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259 Ergebnisse

Di 21 Mai

TORSO EINES BODHISATTVA AUS GANDHARANISCHEM GRAUEM SCHIEFER 2./3. JAHRHUNDERT N. CHR. In Kontraposthaltung stehend geschnitzt, die nackte Brust über geschwungenen Gewändern, die um die Taille und über den Rücken drapiert sind, der muskulöse Torso und der Oberarm sind mit Halsketten, einer Amulettkette und einem Armreif geschmückt, montiert auf einem Metallständer, 49,5 cm. (2) Provenienz: aus der Sammlung des verstorbenen AJ Lippitt (1928-2019), Hampshire; erworben von Simon Ray Ltd. am 27. Mai 2004 (eine Kopie der Rechnung liegt vor); zuvor seit den 1980er Jahren in britischer Privatsammlung. Die Kombination aus naturalistischer Modellierung und stilisiertem Schmuck, die das hier angebotene Stück aufweist, ist typisch für die Gandharan-Skulptur. Der athletische Torso mit seiner fein ausgearbeiteten Muskulatur stammt aus der hellenistischen Kunst, die mit der Invasion Alexanders des Großen im Jahr 327 v. Chr. ins heutige Pakistan und Afghanistan kam. Die Anordnung des Gewandes mit dem diagonalen Schwung über die Hüfte und den lockeren Säumen über dem linken Knie ist eine Anlehnung an die Darstellung von Bodhisattvas in der buddhistischen Gandharan-Skulptur des 3. Jahrhunderts nach Christus. Ein weiteres typisches Merkmal ist die Kette von Amuletten über der Brust, wie sie auch auf der Büste des Bodhisattva Shakyamuni im Metropolitan Museum of Art, Akzessionsnummer 1987.218.10. Insbesondere die vielen Halsketten und die Anordnung der Draperie in dem hier angebotenen Stück sind typisch für Darstellungen des Bodhisattva Maitreya - verglichen mit dem Beispiel, das sich heute im Metropolitan Museum of Art, New York, befindet (Zugangsnummer 13.96.17). Im 3. Jahrhundert n. Chr. hatte die zunehmende Popularität der Mahayana-Verehrung in der Gandhara-Region die Verehrung von Statuen buddhistischer Gottheiten stärker in den Vordergrund gerückt, und die künstlerische Produktion hatte sich von den früheren erzählenden Tafeln entfernt und auf freistehende Statuen dieser Art konzentriert. 二/三世紀 犍陀羅 片岩菩薩像 來源：英國漢普郡AJ Lippitt（1928-2019）收藏，2004年5月27日購於Simon Ray Ltd.， 1980年代為英國私人收藏。

Schätzw. 8 000 - 12 000 GBP

Di 21 Mai

BÜSTE EINER STATUE EINES GROSSEN GOUVERNEURS VON SAIS AUS GRAUWACKE Ägyptische Kunst, Sais, Spätantike, zweite Hälfte der XXVI. Dynastie Fragmentarische Statue, die zu einem Großgouverneur von Sais gehörte, dessen Name in der Lücke verschwunden ist, dargestellt als Büste mit nacktem Oberkörper und glatter Perücke, die sich an eine Säule lehnt, die mit drei Säulen mit hieroglyphischen Inschriften graviert ist. Sehr schön poliert. Sichtbare Fehlstellen. Höhe. : 31 cm (max.) Provenienz : Stammt wahrscheinlich aus dem Tempel der Neith in Sais; Ehemalige Sammlung Commander Sir John Francis Whitaker Maitland (1903-1977); Sein Verkauf, Sotheby's, London, 30. April 1935, beschrieben in Los Nr. 24 mit der Reproduktion von Tafel III in Los Nr. 22; Von Sir Alan Gardiner anlässlich dieser Auktion für die Archive hinterlegt; Sammlung von Dr. F., Schweiz, seit den 1960er Jahren 1960; Dann durch Erbschaft an den aktuellen Besitzer, Sammlung Pariser Privatperson An Egyptian graywacke bust of a governor, Sais, Late Period, second half of the 26th Dynasty Provenance : Wahrscheinlich aus dem Tempel der Neith in Sais; Former Collection of Commander Sir John Francis Whitaker Maitland (1903-1977); Sammlungsverkauf, Sotheby's, London, 30. April 1935, beschrieben als Los Nr. 24 mit Reproduktion auf Platte II von Los Nr. 22; Von Sir Alan Gardiner anlässlich dieses Verkaufs hinterlegt; Sammlung von Dr. F., Schweiz, seit den 1960er Jahren; Dann durch Vererbung an den jetzigen Besitzer, private Pariser Sammlung Die Figur, die eine Beutelperücke trägt, war wohl mit einem einfachen Lendenschurz bekleidet. Was von den Inschriften auf der Rückenstütze übrig geblieben ist, besteht aus Auszügen eines Appel aux passants (Aufruf an die Passanten). Der Mann erklärt darin seine Treue gegenüber der Schutzpatronin von Sais, Neith, und erinnert daran, dass "jeder, der von seinem Weg abweicht, dem Untergang geweiht ist". Das Objekt befand sich im Besitz von Sir John Francis Whitaker Maitland (1903-1977) und wurde am 30. April 1935 bei Sotheby's in London versteigert. Es wurde als Los 24 in den Katalog aufgenommen, wobei die Beschreibung von einem Foto begleitet wurde, das auf Seite III abgebildet ist und bei dem es sich in Wirklichkeit um das Foto von Los 22 handelt. Bei dieser Gelegenheit wurde ein Teil seiner Inschriften von Sir Alan Gardiner (1879-1963), einem berühmten englischen Ägyptologen, kopiert, was seine Präsenz in dieser Auktion bestätigt (Gardiner, Notebook 126, S. 12).

