Null EINE GRUPPE VON GERAHMTEN STICHEN UND DRUCKGRAFIKEN, DARUNTER EINIGE NACH G…

Beschreibung

EINE GRUPPE VON GERAHMTEN STICHEN UND DRUCKGRAFIKEN, DARUNTER EINIGE NACH GEORGE CRUIKSHANK (22), Gerahmt und verglast. Größter Rahmen 45cm x 35cm

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EINE GRUPPE VON GERAHMTEN STICHEN UND DRUCKGRAFIKEN, DARUNTER EINIGE NACH GEORGE CRUIKSHANK (22), Gerahmt und verglast. Größter Rahmen 45cm x 35cm

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Schätzw. 2 000 - 3 000 GBP

BALDUS, Édouard Der Louvre. 1149 kaschierte Originalfotos auf 462 Tafeln, 1 Radierung und 2 Pläne. Zusammengefasst in 9 Etuis. Die Fotografien sind Abzüge auf Salzpapier von Papiernegativen (bei kleinen Formaten: Details der Skulpturen) oder Kollodiumglasnegativen (bei großen Formaten: Pavillons des Neuen Louvre), zwischen 1855 und 1857.Der Bau des Neuen Louvre war Gegenstand einer gewaltigen Fotoaktion, die vom Staatsminister Achille Fould und Lefuel in Auftrag gegeben wurde. Im Mai 1854 bat Lefuel auf mündliche Anweisung des Ministers den Louvre-Historienfotografen Baldus (1813-1882), mithilfe der aufkommenden Fotografie ein Bild der außergewöhnlichen Baustelle des neuen Louvre zu bewahren. Lefuels Ziel war es, einen fotografischen Fundus aufzubauen, der die großen Momente der Errichtung des neuen Louvre nachzeichnet. Baldus fotografierte daher die einzelnen Etappen des Baus des neuen Louvre. Dies ist die Serie der "Sonntagsansichten" oder "Sonntagsprüfungen". Baldus fotografierte jeden Sonntag von verschiedenen Standpunkten aus die verschiedenen Pavillons und Flügel des im Bau befindlichen Louvre, vom Abriss der alten Bauwerke bis hin zur Erhöhung der Stockwerke und der Anbringung von Statuen an den Fassaden. Heute kann man anhand dieser Fotografien Schritt für Schritt verfolgen, wie die neuen Gebäude errichtet werden. Für die verschiedenen Bauphasen des Louvre schuf Baldus qualitativ hochwertige Fotos mit einem akribischen Bildausschnitt und einer Aufnahme, die den Eindruck von Raum, Volumen und Monumentalität vermittelt. Qualitäten, die nur wenige Fotografen der damaligen Zeit erreichen konnten. Baldus vermied das Pittoreske und seine Tafeln werden von Fachleuten als Höhepunkt der Kunst angesehen. Im Jahr 1855 erhielt Baldus einen neuen Auftrag. Er sollte alle Statuen und Dekorationen an den Fassaden des Louvre fotografieren. Diese Arbeit ist eine einzigartige Quelle für die Kenntnis der Statuen, die während dieser Blütezeit der Bildhauerkunst ausgeführt wurden. Alle Statuen wurden fotografiert, die, die man heute sieht, aber auch die, die Lefuel vorgeschlagen und abgelehnt wurden, die, die aufgegeben wurden, die, die zerstört oder verschoben wurden. Alle Statuen wurden von 1855 bis 1868 fotografiert, mit Ausnahme von zwei Statuen von Préault, Krieg und Frieden (wahrscheinlich wegen der schnellen Ausführung durch den Autor). Die Fotografien der Statuen und Dekorationen wurden von Baldus aufgenommen, wobei er jeden künstlerischen Effekt ablehnte und sich auf die strengste Wiedergabe der Statuen konzentrierte (alle Fotos wurden streng mit Blick auf das Kunstwerk aufgenommen, ohne jegliche perspektivische Verzerrung). Die Statuen werden im Stadium des Gipsmodells fotografiert, als sie von den Bildhauern auf der Schwaneninsel bereitgestellt werden. Jede Fotografie wird von einem Kommentar begleitet, um den Autor, den Namen des Werkes oder in Ermangelung dessen die Art des Werkes (Giebel, Krönungsgruppe...), den Ort der Aufstellung und das Jahr der Ausführung anzugeben. Diese Fotografien und Angaben bilden einen Fundus von unschätzbarem Wert für Forscher und Historiker. Dieser außergewöhnliche Dokumentationsbestand umfasst mehrere Tausend Fotos, etwa fünftausend. Diese Fotos wurden bei der Restaurierung der "Hommes illustres" und "Génies avec attributs" zwischen 1990 und 1993 weitgehend als Referenz verwendet. Diese Fotos sind auch wesentlich, um den Überblick über all die Autoren zu behalten, die zur Dekoration des Louvre beigetragen haben, insbesondere über diejenigen, die zu den weniger bekannten gehören. Als Baldus den Auftrag für den Louvre erhielt, war er bereits als Architekturfotograf bekannt. Er war von der Kommission für historische Monumente ausgewählt worden, um im Rahmen der 1851 gestarteten Mission Heliographique (zusammen mit den drei anderen Fotografen Henri Le Secq, Gustave Le Gray und O. Mestral) die historischen Monumente Frankreichs zu fotografieren. Im Jahr 1855 erhielt er den Auftrag, die Landschaften zu fotografieren, durch die die Eisenbahnlinie von Paris nach Boulogne führt. Eine ähnliche Reportage fertigte er 1859 für die Verbindung Paris Lyon Méditerranée an. Im Jahr 1856 wurde er außerdem vom Innenminister beauftragt, die Landschaften an der Rhône nach den Überschwemmungen von 1856 zu verewigen. Nach 1868 und bis zu seinem Tod (1889) beschränkte sich Baldus darauf, seinen fotografischen Fundus zu verwerten, indem er seine Fotos in Form von Alben veröffentlichte und an internationalen Veranstaltungen (Paris, Brüssel, London...) teilnahm.

