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Dienstag 02 Jul um : 17:00 (MESZ)

SCHLOSS LAUDON - SCHATZAUKTION! - 13. TIBERIUS-AUKTION

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Neue-Welt-Gasse 21-23 1130 Wien, Österreich
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568 Ergebnisse

Los 6 - Francesco Bassano der Jüngere Bassano del Grappa 1549 – 1592 Venedig Markt in Venedig während des Karnevals Öl auf originaler Leinwand 140,5 x 185,5 cm, mit Rahmen 182,5 x 207,5 cm Signiert unten rechts Francesco Bassano der Jüngere war ein italienischer Maler aus der berühmten Künstlerfamilie Bassano. Er wurde in Bassano del Grappa geboren und war der älteste Sohn von Jacopo Bassano, einer führenden Persönlichkeit der venezianischen Renaissance. Francesco wurde in der Werkstatt seines Vaters ausgebildet, wo er seine Fähigkeiten in der Malerei entwickelte und die Vorliebe seines Vaters für lebhafte Farben und dynamische Kompositionen übernahm. Die Familie Bassano war bekannt für ihre innovative Herangehensweise an Genreszenen und ihren geschickten Einsatz von Licht und Schatten, den Francesco gekonnt fortsetzte. Francescos Werke zeichnen sich durch ihre lebendige Energie und ihre akribische Detailgenauigkeit aus. Er stellte häufig religiöse Themen, pastorale Szenen und lebhafte Marktszenen dar, wobei er die Essenz des Alltagslebens mit einem scharfen Beobachtungsblick einfing. Seine Gemälde spiegeln eine nahtlose Mischung aus dem Einfluss seines Vaters und seinem eigenen, einzigartigen Stil wider und machen ihn zu einer bedeutenden Persönlichkeit der Spätrenaissance. Dieses Gemälde fängt die geschäftige und chaotische Atmosphäre eines Marktes in Venedig während der Karnevalszeit ein. Die detailreiche Komposition spiegelt dabei die lebhafte Stimmung des venezianischen Karnevals wider. Im rechten Vordergrund ist eine Lebensmittelverkäuferin damit beschäftigt, sich um ihre Kunden zu kümmern, und bietet dem Betrachter einen geerdeten Einstiegspunkt. Das Angebot an Waren ziehen sofort die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich und gibt den energiegeladenen Ton der Szene vor. Im mittleren Vordergrund schreitet eine maskierte Frau in Begleitung eines Musikers und eines Dieners mit Hund nach links. Die maskierte Frau, Sinnbild des Karnevals, verleiht der Szene einen Hauch von Geheimnis und Festlichkeit. Der Musiker und der Diener mit ihren jeweiligen Instrumenten und Haustieren tragen ebenfalls zum lebendigen und abwechslungsreichen Charakter der Szene bei. Von links sieht man einen bärtigen Mann nach rechts laufen, möglicherweise um etwas oder jemanden zu verfolgen, was dem Gemälde ein Gefühl von Dringlichkeit und Bewegung verleiht. Diese dynamisch gestikulierende Figur steht dabei im Kontrast zur ruhig voranschreitenden Dame. Im Hintergrund ist der Platz mit Menschen gefüllt, die verschiedenen Tätigkeiten nachgehen. Auch die Fenster der Häuser sind voll von Schaulustigen, was den gemeinschaftlichen Charakter des Ereignisses unterstreicht. Inmitten der Menschenmenge taucht ein Ochse auf, der auf die Vielfalt des Marktes und die Vermischung der verschiedenen Facetten des Lebens hinweist. Die leuchtenden Farben der Kleidung der Figuren, insbesondere die kräftigen Rottöne, heben sich von dem dunkelblauen Wolkenhimmel und den dunkleren Tönen der Architektur und des Geländes ab. Dieser Kontrast erzeugt einen dramatischen visuellen Effekt, der den festlichen und etwas ungeregelten Charakter der Szene hervorhebt. Dabei wird der Betrachter in das pulsierende Leben und die Festivitäten hineingezogen.

Schätzw. 8 000 - 16 000 EUR

Los 7 - Leonello Spada Bologna 1576 – 1622 Parma, zugeschrieben Susanna beim Bade Öl auf Leinwand, doubliert 161 x 123 cm, mit Rahmen 177 x 140 cm Rückseitig altes Ausstellungsetikett Leonello Spada war ein italienischer Maler aus Bologna, der sich als prominenter Nachfolger Caravaggios etablierte. Spada wurde zunächst von den Brüdern Carracci ausgebildet, die einen großen Einfluss auf die Barockbewegung hatten. Die Begegnung Spadas mit Caravaggios revolutionärem Stil während seiner Zeit in Rom beeinflusste seine künstlerische Ausrichtung nachhaltig. Spadas Werke zeichnen sich häufig durch intensive Licht- und Schattenkontraste, dynamische Kompositionen und einen ausgeprägten Sinn für Realismus aus - Merkmale, die für Caravaggios Einfluss kennzeichnend sind. Das Gemälde zeigt das bedeutende Sujet der Susanna beim Bade und stellt die biblische Geschichte der Susanna aus dem Buch Daniel dar. In dieser Erzählung badet Susanna, eine tugendhafte und schöne Frau, in ihrem Garten, als sie von zwei älteren Männern angesprochen wird, die sich versteckten, um sie zu beobachten. Als sie ihre Annäherungsversuche zurückweist, beschuldigen sie sie fälschlicherweise des Ehebruchs, was zu ihrem Prozess führt. Der junge Prophet Daniel schreitet jedoch ein, beweist ihre Unschuld und verurteilt die Älteren. In Spadas Darstellung steht Susanna im Vordergrund, wobei ihre nackte Gestalt in einer Geste der Scham und der Bedrängnis teilweise vom Betrachter abgewandt ist. Ihre dramatischen Gesten und ihr ausdrucksstarkes Gesicht vermitteln ihren Schock und ihre Angst, während sie versucht, sich zu bedecken und gleichzeitig den Männern zu entfliehen. Die beiden älteren Männer in der oberen linken Ecke der Komposition blicken hinter einem Zaun auf sie herab, wobei ihre unheilvollen Absichten in ihrer Körpersprache und Mimik deutlich werden. Die Umgebung ist ein eingezäunter Garten, der sowohl Susannas Privatsphäre als auch die Verletzung dieser Privatsphäre durch die eindringenden Älteren symbolisiert. Ein Baum im Hintergrund verleiht der Komposition Tiefe und dient als natürliche Barriere, die den geschlossenen und intimen Charakter der Szene noch verstärkt. Der Kontrast zwischen der Unschuld und Reinheit Susannas und der verdorbenen, räuberischen Natur der Älteren wird durch Spadas geschickten Einsatz von Licht und Schatten deutlich hervorgehoben und lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die zentralen Figuren und ihre Interaktion. Spadas Beherrschung der Techniken Caravaggios zeigt sich im Naturalismus der Figuren und in der dramatischen Intensität der Szene. Die emotionale Spannung und die moralischen Themen von Tugend und Laster werden kraftvoll vermittelt und machen dieses Gemälde zu einer fesselnden Darstellung der biblischen Geschichte und zu einem Zeugnis von Spadas künstlerischem Können.

