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Mo 29 Jul

HENRI CARTIER-BRESSON ( Chanteloup-en-Brie, Frankreich, 1908- Céreste, Frankreich, 2004). "Landwirt", 1950-1959. Gelatinesilber. Späterer Abzug. "To Madame Bardinet en hommage" und blinder Copyright-Stempel (im Rand). Mit Tinte signiert. Provenienz: Alona Kagan Galerie NY. Maße: 16 x 23, 5 cm. In diesem Werk von großer Ausdruckskraft sehen wir, wie ein Bauer seine Hand nach jemandem ausstreckt, der sich außerhalb der Ebene des Betrachters befindet. Die Szene scheint ein traditionelles Bild darzustellen, aber der Künstler geht noch weiter, nicht nur, weil er einen völlig flüchtigen Moment einfängt, wie es in der Produktion des Künstlers üblich ist, sondern auch wegen des Geheimnisses einer Figur, die Teil der Szene ist, deren Identität aber nicht enthüllt wird. Henri Cartier-Bresson war ein französischer Künstler und humanistischer Fotograf, der als Meister der Fotografie gilt und einer der ersten Nutzer des 35-mm-Films war. Er war der Pionier des Genres der Straßenfotografie und verstand die Fotografie als Einfangen des entscheidenden Augenblicks. Seine erste große Reportagereise führte ihn 1931 an die Elfenbeinküste, und die Fotografien seiner zahlreichen Reisen fanden schnell ein Forum in Zeitschriften und Ausstellungen. Auch in New York sammelte er Erfahrungen bei Paul Strand. Im Spätsommer 1937, vor der Schlacht von Belchite, reiste er mit Herbert Kline, dem ehemaligen Redakteur der Zeitschrift New Theater, und dem Kameramann Jacques Lemare nach Spanien, um eine Dokumentation über das American Medical Bureau während des Spanischen Bürgerkriegs zu drehen. Sie filmten in Villa Paz, dem Krankenhaus der Internationalen Brigaden in Saelices, nicht weit von Madrid, und an der Küste von Valencia, um die Genesung verwundeter Freiwilliger in den Villen von Benicàssim zu dokumentieren. Sie besuchten auch die Abraham-Lincoln-Brigade in Quinto, in der Nähe von Saragossa, und drehten den Film Mit der Abraham-Lincoln-Brigade in Spanien. Von 1937 bis 1939 war Cartier-Bresson Regieassistent bei drei Filmen von Jean Renoir, darunter Die Spielregeln. Im Jahr 1940 verbrachte er fast drei Jahre als Kriegsgefangener in Deutschland. Nachdem fälschlicherweise angenommen worden war, er sei im Krieg gefallen, widmete das Museum of Modern Art in New York Cartier-Bresson 1947 eine große "posthume" Retrospektive. Im selben Jahr gründete er zusammen mit Robert Capa, David Seymour und George Rodger die Agentur Magnum Photos in New York, um die Rechte an den Werken der Fotografen zu sichern. 1955 war Cartier-Bresson der erste Fotograf, der im Pariser Louvre ausstellen durfte. Seine Fotografien wurden gesammelt und u. a. in Images à la sauvette (1952, Bilder im Vorübergehen), D'une Chine à l'autre (1968, China gestern und heute) und Moscou (1955, Moskau) veröffentlicht. Cartier-Bresson hörte 1972 auf, professionell zu fotografieren, und widmete sich intensiv der Kunst des Zeichnens. Im Jahr 1974 wurde er zum Mitglied der American Academy of Arts and Sciences gewählt. Seine Werke befinden sich in den Sammlungen des Art Institute of Chicago, des Museum of Modern Art, des International Center of Photography, des Victoria and Albert Museum und des J. Paul Getty Museum.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Mo 29 Jul

BLEDA Y ROSA, María Bleda (Castellón, 1968) José M. Rosa (Albacete, 1970). Grao de Castellón, 1994. Serie "Fußballplätze". 1992-1995. Gelatine-Silberbromid-Positiv auf festem Träger aus 100% Baumwolle. Ed. 5/15. Mit Etikett der Galerie Visor, Valencia. Maße: 45 x 55 cm; 84 x 93 cm (Rahmen) (jeweils). "Campos de fútbol" ist eine der repräsentativsten Serien der Fotografen Bleda und Rosa. Sie selbst erklären über dieses Projekt: "Mit dem Ziel, den Lauf der Zeit durch das fotografische Bild darzustellen, begannen wir Ende 1992, Fußballplätze zu fotografieren, angezogen von jenen Plätzen, die wir am Ausgang jeder Stadt oder am Stadtrand finden konnten. Es waren Orte, die denen unserer Kindheit ähnelten, die sich aber aufgrund von Faktoren wie Abwanderung vom Dorf in die Stadt, niedrige Geburtenraten oder Zersiedelung in einem fortgeschrittenen Prozess der Umwandlung oder Vernachlässigung befanden". María Bleda und José María Rosa sind zwei spanische Fotografen, die die Fotografie als Ressource für ihren künstlerischen Ausdruck nutzen. Ihr gemeinsames Werk kann als ein einziger Autor betrachtet werden und wurde mit dem Nationalen Fotopreis ausgezeichnet. Seit 1992 veranstalten sie regelmäßig Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen in ganz Spanien, aber auch in Schottland, Portugal, den Vereinigten Staaten, China usw. Ihre Arbeiten befinden sich in den Sammlungen verschiedener Institutionen wie dem ARTIUM, dem Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, dem Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, usw. Sie haben auch mehrere Preise und Anerkennungen erhalten, wie zum Beispiel: 1995 Imágenes Jóvenes - Arte Joven, Madrid.1996 Premio Arte Joven, Valencia.1997 Accésit Certamen de Artes Plásticas, Castellón.1999 Grand Prix Ville de Collioure.2001 Premio Altadis Artes Plásticas, Madrid.2002 Honorable Mention, IV Premio de pintura y fotografía ABC, Madrid.2005 Premio PHotoEspaña Fotógrafo Revelación, Madrid. Präsentiert das Label der Galerie Visor, Valencia.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Mo 29 Jul

MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Paris, 2016). "Junges Mädchen hält eine Blume", Washington, 1967. Gelatinesilber. Späterer Druck. Am Rand mit Tinte signiert und gewidmet "to Patrick". Provenienz: Sammlung Zwigoff, New York. Maße: 25 x 36 cm (Bild); 31 x 40,5 cm (Papier). Diese Fotografie einer jungen Frau, die eine Blume vor Soldaten hält, entstand im Rahmen einer Demonstration in Washington gegen den Vietnamkrieg und ist eines der berühmtesten Bilder von Marc Riboud. Der Wert der Szene liegt neben der emotionalen Kraft, die sie vermittelt, in der Fähigkeit, die Botschaft der Hoffnung inmitten des Ausbruchs von Gewalt zu universalisieren. Denn es war ohnehin immer die menschliche Seite der Konflikte, die Riboud in seinen Fotografien als Kriegsberichterstatter in den Vordergrund stellte. So fotografierte er zwar den Krieg in Vietnam und die chinesische Kulturrevolution, spiegelte aber auch Aspekte des täglichen Lebens in Städten wie Fez, Angkor, Shaanxi oder Benares wider. Marc Riboud war ein französischer Fotograf, der auf Fotojournalismus spezialisiert war und zur Agentur Magnum gehörte. Bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs kämpfte er in der Résistance und begann 1945 ein Ingenieurstudium an der École Centrale de Lyon. Die Fotografie erlernte er ab seinem fünfzehnten Lebensjahr autodidaktisch mit einer von seinem Vater zur Verfügung gestellten Vest Pocket Kodak-Kamera. Nachdem er als Ingenieur gearbeitet hatte, trat er 1952 der Agentur Magnum bei, nachdem er Henri Cartier-Bresson und Robert Capa kennengelernt hatte, wo er bis 1979 die wichtigsten Reportagen seiner Karriere machte. Sein erstes Foto, das 1953 in Life veröffentlicht wurde, war "Painter at the Eiffel Tower". Er gehörte zu den ersten Fotografen, die 1957 nach China einreisen durften, und war fast der einzige Westler, der aus Nordvietnam über den Vietnamkrieg berichtete. Er hat zahlreiche Bücher veröffentlicht und seine Arbeiten in vielen Städten ausgestellt. Im Jahr 2003 erhielt er den Cornell Capa Award der Infinity Awards. Es gab mehrere Retrospektivausstellungen seines Werks, wie 1997 in New York und 2005 in Paris. Ausstellungen (Auswahl seit 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Paris. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Paris. 2012 Während der Tage des Kulturerbes", Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Anfang des Jahrhunderts, Regionalrat Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Richard Anacreonte Museum für moderne Kunst, Granville.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Mo 29 Jul

FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) Ohne Titel, aus der Serie "Angels", Rom, 1977-1978. Gelatinesilberdruck. Später gedruckt von Igor Bakht, Stempel auf der Rückseite. Signiert von George und Betty Woodman, kommentiert n. 297 "For Igor Kind Ryards" in Bleistift. PE/FW-Kreditstempel auf der Rückseite. Provenienz: Privatsammlung Foster Glasgow. Maße: 15,5 x 15,5 cm (Bild); 26 x 21 cm (Papier). Diese Fotografie gehört zur römischen Periode von Woodman. Die Unschärfe des Körpers, die gespenstischen Präsenzen, die Nacht und die Gespenster bilden ein suggestives Bild, in dem die Künstlerin selbst die Hauptfigur ist. Woodman erforscht den verborgenen Teil ihres eigenen Wesens und versucht sichtbar zu machen, was eigentlich unsichtbar ist. In dieser Serie verwendet die Fotografin Langzeitbelichtungstechniken, um Bewegungen einzufangen. Das Ergebnis sind unscharfe Figuren, die zu verblassen oder mit ihrer Umgebung zu verschmelzen scheinen. Dieser Effekt erzeugt ein Gefühl von Dynamik und ruft die Vorstellung von ätherischen Wesen oder Geistern hervor. Diese Serie (Angels) entstand in Rom. Zwischen 1975 und 1979, während ihres Studiums am Providence College of Fine Arts, wo Francesca Woodman sich durch ihre künstlerischen Fähigkeiten auszeichnete, erhielt sie ein Stipendium des Honors Program, das es ihr ermöglichte, ein Jahr lang in den Einrichtungen der Schule im Palazzo Cenci in Rom zu leben. Sie lernte eine Gruppe von Künstlern kennen, die mit der Galerie und Buchhandlung Maldoror in Verbindung standen, und schloss sich ihnen an. Die Inhaber Giuseppe Casetti und Paolo Missigoi fühlten sich zu allen Künstlern hingezogen, die mit der Avantgarde in Verbindung standen, insbesondere zum Futurismus, Surrealismus und Symbolismus. Den Besitzern gelang es, Woodman in eine Ausstellung von fünf jungen Künstlern in der Galerie Ugo Ferranti aufzunehmen, an der sie als einzige Amerikanerin teilnahm. Dies wurde ihre erste Einzelausstellung. In Rom entstanden einige ihrer bis heute bekanntesten Werke wie "On Being an Angel", "Glove Series", "Self-deceit". Ihre Fotografien formulieren das Bild der Frau neu, Francesca Woodman war eine amerikanische Fotografin, die für ihre intimen Schwarz-Weiß-Selbstporträts bekannt ist. Sie machte ihren Abschluss an der Rhode Island School of Design und der University of Fine Arts in Providence. Ihre Fotografien zeichnen sich in erster Linie durch die Verwendung eines einzigen Modells aus, das in der Regel nackt ist. In der Regel war es sie selbst, aber in verschiedenen Fotografien porträtierte sie auch mehrere ihrer Freunde. Der von der Kamera erfasste Körper war in der Regel in Bewegung, was auf lange Belichtungszeiten zurückzuführen ist, oder das Bild war unscharf. Er wandte auch andere Techniken an, wie die Maskierung seiner selbst oder den Versuch, mit den Gegenständen oder der Umgebung zu verschmelzen. Sie wurde in eine Künstlerfamilie hineingeboren. Schon früh wurde sie zusammen mit ihrem Bruder Charles Woodman von ihren Eltern, George Woodman und Betty Woodman, die beide bildende Künstler waren, in die Kunstwelt eingeführt. Heute verwalten sie ein Archiv mit mehr als 800 Bildern ihrer Tochter, von denen 120 ausgestellt oder veröffentlicht wurden. Sie gehört zur Generation der Avantgarde-Frauen der 1970er Jahre, die ihren Beitrag und ihre Vision von der Welt einforderten, zu der auch aktivistische Künstlerinnen wie Cindy Sherman, Martha Rosler oder Ana Mendieta gehören.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Mo 29 Jul

MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Paris, 2016). "Le peintre de la Tour Eiffel", Paris, 1953. Gelatinesilber. Späterer Druck. Signiert und datiert in Tinte am Rand. Provenienz: Sammlung O'Hara, New York. Maße: 37,5 x 24 cm (Bild); 40,8 x 30 cm (Papier). "Painter at the Eiffel Tower" war das erste Foto, das Marc Riboud im Life Magazine (1953) veröffentlichte. Darin wird ein Element deutlich, das Ribouds künstlerisches Schaffen durchzieht: seine Fähigkeit, jeder Tätigkeit, und sei sie noch so unangenehm oder langweilig, einen Zauber zu entlocken. Aus diesem Grund bleibt er trotz seiner Tätigkeit als Kriegsberichterstatter vor allem als humanistischer Fotograf in Erinnerung, denn er verteidigte stets die menschlichen Werte im Angesicht des Unglücks. Marc Riboud war ein französischer Fotograf, der auf Fotojournalismus spezialisiert war und zur Agentur Magnum gehörte. Bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs kämpfte er in der Résistance und begann 1945 ein Ingenieurstudium an der École Centrale de Lyon. Die Fotografie erlernte er ab seinem fünfzehnten Lebensjahr autodidaktisch mit einer von seinem Vater zur Verfügung gestellten Vest Pocket Kodak-Kamera. Nachdem er als Ingenieur gearbeitet hatte, trat er 1952 der Agentur Magnum bei, nachdem er Henri Cartier-Bresson und Robert Capa kennengelernt hatte, wo er bis 1979 die wichtigsten Reportagen seiner Karriere machte. Er war einer der ersten Fotografen, die 1957 nach China einreisen durften, und fast der einzige Westler, der aus Nordvietnam über den Vietnamkrieg berichtete. Er hat zahlreiche Bücher veröffentlicht und seine Arbeiten in zahlreichen Städten ausgestellt. Im Jahr 2003 erhielt er den Cornell Capa Award der Infinity Awards. Es gab mehrere Retrospektivausstellungen seines Werkes, wie 1997 in New York und 2005 in Paris. Ausstellungen (Auswahl seit 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Paris. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Paris. 2012 Während der Tage des Kulturerbes", Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Anfang des Jahrhunderts, Regionalrat Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Richard Anacreonte Museum für moderne Kunst, Granville.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Mo 29 Jul

