Marino Marini (1901-1980) / École orientaliste du XXe siècle Ein Druck und ein Ö…
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Marino Marini (1901-1980) / École orientaliste du XXe siècle

Ein Druck und ein Öl auf Leinwand > Marino Marini, Le Cavalier, 1955, Lithographie auf Papier, unten rechts signiert und datiert - 54,5 x 44 cm > Orientalische Schule des 20. Jahrhunderts, Canal Mahmoudieh, 1996, Öl auf Leinwand unten rechts signiert, betitelt und datiert auf der Rückseite - Leichte Dellen und Fehlstellen, 37,5 x 48,5 cm Zustandsbericht: Gerahmt

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Marino Marini (1901-1980) / École orientaliste du XXe siècle

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PEDRO ATANASIO BOCANEGRA (Granada, 1638 - 1689). "Unbefleckte Empfängnis". Öl auf Leinwand. Neu aufgelegt. Enthält Restaurierungen. Maße: 81 x 61 cm; 100 x 84 cm (Rahmen). Das Gemälde entspricht dem Thema, der Komposition und der Technik von Pedro Atanasio, der stark von Alonso Cano und Van Dyck beeinflusst wurde. Pedro Atanasio de Bocanegra, ein Schüler von Alonso Cano, Pedro Moya und Juan de Sevilla, wurde in den 1660er Jahren der aktivste Künstler seiner Heimatstadt. Sein erstes bekanntes Werk war die Dekoration für die Fronleichnamsfeierlichkeiten in seiner Heimatstadt im Jahr 1661. In den folgenden Jahren folgten Aufträge wie die zwischen 1665 und 1666 ausgeführten Gemälde für den Kreuzgang des Klosters Nuestra Señora de Gracia, die heute verloren sind, oder die zahlreichen Gemälde, darunter die "Bekehrung des Heiligen Paulus", die er zwischen 1668 und 1672 für den Altar des Kollegs der Gesellschaft Jesu malte, der heutigen Kirche der Heiligen Justo und Pastor (in situ). Zur gleichen Zeit erhielt er den Auftrag, das Kartäuserkloster von Granada mit großen Szenen aus dem Leben der Jungfrau zu schmücken, zu denen zwei Werke gehören, die heute im Prado-Museum aufbewahrt werden: Die "Erscheinung der Jungfrau vor dem Heiligen Bernhard" und "Die Jungfrau und der Heilige Petrus, die einigen Kartäusermönchen die Regel geben". Er wurde auch zum Maler der Kathedrale ernannt. Nach dieser Zeit ging er 1686 nach Sevilla und von dort an den Madrider Hof, wo er von Don Pedro de Toledo, Marquis von Mancera, geschützt wurde. Dank des Einflusses seines Beschützers erhielt Bocanegra für sein Gemälde "Allegorie der Gerechtigkeit", das von einem venezianischen Druck aus der Mitte des 16. Jahrhunderts inspiriert ist und heute in der Königlichen Akademie von San Fernando aufbewahrt wird, den Titel eines Malers des Königs "ad honorem". Weitere erhaltene Werke sind "Die Anbetung der Eucharistie" (Kloster der Góngoras, Madrid), mehrere Porträts von Mitgliedern des Trinitarierordens (Palast Karls V., Granada) sowie die im Prado aufbewahrten Gemälde, die die Jungfrau mit dem Kind und verschiedene Heilige darstellen, und "Der Triumph Davids". Nach seinem Aufenthalt in Madrid kehrte Pedro Bocanegra nach Granada zurück, wo er den Maler und Architekten Teodoro de Ardemans kennenlernte, der ihn auf einem Gemälde porträtierte, das im erzbischöflichen Palast von Granada aufbewahrt wurde. Bocanegra entwickelte einen Stil, der dem seines Meisters Cano ähnelte, und wurde für den großen Reiz seiner religiösen Bilder bewundert, die er mit großer Zartheit darstellte. Seine zeichnerische Schwäche kompensierte er mit einem angenehmen, sehr ausgearbeiteten Kolorit, das sein Interesse an der zeitgenössischen flämischen Kunst, insbesondere an der von Anton van Dyck, beweist. Neben den bereits erwähnten Kunstgalerien und religiösen Zentren befinden sich derzeit Werke dieses Meisters im Museum von Zaragoza, im Goya-Museum in Castres, im Diözesanmuseum für Sakrale Kunst in Vitoria und im Museum der Schönen Künste in Granada sowie in verschiedenen privaten Sammlungen. Es stellt Restaurierungen vor.

