24th July - Decorative Arts & Oriental Art

Los 1 - Tischuhr; Frankreich, Restaurationszeit, um 1820. Vergoldete Quecksilberbronze und Malachitplatten. Es zeigt Verschleiß auf dem Zifferblatt und Pendel. Abmessungen: 63 x 46,5 x 17 cm. Tischuhr aus quecksilbervergoldeter Bronze und Malachitplatten. Das Stück steht auf vier Bronzebeinen, die in den Ecken angeordnet sind und Löwenköpfe darstellen. Auf ihnen ist der Sockel als Podium angeordnet, das sich durch die ausdrucksstarke Ornamentik der Maserung und die Farbe der Malachitplatten auszeichnet. Der Sockel ist in mehrere Körper unterteilt, die durch Bronzeapplikationen, die den Umfang umgeben, definiert sind. In der Mitte befindet sich eine reliefierte Bronzeapplikation, die eine römische Standarte darstellt, auf der der Name Belisarius zu lesen ist, was auf die im oberen Bereich dargestellte Persönlichkeit hinweist. Das Stück endet mit einer runden Skulptur, die Flavius Belisarius (, 505-565), General des Oströmischen Reiches, darstellt, der für die Rückeroberung eines Teils des Weströmischen Reiches berühmt war. Die Figur, die eine nachdenkliche Haltung einnimmt, ruht auf dem Kasten mit dem Zifferblatt. In diesem Bereich kombiniert der Autor vergoldete und gebläute Bronze mit Malachit. Das Zifferblatt zeichnet sich durch seine Vergoldung mit schwarzen römischen Ziffern und Breguetzeigern aus, während die gebläute Bronze für die runde Skulptur verwendet wird. Während der Restaurationszeit in Frankreich unter Ludwig XVIII. und Karl X. erlebten die dekorativen Künste und vor allem die Innenarchitektur eine Blütezeit. Diese Art von Szenen waren bei der Dekoration von Tischuhren sehr verbreitet und stellten oft mythische oder religiöse Figuren dar. Es zeigt Verschleiß auf dem Zifferblatt und Pendel.

Schätzw. 4 600 - 5 000 EUR

Los 2 - Schreibtisch auf Brücke Fuß Buffet; Mexiko, zweite Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts und später. Polychrome Kiefernholz mit geprägten Silberplatten. Es hat einen Kamm mit dem Wappen von Francisco Antonio de Lorenzana y Butron. Es wurde restauriert und reformiert. Maße: 102 x 102 x 41 cm; 90,5 x 116 x 54,5 cm. Schreibtisch auf Buffet mexikanischer Herkunft mit einer prismatischen und robusten Struktur. Das Stück besteht aus zwei Teilen; Buffet mit Brückenfuß und dem oberen Schreibtisch. Beide sind aus polychromem Kiefernholz gefertigt und mit geprägten Silberapplikationen verziert, die pflanzliche Motive und religiöse Szenen darstellen. Der untere Bereich wird von zwei Längsfüßen getragen, auf denen drei dorische Säulen mit ebonisiertem Kapitell und Sockel stehen. Die Füße, die sich an den Seiten befinden, sind durch eine zentrale Struktur verbunden, die architektonisch konzipiert ist und einen Korridor mit halbkreisförmigen Bögen simuliert. Die Beine gehen in eine Platte mit kantigen Profilen über, deren äußerer Rand mit einer geprägten Silberapplikation verziert ist. Der Schreibtisch ist symmetrisch organisiert, in drei Reihen und drei Registern. Die Schubladen sind in Form von kleinen Schubladen vereint, die ein identisches Design haben und sich nur in Größe und Anordnung unterscheiden. Auf der Vorderseite, im mittleren Bereich und an den unteren Seiten sind Silberapplikationen von größerer technischer Komplexität angebracht. Wie ein Baldachin umrahmt der Künstler verschiedene Szenen religiösen Charakters: die Erziehung der Jungfrau und die Hochzeit der Jungfrau im unteren Bereich und in der Mitte die Verkündigung. An den Seiten des Tisches sind große Ornamente angebracht, die auf der einen Seite die Flucht nach Ägypten und auf der anderen die Geburt Christi in der Krippe darstellen. Schließlich wird das Möbelstück von einer Balustrade mit einem zentralen Wappen und Figuren in runden Silberwülsten gekrönt, die die Ecken dominieren. Interessant ist die Kopete, da ein Wappen zu sehen ist, das darauf hinweist, dass der Besitzer des Möbelstücks Francisco Antonio de Lorenzana y Butrón (León, 1722-Rom, 1804), Erzbischof von Mexiko, Kardinal-Erzbischof, Primas von Spanien und Generalinquisitor war. Silber war eine der wichtigsten Exportquellen in Spanisch-Amerika. Zunächst als Rohstoff an sich wegen seines hohen wirtschaftlichen Wertes und später und mit größerem Interesse wegen seiner Verarbeitung in der Goldschmiedekunst. Die Silberwaren des Vizekönigreichs erreichten einen sehr hohen Feingehalt und eine Qualität, die den europäischen Werken ebenbürtig war. Zur westlichen Tradition gesellten sich die kulturellen Wurzeln und das Erbe der Arbeitsstätten, an denen die Kunsthandwerker großes Talent sowohl bei der Ausführung der Arbeiten als auch bei der Schaffung besonders neuartiger und origineller Modelle und Verzierungen zeigten. Es hat ein Wappen mit dem Wappen von Francisco Antonio de Lorenzana y Butrón. Sie weist Mängel, Restaurierungen und Reformen auf.

Schätzw. 40 000 - 45 000 EUR

Los 3 - Taller RIGALT, GRANELL i CIA. Modernistische Glasmalerei, ca. 1910. "Der Heilige Georg, die Prinzessin und der Drache". Gebildet aus 9 Bleiverglasungen. Handbemalt mit Feuer. Gestell aus Eisen. Signiert "Graell i Cia" auf der rechten Seite. Es hat zwei beschädigte Glasscheiben. Maße: 206 x 150 cm. Modernistische Glasmalerei aus der renommierten Werkstatt in Barcelona, die von Antonio Rigalt und der Familie Granell gegründet wurde. Die Ästhetik und Qualität der Glasmalerei von Rigalt & Granell zeigt sich in der Dicke und Farbintensität der Kristalle, in der filigranen Verarbeitung der Bleiverglasung und in den attraktiven Formen, die in mühevoller handwerklicher Arbeit entstanden sind. Dieses prächtige Glasfenster besteht aus einzelnen farbigen Glasstücken, die sorgfältig geschnitten und geformt wurden, um eine ausgewogene und gleichzeitig dynamische Komposition zu schaffen. Im Zentrum der Komposition steht der Heilige Georg auf einem weißen, sich aufbäumenden Pferd. In seiner Rüstung sticht er mit seiner Lanze auf den sterbenden Drachen ein: Flügel, schuppiger Körper und Kopf sind in verschiedenen Farben gehalten, was ihm mehr Ausdruckskraft verleiht. Die Prinzessin mit idealisierten Zügen kniet und betet auf einem Felsvorsprung. Die felsige Landschaft wird von der Burg gekrönt. Das smaragdfarbene Blattwerk kontrastiert mit dem Kobaltblau des Himmels und den Bernsteintönen der Felsen. Die Glasmalereiwerkstatt, die von Mitgliedern der Familien Rigalt und Granell aus Barcelona gegründet wurde, war von 1890 bis 1984 in Betrieb. Ihre Vorläufer sind der Zeichner und Glaser Antoni Rigalt i Blanch (1850-1914), der in einem künstlerischen Umfeld aufwuchs, denn er war der Neffe des Malers und Zeichners Lluís Rigalt i Farriols (1814-1894). Er ließ sich an der Schule Llotja in Barcelona zum Zeichner ausbilden und unterrichtete bis 1901 Zeichnen. Sein Wechsel zum Glasmacher erfolgte nicht nach dem traditionellen Muster, indem er als Lehrling in einer Werkstatt begann, sondern nach seiner künstlerischen und theoretischen Ausbildung. Er war mit den wichtigsten Künstlern und Architekten seiner Zeit verbunden und arbeitete regelmäßig an den Werken des Architekten Lluís Domènech i Montaner mit. Aufgrund des Umfangs seiner Arbeiten und der hohen technischen Qualität seiner Werke ist die Werkstatt Rigalt, Granell & Cía. mit den großen Glasmalereiwerkstätten vergleichbar, die zu jener Zeit in Frankreich, England und Deutschland existierten. Das Unternehmen nahm seine Tätigkeit 1890 unter dem Namen Antoni Rigalt y Cía auf. Später, von 1903 bis 1923, wurde sie in Rigalt, Granell y Cía umbenannt. Jeroni F. Granell y Manresa war Architekt und verband seine berufliche Laufbahn mit dem Glasmalerei-Unternehmen, an dem er zunächst als Teilhaber beteiligt war, sich aber nach und nach immer stärker engagierte, bis er 1914, als Rigalt starb, die Leitung des Unternehmens übernahm und sogar seine Tätigkeit als Architekt aufgab. Obwohl die meisten Arbeiten dieser Werkstatt für Gebäude in der Stadt Barcelona bestimmt waren, erhielt sie auch Aufträge für das übrige Katalonien, einige für verschiedene Teile Spaniens und sogar für das Ausland, insbesondere für Südamerika. Aus der Werkstatt von Rigalt und Granell stammen einige der bedeutendsten Glasmalereien des katalanischen Modernismus, wie die für den Palau de la Música Catalana, die Casa Lleó Morera in Barcelona oder die Casa Navàs in Reus. Sie arbeiteten an den Werken der Architekten Lluís Domènech i Montaner, Enric Sagnier, August Font i Carreras und anderen. Sie führten auch zahlreiche Restaurierungen mittelalterlicher Glasmalereien durch, wie die der Kathedrale von León oder des Klosters von Santes Creus. Die Werkstatt nahm an zahlreichen Ausstellungen teil und wurde vielfach ausgezeichnet: 1888 an der Weltausstellung in Barcelona, 1892, 1896 und 1898 an der Ausstellung der Schönen Künste und der Kunstindustrie in Barcelona, 1899 an der Ausstellung der Schönen Künste in Madrid, 1900 an der Nationalen Kunstausstellung, 1907 und 1911 an der Internationalen Kunstausstellung in Barcelona, 1929 an der Weltausstellung in Barcelona und 1947 an der Nationalen Ausstellung für dekorative Kunst.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 4 - FRANCESCO TOSO BORELLA (1846-1905) zugeschrieben; Italien, Ende des 19. Jahrhunderts. "Lilith". Ebonisiertes Kiefernholz, polychromiert und vergoldet. Augen aus Perlmutt. Es hat leichte Mängel. Maße: 142 x 40,5 x 55 cm. Das ausdrucksstarke Bild des Dämons mit den leeren Augen aus Perlmutt ist vielleicht etwas, das die Augen der Gläubigen schockiert und zeigt, dass der Bildhauer, der diese Figur geformt hat, dabei mehrere Aspekte berücksichtigt hat. Als erstes ist die Bewegung zu nennen. Der auf einem Sockel stehende Protagonist streckt eine seiner Hände mit einer zarten Bewegung seiner langen, dünnen Finger vor, die der Vertikalität der Skulptur selbst Leichtigkeit verleiht. Der Ausdruck ihres faltenreichen Gesichts zeugt von der Spannung des Augenblicks. Lilith ist eine weibliche Figur aus der mesopotamischen und jüdischen Mythologie, die als Adams erste Frau und Urdämonin beschrieben wird. Lilith soll aus dem Garten Eden "verbannt"[2] worden sein, weil sie Adam nicht gehorchte. Viele haben sie auch mit dem mesopotamischen Dämon Lamashtu in Verbindung gebracht, der ähnliche Züge und eine ähnliche Stellung in der Mythologie wie Lilith hat. Sie weist kleinere Fehler auf.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 5 - Spiegel; Toledo oder Syrien, Ende des achtzehnten Jahrhunderts. Damaszener Metall. Stellt eine spätere Mond und Verschleiß. Abmessungen: 97 x 55 x 4 cm. Großer Spiegel aus damasziertem Metall auf einem Holzkern gemacht. Der Spiegel mit rechteckigem Umfang, dessen obere Ecken reserviert sind, ist mit einer Abdeckung aus Metallblech versehen, die die gesamte äußere Struktur nach einem architektonischen Muster bedeckt. In dieser Schicht ist ein kompliziertes Design zu sehen, das hauptsächlich aus pflanzlichen Elementen und kufischer Schrift besteht. Zur westlichen Tradition der Metallverarbeitung gesellten sich die Wurzeln und das kulturelle Erbe der Werkstätten, in denen die Kunsthandwerker sowohl bei der Ausführung der Arbeiten als auch bei der Schaffung besonders neuartiger und origineller Modelle und Verzierungen großes Talent bewiesen. Es handelt sich um einen späteren Mond und einen Ausrutscher.

Schätzw. 11 000 - 12 000 EUR

Los 6 - Reliquienschrein; Norditalien, Ende des neunzehnten Jahrhunderts. Ebonisiertes Holz, vergoldete Bronze, Messing und Emaille. Maße: 38 x 23 x 12 cm. Tabernakel Möbel mit zentraler Tür, flankiert von durchbrochenen Säulen, die in Form eines Engels, dessen Flügel unterstützen das Gebälk des oberen Bereichs enden. Dieser Bereich endet mit einem großen Tympanon, das von einer runden Skulptur aus vergoldeter Bronze gekrönt wird, die die Jungfrau Maria darstellt. Diese wird von zwei Engeln, ebenfalls aus Bronze, angebetet, die sich in jeder Ecke des Gebälks befinden. Das Innere dieses Möbelstücks wird von einem Relief geschmückt, das in mehreren Ebenen konzipiert ist; die erste Ebene umrahmt das Bild als Rahmen und wird von einer Bordüre aus Blumen und Früchten begrenzt, die von kleinen Engeln gekrönt werden. In der zweiten Ebene befindet sich ein Rahmen aus Wolken mit Engelskindern, die versuchen, die Jungfrau zu krönen. Schließlich ist im Hintergrund, aber im Hochrelief, die Figur der sitzenden Jungfrau mit dem Kind auf den Knien zu sehen. Diese Art von religiösen Objekten war in Norditalien am weitesten verbreitet und wurde in ganz Europa exportiert, da sie von den aristokratischen Klassen sehr geschätzt wurde. Diese Art von religiösen Gegenständen, die für die Aufbewahrung von Heiligenreliquien bestimmt waren, waren seit der Gotik weit verbreitet, wobei sowohl die Kreuze als auch die so genannten "testas", die in den zeitgenössischen Dokumenten sehr beliebt waren, hervorgehoben werden. Sie wurden zur Aufbewahrung von Reliquien verwendet. Obwohl viele von ihnen sehr unterschiedliche Formen annahmen, verfolgten sie alle denselben Andachtszweck, der manchmal über den Fanatismus hinausging. Es sei jedoch daran erinnert, dass zu jener Zeit praktisch jedes Element, das mit dem Heiligen oder seinen sterblichen Überresten in Berührung gekommen war (Tücher, Graberde usw.), als heilige Reliquie galt. Dadurch entstand ein ganzer Markt für solche Gegenstände. Die besten Exemplare waren aus Edelmetallen gefertigt, aber auch Exemplare wie das vorliegende waren hoch geschätzt, sowohl wegen des Behälters als auch vor allem wegen des Inhalts.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 7 - Paar Tassen; Frankreich, Restaurationszeit, um 1820. Ziselierte Bronze, patiniert, mit Quecksilber vergoldet und brüniert. Maße: 40 x 15,5 x 12 cm (x2). Paar Zierbecher im historisierenden Stil, deren Formen an den Stil der klassischen Antike angelehnt sind. Sie bestehen aus einem eiförmigen, amphorenförmigen Gefäß aus Bronze mit vergoldetem Bronzedekor, in Relief gegossen und mit kalt gemeißelten Details. Sie bestehen aus einem Sockel, der typisch für die Zeit ist, prismatisch, mit scharfen und glatten Kanten, und auf den direkt der Fuß gesetzt wird, der aus einem dichten Kranz von Pflanzenmotiven besteht, die in dem für die Zeit um 1820 typischen synthetischen und raffinierten Stil gearbeitet sind. Die Bronzeverzierung zeichnet sich vor allem durch die Qualität der Meißelarbeiten aus, die mit großer Ausdruckskraft die Textur der Blätter wiedergeben. Über der eiförmigen Form des Körpers befindet sich ein Zwischenhals, der nach klassizistischem Vorbild die Verbindung mit dem Gefäß bildet.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 8 - J. CHIURAZZI & DE ANGELIS zugeschrieben. Neapel, ca. 1900. "Hirsch". Paar Skulpturen aus patinierter Bronze. Maße: 91 x 83 x 18,5 cm. Diese Skulpturen sind auf dem Paar von Hirschen im Jahre 1756 im Garten der Villa Papiri in Herculaneum, Modelle des Jahres 100 v. Chr., jetzt im Archäologischen Museum von Neapel erhalten entdeckt basiert. Es entspricht wiederum der sehr langen Tradition in der Kunstgeschichte von Tiermotiven, aber erst seit dem achtzehnten Jahrhundert treten sie mit den Merkmalen auf, die wir in diesem Werk sehen: kleines Format, "unbedeutendes Thema" (kein Tier, das vom Auftraggeber als heilig angesehen wurde...), Interesse an Naturalismus und Details, in Bronze gefertigt... Der Aufschwung dieser Art von Arbeiten führte zur Entstehung von Meistern, die sich auf ihre Ausführung in zahlreichen Variationen spezialisierten (einige sind mehr auf Jagdhunde ausgerichtet, andere haben Arbeiten, in denen Rehe vorkommen, andere bevorzugen mehr oder weniger exotische Tiere, usw...) in ganz Europa, wobei die Franzosen am berühmtesten für die Spezialisierung der Gießereien in diesem Land und die Kontrolle, die die Regierung über die Qualität und Pflege der Gießereien ausübte, waren. So können wir Meister wie Christopher Fratin (1801-1864), Paul Delabrierre (1829-1912), Auguste Nicolas Cain usw. in der langen Liste der Bildhauer, die sich diesem Thema widmeten, nennen.