ANDRÉ KERTÉSZ (Budapest, 1894 - New York, 1985). "Satirische Tänzerin". Paris, 1926. Gelatinesilber, späterer Druck. Signiert, betitelt und datiert mit Bleistift (verso). Provenienz: Aus der Privatsammlung von Schroeder New Jersey. Maße: 20,6 x 25,5 cm (Bild); 21 x 26 cm (Papier). André Kertész wusste die Fähigkeit der Kamera, Tanz und Menschen in Bewegung einzufangen, sehr zu schätzen. Diejenige, die auf dieser Fotografie in einer ganz und gar nicht archetypischen Pose auf dem Sofa liegt, ist die Tänzerin und Kabarettistin Magda Förstner, die Kertész eigens für die Aufnahme ins Atelier eingeladen hatte. Die Aufnahme entstand im Atelier des Bildhauers István Beöthy, wie die Skulpturenbüste neben dem Sessel andeutet, die als Inspiration für das Modell dient. Kertész selbst schildert die Situation so: "Ich sagte zu ihr: 'Mach etwas im Sinne der Atelierecke', und sie begann sich auf der Couch zu bewegen. Sie machte einfach eine Bewegung. Ich habe nur zwei Fotos gemacht... Es ist wunderbar, Menschen in Bewegung zu fotografieren. Man muss nicht Hunderte von Filmrollen drehen, wie es heute üblich ist. Es geht darum, den richtigen Moment zu erwischen. Den Moment, in dem sich etwas in etwas anderes verwandelt." Der Fotograf André Kertész war für seine innovativen Kompositionsansätze und Kameraperspektiven bekannt, obwohl sein einzigartiger Stil seine Anerkennung in der Anfangsphase seiner Karriere zunächst behinderte. Als Autodidakt veröffentlichte er seine frühen Arbeiten vor allem in Zeitschriften, die in dieser Zeit eine wichtige Plattform darstellten. Nachdem er im Ersten Weltkrieg gekämpft hatte, zog er nach Paris, wo er für VU, die erste illustrierte Zeitschrift Frankreichs, arbeitete. Er engagierte sich in der Dada-Bewegung und arbeitete mit jungen Künstlern zusammen, die von der Kritik gelobt wurden und kommerziellen Erfolg hatten. 1936 emigrierte er in die Vereinigten Staaten, wo er in der PM Gallery in New York eine Einzelausstellung hatte und kurzzeitig für die Agentur Keystone arbeitete. Ein Angebot, für die Vogue zu arbeiten, lehnte er ab, da er sich dort nicht wohlfühlte. Stattdessen entschied er sich, für die Zeitschrift Life zu arbeiten. Seine New Yorker Zeit zeichnet sich dadurch aus, dass er vom Fenster seiner Wohnung aus fotografiert und Momente des täglichen Lebens verewigt, immer in der Überzeugung, dass "alles ein Thema ist. Jedes Motiv hat einen Rhythmus. Ihn zu spüren, ist die raison d'être. Die Fotografie ist ein festes Moment einer solchen Daseinsberechtigung, die in sich selbst lebt." 1963 kehrte er nach Paris zurück und machte mehr als 2.000 Schwarz-Weiß-Fotografien und fast 500 Dias, die das Wesen der Stadt Montmartre, die Ufer der Seine, ihre Gärten und Parks einfangen.

Schätzw. 4 500 - 5 000 EUR

Mo 29 Jul

HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Frankreich, 1908- Céreste, Frankreich, 2004). "Matisse", Vence, Frankreich, 1944. Gelatinesilber, späterer Druck. Im Rand mit Tinte signiert und mit geprägtem Copyright-Stempel des Fotografen (im Rand). Provenienz: Privatsammlung Reuben, Chicago. Maße: 25,3 x 37 cm (Bild); 31 x 40,8 cm (Papier). Henri Cartier-Bresson verewigte den französischen Maler Henri Matisse in der Villa "Le Rêve", seinem Haus in den Alpes-Maritimes, als der Verleger Pierre Braun ihn bat, Schriftsteller und Künstler für ein Buchprojekt zu fotografieren, das nie zustande kam. Der fauvistische Maler war zu diesem Zeitpunkt 70 Jahre alt und musste sich nach einer Operation, die Jahre zuvor stattgefunden hatte, auf einem Stuhl oder Bett niederlassen, wie auf dem angebotenen Schnappschuss zu sehen ist. In Le Rêve zeichnete und malte Matisse die weißen Tauben, die in seinem Zimmer umherflogen, sowie seine regelmäßigen Modelle, Micaela Avogadro und Lydia Delectorskaya. Der Fauvist hielt sich auch in seiner Wohnung in Nizza auf, wo Cartier-Bresson ihn ebenfalls fotografierte. Bresson selbst sagte über diese Besuche in der Villa: "Als ich Matisse besuchte, saß ich in einer Ecke, ich bewegte mich nicht, wir sprachen nicht. Es war, als ob wir nicht existierten." Henri Cartier-Bresson war ein französischer Künstler und humanistischer Fotograf, der als Meister der Fotografie gilt und einer der ersten Nutzer des 35-mm-Films war. Er war der Pionier des Genres der Straßenfotografie und vertrat die Auffassung, dass die Fotografie den entscheidenden Moment einfängt. Seine erste große Reportagereise führte ihn 1931 an die Elfenbeinküste, und die Fotografien seiner zahlreichen Reisen fanden schnell ein Forum in Zeitschriften und Ausstellungen. Auch in New York sammelte er Erfahrungen bei Paul Strand. Im Spätsommer 1937, vor der Schlacht von Belchite, reiste er mit Herbert Kline, dem ehemaligen Redakteur der Zeitschrift New Theater, und dem Kameramann Jacques Lemare nach Spanien, um eine Dokumentation über das American Medical Bureau während des Spanischen Bürgerkriegs zu drehen. Sie filmten in Villa Paz, dem Krankenhaus der Internationalen Brigaden in Saelices, nicht weit von Madrid, und an der Küste von Valencia, um die Genesung verwundeter Freiwilliger in den Villen von Benicàssim zu dokumentieren. Sie besuchten auch die Abraham-Lincoln-Brigade in Quinto, in der Nähe von Saragossa, und drehten den Film Mit der Abraham-Lincoln-Brigade in Spanien. Von 1937 bis 1939 war Cartier-Bresson Regieassistent bei drei Filmen von Jean Renoir, darunter Die Spielregeln. Im Jahr 1940 verbrachte er fast drei Jahre als Kriegsgefangener in Deutschland. Nachdem fälschlicherweise angenommen worden war, er sei im Krieg gefallen, widmete das Museum of Modern Art in New York Cartier-Bresson 1947 eine große "posthume" Retrospektive. Im selben Jahr gründete er zusammen mit Robert Capa, David Seymour und George Rodger die Agentur Magnum Photos in New York, um die Rechte an den Werken der Fotografen zu sichern. Cartier-Bresson war der erste Fotograf, der 1955 im Louvre in Paris ausstellen durfte. Seine Fotografien wurden gesammelt und u. a. in Images à la sauvette (1952, Bilder im Vorübergehen), D'une Chine à l'autre (1968, China gestern und heute) und Moscou (1955, Moskau) veröffentlicht. Cartier-Bresson hörte 1972 auf, professionell zu fotografieren und widmete sich intensiv der Zeichenkunst. Im Jahr 1974 wurde er zum Mitglied der American Academy of Arts and Sciences gewählt.

