat-Zepter, den Hirtenstab. Auf dem Kopf trägt er seine übliche Atef-Krone, die aus der weißen Krone von Oberägypten und zwei Straußenfedern besteht, die jetzt fehlen. An der Vorderseite des Kopfschmucks, knapp über der Stirn, verläuft eine Schlange. Diese Figuren galten als Votivgaben und wurden in Schreinen in der Nähe der wichtigsten Tempel Ägyptens deponiert, wo sie gefunden wurden. Osiris ist der ägyptische Gott der Auferstehung, Symbol der Fruchtbarkeit und der Regeneration des Nils; er ist der Gott der Vegetation und des Ackerbaus und hat auch den Vorsitz über das Totengericht. Osiris wird fast immer mumifiziert dargestellt, mit der Krone Atef, dem Stab und der Peitsche oder dem Zepter uas. Verluste an den Füßen, mineralische Ablagerungen und Kratzer an der Oberfläche

Schätzw. 1 200 - 1 300 EUR

Los 31 - Figur einer Polospielerin. China, Tang-Dynastie, ca. 618-906 n. Chr. Terrakotta. In gutem Zustand. Provenienz: Erworben von der Galerie F., Spanien, Madrid, 2022. Beigefügter Thermolumineszenztest (TL). Maße: 28 x 34 cm. Skulptur aus Terrakotta, verziert mit Engoben. Sie stellt eine Polospielerin auf einem Pferd im Galopp dar, wobei sich das gefangene Tier in der Mitte des Sprungs befindet. Die menschliche Figur ist in locker sitzende rote Kleidung mit langen Ärmeln gekleidet; ihr Haar ist sorgfältig gekämmt, ihre Hände sind erhoben und ihre Wangen und Lippen sind hervorgehoben. Die Spielerin zeigt die Bewegung und Spannung des Augenblicks und dreht ihren Oberkörper zum Betrachter hin. In der Tang-Dynastie war Polo ein Sport, der trotz seiner Härte vor allem von der Aristokratie und insbesondere von Frauen gespielt wurde. Die Tang-Dynastie wird von Historikern als eine glanzvolle Periode der chinesischen Zivilisation angesehen, die der Han-Periode ebenbürtig oder sogar überlegen war. Nach einer Periode der Despotie unter dem grausamen Yang Di wurde sie von Li Shimin gegründet, der aus kindlicher Pietät seinen Vater auf den Thron setzte, bevor er selbst die Rolle des Kaisers übernahm und die Tang-Dynastie gründete. Angeregt durch den Kontakt mit Indien und dem Nahen Osten über die Seidenstraße erlebte das Tang-Reich einen kreativen Aufschwung in vielen Bereichen. Der Buddhismus, der zur Zeit von Konfuzius in Indien entstanden war, blühte in dieser Zeit weiter auf, wurde von der kaiserlichen Familie übernommen und zu einem wesentlichen Bestandteil der traditionellen chinesischen Kultur. Mit der Entwicklung des Buchdrucks wurde auch die Verbreitung schriftlicher Werke ausgeweitet, was das goldene Zeitalter der chinesischen Kunst und Literatur einläutete. Die große kulturelle Öffnung führt zu einer grundlegend farbenfrohen, ausdrucksstarken und sehr vielseitigen Kunst, auch wenn sie immer noch hauptsächlich für Bestattungszwecke bestimmt ist und der Künstler ein anonymer Handwerker bleibt. Von dieser Zeit an wird jedoch die hochgebrannte, mit Emaille verzierte Keramik zu einem Statussymbol, mit Typologien wie Gefäßen für die Tafel des Literaten und allen Arten von Tafelgeschirr. Terrakotta hingegen wurde weiterhin für Grabbeigaben verwendet, wenngleich von nun an auch Steinzeug zum Einsatz kam, insbesondere für die Gräber von Adligen und Gelehrten. Bei den Grabbeigaben, zu denen diese Amazone gehört, wird eine wichtige Neuerung eingeführt: dreifarbige Bleiglasuren (sancai), obwohl weiterhin Stücke mit Engoben verziert werden. Bei den Grabbeigaben gibt es sechs typologische Gruppen, die jeweils eine große Vielfalt aufweisen: Grabwächter mit Kriegern und Schutztieren; zeremonielle Figuren mit ihren Dienern; Tiere aller Art wie Ochsen, Kamele und Pferde; Musiker und Hofdamen; Gebrauchsgegenstände und Gefäße; und schließlich Architekturmodelle. Es lassen sich auch drei Perioden unterscheiden. In der ersten Periode, zwischen 581 und 683, dominieren mit Engoben verzierte Figuren, auch ohne Glasuren. Die zweite Periode, zwischen 683 und 779, war die große Sancai-Periode, in der die Emaille vorherrschte. Schließlich wurden bis zum Beginn des 10. Jahrhunderts weiterhin Stücke mit Sancai-Emaille hergestellt, wenn auch von geringerer Qualität als in der vorangegangenen Periode.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 32 - Lekythos für Kosmetika. Attisches Griechenland, 5. Jahrhundert v. Chr. Keramik in der Rotfigurentechnik. Sie hat Bruchlinienrestaurationen an Hals und Fuß. Größe: 11 x 4 cm. Lekythos, der sich durch seine große Seltenheit auszeichnet, da er als Verzierung die Figur einer geflügelten Meerjungfrau in der Mitte des Körpers aufweist. Der Lekythos oder Lekitos ist eine griechische Keramik, die zur Aufbewahrung von parfümiertem Öl für die Körperpflege verwendet wurde. Diese Art von Gefäßen wurde auch häufig als Grabgefäße verwendet, nicht nur in griechischen Städten, sondern auch von anderen Völkern, die mit dieser Kultur in Kontakt standen. Die Gefäße zeichnen sich durch ihre längliche Form, den schmalen Hals und die weite Öffnung aus, die das Ausfließen des Öls begrenzt und seine Anwendung erleichtert. Die rotfigurige Ware war einer der wichtigsten figurativen Stile der griechischen Töpferkunst. Sie wurde um 530 v. Chr. in Athen entwickelt und bis zum 3. Jahrhundert v. Chr. verwendet. Jahrhundert v. Chr. Sie löste innerhalb weniger Jahrzehnte die bis dahin vorherrschende schwarzfigurige Keramik ab. Die technische Grundlage war in beiden Fällen die gleiche, aber bei den roten Figuren wurde die Farbgebung umgekehrt, wobei die Figuren vor einem dunklen Hintergrund hervorgehoben wurden, als ob sie von einem Theaterlicht beleuchtet würden, und einem natürlicheren Schema folgten. Die Maler, die mit schwarzen Figuren arbeiteten, waren gezwungen, die Motive gut voneinander getrennt zu halten und die Komplexität der Illustration zu begrenzen. Die Technik der roten Figuren erlaubte dagegen eine größere Freiheit. Jede Figur wurde als Silhouette vor einem schwarzen Hintergrund dargestellt, so dass die Maler die anatomischen Details mit größerer Genauigkeit und Vielfalt wiedergeben konnten. Mit der Zeit wurden diese Dekorationen immer komplexer und enthielten zahlreiche Details in Schwarz und Weiß, die den erzählerischen und dekorativen Sinn der Darstellungen verstärkten. Der Wert, der diesen Werken beigemessen wurde, führte dazu, dass sie Gegenstand eines blühenden Handels und einer Industrie wurden. Töpfer und Töpfermeister waren im antiken Griechenland hoch geschätzt, und sowohl schwarz- als auch rotfigurige Werke entstanden im gesamten Mittelmeerraum, sowohl in den griechischen Siedlungs- und Gründungsstädten als auch in den Töpfereien der Völker, die mit diesen Zentren in Kontakt standen.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 33 - Männlicher Kopf. Spätes Römisches Reich, 2.-3. Jahrhundert n. Chr. Marmorstein. Maße: 36 x 19 x 20 cm. Der Protagonist dieser Skulptur, ein Mann mittleren Alters, blickt den Betrachter in einer ruhigen Haltung an. Seine völlig geöffneten, erwartungsvollen und auf einen konkreten Punkt gerichteten Augen verraten die Unruhe der Figur und zeichnen sich durch ihren naturalistischen Charakter aus. Die detailgetreue Ausführung, die sich vor allem in den individualisierten Haaren und der ausdrucksstarken Festigkeit des Gesichts widerspiegelt, zeugt vom Können eines in der Bildhauerlehre geschulten Künstlers. Das Untere Römische Reich oder Spätrömische Reich ist die historische Periode, die sich von der Machtergreifung Diokletians im Jahr 284 bis zum Ende des Weströmischen Reiches im Jahr 476 erstreckt. Es folgt auf das von Cäsar Augustus 27 v. Chr. begonnene Hochrömische Reich. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei ein: das Porträt und das historische Relief, die es in der griechischen Welt nicht gab. Dennoch orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer bildhauerischen Produktion an den griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert werden sollten. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Cato selbst prangerte die Plünderung und Ausschmückung Roms mit hellenistischen Werken an, die er als gefährlichen Einfluss auf die einheimische Kultur betrachtete, und bedauerte, dass die Römer Statuen aus Korinth und Athen bewunderten, während sie die dekorative Terrakotta-Tradition der antiken römischen Tempel verhöhnten. Die griechische Kunst hatte die etruskisch-römische Kunst im Allgemeinen so weit verdrängt, dass griechische Statuen zu den begehrtesten Kriegsbeuten gehörten und bei den Triumphzügen der siegreichen Feldherren ausgestellt wurden.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 35 - Torso eines militärischen Mannes mit einer Klamotte. Römisches Reich, 2. Jahrhundert n. Chr. Marmor. Provenienz: - Gorny & Mosch, München, Auktion 137, 15. Dezember 2004, Los 144. - Fortuna Fine Art, Ltd, New York, 2009. - Privatsammlung, New York (USA), erworben von der oben genannten Person am 12. Mai 2011. In gutem Zustand, keine Restaurierungen. Maße: 71,2 cm (Höhe). Torso einer lebensgroßen, runden, in Marmor gehauenen Skulptur, die eine männliche Figur darstellt. Er trägt eine Hose, einen Lederharnisch und eine Klamotte, eine ungewöhnliche Kombination, die nur bei Darstellungen hochrangiger Militärs in historischen Reliefs aus der Zeit von Trajan und Antoninus Pius in der ersten Hälfte des 2. nachchristlichen Jahrhunderts zu finden ist. Jh. n. Chr. zu finden ist. Die Bildhauerarbeit ist prächtig, obwohl die empfindlichsten Teile der Arbeit, wie Kopf und Hände, verloren gegangen sind. Die schweren, sehr ausdrucksstarken Falten der Chlamys, die sich parallel über der Brust und V-förmig zu den Knien hin wölben, verleihen der Figur Monumentalität, eine feierliche und heroische Ausstrahlung, die für die dargestellte Persönlichkeit typisch ist. Die Vorlage für diese Art der Darstellung der Chlamys, die senkrecht fällt und den Körper vollständig verdeckt, sind vielleicht bestimmte griechische Darstellungen des Gottes Hermes, von denen römische Kopien überliefert sind. Der Brustharnisch ist unter dem Mantel verborgen, obwohl er sorgfältig und detailliert gearbeitet ist, mit großer Aufmerksamkeit für das Spiel mit dem Volumen. Oberhalb des erhaltenen Knies ist die feine Hose in Falten gelegt, die die leichte Bewegung des Beines betonen. Die Rückseite der Skulptur weist nur skizzierte Volumina und eine ungeschliffene Oberfläche auf, was darauf hindeutet, dass es sich um ein Werk handelt, das von vorne betrachtet werden soll und für die Aufstellung vor einer Wand oder in einer Nische bestimmt ist. Römische Feldherren trugen traditionell den Kürass zusammen mit der Klamid, einem Kleidungsstück, das bereits von der griechischen Kavallerie getragen wurde. Die Verwendung von Hosen erfolgte jedoch erst viel später. Obwohl dieses Kleidungsstück zu Ciceros Zeiten von den Römern als barbarisch abgelehnt wurde (es wurde mit den Galliern identifiziert), verbreitete sich seine Verwendung aus praktischen Gründen mit der Ausdehnung des Reiches unter den römischen Truppen, insbesondere auf den Schlachtfeldern im Norden.