Schätzw. 25 000 - 35 000 EUR

Di 21 Mai

OUSHEBTI IM NAMEN VON NEFERIBRE-SANEITH Ägyptische Kunst, Spätantike, XXVI. Dynastie, Regierungszeit von Amasis, ca. 570-526 v. Chr. Steingutstatuette mit dreiteiliger Perücke, die auf einer viereckigen Basis steht, die Arme verschränkt und die beiden Ackergeräte hält. Neun Bänder mit hieroglyphischen Inschriften, die vor dem Kapitel VI des Totenbuchs und geben den Namen des Verstorbenen an: Nefer-ib-re-sa-neith, Sohn der Dame Chem-(en)-bastet. Höhe. : 18,5 cm Verwandte Literatur : J.F. und L. Aubert, Statuettes Égyptiennes, Paris, 1974, S.229-230 J.L. Chappaz, Les figurines funéraires égyptiennes du Musée d'Art et d'Histoire et de quelques collections privées, Genf, 1984, Nr. 139 Provenienzen: Saqqarah, südlich der Pyramide des Userkaf, Grab des Neferibesaneith, entdeckt 1929 Verteilung durch den Antiquitätendienst, vor 1970 Ehemalige Privatsammlung, Île-de-France Französische Privatsammlung, erworben 2023 An Egyptian faience shabti for Neferibre-Saneith, Late Period, 26th Dynasty, reign of Amasis, circa 570-526 B.C. Dynastie gehört unsere zarte und elegante Statuette zu den 336 Grabdienern, die 1929 von dem englischen Ägyptologen Cecil Mallaby Firth im Grab des hochrangigen saitischen Hofbeamten Neferibresaneith aus Chepenbastet gefunden wurden (siehe E. Drioton and J.P. Lauer, "Les tombes jumelées de Neferibrê-Sa-Neith et Ouahibrê-Men",Annales du Service des Antiquités de l'Égypte, Bd. 51, 1951, S. 469-490). Unser hochrangiger Beamter wurde unter Psammetich II. geboren und trägt einen basilophoren Namen, der auf diesen Herrscher verweist. Den Höhepunkt seiner Karriere erreichte er jedoch unter der Herrschaft von Amasis, Mitte des 6. In Saqqarah, südlich der Pyramide von Userkaf, fand er seine letzte Ruhestätte, wo ihn seine Grabdiener begleiteten, von denen die meisten auf dem Deckel des Sarkophags versammelt waren. "Ein Großteil dieser 17 bis 18 cm großen Figuren, die von der Antikenbehörde verstreut wurden, gelangte in öffentliche Sammlungen: Budapest, Florenz, London, Stockholm... oder in Privatbesitz" (Aubert, S.230). Die Verteilung dieser Grabfiguren, die von privaten Sammlern und öffentlichen Institutionen wegen ihrer Raffinesse geschätzt wurden, endete 1970, da das Grab bereits 1940 größtenteils geräumt worden war. Heute faszinieren diese Uschebtis weiterhin Sammler auf der ganzen Welt und mehrere Exemplare sind in Museumssammlungen zu sehen, insbesondere im J. Paul Getty Museum, das 2016 einen dieser Diener erwarb (2016.2), im Metropolitan Museum in New York (58.4.2) oder im Museum der Kulturen der Welt in Stockholm (MME 1974:156).