Schätzw. 6 000 - 6 500 EUR

Los 9 - HENRY CAHIEUX (Frankreich, 1825-1854), "Ägyptisch inspirierte Tasse". ca. 1850. Geschnitzte Bronze. Signiert. Maße: 14 x 24,5 x 15 cm. Henry Cahieux war ein Pariser Bildhauer, der eng mit der Gießerei von Ferdinand Barbedienne (1810-1892) zusammenarbeitete. Er schuf künstlerische Bronzen mit neoklassizistischer Inspiration und nahm an den Salons von 1850 und 1853 teil. Die meisten dieser Werke waren im griechischen, ägyptischen und historisierenden Stil gehalten, der zu dieser Zeit in Mode war. Der Artikel "Industrial Artists" von Victor Champier, der im Journal of Decorative Arts (Dezember 1888) erschien, würdigte das Genie des Künstlers und bedauerte seinen frühen Tod: "Barbedienne hatte gerade (1854) durch die Cholera in der Blüte seines Lebens diesen jungen Mann verloren, der eine so vielversprechende Zukunft hatte und dessen Werke, durchdrungen von einem Geschmack voller Anmut, ihn als Meister auswiesen". Auf der Pariser Weltausstellung von 1855 wurden seine Lampen, die als letztes Zeugnis von Henry Cahieux aufgeführt wurden, mit einer Ehrenmedaille für den Stand der Barbedienne ausgezeichnet.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 10 - Französischer Tafelaufsatz. Art Nouveau, um 1900 Figur aus vergoldeter Bronze, Glas und Biskuit. Skulptur signiert Dalfort auf der Rückseite. Gute Erhaltung. Maße: 38 x 33 x 33 cm (Mitte); 18 x 10 x 10 x 10 cm (Figur). Modernist Mittelstück mit vergoldeter Bronze-Struktur, die zwischen den Säulen eine Skulptur beherbergt, ist in runder Masse, die eine Göttin der griechisch-römischen Inspiration biscuit gearbeitet. Die Bronze ist mit floralen und pflanzlichen Girlanden gearbeitet, die die Galerie und die Schäfte schmücken.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 11 - JOSEP LLIMONA BRUGUERA (Barcelona, 1864 - 1934) und JOAQUIM VICENS GIRONELLA (1911-1997). "Kreuzigung". Christus in Stuck (Llimona) und Kreuz in Holz (Gironella), 1932. Das Kreuz ist von Gironella signiert und datiert. Maße: 30 x 30 x 6 cm (Christus); 62 x 42 x 8 cm (Kreuz). Der Autodidakt Joaquim Vicens Gironella fertigte Skulpturen aus Kork und wurde von Jean Dubuffet entdeckt und ausgestellt. Er schrieb auch viele Gedichte und Theaterstücke. Josep Limona gilt als der bedeutendste katalanische Bildhauer des Modernismus. Ausgebildet an der Llotja-Schule in Barcelona, erhielt er 1880 eine Pension, um nach Rom zu gehen. Während seines Aufenthalts in Italien wurde er von der florentinischen Renaissance-Skulptur beeinflusst. Mit den Werken, die er von dort schickte, erhielt er Preise (Goldmedaille auf der Weltausstellung von Barcelona 1888) und erwarb sich großes Ansehen. Mit seinem Bruder Joan gründete er den Círculo Artístico de Sant Lluc, eine katalanische Künstlervereinigung mit religiösem Charakter (die beiden Brüder waren tiefgläubig). Gegen Mitte der 90er Jahre driftet sein Stil bereits in Richtung Modernismus. Er erhielt den Ehrenpreis der Internationalen Ausstellung der Schönen Künste, die 1907 in Barcelona stattfand. Ab 1900 konzentrierte er sich auf seine berühmten Frauenakte, und 1914 schuf er in Zusammenarbeit mit Gaudí seinen beeindruckenden "Auferstandenen Christus". Sein künstlerisches Genie manifestierte sich auch in großen öffentlichen Denkmälern wie dem Reiterstandbild des Heiligen Jordi im Montjuic-Park in Barcelona sowie in Werken der Grabmalerei, wie den Pantheons, die er für mehrere Friedhöfe schuf. Neben Ausstellungen in Barcelona und anderen katalanischen Städten stellte er seine Werke auch in Madrid, Brüssel, Paris, Buenos Aires und Rosario (Argentinien) aus. Von 1918 bis 1924 und erneut von 1931 bis zu seinem Tod im Jahr 1934 war er Präsident des Museumsrates von Barcelona. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem von den Regierungen Frankreichs und Italiens. Außerdem erhielt er 1932 die Goldmedaille der Stadt Barcelona in Anerkennung seiner außerordentlichen Verdienste um die Entwicklung des Museumswesens. Llimonas Werke werden unter anderem im Kloster von Montserrat, im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien und im Museum Reina Sofia aufbewahrt.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 12 - Zugeschrieben der Werkstatt Rigalt-Graell i Cia. "Wappen des Königs von Aragonien", ca. 1940. Bleiglas, bemalt mit Feuergrisaille. Mit der Horaz zugeschriebenen Legende: "Multa renascentur qua iam cecidere". Der Holzrahmen hat Xylophagen. Er muss restauriert werden. Maße: 151 x 67 cm; 162 x 78 cm (Rahmen). Mit Grisaille auf Feuer gemalte Glasmalerei. Es stammt aus den vierziger Jahren und die Experten vermuten, dass es möglicherweise aus der angesehenen Werkstatt Rigalt, Graell i Cia in Barcelona stammt. Es zeigt das Wappen des Königs von Aragonien, eingerahmt von architektonischen Bögen mit gelapptem Profil. Es wird von einer lateinischen Legende begleitet, die auf einem Phylakterium geschrieben ist und einen Aphorismus enthält, der Horaz zugeschrieben wird: "Viele Dinge werden wiedergeboren, die bereits gefallen sind". Er kann so interpretiert werden, dass Bräuche, Überzeugungen und Moden vergehen, aber immer wieder neu geboren werden, wenn auch getarnt unter anderen Namen oder in anderen Formen. In diesem Zusammenhang bezieht es sich auf die unvergänglichen Werte der königlichen Familie. Die Glasmalereiwerkstatt, die von Mitgliedern der Familien Rigalt und Granell aus Barcelona gegründet wurde, war von 1890 bis 1984 in Betrieb. Ihre Vorläufer sind der Zeichner und Glaser Antoni Rigalt i Blanch (1850-1914), der in einem künstlerischen Umfeld aufwuchs, denn er war der Neffe des Malers und Zeichners Lluís Rigalt i Farriols (1814-1894). Er ließ sich an der Schule Llotja in Barcelona zum Zeichner ausbilden und unterrichtete bis 1901 Zeichnen. Sein Wechsel zum Glasmacher erfolgte nicht nach dem traditionellen Muster, indem er als Lehrling in einer Werkstatt begann, sondern nach seiner künstlerischen und theoretischen Ausbildung. Er war mit den wichtigsten Künstlern und Architekten seiner Zeit verbunden und arbeitete regelmäßig an den Werken des Architekten Lluís Domènech i Montaner mit. Aus der Werkstatt von Rigalt und Granell stammen einige der bedeutendsten Glasmalereien des katalanischen Modernismus, wie die für den Palau de la Música Catalana, die Casa Lleó Morera in Barcelona oder die Casa Navàs in Reus. Sie arbeiteten an den Werken der Architekten Lluís Domènech i Montaner, Enric Sagnier, August Font i Carreras und anderen. Sie führten auch zahlreiche Restaurierungen mittelalterlicher Glasmalereien durch, wie die der Kathedrale von León oder des Klosters von Santes Creus. Die Werkstatt nahm an zahlreichen Ausstellungen teil, vor allem in der Zeit unter der Leitung von Antoni Rigalt, und wurde vielfach ausgezeichnet: 1888 an der Weltausstellung in Barcelona, 1892, 1896 und 1898 an der Ausstellung der Schönen Künste und der Kunstindustrie in Barcelona, 1899 an der Ausstellung der Schönen Künste in Madrid, 1900 an der Nationalen Kunstausstellung, 1907 und 1911 an der Internationalen Kunstausstellung in Barcelona, 1929 an der Weltausstellung in Barcelona und 1947 an der Nationalen Ausstellung für dekorative Kunst.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 13 - Samson Vase, Frankreich, Ende des neunzehnten Jahrhunderts. Glasiertes und glasiertes Porzellan. Grüne Familie. Louis XV-Stil vergoldete Bronze Beschläge. Maße: 42 x 23 x 23 cm. Glasierte und glasierte Keramikvase nach chinesischen Formen von "pulverblauem" Porzellan. Im Inneren der Kartuschen der Vase kann man einen Stil erkennen, der von Modellen der grünen Familie für den Export inspiriert ist. Im Bereich des Sockels und der Mündung der Vase sind vergoldete Bronzebeschläge im Stil Louis XV zu sehen. Der Deckel mit durchbrochener Verzierung sticht hervor. Die Firma Samson, Edmé et Cie. wurde 1845 von Edmé Samson in Paris gegründet, um Repliken von Keramik- und Porzellanstücken herzustellen, die in Museen und Privatsammlungen ausgestellt waren. Die Fabrik, die 1864 nach Montreuil verlegt wurde, konzentrierte sich auf die Reproduktion von antiken und modernen Stücken aus anderen Manufakturen wie Meißen, Sèvres, Chelsea und Derby. Unter den Stücken, die Stile der Vergangenheit reproduzieren, befinden sich Objekte, die von italienischer Majolika, persischen Tellern, Stücken von Bernard Palissy und hispano-muslimischer Keramik inspiriert sind, sowie japanische Imari- und Arita-Stücke und Reproduktionen von chinesischem Porzellan, insbesondere des Stils der Rosa Familie und der Grünen Familie aus dem 18. Bei Samsons Stücken handelte es sich immer um Reproduktionen, niemals um Kopien mit betrügerischer Absicht, da sie alle ursprünglich die Fabrikmarke, einen Anker, trugen (obwohl er bei einigen Stücken versteckt oder entfernt wurde). Außerdem versuchte er, seine Stücke durch die Verwendung von Hartporzellanmasse zu unterscheiden, während die meisten Originale, auf die er sich bezog, aus weicher Masse waren. Auch die Größe der Stücke wurde geändert, ebenso wie die für die Dekoration verwendeten Farben. Die Firma produzierte bis 1969 weiter, und ihre Modelle wurden zehn Jahre später bei Christie's London verkauft.

Schätzw. 1 600 - 1 700 EUR

Los 14 - JEANNE CHATEIGNON (1876 - 1950) "Der Wind". Patinierte Bronze. Präsentiert Gießereistempel und Inschrift. Signiert. Maße: 37 x 26 x 23 cm. Skulptur in patinierter Bronze, die eine Frau von einem Mädchen begleitet präsentiert. Das Stück zeichnet sich durch seine realistische Ausführung, die sowohl in den Zügen der Protagonisten gesehen werden kann, wie in der Kleidung, die das Stück in einem ästhetischen Trend der costumbrista Charakter einschreibt. Das Stück zeigt die Wirkung des Windes auf die Protagonisten, so dass der Autor seine ganze Virtuosität zeigt.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 15 - Französische Schule; drittes Viertel des 19. Jahrhunderts. "Schottischer Jäger". Patinierte und teilweise vergoldete Bronze. Maße: 34 x 17 x 35 cm. In dieser Skulptur von rundem Umfang präsentiert uns der Künstler die Figur eines Mannes, der auf einem Baumstumpf sitzt, neben zwei Jagdhunden, die ihn aufmerksam beobachten. Der junge Mann trägt einen Bogen mit Pfeilen auf dem Rücken, was darauf hindeutet, dass er ein Jäger ist, auch wenn seine melancholische Haltung die Skulpturengruppe von der üblichen Aktivität einer Jagdszene entfernt. Der Autor stellt somit eine historisierende Szene dar, in der die Kleidung des Jägers die Hauptrolle spielt. Das Werk hat seine Wurzeln in der Strömung der Tierplastik, die im Frankreich des 19. Jahrhunderts aufkam, insbesondere in der Gattung der Jagddarstellung, die dem Geschmack der bürgerlichen Klientel jener Zeit sehr entgegenkam. Es handelte sich um Stücke von großem Naturalismus und Detailreichtum, in der Regel kleine und mittelgroße, in Bronze gegossene Werke.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 16 - Französischer Aubusson-Teppich, 19. Jahrhundert. Jahrhundert. "Landschaft mit Schloss". Handgeknüpfte Wolle. Maße: 215 x 296 cm. Die Raffinesse dieses handgewebten Wandteppichs zeugt von der hohen Qualität der Aubusson-Wandteppiche. Vor uns öffnet sich ein üppiger Garten, der einen kleinen See mit Brücken an seinen Ufern und ein Schloss im Hintergrund zeigt. Kirschblüten und Rosensträucher säumen den Teich. Die Landschaft wurde mit Leichtigkeit und anschaulicher Präzision in kontrastreichen Tönen mit einer Dominanz von Grün-, Blau- und Erdtönen sowie rosa Details aufgelöst. Das Thema entspricht dem aristokratischen Geschmack des neunzehnten Jahrhunderts. Die Stadt Aubusson beherbergte zahlreiche Tapisseriewerkstätten, die von flämischen Webern gegründet wurden, die sich Ende des 16. Jahrhunderts in der Gegend niederließen. Verglichen mit der königlichen Manufaktur von Gobelins war ihr Betrieb rudimentär: Sie verfügten weder über Maler noch über Färber noch über eine Handelsstruktur, so dass ihre Wandteppiche in Gasthäusern an eine untergeordnete Privatkundschaft verkauft wurden, vor allem an Aristokraten aus der Provinz. Im 16. und 17. Jahrhundert spezialisierten sich die Werkstätten von Aubusson auf pflanzliche Wandteppiche (mit besonders floralen Verzierungen), aber die Situation änderte sich grundlegend, als Mitte des 17. Jahrhunderts Jean-Baptiste Colbert, Minister von Ludwig XIV, dieses Zentrum neu organisierte, um die Werkstätten in königliche Manufakturen umzuwandeln. Er unterwarf die Werkstätten von Aubusson und Felletin einer Zunftordnung und versprach im Gegenzug, ihnen einen Maler und einen Färber zur Seite zu stellen. Diese Zusage sollte jedoch erst im 18. Jahrhundert in Kraft treten, ein Wendepunkt für die Werkstätten der Marken, die eine erhebliche Qualitätssteigerung ihrer Tapisserien erlebten, da sie auf einen Maler zählen konnten, der sich der Herstellung von Kartons widmete, und auf einen Färber, der qualitativ hochwertigere Farben als die bis dahin verwendeten herstellte.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 17 - Tischuhr im Stil Ludwigs XVI.; Frankreich, Periode Napoleon III., um 1860. Ziselierte und vergoldete Bronze, Zifferblatt aus Porzellanemail. Erhaltenes Pendel. Signiert auf den Maschinen: "JAPY FILS". Dimensionen: 63 x 51,5 x 19,5 cm. Tischuhr aus vergoldeter Bronze im Stil Louis XVI. Die Basis reagiert auf eine barocke Inspiration mit Rokoko-Elementen, mit mixtilinear Pflanze mit Elementen in Relief verziert. Das Zifferblatt befindet sich in der Mitte des Stücks. Es zeigt römische Ziffern in Schwarz auf weißem Grund und goldene durchbrochene Zeiger. Die Uhr wird von einer großen Tasse im klassischen Stil gekrönt. Der französische Louis-XVI-Stil wird dem Neoklassizismus zugeordnet. Die dekorativen Elemente sind, wie bereits angedeutet, klassizistisch inspiriert, aber die Kurven und Kurvenhaftigkeit des Rokokos von Ludwig XV. sind nicht verschwunden, auch wenn sie zweitrangig sind.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 18 - Büste von Franz Joseph I. von Österreich; Wien, um 1900. Kalamin auf Marmorsockel "brignoles". Maße: 22 x 12,5 x 8,5 cm. Büste von Franz Joseph I. von Österreich. Kaiser von Österreich, König von Ungarn und Herrscher über die anderen Staaten der Habsburger Monarchie vom 2. Dezember 1848 bis zu seinem Tod im Jahr 1916. Zu Beginn seiner Herrschaft hießen seine Königreiche und Territorien Österreichisches Kaiserreich, doch 1867 wurden sie als Doppelmonarchie Österreich-Ungarn neu konstituiert.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 19 - Büste Karls V.; Nach LEONE LEONI (1509 - 1590), Österreich, frühes 19. Jahrhundert. Jh. Bronze gemeißelt und gebläut auf Marmorsockel "Brokatel". Maße: 31,5 x 14,5 x 9,5 cm. Das gleiche Modell befindet sich im National Museum of Liverpool (Ref. WAG6235), das wiederum von der Büste im Kunsthistorischen Museum in Wien abstammt. Leone Leoni (ca. 1509 - 22. Juli 1590) war ein italienischer Bildhauer von internationalem Ruf, der in Italien, Deutschland, Österreich, Frankreich, Spanien und den Niederlanden unterwegs war. Leoni gilt als der beste der Medailleure des Cinquecento. Bekannt wurde er durch die Aufträge, die er von den Habsburger Monarchen Karl V., Kaiser des Heiligen Römischen Reiches, und Philipp II. von Spanien erhielt. Sein übliches Medium war Bronze, aber er arbeitete auch in Marmor und Alabaster, schnitzte Edelsteine und hinterließ wahrscheinlich einige fertige Werke in Wachs.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 20 - Büste von Friedrich Wilhelm von Preußen; Nordeuropa, um 1880. Patinierte Bronze auf Marmorsockel "rosso levanto". Maße: 17 x 5,5 x 5,5 cm. Büste von Friedrich Wilhelm von Preußen, bekannt als der Soldatenkönig. König in Preußen und Kurfürst von Brandenburg von 1713 bis zu seinem Tod im Jahr 1740 sowie Fürst von Neuchâtel. Sein politisches Erwachen kam während des Ausbruchs der Pest im Großen Nordischen Krieg in Preußen, was ihn dazu veranlasste, die Korruption und Ineffizienz der Regierung in Frage zu stellen. Er leitete Reformen ein, insbesondere im militärischen Bereich, und vergrößerte die preußische Armee erheblich. Als Anhänger der absoluten Monarchie konzentrierte er sich auf die Entwicklung des Staates und die Sanierung der Finanzen, indem er Steuern und strenge Vorschriften für Beamte einführte.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 21 - Spanische Schule des frühen zwanzigsten Jahrhunderts. Nach griechischen Vorbildern (440 v. Chr.). Vatikanisches Museum. Rom "Amazona Mattei". Skulptur aus Gips, mit Patina aus Terrakotta. Es stellt einige Risse, Restaurierungen und Fehler. Maße: 143 x 45 x 32 cm. Es handelt sich um eine patinierte Terrakotta-Gipsversion der Amazona Mattei, die im Vatikanischen Museum aufbewahrt wird. Es gibt mehrere römische Kopien von drei Statuentypen aus der klassischen Periode, die im Kampf verwundete Amazonen darstellen, und es handelt sich um Reproduktionen von drei verlorenen Bronzeoriginalen aus Ephesus: Experten schreiben den "Mattei-Typ" (den wir zeigen) Phidias zu, aber bei den Typen "Sciarra" und "Sosicles" ist nicht sicher bekannt, welcher von Polyklit und welcher von Kressilas stammt. Die drei Statuen haben einen kurzen Chiton und hochgesteckte Haare, die an die langhaarigen Frisuren der Damen der griechischen High Society erinnern, während die Körper und die durchtrainierten Körper an die von männlichen Kriegern und Athleten zu erinnern scheinen. Das Gesicht der Amazone Mattei und ihre dynamische Körperhaltung spiegeln Entschlossenheit und Mut wider, die weibliche Stärke, die die Amazonen der Mythologie auszeichnet. Der Chiton, der von ihrer Schulter herabhängt, entblößt ihre linke Brust, wo sie eine Wunde zeigt. Im Jahr 440 v. Chr. riefen die Priester des Artemis-Tempels einen Wettbewerb zur offiziellen Darstellung der Amazonen aus, bei dem sie drei Arten von Kanons bestimmten: Die verwundete Amazone von Berlin, die Amazone von Mattei (Vatikanmuseum) und die verwundete Amazone des Kapitols. Andrea Gisella Lopez Galeano Visuelle Kultur Klassische römische Architektur Die Details und die Wirklichkeitstreue werden wichtig und bezeichnend, in diesem Fall wird eine Frau mit zur Seite geneigtem Gesicht gezeigt.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 22 - Satz von vier Kaffeesets, 1950er Jahre. Onyx und Messing. Es zeigt Verschleiß nach Gebrauch und Alter. Maße: 6,5 x 4 cm (Tasse); 11 cm (Durchmesser Teller). Vintage-Kaffeeset aus natürlichem Onyx und Messing. Onyx hat eine lange Geschichte der Verwendung in der Hartsteinschnitzerei und Schmuck, wo es in der Regel als Cabochon oder in Form von Perlen geschnitzt wird. Er wurde auch für Tiefdruckgravuren und Hartsteinkameen verwendet, bei denen die Bänder das Bild vom Hintergrund abheben. Onyx wurde häufig für Skulpturen und dekorative Stücke verwendet, die zwischen den 1920er und 1970er Jahren entstanden.