Schätzw. 60 000 - 65 000 EUR

Los 36 - Bildnis eines jungen Naiskos. Griechenland, spätklassische Periode-frühe hellenistische Periode, 4. Marmor. Guter Erhaltungszustand, obwohl die Nase fehlt und die Oberfläche etwas abgeschliffen ist. Provenienz: - Privatsammlung von Nicolas Koutoulakis (1919 - 1996), Paris und Genf. - Privatsammlung, Madrid. Maße: 20,4 cm (Höhe). Der Kopf ist praktisch in rundem Marmor gemeißelt, auch wenn er diesen nicht erreicht, da er im hinteren Teil eine Unterbrechung aufweist, wo sich die Verbindung mit der Hintergrundfläche befindet. Es handelt sich also um eine Hochreliefkomposition, wahrscheinlich um einen Grabnairos, eine Art Grabdenkmal, das typischerweise auf dem Dachboden in Form einer architektonischen Fassade steht. Der Kopf ist deutlich asymmetrisch, was darauf hindeutet, dass er für die Betrachtung von einem einzigen Standpunkt aus gearbeitet wurde, nämlich drei Viertel rechts von der Komposition. Es ist auch möglich, dass das Stück für eine Betrachtung von unten gedacht war, da große Naiskoi oft auf Terrassen weit über dem Straßenniveau aufgestellt wurden, wie man am Kerameikos in Athen sehen kann. Während der klassischen Periode, zwischen dem 5. und 4. Jahrhundert v. Chr., waren mehrere Straßen in Athen von Friedhöfen gesäumt und wurden von reliefverzierten Grabmälern prominenter Familien flankiert. Diese wurden von Naiskoi dominiert, architektonischen Fassungen, die von einem Gebälk und einem dreieckigen Giebel gekrönt wurden und die Figur des Verstorbenen allein oder in Begleitung von Familienmitgliedern und Dienern beherbergten. Die Naiskoi reichten von reliefierten Stelen mit einem architektonischen Rahmen bis hin zu dreidimensionalen Tempeln mit runden Skulpturen im Inneren. In den Darstellungen, die sie beherbergten, wurde der Verstorbene stets in einem feierlichen Stil, mit zurückhaltender Emotionalität und großer formaler Eleganz dargestellt, wesentliche Merkmale der klassischen Periode der griechischen Kunst, die in der Grabkunst einen besonderen Ausdruck fanden. Obwohl viele Stelen, vor allem die den Frauen gewidmeten, Szenen darstellen, die in gewissem Maße die Intimität des Verstorbenen widerspiegeln, besteht bei anderen Gelegenheiten eine klare Absicht, den Verstorbenen zu heroisieren, mit Kompositionen, die sogar mehrere Figuren auf mehreren Ebenen umfassen.