Schätzw. 15 000 - 25 000 EUR

Di 21 Mai

FRAGMENTARISCHES STUCKIERTES UND BEMALTES RELIEF Ägyptische Kunst, Neues Reich, späte 18. - frühe 19. Dynastie, um 1300 v. Chr. Stuckiertes Sandsteinrelief, in leichtem Relief graviert mit einer Prozession von vier männlichen Personen während einer Beerdigungsszene. Angeführt wird die Prozession von zwei Wesiren aus Ober- und Unterägypten mit kahlgeschorenen Köpfen und einem langen, hoch über dem Oberkörper getragenen Wesirgewand. Sie halten ihre rechten Hände zum Zeichen der Trauer an den Mund. Ihnen folgt eine reich gekleidete Person, die die gleiche Haltung einnimmt und eine schwarze Perücke trägt. Zwei weitere Figuren vervollständigen den Umzug. Fehlstellen und Abnutzungen. Länge: 27 cm Provenienz : Comte Henri de Murard de Saint-Romain (1842-1911), Mâcon, erworben in Theben Schenkung an die Akademie von Mâcon, 1910 Sotheby's, New York, 4. Juni 2009: Nr. 94 (Abb.) Galerie Chenel, Paris Sammlung eines Liebhabers aus Marseille, erworben 2012 Bibliografie : Armand Duréault, "Une peinture funéraire égyptienne sur stuc" (Ein ägyptisches Grabgemälde auf Stuck), Annales de l'Académie de Mâcon, Troisième série, T. XVI, 1911, S. 303-304, Pl. VI An Egyptian fragmentary sandstone relief, New Kingdom, late 18th-early 19th Dynasty, circa 1300 B.C. Bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1911 in den Annalesde l'Académie de Mâcon war das Relief in einem etwas besseren Erhaltungszustand und bot noch die Möglichkeit, den Titel eines der Protagonisten teilweise zu entziffern: "Der wahre königliche Schreiber, der sie liebt".

Schätzw. 15 000 - 25 000 EUR

Mi 22 Mai

RONSARD (Pierre de). - Die Werke (Les Œuvres). Reveuës, corrigées & augmentées par l'Autheur peu avant son trespas. Paris, Gabriel Buon, 1587. 10 Bände gebunden in 5 Bänden in 12, schwarzes Maroquin, mit goldgeprägtem Netz eingerahmte und mit einem Renaissance-Mosaikdekor aus fauvem Maroquin verzierte Deckel, goldgeprägte Zahl in der Mitte, Rückenverzierung mit wiederholter Zahl, Futter aus fauvem Maroquin, Vorsätze aus schokoladenbraunem Moiré, Etuis (Honegger). Erste posthume Ausgabe und siebte Sammelausgabe der Werke von Ronsard, die vom Dichter vollständig auf der Grundlage der Folio-Ausgabe von 1584 vorbereitet wurde. Sie ist äußerst selten und von großer Bedeutung, da sie die letzten Korrektur- und Ordnungswünsche des Dichterfürsten widerspiegelt (J. P. Barbier-Mueller). Kaum hatte Ronsard das Grand Œuvre von 1584 fertiggestellt, machte er sich daran, es für eine neue Sammlung zu korrigieren. Der Tod verhinderte, dass er die Veröffentlichung dieser Novelle miterleben konnte. Sie wurde von seinen beiden Testamentsvollstreckern, Claude Binet, einem Magistratsdichter, der Ronsards Vertrauen in den letzten Jahren seines Lebens gewonnen hatte [...], und Jean Galland, dem Rektor des Collège de Boncourt, dem Freund und Vertrauten im Alter, herausgegeben. Claude Binet selbst zufolge hätte Ronsard ihm nach seinem Tod seine Werke "von seiner letzten Hand korrigiert, um im Druck Ordnung zu halten" hinterlassen. Er habe seinen literarischen Vollstreckern auch die Manuskripte der neuen Stücke, die er in dieser letzten Ausgabe sehen wollte, sowie genaue Angaben zur Anordnung der Ausgabe übergeben (Ronsard, la trompette et la lyre, Nr. 270). Hübscher Einband mit einem Mosaikdekor im Geschmack der Renaissance und der Chiffre des Sammlers. Aus der Bibliothek des Akademikers Ferdinand Brunetière (1849-1906). Der erste Band weist alte handschriftliche Notizen an den Rändern auf, teilweise in griechischer Sprache; der letzte Band ist reguliert. Einige Wasserflecken und Stockflecken, sehr viele im vierten Band. Minimaler restaurierter Riss an der Ecke von 4 Blättern des Heftes G im zweiten Band. J. P. Barbier-Mueller, II-2, Nr. 34. - Diane Barbier-Mueller, Inventar..., Nr. 768.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Mo 27 Mai