Schätzw. 8 000 - 8 500 EUR

Mo 29 Jul

HELEN LEVITT (New York, 1913-2009). "NYC. Maskierte Kinder an der Haltestelle", New York, 1940. Gelatinesilber, späterer Abzug. Signiert, datiert und mit Bleistift bezeichnet "N.Y.C." (auf der Rückseite). Provenienz: Aus der Privatsammlung von Schroeder New Jersey. Maße: 19,4 x 27,7 cm (Bild); 28 x 34,8 cm (Papier). Helen Levitt gilt als eine der bedeutendsten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts und als eine der Vorreiterinnen des heutigen unabhängigen Kinos. Sie gehört der so genannten New Yorker Schule an, die eine direkte und aseptische Straßenfotografie vertrat. Sie war eine Schülerin von Walker Evans und Cartier-Bresson, Ben Shanhn und dem Kreis der Photo League of New York, von denen sie die Suche nach dem Augenblick lernte. Ihre Art, Gesten, Körper in Bewegung, die Sprache der Straße einzufangen, haben ihr Werk fast zu einer anthropologischen Studie gemacht. 1939 wurden Helen Levitts Fotos bereits in Zeitschriften wie Fortune, US Camera, Minicam und PM veröffentlicht. Ihr bekanntestes Werk ist in Schwarz-Weiß und im dokumentarischen Genre gehalten, wobei sie die Straßen und die Bewohner der Stadt, insbesondere die Kinder, ins Visier nimmt. Ein Beweis dafür ist die Ausstellung "Helen Lewitt: Photographs of Children", die ihr 1943 vom MoMA in New York gewidmet wurde. Während ihrer Reise nach Mexiko im Jahr 1941 porträtierte sie auch Straßenkinder. In den 1970er Jahren fotografierte Lewitt die Straßen von New York mit Farbdias und setzte sie als weitere Quelle in ihre eigene Sprache um. Anzumerken ist, dass er sich schon immer zum Filmemachen berufen fühlte: In den 1940er Jahren drehte er seine ersten Dokumentarfilmprojekte im Auftrag des spanischen Filmregisseurs Luis Buñuel, der wegen des Spanischen Bürgerkriegs in den Vereinigten Staaten im Exil lebte. Im Jahr 1948 führte er Regie bei den Filmen "In the Street" und "The Quiet One".

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Mo 29 Jul

HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Frankreich, 1908- Céreste, Frankreich, 2004). "Jardins du Palais Royal", Paris, 1959. Gelatinesilber, späterer Druck. Signiert und kommentiert "pour Tuto" in Tinte und Urheberrechtsstempel des Fotografen im Relief (am Rand). Provenienz: Privatsammlung Reuben, Chicago. Das Centre Pompidou besitzt eine Kopie dieses Bildes. Maße: 37 x 25 cm (Bild); 41 x 31 cm (Platte). Dank seiner Leica-Handkamera konnte sich Henri Cartier-Bresson bei seinen Streifzügen durch neue Städte und fremde Orte mühelos bewegen und Bilder aufnehmen, die seine bohemehafte Spontaneität mit seinem malerischen Sinn für Komposition verbanden. Dieser Modus Operandi wurde als "der entscheidende Moment" bekannt, ein berühmtes Konzept, das die Fotografen des gesamten 20. Jahrhunderts beeinflussen sollte. Henri Cartier-Bresson war ein französischer Künstler und humanistischer Fotograf, der als Meister der Fotografie gilt und einer der ersten Nutzer des 35-mm-Films war. Er leistete Pionierarbeit im Bereich der Straßenfotografie und verstand die Fotografie als Einfangen des entscheidenden Augenblicks. Seine erste große Reportagereise führte ihn 1931 an die Elfenbeinküste, und die Fotografien seiner zahlreichen Reisen fanden schnell ein Forum in Zeitschriften und Ausstellungen. Auch in New York sammelte er Erfahrungen bei Paul Strand. Im Spätsommer 1937, vor der Schlacht von Belchite, reiste er mit Herbert Kline, dem ehemaligen Redakteur der Zeitschrift New Theater, und dem Kameramann Jacques Lemare nach Spanien, um eine Dokumentation über das American Medical Bureau während des Spanischen Bürgerkriegs zu drehen. Sie filmten in Villa Paz, dem Krankenhaus der Internationalen Brigaden in Saelices, nicht weit von Madrid, und an der Küste von Valencia, um die Genesung verwundeter Freiwilliger in den Villen von Benicàssim zu dokumentieren. Sie besuchten auch die Abraham-Lincoln-Brigade in Quinto, in der Nähe von Saragossa, und drehten den Film Mit der Abraham-Lincoln-Brigade in Spanien. Von 1937 bis 1939 war Cartier-Bresson Regieassistent bei drei Filmen von Jean Renoir, darunter Die Spielregeln. Im Jahr 1940 verbrachte er fast drei Jahre als Kriegsgefangener in Deutschland. Nachdem fälschlicherweise angenommen worden war, er sei im Krieg gefallen, widmete das Museum of Modern Art in New York Cartier-Bresson 1947 eine große "posthume" Retrospektive. Im selben Jahr gründete er zusammen mit Robert Capa, David Seymour und George Rodger die Agentur Magnum Photos in New York, um die Rechte an den Werken der Fotografen zu sichern. 1955 war Cartier-Bresson der erste Fotograf, der im Pariser Louvre ausstellen durfte. Seine Fotografien wurden gesammelt und u. a. in Images à la sauvette (1952, Bilder im Vorübergehen), D'une Chine à l'autre (1968, China gestern und heute) und Moscou (1955, Moskau) veröffentlicht. Cartier-Bresson hörte 1972 auf, professionell zu fotografieren und widmete sich intensiv der Zeichenkunst. Im Jahr 1974 wurde er zum Mitglied der American Academy of Arts and Sciences gewählt.