Schätzw. 4 000 - 8 000 EUR

Los 8 - Girolamo Forabosco Venedig 1605 – 1679 Padua, zugeschrieben Portrait einer Adeligen Öl auf Leinwand, doubliert 128 x 101,5 cm, mit Rahmen 154 x 128 cm Girolamo Forabosco war ein italienischer Barockmaler, der für seine Porträts und religiösen Kompositionen bekannt war. Der in Venedig geborene Forabosco wurde von den reichen künstlerischen Traditionen der Stadt sowie von den Werken bekannter venezianischer Maler wie Tizian und Tintoretto beeinflusst. Er erwarb sich den Ruf, die feinen Züge und ausdrucksstarken Persönlichkeiten seiner Porträtierten gekonnt einzufangen. Foraboscos Werke zeichnen sich durch die Liebe zum Detail, die reiche Verwendung von Farben und das dramatische Zusammenspiel von Licht und Schatten als bedeutende Kennzeichen des Barockstils aus. Dieses Porträt zeigt eine adlige Dame, die die für die venezianische Aristokratie typische Eleganz und Raffinesse ausstrahlt. Ihr lockiges Haar ist mit einem pompösen Haarschmuck geschmückt, der ihrer Erscheinung einen Hauch von Grandezza verleiht. Große Ohrringe umrahmen ihr Gesicht, und ein schleifenartiges Gesteck sowie eine auffällige rote Blume in ihrem Haar unterstreichen ihre aristokratische Präsenz. Das Kleid der Dame ist in einem zarten Rosa gehalten, das durch weiße Spitzen am Ausschnitt und den Ärmeln sowie schwarzen Borten kontrastiert wird. Dies zeigt Foraboscos akribische Aufmerksamkeit für die Details von Stoff und Mode. Goldene Ketten ziehen sich über ihr Kleid und verleihen ihm einen Hauch von Opulenz. Mit der linken Hand ergreift sie die voluminösen Falten ihres Kleides, was sowohl Anmut als auch Dynamik in ihrer Pose suggeriert. Mit der rechten Hand stützt sie sich in eleganter Manier auf einen Tisch, auf dem eine antik anmutende Vase mit einem bunten Blumenstillleben steht. Der Hintergrund des Gemäldes ist abgedunkelt und bildet einen starken Kontrast, der die beleuchtete Figur der Dargestellten hervorhebt. Dieser dunkle Hintergrund, der für die barocke Porträtmalerei typisch ist, dient dazu, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die würdevolle Präsenz der Dame und die komplizierten Details ihrer Kleidung zu lenken. Eine kannelierte Säule hinter den Blumen fügt der Komposition ein klassisches Element hinzu, das sowohl auf die adlige Abstammung als auch auf die kulturelle Kultiviertheit der Dargestellten hinweist. Insgesamt vermittelt Foraboscos Porträt durch die sorgfältige Komposition und die reichhaltigen, strukturierten Details ein Gefühl für den Status und die Persönlichkeit der dargestellten Dame.

Schätzw. 8 000 - 12 000 EUR

Los 9 - Nicolas de Largillière Paris 1656 – 1746 Paris, zugeschrieben Portrait des Lieutnant General des Armées DE COURCY mit dem Orden des hl. Ludwig ehem. Coll. DE COURCY Öl auf Leinwand, doubliert 146,5 x 114 cm, mit Rahmen 173,5 x 142 cm Am Rahmen betitelt unten mittig Nicolas de Largillière war ein bedeutender französischer Maler, der für seine Porträts bekannt war, in denen er die Eleganz und Erhabenheit der französischen Aristokratie und des Bürgertums festhielt. Er wurde in Paris geboren und verbrachte einen Teil seines frühen Lebens in Antwerpen, wo er bei dem flämischen Barockmaler Antoine Goubau ausgebildet wurde. Dieser frühe Einfluss ist in Largillières detaillierten und farbenprächtigen Kompositionen deutlich zu erkennen. 1675 zog Largillière nach London, wo er kurzzeitig mit Sir Peter Lely, einem anderen bedeutenden Porträtmaler der Zeit, zusammenarbeitete. Er kehrte jedoch bald nach Paris zurück, wo er 1686 in die Académie Royale de Peinture et de Sculpture aufgenommen wurde. Im Laufe seiner Karriere wurde er zum führenden Porträtmaler seiner Zeit in Frankreich, bekannt für seine Fähigkeit, seine Werke mit lebendigen und leuchtenden Farben zu versehen. Zu seinen Kunden zählten Mitglieder des königlichen Hofes, des Adels und prominente Bürger, was seinen Ruf als führender Künstler des französischen Barocks festigte. In diesem bedeutenden Porträt wird der Generalleutnant des Armées de Courcy mit der Größe und Autorität dargestellt, die seinem militärischen Rang entspricht. Der General steht vor einem dunklen Hintergrund, eine klassische Technik von Largillière, die die Präsenz des Dargestellten betont und seine Kleidung hervorhebt. Auf der linken Seite verleihen eine Säule und ein Vorhangmotiv der Komposition einen Hauch von klassischer Architektur und Theatralik. Der Generalleutnant trägt eine hohe graue Lockenperücke, ein modisches Symbol für Status und Kultiviertheit im Frankreich des 18. Jahrhunderts. Sein rotes Gewand ist reich mit Gold bestickt, was sowohl seinen Reichtum als auch seine Stellung verdeutlicht. Über diesem prächtigen Kleidungsstück trägt er einen Kürass, der auf seine militärische Rolle hinweist. An seinem Kürass ist die Medaille des St.-Louis-Ordens befestigt, eine Auszeichnung, die für vorbildliche militärische Leistungen verliehen wird. Seine Haltung strahlt Zuversicht und Befehlsgewalt aus. Die linke Hand fest in die Hüfte gestemmt, wodurch er eine Haltung der Autorität einnimmt. In der rechten Hand hält er einen kleinen Stock, den er auf den Sockel der Säule stützt, was seine würdevolle Erscheinung zusätzlich verstärkt. Die feinen Details seiner Kleidung und die durchdachte Komposition spiegeln Largillières Geschick wider, nicht nur die körperliche Erscheinung, sondern auch den Charakter und den Status seiner Personen darzustellen.