Émile Désiré PHILIPPE (Paris 1834-1880) Wunderschönes und seltenes Schmuckset aus Vermeil, 800er Silber und 750er Gold mit polychromen Cloisonné-Emails, bestehend aus einem gegliederten Armreif mit einer Sphinx, die von einem Türkis-Cabochon mit Sphingen unterbrochen wird, einem goldenen Klickverschluss, einer gegliederten Halskette mit Skarabäen aus Lapislazuli, die Chepri, den Gott der aufgehenden Sonne, darstellen, der die Wiedergeburt symbolisiert, Die Brosche ist identisch und kann als Anhänger getragen werden. Sie stellt Isis mit einer Sonnenscheibe dar und ist mit drei Türkisen und einem Granat verziert. Ein Paar Ohrringe stilisieren fliegende Geier und stellen die Göttin Nekhbet dar, das Symbol für den Schutz der Pharaonen. Signiert und Meisterpunzen für das Armband und die Brosche. Meisterstempel für die Ohrringe. Rückseiten aller Elemente dieses Schmucks fein ziseliert. Um 1870. Bruttogewicht des Armbands: 82.60 g. Innenmaße: 5.7 x 5 cm. Bruttogewicht der Halskette: 79.10 g. Länge: 45 cm. Bruttogewicht der Brosche: 24 g. Größe: 6.5 x 3.6 cm (kleine Veränderung) 1873 stellte Émile Philippe, ein Schüler von ]ules Wièse père, seinen ersten ägyptischen Schmuck her. Der italienische Juwelier Carlo Giuliano entwarf in London eine bedeutende Brosche mit zwei Pferdeköpfen, einer Lotusblüte und einer Maske. Während Castellani und Fontenay sich bei ihren Versuchen mit Schmuck im etruskischen Stil auf strenge und analytische Beobachtungen stützten, begnügten sich die Handwerker des ägyptischen Stils mit einem Repertoire, das keine archäologische Treue aufwies und dessen suggestiver Geist mit dem Exotismus des pharaonischen Ägyptens in Verbindung gebracht wurde. Die alte ägyptische Technik des Cloisonné-Emails wurde beispielsweise in der Antike kaum verwendet, da die Farbkontraste durch Stein- oder Glaseinlagen erzielt wurden. Dennoch wurde Cloisonné-Email im 19. Jahrhundert großzügig auf sogenannten "ägyptischen" Schmuck aufgetragen, der jedoch den Stil von Napoleon III. beibehielt. In seiner populärsten Form wurden Souvenirs mit Sphinx-, Lotusblüten- oder Skarabäusmotiven aus graviertem Gold sowie Türkis, Granat in Cabochonform und Lapislazuli vertrieben. Ursprünglich unterschied sich die ägyptische Sammlung von Louis-François Cartier, dem Gründer des Hauses, kaum von denen seiner Konkurrenten. In Cartiers Inventarverzeichnis von 1852 ist ein Skarabäus-Armband aus Perlen und Emaille verzeichnet, gefolgt von einer Skarabäus-Brosche im Jahr 1854 und einem Skarabäus-Ring im Jahr 1860. Text aus dem Blog von Herrn Jean-Jacques RICHARD

