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Mi 05 Jun

CHINE DYNASTIE MING, XVIe SIÈCLE - = Seltene Statue von Shakyamuni aus vergoldeter Bronze. Der Buddha sitzt in Vajrasana auf einer lotiförmigen Doppelbasis mit imposanten Blütenblättern, die Hände in Dhyanamudra, bekleidet mit einer beide Schultern bedeckenden Mönchsrobe mit fein ziselierten Rändern aus Blumenranken, der nackte Oberkörper mit einem Swastika-Motiv. Das Haar ist kranzförmig um den Kopf gelegt und besteht aus feinen Locken. Das Gesicht wird von einem Schnurrbart und einem kleinen Bart mit feinen Locken belebt. Die Basis ist nicht versiegelt. H. 20 cm NOTE Diese außergewöhnliche vergoldete Bronzestatue des meditierenden Buddha Shakyamuni aus dem 16. Jahrhundert weist eine seltene und einzigartige Ikonografie auf, in der die künstlerischen Traditionen der Yuan- und Ming-Dynastie zusammenfließen. Es vereint das ikonografische und technische Erbe der Yuan-Dynastie (1279 - 1368) mit den stilistischen Innovationen der Ming-Dynastie (1368 - 1644). Ein äußerst ähnliches Stück, das dieselbe Größe hat und wahrscheinlich aus derselben Werkstatt stammt, befindet sich in den Sammlungen der Chang Foundation und ist in "Buddhist Images in Gilt Metal" Taipei, 1993, Taf. 5 abgebildet. Es handelt sich ebenfalls um eine Darstellung von Shakyamuni, doch Buddha wird hier als Bhumiparshamudra ("die Erde als Zeuge nehmen") dargestellt. In der Yuan-Periode kam es zu bedeutenden künstlerischen und kulturellen Veränderungen, die einen völligen Bruch mit der literarischen Tradition der Song-Dynastie bedeuteten. Im Bereich der buddhistischen Statuen wurde der Einfluss aus dem Himalaya, insbesondere aus Tibet, allgegenwärtig. Die neue Dynastie gab dem Vajrayana-Buddhismus ihre Gunst, indem sie dem Oberhaupt der Sakyapa-Linie, einer der vier großen tibetischen Schulen, die Kontrolle über alle Buddhisten übertrug. Die Verwendung von vergoldeter Bronze wurde bei der Herstellung von buddhistischen Bildern allgemein üblich, ebenso wie die Verwendung der lotiformen Doppelbasis. Diese in der Yuan-Zeit eingeführten und tibetisch inspirierten Elemente finden sich auch in diesem Stück wieder, in dem der historische Buddha in Vajrasana sitzend auf einer imposanten Doppel-Lotiform-Basis mit stark stilisierten Blütenblättern dargestellt wird. Interessant ist auch, dass unsere Münze einige physische Merkmale von Modellen aus der Yuan-Dynastie übernimmt, insbesondere den Bart mit feinen Locken und das Haar, das aus lockeren Locken besteht, die einen Kranz um den Kopf bilden. Diese Merkmale sind in Verbindung mit der vergoldeten Bronzestatue des Arhats Bhadra zu sehen, die im Musée National des Arts Asiatiques Guimet (MG 9729) aufbewahrt wird und aus dem 14. Nach weniger als einem Jahrhundert verschwand die Yuan-Dynastie zugunsten der Ming-Dynastie, die ihren Ursprung in der Han-Dynastie hatte. Die ersten Jahre der buddhistischen Statuen der Ming-Dynastie waren von einer langsamen stilistischen Entwicklung und der Fortführung der Vorbilder aus dem Himalaya geprägt. Das 16. Jahrhundert markiert einen echten künstlerischen Bruch mit der Entstehung von Stilen und Ikonografien, die bis zum Aufstieg der Qing-Dynastie im Jahr 1644 und der Rückkehr des tibetischen Buddhismus ins Rampenlicht fortbestehen sollten. Diese stilistischen Entscheidungen waren Teil des dynastischen Willens, zu einem chinesischen Klassizismus zurückzukehren, der sowohl politisch als auch kulturell war und die Modelle fortsetzte, die insbesondere während der Song-Dynastie eingeführt worden waren. In ikonografischer Hinsicht ist insbesondere ein Wandel in der Kleidung festzustellen, weg von der einfachen, schulterbedeckenden Mönchsrobe, die auf lamaistische Vorbilder zurückgeht. Der Buddha trägt nun ein Gewand (uttarasanga), einen Mantel, der beide Schultern bedeckt (sanghati), und einen Rock, der hoch über dem Oberkörper gebunden ist (antaravasaka). Auch die feine Rankenverzierung am Rand des Gewandes und das Glück verheißende Zeichen auf dem Torso (Svastika) sind ikonografische Merkmale, die in der zweiten Hälfte der Ming-Dynastie immer wieder auftauchen. Schließlich sind die reiche Vergoldung und die ausgezeichnete Qualität des Gusses hervorzuheben, die typisch für die mittlere Ming-Dynastie sind, wo die Liebe zum Detail und die Modellierung der Figur des Buddha eine echte Präsenz verleihen. ZUSTAND Unversiegelte Basis, Abnutzungserscheinungen an der Vergoldung, Gebrauchsspuren, kleine Fehlstelle an einer der Strähnen am Hinterkopf, einige kleine Oxidationen

