Null Modern sein : Das Moma in Paris - Die Fondation Louis Vuitton stellt im Her…

Beschreibung

Modern sein : Das Moma in Paris - Die Fondation Louis Vuitton stellt im Herbst 2017 die Meisterwerke des MoMA aus. Zweihundert Werke zeigen die Geschichte des MoMA und die Entstehung der Sammlung, von seinem ersten Jahrzehnt (Edward Hoppers House by the Railroad, erworben 1930), über die Nachkriegszeit (Pollock und De Kooning), dann zur Pop Art und zum Minimalismus bis hin zu zeitgenössischen Werken, die erst kürzlich erworben wurden, wie Untitled (Club Scene) von Kerry James Marshall oder ein Kartenspiel von Shigetaka Kurita. Einige dieser Werke wurden bisher noch nie in Frankreich ausgestellt. - Thames & Hudson - 2017

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Modern sein : Das Moma in Paris - Die Fondation Louis Vuitton stellt im Herbst 2017 die Meisterwerke des MoMA aus. Zweihundert Werke zeigen die Geschichte des MoMA und die Entstehung der Sammlung, von seinem ersten Jahrzehnt (Edward Hoppers House by the Railroad, erworben 1930), über die Nachkriegszeit (Pollock und De Kooning), dann zur Pop Art und zum Minimalismus bis hin zu zeitgenössischen Werken, die erst kürzlich erworben wurden, wie Untitled (Club Scene) von Kerry James Marshall oder ein Kartenspiel von Shigetaka Kurita. Einige dieser Werke wurden bisher noch nie in Frankreich ausgestellt. - Thames & Hudson - 2017

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Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

PABLO GARGALLO CATALÁN (Maella, Zaragoza, 1881 - Reus, Tarragona, 1934). "Harlekins Kopf", 1928. Kaltnadel auf Bütten, Kopie 9/12. In der Platte signiert: PG 28. Mit handgemaltem Rahmen aus der Zeit. Präsentiert einige Mangel an Polychromie. Einige Flecken auf dem Papier. Maße: 18 x 13 cm (Platte); 22 x 17 cm (Papier); 43 x 37 cm (Rahmen). Seltener Druck des Künstlers. Von diesem Werk wurde nur eine Auflage von 12 nummerierten Exemplaren hergestellt. Das Museum Pablo Gargallo besitzt die Originalplatten der einzigen vier Kaltnadelradierungen von Gargallo (Selbstbildnis, Harlekinkopf, weiblicher Akt und Ballerina). Pablo Gargallo gilt als Wegbereiter der Eisenplastik und erlernte die Technik des Schmiedens von seinem Vater, der eine Schmiede besaß. Im Jahr 1888 wanderte seine Familie aus wirtschaftlichen Gründen nach Barcelona aus, wo er seine künstlerische Ausbildung in der Werkstatt des Bildhauers Eusebio Arnau und in der Schule von La Lonja bei Venancio Vallmitjana begann. Auf dem Höhepunkt des Modernismus in Barcelona besuchte Gargallo die Versammlungen der "Els quatre Gats" und knüpfte Beziehungen zu Künstlern wie Nonell und Picasso. Daher sind seine ersten Werke vom Modernismus beeinflusst, wie zum Beispiel die Dekoration von Gebäuden in Barcelona, die er in Zusammenarbeit mit dem Architekten Domènech i Montaner anfertigte, wie das Hospital de la Santa Cruz y San Pablo oder der Palau de la Música. 