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Mo 27 Mai

Italienische Schule des XVII. bis XVIII. Jahrhunderts, die sich an Vorbildern aus der klassischen Antike orientiert. "Dionysos mit Tier". Marmor. Maße: 125 x 48 x 48 cm. Wir stehen vor einer Skulptur, die ihre Wurzeln in der klassischen Bildhauerei hat, genauer gesagt in dem Modell "Dionysos mit Panther" aus der Zeit des Kaisers Hadrian. Die Skulptur, von der das Museo del Prado eine Kopie besitzt, vereint Stilelemente der frühen Klassik (490-470 v. Chr.) mit anderen aus dem späten vierten Jahrhundert v. Chr.. Jahrhundert v. Chr. Wie bei der Skulptur in der spanischen Galerie fehlen bei unserer Skulptur der Thyrsus, der in der linken Hand als Speer gehalten wird, der Kopf mit dem langen, nach hinten gezogenen und mit Efeu gekrönten Haar und der Weinkrug, den Dionysos in der rechten Hand hält. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei: das Porträt und das historische Relief, die es in der griechischen Welt nicht gab. Allerdings orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer bildhauerischen Produktion an griechischen Vorbildern, eine Grundlage, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert wurde. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Kurz darauf, im Jahr 133 v. Chr., erbte das Imperium das Königreich Pergamon, in dem es eine ursprüngliche und blühende Schule hellenistischer Bildhauerei gab. Der riesige Pergamonaltar, der "Gallus, der Selbstmord begeht" oder die dramatische Gruppe "Laokoon und seine Söhne" sind drei der wichtigsten Werke dieser hellenistischen Schule. Nach der Eroberung Griechenlands im Jahr 146 v. Chr. ließen sich die meisten griechischen Künstler in Rom nieder, und viele von ihnen widmeten sich der Anfertigung von Kopien griechischer Skulpturen, die damals in der Hauptstadt des Reiches sehr in Mode waren. So entstanden zahlreiche Kopien von Praxiteles, Lysippus und klassischen Werken aus dem 5. Jahrhundert v. Chr., aus denen die neoasiatische Schule Roms hervorging, die erste neoklassische Bewegung der Kunstgeschichte. Zwischen dem Ende des 2. Jahrhunderts v. Chr. und dem Beginn des 1. Jahrhunderts v. Chr. kam es jedoch zu einer Veränderung dieser puristischen griechischen Tendenz, die in der Schaffung einer nationalen Bildhauerschule in Rom gipfelte, aus der Werke wie der Aenobarbus-Altar hervorgingen, der bereits ein typisch römisches Erzählkonzept einführte, das zu einer Chronik des täglichen Lebens und gleichzeitig des Erfolgs des politischen Modells werden sollte. Diese Schule wird der Vorläufer der großen kaiserlichen Kunst des Augustus sein, in dessen Amtszeit Rom zur einflussreichsten Stadt des Reiches und auch zum neuen Zentrum der hellenistischen Kultur wurde, wie es zuvor Pergamon und Alexandria gewesen waren, die eine große Zahl griechischer Künstler und Handwerker anzogen. In der augusteischen Ära trug Rom zur Kontinuität und Erneuerung einer Tradition bei, die bereits ein jahrhundertealtes Prestige besaß und den Charakter der gesamten Kunst in der Region bestimmt hatte.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Mo 27 Mai

Italienische Schule, möglicherweise aus dem 19. Jahrhundert. "Weiblicher Kopf". Marmor. Maße: 43 x 17 x 22 cm. Diese Kopfskulptur ist von der klassischen Bildhauerei inspiriert und stellt wahrscheinlich Aphrodite dar. Die junge Dame hat ein heiteres Gesicht mit mandelförmigen Augen mit ausdrucksvollem Blick und leicht geschürzten Lippen. Die Frisur mit Locken und Mittelscheitel deutet darauf hin, dass sie sich an römischen Vorbildern orientiert, einer Kultur, die durch die Beherrschung des Porträts als Ausdruck von Wahrhaftigkeit und Status großen Ruhm erlangte. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei: das Porträt und das historische Relief, die es in der griechischen Welt nicht gab. Dennoch orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer bildhauerischen Produktion an den griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert wurden. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Kurz darauf, im Jahr 133 v. Chr., erbte das Imperium das Königreich Pergamon, in dem es eine ursprüngliche und blühende Schule hellenistischer Bildhauerei gab. Der riesige Pergamonaltar, der "Gallus, der Selbstmord begeht" oder die dramatische Gruppe "Laokoon und seine Söhne" sind drei der wichtigsten Werke dieser hellenistischen Schule. Nach der Eroberung Griechenlands im Jahr 146 v. Chr. ließen sich die meisten griechischen Künstler in Rom nieder, und viele von ihnen widmeten sich der Anfertigung von Kopien griechischer Skulpturen, was damals in der Hauptstadt des Reiches sehr in Mode war.

