9th July - Contemporary Art and latest trends

Lot 1 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Défilé de Mannequins à Istanbul", 1969. Lithographie sur papier. Exemplaire 19/75. Il présente de l'humidité dans la partie supérieure et inférieure du côté droit et une ride transversale au centre. Signée dans le coin inférieur droit. Justifié dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 122 x 82 cm ; 141 x 101 cm (cadre). La série "Mannequin Parade" illustre la maîtrise de Miró en matière de gravure et sa capacité à communiquer des idées complexes par le biais d'une imagerie ludique. Elle offre un aperçu de son langage visuel personnel tout en incitant le spectateur à réfléchir sur les thèmes de l'individualité, de la vie urbaine et de la joie d'exister.Joan Miró était l'une des grandes figures de l'art international du XXe siècle. Il a été formé à Barcelone, d'abord à l'Escuela de la Lonja, puis à l'Academia Galí, dans un esprit plus rénovateur. C'est dans cette école et au Cercle artistique de Sant Lluc, également à Barcelone, que le jeune Miró rencontre certains de ses grands amis, comme le critique Sebastià Gasch, le poète J.V. Foix, le peintre Josep Llorens Artigas et le promoteur artistique Joan Prats. Ainsi, depuis ses années de formation, il est directement lié aux cercles les plus avant-gardistes de Barcelone et, dès le début de l'année 1918, il organise sa première exposition dans les galeries Dalmau de Barcelone. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. Ce seront les années cruciales de sa carrière artistique, au cours desquelles Miró découvrira son langage personnel. À Paris, il se lie d'amitié avec André Masson, autour duquel se constitue le groupe dit de la rue Blomet, futur noyau du surréalisme. Ainsi, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, avec lesquels il partage de nombreuses approches théoriques, son style mûrit ; il tente de transposer la poésie surréaliste au visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. À partir de ce moment, son style entame une évolution qui le conduit à des œuvres plus éthérées, dans lesquelles les formes et les figures organiques sont réduites à des points, des lignes et des taches de couleur abstraits. En 1924, il signe le premier manifeste surréaliste, bien que l'évolution de son œuvre, trop complexe, ne permette pas de l'inscrire dans une orthodoxie particulière. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. À partir des années trente, Miró devient l'une des figures les plus marquantes de la scène artistique internationale et l'un des principaux créateurs du XXe siècle. C'est précisément à cette époque que l'artiste, anticonformiste par nature, entre dans une phase qu'il appelle le "meurtre de la peinture", au cours de laquelle il renonce volontairement à être peintre et expérimente d'autres médiums, tels que le collage, le dessin sur papier de différentes textures ou la construction d'"objets" avec des éléments trouvés, sa première approche de la sculpture. Ainsi, s'il reprend rapidement la peinture, Miró n'abandonne jamais son désir d'expérimenter toutes sortes de matériaux et de techniques, comme la céramique, le bronze, la pierre, les techniques graphiques et même, depuis 1970, la tapisserie. Il rentre en Espagne en 1941 et, la même année, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. De 1956 à sa mort en 1983, il vit à Palma de Majorque dans une sorte d'exil intérieur, tandis que sa renommée internationale grandit. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses récompenses, comme les grands prix de la Biennale de Venise en 1954 et de la Fondation Guggenheim en 1959, le prix Carnegie de peinture en 1966, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya (1978) et des Beaux-Arts (1980), et a été nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Aujourd'hui, son œuvre est exposée à la Fondation Joan Miró de Barcelone, inaugurée en 1975, ainsi que dans les principaux musées d'art contemporain du monde entier, tels que la Thyssen-Bornemisza, le MoMA de New York, le musée Reina Sofia de Madrid, la National Gallery de Washington ou le MNAM de Paris. Il présente de l'humidité dans la zone supérieure et inférieure du côté droit et une ride transversale au centre.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 2 - ANTONIO DE FELIPE (Valence, 1965). "Les Beatles, 2011. Fibre de verre, acrylique et polyester. Signé et daté. Dimensions : 217 x 212 x 103 cm. Comme toujours dans l'œuvre d'Antonio de Felipe, les icônes de la pop sont sauvées par cette sculpture monumentale qui représente le groupe légendaire de Liverpool. Cette pièce se distingue par son caractère exceptionnel, car il s'agit d'un format inhabituel dans la production d'Antonio de Felipe. Les Beatles de cette œuvre sont inspirés de la pochette de l'album "Yellow submarine", dont les alter ego animés ont été créés par l'illustrateur et designer Heinz Edelmann (Tchécoslovaquie, 1934 - Allemagne, 2009). Bien que partant de ces dessins, Felipe introduit des éléments tels que la banane que Paul porte à la main, ou George Harrison dont le costume varie considérablement, adoptant ainsi le corps de l'un des célèbres "Trois musiciens de Picasso", actuellement dans la collection du MoMa. Le musée Boca del Calvari de Benidorm a organisé l'exposition "Antonio de Felipe.25 ans de Pop Art espagnol", où l'on a pu apprécier une œuvre monumentale des Beatles. Diplômé en beaux-arts de l'université de San Carlos Valencia, Antonio de Felipe a commencé sa carrière en travaillant comme créatif dans une agence de publicité, ce qui marquera sans aucun doute son style pictural à l'avenir. Il est considéré comme un artiste Pop - ou plus précisément comme faisant partie du mouvement "Les noveaux Pop", avec d'autres artistes internationaux liés au monde Pop - au sens le plus large du terme, développant son vaste travail dans différentes séries (Logotypes, Cows, Cinemaspop, Popsport, entre autres) en conservant toujours une esthétique plastique et visuelle complète, claire, s'adressant à la société commune. La couleur, criarde et provocante, ainsi que le sujet, très simple et direct, sont fondamentaux. Sa facette créative l'a amené à collaborer avec Pedro Almodóvar dans le film "Carne Trémula", ainsi qu'à créer des pare-chocs de continuité pour Telemadrid ou à concevoir de la vaisselle pour la société Santa Clara. Il a collaboré à des affiches, des couvertures d'albums et d'importantes publications telles que ByN Dominical (le magazine dominical d'ABC), El País, El Magazine del diario El Mundo, Marie Claire, ELLE, Qué leer, et Rolling Stone magazine, entre autres. En plus de vingt ans de carrière professionnelle intense, il a organisé plus de quatre-vingt-dix expositions personnelles, tant en Espagne qu'à l'étranger, et autant d'expositions collectives. Il est actuellement représenté au musée Reina Sofía, à l'IVAM, à la fondation Sidney Besthoff de la Nouvelle-Orléans, dans les collections Testimoni de La Caixa, Carmen Thyssen-Bornemisza et Kneip du Luxembourg et à la fondation culturelle Montblanc, parmi d'autres collections publiques et privées en Espagne et à l'étranger. À cette présence nationale et internationale s'ajoute sa participation à des foires telles que ARCO, ART COLOGNE, ART PARIS, ART BRUXELLES, ST-ART Strasbourg, ou KIAF (Korea International Art Fair), cadres de référence pour connaître les dernières tendances artistiques.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 3 - MATÍAS SÁNCHEZ (Allemagne, 1972). "Young Bacon, 2011. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Signée, datée, titrée et située au dos. Dimensions : 151 x 200 cm. Œuvre de caractère abstrait et néo-expressionniste, dans laquelle l'artiste présente une toile dont l'image est vibrante et dynamique, atteignant une grande expressivité, à travers la composition picturale. Il s'agit d'une représentation dans laquelle l'utilisation des textures générées par les matériaux a une grande présence qui s'harmonise avec la grande intensité de la couleur utilisée. Il en résulte une atmosphère picturale qui interpelle le spectateur et crée une narration émotionnelle contraignante. Ainsi, comme nous le voyons ici, les formes picturales sont le résultat d'une composition et d'une expérimentation réfléchies, avec une image de caractère gestuel, ne se limitent pas à une composition abstraite, mais vont au-delà, indiquant au spectateur qu'il s'agit de formes, d'idées ou de suggestions qui dépassent les limites du purement pictural et nous renseignent sur le propre métier du peintre. Matias Sanchez est né en Allemagne en 1972 et est autodidacte. Il a toujours ressenti une impulsion pour l'art qui l'a conduit à développer une carrière artistique. Matias Sanchez a fait sa première exposition à Cavecanem en 2001 et, un an plus tard, son travail a été exposé à Arco où il a reçu un accueil chaleureux de la part des critiques. En 2003, il renouvelle l'expérience à la Foire d'art contemporain de Madrid, où ses œuvres sont rassemblées et diffusées dans le journal El País. Il s'agit d'un tournant dans sa carrière, qui l'a conduit à réaliser de nombreuses expositions individuelles et collectives, tant au niveau national qu'international. Parmi celles-ci, citons les expositions à la galerie Begoña Mallone (Madrid), Javier Marín (Málaga), Valle Ortí (Valence), Espacio Liquido (Gijón), "Christopher Cutts Gallery" (Toronto - Canada) et Costantini Art Gallery (Milan - Italie). Son travail a été exposé dans divers espaces d'art contemporain, dont le CAAM - Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria) ou le CAC Malaga, sont des exemples de référence. Outre ARCO, MACO 2013 - Mexico Arte Contemporáneo, Art Stage Singapore 2013, Art Monaco 2013, India Art Fair 2013, Contemporary Istanbul 2012, Art Toronto 2012, Art Moscovo 2012 et Beirut Art Fair 2012.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 4 - CARMEN CALVO (Valence, 1950). Série Objets. Technique mixte sur livre de María Santoja, sur carton et boîte en méthacrylate. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 22 x 47 x 18 cm (urne). Vers 1996, Carmen Calvo a récupéré de nombreux objets dans une boutique de tailleur située sur la Plaza de la Reina à Valence. Cette boutique appartenait à Rafael Molina et à sa femme María Santonja, dont on peut lire le nom sur cette pièce. L'artiste a récupéré de nombreux papiers, magazines, patrons, illustrations de mode, correspondance, notes, factures, bref, tout ce qui avait été jeté ou oublié. Dans ce cas particulier, Carmen Calvo présente un projet de livre d'ornements dans lequel une série de cristaux comme des "coups de pinceau fossilisés", comme l'auteur elle-même a appelé sa technique. L'œuvre est liée à l'image de l'ordre d'accumulation associé à l'artiste. De petites pièces nous introduisent dans un rythme de séquences qui rappelle la vitrine d'un collectionneur, une influence dérivée de la découverte par Calvo des collections d'art égyptien et mésopotamien du musée du Louvre à Paris. Les influences, reconnues par Calvo, proviennent du travail de Kurt Schwitters ou de Joseph Cornell, dans lequel l'objet, l'accumulation et la répétition rythmique se rejoignent pour créer une œuvre qui est très archéologique dans sa création. Carmen Calvo a étudié dans les écoles des arts et métiers et des beaux-arts de Valence et a obtenu un diplôme en publicité en 1970. Elle élargit ensuite sa formation grâce à des bourses du ministère de la culture (1980), de la Casa de Velázquez à Madrid (1983-85) et du ministère des affaires étrangères pour sa résidence à Paris (1985-92). Au cours de ces années, Calvo a commencé à être reconnue, recevant des distinctions telles que le premier prix de peinture LaSalle Seiko de Barcelone (1985), le prix Alfons Roig de la Diputación Valenciana (1989), une bourse pour la première biennale Martínez Guerricabeitia de l'université de Valence (1989) et la sélection pour la XLVIIe biennale de Venise (1997). L'artiste a commencé à exposer en 1969, en participant à une exposition collective organisée au Círculo Universitario de Valencia. Elle a fait ses débuts individuels en 1976 à la galerie Temps de sa ville natale et, depuis lors, elle a exposé ses œuvres individuellement dans diverses villes d'Espagne et des États-Unis, ainsi que dans d'autres pays d'Europe, d'Amérique et d'Afrique. Les œuvres de Carmen Calvo se trouvent actuellement dans des institutions artistiques, des musées et des collections privées du monde entier, notamment au musée Guggenheim de New York, au Reina Sofia de Madrid, au Marugame Hirai de Kobe, au MACBA de Barcelone, au Fonds national d'art contemporain de Paris, à l'IVAM de Valence, à la collection de la Chase Manhattan Bank de New York, etc.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 5 - ZAO WOU-KI (Pékin, 1921 - Nyon, Suisse, 2013). "Zoo-4, 1986. Aquatinte, copie H.C. 4/15. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 56 x 40,5 cm (épreuve) ; 63 x 48 cm (papier) ; 86 x 70 cm (cadre). Même dans les gravures, Zao Wou-Ki travaille avec de grandes masses de couleurs satinées qui implosent en configurant des big bangs germinaux, des paysages sublimes et primordiaux comme ici. Zao Wou Ki est né dans une famille franco-chinoise et a grandi dans un milieu très cultivé, intéressé par les arts et les sciences. Il étudie la calligraphie dans son enfance, un aspect qui influencera son œuvre de maturité, et se forme ensuite à la peinture à la faculté des beaux-arts de Hangzhou entre 1935 et 1941. Quelques années plus tard, en 1948, il s'installe à Paris, dans le quartier de Montparnasse, où il suit les cours artistiques d'Émile Othon Friesz et entre en contact avec l'avant-garde artistique contemporaine. Il commence à expérimenter la lithographie, technique qu'il finit par maîtriser grâce à son contact avec Desjobert. Il réalise une exposition personnelle à la galerie Creuze en mai 1949, avec une présentation rédigée par Bernard Dorival, conservateur du Musée national d'art moderne. En janvier 1951, Pierre Loeb visite l'atelier de Wou-Ki avec Henri Michaux et organise une exposition à la galerie Pierre pour le mois de juin, jetant ainsi les bases d'une étroite collaboration qui durera six ans. Il expose ainsi régulièrement à la galerie Pierre et rencontre I. M. Pei et son épouse Eileen, ouvrant son cercle d'expositions à la Suisse, Londres, Bâle et Lausanne, ainsi qu'à New York, Washington et Chicago. C'est Michaux qui rédige la présentation du catalogue de sa première exposition new-yorkaise, à la Cadly-Birch Gallery.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 6 - BENGT LINDSTRÖM (Suède, 1925 - 2008). Sans titre. Acrylique sur papier collé sur carton. Présente l'étiquette au dos de la galerie Juana Mordó, Madrid. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 104 x 74 cm ; 110 x 80 cm (cadre). Cette œuvre reflète un langage esthétique où se reflètent divers mouvements d'avant-garde et la traduction de l'histoire de l'art. D'une nouvelle perspective dans laquelle la transgression esthétique aux mains de l'artiste qui implique la création d'une image avec son propre langage et sa propre personnalité. Grâce à l'utilisation de la couleur, l'œuvre offre au spectateur une nouvelle esthétique vitaliste qui fusionne avec une technique diluée et fluide qui s'étend sur la surface de la toile de manière apparemment aléatoire. Cependant, sur le plan de la composition, l'artiste a réussi à créer une image tout à fait harmonieuse où la maîtrise de la couleur et de la technique permet d'obtenir une image expressive, vitaliste et dynamique qui capte et crée un dialogue avec le spectateur. Bengt Lindström a commencé sa formation artistique à l'Académie de Stockholm (1944-1945) et à l'école de peinture d'Isaac Grünewald. Il a ensuite travaillé avec Aksel Jorgensen, avant de passer quelque temps à Chicago et de s'installer à Paris. Il travaille alors dans les ateliers de Fernand Léger et d'André Lhote. En 1949, il commence à peindre dans un style moins figuratif et de plus en plus coloré. Sa première exposition personnelle a lieu en Suède en 1954, à la Gummesson Art Fair. À partir des années 1950, il participe à plusieurs expositions collectives et salons à Paris. Reconnu à partir des années 1950, Lindström a organisé des expositions personnelles dans des villes telles que Paris, Londres, Bruxelles, Cincinnati et Tokyo. La plupart de ses œuvres sont actuellement conservées à la Fondation Krimaro, ainsi qu'au Musée Reina Sofia de Madrid, à l'Institut Carnegie, au Centre Pompidou de Paris et à la Tate Gallery de Londres, entre autres.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 7 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcelone, 1941-2023). "Texas home", 1973. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 200 x 260 cm ; 202 x 262 cm (cadre). Œuvre publiée dans "Arranz Bravo-Bartolozzi", J. Corredor Matheos. Page 68. Arranz Bravo a été un artiste total, théoricien et exécutant, clé dans le développement de l'avant-garde catalane et espagnole de la seconde moitié du 20ème siècle. Son œuvre et sa personnalité font partie de l'histoire de la lutte et de la rupture des artistes espagnols pendant les dernières décennies du régime franquiste. Arranz Bravo a été le fer de lance de cette ouverture, de ce rejet du manichéisme traditionaliste qui a conduit à la rénovation complète de l'art espagnol et l'a replacé dans l'avant-garde européenne. Eduardo Arranz Bravo a été formé à l'École des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, entre 1959 et 1962. Il fait ses débuts individuels en 1961, à l'University Club de Barcelone, mais l'exposition qui le fait connaître de la critique barcelonaise est celle organisée par l'Ateneo de Barcelone en 1961. Entre 1968 et 1970, il fait partie du groupe formé par Gerard Sala, Robert Llimós et Rafael Lozano Bartolozzi. Il continue à collaborer avec ces derniers jusqu'en 1982, alternant expositions communes et individuelles. Le contact avec ces artistes a influencé son style initialement abstrait, qui s'est rapproché de la nouvelle figuration et du pop art. Il a exposé dans toute l'Espagne, ainsi qu'à Paris, Amsterdam, Venise, São Paulo et Rio de Janeiro. En 1983, il a organisé une exposition anthologique de son œuvre à la Sala Gaspar de Barcelone et, entre 1986 et 1988, il a été chargé de la direction artistique des films de Jaime Camino "El balcón abierto" et "Luces y sombras". Il participe au VIIIe Salón de Mayo à Barcelone et aux expositions "Muestra de Arte Nuevo" (Barcelone, 1971), "Picasso 90" (Musée du Louvre, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcelone, 1971-72), entre autres. En 1989, il a présenté une exposition des travaux de ses trois dernières années au musée d'art moderne de São Paulo, ainsi qu'une exposition anthologique au Palau Robert de Barcelone. Parmi les prix qu'il a reçus, citons la IIe Biennale internationale du sport, le prix de la figure de la Biennale Estrada Saladich et le prix du dessin Ynglada-Guillot. Ses œuvres sont exposées au musée Reina Sofia de Madrid, aux musées des beaux-arts de Vitoria et de Séville, au musée de São Paulo et au musée d'art moderne de New York.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 8 - BRIAN DETTMER (Naperville, Illinois. 1974). "Paper-desk", 2007. Technique mixte. Signé, titré et daté. Dimensions : 47 x 46,5 x 10,5 cm. 49 x 99 x 13 cm (avec urne). Brian Dettmer s'est fait connaître pour ses modifications surprenantes de supports papier, tels que de vieux livres, journaux et cartes, afin de créer une nouvelle œuvre. C'est dans cette veine que s'inscrit la présente œuvre, une composition abstraite et texturée issue du recyclage. Une grande partie du travail actuel de Dettmer consiste à modifier des livres, tels que de vieux dictionnaires, encyclopédies, manuels scolaires, livres de sciences et d'ingénierie, livres d'art, guides médicaux, livres d'histoire, atlas, bandes dessinées, échantillons de papier peint et autres. Dettmer tamponne et rogne les livres, exposant des images et des textes sélectionnés pour créer des œuvres dérivées tridimensionnelles complexes qui révèlent des interprétations nouvelles ou alternatives des livres. Dettmer n'insère ni ne déplace jamais le contenu des livres (Moayeri 2008). Ce processus est réalisé sans planification préalable ni traçage du contenu avant de découper le livre (Cullum 2010). Tout en découpant le matériau indésirable à l'aide de couteaux, de pinces et d'outils chirurgicaux, Dettmer stabilise le papier restant à l'aide d'un vernis (Fox 2009). Un des premiers exemples des livres altérés de Dettmer est son œuvre de 2003, New International Dictionary, un dictionnaire original de 1947 non abrégé, estampillé et découpé pour exposer les images du dictionnaire (Sundell 2005, p. 70). Par la suite, Dettmer a élargi son processus en pliant, froissant, pliant, roulant ou empilant un ou plusieurs livres avant de les sceller et de les découper ou, dans certains cas, de les poncer pour créer diverses formes. Dettmer a également construit des sculptures plus grandes en utilisant des ensembles complets d'encyclopédies et d'autres livres de référence. Parmi les autres exemples notables de médias transformés par Dettmer, citons les cassettes musicales fondues et transformées en squelette humain grandeur nature (Tyson 2007) et en divers crânes d'animaux ; les cartes routières découpées et superposées des États-Unis et du Moyen-Orient (Packer 2005) et les sculptures cartographiques tridimensionnelles ; les cassettes vidéo VHS de films de gangsters démêlées et transformées en compositions florales funéraires ; et une reconfiguration controversée d'extraits audio du discours sur l'état de l'Union prononcé par George W. Bush en 2002 (Feigly 2003) (Feigly 2003). Le travail de Brian Dettmer a été publié et exposé dans de nombreux musées, centres d'art et galeries du monde entier, notamment au Smithsonian (Washington D.C.), au Museum of Arts and Design (New York), au Virginia Museum of Contemporary Art (Virginie), au Museum of Contemporary Art (Géorgie), au Museum Rijswijh (Pays-Bas), à la Wellcome Collection (Royaume-Uni), au Bellevue Arts Museum (Washington), au Kohler Arts Center (Wisconsin), au Pérez Art Museum Miami (Floride),[1] et à l'Illinois State Museum (Illinois). Ses œuvres font partie de collections publiques et privées aux États-Unis, en Amérique latine, en Europe, en Australie et en Asie.