Schätzw. 6 000 - 12 000 EUR

Los 10 - Hyacinthe Rigaud Perpignan 1659 – 1743 Paris Portrait des Kardinals André-Hercule de Fleury Öl auf Leinwand, doubliert 81,5 x 63,5 cm, mit Rahmen 95 x 79,5 cm Hyacinthe Rigaud war ein bedeutender französischer Maler des Barock. Schon in jungen Jahren zeigte er außergewöhnliches Talent und erhielt eine formale Ausbildung bei seinem Vater, einem bescheidenen Porträtisten. Rigauds Fähigkeiten erregten bald die Aufmerksamkeit einflussreicher Mäzene, so dass er sich als einer der gefragtesten Porträtmaler Frankreichs etablierte. Rigauds Stil zeichnete sich durch akribische Detailtreue, satte Farben und grandiose Kompositionen aus und spiegelte die Opulenz und Pracht des französischen Hofes wider. Seine Porträts zeigten häufig Adelige, Geistliche und andere prominente Persönlichkeiten, deren Statur und Persönlichkeit er mit bemerkenswerter Präzision festhielt. Ein beachtliches Werk ist das Porträt des Kardinals André-Hercule de Fleury (Lodève 1653 - 1743 Paris). Er war ein französischer Kardinal und Ministerpräsident, der von 1726 bis 1743 die Regierung von König Ludwig XV. leitete. Vor einem dunklen Hintergrund ist Kardinal Fleury in einem weißen Habit dargestellt, der mit komplexen Details verziert ist und durch einen leuchtend roten Umhang und Kopfschmuck ergänzt wird. Er blickt den Betrachter mit einem warmen Lächeln an, das Vertrauen und Weisheit ausstrahlt, und zeigt eine sanfte Autorität. Die voluminösen Gewänder, die der Kardinal trägt, unterstreichen seine majestätische Aura und hüllen ihn in einen Hauch von herrschaftlichem Glanz. Der geschickte Umgang mit Licht und Schatten verleiht dem Porträt Tiefe und Dimension sowie ein Gefühl von Dynamik und Vitalität. Dieses Gemälde, eine eigenhändige, äußerst qualitätvolle Wiederholung von Rigauds früherem Werk aus dem Jahr 1730, das sich heute in der Wallace Collection (P130) befindet, ist ein Beispiel für die Meisterschaft des Künstlers in der Porträtmalerei und seine Fähigkeit, das Wesen seiner Porträtierten mit unvergleichlicher Finesse einzufangen. Durch seine Kunstfertigkeit verewigt Rigaud den Kardinal Fleury und lädt den Betrachter dazu ein, das bleibende Vermächtnis dieser einflussreichen Figur der französischen Geschichte zu betrachten.

Schätzw. 4 000 - 8 000 EUR

Los 11 - Italienischer Maler 16./17. Jahrhundert Jungfrau am Fenster Öl auf Leinwand, doubliert 95 x 78 cm, mit Rahmen 116 x 97 cm Rückseitig zwei Etiketten Dieses Gemälde es italienischen Maler aus der Zeit um 1600 bietet einen fesselnden Einblick in das häusliche Leben während der Barockzeit. Die Szene zeigt einen zärtlichen Moment zwischen einer Mutter und ihrem säugenden Baby. Die Frau wiegt ihren Säugling dicht an der Brust; ihr Blick ist von mütterlicher Zuneigung erfüllt. Neben der Mutter und dem Kind taucht ein Fenster den Raum in sanftes Licht. Durch das Fenster lehnt sich ein älterer Mann, der in ein Buch vertieft ist und dessen Finger behutsam die Seite umblättern. Dieses Nebeneinander von häuslicher Fürsorge und wissenschaftlichem Streben schafft eine reichhaltige Erzählung, die die harmonische Koexistenz von familiärer Liebe und intellektueller Neugier suggeriert. Im Vordergrund verleiht ein Stillleben mit Früchten und köstlichen Leckereien der Komposition Tiefe und Textur. Diese Gegenüberstellung von Häuslichkeit und Genuss bereichert die Komposition zusätzlich und evoziert Themen wie Wohlstand und die Freuden des täglichen Lebens. Im Hintergrund deuten architektonische Elemente wie Säulenmotive und ein drapierter Vorhang auf klassische Einflüsse hin und verleihen der Szene ein Gefühl von Zeitlosigkeit und Eleganz. Diese antiken Ornamente dienen als Hintergrund für das intime Tableau, das sich im Vordergrund entfaltet, und verstärken den Gesamteindruck von Harmonie und Ausgewogenheit in der Komposition. Mit gekonntem Pinselstrich und viel Liebe zum Detail fängt der italienische Maler das Wesen des häuslichen Lebens in der Barockzeit ein und lädt den Betrachter ein, in eine Welt von stiller Schönheit und schlichter Raffinesse einzutauchen.

Schätzw. 4 000 - 6 000 EUR

Los 12 - Südeuropäischer Meister 17. Jahrhundert Heiliger Daniel Öl auf Kupfer 33 x 23,5 cm, mit Rahmen 45,5 x 36 cm Rückseitig bezeichnet „Portugau“ Der heilige Daniel ist eine prominente Figur in der Bibel, bekannt für seinen unerschütterlichen Glauben und sein Überleben in der Löwengrube. Die Geschichte aus dem Buch Daniel erzählt von Daniels Widerstand gegen den Erlass des Königs Darius, der es verbot, zu einem anderen Gott oder Menschen als dem König zu beten. Für seinen Ungehorsam wurde Daniel in eine Löwengrube geworfen. Wie durch ein Wunder blieb er die ganze Nacht hindurch unversehrt, beschützt von einem von Gott gesandten Engel. Dieses Ereignis unterstreicht Daniels Frömmigkeit und Gottes Macht und macht ihn zu einem Symbol des Glaubens und der göttlichen Befreiung. Ein Gemälde eines südeuropäischen Meisters aus dem 17. Jahrhundert, das möglicherweise aus Portugal stammt, stellt diese wundersame Episode in repräsentativer Manier mithilfe einiger ikonographischer Motive dar. Das Gemälde zeigt den jungen Daniel, der selbstbewusst zwischen zwei Löwen steht, die ihm unterwürfig zu Füßen liegen. Der Hintergrund ist eine malerische, hügelige und bergige Landschaft, die unter einem Himmel gemalt ist, der in Rosa-, Gelb- und Blautöne übergeht und der Szene ein Gefühl von heiterer Dämmerung verleiht. Von rechts oben kommen zwei kleine Figuren herab - eine davon ein Engel - deren Anwesenheit göttliches Eingreifen signalisiert. Daniel, gekleidet in eine lange, kunstvoll bestickte Tunika, einen rosafarbenen Mantel und einen dazu passenden Turban-ähnlichen Kopfschmuck, blickt diesen himmlischen Wesen mit einem Blick ruhiger Zuversicht entgegen. Ein Heiligenschein umgibt sein Haupt und unterstreicht seine Heiligkeit. In seiner rechten Hand hält er eine Banderole mit der Inschrift „Sanctus Daniel Profecta“, was übersetzt „Heiliger Daniel der Prophet“ bedeutet. Die Verbindung zwischen dem heiligen Daniel und Portugal lässt sich aber durch die kulturelle und religiöse Integration biblischer Figuren in die portugiesische Kunst ableiten. Portugal mit seiner tief verwurzelten katholischen Tradition nahm oft Heilige aus biblischen Erzählungen auf und verehrte sie für ihren beispielhaften Glauben und die mit ihnen verbundenen Wunder. Die Darstellung des heiligen Daniel in der portugiesischen Kunst könnte die Bewunderung des Landes für seine Geschichte widerspiegeln und die Themen des göttlichen Schutzes und der Treue hervorheben, die im portugiesischen religiösen Kontext einen tiefen Widerhall fanden. Dieses Gemälde zeigt nicht nur das künstlerische Können seines Schöpfers, sondern dient auch als Zeugnis für den anhaltenden Einfluss biblischer Geschichten über verschiedene Kulturen und Epochen hinweg. Es veranschaulicht weiters, wie die Erzählung des heiligen Daniel die Gläubigen weiterhin inspiriert und fesselt.