Schätzw. 1 200 - 1 300 EUR

Mo 27 Mai

Skulpturensemble der Liebe und der Psyche. Rom, 1.-2. Jahrhundert n. Chr. Marmor. Provenienz: Ehemalige Privatsammlung, Poitiers, Frankreich. Die Torsi und die unteren Teile der Figuren sind in gutem Zustand und ohne Restaurierungen erhalten. Sie haben die Köpfe und einen Teil der Unterarme verloren. Maße: 73 cm (Höhe). Bedeutende Skulpturengruppe aus der römischen Zeit mit dem Thema der Liebe zwischen Eros und Psyche. Nach dem aus Griechenland übernommenen klassischen Kanon haben die beiden Körper gedrehte und biegsame Oberschenkel. Es sind jugendliche, fast kindliche Körper mit kurzen, abgerundeten Gliedmaßen. Wahrscheinlich sind ihre Gesichter in einem Kuss verschmolzen. Ihre Haltung vermittelt große Komplizenschaft auf eine offene und unschuldige Weise. Eros bringt sein linkes Knie subtil nach vorne und sein Körper beugt sich in einer Praxitelischen Kurve. Psyche verbindet ihren Körper mit dem ihres Geliebten, mit einer zarten Geste, aber ohne Trägheit. Die Draperie und die Füße zeugen von großer technischer Meisterschaft. Die Geschichte von Eros und Psyche wurde von Apuleius in seiner Metamorphose (Der goldene Esel) erzählt: Psyche war die jüngste und schönste von drei Schwestern, Töchter eines Königs von Anatolien. Aphrodite, die auf ihre Schönheit eifersüchtig war, schickte ihren Sohn Amor, um sie mit einem Pfeil zu beschießen, der sie dazu bringen sollte, sich in den schrecklichsten Mann zu verlieben, den sie finden konnte. Amor verliebte sich jedoch in sie und warf den Pfeil ins Meer; als Psyche einschlief, flog er mit ihr in seinen Palast. Der Mythos von Psyche, der stark von den mystischen Religionen beeinflusst ist, symbolisiert die Überwindung von Prüfungen und Leiden der menschlichen Seele, um Unsterblichkeit zu erlangen. In der klassischen Mythologie verliebte sich Amor in die schöne junge Frau und heiratete sie, wobei er ihre Identität geheim hielt. Auf Anraten ihrer Schwestern versuchte sie, das Geheimnis zu lüften, und erweckte den Gott, der daraufhin floh. Verliebt suchte sie ihn, und nachdem sie eine Reihe von Prüfungen bestanden hatte, die von der Mutter des Liebesgottes, Venus, auferlegt worden waren, wurde sie mit ihm wieder vereint.