Schätzw. 800 - 850 EUR

Los 23 - Nach dem Vorbild von EUGÉNE CORNU (1827- 1875); Frankreich, um 1890. Mittelstück. Algerischer Onyx, Achat und Bronze. Einer der Engel nicht über eine stabile Unterstützung. Maße: 32,5 x 29 x 29 cm. Mittelstück aus Achat, algerischem Onyx und vergoldeter Bronze. Der runde Fuß aus Achat und durch eine Bronzekette in der unteren und oberen Zone definiert, weicht der Basis von Onyx von Algerien, Zone, die den Schaft der Tasse, wo zwei kleine Engel von runden Masse in Bronze angeordnet sind unterstützt. Das Stück hat Bronze-Applikationen auf dem Schaft als Blätter und endet schließlich in der Achat-Schale mit Gadroons geschnitzt. Das Stück folgt den Modellen von Louis-François-Eugène Cornu, Designer und Hersteller von Bronze. Nach seiner Tätigkeit als Zeichner und Leiter von Arbeiten für Maison Tahan wurde er 1858 Gründer und Direktor der Compagnie des Marbres et Onyx d'Algérie von A. Pallu & Co und dann seines Nachfolgers G. Viot. Dieses Unternehmen ist auf die Herstellung von Luxusartikeln aus Bronze, algerischem Onyx-Marmor und Emaille spezialisiert. Cornus Kreationen wurden auf den Londoner Weltausstellungen von 1862, 1871 und 1872 sowie 1867 in Paris ausgestellt, wo er für ein großes Paar Vasen aus Onyx, Bronze und Emaille eine Goldmedaille erhielt. Die Compagnie des Marbres et Onyx d'Algérie stellte auch Objekte nach Entwürfen von Albert Carrier-Belleuse, Charles Cordier und Louis-Alfred Barrias her. Im Jahr 1878 befand sich das Geschäft am 24 Boulevard des Italiens in Paris. Einer der Engel hat keinen festen Halt.

Schätzw. 2 250 - 2 500 EUR

Los 24 - Tischuhr; Frankreich Ende 19. Jahrhundert und China, Qing-Dynastie, Guanxu-Periode, 1875-1908. Vergoldete Bronze und emailliertes Porzellan. Maße: 33 x 31 x 15 cm. Tischuhr aus Bronze und emailliertem Porzellan. Das Stück steht auf einem Sockel, auf dem zwei Foo-Hunde oder Löwen aus emailliertem Porzellan mit tiefblauer Glasur eine Vase flankieren. Dahinter erhebt sich der Körper, der das Uhrengehäuse trägt, in Form eines Astes. Von diesem Zweig gehen wiederum Zweige aus, die in emaillierten Porzellanblumen enden. Das Gehäuse hat ein weißes Zifferblatt mit arabischen Ziffern in Schwarz und goldfarbenen durchbrochenen Zeigern. Was den Stil des Stücks anbelangt, so ist es offensichtlich, dass es einer Vorliebe für die Orientalisierung entsprach. Eine Mode, die bereits im XVIII. Jahrhundert einsetzte und sich in ganz Europa bei der Gestaltung von Innenräumen, dekorativen Gegenständen und Möbeln verbreitete. Dieses Interesse an Elementen der orientalischen Kultur verstärkte sich im 19. Jahrhundert, vor allem dank der kommerziellen Öffnung Chinas und Japans, im Vergleich zu früheren Epochen.

Schätzw. 1 300 - 1 500 EUR

Los 25 - Moscheelampe; Syrien oder Ägypten, 19. Jahrhundert. Farbloses und teilweise vergoldetes Glas. Maße: 34 x 25,5 x 25,5 cm. Moscheelampe aus farblosem Glas, verziert mit pflanzlichen Elementen und kufischer Schrift auf der gesamten Oberfläche mit Ausnahme des Randes der Lippe. Der kugelförmige Korpus hat zwei kleine Griffe und einen ausgestellten Hals, der sich zu einer flachen Profilöffnung öffnet. Moscheelampen sind Öllampen, die in der Regel einen großen, runden Körper und einen schmaleren Hals haben, der sich nach oben hin verbreitert, wie in diesem Fall. Sie wurden oft mit inneren Gefäßen hergestellt, die mit Öl und einem Docht gefüllt waren, um Licht zu erzeugen. Sie bestehen in der Regel aus emailliertem Glas, oft mit Vergoldung. Einige wurden auch aus islamischer Keramik hergestellt, obwohl dies für die eigentliche Beleuchtung viel weniger effizient war. Diese Lampen wurden in der Regel an einem runden Metallrahmen aufgehängt und mit Ketten, die durch eine Reihe von Schlaufen an der Außenseite des Gehäuses geführt wurden, aufgehängt. Runde Rahmen werden auch heute noch in vielen Moscheen verwendet, allerdings mit einfachen oder mattierten Glaslampen für die elektrische Beleuchtung. Die verwendeten Techniken sind typisch für zeitgenössisches islamisches Glas: Die emaillierte Dekoration wird auf einen vorgebrannten glatten Körper aufgebracht und das Ganze wird einem zweiten Brand unterzogen. Die farbige Dekoration kann Verse aus dem Koran, insbesondere den ersten Teil des Ayat an-Nur oder "Vers des Lichts" (24:35, siehe unten), Inschriften und heraldische Embleme, die den Spender verzeichnen, sowie rein dekorative Motive enthalten.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 26 - Schmuckkästchen; Deutschland oder Österreich, XIX Jahrhundert. Jh. Emailliertes und teilweise vergoldetes Porzellan und Messing. Es hat Repainting. Präsentiert Nummerierung auf Basis. Abmessungen: 33 x 42 x 26 cm. Schmucktruhe aus vergoldetem und emailliertem Porzellan. Ästhetisch zeichnet sich das Stück durch seinen Rokoko-Stil aus. So sehen wir eine sehr dynamische Struktur und eine üppige Verzierung, in der ornamentale Elemente wie Blätter, Palmetten und Blumen platziert sind. Die malerischen Verzierungen des handbemalten Porzellans spielen auf den "locus amoenus" an, d. h. auf den richtigen Ort für die Liebe, denn wir sehen idyllische Landschaften, die von Paaren bewohnt werden. Es wurde neu bemalt.

Schätzw. 1 600 - 1 700 EUR

Los 27 - Poster Uhr auf Halterung; Frankreich, erste Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts. Vergoldete und ziselierte Bronze, emailliertes Porzellan und Intarsien. Es hat Platz Paris Typ Maschinen, Drahtaufhängung mit Gong auf Gong zu den Stunden und halben Stunden. Maße: 74 x 33 x 20 cm; 31 x 41 x 22 cm. Set von Tischuhr mit passenden Halterung, in der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts erstellt, auf der Grundlage der Boulle-Stil Modelle der Napoleon III Zeitraum. Zu dieser Zeit war es üblich, einen Blick in die glorreiche Vergangenheit des Frankreichs von Ludwig XIV. zu werfen, dessen Dekorateur André-Charles Boulle war. Von diesem Künstler erinnern wir uns heute vor allem an die Art der Dekoration, die wir hier sehen, eine Intarsie aus Teil und Gegenstück in Schildpatt und Metall, kombiniert mit vergoldeten Bronzereliefs von großer plastischer Qualität. Die Uhr hat eine architektonische Struktur von barocker Inspiration, mit großen figurativen Füßen aus vergoldeter Bronze, mit klassischen Motiven, mit dem unteren Teil des Körpers vegetalisiert und in Form einer Schnecke gewunden. In der zentralen Körper die seitlichen präsentieren vergoldeten Grenzen, wieder mit klassischen Ornamenten geschmückt, und schließlich krönt das Set eine durchbrochene Kuppel von einer Figur in runden Masse, ein Adler gekrönt. Von besonderer Bedeutung sind auch die Reliefs unter der Kugel, die ebenfalls einen Vogel darstellen. Das Zifferblatt hat römische Ziffern, die in Kobaltblau auf weißem Grund emailliert sind, kleine, in den Metallrahmen eingelassene Stücke, die im zentralen Bereich gemeißelt sind. Die Konsole ist im gleichen Stil gehalten, wenngleich die Bronzestücke ein geringeres Relief aufweisen, um nicht von der Hauptgruppe abzulenken.

Schätzw. 2 250 - 2 500 EUR

Los 28 - DAMIÁN CASTRO (Córdoba, 1716 - Sevilla, 1793). Bischöflicher Hirtenstab, ca. 1785- 1793. Vergoldetes Silber. Er weist Gebrauchsspuren auf. Es hat Spuren. Abmessungen: 167,5 x 17 x 9 cm. Hirtenstab aus vergoldetem Silber, nach gotischen Vorbildern im Kontext des Historismus. Er ist inspiriert von mittelalterlichen Goldschmiedestücken aus Edelmetall mit gefassten Steinen. Die Verzierung, die sich an die allgemeine Schnecke anlehnt, die die Linie des Entwurfs auf der Grundlage kleiner pflanzlicher Stängel zieht, ist ebenfalls sehr typisch für mittelalterliche Stücke. Das Werk trägt die Zeichen des berühmten Silberschmieds Damián Castro (Córdoba, 1716 - Sevilla, 1793). Rafael Ramírez de Arellano, José Valverde und Hernández Perera waren die Gelehrten, die die Gestalt dieses Goldschmieds hervorhoben. Seine Karriere begann bei seinem Vater, der ebenfalls Silberschmied war, Juan de Castro. Im Jahr 1729 wurde er von der Gilde der Silberschmiede der Stadt Córdoba ausgezeichnet, und dies sind die ersten strengen Daten, die über seine Karriere als Silberschmied bekannt sind. Einige Historiker weisen aufgrund seines Stils darauf hin, dass er auch in der Werkstatt von García de los Reyes gelernt haben könnte. 1736, nach dem Tod seines Vaters, begann er seine Karriere allein. Im Jahr 1752 begann er seine Arbeit als Obermeister der Kathedrale, und sechs Jahre später wurde er zum stellvertretenden Punzierer ernannt. Es weist Gebrauchsspuren auf. Es hat Markierungen.

Schätzw. 11 000 - 12 000 EUR

Los 29 - Paar Blackmoors; Venedig, 19. Jahrhundert. Holz geschnitzt und polychromiert. Größe: 182 x 50 x 30 cm (x2). Dieses venezianische Dienerpaar ist in einer völlig idealisierten Weise gekleidet. Die Figuren der schwarzen Sklaven, die sowohl als Stützen für die Möbel als auch freistehend als Kerzenständer verwendet werden, wurden in Venedig Ende des 17. Jahrhunderts von dem Tischler und Bildhauer Andrea Brustolon (1662 - 1732) geschaffen. Seine Möbel zeichnen sich durch die reichhaltige Präsenz von Skulpturen aus, oft sogar in Form von runden Figuren. Seine charakteristischsten Figuren waren schwarze Figuren wie die hier gezeigte, ebonisiert und bemalt, die als Stützen für große Möbelstücke dienten oder freistehend waren. Diese Figuren waren in ganz Europa so beliebt, dass sie bis weit ins 18. Jahrhundert hinein und im Rahmen des Historismus bis ins 19. Es handelt sich um Stücke von außergewöhnlicher schnitzerischer Qualität, die als eigenständige Kunstwerke konzipiert sind. Die Ikonographie ist das Ergebnis der Vorliebe für das Exotische, die für das 18. Jahrhundert charakteristisch war und sich im 19. Jahrhundert durch den romantischen Geist fortsetzte, der gerne über alles, was anders und weit entfernt war, sowohl in der Zeit als auch im Raum, nachdachte und fantasierte. Dieses Stück stellt die idealisierte venezianische Welt des 18. Jahrhunderts wieder her, die im neuen industriellen Jahrhundert eine Eleganz und einen Luxus symbolisierte, der nie wieder erreicht werden konnte. Diese Art von Stücken wurde sorgfältig und exquisit bearbeitet, wobei der Schnitzerei ebenso viel Aufmerksamkeit gewidmet wurde wie der Polychromie, die reich bestickte Stoffe frei und phantasievoll wiedergibt.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 30 - Tischuhr; Frankreich, drittes Viertel des neunzehnten Jahrhunderts. Geziselte und brünierte Bronze. Stück im Jahr 2018 überarbeitet. Bewahrt Schlüssel und Pendel. Es präsentiert Fehler im Glas und leichte Abnutzung. Abmessungen: 38 x 53 x 13 cm. Tischuhr Napoleon III. mit vergoldetem Bronzegehäuse. Sie zeigt ein vom Rokoko inspiriertes Design in Kombination mit klassischen Motiven wie den Schriftrollen, einer Veneria oder dem oberen Füllhorn. Die beiden kleinen Kinderengel, die die runde Kugel flankieren, sorgen für die kompositorische Symmetrie des Ganzen, das von einer Spitze gekrönt wird. Der geschwungene Körper ist an der Basis mit Gadroons gemeißelt. Das emaillierte und glasierte Porzellangehäuse hat römische Ziffern in Schwarz und goldfarbene durchbrochene Zeiger. Die dekorativen Elemente, die Teil der Uhr sind, setzen die Ästhetik fort, die an die in der griechischen und römischen Antike verwendeten Ornamente erinnert, aber immer ein hohes Maß an Pracht beibehält und den Eklektizismus der Renaissance oder neoklassische Inspiration hinzufügt. Teilweise überarbeitet im Jahr 2018. Behält den Schlüssel und das Pendel. Es präsentiert Fehler im Kristall und leichte Abnutzung.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 31 - Tischuhr; um 1820. Quecksilber vergoldete und ziselierte Bronze. Es hat leichte Abnutzung in Vergoldung und eine der Figuren ist nicht konsolidiert. Einer der vorderen Anwendungen und die hintere Abdeckung fehlen. Es braucht Restaurierung. Bewahrt Pendel. Signiert Mme Gentilhomme à Paris auf dem Zifferblatt. Maße: 42 x 30 x 12,5 cm. Tischuhr aus quecksilbervergoldeter Bronze. Es ist ein Stück der skulpturalen Konzeption auf vier konischen Beinen, die den Weg zu einem volumetrischen Basis von geometrischen Formen, vertieft an den Ecken und mit Applikationen in Relief verziert unterstützt; eine Grenze mit einem Porträt im Profil in jeder der Ecken und einer Girlande in der Mitte. Der Sockel gibt den Weg frei für die runde Skulptur, die von einer architektonisch inspirierten Struktur begrenzt wird, die von einer Karyatide flankiert wird, die sich an der ägyptischen Welt inspiriert und auf jeder Seite steht. Schließlich endet diese Struktur in einem Giebel, in dem sich das runde Uhrengehäuse mit schwarzen römischen Ziffern befindet. Ein ähnliches Modell befindet sich im Nationalmuseum von Stockholm (Inv: NMK 50/2021), von dem bekannt ist, dass die Szene Marie Caroline, Herzogin von Berry, mit ihrem neugeborenen Sohn Henri, Herzog von Bordeaux, und ihrer Tochter Louis darstellt, die vor dem Schlafengehen beten. Das Modell wurde von Jean André Reiche (1752-1817) entworfen, der 1785 eine eigene Gießerei in Paris gründete. Das Zifferblatt der Uhr trägt die Signatur "Mme Gentilhomme à Paris", das Pseudonym von Louise Admirat (1759-1829). Diese Unterschrift, die lange Zeit unbekannt war oder fälschlicherweise zugeschrieben wurde, ist die von Louise Admirat (Besse 1759-Paris 1829), einer der wenigen Uhrmacherinnen, die im ersten Viertel des 19. Am 15. Ventose, dem Jahr III des Revolutionskalenders, heiratete sie Jean-François Gentilhomme, einen Goldschmiedehändler. Madame Gentilhomme scheint ihre Tätigkeit während eines Zeitraums von etwa fünfzehn Jahren, von 1805 bis 1820, entfaltet zu haben. Sie war bekannt dafür, dass sie mit einigen der einflussreichsten Sammler der damaligen Zeit zusammenarbeitete. Im Nachlassinventar von Anne-Joseph-Thibault, Graf von Montmorency-Fosseux, Marschall der Lager und Armeen des Königs, das im Januar 1819 erstellt wurde, wird "...eine Uhr mit dem Namen Gentilhomme à Paris, mit vergoldetem Zifferblatt, in einem Alabastergehäuse, das von einer Vase überragt wird..., die sich in einem der Schlafzimmer des Hauses des Grafen in Paris befand" erwähnt. Es hat leichte Abnutzungserscheinungen am Gold und eine der Figuren ist nicht konsolidiert. Eine der vorderen Anwendungen und die hintere Abdeckung fehlen. Es muss restauriert werden. Bewahrt Pendel.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 32 - Französische Schule des XIX. Jahrhunderts. "Der Löwe. Skulptur in gemeißelten Bronze auf Holzsockel geschnitzt und vergoldet Zeitraum. Einige Mängel in den Sockel. Abmessungen: 12 x 26 x 18 cm (Löwe); 7 x 29 x 14 cm (Sockel). Löwe aus gemeißelter Bronze in ruhender Position. Der robuste Körper ist unter Berücksichtigung der richtigen Anatomie gearbeitet und vermittelt eine Vorstellung von den klassischen Proportionen, entsprechend der Renaissancezeit, in der er inspiriert ist. Seine Mähne ist in langen und dichten Ziselierungen gemeißelt, die den Kopf einrahmen. Der Löwe ist in der Heraldik und in der Ikonographie der mittelalterlichen Bestiarien ein Emblem der Macht. Bereits in griechisch-römischer Zeit symbolisierten sitzende Löwen Siege über feindliche Völker, wie der Marmorlöwe der antiken griechischen Stadt Cnidus. Sie dienten auch als Verteidigungssymbole für Städte und Tempel. In christlicher Zeit symbolisiert der Löwe auch den Evangelisten Markus, obwohl er in diesem Fall meist geflügelt dargestellt wird.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 33 - Tischuhr; Frankreich, Ende des neunzehnten Jahrhunderts. Brünierte und ziselierte Bronze und emailliertes Porzellan. Fehlende Stücke von Maschinen und einige Bronzen sind lose. Maschinen signiert "Vassy Jeure Paris". Maße: 68 x 50,5 x 14,5 cm. Tischuhr aus brünierter und ziselierter Bronze mit emaillierter Porzellantasse "Beau bleu" in der Art von Sèvres. Das Stück steht auf einem goldenen Sockel, der in seiner Gestaltung von klassischen antiken Motiven inspiriert ist. Auf dem Sockel sitzen zwei runde Figuren, die an den Seiten ein Kinderpaar darstellen. In der Mitte steht die Tasse mit Bronzesockel und Porzellankörper, der an den Seiten mit zwei Ziegenköpfen als Henkel geschmückt ist. Auf der Vorderseite des Korpus befindet sich das Ziffernblatt mit römischen Ziffern in Schwarz und goldfarbenen durchbrochenen Zeigern. Schließlich ist die Tasse mit einem vergoldeten Bronzeknauf versehen. Diese Art von Arbeit war in der Innenausstattung von Häusern und Palästen der Oberschicht im neunzehnten Jahrhundert sehr verbreitet. Sie wurden zur Dekoration von Räumen auf Tischen, Kommoden usw. verwendet und waren sowohl beim Adel als auch bei einem Teil des Bürgertums (vor allem bei denjenigen, die der Aristokratie nacheifern wollten) sehr beliebt und wurden in praktisch allen wichtigen Kunstschulen der damaligen Zeit hergestellt. Die am meisten geschätzten Kreationen waren jedoch die französischen, und zwar aus mehreren Gründen. Erstens wegen der Qualität ihres Designs, das sich stets an den künstlerischen Neuerungen der Zeit orientiert und übermäßige Wiederholungen vermeidet, wobei eine Vielzahl von Modellen aus verschiedenen Quellen (griechische Skulpturen, mythologische Themen, zeitgenössische Werke usw.) verwendet wird. Zweitens wegen der Qualität der verwendeten Materialien: hochwertiges Porzellan, gut gearbeitete Bronzen mit gutem Guss und hervorragender Vergoldung (Techniken, die die französische Regierung selbst immer sehr kontrolliert hat, um ihre Qualität und damit die Kategorie ihrer Produktion nicht zu senken), Metalle, manchmal geschnitztes und polychromiertes Holz usw. Teile des Maschinenparks fehlen und einige Bronzen sind lose.