Schätzw. 2 000 - 4 000 EUR

Los 13 - Christus bei den Gelehrten Flämisch, 17. Jahrhundert Öl auf kassettiertem Eichenholzpaneel 56 x 90 cm, mit Rahmen 75 x 105 cm Dieses von einem flämischen Maler im 17. Jahrhundert geschaffene Gemälde stellt die biblische Szene von Jesus unter den Gelehrten anschaulich dar. Die Komposition führt den Betrachter durch eine klerikale Figur im Dialog mit einem Adligen ganz rechts in die Szene ein. Diese hervorgehobene Interaktion bildet den Gegenpol zu Christus, der ganz links im Mittelgrund positioniert ist. Zwischen diesen beiden Schwerpunkten befindet sich eine dynamische Ansammlung von sitzenden Figuren und Zuhörern auf Pferden, die alle aufmerksam Jesus zu lauschen scheinen. Den Ort der Szene bildet eine idyllische Landschaft mit dunklen Bäumen in satten Grün-Braun-Tönen, die eine ruhige und kontemplative Atmosphäre schaffen. Die linke Seite des Gemäldes, hinter Christus, öffnet sich zu einem wolkenverhangenen Himmel. Christus weist mit einer Geste auf die ihn umgebende Gruppe, was seine Rolle als Lehrer und zentrale Figur unterstreicht. Besonders bemerkenswert an diesem Gemälde sind die leuchtenden roten Farben, die sich von der ansonsten gedämpften Farbpalette abheben. Der Mantel Christi und das Kleid des Edelmannes sowie die Federn an dessen Hut sind in leuchtenden Rottönen gehalten, die den Blick des Betrachters auf sich ziehen. Die Verwendung dieser Farbe unterstreicht die Bedeutung der Figuren und verleiht der Komposition einen dynamischen Kontrast. Die Liebe zum Detail und die Fähigkeit des Künstlers, durch Farbe und Komposition eine Geschichte zu erzählen, spiegeln den Schwerpunkt des flämischen Barockstils auf dramatischem Realismus und emotionalem Engagement wider. Dieses Gemälde fängt nicht nur einen Moment tiefgreifender Lehre ein, sondern lädt den Betrachter auch ein, in das reiche Zusammenspiel der Figuren und die ruhige Landschaft einzutauchen.

Schätzw. 200 - 400 EUR

Los 38 - Bernard Picart Paris 1673 – 1733 Amsterdam Der wundersame Fischzug Petri 1713 Interpretation nach Raffael Urbino 1483 – 1520 Rom Lavierte Feder en grisaille Blatt 32,3 x 43 cm, mit Rahmen 48 x 57 cm Bezeichnet, signiert & datiert unten rechts: „dessigné par B. Picart d’après Raphaele d’Urbine 1713“ Bernard Picart, ein bedeutender französischer Kupferstecher und Maler des 18. Jahrhunderts, war bekannt für seine Vielseitigkeit und seine fantasievollen Neuinterpretationen klassischer Themen. Picart wurde von seinem Vater ausgebildet und studierte später bei Sébastien Leclerc. Er ließ sich in Amsterdam nieder, wo er zu einer führenden Persönlichkeit in der Welt der Gravur und Illustration wurde, bekannt für seine Liebe zum Detail und seine innovativen Kompositionen. Eines von Picarts bemerkenswerten Werken ist ein Gemälde mit der Darstellung des wunderbaren Fischzuges, das von Raffaels berühmter Darstellung desselben biblischen Ereignisses inspiriert ist (Royal Collection Trust, RCIN 912944). Die Geschichte aus dem Lukasevangelium erzählt von dem Moment, in dem Jesus, nachdem er die Menge vom Boot des Simon Petrus aus belehrt hat, Petrus anweist, seine Netze ins tiefe Wasser auszuwerfen. Obwohl er die ganze Nacht nichts gefangen hat, gehorcht Petrus und fängt auf wundersame Weise eine überwältigende Anzahl von Fischen, die den Überfluss der göttlichen Gnade und die Berufung der Apostel symbolisieren. In Picarts freier Interpretation wird die Szene durch eine reiche und dynamische Komposition in Szene gesetzt. Im Vordergrund ist das Ufer zu sehen, an dem eine Gruppe von Männern auf der linken Seite lebhaft gestikuliert und möglicherweise über das wundersame Ereignis diskutiert, das sich vor ihnen abspielt. In der Mitte sitzen Frauen, die anscheinend Wasser geholt haben, mit Kindern; eine Frau scheint zu schlafen und wird von einer anderen sanft geweckt. Diese Einbeziehung des Alltagslebens verleiht der Szene eine Ebene von Menschlichkeit und Realismus. Auf der rechten Seite ist ein Baumstumpf mit der umgebenden Vegetation abgebildet, der der Komposition einen natürlichen Rahmen verleiht. Picarts Signatur ist geschickt in dieses Element integriert und kennzeichnet seine Urheberschaft. Der Mittelgrund zeigt den Fluss mit zwei Booten; in dem Boot links sitzt Christus und deutet mit einer Geste auf die kniende Figur, Simon Petrus, vor ihm. Hinter Christus steht ein Ruderer, der die göttliche Gegenwart und die menschliche Reaktion betont. Im anderen Boot sind zwei Männer zu sehen, die das mit Fischen gefüllte Netz einholen, während ein weiterer Ruderer sitzt, der die Mühe und das Erstaunen über den wunderbaren Fang verkörpert. Im Hintergrund ist eine ummauerte Stadt mit mehreren Figuren in verschiedenen Positionen dargestellt, die der Erzählung Tiefe und Kontext verleihen. Der Himmel über dem Bild ist mit Wolken und fliegenden Vögeln geziert, die den Naturalismus der Szene verstärken. Picarts Gemälde fängt die Essenz des biblischen Wunders ein und verleiht ihm gleichzeitig seine einzigartige künstlerische Vision, indem er das Heilige mit dem Alltäglichen vermischt und sein Talent für lebendige, fesselnde Kompositionen unter Beweis stellt.

