Null Pablo TILLAC (1880-1969)
Pleure et rugis Maghreb Vater der roten Löwen
Gemä…

Beschreibung

Pablo TILLAC (1880-1969) Pleure et rugis Maghreb Vater der roten Löwen Gemälde auf Karton, signiert Pablo Tillac invenit unten rechts und beschriftet mit Pleure et rugis Maghreb père des lions roux Leconte de Lisle Poèmes tragiques in einer Kartusche unten links. 123 x 97 cm

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Pablo TILLAC (1880-1969) Pleure et rugis Maghreb Vater der roten Löwen Gemälde auf Karton, signiert Pablo Tillac invenit unten rechts und beschriftet mit Pleure et rugis Maghreb père des lions roux Leconte de Lisle Poèmes tragiques in einer Kartusche unten links. 123 x 97 cm

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Schätzw. 1 600 - 1 800 EUR

PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Bouteille de vieux marc, verre et "le journal", 1966. Aus der Serie "Papiers Collés". Lithographie auf Vélinpapier von Rives. Erschienen bei Au Pont des Arts, Paris. In der Platte signiert. Maße: 64 x 48 cm, 70 x 55 cm (Rahmen). Diese Lithografie gehört zu der Serie "Papiers Collés" von Picasso, die von Pont des Arts herausgegeben wurde. Diese Serie wurde 1966 anlässlich der großzügigen Schenkung von Picassos Collagen an das Musée d'Art Moderne in Paris herausgegeben. Pablo Ruiz Picasso ist das große Genie der zeitgenössischen Malerei. Als Schöpfer des Kubismus zusammen mit Braque steht er mit seiner Erfindungs- und Schaffenskraft an der Spitze der Weltmalerei. Er wurde in Málaga geboren, wo sein Vater Professor für Zeichnen und Direktor des Stadtmuseums war. Die Familie Ruiz Picasso zog bald nach La Coruña und von dort nach Barcelona, wo der junge Pablo seine künstlerischen Studien an der Provinzialschule der Schönen Künste begann (1895). Obwohl der Stil der Schule völlig akademisch ist, kommt der Maler bald in Kontakt mit modernistischen Gruppen, die seine Ausdrucksform verändern. Nur zwei Jahre später, 1897, hat Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte zu Pablos großem Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist in ständigem Wandel begriffen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, setzt er sich mit dem Klassizismus von Ingres auseinander. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die nicht frei von Wut und Zorn sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft turbulent waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 300 - 400 EUR

JOAQUIM ROS I BOFARULL (Barcelona, 1906-1991). "Weiblicher Akt". Terrakotta. Signiert. Maße: 19 x 13 x 7,5 cm. Joaquim Ros i Bofarull war ein spanischer Bildhauer. Er studierte an der Schule der schönen Ämter, wo er Schüler von Francesc d'Assís Galí war. Er verbrachte einen Aufenthalt in Paris, wo er mit Pablo Gargallo zusammenarbeitete. Er nahm an den Frühjahrsausstellungen der 1930er Jahre teil. Er arbeitete am Thron der Jungfrau von Montserrat für das Kloster von Montserrat (1947) mit und schuf das Denkmal für Miquel Biada i Bunyol (1948) in Mataró, wo er mehrere Skulpturen für die Basilika Santa Maria schuf (Bilder der Jungfrau Maria und der Heiligen Juliana und Semproniana auf dem Hauptaltar und Skulpturen der Kuppel). In Barcelona schuf er die Skulpturengruppen El estudio und La investigación für die Fassade der Schule Rius i Taulet an der Plaza de Lesseps (1957), El niño del aro im Park Guinardó (1961) und El Ave de los temporales in den Gärten von Mossèn Costa i Llobera (1970).7 Außerdem schuf er in Zusammenarbeit mit Enric Monjo, Vicenç Navarro, Llucià Oslé und Miquel Oslé mehrere Skulpturen und Reliefs für den Sitz der Banco Vitalicio (1950) an der Ecke der Gran Vía de las Cortes Catalanas und des Passeig de Gràcia. Er war auch der Autor der Anbetung der Könige und der Anbetung der Hirten für die Fassade der Geburt Christi des Sühnetempels der Sagrada Familia, ein Werk von Antoni Gaudí (1981-1982). Er vermachte der Bibliothek von Katalonien eine Sammlung von Zeichnungen, Drucken, Dokumenten und Fotografien. Eine Ausstellung seiner Werke befindet sich im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien. Er war der Vater des Bildhauers Joaquim Ros i Sabaté.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

