Spanische Schule; XVIII Jahrhundert. "Jesuskind und Johannes". Polychrom geschnitztes Holz. Maße: 81 x 34 x 27 cm (x2). In beiden Fällen war die kindliche Darstellung des Jesuskindes und des heiligen Johannes im Barock sehr verbreitet. Beide Figuren verbindet außerdem ihre familiäre Beziehung und ihr ähnliches Schicksal, zusätzlich zur Funktion des Täufers und anderen. Visuell handelt es sich um eines jener "weichen und sanften" Themen, die beim Betrachter Erinnerungen (oder Vorahnungen) an das wecken, was in Zukunft im Leben der beiden geschehen wird, wobei die Religion das Herz eben dieses Gläubigen durch Gefühle erreicht, wie es damals üblich war. So war es nicht ungewöhnlich, sie sowohl in Gemälden als auch in Skulpturen "zusammen" zu sehen, unterschieden durch kleine Details, wenn die Schnitzereien ohne Kleidung dargestellt wurden, aber deutlich, wenn sie "vollständig" waren (Kleidung, Haarschmuck, ikonographische Elemente usw.). Diese Art von bekleideten religiösen Bildern wurde im Westen vor allem seit dem Barock hergestellt, einem künstlerischen Stil, der sehr an einer möglichst realistischen Darstellung der Figuren interessiert war. Manchmal sind die Figuren sogar mit natürlichen Haaren und Augen und anderen Glaselementen versehen. Es ist nicht ungewöhnlich, dass der gesamte Körper der Figur aus Holz geschnitzt und mehrfarbig ist, aber es war auch sehr üblich, dass nur die Teile des Körpers, die zu sehen sein würden, wenn das Bildnis angezogen war (d. h. Hände und Gesicht), aus Holz gefertigt wurden und der Rest aus Espartogras oder Holz mit wenig oder gar keiner Arbeit oder sogar aus zusammengefügten Streifen. Dies ermöglichte eine Senkung der Kosten, so dass die Bruderschaften oder Kirchen für die Herstellung ihrer Bilder Künstler von höherer Qualität auswählen konnten. Außerdem trugen die Figuren hochwertig bestickte Umhänge und andere Gewänder, so dass der bearbeitete Teil nicht zu sehen war und somit eine überflüssige Ausgabe darstellte. Bei den "cap i pota"-Bildern handelt es sich um Figuren, die nur im Gesicht und an den Händen detailliert ausgearbeitet sind und auf einer mehr oder weniger stark geschnitzten Holzstruktur sitzen. Obwohl die Trachtenfiguren oft bei Prozessionen verwendet wurden, handelt es sich in diesem Fall um eine Figur, die aufgrund ihrer geringen Größe für die private Andacht bestimmt ist. Die sichtbaren Teile sind mit einer dünnen Stuckschicht überzogen und polychromiert, während der Rest mit echter Kleidung bedeckt ist. Es handelt sich um Bilder, die wegen ihres Naturalismus besonders beliebt waren, da durch das Tragen echter Kleidung ein höherer Grad an Realismus erreicht wurde als mit den einfach geschnitzten, die oft nicht genug Qualität aufwiesen, um diesen Grad an Naturalismus zu erreichen, der in der religiösen Kunst seit der Barockzeit so begehrt war. Aufgrund seiner formalen Merkmale wird dieses Werk der Hand des Malers und Bildhauers José Risueño aus Granada zugeschrieben, der bei seinem Vater Manuel Risueño und dem Maler Juan de Sevilla, beide wiederum Schüler von Alonso Cano, ausgebildet wurde. Im Laufe seines Lebens schuf Risueño eine reiche künstlerische Produktion religiöser Themen, die sich dadurch auszeichnet, dass er den Einfluss der Modelle von Cano mit einer Vorliebe für Naturalismus und der Verwendung flämischer Drucke von Van Dyck für seine Kompositionen verband. Zu seinen Lebzeiten hatte er großen Erfolg und wurde von bedeutenden Persönlichkeiten der Kirche protegiert und arbeitete in der Fabrik der Kathedrale von Granada, was ihm einen Strom von Aufträgen garantierte. Sein wichtigster Förderer wird ab 1693 der Erzbischof Martín Azcargorta sein, und genau ab diesem Zeitpunkt erreicht der Künstler die Reife seiner Sprache und seiner Meisterschaft. Er schuf wichtige Werke wie den Christus des Klosters San Angel oder die Unbefleckte Empfängnis auf dem Altar der Kathedrale von Granada, obwohl sein berühmtestes und letztes Werk die Serie von sechzehn Figuren ist, die den Altaraufsatz von San Ildefonso bilden. Die Bildhauerei von José Risueño zeichnet sich durch die kleinen Figuren, die technische Virtuosität des Rokoko-Einflusses und die Qualität seiner Polychromien aus, da er auch ein Maler war.