Schätzw. 40 000 - 45 000 EUR

Mo 27 Mai

Das Zeichen des Priesters Padiamonnebgutauy für seinen Vater Minnusensebeur. Altes Ägypten, Untere Epoche, 664 - 332 v. Chr. Bronze. Provenienz: - Privatsammlung, Annie Trotter, London. - Privatsammlung, Ingrid McAlpine (1939 - 2018), London und Epsom, erworben von der oben Genannten am 22. Oktober 1993. - Kunstmarkt, England, 2019. - Lady Meux (1847-1910). - Sotheby's, 5. Juli 2022, Los 146. Guter Zustand, ausgezeichnete Patina der Bronze, behält die ursprüngliche Griff. Präsentiert einen Schlag und Mangel auf der rechten Seite des stipule. Beigefügt ist eine Studie über die Antike des Stückes durch den Ägyptologen und Architekten Fernando Estrada Laza ausgestellt. Autor von "Los Obreros de la Muerte" und "Entender y Amar el Arte Egipcio". Beraterin des Architektenteams Lamela für das Projekt des künftigen Großen Ägyptischen Museums in Kairo (GEM). Beraterin des Architektenteams von Arata Isozaki (Tokio) für die Organisation und Auswahl von Ausstellungsstücken für das neue Nationalmuseum für Ägyptische Zivilisation (NMEC) und das Große Ägyptische Museum in Kairo (GEM). Maße: 15 cm (Höhe) und 25 cm (Höhe mit erhobenem Griff); 31 cm (Höhe mit Sockel). Die ausgeschriebene Situla zeigt vierzehn vertikale Schriftregister zwischen zwei Figuren, die an den Enden des Textes eingraviert sind, eingerahmt von einem Rechteck, das durch eine dünne Ritzlinie gezeichnet ist. Ein mit einer Tunika bekleideter Priester ist die einzige Figur in dieser Szene. Sowohl das Tierfell, das ihn bedeckt, als auch sein kahlgeschorener Kopf weisen darauf hin, dass es sich bei ihm um einen Bestattungspriester der Gruppen wab, pure und sem handelt, prestigeträchtige Grade des Klerus, deren Akolythen die posthumen Bestattungsriten für die Toten praktizieren, vor allem die "Öffnung des Mundes". Während er mit der rechten Hand Wasser (Libation) mit Hilfe eines Glases in ein Gefäß gießt, räuchert er mit der anderen Hand ein hölzernes Weihrauchgefäß, dessen vordere Spitze ein kleiner, innen mit Bronze ausgekleideter Behälter ist, in dem die Weihrauchkörner verbrannt werden. Die Körner werden in einem zylindrischen Zwischenraum aufbewahrt, und der hintere Teil endet mit dem Motiv eines Falkenkopfes, wahrscheinlich des Gottes Horus. Die vier Register der Schrift auf seinem Kopf, werden übersetzt: "Von seinem Bruder gemacht, um seinen Namen zu leben. Der Direktor, der Sohn des Gottes". Nach dem Priester, sein Eigenname: Padiamónnebgutauy. Ein Name, der übersetzt werden kann mit: "Derjenige, der Amun, dem Herrn der Kronen der beiden Länder, (ein Opfer) bringt". Dem Schema der vertikalen Register folgend, folgt der Text: "Bringt diesem Osiris, der dem Westen vorsteht, ein Trankopfer aus frischem Wasser dar. Bringt diesem Osiris ein Trankopfer aus frischem Wasser dar. Der Priester des Amun in Ipet Setu (der Harem des Südens des Amun), der Schreiber des Tempels, der das Amt seines Halbmonats in diesem Tempel ausübt, er, der an der Spitze der Versammlung der Priester dieses liturgischen Amtes des Halbmonats in der Bruderschaft von Ipet Setu steht, Desefmer, Sohn des Priesters von Amon im Tempel von Ipet Setu, der Schreiber, der das Siegel von Amon im Tempel trägt, das Oberhaupt der priesterlichen Gemeinde für das Amt seines halben Monats im Tempel, derjenige, der im Wissen (den Geheimnissen?) des Tempels ist, derjenige, der an der Spitze der Bruderschaft der reinen Priester von Ammonet (Götterwand von Amon) steht, ist die Version dieses Gottes in Karnak. Später wird es Mut die erste Frau des Gottes), Direktor im Herzen des Ipet Setu, der an der Spitze der Versammlung der Priester von Amonet (Göttin Wand von Amon, es ist die Version dieses Gottes in Karnak. Bringen Sie diesem Osiris ein Trankopfer aus frischem Wasser dar. Der Priester von Amun in Ipet Setu (der Harem des Südens von Amun), der Schreiber des Tempels, um das Amt seines Halbmonats in diesem Tempel zu erfüllen, er, der an der Spitze der Versammlung von Priestern dieses liturgischen Amtes des Halbmonats in der Bruderschaft von Ipet Setu ist, Desefmer, Sohn des Priesters von Amon im Tempel von Ipet Setu, der Schreiber, der das Siegel von Amon im Tempel trägt, das Oberhaupt der priesterlichen Gemeinde für das Amt seines halben Monats im Tempel, derjenige, der im Wissen (den Geheimnissen?) des Tempels ist, derjenige, der an der Spitze der Bruderschaft der reinen Priester von Ammonet (Götterwand von Amon) steht, ist die Version dieses Gottes in Karnak. Später wird es Mut die erste Frau des Gottes sein), Direktor im Herzen des Ipet Setu, derjenige, der an der Spitze der Versammlung der reinen Priester des Amon steht, der Direktor der Bruderschaft der reinen Priester. Dies ist derjenige, der in der Priesterkongregation wichtig ist: Padiamonnebgutauy, Sohn von Minnusensebeur, schön von Stimme. Geboren von der Sängerin des Amon Ra, Dity. Dein Sohn erscheint, Horus erscheint. Du bringst Frische in dein Herz und du legst die Zwei Länder (Ägypten) unter deine Pflanzen (?) für dich, um ohne Gefahr (oder ohne Risiko) für dein Herz in den Einbalsamierungsraum gerufen zu werden, außerdem erscheint dein Name...". Desefmer, ist der Sohn von Padiamónnebgutauy, der wiederum der Sohn des verstorbenen Minnusensebeur ist. In der unteren Epoche wurden sehr lange Eigennamen über