Schätzw. 12 000 - 13 000 EUR

Mo 29 Jul

WEEGEE; ARTHUR FELLIG (Ukraine, 1899- 1968). "Zirkus-Radfahrer, ca. 1943. Gelatinesilber-Fotografie. Leichte Beschädigung des Rahmens. Präsentiert Stempel auf der Rückseite "Credit Foto von Weegee-The Famous". Maße: 18 x 13,5 cm; 40x 30,5 cm (Rahmen). Arthur Fellig, bekannt unter seinem Pseudonym Weegee, war ein Fotograf und Fotojournalist, der für seinen rauen fotografischen Stil gelobt wurde, der die Straßenszene in New York City darstellte, meist in Schwarz-Weiß. Weegee arbeitete in den 1930er und 1940er Jahren als Pressefotograf in Manhattans Lower East Side. Er entwickelte seinen unverkennbaren Stil, indem er die Notdienste der Stadt verfolgte und einen Großteil ihrer Aktivitäten dokumentierte. Aus diesem Grund zeigen seine Kompositionen realistische Szenen des städtischen Lebens, der Kriminalität und des Todes. Weegee veröffentlichte Bücher über Fotografie und arbeitete auch im Filmbereich, wo er zunächst seine eigenen Kurzfilme drehte und später mit Filmemachern wie Jack Donohue und Stanley Kubrick zusammenarbeitete. Einer seiner ersten Jobs war im Fotolabor der New York Times. Später, während seiner Beschäftigung bei Acme Newspictures, brachten ihm seine Fähigkeiten und sein Einfallsreichtum bei der Entwicklung von Live-Prints den Namen "Mr. Squeegee" ein. Die meisten seiner Fotografien entstanden mit den für Pressefotografen typischen Geräten und ästhetischen Richtlinien. Er war ein autodidaktischer Fotograf ohne formale Ausbildung. Einige seiner Fotos spiegeln eine Gegenüberstellung der Darstellung von Menschen aus der High Society mit anderen, die nicht zum selben gesellschaftlichen Kreis gehören. Weeges Arbeit ist national und international weithin anerkannt, und seine Werke befinden sich in wichtigen privaten und öffentlichen Sammlungen. Ein Beispiel dafür war die Ausstellung Weegee's New York, die 2009 in der Fundación Telefónica in Madrid stattfand. Es hat leichte Schäden am Rahmen.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Mo 29 Jul

"PACO PEREGRÍN"; PEREGRÍN, Francisco (Almería, 1976). "Alien Beauty (VI)". Modell Naadia Kloet (Delphoss). Exemplar 1/10. Kleine Auflage (limitiert auf 10 Exemplare + 1AP). Digitale Fotografie. Lambda-Druck unter Methacrylat auf Dibond und Aluminiumrahmen. Beiliegendes Zertifikat des Künstlers. Bibliographie: "Otherworldly", Theo Mass Lexileictous und Editorial Gestalten, 2016 (Seite 238); "Avenue Illustrated" Magazine, Ausgabe 19, Spanien, 2009 (Seite 105); "Ozine Magazine", Ausgabe Oktober-November 2009 (Seite 199). Werk signiert und nummeriert. Größe: 50 x 37 cm. Inspiriert von der außerirdischen Ästhetik hat Paco Peregrín mit dem vorliegenden Werk eine schöne, modische und "avantgardistische" Geschichte zwischen Futurismus und dem Außerirdischen geschaffen. Es zeigt eine persönliche und eindrucksvolle Spekulation über die Entwicklung der Identität und die Verklärung der menschlichen Züge. Paco Peregrín ist ein andalusischer Fotograf, der derzeit als eines der weltweit führenden Talente im Bereich der künstlerischen, redaktionellen und Werbefotografie gilt und in all seinen Arbeiten stets seine experimentelle Seite hervorhebt, die sich durch ihre Kraft und Stärke auszeichnet. Er wurde in Sevilla ausgebildet und entwickelte eine mystische Sensibilität für Kompositionsschemata und Chromatik, die von der Barockkunst inspiriert ist. Möglicherweise war es seine Theatererfahrung, die ihm die Fähigkeit verlieh, seine Modelle vor der Kamera zu dirigieren, seine räumliche Wahrnehmung zu entwickeln und den Körper, die Gegenwart und die Zeit in seinem Werk darzustellen. Derzeit lebt er in Madrid, ein Detail, das zusammen mit seinen Aufenthalten in wichtigen kulturellen Hauptstädten (London, New York...) seinem Werk Aktualität und Frische verliehen hat, die einzigartig sind. Hervorzuheben ist auch seine große Erfahrung in den Bereichen Design, Kommunikation, Theater und Malerei. Er arbeitet abwechselnd als Modefotograf für Zeitschriften wie Vogue, Harper's Bazaar oder L'Officiel und als Werbefotograf für Marken wie Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Adidas, Nike, Gant, Toyota, Lancôme, Shiseido... und hat seine Arbeiten in Galerien in New York, Paris, Barcelona, Peking, Madrid, Berlin, Sevilla, San Sebastián, etc. ausgestellt, und in Museen und Galerien wie dem Centro de Arte y Creación Industrial in Madrid, Barcelona, Peking, Madrid, Berlin, Sevilla, San Sebastián, etc. und in Museen und Galerien wie dem Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Foro Sur, Sala de exp. del Canal de Isabel II, Museo Provincial de Cádiz usw. Seine beeindruckenden Arbeiten wurden mit Preisen wie dem LUX Gold National Professional Photography Prize in Fashion and Beauty (2008) ausgezeichnet. Der Verlag Gestalten (spezialisiert auf Kunst und Architektur) hat ihn als eines der wichtigsten und originellsten Projekte in das Buch "Otherworldly" aufgenommen, und der Verlag Prestel hat seine Arbeiten in "New Fashion Photography" veröffentlicht, wo er weltweit zu den wichtigsten Referenzen der zeitgenössischen Modefotografie zählt.