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 9 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). Sans titre, 1984. Technique mixte sur panneau. Signé et daté dans la partie supérieure. Dimensions : 86 x 64 cm ; 90,5 x 68 cm (cadre). Dans cette œuvre, Plensa utilise des matériaux liés à la tradition et construit avec eux une image proche de l'expressionnisme, facilement reconnaissable comme humaine mais néanmoins perturbée, incomplète et, d'une certaine manière métamorphique, saisie en pleine transformation. L'artiste combine un trait ferme et sûr, rehaussé par le blanc qui souligne la figure, avec un traitement matériel du papier, en le brûlant et en le perforant pour atteindre la troisième dimension, rompant ainsi avec l'aspect bidimensionnel traditionnel de la peinture, dans une ligne esthétique héritée de l'informalisme - avec son appréciation des textures, des matériaux et du hasard - mais, en même temps, totalement nouvelle et personnelle. Jaume Plensa a étudié à la Escuela de La Llotja et au Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, tous deux à Barcelone. Il a excellé dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu un doctorat honorifique de l'École de l'Institut d'art de Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer en utilisant la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années quatre-vingt-dix, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents, tels que des déchets métalliques, du polyester et des résines. Au cours de ces années, il réalise des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un rôle de protagoniste absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, en réinterprétant quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart avec "La Fura dels Baus", et seul dans une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a organisé des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a dévoilé son œuvre "Breathing", un mémorial aux journalistes tués dans l'exercice de leurs fonctions, au siège de la BBC à Londres. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, et le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA et le Museo Reina Sofía à Madrid.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 10 - JOSEP PUIGMARTI VALLS (Monistrol de Calders, 1932-2020). "Masque, 1995. Huile et collage sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 73 x 60 cm ; 82 x 69 cm (cadre). Josep Puigmartí était un peintre et sculpteur espagnol autodidacte qui a développé son style en dehors des conventions et des tendances artistiques de chaque période. Au cours des années 60, 70 et 80, il a introduit dans ses peintures surréalistes toute une iconographie de style érotique qui lui a valu d'être considéré par les critiques de l'époque comme un artiste transgresseur pratiquant un style provocateur. En 2007, le conseil municipal de la ville frontalière de Bourg-Madame (France) l'a déclaré fils préféré, en lui remettant les clés de la ville et en lui dédiant un musée permanent appelé Espace d'art Puigmartí. Grâce à ses nombreux voyages à travers le monde, il a exposé en Espagne, en Andorre, en France, à Monaco, en Suède, au Danemark, au Japon, à Abu Dhabi, en Colombie, aux États-Unis et au China Millennium Monument Contemporary Art Museum de Pékin.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 11 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelone, 1943). "Volteig, 1990. Huile sur toile. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 195 x 204 cm ; 207 x 206,5 cm (cadre). Llimós s'est fait connaître en 1964, lors d'une exposition commune avec, entre autres, Arranz Bravo, Bartolozzi et Gerard Sala, avec qui il a travaillé en équipe jusqu'en 1969. Son œuvre se trouve dans des collections exceptionnelles telles que le musée national d'art de Catalogne, le musée d'art moderne Espirito Santo au Brésil, la collection d'art contemporain de Madrid, les musées des beaux-arts d'Alava et de Séville, la fondation Lucio Amelio à Naples, le musée international de la résistance Salvador Allende à Santiago du Chili, la fondation Peter Stuyvesant à Amsterdam, le Palau Solleric à Palma de Majorque et le MACBA à Barcelone, parmi d'autres. Son œuvre, au trait expressif et intense, oscille entre figuration et abstraction symbolique, avec une forte attirance pour le monde animal, qui est souvent le sujet de son travail, comme on peut le voir dans le tableau que nous présentons aujourd'hui.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 12 - JAVIER MARISCAL (Almazora, Castellón, 1950). Sans titre. Barcelone, Palo Alto, mai 2006. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge droite ; signée, localisée et datée au dos. Dimensions : La maîtrise de Javier Mariscal dans la composition de scènes animées, de foules enflammées par la magie de la nuit, n'a pas de concurrent. Dans un style insouciant, il dispose les personnages de cette toile de manière apparemment aléatoire, mais sous l'apparent chaos des projecteurs, des toasts, des sourires, des corps et des tables se cache une rigueur de composition qui est le fruit de véritables dons. Mariscal s'abreuve à la bande dessinée, mais transforme le dessin animé en une incursion sociologique et plastique. On reconnaît sa signature dans chacun de ses personnages, ces visages synthétiques et certains d'entre eux légèrement canins, qui rappellent l'une des mascottes les plus célèbres des dernières décennies. Dessinateur industriel, caricaturiste et auteur de bandes dessinées de renom, Javier Mariscal vit et travaille à Barcelone depuis 1970. Il a étudié le design à l'école Elisava de Barcelone, mais a rapidement abandonné ses études pour apprendre directement de son environnement et suivre ses propres impulsions créatives. Il a commencé sa carrière dans le monde de la bande dessinée underground dans des publications telles que "El Rrollo Enmascarado" ou "Star", aux côtés de Farry, Nazario et Pepichek. Après avoir réalisé ses premières bandes dessinées au milieu des années 1970, il dessine en 1979 le logo du Bar Cel Ona, œuvre pour laquelle il commence à être connu du grand public. L'année suivante, le Dúplex ouvre ses portes à Valence, le premier bar signé par Mariscal, avec Fernando Salas, pour lequel il conçoit l'une de ses pièces les plus célèbres, le tabouret Dúplex, véritable icône du design des années 80, tant à l'intérieur qu'à l'extérieur de nos frontières. En 1981, son travail de designer de meubles l'amène à participer à l'exposition du groupe Memphis à Milan. En 1987, il expose au Centre Georges Pompidou à Paris et participe à la Documenta de Kassel. Deux ans plus tard, son dessin Cobi est choisi comme mascotte des Jeux olympiques de Barcelone de 1992, d'abord controversé, mais aujourd'hui reconnu comme la mascotte la plus rentable de l'histoire des Jeux modernes. En 1989, il crée l'Estudio Mariscal et collabore à divers projets avec des designers et des architectes tels qu'Arata Isozaki, Alfredo Arribas, Fernando Salas, Fernando Amat et Pepe Cortés. Parmi ses travaux les plus remarquables figurent les identités visuelles du parti socialiste suédois, de la station de radio Onda Cero, du zoo de Barcelone, de l'université de Valence, du centre de design et d'architecture Lighthouse à Glasgow, du centre culturel GranShip au Japon et de la société de postproduction londonienne Framestore. En 1999, il a reçu le prix national du design, décerné par le ministère espagnol de l'industrie et la fondation BCD en reconnaissance de l'ensemble de sa carrière professionnelle.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 13 - JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). Sans titre, 2005. Technique mixte (huile et assemblage) sur toile. Signé et daté. Dimensions : 154,5 x 120 x 5 cm. L'utilisation de l'assemblage liée à l'expérimentation et à l'abstraction lyrique gagne du terrain dans les peintures de Guinovart dans sa dernière période. Il revient à ses débuts informels, mais les enrichit en étudiant les effets de différentes procédures sur des supports peu orthodoxes. Le fort contraste entre les noirs, les rouges et les blancs, enroulés comme des vagues déchaînées, suggère des tempêtes et d'autres phénomènes dans lesquels la nature se révèle dans toute sa ferveur. Guinovart a tiré de l'observation de la nature et de la réflexion sur les propriétés physiques de la peinture un langage visuel unique. Josep Guinovart a été formé à l'école des maîtres peintres, à l'école des arts et métiers et dans les classes de la FAD. Il a exposé individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert rapidement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, au Museo Eusebio Sempere d'Alicante, au Museo de Navarra de Tafalla, à la Casa de las Américas de La Havane, au Bocchum Museum d'Allemagne, au Museo de Bellas Artes de Long Island, New York, et au Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 14 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelone, 1943). "Porte des Lilas" 1992. Huile sur toile. Datée, titrée et signée au dos. Avec l'étiquette de la galerie Trama. Dimensions : 195 x 115 cm ; 197 x 117 cm (cadre). Llimós s'est fait connaître en 1964, lors d'une exposition commune avec, entre autres, Arranz Bravo, Bartolozzi et Gerard Sala, avec lesquels il a travaillé en équipe jusqu'en 1969. Son œuvre se trouve dans des collections exceptionnelles telles que le musée national d'art de Catalogne, le musée d'art moderne Espirito Santo au Brésil, la collection d'art contemporain de Madrid, les musées des beaux-arts d'Alava et de Séville, la fondation Lucio Amelio à Naples, le musée international de la résistance Salvador Allende à Santiago du Chili, la fondation Peter Stuyvesant à Amsterdam, le Palau Solleric à Palma de Majorque et le MACBA à Barcelone, parmi d'autres. Son œuvre, au trait expressif et intense, oscille entre figuration et abstraction symbolique, avec une forte attirance pour le monde animal, qui est souvent le sujet de son travail, comme on peut le voir dans le tableau que nous présentons aujourd'hui.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 15 - ALICIA FRAMIS (Mataró, 1967). "Parnasia", 2002. Photographie, éd. 2/3. Dimensions : 122 x 155 cm. Alicia Framis est née en 1967 à Mataró, Barcelone. Elle a étudié les beaux-arts à l'université de Barcelone et à l'école des beaux-arts de Paris. Elle a complété sa formation à l'Institut d'Hautes Études de Paris et à la Rijksakademie van beeldende kunsten d'Amsterdam. Alicia a vécu et travaillé à Barcelone (1985-1990), Paris (1990-1993) et Amsterdam (1995-2005). Alicia Framis vit et travaille actuellement à Amsterdam. Elle est une artiste multidisciplinaire dont le travail oscille entre les disciplines de l'architecture, du design d'objets, de la mode et de la performance. Ses projets soulèvent ouvertement diverses questions problématiques sur les manières conventionnelles dont le monde contemporain organise ses agendas politiques, moraux et affectifs. Framis articule des propositions non conventionnelles, souvent même fictives, pour aborder et répondre à des dilemmes sociaux réels. En 2023, il a annoncé son nouveau projet, son mariage avec un hologramme nommé AiLex, un compagnon virtuel créé par Articifial Intelligence. Le mariage est prévu pour l'été 2024.