Schätzw. 200 - 400 EUR

Los 44 - Nicolas Bernard Lépicié Paris 1735 – 1784 Paris Portrait einer Adeligen Öl auf Leinwand, doubliert 61,5 x 50 cm, mit Rahmen 76 x 65 cm Nicolas Bernard Lépicié, ein bedeutender französischer Maler des 18. Jahrhunderts, wurde als Sohn einer Künstlerfamilie geboren. Er trat in die Fußstapfen seines Vaters François Bernard Lépicié, eines berühmten Kupferstechers, und zeigte schon in jungen Jahren ein bemerkenswertes Talent. Er lernte bei bedeutenden Künstlern seiner Zeit, wo er seine Fähigkeiten verfeinern und seinen unverwechselbaren Stil entfalten konnte. Lépiciés Oeuvre umfasst eine Vielzahl von Genres, darunter Porträts, Historienbilder und Genreszenen. Seine Werke zeichnen sich durch ihre zarte Pinselführung, den subtilen Einsatz von Licht und Schatten und die akribische Liebe zum Detail aus. Sie spiegeln die Eleganz und Raffinesse des französischen Rokokos wider. Dieses bemerkenswerte Porträt ist das einer jungen adligen Dame, das die künstlerische Beherrschung des Genres unter Beweis stellt. Ihr schwarzes Haar in einer Hochsteckfrisur fällt in sanften Wellen zu den Ohren herab und umrahmt ein Gesicht mit hellbraunen Augen, die Wärme und Intelligenz ausstrahlen. Sie ist in ein prächtiges blaues Kleid gekleidet, dessen voluminöse Falten und komplizierte Details ihre anmutige Silhouette betonen. Eine detaillierte Halskrause mit Rüschen ziert ihr Dekolleté und verleiht ihrem Gewand einen Hauch von Raffinesse. Der Mantel der Dame, der entlang der Nähte mit zarten Blumen bestickt ist, unterstreicht den Reichtum ihres Gewandes und deutet auf ihren wohlhabenden Status und ihren erlesenen Geschmack hin. Vor einem abstrahierten grauen Hintergrund hebt sich die Figur mit fesselnder Präsenz ab, ihr Blick ist ruhig und doch rätselhaft und lädt den Betrachter ein, über die Geheimnisse ihrer Gedankenwelt nachzudenken. Der Künstler verewigt durch seine Kunstfertigkeit die Schönheit und Eleganz der französischen Aristokratie und lädt den Betrachter ein, in die Pracht des Rokokos einzutauchen.

Schätzw. 4 000 - 8 000 EUR

Los 46 - Martin van Meytens Stockholm 1695 – 1770 Wien, zugeschrieben Kaiser Joseph II. als Kind Um 1750 Öl auf Leinwand 107 x 70 cm, mit Rahmen 115 x 76 cm Martin van Meytens, 1695 in Stockholm geboren, war ein berühmter schwedisch-österreichischer Maler, der für seine feinen Porträts bekannt war. Nach Studien in Paris, London und Italien ließ sich Meytens in Wien nieder, wo er Hofmaler von Kaiserin Maria Theresia wurde. Sein Stil entwickelte sich vom Barock zum Rokoko und zeichnete sich durch eine akribische Liebe zum Detail und die Fähigkeit aus, die Eleganz und Persönlichkeit seiner Porträtierten einzufangen. Meytens Werk trug wesentlich zur visuellen Dokumentation des habsburgischen Hofes bei und machte ihn zu einer Schlüsselfigur der europäischen Kunst des 18. Jahrhunderts. Dieses bemerkenswerte Gemälde stellt Kaiser Joseph II. als Kind dar und spiegelt die Bedeutung seiner Geburt und seiner frühen Jahre wider. Auf diesem Porträt steht der junge Joseph II. selbstbewusst in einer roten Jacke und strahlt königliche Gelassenheit aus. In der linken Hand hält er einen Stab, ein Symbol seiner zukünftigen Autorität, während die rechte Hand auf seiner Hüfte ruht, was Selbstbewusstsein und Adel suggeriert. Die luxuriöse Kleidung, die er trägt und die mit akribischer Präzision ausgeführt ist, unterstreicht seinen königlichen Status. Joseph II., der 1741 geboren wurde, war der lang erwartete Erbe des habsburgischen Throns, was seine Geburt zu einem bedeutenden Ereignis machte. Als ältester Sohn von Maria Theresia und Franz I., dem Kaiser des Heiligen Römischen Reiches, war er dazu bestimmt, eine entscheidende Rolle in der europäischen Politik zu spielen. Seine Geburt wurde in allen habsburgischen Ländern gefeiert, und es wurden zahlreiche Porträts von ihm als Kind in Auftrag gegeben, um seine Bedeutung zu unterstreichen und die Kontinuität der Dynastie zu fördern. Die Verbreitung von Bildern Josephs II. als Kind diente mehreren Zwecken. Sie untermauerten die Legitimität und Stabilität der habsburgischen Erbfolge, vermittelten das Bild einer starken und beständigen Dynastie und bereiteten die Öffentlichkeit auf seinen späteren Aufstieg zur Macht vor. Das Porträt trug mit der Liebe zum Detail und der königlichen Darstellung zu diesem Narrativ bei, indem es Joseph II. nicht nur als Kind, sondern als zukünftigen Kaiser darstellte, der die Werte und die Verantwortung seiner Linie verkörperte. Joseph II. bestieg den Thron im Jahr 1765. Seine Regierungszeit war von bedeutenden Reformen geprägt, die darauf abzielten, das Kaiserreich zu modernisieren, die Ideale der Aufklärung zu fördern und die Effizienz der Verwaltung zu steigern. Seine Bedeutung in der europäischen Geschichte wird durch seine Bemühungen um die Zentralisierung des Staates und seine Versuche, weitreichende Veränderungen im Bildungs-, Rechts- und Gesellschaftswesen durchzusetzen, unterstrichen. Dieses Gemälde ist ein Zeugnis für die Fähigkeit des Malers, sowohl das Abbild des Portraitierten als auch dessen symbolische Bedeutung einzufangen und sicherzustellen, dass das Erbe der Habsburger visuell zelebriert und für die Nachwelt bewahrt wurde.