Schätzw. 35 000 - 40 000 EUR

Los 40 - Bogenschütze; China, Han-Dynastie, 1. Jahrhundert v. Chr. - 2. Jahrhundert n. Chr. Polychrome Terrakotta. Beigefügte Thermolumineszenz-Fotokopie. Es hat leichte Schäden durch den Lauf der Zeit verursacht. Maße: 79 x 45 x 18 cm. Stehende Figur eines Bogenschützen aus polychromer Terrakotta, die für die Aufstellung in einem Grabmal bestimmt ist. Er steht mit erhobenen Händen, so dass man sehen kann, dass er ursprünglich einen Bogen zwischen den Händen gehalten hat. Er hat ein strenges Gesicht mit dünnen Augenbrauen, schmalen Augen, breiter Nase und geschlossenen Lippen, wie es in der Ästhetik der Han-Statuette üblich ist. Die Han-Dynastie herrschte in China zwischen 206 v. Chr. und 220 n. Chr., mehr als vier Jahrhunderte, in denen die politischen, sozialen und wirtschaftlichen Strukturen Chinas gefestigt wurden und das Land in die glorreichste Phase seiner Geschichte führten. Was die Kunst dieser Zeit betrifft, so ist sie immer noch stark von der Grabkunst geprägt, auch wenn sie das sehr hohe künstlerische Niveau widerspiegelt, das sowohl in den Hauptstädten als auch in den Provinzen erreicht wird. Die erhaltenen Objekte geben Aufschluss über das tägliche Leben und die Gebräuche der damaligen Zeit, da die Kunst viel alltäglicher ist als die Bronzen der Zhou- und Shang-Zeit. Auch die Struktur der Gräber änderte sich: Die Shang-Gräber waren vertikal, während die Han-Gräber als unterirdische Paläste gebaut wurden. Sie wurden mit Reliefs verziert, in die Szenen aus dem Leben des Verstorbenen eingraviert waren, und ein neues Material, der Lack, wurde als künstlerischer Träger verwendet. Am bekanntesten ist heute jedoch die Herstellung von Han-Keramik, die aus Terrakotta besteht und im Allgemeinen mit kalt aufgetragenen Engoben, hauptsächlich in Schwarz und Rot, verziert ist. Beigefügte Fotokopie der Thermolumineszenz. Es stellt leichte Mängel durch den Lauf der Zeit verursacht.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 41 - Bogenschütze; China, Han-Dynastie, 1. Jahrhundert v. Chr. - 2. Jahrhundert n. Chr. Polychrome Terrakotta. Beigefügte Thermolumineszenz-Fotokopie. Es hat leichte Schäden durch den Lauf der Zeit verursacht. Maße: 79 x 45 x 18 cm. Stehende Figur eines Bogenschützen aus polychromer Terrakotta, die für die Aufstellung in einem Grabmal bestimmt ist. Er steht mit erhobenen Händen, so dass man sehen kann, dass er ursprünglich einen Bogen zwischen den Händen gehalten hat. Er hat ein strenges Gesicht mit dünnen Augenbrauen, schmalen Augen, breiter Nase und geschlossenen Lippen, wie es in der Ästhetik der Han-Statuette üblich ist. Die Han-Dynastie herrschte in China zwischen 206 v. Chr. und 220 n. Chr., mehr als vier Jahrhunderte, in denen die politischen, sozialen und wirtschaftlichen Strukturen Chinas gefestigt wurden und das Land in die glorreichste Phase seiner Geschichte führten. Was die Kunst dieser Zeit betrifft, so ist sie immer noch stark von der Grabkunst geprägt, auch wenn sie das sehr hohe künstlerische Niveau widerspiegelt, das sowohl in den Hauptstädten als auch in den Provinzen erreicht wird. Die erhaltenen Objekte geben Aufschluss über das tägliche Leben und die Gebräuche der damaligen Zeit, da die Kunst viel alltäglicher ist als die Bronzen der Zhou- und Shang-Zeit. Auch die Struktur der Gräber änderte sich: Die Shang-Gräber waren vertikal, während die Han-Gräber als unterirdische Paläste gebaut wurden. Sie wurden mit Reliefs verziert, in die Szenen aus dem Leben des Verstorbenen eingraviert waren, und ein neues Material, der Lack, wurde als künstlerischer Träger verwendet. Am bekanntesten ist heute jedoch die Herstellung von Han-Keramik, die aus Terrakotta besteht und im Allgemeinen mit kalt aufgetragenen Engoben, hauptsächlich in Schwarz und Rot, verziert ist. Beigefügte Fotokopie der Thermolumineszenz. Es stellt leichte Mängel durch den Lauf der Zeit verursacht.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 45 - Skulpturensemble der Liebe und der Psyche. Rom, 1.-2. Jahrhundert n. Chr. Marmor. Provenienz: Ehemalige Privatsammlung, Poitiers, Frankreich. Die Torsi und die unteren Teile der Figuren sind in gutem Zustand und ohne Restaurierungen erhalten. Sie haben die Köpfe und einen Teil der Unterarme verloren. Maße: 73 cm (Höhe). Bedeutende Skulpturengruppe aus der römischen Zeit mit dem Thema der Liebe zwischen Eros und Psyche. Nach dem aus Griechenland übernommenen klassischen Kanon haben die beiden Körper gedrehte und biegsame Oberschenkel. Es sind jugendliche, fast kindliche Körper mit kurzen, abgerundeten Gliedmaßen. Wahrscheinlich sind ihre Gesichter in einem Kuss verschmolzen. Ihre Haltung vermittelt große Komplizenschaft auf eine offene und unschuldige Weise. Eros bringt sein linkes Knie subtil nach vorne und sein Körper beugt sich in einer Praxitelischen Kurve. Psyche verbindet ihren Körper mit dem ihres Geliebten, mit einer zarten Geste, aber ohne Trägheit. Die Draperie und die Füße zeugen von großer technischer Meisterschaft. Die Geschichte von Eros und Psyche wurde von Apuleius in seiner Metamorphose (Der goldene Esel) erzählt: Psyche war die jüngste und schönste von drei Schwestern, Töchter eines Königs von Anatolien. Aphrodite, die auf ihre Schönheit eifersüchtig war, schickte ihren Sohn Amor, um sie mit einem Pfeil zu beschießen, der sie dazu bringen sollte, sich in den schrecklichsten Mann zu verlieben, den sie finden konnte. Amor verliebte sich jedoch in sie und warf den Pfeil ins Meer; als Psyche einschlief, flog er mit ihr in seinen Palast. Der Mythos von Psyche, der stark von den mystischen Religionen beeinflusst ist, symbolisiert die Überwindung von Prüfungen und Leiden der menschlichen Seele, um Unsterblichkeit zu erlangen. In der klassischen Mythologie verliebte sich Amor in die schöne junge Frau und heiratete sie, wobei er ihre Identität geheim hielt. Auf Anraten ihrer Schwestern versuchte sie, das Geheimnis zu lüften, und erweckte den Gott, der daraufhin floh. Verliebt suchte sie ihn, und nachdem sie eine Reihe von Prüfungen bestanden hatte, die von der Mutter des Liebesgottes, Venus, auferlegt worden waren, wurde sie mit ihm wieder vereint.