Estim. 1 800 - 2 200 EUR

Lot 16 - JOSÉ MALDONADO (Madrid, 1962). Sans titre. 1992. Peinture acrylique, vernis et fusain sur toile. Dimensions : 90 x 90 cm. Autodidacte, José Maldonado a commencé son activité en 1982, en collaborant en tant qu'illustrateur et artiste collaborateur à des publications de l'époque telles que La Luna de Madrid, Madrid Me Mata, Madriz et d'autres. Le projet artistique que l'artiste a développé au cours des 15 dernières années est axé sur l'impossibilité de constituer une image et une représentation de la réalité qui soit à la fois pleine et intime et capable d'établir un lien de communication profond. José Maldonado déclare : "Mon travail est basé sur le soupçon, et aussi sur la conviction d'une extrême difficulté de lecture et d'incompréhension, également extrême... que l'œuvre et le travail de l'artiste tentent de sauver par l'hypothèse d'un vide ou d'une lacune, un espace vide, peut-être dépourvu de sens, dans lequel la communication se produit de manière non régulée (implosive et explosive). Le projet est essentiellement une allégorie de la communication et du désir d'interpréter le monde et de se donner à lui comme s'il s'agissait de notre voisin... ou de nous-mêmes". José Maldonado a présenté son travail dans des galeries internationales telles que Juana Mordo, Toni Estrany, Froment & Putman, Denise Van de Velde ou Helga de Alvear, et dans des expositions organisées, entre autres, au Prospect de Francfort, au CAPC de Bordeaux ou à l'Institut d'art contemporain de Lyon. Ses œuvres sont conservées dans des musées tels que le Museo Nacional de Arte Reina Sofía à Madrid, le Museo Patio Herreriano, l'Ulster Museum à Belfast ou le Marugame Hirai Museum à Tokyo.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 17 - XAVIER MEDINA CAMPENY (Barcelone, 1943). Sans titre. Sculpture en bronze, exemplaire 4/5. Signé et justifié sur la base. Avec le sceau de la Fundición Artística Vila. Dimensions : 51 x 65 x 37 cm. Du début des années soixante-dix date une série de pièces de Medina Campeny dont le thème est la tête humaine, vue de multiples points de vue, la soumettant à des modifications. Xavier Medina Campeny, petit-fils du sculpteur Josep Campeny et arrière-petit-fils de Damià Campeny, est un sculpteur de formation autodidacte, qui a fait évoluer son humeur artistique vers un style très personnel. Il commence par étudier l'architecture à Barcelone, mais abandonne ses études pour se lancer dans le monde de la sculpture. C'est à cette époque qu'il se consacre à cet art, en autodidacte. Sa longue carrière artistique en tant que sculpteur l'a amené à travailler avec différentes techniques et matériaux. Quant à sa première exposition, il l'a faite en 1964. Dix ans plus tard, il s'installe à New York, où il réalise la majeure partie de sa production artistique. Quelques années plus tard, il retourne en Espagne pour y rester. Son style est étroitement lié à l'avant-garde, et plus particulièrement au dadaïsme. Sa maîtrise du dessin l'a également aidé à mettre en relation des éléments organiques avec des formes géométriques. Entre 1975 et 1989, il a développé un langage plastique du corps humain, mélange d'anatomie et de géométrie, qu'il a lui-même appelé "fragmentations". Au moment de réaliser ces corps, Medina émiette, divise et géométrise les parties du corps humain pour les réunir plus tard, afin de mettre en évidence certaines parties qu'il laisse vides. L'œuvre Conversación (1979) reflète et nous parle du contraste entre l'absent et le présent. D'autre part, l'œuvre Le miroir dans l'océan Atlantique équilibre la forme avec le fond et travaille le corps sans le fragmenter. L'œuvre de Medina peut être rapprochée des propositions surréalistes. Par exemple, dans le groupe Mimetismo animal (Mimétisme animal), les attitudes humaines avec des expressions ironiques peuvent être vues dans les animaux. Depuis 2003, le style de l'artiste a changé en ce qui concerne le corps humain : il simplifie les formes et les transforme en cylindres allongés qui sont pour lui des "pièces" ayant une signification symbolique. Les œuvres de Medina et Campeny ont été exposées en Europe et en Amérique, où plusieurs d'entre elles se trouvent dans des musées et d'importantes institutions, comme le Museo Nacional de Arte Reina Sofia à Madrid, le MACBA à Barcelone, la Fondation Pagani à Legnano, en Italie, le Musée Everson à Syracuse (États-Unis), la Jimmy Carter Library & Museum à Atlanta, en Géorgie (États-Unis), la Bears Foundation à New York (États-Unis), le North Carolina Museum of Art (États-Unis), entre autres.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 18 - MARKUS ÖEHLEN (Krefeld, Rhénanie-du-Nord-Westphalie, 1956). "Securitator. 2005. Huile sur toile. Signée et datée au dos. Avec l'étiquette de la galerie Juana de Aizpuru au dos. Dimensions : 250 x 200 cm : 253 x 203 cm (cadre). Dans des tableaux comme celui-ci, Markus Öehlen teste notre capacité à voir derrière les images, en transcendant la lecture superficielle à laquelle la culture visuelle nous soumet. Des figures humaines et d'autres plus ambiguës, quelque peu inquiétantes, sont superposées sur des plans de couleur et des textures différentes, suggérant des couches infinies de lecture et d'interprétation. La richesse plastique de cette œuvre résulte de l'étude approfondie de différents styles, de l'expérimentation optique de l'art cinétique ajoutée à l'héritage de l'expressionnisme abstrait et de l'automatisme onirique. Il semble intercaler des processus mécaniques avec des taches picturales spontanées. Et pourtant, il n'utilise que la technique de l'huile. Le traitement élaboré des surfaces produit un effet magnétique en remplaçant la réalité banale par une représentation complexe. Markus Öehlen est un artiste visuel allemand qui travaille avec la peinture, la sculpture et la musique. Dans les années 1970 et 1980, il a été l'un des membres fondateurs de l'influent mouvement artistique néo-expressionniste Neue Wilde à Düsseldorf, avec Martin Kippenberger, Markus Lüpertz et son frère Albert Oehlen. Oehlen a étudié à la Kunstakademie de Düsseldorf (Alfonso Hüppi). Il utilise un style punk qui s'oppose au minimalisme. L'objectif était d'attaquer la nature du minimalisme avec un style de peinture basé sur l'instinct et qui met l'accent sur le sauvage, le spontané, l'obsessionnel et le sensuel. Oehlen n'a cessé de développer son travail, parallèlement à la peinture, à la sculpture et aux projets musicaux. Ses nouvelles œuvres s'inspirent de plus en plus des expériences perceptives de l'Op Art, avec des interférences d'images imprimées se produisant sous forme de grilles au-dessus et au-dessous des couches d'images. Les images complexes et stratifiées de Markus Oehlen sont composées d'une pléthore d'images trouvées, de formes et d'éléments picturaux déformés qui, sortis de leur contexte antérieur, acquièrent une nouvelle fonction et une nouvelle signification. En réarrangeant les éléments individuels de composition des toiles dans le contexte de l'art, Oehlen crée des natures mortes surréalistes qui n'étaient pas prévues à l'origine, jouant avec la notion de hasard et suggérant d'étranges narrations. Les images sur grandes toiles convainquent par leur approche radicale de la peinture. Il a participé à l'exposition collective Von hier aus - Zwei Monate neue deutsche Kunst à Düsseldorf en 1984. En 1993, il a exposé au Museum of Modern Art de New York : "Projects 39" - avec Georg Herold. En outre, Oehlen a été membre fondateur des groupes Mittagspause, Fehlfarben, Flying Klassenfeind, Vielleichtors et Van Oehlen. Depuis 2002, il est professeur à l'Académie des beaux-arts de Munich.