Schätzw. 1 400 - 1 600 GBP

JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Le visage volé", 2021 Radierung, Exemplar 24/50. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 21 x 15 cm (Druck); 41 x 32 cm (Rahmen). Jaume Plensa studierte an der Schule von La Llotja und an der Hochschule der Schönen Künste von Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt heute in Paris und wurde kürzlich von der School of the Art Institute of Chicago mit der Ehrendoktorwürde ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen mit der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich schrittweise weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallschrott, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren arbeitete er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen aus und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle zu geben. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein eine zeitgenössische Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun aufführte. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 weihte er in London am Hauptsitz der BBC sein Werk Breathing" ein, ein Denkmal für Journalisten, die bei der Ausübung ihres Berufs ums Leben kamen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritters der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, oder 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus und seine Werke sind in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen Europas und der Vereinigten Staaten ausgestellt, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA oder dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 10 000 - 12 000 GBP

MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Eva III", 1993. Radierung und Collage auf Papier. Exemplar 4/51. Am unteren Rand mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 165 x 65,5 cm, 183 x 84 cm. (Rahmen). Auf diesem vom Künstler ausgeführten Stich ist die Figur der Eva zu sehen, die sich an dem gleichnamigen Gemälde von Durero aus dem Jahr 1507 orientiert, das sich in der Sammlung des Prado-Museums befindet. Valdés rettet diese Figur aus dem Alten Testament, indem er ihren Körper in die Gegenwart holt und ihn auf eine ästhetische Sprache synthetischer und schematischer Formen reduziert, die den andächtigen und ikonografischen Ausdruck der religiösen Figur bewahren, die ihren Nimbus der Heiligkeit und ihre bescheidene Haltung beibehält. Valdés verzichtet auf den ikonischen Apfel und führt stattdessen das Bild einer Blume ein, die er über das Geschlecht der Protagonistin legt. Dieser Verweis spielt auch auf das Werk von Dürer an, der zahlreiche von Flora und Fauna inspirierte Zeichnungen anfertigte, aber das Bild der Blume fügt dem Werk auch eine konzeptionelle und metaphorische Lesart hinzu, die auf verschleierte Weise die Idee der Geburt vermittelt. Manolo Valdés führte in Spanien eine Form des künstlerischen Ausdrucks ein, die politisches und soziales Engagement mit Humor und Ironie verbindet. Er begann seine Ausbildung 1957 mit dem Eintritt in die Schule der Schönen Künste San Carlos in Valencia. Zwei Jahre später brach er jedoch sein Studium ab, um sich ganz der Malerei zu widmen. Im Jahr 1964 gründete er zusammen mit Juan Antonio Toledo und Rafael Solbes die Künstlergruppe Equipo Crónica, der er bis zu deren Tod 1981 angehörte, obwohl Toledo die Gruppe zwei Jahre nach ihrer Gründung verlassen hatte. Seitdem hat er sich in New York niedergelassen, wo er heute lebt und weiterhin mit neuen Ausdrucksformen experimentiert, unter anderem mit der Bildhauerei. Zu den zahlreichen Auszeichnungen, die Manolo Valdés erhalten hat, gehören der Lissone und der Biella von Mailand (1965), die Silbermedaille der II. Internationalen Biennale der Gravuren von Tokio (1979), der Preis des Bridgestone Art Museum in Lissabon (1979), der Nationale Preis für plastische Kunst (1983), die Medaille des Internationalen Festivals plastischer Künstler in Bagdad (1986), die Auszeichnung des Ordens von Andres Bello in Venezuela (1993), der Preis des Nationalrats von Monaco (1997), die Goldmedaille für Verdienste in der bildenden Kunst (1998), der Preis des Spanischen Verbands der Kunstkritiker (2000) und der Preis für den besten Grafiker (2002), um nur einige zu nennen. Mit Equipo Crónica nutzte Valdés die Figuration als Ausdrucksmittel für seine Ansätze, für seine Kritik an Kunst, Gesellschaft und Politik, wobei er dem reinen Akt des Malens den Vorrang vor allen anderen Inhalten einräumte. In thematischer Hinsicht lässt sich Valdés von der Kunst der großen Meister der Malerei inspirieren: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera oder Zurbarán, und er verbirgt seine Vorbilder nie, sondern hebt sie hervor, sogar in den Titeln seiner Werke. Formal schafft er ein großformatiges Werk, in dem Licht und Farben durch die Behandlung der Materialien taktile Werte ausdrücken. Sein Werk zwingt den Betrachter, sich in die Erinnerung zu vertiefen und nach bedeutenden Bildern aus der Kunstgeschichte zu suchen. Valdés ist in einigen der bedeutendsten Museen der Welt vertreten, wie dem Reina Sofía in Madrid, dem Metropolitan, dem MoMA und dem Guggenheim in New York, dem Centre Georges Pompidou und dem Fons National d'Arts Plastiques in Paris, der Kusnthalle in Hamburg, dem Kunstmuseum in Berlin und dem Museo de Bellas Artes in Bilbao, neben vielen anderen.

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