Schätzw. 2 000 - 2 250 EUR

Los 34 - Paar Kerzenhalter; Frankreich, 19. Jahrhundert. Jh. Ziselierte und brünierte Bronze mit emailliertem Porzellankörper. Maße: 87 x 43 x 40 cm (x2). Paar bestehend aus zwei Leuchtern mit je sieben Lichtern, alle aus Bronze, kombiniert mit Porzellan im Sèvres-Stil. Beide haben das gleiche Design, das von einem runden Sockel ausgeht, der auf vier Beinen in Form einer Katzenkralle steht. Das Bronzestück endet mit einem Dekor aus stilisierten und synthetischen Blättern. Vom Sockel gehen puttiförmige Bronzeapplikationen aus, die in die Griffe übergehen. Der zentrale Korpus von periformer Form ist aus blau emailliertem Porzellan gefertigt. Diese Art von Arbeit war im 19. Jahrhundert in der Innenausstattung von Häusern und Palästen der Oberschicht sehr verbreitet. Sie wurden zur Dekoration von Räumen auf Tischen, Kommoden usw. verwendet und waren sowohl beim Adel als auch bei einem Teil des Bürgertums (vor allem bei denjenigen, die der Aristokratie nacheifern wollten) sehr beliebt und wurden in praktisch allen wichtigen Kunstschulen der damaligen Zeit hergestellt. Die am meisten geschätzten Kreationen waren jedoch die französischen, und zwar aus mehreren Gründen. Erstens wegen der Qualität ihrer Gestaltung, die sich stets an den künstlerischen Neuerungen der Zeit orientierte und übermäßige Wiederholungen vermied, wobei eine Vielzahl von Modellen aus verschiedenen Quellen (griechische Skulpturen, mythologische Themen, zeitgenössische Werke usw.) verwendet wurde. Zweitens wegen der Qualität der verwendeten Materialien: hochwertiges Porzellan, gut gearbeitete Bronzen mit gutem Guss und hervorragender Vergoldung (Techniken, die die französische Regierung selbst immer sehr kontrolliert hat, um ihre Qualität und damit die Kategorie ihrer Produktion nicht zu senken), Metalle, manchmal geschnitztes und polychromiertes Holz usw.

Schätzw. 4 000 - 4 250 EUR

Los 35 - Kaffee- und Teeservice; Pérez Hermanos und F.Sanz, 1991 und später. Spanisches Silber. Präsentiert Marken von Madrid Villa y Corte. Die Tassen haben Porzellankörper. Abmessungen: 12,5 x 15 x 11 cm (größer); 1,5 x 25 x 12,5 cm (kleiner). Gewicht: 1840 g. Kaffee- und Teeservice bestehend aus: Kaffeekanne, Drittel, Milch, Zuckerdose, Tablett und zwei Tassen mit Tellern. Ästhetisch ist das Set im neoklassischen Stil gehalten, der sich durch kantige und geometrische Formen auszeichnet. Die Tassen tragen die Marken des Schmuckgeschäfts Sanz, das von Felipe Sanz in Madrid gegründet wurde. Als Beispiel für seine Arbeit fertigte Sanz für Königin Victoria Eugenia eine kurze Halskette mit sieben kolumbianischen Smaragden an.

Schätzw. 2 250 - 2 500 EUR

Los 36 - Tischuhr. Frankreich, Napoleon III, ca. 1860. Aus vergoldeter und ziselierter Bronze. Zifferblatt aus emailliertem Porzellan. Signiert "Dussault à Paris". Mit Pendel. Zeigt Gebrauchsspuren. Abmessungen: 37,5 x 59 x 14,5 cm. Französische Tischuhr aus der Zeit Napoleons II. Ganz aus vergoldeter Bronze gefertigt, mit Ausnahme des Porzellanzifferblatts, hat sie skulpturalen Charakter und stellt eine Allegorie des Frühlings dar. Eine weibliche Figur, die Demeter darstellen könnte, stützt sich mit dem Ellbogen auf das Gehäuse der Uhr. Die griechisch-römisch inspirierte Skulptur trägt Weizenbündel und eine Sichel. Sie wird von landwirtschaftlichen Gerätschaften begleitet. Die Nummerierung des emaillierten Zifferblatts ist römisch und arabisch. Das Ganze ruht auf einem durchbrochenen Sockel mit Bordüren und Schnörkeln.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 37 - Tischuhr. Frankreich, Napoleon III, ca. 1880. Aus Bronze und belgischen Marmorplatten. Emailliertes Porzellanzifferblatt. Vergoldeter Holzsockel mit Stoffmatte. Spieluhr im Inneren. Mit Pendel. Es zeigt Verschleiß und Mängel. Abmessungen: 48 x 26 x 12 cm (Uhr); 7,5 x 31 x 16 cm (Ständer). Französische Tischuhr aus der Zeit Napoleons III. Das Gehäuse kombiniert Bega-Marmor-Beschichtung und blattförmige Bronzeformen. Eine in Bronze gearbeitete Skulptur in runder Wölbung krönt die Uhr. Sie stellt eine Kurtisane in einem fein broschierten Renaissancekostüm dar, die an einem Lesepult ein Buch liest. Das weiß emaillierte Porzellanzifferblatt hat römische Ziffern und ist mit einer Pflanzengirlande aus vergoldeter Bronze verziert. Volants und Schnörkel, Cabochons und Masken vervollständigen die Dekoration.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 38 - Tischuhr. Frankreich, Napoleon III, ca. 1880. Aus patinierter und ziselierter Bronze. Mit Plaketten aus belgischem Marmor. Mit Pendel und Schlüssel. Signiert "H.Riondet". Es zeigt Verschleiß auf dem Zifferblatt und Fehler in der Marmor. Abmessungen: 51 x 37 x 16,5 cm. Französische Tischuhr aus der Zeit Napoleons III. Auf einem Sockel, der Platten aus belgischem Marmor marmoriert und in schwarz kombiniert, ruht eine Skulptur in patinierter Bronze in runder Masse gearbeitet. Sie stellt eine Dame des antiken Roms dar. Sie trägt eine drapierte Tunika und ihr Haar ist gelockt. Das Ziffernblatt aus weiß emailliertem Porzellan hat römische Ziffern.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 39 - MARTÍN BENITO Frankreich, zweite Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Vase. In geschnitztem Glas auf dem Rad. Montiert in vergoldeter Bronze. Signiert auf dem Sockel. Maße: 41 x 15 x 24,5 cm. Martin Benito wurde in eine Familie geboren, die seit den zwanziger Jahren als Hersteller von Parfümflaschen bekannt war. Er begann im Alter von 14 Jahren mit der Kristallschnitzerei und gründete 1952 Cristal Benito, nachdem er seinen Vater und seine beiden Brüder in der Kristallschnitzerei ausgebildet und sie in seine Werkstatt mitgenommen hatte, um mit ihm zu üben. Die Familie erlangte schnell eine beispiellose Meisterschaft in diesem Bereich und perfektionierte die Verwendung von Schleifscheiben (zum Schneiden von Glas) sowie die Technik der Glasbildhauerei, bei der Glas so tief wie möglich und bis an die Grenze seiner Festigkeit geschliffen wird, um seinen Glanz, seine Brillanz und seine Reflexionsfähigkeit zu verstärken. Martin entwirft die ersten einzigartigen Kreationen des Unternehmens. Diese erlangten bald internationale Anerkennung, insbesondere die berühmte Likörbar im Stil von Napoleon III. Der Schlüssel zu dieser Anerkennung war die Entwicklung des 32-zackigen Benito-Kristallsterns, eine Technik, die noch immer in vielen der verschiedenen Kreationen des Unternehmens zu erkennen ist. Heute ist das Unternehmen, das von Franck Benito geleitet wird, eine der besten Kristallschleifereien Frankreichs.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 40 - Paar englische Gewürzständer, ca. 1900. Gepunztes Silber. Interieur aus Silber Vermeille. Mit Punzierungen auf beiden Stücken: "Birmingham, 1902". Maße: 3,5 x 6 x 6 cm. Ein Paar britische Gewürzschalen, komplett aus Silber. Das Innere der Schalen sind aus Vermeille Silber gemacht. Sie präsentieren ein Design der organischen Inspiration, die in den Füßen mit Palmetten in den Schalen von abgerundeten Profilen und gewundenen Mündern verbunden geschätzt wird.

Schätzw. 400 - 600 EUR

Los 41 - Satz von drei Katavinos, Ende XVIII-XIX Jahrhundert. Silber und versilbertes Metall. Mit Punzen auf zwei von ihnen. Eine trägt die Unterschrift des Silberschmieds "A. Andraud" und eine andere ist datiert 1796. Eine von ihnen weist ein Loch im Sockel auf. Im Allgemeinen, Spuren von Gebrauch und Verschleiß. Maße: 3 x 8,5 x 8,5 cm. Satz von drei Katavinos, zwei davon aus gemeißeltem Silber mit Punzierungen. Eine ist mit Trauben verziert, die beiden anderen mit Rillen bzw. Rillen. Sie haben Ringgriffe, wie es bei dieser Art von Designs üblich war.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 42 - Paar Palilleros. Möglicherweise Portugiesisch, XIX Jahrhundert. Gepunztes Silber. Mit Punzierungen in beiden Stücken. Maße: 7 x 10 x 6 cm. Ein Paar Zahnstocherhalter aus dem neunzehnten Jahrhundert, ganz aus gemeißeltem Silber. Sie stellen zwei kleine Schweine mit dem Rücken durchbohrt, um die Zahnstocher zu halten. Sie sind auf einer Basis von ovalen Profil auf Palmetto Füße erhöht erhöht.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 43 - Satz von drei englischen Salz- und Pfefferstreuern. London, XIX Jahrhundert. Gepunztes Silber. Mit Punzierungen auf den drei Teilen. Es hat einige Beulen. Abmessungen: 16 x 5,5 x 5,5 cm. die größte. Satz von drei britischen Salz- oder Pfefferstreuer ganz in Silber gestanzt, mit Marken von Londoner Silberschmieden. Auf einem abgestuften Rundsockel erhebt sich der schlanke und geformte Körper. Die obere Kuppel ist dekorativ ziseliert und durchbrochen für das Salzen. Eine kleine Zinne als Zierknauf krönt die Stücke und erleichtert das Öffnen.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 44 - Paar englische Salzstreuer, ca. 1900. Gepunztes Silber. Mit Punzierungen auf beiden Stücken: "Birmingham, 1906", von "William Hutton & Sons". Weist einige Mängel auf. Maße: 9 x 3 x 3 cm. Ein Paar britische Salzstreuer aus gepunztem Silber, mit dem Namen des Silberschmieds. Auf einem abgestuften Rundsockel erhebt sich der schlanke und geformte Korpus. Die obere Kuppel ist dekorativ ziseliert und durchbrochen für das Salzen. Eine kleine Zinne krönt die Stücke.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 45 - Englische Teekanne, ca. 1900. Aus Silber. Henkel und Griff aus ebonisiertem Holz. Einseitig punziert, rückseitig Herkunfts- und Silberschmiedemarke: "London. Goldschmied & Silberschmied, 1902". Leichte Fehlstellen im Griff. Maße: 15,5 x 25 x 11 cm. Britische Teekanne aus dem späten Viktorianischen Zeitalter. Mit Ausnahme des Henkels und des Knaufs aus ebonisiertem Holz ist sie aus Silber gefertigt und hat einen halbgallonförmigen Körper. Die Gallonen schmücken den Bauch wie eine Hülle. Sie sind als Relief gearbeitet, und das gleiche Motiv wiederholt sich auf dem Deckel. Bei der Gestaltung wurde ein Kontrast zwischen den Materialien und Formen gesucht, zwischen der organisch inspirierten Verzierung des Silberkörpers und dem kantigen Profil des Holzgriffs.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 46 - Spanische Truhe. Carlos IV Periode, spätes XVIII-frühes XIX Jahrhundert. Ebonisiertes Holz und Knochen mit Tinte gemeißelt (enthält ein Porträt von Karl IV.). Es stellt Spuren von Gebrauch, Verschleiß und Mängel. Maße: 11 x 14 x 8,5 cm. Truhe aus der Regierungszeit von Karl IV. Die Struktur aus ebonisiertem Holz ist mit Knochenplatten bedeckt, auf denen Schlachten und Feldszenen sowie hybride, für Grotesken charakteristische Motive dargestellt sind: Maskaronen, die mit Pflanzenzweigen verbunden sind, usw. Sie enthält auch ein Porträt des Monarchen. Die Truhe steht auf Linsenfüßen, und ihr Giebeldeckel ist an allen vier Seiten ebenfalls mit Knochendekor versehen.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 47 - Georgischer Soßenlöffel. England, letztes Drittel des achtzehnten Jahrhunderts. Ziseliertes Silber. Hölzerner Griff. Maße: 3 x 7 x 5,5 cm (Löffel); 27 cm (Stiellänge). Englischer Saucenlöffel aus dem achtzehnten Jahrhundert aus geprägtem und gemeißeltem Silber, mit Blattmotiven wie Schriftrollen und Bordüren sowie Weintrauben. Der Sockel ist von einer sternförmigen Umrandung umgeben. Er ist im georgianischen Stil gehalten.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 48 - Englische Tasse, XIX Jahrhundert. In Silber gestanzt. Punzierungen auf einer Seite. Innen in Vermeille-Silber. Präsentiert einige Schläge. Dimensionen: 16 x 10 x 10 cm. Englische Tasse aus dem neunzehnten Jahrhundert, ganz aus Silber. Der untere Teil des Bechers ist mit Gadroons verziert, die ein Mantelrelief bilden. Das Innere ist aus Vermeille-Silber gefertigt. Der Fuß ruht auf einem runden, mit dekorativen Kerben versehenen Sockel.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 49 - Zwei englische Gewürzregale, frühes 19. Jahrhundert. Gepunztes Silber. Mit Punzierungen auf beiden Stücken und Goldschmiedesignatur mit Initialen: "London. E.W, 1804" Maße: 3 x 8 x 6 cm. Paar britische Gewürzständer aus dem neunzehnten Jahrhundert, ganz aus Silber. Ihr Körper ist facettiert und achteckig in seinem Abschnitt, oval im Inneren.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 50 - Besteck aus zwölf Diensten; Matilde Espuñes (1909 - 1950). Silber. Satz von 130 Stück. Es präsentiert eingravierte Initialen. Maße: 30 cm. (große Höhe); 10 cm. (kleine Höhe). Gewicht: 5.874 g (ohne Messer). Posten besteht aus: 12 Tafelgabeln; 12 Tafelmessern; 12 Suppenlöffeln; 12 Fischgabeln; 12 Fischschaufeln; 12 Dessertmessern; 12 Dessertgabeln; 12 Dessertlöffeln; 12 Mokkalöffeln; 10 Servierstücken; 12 zusätzlichen Tafelgabeln. Espuñes wurde 1840 von dem Katalanen Ramón Espuñes in Madrid gegründet, doch erst die Fortschritte seines Sohnes Luis und dessen kommerzieller Weitblick verhalfen dem Familienunternehmen zu größerem Prestige und Ruhm. Obwohl der größte Teil der Arbeit für die Herstellung von zivilen Gegenständen wie Besteck bestimmt war, erhielt das Unternehmen den Titel eines Silberschmieds des Königshauses für das Tafelgeschirr Columbus, ein Geschenk an Königin Isabella II, zu dem auch ein Kerzenhalter gehörte, der Columbus bei der Entgegennahme von Geschenken der amerikanischen Indianer darstellt. Die Firma erlangte so viel Ruhm und Volumen, dass sie nicht nur Produkte auf nationaler Ebene verkaufte, sondern auch über die Grenzen hinausging und sogar Lager in Barcelona, Havanna und Mexiko unterhielt. Mit eingravierten Initialen.