1903 erhielt Gargallo ein Stipendium, das es ihm ermöglichte, nach Paris zu reisen, um sein Studium zu beenden. Sein Aufenthalt in der französischen Hauptstadt war kurz, aber von da an bis 1923, als er sich dauerhaft in Paris niederließ, reiste er häufig dorthin. In dieser Stadt entdeckte er die ästhetischen Formulierungen des Kubismus, machte sich dessen Ausdruckssysteme zu eigen und suchte nach dem Schematismus und der Wesentlichkeit von Figuren und Gegenständen, wobei er versuchte, den authentischen dreidimensionalen Ausdruck der kubistischen Postulate zu finden. In diesen Jahren begann er, metallische Materialien wie Blech, Kupfer und Eisen zu verwenden. Um 1911-12 entstehen seine ersten Masken, stark vereinfachte Stücke aus geschnittenem Blech, die an die kubistische Ästhetik anknüpfen. Durch die Verwendung von Blech begann Gargallo, Volumen zu suggerieren und die Leere durch das Eindringen von Licht in die Innenräume hervorzuheben. 1920 wurde er zum Professor für Bildhauerei an der Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña ernannt, eine Stelle, der er 1923 aus politischen Gründen enthoben wurde. Zu diesem Zeitpunkt ließ sich Gargallo mit seiner Frau und seiner Tochter dauerhaft in Paris nieder. Von diesem Zeitpunkt an erhält sein Stil eine sehr persönliche Dimension, die sich aus seiner Interpretation des Kubismus ableitet und auf der Suche nach einer formalen Synthese der Figur in geometrischen, stets fließenden Ebenen beruht, wobei er herkömmliche Materialien durch schmiedeeiserne Bleche ersetzt und eine neue bildhauerische Sprache einführt, indem er die Leere als Volumen einführt und seinen Figuren eine große expressive Dramatik verleiht. Pablo Gargallo ist derzeit unter anderem in dem Museum, das seinen Namen trägt, in Zaragoza, im MoMA in New York, im MACBA in Barcelona, im Museum für Moderne Kunst in Paris und im Reina Sofia in Madrid vertreten.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). Serie Barcelona, 1972. Radierung, Aquatinta und Karborundum. Kopie "Bon a tiré", 1972. Mit Bleistift signiert und beschriftet. Bezeichnet: "Bat. Miró 6/IV/72 - 28/III/72 (6)". Ref. no. 598, S. 231, "Miró Graveur", Bd. II. Maße: 70 x 105 cm; 87 x 122 cm (Rahmen). Joan Miró wird in Barcelona ausgebildet und debütiert 1918 als Einzelkünstler in den Galerien von Dalmau. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht, auf das Visuelle zu übertragen. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