Schätzw. 1 400 - 1 600 EUR

Mo 29 Jul

PACO PEREGRÍN (Almería, 1976). "Skorpion", 2015. Digitale Fotografie auf Aluminium montiert. Ein vom Künstler ausgestelltes Echtheitszertifikat wird mitgeliefert. Das Werk wird auf der Website des Künstlers veröffentlicht. -Bibliographie: Fucking Young! magazine nº 6 yKatalog der Ausstellung "Artificio". Andalusisches Zentrum für Fotografie (CAF), 2018. -Ausstellungen: Andalusisches Zentrum für Fotografie (CAF). Einzelausstellung "Artificio", vom 1. Juni bis 15. Juli 2018.Maße: 50 x 40 cm; 51 x 41 cm (Rahmen). Paco Peregrín ist ein prominenter andalusischer Fotograf, bildender Künstler und Kreativdirektor mit Sitz in Madrid, der international in der Kunst-, Werbe- und Modewelt tätig ist (er hat hochkarätige Projekte für globale Marken wie Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Lancôme, Shiseido, Marie Dalgar, L'Occitane, La Rinascente, Vögele Shoes, Adidas, Nike usw. realisiert und geleitet). Er veröffentlicht in renommierten Magazinen wie Vogue (IT, DE, ES), Harper's Bazaar (USA, Russland, Spanien und Vietnam), VMAN, L'Officiel, Vanity Fair, ELLE, Marie Claire, Grazia, Cosmopolitan, Glamour, Dsection, Fucking Young!, Vision, Zink!, Neo2, Yo Dona, Vanidad, Schön!, Noi.se, Allure, NYLON, usw. Er schloss sein Studium der Schönen Künste an der Universität von Sevilla ab und bildete sich am International Center of Photography (New York), am Central Saint Martins College of Art and Design (London), an der Universidad Complutense de Madrid und an der Universidad de Santiago de Compostela weiter... Er erhielt wichtige Stipendien (Pilar Juncosa und Sotheby's, Talens, Universidad Complutense, Ayuntamiento de Sevilla, Proyectos de Fotografía Caja San Fernando, Centro Andaluz de la Fotografía, usw.) und seine audiovisuellen Arbeiten wurden auf internationalen Festivals wie dem Chicago Fashion Film Festival, dem London Fashion Film Festival, dem International Fashion Film Festival Brussels und dem Global Short Film Awards Festival in Cannes ausgezeichnet. Seine Arbeiten sind Teil wichtiger Kunstsammlungen (Centro Andaluz de la Fotografía, Comunidad de Madrid, Instituto Andaluz de la Juventud, Universidad de Sevilla, Fundación Talens, Colección de Arte Contemporáneo Delegación de Cultura de Doña Mencía, Centro Andaluz de Arte Seriado....) und ist in zahlreichen Büchern wie "Artificio" (Centro Andaluz de la Fotografía, Editorial Universidad de Almería), "Facing", 6th Crossover Art Project (Marie Dalgar, Beijing), "Super-Modified: The Behance Book of Creative Work" (Gestalten), "Diccionario de fotógrafos españoles (La Fábrica & Acción Cultural Española), "Otherworldly" (Gestalten), "New Fashion Photography" (Prestel), "PALETTE 03: Gold & Silber, Neue metallische Grafiken" (Victionary), "PALETTE 02: Multicolour, Neue regenbogenfarbene Grafiken" (Victionary), "Cazadores de Tendencias: los nombres esenciales de Moda Española" (Lunwerg), "STAND BY_012. Guía de Fotografía Andaluza Actual" (Valentín de Madariaga Foundation & MP Corporation), "Hair'em Scare'em" (Gestalten) oder "Arte desde Andalucía para el siglo XXI catalogación monográfica ilustrada del joven arte andaluz" (Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía). Ich habe in Galerien in New York, Peking, Paris, Barcelona, Madrid, Berlin, Sevilla, San Sebastian, Valencia, Caceres und Almeria ausgestellt .... und in Museen wie dem Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), dem Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), dem Museo de Artes y Tradiciones de Sevilla, CaixaForum Sevilla, das Centro Andaluz de la Fotografía, ARTSevilla, Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, Forosur 2004 (Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo) und PHotoESPAÑA. Peregríns Werk ist reich an Symbolik, inspiriert von der klassischen Kunst, der flämischen und barocken Malerei, aber auch von der experimentellen Avantgardekultur. Er konzentriert sich auf das gesellschaftliche Bild des Körpers, seine Wahrnehmung, den zeitgenössischen Schönheitskanon, das Konzept der Maske, den Lauf der Zeit, die Kommunikation in den Massenmedien, die Werbung in der Konsumgesellschaft, die neuen Technologien und die Darstellung des Körpers als Ort zur Untersuchung der Folgen von Macht und Geschlechterrollen heute. Es wird ein vom Künstler ausgestelltes Echtheitszertifikat zur Verfügung gestellt. Das Werk ist auf der Website der Künstlerin veröffentlicht. -Bibliographie: Fucking Young! magazine nº 6 yKatalog der Ausstellung "Artificio". Andalusisches Zentrum für Fotografie (CAF), 2018.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Mo 29 Jul

STEVE MCCURRY (USA, 1950). "Afghan Girl". Peshawar, Pakistan, 1984. Chromogener Druck. Vermerk auf der Rückseite: "Fuji Farbkristall-Archivpapier". Am Rand mit Tinte signiert. Provenienz: Galerie Cesare Manzo, Pescara, Italien. Maße: 45,5 x 30,5 cm (Bild); 49,8 x 39,5 cm (Rahmen). Das "afghanische Mädchen" ist das bekannteste Foto in McCurrys Karriere und ein Symbol für die Geschichte der Dokumentarfotografie. Er nahm es 1984 im Flüchtlingslager Nasir Bagh in Pakistan während des sowjetisch-afghanischen Krieges auf. Das Mädchen, Sharbat Gula, war ein afghanischer Flüchtling, der vor der Gewalt in seinem Land geflohen war. Das Mädchen mit den stechend grünen Augen, das in ein rotes Tuch gehüllt war, das ihre Schultern und ihr Haar bedeckte, zog Betrachter in aller Welt in seinen Bann. Das Bild erschien auf der Titelseite der Juni-Ausgabe 1985 der Zeitschrift National Geographic und wurde schnell zu einem der bekanntesten und aussagekräftigsten Fotos des 20. Jahrhunderts. Das Bild wurde zu einem Symbol für das Leiden und die Unverwüstlichkeit von Flüchtlingen und den Konflikt in Afghanistan. Es wurde häufig verwendet, um die Notlage von Flüchtlingen auf der ganzen Welt zu veranschaulichen. Viele Jahre lang war die Identität des Mädchens auf dem Foto ein Rätsel. Im Jahr 2002 spürten McCurry und ein Team von National Geographic Sharbat Gula in einem abgelegenen Dorf in Afghanistan auf. Ihre Identität wurde durch das Erkennen ihrer Gesichtszüge, insbesondere ihrer Augen, bestätigt. Steve McCurry ist ein amerikanischer Fotojournalist, der weltweit als Autor des Fotos "The Afghan Girl" bekannt ist, das 1985 in der Zeitschrift National Geographic erschien. Seine Karriere als Fotograf begann mit dem Afghanistankrieg (1978-1992). Er hat auch über andere internationale Konflikte wie den Irak-Iran-Krieg oder den Golfkrieg berichtet. Nachdem er zwei Jahre lang in King of Prussia, Pennsylvania, gearbeitet hatte, ging er 1978 nach Indien, um auf eigene Faust zu arbeiten. Nach einem Jahr dort reiste er nach Nordpakistan. Seine Karriere als Fotograf begann mit seiner Berichterstattung über den sowjetischen Krieg. In Afghanistan verkleidete sich McCurry in der Tracht des Landes, um bei seiner Arbeit unbemerkt zu bleiben, und nahm Film aus dem Land mit, indem er ihn in seine Kleidung einnähte. Seine Bilder gehörten zu den ersten, die den Konflikt darstellten und fanden weite Verbreitung. Für diese Arbeit erhielt er die Robert Capa Gold Medal für den besten ausländischen Fotojournalismus und wurde in der New York Times, TIME und Paris Match veröffentlicht. McCurry berichtete weiterhin über internationale Konflikte, darunter der Iran-Irak-Krieg, Beirut, Kambodscha, die Philippinen, der Golfkrieg und Afghanistan. Er überlebte einen Flugzeugabsturz in Jugoslawien. Seine Arbeiten wurden in Zeitschriften auf der ganzen Welt veröffentlicht, und er schreibt regelmäßig für National Geographic. Seit 1986 ist er Mitglied der Agentur Magnum. In seiner Arbeit konzentriert sich McCurry auf den Schmerz, den der Krieg verursacht. Er versucht zu zeigen, was Krieg anrichtet, aber nicht nur auf dem Schlachtfeld, sondern auch bei den Menschen, die dort leben. Er vertritt die Ansicht, dass alle Menschen immer etwas gemeinsam haben, unabhängig von Religion, Sprache, ethnischer Zugehörigkeit usw.