Schätzw. 6 500 - 7 000 EUR

Los 51 - Paar Kerzenständer; Spanien, XX Jahrhundert. Gestanztes, geprägtes und gemeißeltes Silber. Präsentiert Marken auf der Basis. Abmessungen: 43 x 41 x 41 cm (x2). Gewicht: 3580 g. (mit Gegengewichten). Paar fünf Lichter Kerzenhalter in Silber gestanzt, geprägt und gemeißelt. Die Stücke haben das gleiche Design von gedrehten Profil auf der Grundlage von Leisten und Vorsprüngen. Die Oberfläche des Silbers ist mit synthetischen Motiven ziseliert. Die schlangenförmigen Arme, die mit eingeschnittenen Kerben verziert sind, haben die Form einer auf Gehrung geschnittenen Drehspitze. Sie tragen die Feuerzeuge auf Untertassen und die Mündungen der Lampenschirme sind geformt.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 52 - Kelch. Spanien (möglicherweise La Rioja), frühes 18. Jahrhundert. Gepunztes Silber. Gewicht: 886 g. Mit eingravierten Zeichen des Silberschmieds und des Ortes auf dem Sockel. Mit der Inschrift: "Es ist für Unsere Liebe Frau von Dabalillo (sic)". Maße: 26 x 16 x 16 cm. Vollständig aus hochwertigem Silber gefertigter Kelch im Stil des Spätbarocks, insbesondere nach den Kriterien des raffinierten Barocks, der sich auf den Ausdruck der Struktur stützt und die Verzierung auf den schlanken, gedrehten Fuß, den gestuften Sockel und den Becher mit Zierleiste beschränkt. Der Knoten geht von der Form des klassischen Gefäßes aus, wie es für den barocken Kelch typisch ist, doch beginnt sein Profil eine gewundene Bahn einzuschlagen, die sich auf das zubewegt, was der Knoten par excellence des Rokoko sein wird: die umgekehrte Birne. Im 18. Jahrhundert folgte Spanien den Vorgaben der Gegenreformation, die die Herstellung von liturgischen Gegenständen von großer Pracht und Symbolik beeinflusste, um den katholischen Glauben zu stärken. Die katholische Kirche förderte die Verwendung hochwertiger Kunst und liturgischer Gegenstände, um die Andacht zu fördern und die eucharistischen Rituale zu verherrlichen. Die meisten dieser Kelche sind aus Silber gefertigt, und es werden Goldschmiedetechniken wie Prägen, Ziselieren und Gravieren verwendet.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 53 - Tabernakel. Spanien, XIX Jahrhundert und später. In Kiefernholz geschnitzt, vergoldet und polychrome. Präsentiert Fehler, Verschleiß und spätere Interventionen. Übermalen. Maße: 96 x 59 x 44,5 cm. Tabernakel aus geschnitztem Kiefernholz. Er hat die Form einer offenen Kapelle oder Pergola mit salomonischen Säulen, die mit Trauben geschmückt sind, die wie Efeu entlang der Furchen kriechen. Die Kapitelle sind von zusammengesetzter Ordnung. In seinem Inneren befindet sich ein Sockel. Girlanden und Schleifen schmücken das Gebälk. Vier rund gearbeitete Figuren (Engel und Erzengel) schmücken die durchbrochene Kuppel.

Schätzw. 800 - 1 800 EUR

Los 54 - Schmuckkästchen. In der Art von Sèvres, ca. 1900. Aus emailliertem und teilweise vergoldetem Porzellan. Beschläge aus Kupfer. Die Marke auf der Rückseite ahmt die von Sèvres nach. Szene signiert: Garnier. Maße: 14,5 x 34 x 24 cm. Dose-Schmuckkästchen aus emailliertem Porzellan, mit Bordüren und goldenen Schnörkeln. Auf einem kastanienbraunen, zinnoberroten Hintergrund mit Blattmotiven sind mehrere weiße Medaillons mit Blumenkompositionen und Landschaften verteilt. Auf dem Deckel befindet sich eine ländliche Szene mit der Signatur "Garnier". Das Design des Gefäßes ist gewunden, organisch inspiriert.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 55 - Potpourri. Frankreich, zweites Drittel des zwanzigsten Jahrhunderts. In Porzellan emailliert und teilweise vergoldet. Mit apokryphen Marken von Sèvres. Maße: 21 x 20 x 16,5 cm. Französisch Potpourri in emailliertem Porzellan in Pastelltönen und goldenen Grenzen. Es folgt den Vorbildern aus Sèvres. Der bläulich-grüne Hintergrund ist mit Blumenmedaillons verziert und mit kleinen Löchern versehen, da diese Art von Dosen als Behälter für Mischungen aus getrockneten Blumen, Gewürzen und ätherischen Ölen zur Parfümierung der Umgebung dienen. Der Deckel ist mit einem skulpturalen Blumenbouquet verziert.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 56 - Tischuhr. Louis XVI-Stil, Ende des neunzehnten Jahrhunderts. In brünierter Bronze und polychrome Porzellan. Signiert mit Initialen. Präsentiert Fehler in das Zifferblatt. Abmessungen: 66 x 34 x 15 cm. Tischuhr in Bronze, mit einem Design in Louis XVI-Stil gekennzeichnet durch eine vasenförmige Mitte sitzt auf einer erhöhten Basis auf kannelierten Beinen. Die Basis, in Bronze, ist mit Jakobsmuscheln und Festons verziert. Das Zifferblatt hat römische Ziffern und einen vergoldeten Rand. Es ist von einer polychromen Porzellanplakette mit einer ländlichen Szene umgeben. Die Uhr wird von einer runden Skulptur einer jungen Frau gekrönt, die eine Laute spielt.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 57 - Empire-Stil Kandelaber. Frankreich, frühes zwanzigstes Jahrhundert. Aus vergoldeter Bronze. Maße: 76,5 x 29 x 29 cm. Sechsflammiger Kandelaber im Empire- oder Restaurationsstil. Er ist aus vergoldeter Bronze gefertigt und besteht aus sechs Armen in Form von pflanzlichen Füllhörnern, die von blattförmigen Lampenschirmen mit Palmettenmotiven gekrönt werden. Der Stiel ist pflanzlich inspiriert, mit feinen Rillen und einem unteren Teil, der mit Lotusblättern bedeckt ist. Er erhebt sich auf einem rechteckigen und geformten Sockel, der mit einer Blumengirlande verziert ist.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 58 - Kelch. Cordoba, XVIII. Jahrhundert. Gestanztes Silber. Gewicht: 358 Gramm. Markierungen auf dem Sockel. Maße: 22 x 14 x 14 cm. Kelch aus Cordovan in gepunztem Silber, mit dem Inneren des Gefäßes in Vermeille-Silber. Der Kelch ist im Stil des Spätbarocks gefertigt, insbesondere nach den Kriterien des raffinierten Barocks, der sich auf den Ausdruck der Struktur stützt und die Ornamente auf den schlanken Fuß und den Sockel beschränkt. Der raffinierte und klassische Aspekt des Barocks zeigt sich in einer sehr gut durchdachten Struktur, mit einem Schaft, der aus einem Schaft besteht, der Rokoko-Elemente vorantreibt. Ovale Schnüre säumen einen Vorsprung, der mit der geschwungenen Kontur des Stiels harmoniert. Der Knoten basiert auf der klassischen Vasenform, die für den barocken Kelch typisch ist, aber sein Profil bewegt sich in Richtung dessen, was zum Inbegriff des Rokoko-Knotens werden wird: die umgekehrte Birne. Ansonsten sehen wir eine Abfolge von horizontalen Schichten, die vom runden Fuß mit Stufe bis zu den verschiedenen Elementen der Schaftstruktur reichen, in der Baluster mit zylindrischen und mischlinearen Formen kombiniert sind. Der Kelch wird von der Schale gekrönt.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 59 - Becher-Obstschale. Frankreich, 19. Jahrhundert. Bronze und Kupfer. Mit Gebrauchs- und Abnutzungsspuren. Mit einer leichten Delle am oberen Rand. Maße: 14 x 32 x 32 cm. Becher-Obstschale auf rundem Sockel, von dem ein zylindrischer Schaft ausgeht, der in einem flachen runden Gefäß endet. Letzteres ist mit allegorischen Szenen mit Faunen und pflanzlichen Ornamenten verziert.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 60 - Satz von 5 dekorativen Tafeln aus der Zeit des Art Deco, 30-40er Jahre. Schmiedeeisen in Gold lackiert. Es stellt Spuren von Gebrauch und Verschleiß. Abmessungen: 56 x 22 x 2 cm (Maße des größten Stücks). Diese dekorativen Tafeln sind von Motiven aus der Welt des Trinkens inspiriert: ein Glas Wermut, eine Flasche Wein, eine Weintraube in Anspielung auf Wein, eine Flasche Soda für einen Cocktail und ein Krug Bier bilden ein Set, das der Kultur der Bar und ihrer Umgebung huldigt.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 61 - Paar Kerzenständer des neunzehnten Jahrhunderts. In ziseliertem Silber. Mit Silberschmied Marken auf der Basis. Sie zeigen Gebrauchsspuren, Verschleiß und einige kleine Dellen. Gewicht: 1300 Gramm. Abmessungen: 33 x 25 x 25 cm. Ein Paar vierflammiger Kandelaber, ganz aus Silber. Auf einem kreisförmigen Sockel erhebt sich der geformte und gedrehte Schaft mit Vorsprüngen und gemischtgeschlechtlichen Profilen. An seinem Ende öffnet sich der Schaft mit vier gewundenen Armen, die mit Schnecken und Schnörkeln verziert sind, die wie skurrile Zweige aussehen. Die vier Lampenschirme mit ihrem bauchigen und gemeißelten Körper ruhen auf kleinen Platten.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 62 - Tischuhr. Frankreich, XIX Jahrhundert. Schwarzer Marmor und Kalamin. Mit Uhrmachermarken auf der Innenseite der Maschinen: "Franjus Raison & Thomas". Es hat einen Schlüssel. Abmessungen: 59 x 44 x 18 cm; 2,5 x 13 x 8 cm. Französisch Tischuhr, neunzehnten Jahrhunderts. Die skulpturale Gruppe aus Kalamin und in runder Masse gearbeitet stellt eine Mutter dar, die ihrer Tochter das Lesen beibringt. Sie tragen einfache, aber elegante Kleider, geschickt drapiert. Die Dame sitzt auf dem Uhrengehäuse und stützt das offene Buch darauf ab. Das Ziffernblatt ist schwarz und die römischen Ziffern in Gold heben sich darauf ab. Der gemeißelte Rand des Zifferblatts ist ebenfalls vergoldet. Der schwarze Marmorsockel steht auf metallenen Klauenfüßen, und die Vorderseite ist mit Gold eingefasst.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 63 - Tischuhr im Stil Louis XV, Frankreich, Periode Napoleon III, drittes Viertel des neunzehnten Jahrhunderts. Ziseliert, vergoldet und brüniert Bronze mit Porzellan-Emaille Zifferblatt. Erhält Pendel. Präsentiert Verlust eines Feuerzeugs, Restitution eines Feuerzeugs und Glas aus späterer Zeit. Signiert auf dem Zifferblatt: "Balthazard à Paris" und auf dem Mechanismus gestempelt: "Medaille d'argent; Vincenti & CIE". Abmessungen: 53,5 x 28,5 x 26 cm; 57,5 x 41,5 x 20 cm (Uhr). Die Garnison besteht aus zwei vierflammigen Kandelabern und einer Tischuhr, wobei die drei Teile des Sets vollständig aus vergoldeter Bronze bestehen. Es handelt sich um ein Geschirr mit historisierendem Design, das klassisch inspiriert ist und Elemente verschiedener klassizistischer Epochen harmonisch miteinander verbindet: Barock, Renaissance, Neoklassizismus und sogar Empire, in einer phantasievollen und dekorativen Mischung, die typisch für den historisierenden Kontext ist. Die Kandelaber bestehen aus einer Überlagerung von Elementen, ausgehend von einem Sockel, der aus pflanzlichen Ornamenten besteht, die sich ineinander verschlingen und so eine sehr dynamische Konzeption der Komposition schaffen. Darüber befindet sich ein Korpus, in dem die von Pflanzen inspirierte Gestaltung des Schaftes hervorsticht. Schließlich befindet sich in jedem der Kandelaber ein pflanzliches Element, auf dem sich der Lichterkörper erhebt, der ebenfalls auf stilisierten Akanthusblättern basiert. Die abschließenden Feuerzeuge sind zylindrisch und blütenförmig, da sie mit Reliefmotiven verziert sind, die Blütenblättern ähneln und ihre gesamte Oberfläche bedecken. Die Uhr ist in einem ähnlichen Stil gehalten und hat einen ähnlichen Sockel. Das Gehäuse der Uhr mit kobaltblauen römischen Ziffern, auf denen arabische Ziffern in Bezug auf die Minuten angeordnet sind, und die goldfarbenen durchbrochenen Zeiger folgen der ornamentalen Linie des Stücks. Diese Art von Stücken erfreute sich im 19. Jahrhundert großer Beliebtheit und wurde zu einem Objekt des Luxus und der gesellschaftlichen Bedeutung. Sie waren für die obere Zone der Kamine bestimmt und befanden sich in der Regel im Zimmer des Besuchers, so dass ihre Qualität und ihr guter Geschmack den Geschmack ihres Besitzers kennzeichneten. Bewahrt das Pendel auf. Präsentiert den Verlust eines Feuerzeugs, die Rückgabe eines Feuerzeugs und eines Glases aus späterer Zeit.

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Los 64 - Tischuhr; Frankreich, Periode Louis Philippe, um 1845. Modelliertes, emailliertes und vergoldetes Porzellan. Präzise gefasst. Präsentiert Briefmarken: "Medaille dòr 1844, FR breveté fournisseur du roi". Dimensionen: 49 x 30,5 x 14 cm. Die Initialen F.R. verweisen auf den französischen Porzellanmaler Edmé-Alexandre-Francisque Rousseau, der zwischen 1837 und 1853 in Paris tätig war. Laut dem Bulletin des lois de la République Française (Bd. 29, Paris, 1845) meldete Francisque Rousseau 1844 ein Patent für die Erfindung eines neuen Verfahrens zur Vergoldung von Porzellan an. Dank dieser Erfindung wurde Rousseau mit der großen Goldmedaille der Sociéte d'Encouragement pour l'Industrie Nationale ausgezeichnet, und im Allgemeinen Jahrbuch für Handel, Industrie, Magistratur und Verwaltung von 1847 lautet der Eintrag zu seinem Namen: "Autor des Vergoldungsverfahrens, auf jedem Untergrund, der im halben Ofenfeuer gefärbt wird, dessen große Anwendung, der perfekte und konstante Erfolg ihm (mehrere Preise) einbrachte...". Gaultier de Claubry lobt die "Verbesserungen, die er für die Dekoration von Porzellan gebracht hat". Er beschreibt das Verfahren, mit dem es Rousseau gelang, Reliefs auf farbige Untergründe aufzubringen, ohne deren Glanz zu verändern, um eine dichte Vergoldung zu erhalten. Die beispiellose Festigkeit dieser Ornamente scheint neue dekorative Möglichkeiten für ein breiteres Spektrum von Gegenständen eröffnet zu haben. Die "unveränderliche Vergoldung" von Francisque Rousseau erlaubt es, so Herr Claubry, "alle Anforderungen der Kunst und die Launen der Mode zu erfüllen". Die Beliebtheit seiner Produkte und seine niedrigen Preise verschaffen ihm zunehmende Aufmerksamkeit, die 1847 in seiner Ernennung zum königlichen Hoflieferanten (Fournisseur du Roi) Louis-Phillipe gipfelt.