PABLO GARGALLO CATALÁN (Maella, Zaragoza, 1881 - Reus, Tarragona, 1934). "Harlekins Kopf", 1928. Kaltnadel auf Bütten, Kopie 9/12. In der Platte signiert: PG 28. Mit handgemaltem Rahmen aus der Zeit. Präsentiert einige Mangel an Polychromie. Einige Flecken auf dem Papier. Maße: 18 x 13 cm (Platte); 22 x 17 cm (Papier); 43 x 37 cm (Rahmen). Seltener Druck des Künstlers. Von diesem Werk wurde nur eine Auflage von 12 nummerierten Exemplaren hergestellt. Das Museum Pablo Gargallo besitzt die Originalplatten der einzigen vier Kaltnadelradierungen von Gargallo (Selbstbildnis, Harlekinkopf, weiblicher Akt und Ballerina). Pablo Gargallo gilt als Wegbereiter der Eisenplastik und erlernte die Technik des Schmiedens von seinem Vater, der eine Schmiede besaß. Im Jahr 1888 wanderte seine Familie aus wirtschaftlichen Gründen nach Barcelona aus, wo er seine künstlerische Ausbildung in der Werkstatt des Bildhauers Eusebio Arnau und in der Schule von La Lonja bei Venancio Vallmitjana begann. Auf dem Höhepunkt des Modernismus in Barcelona besuchte Gargallo die Versammlungen der "Els quatre Gats" und knüpfte Beziehungen zu Künstlern wie Nonell und Picasso. Daher sind seine ersten Werke vom Modernismus beeinflusst, wie zum Beispiel die Dekoration von Gebäuden in Barcelona, die er in Zusammenarbeit mit dem Architekten Domènech i Montaner anfertigte, wie das Hospital de la Santa Cruz y San Pablo oder der Palau de la Música. 1903 erhielt Gargallo ein Stipendium, das es ihm ermöglichte, nach Paris zu reisen, um sein Studium zu beenden. Sein Aufenthalt in der französischen Hauptstadt war kurz, aber von da an bis 1923, als er sich dauerhaft in Paris niederließ, reiste er häufig dorthin. In dieser Stadt entdeckte er die ästhetischen Formulierungen des Kubismus, machte sich dessen Ausdruckssysteme zu eigen und suchte nach dem Schematismus und der Wesentlichkeit von Figuren und Gegenständen, wobei er versuchte, den authentischen dreidimensionalen Ausdruck der kubistischen Postulate zu finden. In diesen Jahren begann er, metallische Materialien wie Blech, Kupfer und Eisen zu verwenden. Um 1911-12 entstehen seine ersten Masken, stark vereinfachte Stücke aus geschnittenem Blech, die an die kubistische Ästhetik anknüpfen. Durch die Verwendung von Blech begann Gargallo, Volumen zu suggerieren und die Leere durch das Eindringen von Licht in die Innenräume hervorzuheben. 1920 wurde er zum Professor für Bildhauerei an der Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña ernannt, eine Stelle, der er 1923 aus politischen Gründen enthoben wurde. Zu diesem Zeitpunkt ließ sich Gargallo mit seiner Frau und seiner Tochter dauerhaft in Paris nieder. Von diesem Zeitpunkt an erhält sein Stil eine sehr persönliche Dimension, die sich aus seiner Interpretation des Kubismus ableitet und auf der Suche nach einer formalen Synthese der Figur in geometrischen, stets fließenden Ebenen beruht, wobei er herkömmliche Materialien durch schmiedeeiserne Bleche ersetzt und eine neue bildhauerische Sprache einführt, indem er die Leere als Volumen einführt und seinen Figuren eine große expressive Dramatik verleiht. Pablo Gargallo ist derzeit unter anderem in dem Museum, das seinen Namen trägt, in Zaragoza, im MoMA in New York, im MACBA in Barcelona, im Museum für Moderne Kunst in Paris und im Reina Sofia in Madrid vertreten.

Schätzw. 160 - 240 EUR

Fastenzeit von Pater Pablo Señeri von der Gesellschaft Jesu, Bd. II. Gedruckt von der Witwe María de Martí. Plaza de San Jaime, 1765. Pergamenteinband. Leichte Oxidation.

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