Glafey,A.F.
Pragmatische Geschichte der Cron Böhmen, worinnen dasjenige, was unt…
Beschreibung

Glafey,A.F. Pragmatische Geschichte der Cron Böhmen, worinnen dasjenige, was unter jedwedem Hertzoge und Könige... merckwürdiges vorgegangen... erörtert wird. Lpz., Riegel 1729. 4°. Mit gest. Front. 3 Bl., 912 S., 36 Bl. Hldr. d. Zt. (Berieb., Gelenke angeplatzt). Adelung II, 1475. Erste Ausgabe. - Geschichtlicher Abriss von den Karolingern bis Karl VI. - Etw. knittrig, gering gebräunt u. tls. leicht fleckig, Bibl.-St.a.T.

1905 

Glafey,A.F. Pragmatische Geschichte der Cron Böhmen, worinnen dasjenige, was unter jedwedem Hertzoge und Könige... merckwürdiges vorgegangen... erörtert wird. Lpz., Riegel 1729. 4°. Mit gest. Front. 3 Bl., 912 S., 36 Bl. Hldr. d. Zt. (Berieb., Gelenke angeplatzt). Adelung II, 1475. Erste Ausgabe. - Geschichtlicher Abriss von den Karolingern bis Karl VI. - Etw. knittrig, gering gebräunt u. tls. leicht fleckig, Bibl.-St.a.T.

Das Los wurde versteigert. Ergebnisse ansehen

Dies könnte Ihnen auch gefallen

Italienische Schule; frühes siebzehntes Jahrhundert. "Toter Christus". Bronze. Eisensockel aus späterer Zeit. Maße: 42 x 35 x 8 cm; 55 x 35 x 11 cm (Sockel). Die polierte Oberfläche des Materials, die Symmetrie und die Modellierung der Formen, die dem klassischen Kanon einer ausgewogenen und idealisierten Anatomie folgen, formen ein Bild, das trotz der Dramatik des Kreuzigungsthemas eine unveränderliche Schönheit ausstrahlt, die von der ästhetischen Gelassenheit herrührt, mit der der Bildhauer das Werk konzipiert hat. Was die Skulptur betrifft, so ist in diesem Fall zu beobachten, dass der Künstler nur drei Nägel verwendet und so die Dramatik der Szene noch verstärkt, die durch die Verlängerung der oberen Gliedmaßen noch verstärkt wird, die widerspiegeln, wie Christus die gesamte Last seines Körpers trägt, wobei sein Gesicht nach unten gerichtet ist, erschöpft, und seine Augen geschlossen sind, was auf seinen Tod hinweist. Stilistisch, ein großes Interesse und Einfluss der klassischen Bildhauerei, die in der Gegenwart eines idealisierten Anatomie gesehen werden kann, die Draperie und die Krümmung durch den Körper mit den Beinen nach rechts gebogen, die leicht verschieben die Hüften, erinnert in gewisser Weise an die Praxitelic Kurve angenommen. Kreuzigungen und Kruzifixe tauchen in der Geschichte der Kunst und der Volkskultur schon vor der Zeit des heidnischen Römischen Reiches auf. Die Kreuzigung Jesu wird seit dem 4. Jahrhundert in der religiösen Kunst dargestellt. Sie ist eines der am häufigsten wiederkehrenden Themen in der christlichen Kunst und dasjenige mit der offensichtlichsten Ikonographie. Obwohl Christus manchmal bekleidet dargestellt wird, ist es üblich, seinen nackten Körper darzustellen, wenn auch mit den Genitalien, die mit einem reinen Tuch (Perizonium) bedeckt sind; vollständige Akte sind sehr selten, aber prominent (Brunelleschi, Michelangelo, Cellini). Die Konventionen der Darstellung der verschiedenen Haltungen des gekreuzigten Christus werden durch die lateinischen Ausdrücke Christus triumphans ("triumphierend" - nicht zu verwechseln mit der Maiestas Domini oder dem Pantokrator -), Christus patiens ("resigniert" - nicht zu verwechseln mit dem Christus der Geduld -) und Christus dolens ("leidend" - nicht zu verwechseln mit dem Vir dolorum -) bezeichnet. Der triumphans wird lebendig dargestellt, mit offenen Augen und aufrechtem Körper; der patiens wird tot dargestellt, mit völlig entleertem Willen (kenosis), mit gesenktem Kopf, ruhigem Gesichtsausdruck, geschlossenen Augen und gewölbtem Körper, der die fünf Wunden zeigt; der dolens wird ähnlich wie der patiens dargestellt, jedoch mit einer Geste des Schmerzes, insbesondere im Mund.