Nachfolger von REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN (Leiden, 1606 - Amsterdam, 1669). "Die Entschlafung der Jungfrau". Öl auf Tafel. Wiege. Es präsentiert Restaurierungen und Fehler auf der Bildoberfläche. Maße: 79 x 63 cm; 100 x 84 cm (Rahmen). Dieses Gemälde folgt dem Kompositionsmodell, das Rembrandt in seinem 1639 entstandenen Stich der Mariä Entschlafung geschaffen hat. Die Hispanic Digital Library besitzt ein Exemplar in ihrer Sammlung, das sie wie folgt beschreibt: "Eine seiner berühmtesten religiösen Radierungen ist Der Tod der Jungfrau, 1639. Es ist die erste Radierung, in der er die Kaltnadelradierung in allgemeiner Form verwendet, und die größte nach Hundert Gulden. Es gibt drei Zustände dieses Stichs, und die Biblioteca Nacional besitzt zwei ausgezeichnete Kopien des zweiten Zustands. Die Szene kann mit Dürers Der Tod der Jungfrau in Verbindung gebracht werden, den Rembrandt 1638 ersteigerte, und auch mit mehreren Zeichnungen dieser Zeit, wie Der Tod Jakobs oder die der kranken Saskia im Bett. In Der Tod der Jungfrau umringen die Apostel in Trauer das Totenbett der Jungfrau, während die Engel um sie kreisen, um ihre Seele zu empfangen. Es handelt sich um eine vielgestaltige Komposition, in der jede Person ihren Kummer auf andere Weise zum Ausdruck bringt. Der Raum ist mit großen Vorhängen, Teppichen und einem überdachten Bett geschmückt. Das Spiel von Licht und Schatten ist so gestaltet, dass sich die Aufmerksamkeit auf die tote Jungfrau und den Ausschnitt der Herrlichkeit konzentriert, der den gesamten oberen Teil des Bildes einnimmt, wo Rembrandt sehr lange und gekreuzte Linien verwendet. In diesem Blatt verwendet er zum ersten Mal die Kaltnadelradierung auf der reinen Platte, bevor er sie mit der Radierung vervollständigt. Von diesem Moment an wird diese Technik für Rembrandt zu einem echten künstlerischen Ausdrucksmittel". Die Figur der Jungfrau mit geschlossenen Augen, die auf einem Bett liegt, ist aus dem Zentrum der Szene gerückt. Die Anwesenheit der bedrängten Apostel zu Füßen der Jungfrau und das Erscheinen der Engel weisen darauf hin, dass es sich um die Darstellung der Passage der Jungfrau handelt. Ein Thema, das in der Barockzeit und später aufgrund der Gegenreformation populär wurde, die die christliche Religion dazu brachte, auf verschiedene Passagen aus dem Leben der Jungfrau zurückzugreifen. In dem Werk sticht vor allem die große Pracht der Architektur hervor, mit der die Szene gestaltet ist. Nach den apokryphen Evangelien rief die Jungfrau nach der Ankündigung ihres irdischen Endes durch den Heiligen Michael die Apostel zusammen, die ihrem Ruf folgten, mit Ausnahme des Heiligen Thomas, der in Indien predigte. Wir können nachvollziehen, wie der Autor dieses Gemäldes die Lektion des unbestrittenen Meisters des Helldunkels, der monochromen Tonalitäten mit spektakulären Merkmalen, verinnerlicht hat. Wir können auch den Abdruck von Rembrandts vielfältigen Impastos erkennen, dessen Pinselstriche von zarten Lasuren bis hin zu einem an Materie reichen Pinselstrich reichen. Rembrandt war nicht nur ein meisterhafter Maler, sondern auch ein außergewöhnlicher Kupferstecher. Er arbeitete sowohl mit dem Stichel als auch mit der Kaltnadel, wobei er stets auf eine vorherige Zeichnung verzichtete, die Platte direkt angriff und die Ausdrucksmöglichkeiten der Radiertechnik voll ausschöpfte. Er machte viele Versuche, entfernte und fügte Elemente ein und retuschierte, daher der große Sinn für Unmittelbarkeit seiner Stiche. Er fertigte bis zu zehn verschiedene Zustände an, und es dauerte sogar Jahre, bis er einige seiner Werke fertig stellte. Sein Lieblingsthema war das Selbstporträt: Er nahm sich selbst als Modell, um seine Zuneigung zu studieren, und hinterließ gleichzeitig eine Aufzeichnung seiner Persönlichkeit und des Laufs der Zeit. Es zeigt Restaurierungen und Fehler auf der Bildoberfläche.