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 65 - Tischuhr; Frankreich, Restaurationszeit, ca. 1815 und später. Ziselierte Bronze, mit Quecksilber vergoldet und patiniert. Bewahrt Pendel. Presents Verlust der Krone und die ursprüngliche Aussetzung der Maschinen wurde ersetzt. Abmessungen: 64 x 43 x 13,5 cm. Tischuhr mit skulpturalen Gruppe auf der Grundlage der produktiven Modell von dem Bildhauer Claude Michallon gemacht. Es handelt sich um ein Stück mit einem abgestuften Sockel, in dessen oberem Teil sich das Zifferblatt mit römischen Ziffern in Schwarz befindet. Wie bei Michallons Modell ruhen auf dem Korpus der Uhr die Figuren von Amor und Psyche aus patinierter Bronze: Psyche setzt Amor eine Krone auf, während er seine Hand in einer zarten Geste voller Liebe und Zärtlichkeit an ihre Wange legt. Formal hebt sich die Stellung der Körper hervor, die von Michallons Kunstfertigkeit zeugt, ebenso wie die sorgfältige Modellierung der Anatomie und der Eigenschaften. Die Zuschreibung des Entwurfs an Michallon (gest. 1799) geht auf eine Rechnung Feuchères für Würzburg von 1816 zurück, in der er dieses "Pendel von Psyché couronnant l'amour groupe modelé par feu Michallon" erwähnt. Es bewahrt das Pendel. Es weist den Verlust der Krone auf und die ursprüngliche Aufhängung der Mechanik wurde ersetzt.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 66 - Paar Kerzenhalter; Frankreich, Empirezeit, um 1805. Bronze ziseliert, mit Quecksilber vergoldet und brüniert. Maße: 47 x 22 x 12,5 cm (x2). Das Los besteht aus zwei vergoldeten Bronzeleuchtern, die das gleiche Design haben. Beide stehen auf einem kreisförmigen Sockel, der mit einer Kette aus Pflanzenmotiven geschmückt ist, die um den Umfang herum verläuft und in ein Inneres mit Details aus sich überlappenden synthetischen Blättern übergeht, die eine ausladende Form annehmen. Der Schaft, der durch eine runde Struktur vom Fuß getrennt ist, wurde als klassische Säule gestaltet. Dieser Bereich ist mit einem stilisierten Blattsockel, einem kannelierten Korpus und einem Kapitell reichlich verziert. Der Bereich des Dochtes schließlich hat die Form einer kannelierten Säule mit einem Feuerzeug auf jeder Seite und einem höheren in der Mitte. Die ornamentalen Motive erinnern an Beispiele der dekorativen Kunst der damaligen Zeit, wurden aber neu interpretiert, um dem ästhetischen Geschmack des neunzehnten Jahrhunderts zu entsprechen.

Schätzw. 5 000 - 7 000 EUR

Los 67 - FERDINAND BARBEDIENNE (Frankreich, 1810-1892). "Bacchus (Antinoos) und Ariadne", um 1850. Geziselte Bronze, patiniert und teilweise vergoldet, auf Sockel aus schwarzem belgischem Marmor. Signiert. Präsentiert einige Lochfraß auf dem Sockel. Mit Mechanische Reduktion Stempel. Abmessungen: 27 x 12 x 11 cm; 27,5 x 12 x 11 cm. Büstenpaar aus Bronze, das Bacchus und Ariadne darstellt. Die Gießerei F. Barbedienne wurde 1838 in Paris von Ferdinand Barbedienne und Achille Collas gegründet. Letzterer war der Erfinder einer Maschine zur mechanischen Verkleinerung von Skulpturen. Zunächst widmeten sie sich der Herstellung von Bronzereproduktionen von Skulpturen aus der römischen und griechischen Antike, wie die hier vorgestellte. Der erste Vertrag über die Veröffentlichung von Werken eines lebenden Künstlers wurde 1843 mit dem Bildhauer François Rude unterzeichnet. In den folgenden Jahren, nachdem sie den wirtschaftlichen Zusammenbruch von 1848 überstanden hatte, schloss das Haus Barbedienne Verträge mit vielen der damals in Paris tätigen Bildhauer ab, darunter David d'Angers, Jean-Baptiste Clesinger, Antoine Louis Barye und andere. Nach dem Tod von Achille Collas im Jahr 1859 blieb Ferdinand Barbedienne alleiniger Teilhaber eines Unternehmens, das auf etwa dreihundert Mitarbeiter angewachsen war. Im Jahr 1865 wurde er zum Präsidenten der Vereinigung der Bronzisten ernannt, ein Amt, das er bis 1885 innehatte. Der Ausbruch des Deutsch-Französischen Krieges im Jahr 1870 und der damit einhergehende Mangel an Rohmetallen zwang Barbedienne jedoch, seine künstlerische Produktion zu unterbrechen, obwohl er mit der französischen Regierung einen Vertrag über die Herstellung von Kanonen unterzeichnete, der es ihm ermöglichte, die Gießerei weiterzuführen. Nach dem Krieg nahm er seine bildhauerische Produktion wieder auf und bemühte sich noch mehr, Verträge mit verschiedenen Bildhauern abzuschließen. Bei seinem Tod 1891 wurde er als bester Gießer Frankreichs gepriesen und von Albert Susse als "Quelle des Stolzes für die Nation" bezeichnet. Die Leitung der Gießerei ging dann auf Barbediennes Neffen Gustave Leblanc über, der die hohe Qualität der Produktion fortsetzte und Niederlassungen in Deutschland, England und den Vereinigten Staaten eröffnete. Es präsentiert einige Lochfraß an der Basis.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 68 - Paar Kerzenständer; Frankreich, Restaurationszeit, um 1815. Bronze ziseliert, patiniert, mit Quecksilber vergoldet und brüniert. Maße: 65 x 29 x 29 cm (x2). Paar Kerzenleuchter im Stil der Restaurierung und der Epoche. Jeder von ihnen hat einen Körper von Lichtern mit fünf Kronleuchter Typ Arme, vergoldet und verziert mit pflanzlichen Motiven, plus ein sechstes Licht in der zentralen Lampenschirm. Die Leuchtenkörper werden von dreifach kannelierten Bronzeschäften getragen, die in einen dreifachen Sockel aus vergoldeter Bronze eingelassen sind, der reich mit Rocaille-Motiven und vegetabilen Elementen verziert ist und in Löwenkrallenfüßen endet. Die Quecksilbervergoldung ist von hoher Qualität, was sich in ihrem üppigen Glanz widerspiegelt. Die Füße ruhen auf einem profilierten Sockel. Akanthusblätter, geschnitzte Feuerzeuge, Blumenkronen und Blattscheiden wechseln sich in der Vergoldung mit dem schlichten Schwarz von Schaft und Fuß ab. Alle diese Motive und das gesamte Design sind direkt aus dem ornamentalen Hintergrund des Neoklassizismus abgeleitet.

Schätzw. 6 000 - 9 000 EUR

Los 69 - Segenskasten; Augsburg, letztes Viertel S. XVI. Geschnitztes und poliertes Ebenholz; gemeißeltes und getriebenes Silber. Beigefügte Studie von Dr. Rosario Coppel. Maße: 52 x 32 x 12 cm. Der Segenskasten besteht aus einem Rahmen aus Ebenholz in Form eines griechischen Tempels mit salomonischen Säulen, die ein zentrales Silberrelief flankieren, auf dem die "Anbetung der Hirten" dargestellt ist. Es hat wiederum verschiedene Ornamente aus diesem Material: ein Relief mit der Büste von Gottvater im oberen Teil des gespaltenen Giebels und auf beiden Seiten zwei allegorische liegende weibliche Figuren. Das Becken befindet sich im unteren Teil, zwischen den bereits erwähnten Säulen, deren korinthische Kapitelle und Basen aus Silber gearbeitet sind, mit einem Cherubkopf auf Girlanden, umgeben von Granatäpfeln und Akanthusblättern. Er weist auch eine Reihe von durchbrochenen Applikationen im Stylobat und im Fries auf. Die Ikonographie, die formalen Merkmale und der Reichtum der Materialien lassen vermuten, dass sie ursprünglich für das private Oratorium eines wichtigen Auftraggebers geschaffen wurde. Die Hauptfiguren des zentralen Reliefs wurden mit großer Sorgfalt dargestellt und weisen besondere Merkmale auf, wie die eingefallenen Wangen der männlichen Figuren, die Hände mit langen Fingern, die Bewegung der Kleidung und die Ausdruckskraft der Gesichter. Die Figuren im Hintergrund und die Büste des Gottvaters sind dagegen eher skizzenhaft. Die Reliefszene könnte von einem Druck inspiriert worden sein, während die Struktur und die teils naturalistischen, teils idealisierten Modelle an das Werk von Guglielmo della Porta (1515 - 1577) erinnern. Die weiblichen Figuren finden sich in den Zeichnungen des Bildhauers ebenso wie in einigen seiner Werke, ebenso wie die Engel oder der Kopf des Cherubs. Die allgemeine Komposition taucht auch in Pyxiden, Reliquienschreinen und anderen Andachtsgegenständen auf, die vom Bildhauer und den Silberschmieden, die ihm in seiner Werkstatt zur Seite standen, geschaffen wurden. Der Segenskasten ist zwar mit dem Werk von Guglielmo della Porta verwandt, weist aber bestimmte formale Elemente auf, die uns dazu einladen, ihn unter die deutschen Produktionen der Stadt Augsburg, einem herausragenden Zentrum der Metallverarbeitung, einzuordnen. Die elegante Kombination von Silber und Ebenholz ist charakteristisch für die Region, und es gibt viele bekannte Beispiele, wie die von Matthäus Walbaum (1554 - 1632). Die dekorativen Motive in Silber, wie Blumen, Blätter oder Gesimse auf einer Ebenholzstruktur, erinnern an Stücke wie den Altar der "Reiche Kapelle" in München, von Hans Scheibel und Jakob Anthoni. 1600), im "Pommerschen Kabinett" (um 1610), eine Schöpfung von Matthäus Walbaum, oder dem tragbaren Altar von Jeremias Flicker (um 1647), dessen Relief eine Kopie desjenigen des "Kalvarienbergs" von El Escorial ist, ein Werk von Antonio Gentile nach einem Modell von Guglielmo della Porta. Der für das Relief des Segenskastens verwendete Stil steht außerdem dem sogenannten "Meister GP" sehr nahe, einem Silberschmied, der im letzten Viertel des 16. Jahrhunderts in Augsburg tätig war. Die "Anbetung der Hirten", ein Silberrelief, das sich im Museum "für Kunst und Gewerbe" in Hamburg befindet, ähnelt dem hier untersuchten nicht nur hinsichtlich der Figurenmodelle, sondern auch hinsichtlich der Konstruktion des Hintergrunds und vor allem hinsichtlich der Engelsgruppe im oberen Drittel, die auf einem Halbkreis aus Wolken ein Phylakterium mit der Aufschrift hält: GLORIA IN EXCELSIS DEO. PAX HOMINIBVS". Beiden Werken gemeinsam ist eine kühne Zeichnung mit sicheren, aber schematischen Strichen, wobei die Figuren sehr detailliert dargestellt sind und die Textur der Materialien zum Vorschein kommt. In der Anlage finden Sie eine Studie von Dr. Rosario Coppel.

Schätzw. 30 000 - 35 000 EUR

Los 70 - Konsolentisch im elisabethanischen Stil, um 1860. Marmor und stuckiertes und vergoldetes Holz. Es hat leichte Schäden. Maße: 94,5 x 127 x 58,5 cm. Die vier Beine des Konsolentischs haben eine leichte Cabrioform, eine Front mit geschnitzten Ranken und pflanzlichen Elementen und sind unten durch Kambranen verbunden, die ebenfalls mit klassizistisch inspirierten Blättern verziert sind, die in einer zentralen Form zusammenlaufen. Die Taille des Tisches hat zwei geschwungene Bereiche an den Enden und eine durchbrochene Vorderseite mit der gleichen Art von antik inspirierter Dekoration wie die Beine: Stängel, Girlanden... Die obere Platte folgt den Linien des Möbels: geschwungene vordere Ecken und ein kleiner Vorsprung an der Vorderseite. Sie ist eindeutig von dekorativen Elementen inspiriert, die entweder aus der Renaissance oder aus der klassischen Antike stammen (eher aus dem kaiserlichen Rom als aus Griechenland), wie es bei den Werken des Neoklassizismus üblich ist. Die Bewegung der oberen Platte, die durchbrochene Verzierung auf der Vorderseite, die leichten Cabriole-Beine und der Reichtum an Verzierungen und Vergoldungen auf diesem Möbelstück stehen jedoch auch im Zusammenhang mit einer Fortführung der Formen eines anderen Stils des 18: Rokoko.

Schätzw. 500 - 700 EUR

Los 71 - Satz von 2 georgianischen Saucieren und 2 viktorianischen Teelöffeln. London, England, 19. Jahrhundert. Aus Silber. Innenausstattung aus Vermeille-Silber. Mit Marken auf allen Stücken. Nicht identifizierte Silberschmiede Maße: 6,5 x 80 cm (die größere Sauciere); 10,5 cm (Länge Teelöffel). Satz von zwei Saucieren der georgischen Zeit ganz in Silber (das Innere der Gläser, in Silber Vermeille) gemacht. Sie haben die Form von Bechern mit einem kreisförmigen Boden, der mit parallelen Filets gemeißelt ist, das gleiche Motiv wiederholt sich auf dem Mund. Auf den Bäuchen ist ein Löwe eingemeißelt. Zwei Teelöffel, ebenfalls aus englischem Silber, aber aus der viktorianischen Zeit, vervollständigen das Paar.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 72 - ANTOINE-LOUIS BARYE (Frankreich, 1795 - 1875). "Jaguar, der einen gefangenen Vogel verschlingt". Bronze. Ferdinand Barbedienne Fondeur. Signiert vom Künstler und vom Verleger. Maße: 16 x 43 x 17 cm. Barye, der wichtigste Bildhauer der französischen Romantik, begann seine Ausbildung bei seinem Vater, einem Goldschmied, und erweiterte sie später bei den Lehrern François Joseph Bosio und Antoine-Jean Gros an der Nationalen Hochschule der Schönen Künste in Paris, wo er 1818 eintrat. Besonders geschätzt wurden seine Tierskulpturen, die weitgehend das Genre begründeten. Er hatte eine eigene Gießerei, arbeitete mit Viollet-le-Duc an einem von Napoleon III. in Auftrag gegebenen Projekt zusammen und war Lehrer von Auguste Rodin. Er stellte seine Werke auf dem Pariser Salon aus und schuf Denkmäler wie den "Löwen mit Schlange" im Tuileriengarten (1833), der vom König in Auftrag gegeben wurde. Derzeit sind seine Werke unter anderem im Louvre und im Musée d'Orsay in Paris, in der National Gallery in London, in der Eremitage in St. Petersburg, in der Albertina in Wien, im Art Institute of Chicago und im Smithsonian in Washington D.C. ausgestellt.

Schätzw. 4 000 - 4 500 EUR

Los 73 - Französische Schule des XIX. Jahrhunderts. "Musketier". Bronze. Maße: 51 cm. In dieser Skulptur wird uns ein Musketier in einer entspannten Haltung präsentiert. Der gutaussehende junge Mann trägt die typische Kleidung mit elegantem Putz und Hut mit Feder.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 74 - ÉTIENNE MÉLINGUE (Caen, 1807-1875). "Molière". Bronze. Susse Frères Editeur. Signiert, mit Verlagsstempel und betitelt. Maße: 26 cm. Molière war ein berühmter französischer Dramatiker. Er gilt als einer der größten Dramatiker der Geschichte und Vater der französischen Komödie. Seine Beziehung zum Theater begann 1643, als er zusammen mit der Familie Béjart, Komödianten, die Gründungsurkunde des illustren Theaters unterzeichnete, das er ein Jahr später ohne großen Erfolg leitete. Fünf Jahre lang verließ Molière die französische Hauptstadt, um als Schauspieler zu arbeiten. 1650 kehrte er zurück, um die Leitung des Theaters zu übernehmen. Schon bald wurden seine Farcen und Komödien berühmt und vom französischen König im Theater Petit-Bourbon installiert. Seine Stücke werden immer beliebter, denn sie folgen der Maxime, "die Sitten durch Lachen zu korrigieren", was Molière neben dem königlichen Schutz auch Feinde unter denjenigen einbringt, die in seinen Stücken verspottet werden. Im Jahr 1664 wurde er zum Leiter der Hofunterhaltungen ernannt; im selben Jahr wurde "Tartuffe" uraufgeführt, ein Stück, das die religiöse Heuchelei kritisierte und in den konservativen Schichten wütende Reaktionen hervorrief, so dass der König das Stück für fünf Jahre verbieten ließ. Mit königlicher Unterstützung wird das Ensemble jedoch zur Königlichen Kompanie. Obwohl seine Gesundheit zu schwächeln begann, schrieb Molière weiterhin unsterbliche Stücke wie "Der Menschenfeind" und "Der Stockdoktor". Sein letztes Stück, "Der eingebildete Kranke", ging leider in die Geschichte ein, da der Schauspieler und Autor selbst bei einer seiner Darstellungen einen Anfall erlitt, von dem er sich nicht mehr erholte und starb. Als Schauspieler, Bildhauer und Maler mit einer Leidenschaft für das Theater war Étienne Marin Mélingue ein beliebter Interpret des romantischen Dramas, wie es von Alexandre Dumas sen. populär gemacht wurde. Einer seiner größten Erfolge war die Darstellung von Benvenuto Cellini, in der er sein Können als Schauspieler und als Bildhauer unter Beweis stellte, indem er vor den Augen des Publikums eine Statue der Hebe modellierte. Seine Frau war ebenfalls Schauspielerin.