Schätzw. 40 000 - 45 000 EUR

Los 46 - Das Zeichen des Priesters Padiamonnebgutauy für seinen Vater Minnusensebeur. Altes Ägypten, Untere Epoche, 664 - 332 v. Chr. Bronze. Provenienz: - Privatsammlung, Annie Trotter, London. - Privatsammlung, Ingrid McAlpine (1939 - 2018), London und Epsom, erworben von der oben Genannten am 22. Oktober 1993. - Kunstmarkt, England, 2019. - Lady Meux (1847-1910). - Sotheby's, 5. Juli 2022, Los 146. Guter Zustand, ausgezeichnete Patina der Bronze, behält die ursprüngliche Griff. Präsentiert einen Schlag und Mangel auf der rechten Seite des stipule. Beigefügt ist eine Studie über die Antike des Stückes durch den Ägyptologen und Architekten Fernando Estrada Laza ausgestellt. Autor von "Los Obreros de la Muerte" und "Entender y Amar el Arte Egipcio". Beraterin des Architektenteams Lamela für das Projekt des künftigen Großen Ägyptischen Museums in Kairo (GEM). Beraterin des Architektenteams von Arata Isozaki (Tokio) für die Organisation und Auswahl von Ausstellungsstücken für das neue Nationalmuseum für Ägyptische Zivilisation (NMEC) und das Große Ägyptische Museum in Kairo (GEM). Maße: 15 cm (Höhe) und 25 cm (Höhe mit erhobenem Griff); 31 cm (Höhe mit Sockel). Die ausgeschriebene Situla zeigt vierzehn vertikale Schriftregister zwischen zwei Figuren, die an den Enden des Textes eingraviert sind, eingerahmt von einem Rechteck, das durch eine dünne Ritzlinie gezeichnet ist. Ein mit einer Tunika bekleideter Priester ist die einzige Figur in dieser Szene. Sowohl das Tierfell, das ihn bedeckt, als auch sein kahlgeschorener Kopf weisen darauf hin, dass es sich bei ihm um einen Bestattungspriester der Gruppen wab, pure und sem handelt, prestigeträchtige Grade des Klerus, deren Akolythen die posthumen Bestattungsriten für die Toten praktizieren, vor allem die "Öffnung des Mundes". Während er mit der rechten Hand Wasser (Libation) mit Hilfe eines Glases in ein Gefäß gießt, räuchert er mit der anderen Hand ein hölzernes Weihrauchgefäß, dessen vordere Spitze ein kleiner, innen mit Bronze ausgekleideter Behälter ist, in dem die Weihrauchkörner verbrannt werden. Die Körner werden in einem zylindrischen Zwischenraum aufbewahrt, und der hintere Teil endet mit dem Motiv eines Falkenkopfes, wahrscheinlich des Gottes Horus. Die vier Register der Schrift auf seinem Kopf, werden übersetzt: "Von seinem Bruder gemacht, um seinen Namen zu leben. Der Direktor, der Sohn des Gottes". Nach dem Priester, sein Eigenname: Padiamónnebgutauy. Ein Name, der übersetzt werden kann mit: "Derjenige, der Amun, dem Herrn der Kronen der beiden Länder, (ein Opfer) bringt". Dem Schema der vertikalen Register folgend, folgt der Text: "Bringt diesem Osiris, der dem Westen vorsteht, ein Trankopfer aus frischem Wasser dar. Bringt diesem Osiris ein Trankopfer aus frischem Wasser dar. Der Priester des Amun in Ipet Setu (der Harem des Südens des Amun), der Schreiber des Tempels, der das Amt seines Halbmonats in diesem Tempel ausübt, er, der an der Spitze der Versammlung der Priester dieses liturgischen Amtes des Halbmonats in der Bruderschaft von Ipet Setu steht, Desefmer, Sohn des Priesters von Amon im Tempel von Ipet Setu, der Schreiber, der das Siegel von Amon im Tempel trägt, das Oberhaupt der priesterlichen Gemeinde für das Amt seines halben Monats im Tempel, derjenige, der im Wissen (den Geheimnissen?) des Tempels ist, derjenige, der an der Spitze der Bruderschaft der reinen Priester von Ammonet (Götterwand von Amon) steht, ist die Version dieses Gottes in Karnak. Später wird es Mut die erste Frau des Gottes), Direktor im Herzen des Ipet Setu, der an der Spitze der Versammlung der Priester von Amonet (Göttin Wand von Amon, es ist die Version dieses Gottes in Karnak. Bringen Sie diesem Osiris ein Trankopfer aus frischem Wasser dar. Der Priester von Amun in Ipet Setu (der Harem des Südens von Amun), der Schreiber des Tempels, um das Amt seines Halbmonats in diesem Tempel zu erfüllen, er, der an der Spitze der Versammlung von Priestern dieses liturgischen Amtes des Halbmonats in der Bruderschaft von Ipet Setu ist, Desefmer, Sohn des Priesters von Amon im Tempel von Ipet Setu, der Schreiber, der das Siegel von Amon im Tempel trägt, das Oberhaupt der priesterlichen Gemeinde für das Amt seines halben Monats im Tempel, derjenige, der im Wissen (den Geheimnissen?) des Tempels ist, derjenige, der an der Spitze der Bruderschaft der reinen Priester von Ammonet (Götterwand von Amon) steht, ist die Version dieses Gottes in Karnak. Später wird es Mut die erste Frau des Gottes sein), Direktor im Herzen des Ipet Setu, derjenige, der an der Spitze der Versammlung der reinen Priester des Amon steht, der Direktor der Bruderschaft der reinen Priester. Dies ist derjenige, der in der Priesterkongregation wichtig ist: Padiamonnebgutauy, Sohn von Minnusensebeur, schön von Stimme. Geboren von der Sängerin des Amon Ra, Dity. Dein Sohn erscheint, Horus erscheint. Du bringst Frische in dein Herz und du legst die Zwei Länder (Ägypten) unter deine Pflanzen (?) für dich, um ohne Gefahr (oder ohne Risiko) für dein Herz in den Einbalsamierungsraum gerufen zu werden, außerdem erscheint dein Name...". Desefmer, ist der Sohn von Padiamónnebgutauy, der wiederum der Sohn des verstorbenen Minnusensebeur ist. In der unteren Epoche wurden sehr lange Eigennamen über