Schätzw. 25 000 - 35 000 EUR

Mi 05 Jun

TIBET XVIIIe SIÈCLE - = Statue eines Lamas aus vergoldeter Bronze. Sitzend in Vajrasana, bekleidet mit einer Mönchsrobe, die aus einem Patchwork von Teilen besteht, die durch eingeschnittene Streifen mit eleganten Blumenranken getrennt sind, die Hände vor der Brust in Dharmachakra Mudra. Das runde Gesicht mit der vorspringenden Nase, den vollen Lippen und den gedehnten Augen, der nackte Schädel mit schwarzem Pigment hervorgehoben. Heiterer und gütiger Gesichtsausdruck. H. 49,5 cm NOTE Diese Statue, die aufgrund ihrer Größe, aber auch aufgrund ihrer Qualität selten und spektakulär ist, zeugt von der Meisterschaft, die die Kunsthandwerker im Himalaya erreicht haben. Diese waren Meister in der Kunst des Gusses, aber auch in der Ziselierung und dem Treiben. Die für die Region typische reiche Quecksilbervergoldung verleiht dem Ganzen eine besondere Note. Dieses Werk ist vor dem Hintergrund eines erneuten Einflusses des tibetischen Buddhismus im chinesischen Kaiserreich zu sehen. Der tibetische Buddhismus hatte im 13. Jahrhundert durch die mongolischen Eroberungen eine beispiellose Ausbreitung erfahren, insbesondere bei den Nomaden in Fernostasien, war aber auch in China während der Yuan-Dynastie (1279-1368) zur Staatsreligion geworden. Im Jahr 1644 übernahmen die Mandschus, ein Nomadenvolk aus Nordchina, die Macht in China und gründeten die Qing-Dynastie (1644 - 1911). Ihre Kaiser waren glühende Buddhisten und setzten alles daran, den tibetischen Buddhismus in ihrem Reich, dessen Territorium im 18. Jahrhundert eine nie dagewesene Größe erreichte, weit zu verbreiten und zu mäzenatisieren. Dies führte zu einem regen künstlerischen, politischen und diplomatischen Austausch zwischen den tibetischen Klöstern und der chinesischen Regierung, wie unsere Münze beweist. ZUSTAND Abnutzungen an der Vergoldung, Oxidationen, Gebrauchsspuren, fehlendes Band an seiner rechten Seite, leichte Eindellung an seiner linken Schulter.