Italienische Schule; XVIII Jahrhundert. "Der gekreuzigte Christus". Vergoldete Bronze und Eisen Basis. Maße: 29 x 20 x 9 cm; 49 x 20 cm (Sockel). In dieser Andachtsskulptur des Gekreuzigten folgt die Modellierung der Formen einem klassischen Kanon einer ausgewogenen Anatomie, die eine unveränderliche Schönheit vermittelt und einem Konzept der ästhetischen Gelassenheit der italienischen Schule entspricht. Wir haben es hier mit einer Schule zu tun, die dem klassizistischen Barock zugerechnet wird, weit entfernt vom Dramatismus des vorherrschenden Barocks. Die polierte Oberfläche der vergoldeten Bronze und die geschwungene Linie, die den Körper (bereits entspannt, nach dem letzten Atemzug) zeichnet, imprägnieren ihn mit einem verhaltenen Pathos. Eine ausgewogene und perfekt durchdachte Anatomie zeugt von der künstlerischen Fähigkeit des Bildhauers, der wie kein anderer das Leiden widerspiegelt, das Christus in den letzten Sekunden seines Lebens erlitt. Kreuzigungen und Kruzifixe tauchen in der Geschichte der Kunst und der Volkskultur schon vor der Zeit des heidnischen Römischen Reiches auf. Die Kreuzigung Jesu wird seit dem 4. Jahrhundert in der religiösen Kunst dargestellt. Sie ist eines der am häufigsten wiederkehrenden Themen in der christlichen Kunst und dasjenige mit der offensichtlichsten Ikonographie. Obwohl Christus manchmal bekleidet dargestellt wird, ist es üblich, seinen nackten Körper darzustellen, wenn auch mit den Genitalien, die mit einem reinen Tuch (Perizonium) bedeckt sind; vollständige Akte sind sehr selten, aber prominent (Brunelleschi, Michelangelo, Cellini). Die Konventionen der Darstellung der verschiedenen Haltungen des gekreuzigten Christus werden durch die lateinischen Ausdrücke Christus triumphans ("triumphierend" - nicht zu verwechseln mit der Maiestas Domini oder dem Pantokrator -), Christus patiens ("resigniert" - nicht zu verwechseln mit dem Christus der Geduld -) und Christus dolens ("leidend" - nicht zu verwechseln mit dem Vir dolorum -) bezeichnet. Der triumphans wird lebendig dargestellt, mit offenen Augen und aufrechtem Körper; der patiens wird tot dargestellt, mit völlig entleertem Willen (kenosis), mit geneigtem Kopf, ruhigem Gesichtsausdruck, geschlossenen Augen und gewölbtem Körper, auf dem die fünf Wunden zu sehen sind; der dolens wird ähnlich wie der patiens dargestellt, jedoch mit einer Geste des Schmerzes, insbesondere im Mund (gebogen).

ILMARI TAPIOVAARA (Finnland, 1914-1999) für La Permanente Mobili Cantù. Satz von vier Stühlen. Dunkles Buchenholz und cognacfarbenes Leder. In gutem Zustand mit Anzeichen von Gebrauch und Alter. Maße: 48 x 60 x 92 cm. Diese robusten Stühle von Ilmari Tapiovaara zeichnen sich durch eine ausgeprägte geometrische Struktur von Sitz und Rückenlehne aus. Die Gelenke sind gut sichtbar, was ihren handwerklichen Charakter unterstreicht. Ilmari Tapiovaara war ein Pionier des neuen Designs, das nach dem Zweiten Weltkrieg aufkam und nicht länger ein kultureller Luxus war, sondern die gesamte Gesellschaft erfasste. Er studierte an der Kunstgewerbeschule in Helsinki, wo er mit dem Funktionalismus, den Möbelentwürfen von Alvar Aalto und der modernen Bewegung in Kontakt kam. Später vervollständigte er seine Ausbildung durch ein Praktikum im Atelier von Le Corbusier. Der enge Kontakt mit der Natur, den er in seiner Jugend genoss, sollte auch seine Orientierung beeinflussen: "Die Natur ist das beste und engste Handbuch für den Industriedesigner. Tapiovaara musste sich den neuen pragmatischen Herausforderungen des modernen Industriedesigns stellen: Montage von Serienteilen, rationelle Verpackung für Transport und Export, Solidität, Ergonomie und Erforschung von Techniken und Materialien. Das Ergebnis waren ironische und überzeugende Entwürfe, die subtil auf die Tradition anspielten und gleichzeitig transgressiv und zeitlos waren, auf der Suche nach der Poetik der Form. Ilmari Tapiovaara starb, nachdem er die Grundlagen für die Entwicklung des aufkommenden Industriedesigns gelegt hatte. Ein Charakteristikum Tapiovaaras war die Erforschung seines Werks durch Vielseitigkeit: Von jedem wichtigen Stück schuf er zahlreiche Versionen und vielgestaltige Neuauflagen. Dies war der Fall bei Stücken wie dem Fanett-Mademoiselle-Stuhl (1957), dem berühmten Domus-Stuhl (aus massiver Birke und lackiertem Sperrholz), der 1946 als Teil des Mobiliars des Studentenwohnheims Domus Académica entworfen wurde, später von Knoll als FinnChair produziert wurde und von dem im Laufe der Jahrzehnte mehrere Versionen hergestellt wurden, oder dem Trienna-Tisch (1954); der Stuhl Lukki aus gebogenem Stahlrohr und Sperrholz, der 1954 und 1956 in verschiedenen Versionen stapelbar war; das Besteck Otto (1986) oder die Lampe Maija Mehiläinen für Asko (1957), die später von Santa & Cole herausgegeben wurde.Seine Innenarchitekturprojekte in Finnland, den Vereinigten Staaten und Europa, wie die OKO-Bank in Helsinki, die Olivetti-Showrooms, das Intercontinental Hotel usw. Tapiovaara widmete einen Teil seiner beruflichen Laufbahn auch der Lehrtätigkeit (in den USA und Finnland). Er war der Meinung, dass man Designern Philosophie beibringen sollte, denn ohne Ideen gibt es kein Design, und er war der Meinung, dass "Leonardo der berühmteste und vielleicht beste Produktdesigner der Geschichte war".