ROBERT FRANK (Zürich 1924 - Nova Scotia 2019) "Rainy day", ca. 1955. Gelatinesilber auf Agfa-Papier. Signiert mit Tinte in der linken unteren Ecke. Provenienz: Christie's Paris, Photographies 10/11/2020, Lot 107. Maße: 41 x 30 cm; 66,5 x 58 cm (Rahmen). Robert Frank war ein Schweizer Fotograf und Dokumentarfilmer, der auch die amerikanische Staatsbürgerschaft angenommen hat. Sein bekanntestes Werk ist das 1958 erschienene Buch The Americans (Die Amerikaner), das Frank Vergleiche mit De Tocqueville einbrachte, weil seine Fotografie einen frischen und nuancierten Blick auf die amerikanische Gesellschaft von außen ermöglichte. Der Kritiker Sean O'Hagan schrieb 2014 in The Guardian, dass The Americans "das Wesen der Fotografie verändert hat, was sie sagen kann und wie sie es sagen kann. Es bleibt das vielleicht einflussreichste Fotobuch des 20. Jahrhunderts." Später erkundete Frank andere Bereiche wie Film und Video und experimentierte mit Fotomanipulation und Fotomontage. Robert Frank wurde in Zürich als Sohn einer jüdischen Familie geboren. Während des Zweiten Weltkriegs blieben Frank und seine Familie in der Schweiz in Sicherheit. Er bildete sich bei verschiedenen Fotografen und Grafikdesignern aus, bevor er 1946 sein erstes handgefertigtes Fotobuch, 40 Photos, erstellte. Frank emigrierte 1947 in die Vereinigten Staaten und bekam einen Job in New York City als Modefotograf für Harper's Bazaar. 1949 veröffentlichte der neue Herausgeber des Magazins Camera, Walter Laubli (1902-1991), ein umfangreiches Portfolio mit Fotografien von Jakob Tuggener, die er auf hochkarätigen Schauen und in Fabriken aufgenommen hatte, zusammen mit den Arbeiten des 25-jährigen Frank, der nach zwei Jahren im Ausland gerade in seine Heimat zurückgekehrt war. Bald darauf reiste er nach Südamerika und Europa und erstellte ein weiteres Buch mit handgefertigten Fotografien, die er in Peru aufgenommen hatte. 1950 kehrte er in die Vereinigten Staaten zurück, wo er Edward Steichen traf und an der Gruppenausstellung 51 American Photographers im Museum of Modern Art (MoMA) teilnahm. Obwohl er der amerikanischen Gesellschaft und Kultur zunächst optimistisch gegenüberstand, änderte sich Franks Sichtweise schnell, als er mit dem schnellen Tempo des amerikanischen Lebens konfrontiert wurde, das er als eine Überbetonung des Geldes ansah. Zu diesem Zeitpunkt begannen seine Bilder, Amerika als einen oft trostlosen und einsamen Ort zu zeigen. Franks eigene Unzufriedenheit mit der Kontrolle, die die Redakteure über seine Arbeit ausübten, beeinflusste zweifellos auch seine Erfahrungen. Er reiste weiter und zog mit seiner Familie kurzzeitig nach Paris. Im Jahr 1953 kehrte er nach New York zurück und arbeitete weiterhin als freiberuflicher Fotojournalist für Zeitschriften wie McCall's, Vogue und Fortune. Indem er sich mit anderen zeitgenössischen Fotografen wie Saul Leiter und Diane Arbus zusammentat, trug er dazu bei, das zu formen, was Jane Livingston in den 1940er und 1950er Jahren die New Yorker Schule der Fotografen nannte. 1955 erlangte Frank weitere Anerkennung, als Edward Steichen sieben seiner Fotografien in die Ausstellung des Museum of Modern Art aufnahm. 1955 erhielt Frank ein Guggenheim-Stipendium der John Simon Guggenheim Memorial Foundation, um durch die Vereinigten Staaten zu reisen und die Gesellschaft zu fotografieren. Zu den Städten, die er besuchte, gehörten Detroit und Dearborn in Michigan, Savannah in Georgia, Miami Beach und St. Petersburg in Florida, New Orleans in Louisiana, Houston in Texas, Los Angeles in Kalifornien, Reno in Nevada, Salt Lake City in Utah, Butte in Montana und Chicago in Illinois. In den folgenden zwei Jahren nahm er seine Familie auf einen Teil seiner Road-Trips mit. In dieser Zeit machte er 28.000 Fotos, von denen er nur 83 für die Veröffentlichung in The Americans auswählte. Seine erste Einzelausstellung fand im Art Institute of Chicago statt, und ein Jahr später stellte er ein zweites Mal im MoMA aus. Im Jahr 1972 veranstaltete das Kunsthaus Zürich eine große Retrospektive seines Werks.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Miró, Museum für Moderne Kunst Mexiko". 1980. Lithographie auf Arches-Pergament, Exemplar 2/100. Mit Bleistift signiert, gewidmet, datiert und nummeriert. Herausgeber: Museo de Arte Moderno de México. Drucker: Litografías Artística Damià Caus, Barcelona. Reproduziert in Maeght Editeur "Miró Litógrafo VI", S. 148. Maße: 76 x 56 cm; 97 x 77 x 4 cm (Rahmen). Diese auf einhundert Exemplare limitierte Lithografie von Miró wurde für das Plakat zur Ankündigung der Ausstellung von Joan Miró im Bosque de Chapultepec im Frühjahr 1980 im Museum of Modern Art verwendet. Monde, Sterne, auf wenige Striche in dickem Schwarz reduzierte Figuren, die in ihrem Inneren Primärfarben einschließen... fassen einige der Seelenkonstellationen von Joan Miró zusammen, die in diesem Bild versammelt sind. Joan Miró wurde in Barcelona ausgebildet und debütierte 1918 in den Galerien von Dalmau. 1920 zog er nach Paris und lernte Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht, auf das Visuelle zu übertragen. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen.

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