Schätzw. 10 000 - 13 000 EUR

Mo 29 Jul

HELMUT NEWTON (Deutschland, 1920- Kalifornien, 2004). "Schuh, Monte Carlo, 1983. Gelatinesilber. Späterer Druck. Verso mit Bleistift signiert, betitelt, datiert und mit Copyright-Stempel versehen. Keine Auflagennummer. Provenienz: Sammlung McCord, New York. Maße: 36 x 24,6 cm (Bild); 40 x 31 cm (Rahmen). In diesem ikonischen Bild von Helmut Newton nimmt ein Knöchel, der in einem hochhackigen Schuh steckt, die gesamte fotografische Fläche ein. Als Ort, der mit Glamour und Luxus assoziiert wird, bietet Monte Carlo eine perfekte Kulisse für Newtons Erforschung von Mode und Erotik. Der Fetischismus von Stöckelschuhen und weiblichen Knöcheln wird von dem Künstler in verschiedenen Kontexten erforscht. In all diesen Bildern definiert er durch gewagte und sorgfältig ausgearbeitete Kompositionen die Parameter der Modefotografie und der Erotik, die Rolle der Frau und die Machtverhältnisse neu. Provokation, Anti-Voyeurismus und weibliches Empowerment sind oft Attribute ihrer Fotos. Newton wurde in Berlin geboren, besuchte das Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium und die American School in Berlin. Seit seinem 12. Lebensjahr, als er seine erste Kamera kaufte, interessierte er sich für Fotografie und arbeitete ab 1936 für die deutsche Fotografin Yva (Elsie Neuländer Simon). Die zunehmend repressiven Einschränkungen, die den Juden durch die Nürnberger Gesetze auferlegt wurden, führten dazu, dass sein Vater die Kontrolle über die Fabrik verlor; in der Kristallnacht wurde er kurzzeitig in einem Konzentrationslager interniert, was die Familie schließlich zwang, Deutschland zu verlassen. Newtons Eltern flohen nach Argentinien. Als er schließlich in Singapur ankam, konnte er dort bleiben, zunächst für kurze Zeit als Fotograf für die Straits Times und dann als Porträtfotograf. Newton wurde von den britischen Behörden in Singapur interniert und an Bord der Queen Mary nach Australien geschickt, wo er am 27. September 1940 in Sydney ankam. Er wurde 1942 aus der Internierung entlassen und arbeitete kurzzeitig als Obstpflücker in Nord-Victoria. Im April 1942 meldete er sich bei der australischen Armee und arbeitete als Lastwagenfahrer. Nach dem Krieg, 1945, wurde er britischer Staatsbürger und änderte 1946 seinen Namen in Newton. Im selben Jahr eröffnete Newton ein Studio in der Flinders Lane in Melbourne und arbeitete in der Nachkriegszeit in den Bereichen Mode-, Theater- und Industriefotografie. Seine erste gemeinsame Ausstellung fand im Mai 1953 mit Wolfgang Sievers statt. Die Ausstellung "New Visions in Photography" wurde im Federal Hotel in der Collins Street gezeigt und war wahrscheinlich der erste Einblick in die Fotografie der Neuen Sachlichkeit in Australien. Newton schloss sich mit Henry Talbot zusammen, einem deutschen Juden, der ebenfalls in Tatura interniert war, und seine Verbindung mit dem Studio blieb auch nach 1957 bestehen, als er Australien in Richtung London verließ. Das Studio wurde in "Helmut Newton und Henry Talbot" umbenannt. Newtons wachsender Ruf als Modefotograf wurde belohnt, als er den Auftrag erhielt, die Mode in einer australischen Sonderbeilage der Zeitschrift Vogue zu illustrieren, die im Januar 1956 erschien. Er erhielt einen 12-monatigen Vertrag mit der britischen Vogue und reiste im Februar 1957 nach London, wo er Talbot die Leitung des Unternehmens überließ. Newton verließ die Zeitschrift noch vor Ablauf seines Vertrags und ging nach Paris, wo er für französische und deutsche Zeitschriften arbeitete. Im März 1959 kehrte er nach Melbourne zurück, um für die Australian Vogue zu arbeiten. 1961 ließen sich Newton und seine Frau schließlich in Paris nieder. Seine Bilder erschienen in Zeitschriften wie der französischen Ausgabe der Vogue und Harper's Bazaar. Er entwickelte einen besonderen Stil, der von erotischen und stilisierten Szenen geprägt ist, oft mit fetischistischem Unterton. Im Jahr 1980 schuf er die Serie "Big Nudes". Es folgten die Mappe "Nude and Clothed" und 1992 "Domestic Nudes", die den Höhepunkt seines erotisch-urbanen Stils markierten. Newton arbeitete auch an fantastischeren Porträts und Studien. Er fertigte eine Reihe von Illustrationen für den Playboy an, darunter Illustrationen von Nastassja Kinski und Kristine DeBell.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Do 22 Aug

Asien. Erinnerung an meine Kreuzfahrt durch den Fernen Osten. Album mit Fotografien. [Shanghai, Hongkong, Haiphong, Along-Bucht, Saigon usw.], [1936-1939]. In-4 länglich (26,3 x 36 cm), schwarze Seide, die auf dem oberen Deckel mit einem großen gestickten Motiv bedeckt ist, das zwei Drachen darstellt (Einband der Zeit). Sammlung von 408 Fotografien, die während der Kampagne der Dumont d'Urville im Fernen Osten zwischen 1936 und 1939 aufgenommen wurden. Die Fotografien variieren in ihrer Größe und sind auf der Vorder- und Rückseite jedes Blattes montiert. Sie sind nicht signiert; einige enthalten eine Legende am unteren Rand des Bildes oder eine handschriftliche Legende auf den Seiten des Albums. Sie zeigen hauptsächlich chinesische und indochinesische Städte, Häfen, Reeden, Kriegsschiffe (darunter die Dumont d'Urville), Szenen der Bombardierung in Shanghai, Gebäude, Wohnhäuser, Straßen, Tempel, Denkmäler, Menschen in Kostümen, Gruppenszenen, kleine Boote, malerische Orte etc. Von den Fotografien, die die Bombardierungen darstellen, wurden einige auf rotem Hintergrund abgezogen, um die Dramatik der Ereignisse zu unterstreichen. Einige Fotografien beziehen sich auf Japan, Indien, die Philippinen, Australien und die Neuen Hebriden. China ist mit 196 Fotografien vertreten (darunter der chinesisch-japanische Konflikt), Indochina mit 114 Fotografien und verschiedene andere Länder mit 98 Fotografien (Japan, Singapur, Indien, Philippinen, Indonesien, Australien oder auch die Neuen Hebriden). Sehr guter Erhaltungszustand der Fotografien. Abgenutzte Ecken, Rücken teilweise lose.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Sa 24 Aug

HOFFMANN (Ernst Theodor Amadeus). Contes fantastiques tirés des Frères de Serapion et des Contes nocturnes. Übersetzung von Loève-Veimars mit einem Vorwort von G. Brunet. Elf Radierungen von Ad. LALAUZE. Paris, Librairie des bibliophiles, 1883. 2 Bände in 8 Bänden aus schwarzem Maroquinleder mit vier Bünden, goldgeprägtem Titel und Titelblatt, Mosaikdekor aus Herbstblumen und -blättern in der Mitte der Rücken, schönem Dekor in umgekehrter L-Form aus einem vergoldeten Zweig mit mosaikartigen Distelblüten und Blättern und silbernen Schlangen, braunem Maroquinfutter mit schönem Rahmen aus einem vergoldeten Gitter mit mosaikartigen und vergoldeten Blumen, von denen einige von goldenen Eulen überragt werden, und kaltgepressten Schlangen, braunen Moirévorhängen, goldgeprägtem Schnitt auf Zeugen, Deckblättern. aufbewahrt (Ch. Meunier 97). Porträt und 10 gestochene Figuren außerhalb des Textes von A. Lalauze. Der Druck auf großem Papier ist auf 220 nummerierte Exemplare limitiert; Nr. 190 von 170 auf Hollandpapier, mit den Radierungen in drei Zuständen (Zustand wie bei Exemplaren auf Japan laut Beleg): endgültiger Zustand, Zwischenzustand auf Japan mit Bemerkung, mit Bleistift signiert, und endgültiger Zustand auf Japan mit Bemerkung, mit Bleistift vom Künstler signiert. Kleiner Schmutzfleck am unteren Rand von S. 259. Exemplar von M. E. Paillet nach einer handschriftlichen Notiz mit Bleistift auf dem Vorsatzblatt. Wunderschöner, mit Mosaik verzierter und gefütterter Einband von Charles Meunier, datiert 1897.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Di 10 Sep