Schätzw. 20 000 - 30 000 EUR

Mi 05 Jun

REMBRANDT BUGATTI (1884-1916) Drei schreitende Panther signiert, datiert 'R Bugatti 905', bezeichnet '- Al sig. A A. Hébrard che l'arte e il nome mio fece. -' und trägt den Stempel des Gießers 'Cire Perdue. A.A. Hébrard' (auf der Terrasse). Bronze mit braun nuancierter Patina signiert, datiert 'R Bugatti 905', beschriftet '-Al sig. A A. Hébrard che l'arte e il nome mio fece.-' und gestempelt mit der Gießmarkierung 'Cire Perdue. A.A. Hébrard' (auf der Basis) Bronze mit gemischter brauner Patina 24 x 150 x 23 cm. 9 7/16 x 59 1/16 x 9 1/16 in. Dieses um 1905 entworfene und ausgeführte Werk ist ein Einzelstück. Dieses um 1905 entworfene und ausgeführte Werk ist ein Einzelstück. Fußnoten: Dieses Werk ist im Rembrandt Bugatti Repertoire registriert und wird von einem Echtheitszertifikat begleitet. This work is recorded in the archives of the Rembrandt Bugatti Repertoire and is offered together with a certificate of authenticity. Herkunft Sammlung Adrien-Aurélien Hébrard. Privatkollektion (durch Nachkommenschaft). Privatkollektion (von dieser um 1970 erworben). Ausstellungen Paris, Salon d'automne, Collection A.-A. Hébrard, 1905, Nr. 259, (betitelt Les panthères). Lausanne, Galerie Paul Vallotton, Rembrandt Bugatti, Mai 1965. Brüssel, Galerie Le Brun und Maison L'Ecuyer, Rembrandt Bugatti, sculpteur animalier, 10. Januar 1967 - 10. Januar 1968. Bibliografie V. Fromanger, Rembrandt Bugatti. Répertoire monographique. Une trajectoire foudroyante, Paris 2016, Nr. 126, (abgebildet auf dem Titelbild (Ausschnitt), S. 52 & 53, S. 89, S. 298 & 299 (Ausschnitt)). 'To Mr. A.A. Hébrard, der den Künstler und den Menschen geschaffen hat.' 'To Mr A.A. Hébrard who created the artist and the man' (An Herrn A.A. Hébrard, der den Künstler und den Menschen schuf). Drei schreitende Panther von Rembrandt Bugatti ist eine in jeder Hinsicht meisterhafte Skulptur. Dieses ikonische, 150 cm lange Werk, das der Künstler um 1905 im Alter von 21 Jahren ausführte, ziert wenig überraschend das Titelbild des monografischen Verzeichnisses der Werke des Künstlers von Véronique Fromanger. Mit einer italienischen Widmung an Hebrard: "Al'sig. AA Hebrard che l'arte e il nome mio fece", seinem Gießer und Mäzen, ist diese Skulptur der Drei schreitenden Panther ein Einzelstück. Hebrard war sich bewusst, dass er eines der Meisterwerke des Künstlers besaß, und bewahrte sie stets in seiner Sammlung auf, bevor sie an seine Erben weitergegeben wurde. Danach blieb es bei einem großen Sammler bis heute, wo es zum allerersten Mal öffentlich versteigert wird. Rembrandt Bugatti wurde 1884 in Mailand geboren und wuchs in einem Umfeld intensiver künstlerischer Emulation auf: Sein Onkel Giovanni Segantini und Paul Troubetzkoy, ein Freund der Familie, die beide Künstler waren, ermutigten ihn, diesen Weg einzuschlagen. Auch sein Vater, Carlo Bugatti, ein Möbeldesigner, der architektonische und tierische Elemente miteinander verband, bildete ihn in seinem Atelier aus und gab sein Wissen an ihn weiter. Bugatti erkundet verschiedene Medien: Zeichnung, Holz, Metall, Stein, Gips und Plastilin. Das Jahr 1901 markiert einen Wendepunkt in seinem künstlerischen Leben. Während eines Aufenthalts in den Schweizer Bergen mit seinem Onkel Segantini, inspiriert von dem, was er sieht, modelliert er zum ersten Mal freihändig Ritorno dal pascolo, vier Kühe, die hintereinander gehen und von einem Bauern geführt werden. Der Künstler, der von seiner Umgebung beseelt ist und Tiere liebt, stellt auch seine Haushunde dar. Bugatti formt die Anfänge dessen, was sein ganzes künstlerisches Leben lang sein Ziel sein sollte: die Persönlichkeit, den Charakter und die Emotionen der Tiere, die er so sehr liebt und denen er sich so nahe fühlt, viel näher als den Menschen, in der Flüchtigkeit des Augenblicks einzufangen. Bugatti beschränkte sich nicht auf Haustiere, sondern entdeckte die Zoos in Paris und Antwerpen und erweiterte seinen künstlerischen Korpus um die Darstellung von Wildtieren, die er nach und nach zähmte, indem er sie fütterte, mit ihnen sprach und die meiste Zeit unter ihnen verbrachte. 1903 ließ sich Bugatti in Paris nieder und begann, die Menagerie im Jardin des plantes zu besuchen. Er beobachtete die exotische Tierwelt, die die größte Inspiration seines Lebens darstellte, mit großer Ergriffenheit und Faszination. Tiere wie der Ameisenbär, der Tapir, der Storch, der Marabu, der Yak, die Greifvögel und das Känguru traten zum ersten Mal als geschnitzte Sujets in die europäische Kunstgeschichte ein. Sein Interesse richtet sich auf die großen Raubtiere und unter ihnen die Raubkatzen. Er kommt täglich, um das Leben der Raubkatzen zu teilen. Er lernt jeden einzelnen Panther kennen, seine Charaktere, seine Körperhaltung und seine Interaktionen. Dank seines scharfen Blicks, seiner schnellen Auffassungsgabe und seiner außergewöhnlichen Tierliebe gestaltet er diese Raubkatzen, die er als "seine Lebens- und Arbeitsgefährten" betrachtet, freihändig und vor Ort. In ihrem Buch erklärt Véronique Fromanger: "Bugatti modelliert sein Motiv auf dem v