Schätzw. 35 000 - 40 000 EUR

Los 48 - Oberer Teil einer Konkubine. Altes Ägypten, Neues Reich, 18. Dynastie, Herrschaft von Amenhotep III, 1390/1 bis 1353/2 v. Chr. Gehärteter Kalkstein. Provenienz: Privatsammlung, James Gordon Hanes Jr., North Carolina (USA), erworben von der Mathias Komor Gallery, New York, Ende der 1950er bis Anfang der 1960er Jahre. Mit Etikett der Galerie Komor, Nr. 943. Privatsammlung Eldridge C. Hanes, North Carolina (USA), erworben durch Erbschaft von seinem Vater James G. Hanes Jr. im Jahr 1995. Ein altes Foto ist im Getty-Archiv erhalten. In gutem Zustand, ohne Restaurierungen. Auf der rechten Rückseite befinden sich Dellen und auf der linken Seite unten eine Rille, die durch Erosion im Kontakt mit dem Wüstensand entstanden sind. Der Kalkstein hat eine feste, glänzende Oberfläche, die im Laufe der Zeit gehärtet und verdichtet wurde. Beigefügt ist ein von Herrn Eldridge C. Hanes unterzeichnetes Provenienzschreiben. Parallelen: -Pierre Bergé & Associés. Archéologie. Paris. 15. Dezember 2009. Los 155. -Pierre Bergé & Associés. Archéologie. Paris. 17. Juni 2010. Los 147. -Petrie Museum. University College London. London. N. UC28687. Maße: 22 x 18 x 13 cm. Oberer Teil einer ägyptischen Skulptur, die eine Frau mit einer Rückenplatte darstellt, in rechteckiger Form geschnitzt. Die Frau hat beide Handflächen ausgestreckt und hält ihre Perücke an beiden Seiten. Bei diesem Accessoire handelt es sich um einen sehr spezifischen Typus, eine breite und dicke dreiteilige Perücke mit viel Volumen, etwas kurz, typisch für die Produktionen des Neuen Reiches. Die Form der Augenhöhlen, die so perfekt geschlitzt sind, passt zusammen mit dem Kopfschmuck zu dem ausgeprägten Stil der Frauendarstellung während der Herrschaft des Pharaos Amenhotep III, der sich die Skulpturen der Königin Tiy zum Vorbild nahm. Außerdem wird das Gesicht, obwohl es kugelförmig ist, durch das ausgeprägte Kinn akzentuiert, ein weiteres charakteristisches Element der Statuen dieser Zeit. Im alten Ägypten waren die Gräber seit der Zeit der Pyramiden reich mit Grabbeigaben geschmückt. Unter der Vielzahl von Elementen, die offensichtlich alle eine keineswegs zufällige Symbolik hatten, gab es einige feine, nicht immer dargestellte Skulpturen von nackten weiblichen Silhouetten, in Holz geschnitzt, später im Mittleren Reich in Fayence modelliert und im Neuen Reich in Stein, mit einer ausgeprägten körperlichen Attraktivität, mit einem Heiligenschein der Sinnlichkeit. Dies ist vor allem auf die spärlichen Verzierungen zurückzuführen, die in Form von Halsbändern und durchscheinenden Kleidern mit Punkten auf den Körper gezeichnet sind. Dieser ausgeprägte sexuelle Charakter, der in der ägyptischen Kunstvorstellung so selten vorkommt, erregte bald die Aufmerksamkeit von Gelehrten und Sammlern. Es handelt sich um Konkubinen oder Konkubinen der Toten. Ihre Rolle ist nicht genau definiert: Sollen sie die sexuelle Aktivität des Verstorbenen im Jenseits und die daraus resultierende Fortpflanzung sicherstellen? Die hier gezeigten Skulpturen stammen aus dem Neuen Reich, sowohl was den oben beschriebenen physiognomischen Stil als auch die Steinmetzarbeiten betrifft. Die deutlichsten Beispiele, wenn auch nicht häufig, da es sich um Stücke handelt, die nicht häufig zu sehen sind, vor allem in Bezug auf Qualität und beträchtliche Dimensionen wie dieses, obwohl es zahlreiche Beispiele in Terrakotta oder Fayence von kleinen Dimensionen gibt, sind diejenigen, in denen die schöne Dame auf einem Bett liegt. Die spätere Halterung ist möglicherweise die Darstellung eines Bettes, wie das beste vollständige Exemplar auf dem Markt bei Pierre Bergé & Associés, im Katalog Archéologie vom 15. Dezember 2009, Los 155, zu sehen ist. Weitere Kalksteinmonumente, die nur die liegende Frau zeigen, sind in Brüssel (E. 2591), Florenz (2142) oder Dublin (E. 72:77) erhalten.

Schätzw. 32 000 - 35 000 EUR

Los 49 - Weibliche Büste; Zypern Jahrhundert, V-IV v. Chr. Kalkstein. Es zeigt oberflächliche Verschleiß und Verluste von Material auf der Nase, Wange und Kinn. Provenienz: Alexandre Iolas, (1908-1987), Paris, erworben auf dem Pariser Kunstmarkt in den 1960er/1970er Jahren. Maße: 17,5 x 9 x 11,5 cm. Schöner Kopf einer verschleierten Frau aus zypriotischem Kalkstein. Wahrscheinlich gehört er zu einer größeren Skulptur. Er zeigt ein weibliches Gesicht mit sehr charakteristischen Zügen, wie mandelförmige Augen, große Nase und dicke Lippen, ein heiteres Gesicht mit einem Hauch von Lächeln. Sie trägt eine Frisur mit einem Schleier, der ihr lockiges, nach vorne gekämmtes Haar enthüllt. Dieses Werk gehörte zur Sammlung von Alexander Iolas (1908 - 1987), einem berühmten griechisch-amerikanischen Galeristen ägyptischer Herkunft und großen Sammler moderner Kunst, der unter anderem die Karrieren von René Magritte, Andy Warhol oder Max Ernst in Gang brachte. Er begründete das moderne Modell des weltweiten Kunsthandels und leitete erfolgreiche Galerien in Paris, Genf, Mailand und New York. Unter antiker zyprischer Kunst versteht man alle Werke der bildenden Kunst, die aus Zypern im östlichen Mittelmeerraum stammen, und zwar von etwa 10 000 v. Chr. bis etwa 330 n. Chr. In dieser Zeit wurden verschiedene Arten von Gegenständen wie Haushaltsgeräte, Waffen, Schmuck und dekorative Figuren hergestellt. Diese Vielfalt an Kunstwerken zeugt von einer Mischung aus einheimischen und fremden Einflüssen aus dem alten Ägypten, Griechenland und Rom, die das Land nacheinander besetzten. Die im alten Zypern hergestellten Kunstwerke umfassen fast alle in der Antike verwendeten Medien der bildenden Kunst, darunter Terrakotta, Stein, Metalle, Glas und Edelsteine. Es gibt oberflächliche Abnutzungen und Materialverluste an Nase, Wange und Kinn.