Schätzw. 700 - 900 EUR

Los 75 - Nach ANDREA DEL VERROCCHIO (Florenz, 1435 - Venedig, 1488). "Der Condottiero Bartolomeo Colleoni". Bronze. Ferdinand Barbedienne Fondeur. Maße: 16 x 43 x 17 cm. Replik im mittleren Format des dem Condottiero Bartolomeo Colleoni gewidmeten Reiterdenkmals aus Bronze, 395 cm hoch ohne Sockel, das von Andrea del Verrocchio zwischen 1480 und 1488 geschaffen wurde und sich in Venedig auf dem Platz der Heiligen Johannes und Paul befindet. Es ist das zweite Reiterstandbild der Renaissance, nach dem Denkmal für Gattamelata von Donatello in Padua (1446-53). Seine Geschichte geht auf das Jahr 1479 zurück, als die Republik Venedig die Errichtung eines dem drei Jahre zuvor verstorbenen Condottiero gewidmeten Reiterdenkmals auf der Piazza dei Santi Giovanni e Paolo verfügte. Verrocchio wurde 1480 mit der Ausführung beauftragt und begann mit der Arbeit in seiner Werkstatt in Florenz. 1481 wurde das Wachsmodell nach Venedig geschickt, wohin sich der Künstler 1486 begab, um persönlich den Guss des endgültigen Modells in Wachsausschmelzbronze zu leiten. Andrea Verrocchio starb 1488 mit dem unvollendeten Werk, obwohl das Wachsmodell erhalten bleiben sollte, und er bestimmte in seinem Testament, dass Lorenzo di Credi das Projekt weiterführen sollte. Die venezianische Signoria zog jedoch den einheimischen Künstler Alessandro Leopardi vor, einen Maler und Bildhauer, der auf moderne Weise multidisziplinär war, wie Verrocchio selbst. Der florentinische Künstler stützte sich bei der Gestaltung des Denkmals auf die Reiterstatue der Gattamelata von Donatello, die antiken Statuen des Marcus Aurelius und der Pferde des Heiligen Markus (13. Jahrhundert) und der Regisole (ein spätantikes Werk in Pavia, das im 18. Jahrhundert verloren ging). Außerdem gab es Fresken von Giovanni Acuto, Paolo Ucello und Andrea del Castagno. Andererseits gab es das wichtige technische Problem der Darstellung des Pferdes mit erhobenem Vorderbein in majestätischer Vorwärtshaltung, das Donatello klugerweise durch die Anbringung einer Kugel unter dem erhobenen Bein gelöst hatte. Verrocchio wird der erste sein, dem es gelingt, ein Reiterstandbild zu errichten, das nur auf drei Beinen steht.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 76 - PAUL GUSTAVE DORÉ (Straßburg, 1832-Paris, 1883). "La Defense Nationale". Bronze. Signiert. Maße: 57 cm. Paul Gustave Doré war ein französischer Schäferhundkünstler, Maler, Bildhauer und Illustrator, der in seinem Land als der letzte der großen Illustratoren gilt. Er begann seine künstlerische Ausbildung bei Charles Philipo, der wöchentlich eine Lithographie herausgab. Später erhielt er verschiedene Aufträge von François Rabelais, Honoré de Balzac und Dante Alighieri, wodurch er, noch sehr jung, mehr Geld verdiente als sein Zeitgenosse Honoré Daumier. Im Jahr 1853 illuminierte er einige Werke von Lord Byron. Im Jahr 1862 reiste er mit Baron Davillier durch Spanien. Als Ergebnis dieser Reise veröffentlichte er im folgenden Jahr eine Reihe von Chroniken über Valencia, Galizien, Andalusien, mit besonderen Aufenthalten in Granada, Madrid und anderen spanischen Hauptstädten. Das Werk wurde in die Sammlung Le Tour du Monde aufgenommen. Im selben Jahrzehnt, 1860, illustrierte Doré eine französische Ausgabe von Miguel de Cervantes' El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, die auf seinen Lebenserfahrungen in der spanischen Geografie basierte. Später unterzeichnete Doré einen Fünfjahresvertrag mit dem Verlag Grant & Co. Das bedeutete, dass er mindestens drei Monate im Jahr in London verbringen musste. Das Buch London: A Pilgrimage, mit 180 Stichen, wurde 1872 veröffentlicht. Obwohl es ein kommerzieller Erfolg war, fanden viele Kritiker die Veröffentlichung nicht gut, da Doré in seinem Werk die Armut in London zeigte. Das Art Journal warf ihm vor, eher ein "Fantast als ein Illustrator" zu sein, und auch in anderen wichtigen Zeitschriften wie der Westminster Review wurde er angeprangert. Doch der Erfolg von London: A Pilgrimage führte jedoch zu vielen weiteren Aufträgen englischer Verleger.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 77 - ANTOINE-LOUIS BARYE (Frankreich, 1795 - 1875). "Adler, der einen Kranich hält", ca. 1860-1880. Patinierte Bronze. F. Barbedienne Fondeur, Paris. Signiert vom Künstler und von der Gießerei. Maße: 31 x 30 x 24 cm. Barye, einer der wichtigsten Bildhauer der französischen Romantik, begann seine Ausbildung bei seinem Vater, einem Goldschmied, und erweiterte sie später bei den Meistern François Joseph Bosio und Antoine-Jean Gros an der Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris, wo er 1818 aufgenommen wurde. Besonders geschätzt wurden seine tierischen Skulpturen, die das Genre weitgehend begründeten. Er hatte eine eigene Gießerei, arbeitete mit Viollet-le-Duc an einem von Napoleon III. in Auftrag gegebenen Projekt zusammen und war Lehrer von Auguste Rodin. Er stellte seine Werke auf dem Pariser Salon aus und schuf Denkmäler wie den "Löwen mit Schlange" im Tuileriengarten (1833), der vom König in Auftrag gegeben wurde. Derzeit sind seine Werke unter anderem im Louvre und im Musée d'Orsay in Paris, in der National Gallery in London, in der Eremitage in St. Petersburg, in der Albertina in Wien, im Art Institute of Chicago und im Smithsonian in Washington D.C. ausgestellt.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 78 - JEAN-BAPTISTE PIGALLE (Paris, 1714-1785). "Michel de Montaigne". Bronze. Signiert. Maße: 37 cm. Höhe. Von Jean-Baptiste Pigalle signierte Bronzeskulptur, die den Renaissance-Philosophen und Schriftsteller Michel de Montaigne, Autor der "Essays" und Erfinder des Essayismus, darstellt. Er erscheint hier als Humanist mit aristokratischer Miene, gestärktem Kragen und einem aufgeschlagenen Buch auf dem Schoß. Jean-Baptiste Pigalle war ein französischer Bildhauer. Er stammte aus einer Tischlerfamilie und lernte die Bildhauerei bei Robert Le Lorrain und Jean-Baptiste Lemoyne. Er wurde hauptsächlich von Edmé Bouchardon beeinflusst. Von 1734 bis 1737 zog er nach Italien. Von seinen Zeitgenossen als großer Meister angesehen, bewegt sich sein Werk stilistisch zwischen dem Barock und dem Neoklassizismus. Eines seiner bekanntesten Werke ist "Merkur beim Binden seiner Sandalen", das im Louvre-Museum aufbewahrt wird.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 79 - PIERRE MARIE-POISSON (Niort, 1876 - 1953, Paris). "Venus und Apollo". Bronze. Mit Stempel der Gießerei Bisceglia Frères. Vom Künstler signiert. Maße: 26,5 und 29,5 cm (Höhe). Pierre-Marie Poisson war ein französischer Bildhauer und Medailleur. Er studierte von 1893 bis 1896 Bildhauerei an der Ecole des Beaux-Arts in Toulouse, wo er in plastischer Kunst und Gips ausgebildet wurde. Diese Ausbildung vervollständigte er im Atelier Barrias in Paris. 1907 erhielt er eine Ehrenmedaille auf dem Salon des Artistes Français und einen Auftrag, in der Villa Abd-el-Tif in Algier zu wohnen, wo er die Dekorationen entwarf und ausführte. Bis 1914 kehrte er regelmäßig dorthin zurück. Er ist der Autor einer Büste der Marianne in nacktem und festem Stil, die 1932 von Jean Mistler, Staatssekretär für Schöne Künste, in Auftrag gegeben wurde, um die offizielle Büste der Marianne von Jean-Antoine Injalbert zu ersetzen. Zusammen mit anderen Künstlern arbeitete er an den Dekorationen für die Dampfer France (1912), Ile-de-France (1927) und Normandy (1935). Er wird zum Kommandeur der Ehrenlegion ernannt und zum Kommandeur der Ehrenlegion ernannt. Pierre-Marie Poisson wurde per Dekret vom 12. August 1923 zum Ritter des Nationalen Ordens der Ehrenlegion ernannt, per Dekret vom 25. August 1937 zum Offizier befördert und schließlich per Dekret vom 4. Februar 1952 zum Kommandeur. Was die Gießerei betrifft, so zog Mario Bisceglia 1906 nach Paris, angeregt durch Henri Bouchard, den er in Italien kennen gelernt hatte. Um 1907 gründete er zusammen mit zwei Brüdern seine eigene Gießerei, in der er mit dem Wachsausschmelzverfahren arbeitete. Die Gießerei ist für ihre besonders schönen Patinas bekannt.

Schätzw. 4 500 - 5 500 EUR

Los 80 - PIETRO PAOLETTI (Belluno, 1801-1847). Didaktisches Souvenir der Grand Tour. Buch mit Gipsabgüssen. Maße: 27 x 17 x 5 cm. Sammlung von Gipsmedaillons der "Grand Tour", untergebracht in drei Bänden mit gefälschten Buchschachteln. Jeder Band enthält zwei Fächer mit einer Vielzahl von Gipsabgüssen von Kameen, Skulpturen und eingravierten Denkmälern. Mit handschriftlichem Inhaltsverzeichnis auf der Innenseite des vorderen und hinteren Deckels. Die Firma Paoletti wurde in Graf Hawks' Reiseführer Le Grice Walks Through the Studii of the Sculptors at Rome (1841) wie folgt beworben: Paoletti bittet die Öffentlichkeit zu informieren, dass er eine Sammlung von Drucken (Impronte in Scajola) von vielen Werken der Bildhauerei, die von berühmten Künstlern ausgeführt wurden, vorbereitet hat .... Obwohl die Impronte nicht mehr als Miniaturkopien sind, zeigen sie doch die ganze Treue und Schönheit des Originals und vermitteln dem Auge eine bessere Vorstellung von den bildhauerischen Kunstwerken als die fertigeren Stiche. Die Paolettis, deren Atelier sich bis 1847 an der Piazza di Spagna in Rom befand, genossen einen hervorragenden Ruf und zählten Katharina die Große von Russland und Ferdinand III., Großherzog der Toskana, zu ihren Kunden. Die Firma wurde nach dem Tod von Pietro bis mindestens 1865 weitergeführt. Beispiele für Paoletti-Formen sind im Victoria & Albert Museum in London und im Yale Center for British Art in New Haven, Connecticut, zu sehen.

Schätzw. 4 000 - 4 500 EUR

Los 81 - Obelisk der Grand Tour. Italien, ca. 1830. Belgischer schwarzer Marmor. Maße: 53 x 12 cm. Der Obelisk ist ein dekoratives Stück sehr in der ganzen Welt geschätzt, ist ein Stein Denkmal förmigen Säule, quadratischen Querschnitt, mit vier gleichen trapezförmigen Gesichtern, leicht konvergierend, an der Spitze in einer kleinen Pyramide gekrönt. Obelisken wurden vor allem im alten Ägypten verwendet. Der Begriff "Grand Tour", der zum ersten Mal in dem Werk "El Voyage d'Italie" von Richard Lassels auftaucht, bezeichnete die lange Reise durch Europa, insbesondere Italien, die in der Regel von jungen britischen Aristokraten ab dem siebzehnten, vor allem aber im achtzehnten und neunzehnten Jahrhundert unternommen wurde. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken für ihre eigenen Kunstsammlungen, die sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitnehmen wollten. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke, sowohl aus Bronze als auch aus Marmor, spezialisierten und von denen einige einen großen Ruf erlangten.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 82 - Nach dem Vorbild des Obelisken von Luxor, ca. 1850. Patinierte Bronze. Sockel aus schwarzem belgischem Marmor. Größe: 66 x 17 x 17 cm. Dieser Obelisk reproduziert das Original des Tempels von Luxor im alten Theben, seit 1836 in der Mitte des Place de la Concorde in Paris, Frankreich platziert. Der Obelisk, der aus dem 13. Jahrhundert v. Chr. stammt, ist 23 Meter hoch. Jh. v. Chr., ist 23 Meter hoch und wiegt 222 Tonnen, wozu noch die 240 Tonnen des Sockels kommen. Das Monument ist aus rosa Granit aus Assuan gefertigt. In den gleichen Steinbrüchen wurde ein unvollendeter Obelisk gefunden, der die Aufmerksamkeit der Archäologen auf sich zog.

Schätzw. 5 000 - 5 500 EUR

Los 83 - Nach dem Vorbild des Obelisken der Hatschepsut im Großen Tempel des Amun, ca. 1840. Aus Nussbaumholz geschnitzt. Maße: 74 x 15,5 x 15,5 cm. Dieser Obelisk ist dem Original im Großen Tempel des Amun in Karnak nachempfunden. Er besteht aus einem einzigen Stück rosa Granit und hat eine Höhe von fast 30 Metern. Gegenwärtig steht nur noch einer der Obelisken der Hatschepsut an seinem ursprünglichen Standort. Sein Paar kann auf dem Boden des Tempels besichtigt werden, was es ermöglicht, seine Inschriften im Detail zu erkennen.

Schätzw. 4 000 - 4 500 EUR

Los 84 - Hans Mayr zugeschrieben. Oberammergau, Bayern, ca. 1865. Nach LEONARDO DA VINCI (Anchiano, Italien, 1452-Amoise, Frankreich, 1519). "Das letzte Abendmahl". Geschnitztes Lindenholz. Maße: 38,5 x 13 x 16 cm. Nur einen Steinwurf vom österreichischen Tirol entfernt, war die kleine Stadt Oberammergau im 19. Jahrhundert die Heimat vieler Holzschnitzer, die sich auf die Herstellung religiöser Figuren spezialisiert hatten. Ein weiteres Exemplar dieses Abendmahls ist auf dem Anwesen Kingston Lacy in Dorset, England, zu sehen (Inv. NT 1254554 2). Bei dieser Skulpturengruppe hat der Autor den dramatischsten Moment des letzten Abendmahls gewählt, als Jesus nach der Segnung von Brot und Wein ankündigt, dass einer seiner Jünger ihn verraten wird (Joh 13,21). Diese Ankündigung löst unter den zwölf Jüngern Jesu Bestürzung aus, und das ist der Moment, den der Autor darstellt, indem er versucht, die Gefühle jedes einzelnen wiederzugeben, indem er die Figuren individualisiert; einige sind erstaunt, andere erschrocken, wieder andere kommentieren untereinander die Nachricht.

Schätzw. 6 000 - 6 500 EUR

Los 85 - EDGAR BRANDT (Paris, 1880-Collonge-Bellerive, Schweiz, 1960) zugeschrieben. Frankreich, ca. 1925. Aschenbecher in Form einer echten Gruya. Geschmiedetes Eisen. Sockel aus Siena-Marmor. Abmessungen: 100 x 35 x 14,5 cm. Geschmiedeter Aschenbecher aus Schmiedeeisen mit stilisiertem Vogel mit langen Beinen auf einem gelben Marmorsockel. Der französische Schmied Edgar Brandt war einer der bedeutendsten Eisenschmiede der französischen Art déco-Periode, der den Sprung ins Ausland schaffte und seinen Ruhm weltweit verbreitete. Er fertigte Spaliere und Lampen für zahlreiche Privathäuser und Hotels, erhielt aber auch öffentliche Aufträge, wie das Denkmal für den Ersten Weltkrieg. Brandt stellt auf den jährlich stattfindenden Salons aus, wo er eine Vielzahl von nicht-architektonischen Metallobjekten wie Gitter, Heizkörperverkleidungen, Lampen oder Konsolen präsentiert. Die Weltausstellung von 1925 bot Brandt zahlreiche Gelegenheiten, seine Arbeiten zu präsentieren, angefangen mit dem imposanten Eingang zur Ausstellung, dem Ehrentor. Er hatte schon immer eine große Begabung für die Kombination von Materialien: im Allgemeinen Schmiedeeisen und Bronze, aber auch vergoldetes Kupfer und später Stahl, Aluminium oder die Legierung "Studal" Raymond Subes war ein Anhänger von ihm.

Schätzw. 5 000 - 5 500 EUR

Los 86 - GIACOMO und GIONANNI ZOFFOLI (Rom, 18. Jahrhundert) zugeschrieben. Nach einer Vorlage von "GIAMBOLOGNA", JEAN DE BOLOGNE (Douai, Flandern, 1529 - Florenz, 1608). "Merkur", ca. 1800. Skulptur aus Bronze. Augen aus Silber. Sockel aus Serpentinmarmor. Maße: 115 x 27 cm. Die Gießerei Werkstatt der Zoffoli war eine der berühmtesten und produktivsten in Rom während des achtzehnten Jahrhunderts. Das Werk ist der Originalskulptur des in Flandern geborenen Künstlers Jean de Bologne nachempfunden, besser bekannt unter der italienisierten Form seines Namens "Giambologna", die sich heute im Museum Bargello in Florenz befindet. Das ursprünglich 1567 entstandene Werk stellt die klassische Gottheit Merkur (römische Version des griechischen Hermes), den Götterboten, dar. Der Künstler hat versucht, die Leichtigkeit und Schnelligkeit der Figur durch eine sehr kühne Körperhaltung zu vermitteln. Der Gott widersetzt sich den Gesetzen der Schwerkraft, indem er sich nur auf die Zehenspitzen stützt, die kaum den Sockel der Skulptur berühren, die aus einem männlichen Kopf besteht, der einen Lufthauch ausatmet. Es handelt sich um die Personifizierung des Südwinds, der in der klassischen Mythologie ebenfalls vergöttert wird und der Verbündete Merkurs bei der Verbreitung von guten und schlechten Nachrichten ist. Trotz dieser reduzierten Basis ist es dem Künstler gelungen, ein sehr ausgewogenes Werk zu schaffen, bei dem die Gesten der Arme und Beine perfekt ausbalanciert sind, damit die Bronze sich selbst tragen kann, ohne dass zusätzliche Elemente erforderlich sind. So erhebt sich der rechte Arm in einer ausdrucksstarken Geste zum Himmel, während der linke Arm zurückweicht und ihn ausgleicht, indem er den symbolischen Stab des Herolds hält. In diesem Werk voller Bewegung, Anmut und Zartheit, in dem der Künstler auch den Akt bewundernswert darstellt, sind einige der herausragendsten Beiträge der klassischen italienischen Renaissance zusammengefasst: die Rückbesinnung auf die Antike, sowohl in den Themen als auch in den Formen, die monumentale freistehende Skulptur oder der männliche und weibliche Akt. Auf der anderen Seite, die Suche nach Bewegung, Dynamik, auch die Instabilität der Figur, präludieren einige Aspekte des Manierismus und Barock Trends des späten sechzehnten und siebzehnten Jahrhundert.