Schätzw. 35 000 - 40 000 EUR

Mo 27 Mai

Weibliche Gottheit vom Typ Isis. Kanaanitische Kultur. 2. Jahrhundert v. Chr. Bronze. Provenienz: Alte französische Privatsammlung von Herrn S. D. Erworben in den 1990er Jahren. Erhaltungszustand: Guter Zustand, ohne Restaurierungsarbeiten. Maße: 14,8 x 4 x 7,3 cm (Skulptur); 25 x 7 x 10 x 10 cm (Sockel). Bronzeskulptur, die eine sitzende weibliche Gottheit darstellt. Es könnte sich um Astarte handeln, die Göttin der Liebe und der Fruchtbarkeit, die je nach mesopotamischer, babylonischer oder kanaanäischer Herkunft verschiedene Ikonographien kannte, wie in diesem Fall. Sie zeigt in diesem Fall nicht den Vogelkopf, der die syro-palästinensischen Modelle charakterisiert. Ihr schlanker Körper folgt Mustern, die der ägyptischen Bildhauerei nahe stehen, und auch der Kopfschmuck zeugt von diesem Einfluss. Diese stilistische Ansteckung schlägt sich auch in einem gewissen symbolischen Synkretismus nieder, so dass die Göttin in ihren Attributen der Isis ähnelt. Beide sind Muttergöttinnen der Liebe und der Sexualität, Beschützerinnen von Heim und Familie. Die Göttin Astarte wird mit Liebe, Schönheit, Sex, Begehren, Fruchtbarkeit, Krieg, Gerechtigkeit und politischer Macht in Verbindung gebracht. Sie wurde ursprünglich in Sumer verehrt und später von den Akkadiern, Babyloniern und Assyrern unter dem Namen Ishtar verehrt. Sie war als "Königin des Himmels" bekannt und war die Schutzgöttin des Tempels von Eanna in der Stadt Uruk, der ihr Hauptzentrum der Verehrung war. Sie wurde mit dem Planeten Venus in Verbindung gebracht und zu ihren bekanntesten Symbolen gehörten der Löwe und der achtzackige Stern.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Mo 27 Mai

Glockenkrater. Griechenland, 4.-3. Jahrhundert v. Chr. Rotfigurige Töpferware. Angehängte Thermolumineszenz. Mit Ausfuhrgenehmigung. Maße: 33 x 35,5 cm. Keramisches Gefäß mit rundem Fuß, glockenförmiger Korpus mit zwei Henkeln, die sich fast unter einem ausgeprägten Rand an der Oberseite verbergen, der sich auch nach außen hin öffnet. Die Außenseite des Gefäßes ist mit weiblichen und männlichen Figuren beim Werben und Palmetten verziert. Der Krater war ein Gefäß mit großem Fassungsvermögen, das eine Mischung aus Wasser und Wein enthalten sollte. Er wurde zum Ort der Mahlzeit getragen und dort auf dem Boden oder auf einem Podest abgestellt. Der Mundschenk verabreichte das Getränk mit einem Löffel oder einer Kanne und füllte dann die Becher der Gäste. Der von der Form her als "glockenförmig" bezeichnete Typ mit kleinen horizontalen, nach oben gerichteten Henkeln und einem Gefäß in Form einer umgekehrten Glocke ist ein Typ aus späterer Zeit. Der Kelchkrater ist ein modernerer Typ als der säulenförmige und der rollenförmige Typ, wenn auch früher als der glockenförmige Krater, und seine Form, mit einem fast umgekehrten Trapezprofil, erinnert an den Blütenkelch. Die rotfigurige Keramik war einer der wichtigsten figurativen Stile der griechischen Töpferkunst. Sie wurde um 530 v. Chr. in Athen entwickelt und bis ins 3. Jahrhundert v. Chr. verwendet. Sie löste die bis dahin vorherrschende schwarzfigurige Keramik innerhalb weniger Jahrzehnte ab. Die technische Grundlage war in beiden Fällen die gleiche, aber bei den roten Figuren wurde die Farbgebung umgekehrt, indem die Figuren vor einem dunklen Hintergrund hervorgehoben wurden, als ob sie von einem Theaterlicht beleuchtet würden, was einem natürlicheren Schema folgte. Die Maler, die mit schwarzen Figuren arbeiteten, waren gezwungen, die Motive gut voneinander getrennt zu halten und die Komplexität der Illustration zu begrenzen. Im Gegensatz dazu erlaubte die Technik der roten Figuren eine größere Freiheit. Jede Figur wurde vor einem schwarzen Hintergrund silhouettiert, was den Malern erlaubte, anatomische Details mit größerer Genauigkeit und Vielfalt darzustellen. Bei dieser Technik wurden die Motive mit einem transparenten Lack auf das noch feuchte Stück gemalt, der nach dem Brennen einen intensiven schwarzen Farbton erhielt. Die Motive waren also vor dem Brennen unsichtbar, was bedeutete, dass die Maler ganz aus dem Gedächtnis heraus arbeiten mussten, ohne dass sie ihre vorherige Arbeit sehen konnten. Nach dem Brennen blieben die nicht glasierten Bereiche in der rötlichen Farbe des Tons, während die glasierten Bereiche, die "bemalten", eine dichte und glänzende schwarze Farbe annahmen.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR
Sicherheit
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