Estim. 25 000 - 30 000 EUR

Lot 19 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Merce Cunningham et sa compagnie de danse, 1966. Pour le spectacle à Sitges le 29 juillet 1966. Lithographie Avant Lettre, numéro 97/200. Signée dans la planche et numérotée au crayon. Dimensions : 73,5 x 50 cm. Joan Miró se forme à Barcelone et débute individuellement en 1918, dans les galeries Dalmau. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste dans le domaine visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Tout au long de sa vie, il reçoit de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise et de la Fondation Guggenheim, le prix Carnegie de peinture, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya et des Beaux-Arts, et est nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Ses œuvres sont actuellement exposées à la Fondation Joan Miró à Barcelone, ainsi qu'au musée Thyssen-Bornemisza, au MoMA de New York, au musée Reina Sofía de Madrid, à la National Gallery de Washington, au MNAM de Paris et à l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 20 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "L'œil", 1984. Gravure en deux planches sur papier Arches, exemplaire 4/50. Signé et numéroté à la main. Tàpies Galfetti V, p. 183, fig. 952. Dimensions : 12 x 21 cm (tirage 1) ; 30 x 40 cm (tirage 2) ; 50 x 65 cm (papier). Antoni Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi que dans le Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau aux Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il fait une exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, se déroulent dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années soixante-dix, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 21 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Le plus beau cadeau, 1975. Eau-forte et gravure au carborundum en gris et brun, exemplaire 37/80. Signée et numérotée au crayon. Tàpies Galfetti V, p. 90, fig. 1513. Dimensions : 63,5 x 45,5 cm. Antoni Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi que dans le Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau aux Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il fait une exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, se déroulent dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années soixante-dix, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 22 - ALEXANDER CALDER (États-Unis, 1898 - 1976). "Cercles noir, bleu, rouge", 1975. Lithographie, copie H.C. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 65 x 50 cm ; 75 x 59 cm (cadre). La lithographie que nous présentons réunit de nombreux aspects caractéristiques de la peinture de Calder : la simplicité sereine des formes abstraites, les couleurs pleines et primaires et le dynamisme formel. Calder a étudié à l'Art Students League de New York et, en 1926, il a organisé sa première exposition de peinture à la Artist's Gallery de New York. Avant la fin de l'année, il entame un voyage en Europe qui lui permet de rencontrer les grandes figures de l'époque, telles que Miró, Duchamp et Mondrian. Calder est l'un des artistes les plus renommés du XXe siècle, avec des œuvres dans toutes les grandes collections du monde. Du MoMA de New York, où l'une de ses sculptures orne l'escalier principal, au siège de l'UNESCO à Paris. Il est également représenté au musée Guggenheim de New York, à la Peggy Guggenheim Collection de Venise, au Städel de Francfort, au Kunstmuseum de Bâle, à la Reina Sofía de Madrid et à la Tate Gallery de Londres.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 23 - PEPE YAGÜES (Molina de Segura, Murcia, 1968). "Es tocada", 1999. Technique mixte sur papier. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 96 x 172 cm ; 125 x 202 cm (cadre). Peintre, graveur et sculpteur, Pepe Yagües a été formé à l'école des arts et métiers de Murcie et à la faculté des beaux-arts de Grenade. En 1991, il obtient une bourse du ministère de l'éducation et, en 1992, il est diplômé de la faculté de Valence et reçoit un prix de la fondation Cañada Blanch. Les années suivantes, les succès et les projets s'enchaînent et, depuis 1997, il participe assidûment à la foire madrilène Arco. Yagües a exposé en Espagne et à l'étranger et est représenté au Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, à la Cruz Herrera, à l'Adra d'Almería, au Municipal de Valence, au Museo del Grabado d'Orense, au Musée de la poste et du télégraphe de Madrid, à la Calcografía Nacional et à la Casa Natal de Goya de Saragosse.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 24 - CLAUDIO BRAVO CAMUS (Valparaiso 1936 - Taroudant, Maroc 2011). Sans titre, 1950. Fusain et crayon blanc sur papier. Encadré avec un verre de musée. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 70 x 125 cm ; 95 x 152 cm (cadre). La sensualité de cette œuvre évocatrice domine complètement la composition. Une femme nue, dans un raccourci complexe, est présentée au spectateur sans qu'il s'en aperçoive. Son anatomie délicate et féminine est définie par un volume véridique, non sans un manque d'idéalisation transcendante vers une beauté classique. Les volumes marqués, grâce à l'utilisation des ombres et de la lumière, confèrent une tridimensionnalité à ce corps qui semble flotter dans un espace léger, où l'idéal est le corps de la femme en tant que concept, et non une femme concrète, puisque nous ne voyons pas son visage, mais le symbole du féminin. La précision du dessin et la qualité technique de l'œuvre créent un grand jeu entre la réalité et l'imaginaire qui maintient le spectateur dans l'expectative devant le paradoxe visuel posé par l'auteur, une caractéristique récurrente dans l'œuvre de Claudio Bravo. Né dans une famille aisée de propriétaires terriens chiliens, Claudio Bravo a eu très tôt une vocation artistique claire et n'a pas voulu faire partie de l'entreprise familiale, malgré l'insistance de son père pour son premier fils. Il a étudié dans une école religieuse et, bien qu'il ait rejeté avec l'âge tous les dogmes catholiques appris dans son enfance, il a toujours eu un certain intérêt pour les aspects mystérieux de la vie religieuse et une fascination pour la vie des saints. Son style est influencé par la perfection classique et la Renaissance, comme en témoignent les œuvres que nous présentons ici. Il expose pour la première fois au Salon 13 de Santiago du Chili en 1954, à l'âge de 18 ans, et découvre le surréalisme de Dalí, dont l'influence sera palpable dans certaines de ses œuvres futures, mais toujours avec une empreinte personnelle. Il acquiert une certaine notoriété en Amérique latine et en Europe en tant que portraitiste, un genre qu'il n'abandonnera jamais car, bien qu'il commence à le trouver ennuyeux, il lui apporte une stabilité économique et un statut social important. En 1961, il quitte enfin le Chili et arrive en Espagne, s'installant dans la capitale madrilène où il continue à cultiver la gloire et la fortune jusqu'au début des années 70, date à laquelle il se rend enfin à Tanger, séduit, comme il l'explique, par une lumière et un climat incomparables. En 1981, il expose pour la première fois à la Marlborough Gallery de New York, galerie qui le représente depuis lors au niveau international, et en 1994, il présente une grande exposition personnelle au Musée national des beaux-arts, qui est devenue l'une des plus fréquentées de l'histoire. En raison de ses mérites et de ses contributions artistiques, le Conseil des ministres espagnol lui a accordé la nationalité espagnole le 1er juillet 2002.

Estim. 45 000 - 50 000 EUR

Lot 25 - JOAN MIRÓ I FERRÁ, (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Album 21, 1978. Lithographie en couleur sur papier Archès. Exemplaire 41/75. Édité par la galerie Maeght. Avec certificat de National Art Brokers Inc. Signé à la main et numéroté. Dimensions : 64 x 49 cm ; 100 x 85 cm (cadre). Joan Miró se forme à Barcelone, entre l'École du marché aux poissons et l'Académie Galí. Dès le début de l'année 1918, il réalise sa première exposition dans les galeries Dalmau de Barcelone. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste au visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. À partir de ce moment, son style entame une évolution qui le conduit à des œuvres plus éthérées, dans lesquelles les formes et les figures organiques sont réduites à des points, des lignes et des taches de couleur abstraits. En 1924, il signe le premier manifeste surréaliste, bien que l'évolution de son œuvre, trop complexe, ne permette pas de l'inscrire dans une orthodoxie particulière. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui marquera sa consécration internationale définitive. Au cours des années cinquante, il expérimente d'autres supports artistiques, tels que la gravure, la lithographie et la céramique. De 1956 à sa mort en 1983, il vit à Palma de Majorque dans une sorte d'exil intérieur, tandis que sa renommée internationale grandit. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise en 1954 et de la Fondation Guggenheim en 1959, le prix Carnegie de peinture en 1966, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya (1978) et des Beaux-Arts (1980), et a été nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Aujourd'hui, son œuvre est exposée à la Fondation Joan Miró de Barcelone, inaugurée en 1975, ainsi que dans les principaux musées d'art contemporain du monde entier, tels que la Thyssen-Bornemisza, le MoMA de New York, le musée Reina Sofia de Madrid, la National Gallery de Washington, le MNAM de Paris et l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo. Édité par la galerie Maeght. Certifié par National Art Brokers Inc.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 26 - AGUSTÍN ÚBEDA ROMERO (Herencia, Ciudad Real, 1925 - Madrid, 2007). "Emeraude". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Signée, titrée et localisée au dos. Dimensions : 131 x 162 cm ; 135 x 166 cm (cadre). Peintre surréaliste, membre de ce que l'on appelle l'École espagnole de Paris, Agustín Úbeda était un grand connaisseur de l'histoire de l'art et un homme de grande culture. Il entre en 1944 à l'École des beaux-arts San Fernando de Madrid, où il est le disciple de Vázquez Díaz, Eugenio Hermoso et Joaquín Valverde, et reçoit le titre de professeur de dessin en 1948. Il fait ses débuts individuels en 1949 au Casino d'Alcazar de San Juan et, en 1952, à l'âge de vingt-sept ans, il organise sa première exposition personnelle à Madrid, à la galerie Xagra. L'année suivante, il s'installe à Paris, grâce à une bourse de l'Institut français. Après avoir remporté deux prix consécutifs au concours de la jeune peinture française, un deuxième prix en 1956 et un premier prix l'année suivante, les portes de la prestigieuse galerie Drouant-David à Paris lui sont ouvertes, où il expose désormais régulièrement ses œuvres. En 1960, il reçoit le moulin d'or de la XXIe exposition Manchegan de Valdepeñas et, trois ans plus tard, la médaille de bronze de la Ve biennale d'Alexandrie. C'est peu de temps avant qu'il ne fasse le saut, depuis la galerie Biosca de Madrid, vers les États-Unis, le centre mondial de l'art à l'époque. Professeur émérite de l'université Complutense de Madrid et membre titulaire de l'Académie royale des médecins, Ubeda a continué à recevoir d'importantes récompenses tout au long de sa longue carrière, en particulier le Grand prix de peinture du Cercle des beaux-arts en 1980. De même, en 1998, le Centro Cultural de la Villa de Madrid a présenté une rétrospective de son œuvre entre 1944 et 1998. La même année, Úbeda a organisé une exposition anthologique de trente-cinq tableaux à la Caja de San Fernando de Séville, consacrée à trois de ses thèmes constants : le paysage, le nu féminin et la nature morte. Agustín Úbeda a organisé des expositions individuelles dans plusieurs villes espagnoles, ainsi qu'en France, en Suisse et aux États-Unis. Il est actuellement représenté dans les musées de la Villa à Genève et à Paris, au musée des beaux-arts de Jaen, au musée d'art contemporain de Badajoz, au musée d'art moderne de Valdepeñas, au musée de la gravure de Marbella, au musée municipal de Tolède, au musée national d'art contemporain, au musée Camón Aznar de Saragosse, au musée provincial de Ciudad Real et, aux États-Unis, aux musées du Nouveau-Mexique, de San Diego, de Phoenix, Lowe à Miami et Evansille dans l'Indiana.