Schätzw. 3 500 000 - 5 500 000 EUR

Mi 05 Jun

MARINO MARINI (1901-1980) Piccolo Cavaliere signiert mit den Initialen des Künstlers 'M.M' (auf der Rückseite des rechten Beins). Bronze mit brauner Patina signiert mit den Initialen des Künstlers 'M.M' (auf der Rückseite des rechten Beins) Bronze mit dunkelbrauner Patina 33 x 29.3 x 13.5 cm. 13 x 11 9/16 x 5 5/16 in. Fußnoten: Die Authentizität dieses Werks wurde von der Fondazione Marino Marini bestätigt. Die Echtheit dieses Werks wurde von der Fondazione Marino Marini bestätigt. Herkunft Hannover Gallery, London. Privatkollektion, New York (von dieser 1947 erworben). Dann durch Nachkommenschaft an den derzeitigen Besitzer. Bibliografie Kat. Exp., Marino Marini, London, 1956, Nr. 15 (ein weiteres abgebildetes Exemplar; betitelt 'Horseman'). A.M. Hammacher, Marino Marini: sculpture, painting, drawing, New York, 1970, pl. 102. H. Read, P. Waldberg, & G. di San Lazzaro, Marino Marini, Complete Works, New York, 1970, Nr. 186 (ein weiteres abgebildetes Exemplar S. 349). C. Pirovano, Marino Marini scultore, Mailand, 1972, Nr. 194 (ein weiteres abgebildetes Exemplar). M. Meneguzzo (Hrsg.), Marino Marini: Cavalli e Cavalieri, Mailand, 1997, S. 31 (die abgebildete Keramikversion). Fondazione Marino Marini (ed.), Marino Marini, Catalogue Raisonné of the Sculptures, Mailand, 1998, Nr. 242a (die abgebildete Keramikversion auf S. 171, Nr. 242b). Dieses Los unterliegt den folgenden Los-Symbolen: * AR * VAT on imported items at a reduced rate of 5.5% on the hammer price and the prevailing rate on buyer's premium if the item remains in the EU. Mehrwertsteuer auf importierte Gegenstände zu einem ermäßigten Satz von 5,5% auf den Zuschlagspreis und dem aktuellen Satz auf die Kaufprämie, falls der Gegenstand in der EU verbleibt. AR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium. Für weitere Informationen zu diesem Los besuchen Sie bitte Bonhams.com.

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