Schätzw. 6 000 - 6 500 EUR

Los 87 - Nach ANTOINE-DENIS CHAUDET (Frankreich, 1763-1810). Berlin, ca. 1820-1830. "Büste Napoleons als römischer Kaiser". Zink. Maße: 60 x 32,5 x 26 cm. Chaudet war ein französischer Bildhauer im neoklassizistischen Stil. Er begann seine künstlerische Ausbildung als Schüler von Jean-Baptiste Stouf an der Königlichen Akademie für Malerei und Bildhauerei. Sein Flachrelief "Joseph, von seinen Brüdern in die Sklaverei verkauft" wurde 1784 mit dem Prix de Rome ausgezeichnet. Er studierte in Rom, kehrte aber 1802 nach Frankreich zurück, um Marmorporträts von Napoleon zu malen. Im Jahr 1805 gefiel Napoleon diese Darstellung seiner selbst in der Haut eines römischen Kaisers, und sie wurde bis 1810 als offizielles Porträt Napoleons angenommen. Chaudet wird Mitglied des Institut de France und übernimmt im Februar 1810 den Posten des Rektors an der École des Beaux-Arts.

Schätzw. 8 000 - 8 500 EUR

Los 88 - Nach BARTHÉLÉMY TREMBLAY (Louvres, Frankreich, 1568-1629). Frankreich, ca. 1825-1830. "Büste von König Heinrich IV". Patinierte Bronze. Sockel aus Marmor. Maße: 41 x 22 x 22 x 15 cm. Die Büste, die wir hier vorstellen, basiert auf der Originalskulptur, die der Franzose Barthélemy Tremblay für Heinrich IV. anfertigte und die heute im Schloss von Pau zu sehen ist. Eine schwarz bemalte Gipskopie dieser Skulptur wird im Nationalen Militärhistorischen Museum von La Flèche aufbewahrt. Dieses Werk wurde 1817 hergestellt und vom Marschall Herzog von Feltre gestiftet.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 89 - Kleiner Thron des Tutanchamun Ägyptische Wiedergeburt. Paris, ca. 1920. Palisanderholz. Maße: 49,5 x 25,5 x 24,5 cm. Die durchbrochene Rückenlehne dieses Stuhls zeichnet sich durch die Darstellung des Gottes Heh aus, der auf dem Zeichen für Gold kniet. In seiner Hand hält er den Stiel der Palme. Um ihn herum und entlang des gesamten Rahmens des Stuhls sind die Titel des Herrschers eingraviert. Auf den Kartuschen der Hieroglyphen ist der Name Tut angegeben. Napoleons Ägyptenfeldzug von 1798 war der Ausgangspunkt für die Ägyptomanie, die die französische Kunst im frühen 19. Jahrhundert beherrschen sollte. Der künftige Kaiser und seine Truppen konnten die großen Tempel, Monumentalskulpturen und Pyramiden mit eigenen Augen sehen, aber die Hauptverantwortlichen für die Verbreitung dieser Bilder waren die Künstler, die die Truppen begleiteten und die sich der Anfertigung von Skizzen und Aquarellen der verschiedenen Landschaften widmeten. Als diese Werke in Frankreich ankamen, wurden sie gestochen und als Grundlage für große Ölgemälde verwendet. Dank dieser Bilder gelangte ein neues ikonografisches Repertoire nach Europa, das auf der altägyptischen Kunst basierte, aber mit Freiheit und Fantasie neu gestaltet wurde.

Schätzw. 2 000 - 2 200 EUR

Los 90 - MANUEL RODRÍGUEZ VÁZQUEZ (Castellón, 1937). "Weiblicher Akt", 1980. Skulptur aus Bronze. Signiert und datiert auf dem Sockel. Maße: 72 x 14 x 14 cm. Bildhauer, geboren 1937 in Navajas in der Villa der Familie Corell-Ayora, wo sein Vater Gärtner war. Dort verbrachte er seine Kindheit, und in seinen Gärten begann er seine Liebe zur Kunst zu entwickeln, indem er die Schönheit der Natur zeichnete und den Schlamm der Landschaft modellierte. Seine ersten Kontakte mit der Kunstgewerbeschule, in der er alle Preise erhält, sind prägend. Seine bildhauerische Tätigkeit beginnt in Valencia, wo er Auftragsarbeiten anfertigt, die er mit freien Skulpturen und Büsten der Personen der Ausstellung abwechselt, so dass er als "Der Bildhauer der Künstler" bekannt wird. Während seiner gesamten beruflichen Laufbahn erhielt er zahlreiche Preise und Auszeichnungen, und seine Werke sind in großen öffentlichen und privaten Sammlungen im ganzen Land zu finden.

Schätzw. 750 - 800 EUR

Los 91 - Astronomische Uhr; Frankreich, Ende des neunzehnten Jahrhunderts. Bronze und Marmor. Es hat Mängel in der Marmor und braucht Restaurierung. Bewahrt Pendel. Signiert auf dem Zifferblatt. Abmessungen: 43 x 24 x 27,5 cm. Uhr mit einem Sockel aus rouge-griotte-Marmor mit ausdrucksvoller Maserung. In der Mitte des Sockels befindet sich das Gehäuse mit einem runden schwarzen Zifferblatt mit goldfarbenen römischen Ziffern und Breguet-Zeigern. Im oberen Bereich befindet sich ein bewegliches Diorama aus Bronze, das die Sonne und die Erde darstellt, sowie weitere Zifferblätter mit Ziffern und Ortsangaben. Eine astronomische Uhr, Horologium oder Orloj, ist eine Uhr mit speziellen Mechanismen und Zifferblättern, die astronomische Informationen anzeigen, z. B. die relativen Positionen der Sonne, des Mondes, der Tierkreiskonstellationen und manchmal der wichtigsten Planeten. Diese Art von Uhren wurde wegen der Originalität der Entwürfe und der für ihre Herstellung gewählten Materialien sehr geschätzt. In einigen Fällen war die Maschinerie versteckt, was ein Gefühl des Geheimnisses vermittelte, und natürlich wegen ihrer Funktion als wichtiges dekoratives Element im Inneren eines Palastes eines Mitglieds der Oberschicht. Sie weist Mängel im Marmor auf und muss restauriert werden.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 92 - MAISON ALPHONSE GIROUX ( act. 1799-1867). Etagère; um 1860. Ziselierte und brünierte Bronze mit gravierten Glasplatten. Reproduktion des Werks in C. Payne, Paris Furniture: the luxury market of the 19th century, Éditions Monelle Hayot, 2018, S. 77 (illustriert). Signiert Aph Giroux Paris. Maße: 89,5 x 48 x 48 cm. Etagere aus vergoldeter Bronze und Glas im japanischen Stil. Dank einer großen Ausstellung im japanischen Pavillon auf der Weltausstellung von 1867 und später in Wien im Jahr 1873 wurden japanische Produkte in Paris immer bekannter. Die Pariser Firmen Christofle und Barbedienne sind die Hauptvertreter der neuen Mode des Japonisme. Er wurde vor allem bei Metallmöbeln mit wenig oder gar keinen Holzarbeiten angewandt. In der westlichen dekorativen Kunst mischten sich Motive und japanische Motive in ein und demselben Objekt, was es oft schwierig, wenn nicht gar unmöglich macht, genau zu definieren, ob das Objekt als Chinoiserie oder Japonisme bezeichnet werden sollte. Eine Zeitschrift namens Art Amateur in New York war eine der ersten, die das Wort "japanesque" als angemessene Antwort auf Giroux' Kabinett verwendete. Zwei Designer und frühe Verfechter des orientalischen Stils in Paris waren Giroux und Duvinage. Ersterer verkaufte sein Geschäft 1867 an Ferdinand Duvinage und dessen Partner Harinckouk. Giroux adaptierte vor allem die chinesische Kunst; seine um 1840 erschienene Publikation Meubles et fantaisies zeigt Tische in dieser neuen modischen Sprache und erinnert an die Pappmaché-Möbel der gleichen Zeit. Das Werk ist abgebildet in C. Payne, Paris Furniture: the luxury market of the 19th century, Éditions Monelle Hayot, 2018, S. 77 (illustriert). Signiert Aph Giroux Paris.

Schätzw. 8 000 - 8 500 EUR

Los 93 - Paar Damhirsche; Italien, um 1930. Patinierte Bronze auf vergoldeten Holzstiften. Maße: 54 x 43,5 x 12 cm; 12 x 36 x 14 cm (Sockel, x2). Ein Paar Damhirsche aus Bronze nach dem Vorbild derjenigen, die in der Villa des Papyrus von Pompeji gefunden wurden. Die Originale, die auf das 1. Jahrhundert v. Chr. datiert werden, befinden sich derzeit im Archäologischen Nationalmuseum von Neapel. Dieses Paar ist Teil der "Grand Tour" Ästhetik, die zum ersten Mal in dem Werk "The Voyage d'Italie" von Richard Lassels erschien, wurde verwendet, um die lange Reise durch Europa zu definieren, vor allem Italien, die in der Regel von jungen britischen Aristokraten aus dem siebzehnten Jahrhundert gemacht wurde, aber vor allem im gesamten achtzehnten und neunzehnten Jahrhundert. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken für ihre eigenen Kunstsammlungen, die sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitnehmen wollten. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke, sowohl aus Bronze als auch aus Marmor, spezialisierten und von denen einige einen großen Ruf erlangten.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 94 - Sammlung verschiedener Objekte aus dem 19. und 20. Jahrhundert. Silber. Einige davon mit Punzen. Sie zeigen Verschleiß und einige Beulen. Abmessungen: 11 x 6 x 10 cm. Das Set besteht aus einem Krug, einem Glas mit aztekischen Reliefs, zwei Fingerhüten mit floralen Motiven, zwei Salzstreuern und einem Servierlöffel.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 95 - Zwei kleine Gläser mit Marmelade oder Kompott. Katalonien und England, XIX Jahrhundert. Silber. Mit Punzierungen auf den beiden Stücken (auf Katalanisch von Alfons Serrahima). Einer von ihnen behält den Löffel. Präsentiert Spuren von Gebrauch und Verschleiß. Abmessungen: 6 x 4,5 x 4,5 cm. Paar Gläser mit Deckel für Marmelade oder Kompott, komplett aus Silber. Das eine hat eine zylindrische Form, das andere eine konvexe Wölbung. Feine Einschnitte oder einfache Formteile schmücken die Gefäße und verleihen ihnen eine Linie der Modernität, in der der feine Geschmack, weit entfernt von Exzentrizität, vorherrscht. Alfons Serrahima war ein katalanischer Juwelier und Goldschmied, der von den 1930er Jahren bis zum Ende des 20. Jahrhunderts tätig war. Seine Ausbildung erhielt er hauptsächlich in der Werkstatt von Antoni Urpí in Sarrià (dem Viertel, in dem er aufgewachsen ist), einer führenden Persönlichkeit der Ausstellungen von 1898 und 1907. Später setzte er seine Ausbildung am Círculo Artístico de Sant Lluc fort, wo er seine Zeichentechnik perfektionierte.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 96 - Kurioser Parfüm- oder Elixierbehälter in Form eines Dromerars. Wahrscheinlich Frankreich, XIX Jahrhundert. Ziseliertes Silber. Unmarkiert. Es weist Gebrauchs- und Abnutzungsspuren auf. Abmessungen: 10,5 x 10 x 3 cm. Dieser kuriose Parfüm- oder Elixierbehälter hat die Form eines Dromerars. Sein Kopf ist vollständig vom Körper getrennt. Auffallend ist das detailreiche Fell des Tieres sowie seine Physiognomie, bei der der einzigartige Buckel hervorsticht.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 97 - Uhr mit Automaten-Szene; XAVIER THARIN zugeschrieben; Frankreich, um 1860. Papier und lithographierter Karton, mit Gouache beleuchtet. Es hat eine geschnitzte und vergoldete Holzrahmen. Es hat leichte Mängel in den Rahmen. Maße: 99 x 120 x 24 cm. Automatenspieluhr von Xavier Tharin, um 1860 Paris, mit handkolorierter lithographierter Szene einer mediterranen Hafenszene mit Abtei, Brunnen, Viadukt und Wachturm auf einem Hügel, mit zweizügigem Uhrwerk, das die Stunden und halben Stunden auf dem Gong anzeigt, römisch emailliertes Zifferblatt von 5,6 cm (2 ½ in.). Es zeigt einen Mönch, der in einem Turmzimmer lesend einnickt, einen Musiker, der mit dem Kopf nickt und mit dem Fuß klopft, während er eine Laute anschlägt, einen gläsernen Stab, der sich im Brunnen dreht, eine Dame, die das Netz an der Hafenmauer flickt, ein Schiff, das im Vordergrund schaukelt, und zwei weitere am Horizont, eine Lokomotive, die über das Viadukt fährt, und die Flagge des Wachturms, die im Wind flattert. Das Stück hat einen aufwändigen Rahmen aus vergoldetem Holz, in den eine Gebrauchsanweisung gedruckt ist. Diese Art von Objekten war seit dem 19. Jahrhundert sehr beliebt, mit einer großen Vielfalt an Modellen, die in der Regel versuchten, den Mechanismus zu verbergen, der sie bewegt, um den Betrachter zu überraschen, und die oft von einem Musikmechanismus begleitet wurden. Es handelte sich jedoch immer um Elemente, die für die Oberschicht bestimmt waren, da ihre Konstruktion und ihr Design eine hohe Qualität und Beherrschung der empfindlichen Mechanik und der gewählten Materialien erforderten. Der Rahmen weist leichte Beschädigungen auf.

Schätzw. 7 500 - 8 000 EUR

Los 98 - Reliquienschrein; spanische oder französische Schule; zweites Drittel des neunzehnten Jahrhunderts. Vergoldete Bronze und Malachit. Maße: 67,5 x 21 x 18 cm. Reliquienschrein aus vergoldeter Bronze mit Malachit-Applikation auf dem Sockel. Das Stück präsentiert ein ornamentales Design mit runden Figuren. Diese Art von religiösen Objekten zur Aufbewahrung von Heiligenreliquien war in der Gotik weit verbreitet. Hervorzuheben sind die Kreuze und die so genannten "testas", die in der zeitgenössischen Dokumentation zu ihrer Herstellung sehr beliebt sind. Sie wurden zur Aufbewahrung von Reliquien verwendet. Trotz der Tatsache, dass viele von ihnen sehr unterschiedliche Formen annahmen, hatten sie alle denselben Andachtszweck, der manchmal über Fanatismus hinausging. Es sei jedoch daran erinnert, dass zu jener Zeit praktisch jedes Element, das mit dem Heiligen oder seinen sterblichen Überresten in Berührung gekommen war (Tücher, Graberde usw.), als heilige Reliquie galt. Dadurch entstand ein ganzer Markt für solche Gegenstände. Die besten Exemplare wurden aus Edelmetallen hergestellt, aber auch Exemplare wie das vorliegende waren hoch geschätzt, sowohl wegen des Behälters als auch vor allem wegen des Inhalts.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Los 99 - Renaissance-Balkonbank, Katalonien oder Aragonien. Spanien, ca. 1600 Nussbaum und Buchsbaum. Intarsien aus Knochen. Applikationen aus Messing. Dekoration mit Intarsien aus der Renaissance. Zeigt Gebrauchs- und Abnutzungsspuren. Ledergriff mit Schäden. Maße: 130 x 140 x 60 cm. Dieser katalanisch-aragonesische Bankbogen aus der Zeit um 1600 ist mit einer sorgfältigen geometrischen Intarsienarbeit verziert, bei der kleine Platten aus Knochen und anderem Holz eingelegt werden, die geometrische Motive bilden. Diese Verzierung hat ihre Wurzeln in der Granada-Einlegearbeit, einer Blockeinlegearbeit mit geometrischen Motiven, die islamische Wurzeln hat. Bei diesen Intarsien werden hauptsächlich Knochen und verschiedene Hölzer verwendet, da dies die wichtigsten Materialien für hispano-muslimische Möbel waren. Die Technik der Blockintarsien stammt aus dem islamischen Spanien und besteht darin, aus verschiedenen Hölzern einen Block mit einem bestimmten Muster herzustellen und dann Teile auszuschneiden, die in das Möbelstück eingelegt werden. Auf diese Weise entstehen Mosaikplatten oder -streifen, wie wir sie hier sehen. Formal handelt es sich um eine Arche, die auf vier Klauenfüßen steht, auf denen ein breiter Sockel ruht. Die Vorderseite und die Seiten sind mit vertieften, quadratischen Platten verziert, die sich mit architektonisch anmutenden, profilierten Flächen abwechseln. Die Truhe bleibt geschlossen, so dass sie als Sitz dient, und hat eine Rückenlehne mit den gleichen Merkmalen wie der Rest des Stücks, die in einem Wappen mit einem heraldischen Motiv mit dem Nachnamen "Del Bosque" gipfelt. Die Truhe war seit dem 15. Jahrhundert das wichtigste Behältnis in den katalanischen Häusern. Jahrhundert das wichtigste Behältnis in den katalanischen Häusern. Es wurde von der Braut zur Hochzeit mitgebracht und war das Vermögen, das die Familie der Braut dem Bräutigam schenkte. Dies war Teil des Austauschs von Reichtümern zwischen den vertragschließenden Familien. Seine Verzierung war ein Zeugnis des sozialen und wirtschaftlichen Niveaus, dem die neue Braut angehörte.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 100 - Blumentopf; Triana, um 1900. Keramik glasiert. Maße: 60 x 62 cm (Durchmesser). Topf aus polychromer und glasierter Keramik. Ornamental zeigt das Werk ein Design, das von Renaissance-Motiven inspiriert ist, da dies eine Blütezeit der Triana-Keramik war. Im Mittelpunkt des Dekors stehen Engel, die in einem gelben Hintergrund eingeschrieben sind und pflanzliche und geometrische Motive anbeten. Triana war seit der Römerzeit ein sehr beliebtes Zentrum der Keramikproduktion. Später übernahmen die Araber die Technik und Ästhetik der Keramikproduktion in diesem Gebiet. Ende des 15. Jahrhunderts zog Niculoso Francisco Pisano in die Gegend und führte den italienischen Stil und eine neue Technik ein, bei der die Kachel wie ein Ölgemälde bearbeitet wird.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

24. Juli - Dekorative Kunst & Orientalische Kunst

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Los 73 - Französische Schule des XIX. Jahrhunderts. "Musketier". Bronze. Maße: 51 cm. In dieser Skulptur wird uns ein Musketier in einer entspannten Haltung präsentiert. Der gutaussehende junge Mann trägt die typische Kleidung mit elegantem Putz und Hut mit Feder.