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 27 - MIGUEL RASERO (Doña Mencía, Cordoue, 1955). Sans titre, 1988. Huile et collage sur toile. Signée avec des initiales et datée au dos. Dimensions : 145 x 112 cm ; 164 x 133 cm (cadre). Peintre et graphiste, Rasero développe une œuvre qui dépasse les approches artistiques traditionnelles pour présenter des compositions qui cherchent à établir un équilibre entre des formes fragiles ou impossibles avec l'espace qui les entoure. De même, l'auteur établit un dialogue entre l'intérieur et l'extérieur, ainsi qu'avec les limites et les frontières qui facilitent et stimulent l'imagination. Ses œuvres ont pour principales références Kurt Schwitters et Malevitch. Rasero a développé sa carrière à Barcelone, où il a reçu la bourse de la Generalitat de Catalunya pour les arts en 1982. En 1984, il a remporté le deuxième prix de la Biennale de peinture de cette même ville et a exposé ses peintures dans des galeries nationales et internationales de premier plan, telles que Gaspar à Barcelone, Trama à Madrid, Pelaires à Palma, Puerta Nueva à Cordoue et Philippe Guimiot à Bruxelles et à New York. En 2001, il a présenté son travail dans le cadre d'une exposition collective organisée au Museo Pedro de Osma à Lima (Pérou) et a participé à plusieurs éditions de la foire d'art Arco à Madrid. Il est représenté au MACBA de Barcelone, à la Fondation La Caixa, dans la collection de la Banque Rotschild en Suisse, dans la Travelstead Collection à New York et dans celle de Banco Santander.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 28 - ANDREU ALFARO HERNÁNDEZ, (La Huerta, Valence, 1929 - 2012). "Calatá Power (B)" 1967. Sculpture en acier inoxydable polychrome rouge, exemplaire 87/500. Signé et numéroté sur la base. Référencé dans le catalogue raisonné, page 219. Dimensions : 38 x 10,5 x 10,5 cm. Sculpteur lié au groupe Parpalló (1957), et influencé par Jorge Oteiza et les constructivistes, comme Brancusi ou Pevsner, Andreu Alfaro manifeste dès ses premières œuvres d'importance son souci d'intégrer la sculpture dans un espace architectural défini. En 1961, avec "La Rella", il entame une deuxième étape dans laquelle il concrétise le lien entre l'activité artistique et la communauté sociale, suivie de "La veu d'un poble" (1964-65) et de "Monument a l'amor" (1965-66). Au cours de ces années, il acquiert une renommée internationale grâce à sa participation à la Biennale de Venise de 1966, où il expose "Mon frère noir". Au cours des dernières années des années soixante, Alfaro entre dans une nouvelle phase, dans laquelle il expérimente avec des éléments métalliques, créant des œuvres de caractère cinétique ou de recherche spatiale. De cette période datent les échantillons bien connus "Bon dia llibertat" (1975) et "Catalan power" (1976). C'est également au cours de ces années qu'il commence à s'intéresser aux grandes sculptures, qu'il expose dans le parc Cervantes de Barcelone (1977). Il conçoit également plusieurs monuments tels que le "Monument als Països Catalans" à Tárrega (1981). Cette période marque également le début de sa projection internationale et, sans aucun doute, le moment de maturité de l'un des plus importants sculpteurs catalans. Cependant, vers 1980, il cherche à retrouver une stylisation presque calligraphique dans ses œuvres, ce qui l'amène à expérimenter le fil de fer. Parallèlement, il commence à incorporer le marbre dans sa production, qui peut être définie comme une juste combinaison d'éléments lucides et de purisme constructif. La structure géométrique de ses œuvres, toujours changeante selon le point de vue de l'observateur, est toujours dotée d'une grande force plastique. En 1983, Alfaro a réalisé une sculpture en hommage au peintre E. Sempere à Madrid. Au cours de cette période, il a également réalisé d'autres sculptures en plein air à Francfort (1986), Madrid (1990) et Barcelone (1991). En 1996, il installe à Tarrasa une sculpture dédiée à la femme qui travaille, en 1999 il érige les "Columnes de l'Autònoma" à l'université de Barcelone, et en 2001 il réalise un monument à la mémoire des victimes du nazisme à Vilanova i la Geltrú. À l'occasion de l'année Verdaguer, une sculpture monumentale commémorative du poète catalan a été inaugurée en 2002 dans la ville de Vic et, en 2003, il a créé la sculpture "Ones" à l'entrée de Barcelone. Tout au long de sa carrière, Alfaro a organisé des expositions personnelles en Espagne ainsi qu'en Allemagne, en Italie et aux Pays-Bas, et a participé à d'importantes expositions collectives dans le monde entier. Il a également reçu de nombreux prix, dont le prix d'honneur Jaume I (1980), le prix national des arts plastiques (1981) et le prix Alfons Roig des arts plastiques de la Diputación de Valencia (1991). Il est actuellement représenté au musée Reina Sofía et au centre Conde Duque à Madrid, à l'IVAM et au Patio Herreriano à Valladolid, entre autres. Référence dans le catalogue raisonné, p. 219.

Estim. 2 600 - 2 800 EUR

Lot 29 - JOAN RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Le peintre. Technique mixte sur toile. Signé et daté dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 130 x 97 cm. Connu sous son deuxième nom de famille ou comme "le bienheureux Ripo", Joan García Ripollés a découvert sa passion pour la peinture lorsque, très jeune et en pleine période d'après-guerre, il est entré dans un atelier de peinture industrielle. Dès lors, il se consacre à la peinture le soir et, plus tard, il suit des cours de dessin au lycée Ribalta de Castellón. Après avoir fait ses débuts dans une exposition collective organisée en 1951 à la Caja de Ahorros de Castellón, sa carrière prend un tournant en 1954, à la suite d'un voyage à Paris où il établit des contacts avec les milieux artistiques de la ville. En 1962, il organise sa première exposition individuelle importante au MACBA de Barcelone et, en 1967, il se rend à New York, où il expose et vend l'ensemble de sa collection à The William Haber Art Collection. À partir de ce moment, il entame une carrière internationale fulgurante qui a conduit son œuvre dans le monde entier. Il a organisé des expositions personnelles non seulement en Espagne, à Paris et à New York, mais aussi au Mexique, en Hollande, en Belgique, en Italie, en Suisse, en Suède, dans plusieurs villes américaines, en Allemagne et au Japon. En 2000, il a reçu le prix des arts de la Communauté valencienne. Ripollés est aujourd'hui l'un des artistes espagnols les plus internationaux, et aussi l'un des plus complets, puisqu'il a travaillé avec brio la peinture, la sculpture et la gravure. Il est représenté à l'IVAM, au MOMA de New York, au musée de l'université d'Alicante, au musée des beaux-arts de Séville et au MACBA.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 30 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelone, 1923-2009). Sans titre. 2002. Technique mixte et cire sur papier. Signé et daté. Dimensions : 36 x 37 cm ; 68,5 x 70 cm (cadre). Peintre, pédagogue, écrivain et artiste graphique, Ràfols Casamada jouit aujourd'hui d'un grand prestige international. Il débute dans le monde du dessin et de la peinture avec son père, Albert Ràfols Cullerés. L'influence post-impressionniste de son père et son cézannisme particulier marquent les œuvres présentées lors de sa première exposition, en 1946, aux galeries Pictòria de Barcelone, où il expose avec le groupe Els Vuit. Par la suite, il élaborera une abstraction poétique, amorphe dans sa configuration, libre et intelligente, fruit d'une lente gestation et basée sur des environnements, des thèmes, des objets ou des graphismes de la vie quotidienne. Ràfols Casamada travaille avec ces fragments de réalité, de vie, dans un processus de défiguration, jouant avec les connotations, les valeurs plastiques et la richesse visuelle des différentes lectures possibles, dans une tentative de fixer le caractère éphémère de la réalité. En 1950, il obtient une bourse pour voyager en France et s'installe à Paris jusqu'en 1954. C'est là qu'il se familiarise avec la peinture figurative post-cubiste, ainsi qu'avec les œuvres de Picasso, Matisse, Braque et Miró, entre autres. Ces influences s'ajoutent dans sa peinture à celle de l'expressionnisme abstrait américain, qui se développe à la même époque. À son retour à Barcelone, il s'engage dans sa propre voie artistique, avec un style caractérisé par l'élégance de la composition, basé sur des structures orthogonales combinées à un chromatisme émotif et lumineux. Après avoir entretenu une relation intéressante, dans les années 60 et 70, avec le néo-dada et le nouveau réalisme, son œuvre s'est concentrée sur des valeurs purement picturales : des champs de couleurs en harmonie expressive sur lesquels se détachent des lignes gestuelles au fusain. Il a reçu une multitude de prix, tels que le prix national des arts plastiques du ministère de la culture en 1980, le Creu de Sant Jordi en 1982 et le prix des arts de la CEOE en 1991. En 1985, il a été nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres de France et est membre honoraire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando à Madrid. En 2003, la Generalitat lui a décerné le prix national des arts visuels de Catalogne et, en 2009, deux mois avant sa mort, le Grup 62 lui a rendu hommage au musée national d'art de Catalogne. Son œuvre se trouve dans les plus grands musées du monde : le Reina Sofia de Madrid, le Guggenheim et le MOMA de New York, le Museum of Modern Art de Los Angeles, le Musée Picasso en France, le Georges Pompidou à Paris, le British Museum et la Tate Gallery de Londres, entre autres.