Schätzw. 2 000 - 4 000 EUR

Los 56 - Giovanni Battista Tiepolo Venedig 1696 – 1770 Madrid, zugeschrieben Bozzetto der Mariä Himmelfahrt Fresko im Oratorium der Reinheit, Udine Aquarellierte Federzeichnung auf Papier 25 x 15,5 cm, mit Rahmen 36,7 x 29,5 cm Giovanni Battista Tiepolo war einer der bedeutendsten italienischen Maler des 18. Jahrhunderts. Bekannt für seine lebendige Farbpalette, seine dynamischen Kompositionen und seinen meisterhaften Umgang mit Licht, wurde Tiepolo zu einer führenden Persönlichkeit des Rokoko. Er studierte bei Gregorio Lazzarini und entwickelte schnell einen unverwechselbaren Stil, der eine dramatische Erzählung mit einer leichten, luftigen Note verband. Zu seinen Werken gehören großartige Fresken, Altarbilder und zahlreiche Zeichnungen, die die Kunstwelt seiner Zeit maßgeblich prägten. Diese erlesene Werk ist eine aquarellierte Tuschezeichnung, das ein Bozzetto der Himmelfahrt Mariens zeigt. In dieser vorbereitenden Skizze ist Maria im Zentrum dargestellt; ihre Gestalt wird anmutig von einer Gruppe fliegender Engel emporgehoben. Ein größerer Engel, der sie nach oben führt, betont den göttlichen Beistand bei ihrer Himmelfahrt. Tiepolos charakteristische fließende Linien und zarte Farbtupfer vermitteln ein Gefühl von Bewegung und ätherischer Leichtigkeit und halten den transzendentalen Moment mit Finesse fest. Unter Maria sitzt ein Mann, möglicherweise Christus, welcher mit einer Geste nach oben das himmlische Ziel andeutet. Zwei Putti an seiner Seite halten einen Stab, der die heilige Erzählung und die himmlische Hierarchie der Szene verdeutlicht. Auf der rechten Seite ist eine Figur abgebildet, die gen Himmel betet und vielleicht den Auftraggeber dieses Gemäldes darstellt. Diese Einbeziehung personalisiert nicht nur das Kunstwerk, sondern spiegelt auch den Andachtsaspekt des Auftrags wider. Dieses Bozzetto beweist die Fähigkeit des Künstlers, komplexe theologische Themen mit Klarheit und Anmut zu vermitteln. Die Komposition, die sich durch ein dynamisches Zusammenspiel von Figuren und ausdrucksstarken Gesten auszeichnet, verdeutlicht die Meisterschaft des Künstlers bei der Umsetzung geistlicher Ereignisse in eine visuelle Form.

Schätzw. 1 000 - 2 000 EUR

Los 76 - Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson Montargis 1767 – 1824 Paris Studienblatt zu dem bedeutenden Gemälde: Révolte du Caire, 21 Octobre 1798 (1810) Kohle und Kreide auf Papier, aufkaschiert 43 x 50 cm, mit Karton 57 x 63,8 cm Signiert & datiert 1809 unten links Château du Versailles, MV 1497 Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson war ein bedeutender Maler des Neoklassizismus, der für seine akribische Detailgenauigkeit und seine Fähigkeit bekannt war, dramatische Gefühle zu vermitteln. Er wurde bei dem berühmten Künstler Jacques-Louis David ausgebildet und erlangte schnell Anerkennung für seinen unverwechselbaren Stil, der klassische Ideale mit einem romantischen Flair verband. Girodets Werke enthielten häufig historische und mythologische Themen, und er wurde für sein technisches Können und seine innovativen Kompositionen gefeiert. Eines von Girodets bedeutenden Werken ist „Révolte du Caire, 21. Oktober 1798“, ein episches Gemälde, das an die französische Niederschlagung eines Aufstands in Kairo während des Ägyptenfeldzugs Napoleons erinnert (Château du Versailles, MV 1497). Mehr als zehn Jahre nach diesem Aufstand wurde Girodet auf Wunsch Napoleons beauftragt, diese Episode darzustellen. Bonaparte wollte das Land organisieren und setzte unter anderem einen Rat aus lokalen Personen ein, der die Grundsteuer besser verteilen sollte. Dies führte jedoch einige Monate später zu einem Aufstand der Einwohner von Kairo. Daher bewaffneten sich die Franzosen und marschierten gegen die Aufständischen. Hier ist der Moment inmitten der tumultartigen Kampfhandlung dargestellt, als die Franzosen, die in die Al-Azhar-Moschee eingedrungen waren, auf die Rebellen stoßen. In diesem Kampf verloren mehrere hundert französische Soldaten und mehrere tausend Ägypter ihr Leben. Eine vorbereitende Studie für dieses monumentale Werk, ausgeführt in Kohle und Kreide auf Papier sowie signiert und datiert 1809 (ein Jahr vor der Vollendung des Hauptwerkes im Jahr 1810), konzentriert sich auf zwei der zentralen Figuren dieser größeren Komposition und fängt einen Moment intensiver Dramatik und Handlung ein. Sie zeigt den maurischen Sklavendiener, eine dunkelhäutige, nackte männliche Figur, in dynamischer, diagonaler Haltung, die rechte Hand erhoben und einen gebogenen Säbel in einer abwehrenden Geste schwingend. Der beturbante Mann wirkt kraftvoll und entschlossen, sein muskulöser Körper wird entblößt, als eine andere Figur seinen Mantel ergreift. Seine weit aufgerissenen Augen und sein konzentrierter Ausdruck vermitteln ein Gefühl von Dringlichkeit und Wachsamkeit, während er nach links blickt, wo eine unbekannte Gestalt eine Bedrohung darstellt. Mit seinem linken Arm hält der Mann die ohnmächtige Gestalt des verwundeten Mamluk-Bey, ein Elitemitglied der ägyptischen Militärklasse, in luxuriöser Kleidung mit Pelz, Turban und Dolch. Die Haltung und die Kleidung des Ohnmächtigen stehen in starkem Kontrast zu der aufmerksamen und defensiven Haltung seines Retters und unterstreichen die Spannung und das Chaos des Augenblicks, betont durch die pyramidale Inszenierung der Figurengruppe. Auf dem Originalgemälde ist diese zentrale Figurengruppe ganz rechts positioniert, wobei ein französischer Husar mit einem Schwert auf sie zustürmt, was den Gesamteindruck der Szene von Konflikt und Dringlichkeit noch verstärkt. Girodets vorbereitende Studie beweist nicht nur seine Fähigkeit, die menschliche Anatomie und Emotionen einzufangen, sondern gibt auch fesselnde Einblicke in seinen akribischen Prozess der Planung und Komposition seiner größeren Werke. Es ist bekannt, dass Girodet von Kostümstudien fasziniert war und für diesen Auftrag, für den ihm keinerlei dokumentarische Materialien zur Verfügung standen, zahlreiche Studien anfertigte, mehr als für jeden anderen Auftrag seiner Karriere. Dieses Bozzetto ist ein Beweis für Girodets Talent, erzählerische Intensität und physische Dynamik durch seinen meisterhaften Einsatz von Kohle und Kreide zu vermitteln. Die sorgfältig schraffierten Oberflächen der Gewänder sind vergleichbar mit dem vorstürmenden Husaren in einer anderen Studie zu demselben Gemälde (MET 2011.86). Bemerkenswert an dieser Studie sind jedoch die weißen Akzente, die Girodet verwendet, um der Darstellung Textur und Tiefe zu verleihen. Es wird von Zeitgenossen berichtet, dass er das Gemälde nachts im Schein von Lampen gemalt hatte. Die dramatischen Hell-Dunkel-Effekte äußern sich in Glanzlichtern, welche die Muskulatur der sich wehrenden Figur betonen und den Stoffen der Kleidung des Ohnmächtigen einen Hauch von Realismus und Extravaganz verleihen.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 77 - Giovanni Paolo Pannini Piacenza 1691 – 1765 Rom, zugeschrieben Josef wird von seinen Brüdern verkauft Öl auf Leinwand, doubliert 72,5 x 98 cm, mit Rahmen 97 x 112,5 Rückseitig bezeichnet Giovanni Paolo Pannini war ein berühmter italienischer Maler und Architekt der Barockzeit. Er wurde zunächst in seiner Heimatstadt ausgebildet, bevor er nach Rom zog, wo er großen Erfolg hatte und zu einer der führenden Persönlichkeiten der römischen Kunstszene wurde. Panninis Werke zeichneten sich durch ihre komplexen Details und die gekonnte Verwendung der Perspektive aus und brachten ihm weitreichende Anerkennung und das Mäzenatentum prominenter Persönlichkeiten seiner Zeit ein. Dieses Gemälde stellt eine Szene aus der biblischen Erzählung von Joseph dar, der von seinen Brüdern verkauft wird. Vor dem Hintergrund antiker Ruinen fängt das Gemälde den dramatischen Moment mit beeindruckendem Realismus und emotionaler Tiefe ein. Im Vordergrund steht ein kleiner Joseph vor einem Brunnen, dessen Gestalt von Verletzlichkeit und Unschuld geprägt ist und in starkem Kontrast zu den intriganten Gesichtern seiner Brüder steht, die links sitzen. Die sie umgebenden Ruinen in der Manier der architektonischen Fantasie eines Capriccios, darunter ein monumentaler Bogen mit Fragmenten eines Tempels und hoch aufragenden ionischen Säulen, vermitteln ein Gefühl für die Vergänglichkeit menschlicher Bestrebungen. Auf der rechten Seite des Gemäldes ist eine Gruppe von Personen zu Pferd und mit Kamelen zu sehen, die vermutlich Joseph kaufen wollen. Ihre Anwesenheit verleiht der Szene einen Aspekt von Dringlichkeit und drohendem Unheil, da das Schicksal des Jungen in der Schwebe hängt. In der Ferne erstreckt sich eine bergige Landschaft, die in ergreifender Weise an die Weite der Welt jenseits der Grenzen des Augenblicks erinnert. Die meisterhafte Komposition und seine akribische Liebe zum Detail erwecken die biblische Geschichte zum Leben und laden den Betrachter ein, über Themen wie Verrat, Erlösung und die Komplexität der menschlichen Natur nachzudenken. Durch die gekonnte Pinselführung und ein tiefes Verständnis von Licht und Raum schafft der Künstler ein zeitloses Meisterwerk, das auch Jahrhunderte nach seiner Entstehung das Publikum in seinen Bann zieht.