Schätzw. 10 000 - 11 000 EUR

Los 54 - Altes Ägypten. Ptolemäische Periode, 300 - 30 v. Chr. Sykomorenholz, bemalt und stuckiert. Erhaltungszustand: Guter Zustand. Es hat die Polychromie in Holz und Stuck verloren, wie auf den Bildern zu sehen ist. Mit Echtheitszertifikat des Gerichtsgutachters Fernando Bernaldez. Abmessungen: 15 x 20 cm. Skulptur aus Sykomorenholz aus dem alten Ägypten. Die ptolemäische Dynastie ist diejenige, die von Ptolemäus I. Sóter, dem Feldherrn Alexanders des Großen, gegründet wurde. Diese Dynastie regierte Ägypten während der hellenistischen Periode vom Tod Alexanders bis 30 v. Chr., als es eine römische Provinz wurde. Sie ist auch unter dem Namen Lagariden-Dynastie bekannt, da Lagos der Vater (oder mutmaßliche Vater) von Ptolemaios I. war. Ptolemaios I. gründete die Hauptstadt dieses Königreichs in Alexandria, einer damals kleinen Stadt, die zum wichtigsten kommerziellen und intellektuellen Zentrum der Antike wurde. Diese Dynastie nahm von Anfang an ägyptische Bräuche an und war ein ständiger Feind der makedonischen Seleukiden-Dynastie. Während der Herrschaft eines ihrer Monarchen (Ptolemaios V.) wurde 197 v. Chr. ein Dekret in drei Schrifttypen auf einem schwarzen Stein veröffentlicht, der heute als Stein von Rosette bekannt ist. Die Dynastie beherrschte zeitweise die Kyrenaika (nordöstlich des heutigen Libyens) sowie das südliche Kanaan und Zypern. Ihre letzte Herrscherin war die berühmte Kleopatra. Nach ihrem Tod und dem ihres Sohnes Caesarion (Ptolemäus XV.) endete die Dynastie und Ägypten wurde von Augustus dem Römischen Reich einverleibt. Diese Periode war durch eine kulturelle Synthese zwischen griechischen, ägyptischen und anderen künstlerischen Traditionen des östlichen Mittelmeerraums gekennzeichnet. Mit Echtheitszertifikat des Rechtsexperten Fernando Bernaldez.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 56 - Krieger; China, Han-Dynastie, 202 v. Chr. - 220 n. Chr. Polychrome Terrakotta. Aufgesetzte Thermolumineszenz. Präsentiert Wiederherstellung in Bruchlinien in Armen und Taille befindet. Abmessungen: 50,5 x 16 x 8,5 cm. Runde Figur aus Terrakotta, die einen Krieger stehend, zeigt seine Waffen (jetzt verloren), geradeaus blicken und mit einem heiteren Gesicht. Sie ist mit kalt aufgetragenen Engoben in verschiedenen Farben verziert, hauptsächlich weiß und orange für die Kleidung, braun, rosa für die Hauttöne, schwarz und rot. Die Han-Dynastie herrschte in China zwischen 206 v. Chr. und 220 n. Chr., mehr als vier Jahrhunderte, in denen die politischen, sozialen und wirtschaftlichen Strukturen Chinas gefestigt wurden und das Land in die glorreichste Phase seiner Geschichte führten. Was die Kunst dieser Zeit betrifft, so ist sie immer noch stark von der Grabkunst geprägt, auch wenn sie das sehr hohe künstlerische Niveau widerspiegelt, das sowohl in den Hauptstädten als auch in den Provinzen erreicht wird. Die erhaltenen Objekte geben Aufschluss über das tägliche Leben und die Gebräuche der damaligen Zeit, da die Kunst viel alltäglicher ist als die Bronzen der Zhou- und Shang-Zeit. Auch die Struktur der Gräber änderte sich: Die Shang-Gräber waren vertikal, während die Han-Gräber als unterirdische Paläste gebaut wurden. Sie wurden mit Reliefs verziert, in die Szenen aus dem Leben des Verstorbenen eingraviert waren, und ein neues Material, der Lack, wurde als künstlerischer Träger verwendet. Am bekanntesten ist heute jedoch die Herstellung von Han-Keramik, die aus Terrakotta besteht und mit kalt aufgetragenen Engoben, hauptsächlich in Schwarz und Rot, verziert ist. Angebrachte Thermolumineszenz. Es stellt Wiederherstellung in Bruchlinien in Armen und Taille befindet.

Schätzw. 1 400 - 1 600 EUR

Los 60 - Pferd und Schaufler; China, Ming-Dynastie, ca. 1368- 1644. Keramiken. Inklusive Thermolumineszenz-Zertifikat von 1996. Beigefügtes Thermolumineszenz-Zertifikat. Maße: 21 x 9 x 5 cm; 21 x 23 x 10 x 10 cm (Pferd); 20 x 9 x 4 cm. Set bestehend aus einem Pferd und zwei Figuren von Pferdepflegern auf einem rechteckigen Sockel, beide glasiert in Sancai-Tönen von Bernsteingelb, Braun und Grün. Das Pferd ist gesattelt, und es ist möglich, dass die Pferdepfleger an einer Leine hingen und geduldig darauf warteten, dass ein Reiter das Pferd besteigt. Die Pferdepfleger tragen eine grüne Tunika mit langen Ärmeln und hohen schwarzen Haaren. Grabwächter wie diese gehören zu einer Klasse von Artefakten, die Mingqi genannt werden, manchmal auch als "Geisterutensilien" oder "Geistergefäße" bekannt. Sie wurden in der Han-Dynastie populär und blieben mehrere Jahrhunderte lang erhalten. Neben Rössern und Dienern gab es auch Musiker, Athleten, Krieger und Bauwerke. Obwohl sie oft in Massenproduktion hergestellt wurden, weisen Mingqi oft einen hohen Grad an Detailtreue und Naturalismus auf. Sie sollten den po unterstützen, den Teil der Seele des Verstorbenen, der unter der Erde beim Körper blieb, während der hun, der andere Teil der Seele, aufstieg. Der Sancai-Stil hat seine Ursprünge in der Tang-Dynastie, genauer gesagt am Ende des 7. Jahrhunderts, als man begann, die für die Aussteuer bestimmten Stücke mit Glasuren anstelle der traditionellen Engoben zu verzieren. Beiliegendes Thermolumineszenz-Zertifikat.

Schätzw. 1 200 - 1 400 EUR

Los 64 - Große Muttergöttin; Indus-Tal, 2000 v. Chr. Terrakotta. Beschädigung durch den Lauf der Zeit. Größe: 18,5 x 7 cm (Durchmesser). Statuette in runder Masse, die eine Muttergöttin darstellt, die aus der Ausführung der Brüste abgeleitet werden kann. Das Gesicht ist mit synthetischen Zügen bearbeitet. Die Kultur des Indus-Tals war zeitgleich mit den großen Zivilisationen Mesopotamiens und Ägyptens, und ihre wirtschaftliche, technologische und kulturelle Entwicklung ist mit der der letzteren vergleichbar. Diese Zivilisation, die die ersten Städte auf dem indischen Subkontinent gründete, ist wahrscheinlich aus der Entwicklung der landwirtschaftlichen Gemeinschaften hervorgegangen, die während der Jungsteinzeit entlang des Indus und seiner Nebenflüsse entstanden. So entwickelte sich Harappa, das um 3500 v. Chr. ein kleines Dorf entlang des Flusses Ravi war, tausend Jahre später zu einer großen Stadt mit einer Fläche von 150 Hektar. Ein solcher Wandel kann durch die Beziehungen zur urbanen Welt der Sumerer in Mesopotamien beeinflusst worden sein, oder er ist einfach auf den Handel mit Mesopotamien zurückzuführen, der zu einer wirtschaftlichen Entwicklung führte, die Städte als Produktions- und Austauschzentren erforderlich machte; diese Beziehungen könnten auch ein Modell für die Organisation und vielleicht für die Bautechniken geliefert haben, die sowohl am Indus als auch in Mesopotamien auf der Verwendung von Lehmziegeln beruhten. Unabhängig von ihrem Ursprung steht fest, dass zwischen 2600 und 1700 v. Chr. im Indus-Tal eine technisch hochentwickelte Zivilisation aufblühte, die sich auf große Städte im Zentrum eines riesigen Gebiets stützte.