Estim. 2 400 - 3 000 EUR

Lot 31 - CARMEN CALVO (Valence, 1950). "Je suis triste mais pas avec une fin", 2007. Photographie intervenue sur papier. Signé et daté à la main. Dimensions : 54 x 38 cm ; 70 x 54 x 6 cm (cadre). L'une des passions de l'artiste Carmen Calvo est de flâner dans les marchés aux puces et de feuilleter de vieux albums à la recherche de vieilles photographies pour intervenir, offrant ainsi une vision renouvelée des anciens clichés anonymes pris dans le passé. Des personnages inconnus en noir et blanc, souvent dans des photographies de groupe, transforment leur identité par l'inclusion de masques et d'autres éléments surréalistes. Carmen Calvo a étudié à l'école des arts et métiers et à l'école des beaux-arts de Valence et a obtenu un diplôme en publicité en 1970. Elle élargit ensuite sa formation grâce à des bourses du ministère de la culture (1980), de la Casa de Velázquez à Madrid (1983-85) et du ministère des affaires étrangères pour sa résidence à Paris (1985-92). Au cours de ces années, Calvo a commencé à être reconnue, recevant des distinctions telles que le premier prix de peinture LaSalle Seiko de Barcelone (1985), le prix Alfons Roig de la Diputación Valenciana (1989), une bourse pour la première biennale Martínez Guerricabeitia de l'université de Valence (1989) et la sélection pour la XLVIIe biennale de Venise (1997). L'artiste a commencé à exposer en 1969, en participant à une exposition collective organisée au Círculo Universitario de Valencia. Elle a fait ses débuts individuels en 1976 à la galerie Temps de sa ville natale et, depuis lors, elle a exposé ses œuvres individuellement dans diverses villes d'Espagne et des États-Unis, ainsi que dans d'autres pays d'Europe, d'Amérique et d'Afrique. Les œuvres de Carmen Calvo se trouvent actuellement dans des institutions artistiques, des musées et des collections privées du monde entier, notamment au musée Guggenheim de New York, au Reina Sofia de Madrid, au Marugame Hirai de Kobe, au MACBA de Barcelone, au Fonds national d'art contemporain de Paris, à l'IVAM de Valence, à la collection de la Chase Manhattan Bank de New York, etc.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 32 - ANTONIO LÓPEZ GARCÍA (Tomelloso, Ciudad Real, 1936). Livre d'artiste. " Corps et fleurs ", 2017. Copie 1546/2998. Édité par Artika. Signé et numéroté. Livre relié et cousu à la main. Boîtier en bois d'érable et en verre. Dans l'étui est reproduit un dessin préparatoire de "La mujer de Coslada" (2009) sérigraphié avec deux encres. Dimensions : 77 x 54,5 cm. Livre d'art d'Antonio López. Exemplaire numéroté et signé. Ce livre retrace la carrière artistique de ce génie réaliste et nous permet d'apprécier ses œuvres jusque dans les détails les plus délicats, grâce à la reproduction grandeur nature d'un grand nombre d'entre elles. Il nous rapproche également de ses sensations, de ses passions et de ses obsessions, en s'appuyant sur des textes de Rafael Argullol et d'Antonio López lui-même, ainsi que sur un entretien entre le peintre et Julio Vaquero. Peintre et sculpteur, Antonio López a étudié à Madrid, à l'Académie San Fernando, et en Italie, où il a voyagé grâce à une bourse. Pendant ses études, il forme, avec d'autres artistes comme Enrique Gran, Amalia Avia ou Lucio Muñoz, ce que l'on appelle aujourd'hui l'école de Madrid. À la fin de ses études, en 1957, il fait ses débuts individuels à Madrid. Depuis lors, il a réitéré sa présence dans des galeries en Europe, aux États-Unis, en Chine et en Corée, et en 1993, le musée Reina Sofia de Madrid lui a consacré une exposition anthologique. Membre de l'Académie San Fernando, il a reçu le prix Prince des Asturies des arts et le prix Velázquez des arts plastiques. En 2008, le musée des beaux-arts de Boston lui a consacré une exposition monographique, et en 2011, le Thyssen-Bornemisza et le musée des beaux-arts de Bilbao feront de même. Il est représenté au Museum of Fine Arts de Boston, à l'ARTIUM de Vitoria, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, à la Fondation Juan March et au Museum of Fine Arts de Bilbao, entre autres.

Estim. 2 200 - 3 000 EUR

Lot 33 - Suivant les modèles de FERNANDO BOTERO (Medellín, Colombie, 1932-Monaco, 2023). "Femme et taureau". Bronze. Avec des marques sur la base. Dimensions : 34,5 x 28 x 20 cm ; 4 x 27 x 18,5 cm (base). Sculpture en bronze représentant une femme nue, à la longue chevelure et au corps volumineux. Elle est assise de côté sur le dos d'un taureau, dont l'anatomie a également été résolue avec les formes arrondies caractéristiques de Botero. Comme le maître colombien, le bronzier confère à la figure féminine une sensualité pléthorique, étrangère aux normes de beauté.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 34 - EDUARDO NARANJO (Monesterio, Badajoz, 1944). "Mystérieuse Laura, 2007. Gravure, copie 3/99. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 41,5 x 31,5 cm (estampe) ; 60 x 49 cm (papier) ; 63,5 x 52 cm (cadre). Peintre espagnol contemporain exceptionnel, reconnu comme l'un des plus grands représentants du réalisme magique et onirique. Eduardo Naranjo a commencé sa formation artistique en 1957 avec son professeur Eduardo Acosta et est entré la même année à l'École des arts et métiers. En 1960, il poursuit ses études à la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría à Séville et, un an plus tard, il rejoint la Escuela de Bellas Artes San Fernando à Madrid, où il termine ses études. Après cette étape académique, Naranjo décide de s'installer à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Picasso et d'artistes tels que Matisse. Son travail se définit par l'exploration technique de la peinture, bien qu'il ait également travaillé avec la sculpture et dans le domaine de la scénographie. En outre, entre 1986 et 1991, il a réalisé une série de gravures pour le livre "Poeta en Nueva York" de Federico García Lorca. La carrière artistique d'Eduardo Naranjo comprend d'importants prix et récompenses, tels que le prix Luis de Morales de Badajoz (1974), la médaille d'Estrémadure (1991), le prix national de gravure María de Salamanca du musée de la gravure espagnole contemporaine (1994) et la croix du mérite militaire pour sa contribution aux arts et à l'armée (1995). Tout au long de sa carrière, il a organisé des expositions personnelles dans le monde entier et il est aujourd'hui l'un des peintres espagnols vivants les plus recherchés. En fait, sa renommée est internationale, puisqu'il est admiré dans des pays aussi lointains que la Chine, où il a exposé à de nombreuses reprises et a été invité à donner des cours de maître dans les universités du pays. Aujourd'hui, son œuvre est répartie entre des collections privées de caractère international et de nombreux musées publics, parmi lesquels le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia à Madrid et le Nagasaki Museum au Japon, ainsi que dans d'innombrables collections privées, dont la collection Masaveu à Oviedo.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 35 - ALDO COMAS (Barcelone, 1985). Sans titre. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 38 x 46 cm. Peintre, producteur de musique, réalisateur, homme d'affaires..., Aldo Comas est un personnage aux multiples facettes. Mari de l'actrice Macarena Gómez, ses peintures sont connues pour leur style vibrant et coloré. Dans l'une de ses séries, Aldo Comas a créé une collection d'œuvres représentant la culture et l'esprit dominicains avec "Dominican Mambo". Une autre série particulièrement célèbre est "London Edition". Sa dernière exposition a eu lieu en février 2024 au musée de la tauromachie de Cordoue. De même, son exposition "Homards et guitares" peut être visitée à l'hôtel Aguas de Ibiza.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 36 - ÉRIC DU BELLAY (Chatenay Malabry, France, 1980) "Seul. Liberté, 2021. Impression numérique sur papier Hahnemühle Fine Art Baryta FB, 350h. Exemplaire 1/7. Certificat d'authenticité joint. Signé et daté dans la partie inférieure. Dimensions : 50 x 35 cm ; 53 x 68 cm (cadre). "Je peins des fleurs pour qu'elles ne meurent pas" (Frida Khalo), c'est ainsi qu'Éric du Bellay définit son travail de cinéaste et de photographe. Éric du Bellay commence la photographie à l'âge de 15 ans. Il développe ses propres photos en noir et blanc. Dès le début, son travail se concentre sur les visages et les corps, comme s'il voulait conserver la trace du vivant. Il abandonne la photographie pour se lancer dans une carrière de cinéaste. Il réalise six courts métrages en France et en Islande, et son premier long métrage, Menina Casilda, est tourné à Madrid en 2021. Il revient à la photographie en 2019 avec son projet Corps Vibrants, des nus réalisés en studio à Paris, suivi de son deuxième projet, Libertad, commencé à Madrid en 2021 en réponse aux restrictions de la Pandémie. Influencé par les œuvres de Marina Abramovic, Ren Hang et Ryan McGinley, il explore les représentations de corps nus en mouvement. Certificat d'authenticité joint.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 37 - ÉRIC DU BELLAY (Chatenay Malabry, France, 1980) "Hommage à Ren Hang. Vibrant Bodies Project (Paris, France) 2019. Impression numérique sur papier Hahnemühle Fine Art Baryta 325gsm. Copie 1/7. Certificat d'authenticité joint. Signé et titré dans la partie inférieure. Dimensions : 50 x 35 cm ; 53 x 68 cm (cadre). "Je peins des fleurs pour qu'elles ne meurent pas" (Frida Khalo), c'est ainsi qu'Éric du Bellay définit son travail de cinéaste et de photographe. Éric du Bellay commence la photographie à l'âge de 15 ans. Il développe ses propres photos en noir et blanc. Dès le début, son travail se concentre sur les visages et les corps, comme s'il voulait conserver la trace du vivant. Il abandonne la photographie pour se lancer dans une carrière de cinéaste. Il réalise six courts métrages en France et en Islande, et son premier long métrage, Menina Casilda, est tourné à Madrid en 2021. Il revient à la photographie en 2019 avec son projet Corps Vibrants, des nus réalisés en studio à Paris, suivi de son deuxième projet, Libertad, commencé à Madrid en 2021 en réponse aux restrictions de la Pandémie. Influencé par les œuvres de Marina Abramovic, Ren Hang et Ryan McGinley, il explore les représentations de corps nus en mouvement. Certificat d'authenticité joint.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 38 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, 1904 - 1989). "Guerrier mythologique" et "Danseuse surréaliste", 1990. Porcelaine rehaussée d'or fin. Exemplaires 1259 et 1621, respectivement, d'une édition de 5000 exemplaires. Sont joints les certificats d'authenticité et l'acte notarié de la maison d'édition Galda N. V. Dimensions : 31 cm (diamètres, x2). Paire d'assiettes en porcelaine émaillée, dont le dessin et l'ornementation sont l'œuvre de l'artiste catalan Dalí. Elles ont été réalisées à l'occasion de l'exposition du Fonds international de la peinture à Barcelone le 8 mai 1990. Dans sa jeunesse, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rend régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Son langage absorbe les influences de nombreux styles artistiques, de l'académisme classique à l'avant-garde la plus novatrice. À cette époque, le peintre se laisse pousser une moustache qui attire l'attention, imitant celle de Vélasquez, et qui deviendra sa marque personnelle pour le reste de sa vie. En 1929, Dalí collabore avec Luis Buñuel à la réalisation d'"Un chien andalou", qui présente des scènes de l'imaginaire surréaliste. En août de la même année, il rencontre sa muse et future épouse Gala. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Son travail a grandement influencé l'orientation du surréalisme au cours des deux années suivantes. Il a été salué comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique qui était censée aider à accéder au subconscient en libérant des énergies artistiques créatives. En 1931, Dalí peint l'une de ses œuvres les plus célèbres, "La persistance de la mémoire", dans laquelle, selon certaines théories, il illustre son rejet du temps en tant qu'entité rigide ou déterministe. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. Grâce à sa première exposition personnelle à New York, sa projection internationale est définitivement consolidée et, dès lors, il exposera ses œuvres et donnera des conférences dans le monde entier. Cette même année, il fait l'objet d'un "procès surréaliste" qui aboutit à son expulsion du mouvement, car le peintre considère que le surréalisme peut exister dans un contexte apolitique, refusant de s'engager dans les idées d'André Breton. À cela, Dalí répondit par sa célèbre réplique : "Je suis le surréalisme". La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres. Les certificats d'authenticité et l'acte notarié de Galda N. V. sont joints.