Schätzw. 4 000 - 8 000 EUR

Los 78 - Unbekannter Maler 18./19. Jahrhundert Piazza San Marco, Venedig Öl auf Leinwand, doubliert 60 x 80 cm, mit Rahmen 74 x 93,5 cm Zustand: Leinwand etwas eingedrückt Dieses Gemälde zeigt eine malerische Darstellung des Markusplatzes in Venedig, einem der bekanntesten und berühmtesten öffentlichen Plätze der Welt. Die Szene zeigt mehrere wichtige architektonische und kulturelle Wahrzeichen in einer idyllischen und romantischen Atmosphäre. Im Mittelpunkt des Bildes steht der Torre dell'Orologio (Uhrenturm), ein wesentlicher Bestandteil der venezianischen Skyline. Dieses Bauwerk aus der Renaissance wurde Ende des 15. Jahrhunderts errichtet und beherbergt eine bemerkenswerte astronomische Uhr. Der Turm ist mit vielen Details versehen, die seine historische Bedeutung und die akribische Handwerkskunst der damaligen Zeit widerspiegeln. Direkt neben dem Torre dell'Orologio befindet sich die majestätische Basilica di San Marco. Die Basilika ist bekannt für ihr opulentes Design, ihre atemberaubenden Mosaike und ihre byzantinische Architektur. Der Künstler fängt die Erhabenheit der Basilika ein und verleiht dem Gemälde einen Hauch von historischer Tiefe und kulturellem Reichtum. Im Vordergrund sind kleine Markthütten über den Platz verstreut, die auf eine rege Handelstätigkeit hinweisen, die die Pracht der umgebenden Architektur ergänzt. Diese Hütten fügen der Szene eine Ebene des alltäglichen Lebens hinzu, die im Kontrast zu den dauerhaften und monumentalen Strukturen steht. Die Piazza ist weiters mit verschiedenen Figuren bevölkert, die jeweils unterschiedlichen Tätigkeiten nachgehen und die Szene beleben. Unter ihnen befinden sich zwei Hunde, die gemächlich über den Platz streifen. Diese Figuren tragen zum Charme des Gemäldes bei. Die Farbpalette des Gemäldes wird von erdigen und beige-braunen Tönen dominiert, die ein Gefühl von Wärme und Nostalgie vermitteln. Besonders auffällig ist der Himmel mit seinen romantischen gelben Wolken vor einem hellblauen Hintergrund. Diese Farbwahl schafft eine idyllische Atmosphäre, die der Szene eine heitere und zeitlose Qualität verleiht. Dieses Gemälde des Markusplatzes fängt die Essenz des venezianischen Lebens und der Architektur wunderbar ein. Durch die sorgfältige Darstellung der Wahrzeichen, der lebhaften Figuren und der harmonischen Farbgebung vermittelt der Künstler sowohl die Pracht als auch die alltägliche Lebendigkeit Venedigs.

Schätzw. 2 000 - 4 000 EUR

Los 79 - Klassizistischer Künstler Blick auf Stockholm Um 1800/50 Öl auf Leinwand 157 x 158 cm, mit Rahmen 182 x 183 cm Betitelt „Stockholm“ unten links Dieses Gemälde zeigt eine Ansicht Stockholms mit Blick auf den Königspalast auf der Altstadtinsel (Gamla Stan) und fängt das Flair der schwedischen Hauptstadt in einer Zeit großer Veränderungen und Entwicklungen ein. Es hebt die architektonische Schönheit der mittelalterlichen Stadt hervor, die von den Gewässern des Mälarensees und der Ostsee umgeben ist. Die Szene zeigt das markante Wahrzeichen und architektonische Meisterwerk des königlichen Schlosses (Kungliga slottet), welches eines der bedeutendsten Barockbauten Skandinaviens darstellt, sowie die historischen Gebäude in den engen Kopfsteinpflasterstraßen von Gamla Stan zeigen. Weiters ist das geschäftige Treiben im Hafen zu sehen, mit Schiffen und Booten, die die Wasserstraßen befahren und die lebhafte Handels- und Seekultur der Stadt widerspiegeln. Diese Zeit war durch eine Mischung aus älteren mittelalterlichen Strukturen und neueren Gebäuden aus dem 19. Jahrhundert gekennzeichnet, die die Entwicklung Stockholms von einer historischen Hochburg zu einem sich modernisierenden urbanen Zentrum zeigen. Der klassizistische Künstler fängt das Wechselspiel von Licht und Schatten mit einem romantischen Himmel ein, um die ruhige und doch dynamische Atmosphäre der Stadt zu unterstreichen. Die Staffagefiguren im Vordergrund beleben die Szene zusätzlich. Insgesamt dient das Gemälde als historisches Dokument und liefert eine visuelle Erzählung der Stockholmer Stadtlandschaft und ihres Wandels im Laufe der Jahrhunderte.