Schätzw. 1 200 - 1 400 EUR

Los 74 - Öllampe mit Szene aus dem Alten Testament. Altes Rom, 4.-5. Jahrhundert n. Chr. Terrakotta. Guter Zustand. Provenienz: Erworben von der Aweidah Gallery, Israel, 2014. Maße: 11 x 6 cm. Bei der dargestellten Szene handelt es sich um ein in der Bibel beschriebenes Ereignis, das an die Erkundung des Landes Kanaan im Auftrag von Moses erinnert. Als die Israeliten in den Norden Kanaans aufbrachen, überlegten sie, wie sie am besten in das gelobte Land kommen könnten. Gott befiehlt Mose, einige seiner Männer auszusenden, um das Land zu erkunden und ihm eine physische Prüfung zu liefern, die Aufschluss darüber gibt, ob es bewohnbar ist oder nicht. Da es sich um ein gefährliches Land handelt, beschließt Mose, aus jedem der zwölf Stämme die weisesten und mutigsten Männer für die Reise auszuwählen, darunter Josua und Kaleb, letzterer aus dem Stamm Juda. Beide beschließen, mit Hilfe anderer Auserwählter die Erkundung der verschiedenen Städte und Felder zu unternehmen, und als Beweis für den Reichtum des Landes sammelten sie eine riesige Traube, für deren Transport sie sich mit einem von beiden getragenen Stock bedienten, wobei dieser Fund die Erklärung für die Namensgebung des Tals von Eschkol ist, wobei letzteres mit Traube übersetzt wird. All dies half ihnen, sich zu vergewissern, dass es sich in der Tat um ein sehr reiches und günstiges Land zur Besiedlung handelte, abgesehen von seinen Bewohnern, die sie als riesige, starke und äußerst kriegerische Wesen definierten, mit denen sie sich auseinandersetzen mussten.

Schätzw. 600 - 650 EUR

Los 80 - Oinochoe; Etrurien, Faliscus, 4. Jahrhundert v. Chr. Lackierte Keramik. Sie weist Verluste im Bereich des Mundes auf. Maße: 16 x 11 x 9,5 cm. Die Oinochoe ist eine griechische Keramik, die dazu dient, den Wein vor dem Servieren aus dem Krater zu nehmen, in dem er gegossen wurde. Sie zeichnet sich durch einen einzigen Henkel aus und wird nach der Form der Mündung und des Bauches eingeteilt. Bei der Technik der schwarzen Glasur wird die gleiche Glasur wie bei der rot- und schwarzfigurigen Keramik verwendet, die jedoch das Stück vollständig bedeckt und keine figürliche Verzierung aufweist. Es handelt sich um eine transparente Rohglasur, die nach dem Brennen ihren charakteristischen schwarzen, intensiven und glänzenden Ton annimmt. Es handelt sich um ein Beispiel für die Keramikkunst der etruskischen Kultur, die schon in der Antike von einer Aura des Geheimnisvollen umgeben war; selbst die griechischen Zeitgenossen waren von dem plötzlichen Auftauchen dieses Volkes als See- und Handelsmacht fasziniert, von diesem antiken Volk, das nach Dionysios von Halikarnassos "in seiner Sprache und seinen Sitten keinem anderen glich". Während einige die Etrusker als das Volk betrachten, aus dem das Römische Reich hervorging, gibt es andere Experten, die den Unterschieden zwischen den beiden Völkern mehr Bedeutung beimessen und sie als bloße Nachbarn oder "Eroberer und Eroberte" betrachten, je nachdem, in welcher Zeit man spricht, wobei sie einen starken Einfluss einiger Elemente der etruskischen Kultur und Kunst auf die Römer anerkennen. Auf jeden Fall waren die Etrusker große Künstler und Handwerker, bekannt für das, was uns von ihnen überliefert ist: reich verzierte und sehr eindrucksvolle Gräber, die in einigen Fällen Häusern ähneln; Terrakotta-Skulpturen, die sie offenbar mit flachen und lebhaften Tönen polychromierten (ähnlich wie die altägyptischen Werke) und zur Dekoration von Tempeln, als Skulpturen usw. verwendeten; Goldschmiedekunst, Keramik usw. Sie weist Verluste im Bereich des Mundstücks auf.

Schätzw. 350 - 450 EUR

Los 81 - Griff einer Widderkopf-Patera; Rom, I-II n. Chr. Bronze. Er weist mineralische Ablagerungen auf und ein Teil des rechten Horns fehlt. Maße: 17 x 7 x 3 cm. Gegossener Bronzegriff aus dem alten Rom, sehr fein und gut erhalten, der zu einer Patera gehört haben könnte. Der Griff ist in Form eines kannelierten Säulenschafts modelliert, der in einem Widderkopf mit Hörnern in Form von Schriftrollen endet. Die Gesichtszüge des Tieres sind naturalistisch dargestellt, mit feinen Details wie der Textur der sorgfältig eingeritzten Wolle. Die Basis des Henkels, an der er in den Gefäßkörper übergeht, besteht aus einem gebogenen Blech mit symmetrischen Vorsprüngen, das mit einem vegetabilen Reliefmuster verziert ist. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei ein: das Porträt und das historische Relief, die es in der griechischen Welt nicht gab. Dennoch orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer bildhauerischen Produktion an den griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert wurden. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Cato selbst prangerte die Plünderung und Ausschmückung Roms mit hellenistischen Werken an, die er als gefährlichen Einfluss auf die einheimische Kultur betrachtete, und bedauerte, dass die Römer Statuen aus Korinth und Athen bewunderten, während sie die dekorative Terrakotta-Tradition der antiken römischen Tempel verhöhnten. Die griechische Kunst hatte die etruskisch-römische Kunst im Allgemeinen so weit verdrängt, dass griechische Statuen zu den begehrtesten Kriegsbeuten gehörten und bei den Triumphzügen der siegreichen Feldherren ausgestellt wurden. Mineralische Ablagerungen sind vorhanden und ein Teil des rechten Horns fehlt.

