Spanische Schule; erste Hälfte des XVII. Jahrhunderts. "Segnung des Jesuskindes". Polychrom geschnitztes Holz. Maße: 74 x 37 x 23 cm. Der Sockel, der die Figur anhebt, hat eine aufwendige Dekoration, die auf architektonisch inspirierten Elementen basiert, mit sehr bewegten Linien, die auf die Zugehörigkeit zum Barock hinweisen. Das Kind ist barfuß und stützt seine Füße auf ein geschnitztes Kissen. Das nackte Kind erhebt eine seiner Hände in einer Geste des Segens, die auf subtile Weise mit der Geste des Gesichts harmoniert. Das lockige Haar bringt Bewegung in das Gesicht, das heiter und ernst ist, mit seinem Blick geradeaus und seinen feinen und zarten Zügen. Es handelt sich um eine anatomisch hervorragend ausgeführte Schnitzerei in einem Übergangsstil zwischen Renaissance und Barock, der sich in der Idealisierung des Kanons und seinem subtilen Kontrapunkt zeigt, der jedoch von einem deutlichen naturalistischen Interesse an der Wiedergabe der Hauttöne begleitet wird. Auch das Gesicht des Kindes mit seinen großen Augen und den fleischigen Lippen ist sehr ausdrucksstark. Hervorzuheben ist zum einen die bedeutende Polychromie der Skulptur, die dem blumigen Barock zuzuordnen ist, und zum anderen die Ähnlichkeit mit bestimmten Werken aus dem Umkreis von Gaspar Núñez Delgado, einem Bildhauer aus Avila, der zwischen 1581 und 1606 in Sevilla tätig war. Diese Art von Schnitzereien waren in Kirchen, Klöstern und privaten Kapellen sehr verbreitet, wobei sie in Organisationen und weiblichen Umgebungen besonders bevorzugt wurden, da man die Verehrung des Kindes für das weibliche Geschlecht für angemessener hielt. Ebenso war es üblich, Jesus ganzkörperlich nackt darzustellen, so dass er mit Textilien bekleidet werden konnte, um ihm mehr Realismus zu verleihen. Die spanische Barockskulptur ist eines der authentischsten und persönlichsten Beispiele unserer Kunst, denn ihre Konzeption und ihre Ausdrucksform entsprangen den Menschen und den tiefsten Gefühlen, die sie in sich trugen. In einer Zeit, in der die Wirtschaft des Staates zusammenbrach, der Adel im Niedergang begriffen war und der hohe Klerus mit hohen Steuern belastet wurde, waren es die Klöster, die Pfarreien und die Bruderschaften von Klerikern und Laien, die die Entwicklung der Bildhauerei förderten, wobei die Werke manchmal durch Subskriptionen des Volkes finanziert wurden. Die Bildhauerei war somit gezwungen, die in diesen Umgebungen vorherrschenden Ideale zu verkörpern, die keine anderen als die religiösen waren, zu einer Zeit, als die gegenreformatorische Doktrin von der Kunst eine realistische Sprache verlangte, damit die Gläubigen das Dargestellte verstehen und sich damit identifizieren konnten, und einen Ausdruck, der mit einem intensiven emotionalen Inhalt ausgestattet war, um die Inbrunst und Hingabe des Volkes zu steigern. Das religiöse Sujet ist daher das bevorzugte Thema der spanischen Bildhauerei dieser Epoche, die in den ersten Jahrzehnten des Jahrhunderts zunächst vorrangig das Natürliche festhielt, um im Laufe des Jahrhunderts den Ausdruck expressiver Werte immer mehr zu intensivieren.