Schätzw. 4 000 - 8 000 EUR

Los 80 - Klassizistischer Künstler Blick auf St. Petersburg Um 1800/50 Öl auf Leinwand 157 x 158 cm, mit Rahmen 182 x 183 cm Betitelt „St. Petersburg“ unten links Das Gemälde des 19. Jahrhunderts stellt eine Ansicht von Sankt Petersburg dar und fängt die Pracht und den architektonischen Glanz der kaiserlichen Hauptstadt Russlands ein. Die Szene zeigt prominente Wahrzeichen wie die Isaakskathedrale, den Ehernen Reiter und die Blagoweschtschenski-Brücke. Die Isaakskathedrale im Hintergrund dominiert mit ihrer massiven Kuppel die Skyline. Als eine der größten Kathedralen der Welt symbolisiert sie den architektonischen Ehrgeiz und die religiöse Bedeutung der Stadt. Der Künstler verewigte hier die komplizierte Fassade der Kathedrale, ihre klassizistischen Säulen und den umliegenden Platz mit seinem geschäftigen Treiben. Im Mittelgrund ist der Eherne Reiter auf dem Senatsplatz zu sehen, eine ikonische Statue des Zaren Peter des Großen, die majestätisch auf einem Sockel aus Granit steht. Das von Katharina der Großen in Auftrag gegebene Denkmal steht für die Macht und die Vision des russischen Reiches. Die dynamische Pose der Statue, mit Peter auf einem sich aufbäumenden Pferd, spiegelt den Geist des Fortschritts und der Aufklärung wider, den er nach Russland brachte. Die Blagoweschtschenski-Brücke oder Verkündigungsbrücke im Vordergrund, die erste dauerhafte Brücke über die Newa, soll die technischen Fähigkeiten der Stadt veranschaulichen. Die 1850 fertiggestellte gusseiserne Brücke verbindet die Wassiliewski-Insel mit dem Festland und ist ein Symbol für den technischen Fortschritt der damaligen Zeit. Das Gemälde spiegelt das pulsierende Leben im Sankt Petersburg des 19. Jahrhunderts wider, mit Kutschen, Fußgängern und Booten auf der Newa, was den Status der Stadt als wichtiges kulturelles und wirtschaftliches Zentrum zeigt. Der gekonnte Einsatz von Licht und Schatten vor einem romantischen Himmel hebt die Opulenz und Dynamik der Szene hervor und gibt einen Einblick in das tägliche Leben und die monumentale Architektur einer der großen europäischen Städte.

Schätzw. 4 000 - 8 000 EUR

Los 82 - Christoph Albert Dies Hannover 1755 – 1822 Wien Pastorale Landschaft Öl auf Leinwand, doubliert 130,5 x 168 cm, mit Rahmen 142 x 179 cm Signatur abgetragen & rückseitig aufgeklebt Rückseitig Etikett: „Auf Wunsch von Herrn Konsul Weiss wurde das sehr stark beschädigte Bild von A. C. Dies 1803 von 300 x 250 cm auf 163 x 167 cm beschnitten. Die Signatur befand sich früher am rechten unteren Bildrand des grossen Bildes und wurde nun hier auf die Rückseite des Keilrahmens transplantiert. 20. VI. 1962“ Albert Christoph Dies war ein deutscher Maler und Kupferstecher, der für seine pastoralen Landschaften und klassischen Kompositionen bekannt war. Geboren in Hannover, Deutschland, studierte Dies bei dem bekannten Künstler Jakob Philipp Hackert. Seine frühe Karriere war beeinflusst von seinen Reisen durch Italien, insbesondere Rom, geprägt, wo er sich mit den Traditionen der Landschaftsmalerei auseinandersetzte. Dies ließ sich schließlich in Wien nieder, wo er Mitglied der Akademie der bildenden Künste wurde. Er erlangte großes Ansehen für seine Landschaftsbilder, die oft heitere und idyllische Szenen darstellen. Diese waren von der Schönheit der Natur inspiriert, die er auf seinen Reisen kennengelernt hatte. Neben seiner Arbeit als Maler war Dies auch ein geschickter Kupferstecher, wobei dies seine Vielseitigkeit und künstlerische Tiefe zum Ausdruck bringt. Dieses Gemälde von Albert Christoph Dies zeigt eine idyllische Hirtenlandschaft, die seine Liebe zum Detail unter Beweis stellt. Im linken Vordergrund erhebt sich ein majestätischer Baum, dessen Äste sich ausbreiten und Schatten für die Hirtenfamilie darunter spendet. Dieser Baum führt den Betrachter in die Landschaft ein und vermittelt dadurch gleichzeitig ein Gefühl von Größe und Tiefe. Die Hirtenfamilie mit ihrer Herde abgebildet wirkt entspannt und verkörpert die harmonische Beziehung zwischen Menschen und Natur, ein Markenzeichen pastoraler Szenen. Der Hirte samt Hunden hütet die Herde, während sich die Mutter um ihre Kinder kümmert. Im Mittelgrund ragen die Dächer und der Kirchturm eines malerischen Dorfes aus der Landschaft hervor und fügen der ansonsten natürlichen Umgebung ein menschliches Element hinzu. Vor allem der Kirchturm dient als Brennpunkt, der den Blick des Betrachters auf das Herz des Dorfes lenkt und ein Gefühl der Gemeinschaft vermittelt. Hinter dem Dorf spiegelt sich der Himmel in einem See, dessen ruhiges Wasser sich bis zum Horizont zu erstrecken scheint. Der Hintergrund wird von majestätischen Bergen beherrscht, deren Gipfel in den Himmel ragen und der Szene einen Hauch von Erhabenheit verleihen. Das Wechselspiel von Licht und Schatten auf den Bergen erzeugt einen dynamischen Kontrast, der die Gesamtkomposition aufwertet. Dies Einsatz von Farbe und Licht in diesem Gemälde ist besonders bemerkenswert. Die erdigen, warmen Farbtöne erwecken ein Gefühl von Frieden und Zeitlosigkeit, während die sorgfältige Ausarbeitung der natürlichen Elemente, von der Textur der Baumrinde bis zu schneebedeckten Berggipfeln, seine technischen Fähigkeiten und seine Beobachtungsgabe unter Beweis stellt.

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