Schätzw. 1 400 - 1 500 EUR

Los 82 - Zeremonienschwert; Volksgruppe der Baulé, Elfenbeinküste, erste Hälfte des 20. Jahrhunderts. Aus Holz und Eisen geschnitzt. Maße: 30 x 6 cm (Klinge); 18 x 6 x 8 x 8 cm (Griff). Zeremonienschwert aus Eisen und geschnitztem Holz für den Griff, der mit geometrischen Motiven und synthetischen Gesichtern geschnitzt ist. Auch die Klinge weist geometrische Ornamente und einen Teil der durchbrochenen Klinge auf. Diese Art von Objekten wurde von hohen Würdenträgern bei ethnischen Zeremonien getragen. Die Volksgruppe der Baulé, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine Million Menschen zählte, gehört zur Gruppe der Akan in der Elfenbeinküste, deren östlichen Teil sie bewohnt. Im 18. Jahrhundert musste Königin Abla Pokou ihr Volk in den Westen führen, an die Ufer des Comoé-Flusses, zu den Senufo. Um den Fluss zu überqueren, opferte sie sogar ihren eigenen Sohn, woraus der Name Baulé entstand, da baouli" so viel wie das tote Kind" bedeutet. Da es sich um ein matriarchalisches System handelte, wurde die Königin nach ihrem Tod von ihrer Nichte abgelöst, die das Königreich Sakassou anführte, das sich aus den Stämmen zusammensetzte, die ihr bei ihrem Exodus gefolgt waren. Die Baulé beuteten die Goldvorkommen aus und entwickelten eine neue Zivilisation, die eine Synthese aus dem Akan und den Kulturen der eroberten Eingeborenen darstellte. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts führten jedoch der massive Anstieg der Goldsuche und interne Unruhen zu einer Schwächung des Staates, die durch die koloniale Besetzung noch beschleunigt wurde. Innerhalb der Baulé-Kultur ist die Holzschnitzerei die wichtigste künstlerische Ausdrucksform. Ihre Skulpturen und Masken haben eine religiöse Bedeutung, da sie einen engeren Kontakt mit der übernatürlichen Welt ermöglichen.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 85 - Skyphos; Magna Graecia, Apulien, 4. Jahrhundert v. Chr. Keramik. Restaurierung an der auf dem Foto sichtbaren Bruchlinie. Maße: 10 x 26 cm (mit Griffen); 19 cm (Durchmesser ohne Griffe). Die Form ist es, die uns die Typologie gibt, zu der diese antike griechische Töpferei gehört. Der Skyphos ist ein tiefer Weinbecher mit zwei Henkeln und einem niedrigen und breiten Boden oder ohne Boden. Die Henkel können klein und waagerecht sein und vom Rand abstehen (bei den korinthischen und athenischen Formen), oder sie können schlaufenförmig sein und auf dem Rand aufliegen oder aus dem Boden herausragen. Das vorliegende Beispiel gehört nicht zu den bekannten Kategorien der roten oder schwarzen Figuren, sondern weist nur eine schwarze Glasur oder Emaillierung auf. Bei der schwarzen Glasurtechnik wird die gleiche Glasur wie bei der rot- und schwarzfigurigen Keramik verwendet, die jedoch das Stück vollständig bedeckt und keine figürliche Verzierung aufweist. Es handelt sich um eine transparente Rohglasur, die nach dem Brennen ihren charakteristischen schwarzen, intensiven und glänzenden Farbton annimmt. Diese Stücke stammen aus der Region Apulien in Süditalien, wo Daunia liegt, das heute mit der Provinz Foggia zusammenfällt, und aus Mesapia im südlichen Teil der Region. Ab 320 v. Chr. exportierte Athen keine Töpferwaren mehr, und es wurden nur noch wenige Gefäße hergestellt, die als Preise an die Athleten der Panathenäen vergeben wurden. Die Töpferwaren der italischen Halbinsel verdrängten nun die athenischen Töpferwaren auf dem Mittelmeermarkt. Die auf dem Foto sichtbare Bruchlinie weist eine Restaurierung auf.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Los 89 - Pferd mit Reiterin. China, Tang-Dynastie, 619-906 n. Chr. Polychrome Terrakotta. Maße: 32 cm (Höhe) x 29 cm (Länge). Zertifikat der Galerie Po Yuen Tong in Hongkong. Figur eines Pferdes mit Reiter aus polychromer Terrakotta, wahrscheinlich mit den damals üblichen Engoben (kalt aufgetragen), die möglicherweise zu den Grabbeigaben eines prominenten Mitglieds der Tang-Dynastie gehörte. Es zeichnet sich durch den Naturalismus aus, den der Künstler dargestellt hat. Die Tang-Dynastie wird von Historikern als eine glanzvolle Zeit der chinesischen Zivilisation angesehen, die der Han-Periode gleichwertig oder sogar überlegen war. Sie entstand nach einer Zeit der Despotie unter der Herrschaft des grausamen Yang Di und wurde von Li Shimin gegründet, der aus kindlicher Pietät seinen Vater auf den Thron setzte, bevor er selbst die Rolle des Kaisers übernahm und die Tang-Dynastie gründete. Angeregt durch den Kontakt mit Indien und dem Nahen Osten über die Seidenstraße erlebte das Tang-Reich einen kreativen Aufschwung in zahlreichen Bereichen. Der Buddhismus, der zur Zeit von Konfuzius in Indien entstanden war, blühte in dieser Zeit weiter auf, wurde von der kaiserlichen Familie übernommen und zu einem wesentlichen Bestandteil der traditionellen chinesischen Kultur. Auch die Entwicklung des Buchdrucks erweiterte die Verbreitung schriftlicher Werke und begründete das goldene Zeitalter der chinesischen Kunst und Literatur. Die große kulturelle Öffnung führt zu einer grundlegend farbenfrohen, ausdrucksstarken und sehr vielseitigen Kunst, auch wenn sie weiterhin hauptsächlich für Bestattungszwecke bestimmt ist und der Künstler ein anonymer Handwerker bleibt. Von diesem Zeitpunkt an wird jedoch die hochgebrannte, mit Emaille verzierte Keramik als Statussymbol verwendet, mit Typologien wie Gefäßen für die Tafel des Literaten und allen Arten von Geschirr. Terrakotta hingegen wird weiterhin für Grabbeigaben verwendet, obwohl von nun an auch Steinzeug zum Einsatz kommt, insbesondere für die Gräber von Adligen und Gelehrten. Bei den Grabbeigaben, zu denen auch diese Bären gehören, wird eine wichtige Neuerung eingeführt: die dreifarbige Bleiglasur (sancai), obwohl auch weiterhin mit Engoben verzierte Stücke hergestellt werden. Innerhalb der Grabbeigaben gibt es sechs typologische Gruppen, die jeweils sehr vielfältig sind: Grabwächter mit Kriegern und Schutztieren; zeremonielle Figuren mit ihren Dienern; Tiere aller Art, wie Ochsen, Kamele oder Pferde; Musiker und Hofdamen; Gebrauchsgegenstände und Gefäße und schließlich Architekturmodelle. Auch hier lassen sich drei Perioden unterscheiden. In der ersten, zwischen 681 und 683, überwiegen mit Engoben verzierte Figuren, auch ohne Glasuren, so dass die hier vorgestellten Stücke in diese Jahre datiert werden können. Die zweite Periode liegt zwischen 683 und 779 und ist die große Periode der Sancai, in der die Emaillen überwiegen. Schließlich wurden bis zum Beginn des 10. Jahrhunderts weiterhin Stücke mit Sancai-Emaille hergestellt, wenn auch von geringerer Qualität als in der vorangegangenen Periode.

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