JAUME PITARCH (Barcelona, 1963). Aus der Serie "Streichhölzer", Nr. 11. 1999-2000. Fotografie auf Barytpapier. Provenienz: Galerie dels Àngels in Barcelona. Maße: 80 x 80 cm; 81 x 81 cm (Rahmen). Der in Barcelona lebende Künstler Jaume Pitarch hat am Chelsea College of Art und am Royal College of Art in London Bildende Kunst studiert. Seine Sprache basiert auf der Dekontextualisierung von vom Menschen geschaffenen Elementen, die er demontiert und auf eine völlig andere Weise rekonstruiert, indem er sie ihrer ursprünglichen Bedeutung und ihres Wertes beraubt. Im Laufe seiner künstlerischen Karriere hat Jaume Pitarch zahlreiche Ausstellungen auf nationaler und internationaler Ebene durchgeführt, darunter: Àngels Barcelona (2013, 2009, 2004, 1997); Galería Fúcares, Madrid (2013, 2008); Spencer Brownstone Gallery, New York (2013, 2009, 2006) oder in Galerija Vartai, Litauen, 2011. Außerdem wurden seine Arbeiten für Gruppenausstellungen in internationalen Galerien und Institutionen ausgewählt. Seine Werke befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen wie der MACBA-Sammlung, der Vila Casas Foundation, der La Caixa-Sammlung, Artium, der Bergé-Sammlung, dem Patio Herreriano Museum oder der Sammlung des Royal College of Art in London, um nur einige zu nennen. Pitarch erklärt, dass sich seine Arbeit "darauf konzentriert, wie die Produktivität unsere Vorstellung von Zeit beeinflusst hat. Markt, Arbeit, Wert oder Freizeit sind nur ergänzende Ausdrucksformen davon. Es scheint, dass die zeitgenössische Kunstpraxis, die Teilnahme und der Konsum zeitbasierte Aktivitäten sind und daher einem Produktionssystem unterliegen". Er fährt fort: "Ein Teil meiner Praxis besteht darin, Objekte, Handlungen oder einfache Episoden, die zu diesen Kontexten gehören, zu retten und zu reorganisieren, um sie mit einer neuen Lesart außerhalb der Grenzen zu versehen, die die geplante oder produktive Zeit bestimmt. Diese Objekte, die Reproduktion dieser Handlungen und Episoden sollten als kritische und poetische Mittel gelesen werden, die eine entschleunigte Revision der Realität ermöglichen".

Schätzw. 1 200 - 1 600 EUR

Di 10 Sep

MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Mallorca, 1957). "Chauvet. Cahier de félins". Kunstbuch, Künstlerbuch und nummerierte, vom Künstler signierte Tafel. Exemplar 423/2998. Verlag: Artika Etui aus Ahornholz. Maße: 43 x 33 cm (Kunstbuch und Studienbuch); 88 x 33 cm (Mappe mit Platte); 49 x 37 x 5,5 cm (Schachtel). Das "Cahier de félins" ist eine Hommage an die Chauvet-Höhlen. Einmalige Auflage, limitiert und nummeriert auf 2998 Exemplare, hier die vom Künstler signierte Nummer 1932. Das Werk besteht aus einer Schatulle aus Ahornholz mit der Reproduktion eines Originals von Miguel Barceló in Pyrographietechnik, einer Faksimile-Reproduktion des Cahier de félins aus dem Besitz des Künstlers, einem Buch über die Entdeckung der Chauvet-Höhle und einer nummerierten Platte mit der Reproduktion einer der Katzen aus dem Cahier. Tintoretto-Gesso-Papier von 200 gr. Einband aus Baumwoll-Leinwand mit einem exklusiv von Barceló gedruckten Original. Der Maler und Bildhauer Barceló begann seine Ausbildung an der Kunstgewerbeschule in Palma de Mallorca, wo er zwischen 1972 und 1973 studierte. Im Jahr 1974 debütierte er im Alter von siebzehn Jahren in der Galerie Picarol auf Mallorca. Im selben Jahr zieht er nach Barcelona, wo er sich an der Schule der Schönen Künste Sant Jordi einschreibt, und unternimmt seine erste Reise nach Paris. In der französischen Hauptstadt lernt er die Werke von Paul Klee, Fautrier, Wols und Dubuffet sowie die Art Brut" kennen, ein Stil, der seine ersten Gemälde stark beeinflussen wird. In diesen Jahren liest er viel und bereichert sich mit so unterschiedlichen Werken wie den Schriften von Breton und den Surrealisten, dem "Weißen Manifest" von Lucio Fontana oder der "Sozialgeschichte der Literatur und Kunst" von Arnold Hauser. 1976 hat er seine erste Einzelausstellung in einem Museum: "Cadaverina 15" im Museum von Mallorca, bestehend aus einer Montage von 225 Holzkisten mit Glasdeckeln, in denen sich verwesende organische Materialien befinden. Im selben Jahr, zurück auf Mallorca, schließt er sich der Gruppe Taller Lunàtic an und nimmt an deren sozialen, politischen und kulturellen Veranstaltungen teil. 1977 unternimmt er eine zweite Reise nach Paris und besucht auch London und Amsterdam. Im selben Jahr stellt er zum ersten Mal in Barcelona aus und lernt Javier Mariscal kennen, der zu einem seiner besten Freunde in der Stadt wird. Zusammen mit ihm und dem Fotografen Antoni Catany nimmt er als Mitglied der Gruppe "Neón de Suro" an Ausstellungen in Kanada und Kalifornien teil und arbeitet an der Herausgabe der gleichnamigen Zeitschrift mit. Ebenfalls 1977 erhält er seinen ersten großformatigen Bildauftrag: ein Wandgemälde für den Speisesaal eines Hotels in Cala Millor, Mallorca. Im folgenden Jahr, im Alter von einundzwanzig Jahren, verkauft er seine ersten Werke an einige Sammler und Galerien und zieht schließlich nach Barcelona. Seine internationale Anerkennung beginnt Anfang der achtziger Jahre und gibt seiner Karriere nach der Teilnahme an der Biennale von São Paulo (1981) und der Documenta in Kassel (1982) einen endgültigen Aufschwung. Im Jahr 1986 wurde er mit dem Premio Nacional de Artes Plásticas ausgezeichnet, und seither wurde sein Werk mit den wichtigsten Preisen gewürdigt, wie dem Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2003) oder dem Sorolla-Preis der Hispanic Society of America in New York (2007). Barceló ist derzeit in den wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst der Welt vertreten, darunter das MoMA in New York, das Centre Pompidou in Paris, das Guggenheim in Bilbao, das Marugami Hirai in Japan, das Reina Sofía in Madrid, das Patio Herreriano in Valladolid, das CAPC in Bordeaux, das Carré d'Art in Nimes, das Museum für zeitgenössische Kunst in Caracas und das Museum of Fine Arts in Boston.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR
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