Estim. 300 - 350 EUR

Lot 39 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Opérations de maintien de la paix des Nations unies, 1980. Lithographie sur papier Super Alfa. Exemplaire 190/1500. Certificat d'authenticité joint, délivré par la Fédération mondiale des Nations unies en 1980. Encadré dans un verre de musée. Présente un timbre sec de la Fédération mondiale des Nations Unies et un timbre philatélique commémoratif. Signé dans la plaque et numéroté. Dimensions : 28,5 x 21,7 cm. Joan Miró se forme à Barcelone et débute individuellement en 1918, dans les galeries Dalmau. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste dans le domaine visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Tout au long de sa vie, il reçoit de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise et de la Fondation Guggenheim, le prix Carnegie de peinture, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya et des Beaux-Arts, et est nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Son œuvre est actuellement exposée à la Fondation Joan Miró à Barcelone, ainsi qu'au musée Thyssen-Bornemisza, au MoMA de New York, au musée Reina Sofía de Madrid, à la National Gallery de Washington, au MNAM de Paris et à l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo. Cette lithographie nous montre le Miró le plus essentialiste dans sa recherche de formes minimales et suggestives. Les gammes limitées à quelques couleurs appliquées sur des surfaces planes et brillantes, se combinent pour évoquer la communion lyrique de l'homme et de l'environnement. Certificat d'authenticité délivré par la Fédération mondiale des Nations unies en 1980. Encadré dans un verre de musée.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 40 - MARK WALLINGER (Chigwell, Angleterre, 1959). "Fantôme". Sérigraphie, exemplaire 422/500. Signé à la main et numéroté au dos. Dimensions : 55 x 47 cm ; 60 x 52,5 cm (cadre). La licorne blanche, figure qui symbolise souvent une pureté inaccessible, est imprégnée dans l'œuvre de Mark Wallinger de connotations politiques, suggérant une approche ambiguë : le titre et l'image d'apparence photographique soulignent son essence fantomatique, de créature mythique. Mais, en même temps, elle suggère que l'utopie (les idéaux) continue de nous agiter à l'intérieur. L'artiste anglais Mark Wallinger est connu pour sa capacité à utiliser l'art comme un outil de commentaire social et politique, combinant la rigueur intellectuelle avec un sens profond de l'histoire et de la culture. Il fait partie de la génération d'artistes britanniques qui s'est formée dans les années 1980 et 1990, souvent associée aux Young British Artists (YBA). Toutefois, son approche est plus conceptuelle et politique que celle de nombre de ses contemporains. Wallinger aborde les questions d'identité, de spiritualité et de pouvoir, remettant souvent en question l'autorité et explorant la subjectivité. Son travail peut être à la fois direct et ironique, utilisant des symboles culturels et religieux pour susciter la réflexion. Nommé pour le prix Turner en 1995, il l'a remporté en 2007 pour son installation State Britain. Son œuvre Ecce Homo (1999-2000) a été la première à occuper le quatrième socle vide de Trafalgar Square. Il a représenté la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise, à la Documenta de Kassel et à la Biennale d'Istanbul, entre autres événements artistiques internationaux. Labyrinth (2013), une commande permanente pour Art on the Underground, a été créée pour célébrer les 150 ans du métro londonien. En 2018, l'œuvre permanente Writ in Water a été réalisée pour le National Trust afin de célébrer le site où la Magna Carta a été signée à Runnymede. Il a exposé dans des institutions artistiques majeures telles que la Tate Britain à Londres, le Musée d'art moderne de Francfort et la Fondation Du Mont à Cologne.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 41 - PABLO GENOVÉS (Madrid, 1959). "Le danseur, 2001. Cibachrome entre méthacrylate et aluminium. Copie 3/3. Signé, daté, titré et justifié au dos. Dimensions : 187 x 121 cm. Les photomontages visionnaires de Pablo Genovés sont une métaphore de la disparition de la civilisation humaine sur la planète. Ses fascinantes images cauchemardesques, dans lesquelles la figure humaine n'est pas représentée, provoquent une sensation de peur et d'admiration chez le spectateur et transmettent l'idée de l'urgence d'établir une nouvelle relation entre l'être humain et la terre qui ne soit pas basée sur son pillage. Pablo Genovés est un photographe espagnol qui utilise des techniques photographiques, numériques et picturales. À ses débuts, il peignait directement sur les photographies, en y ajoutant des couleurs abondantes ; plus tard, il a changé ses critères pour le noir et blanc, avec des ajouts de couleurs très sporadiques. Son travail explore les concepts de mémoire, de passé et de réalité ; la combinaison de la photographie et de la peinture donne à ses images un caractère propre. Dans ce mélange de langages, il cherche à montrer les avantages et les inconvénients de l'existence humaine. Certaines de ses séries photographiques montrent des espaces architecturaux luxueux (palais, bibliothèques, théâtres) sous l'effet des forces de la nature.3 Ces photographies sont composées de photographies antérieures, anonymes, que l'artiste a trouvées dans des marchés de rue et qu'il a manipulées numériquement.

Estim. 5 500 - 6 500 EUR

Lot 42 - VIACHESLAV PLOTNIKOV (Russie, 1962). "Rêves. Huile sur toile. Signée, datée et titrée au dos. Au dos se trouve une affiche de la 3ème édition de Monaco Fine Arts (2006), dans laquelle ce tableau est reproduit. Dimensions : 140 x 140 cm ; 164 x 164 cm (cadre). Une série de vues de Monte-Carlo et de son casino travaillées en grisaille (dans un jeu de sépias qui simule la reproduction de photographies anciennes) entourent un portrait central aux couleurs vibrantes d'une femme portant un chapeau exubérant. Avec une virtuosité inhabituelle, le peintre simule (en utilisant uniquement la technique de l'huile) la juxtaposition de différentes feuilles, comme s'il s'agissait de cartes postales ou de photographies des années 1920. Le portrait montre une jeune femme aux épaules couvertes d'une somptueuse étole blanche et plumeuse. Elle porte les mains gainées de longs gants de cuir bordeaux. Ses longs doigts tripotent les perles du collier et de l'autre main, elle caresse les plumes colorées de la pamela. Le visage de la dame dénote l'élégance : lèvres carmin finement dessinées, regard langoureux couleur miel, pommettes rosées. Les talents plastiques de Vyacheslav Plotnikov sont visibles dans chacun des coins urbains et côtiers, ainsi que dans le portrait énigmatique. La femme représentée incarne la sophistication de la ville glamour de Monte-Carlo dans les années 1920, date figurant sur l'une des photographies à l'huile du casino. Vyacheslav Plotnikov est un peintre basé à Monaco, abondamment récompensé par des prix et des expositions. Il fait partie de collections à Monaco et en France. Il est membre du Comité National Monégasque de L'A.I.A.P., U.N.E.S.C.O. Sous le haut patronage de S.A.S. le Prince Souverain Albert II Il s'est formé à l'Académie des Beaux-Arts de Rome (1994-1995) et à l'Académie des Arts de Shtutgardt, Allemagne (1993). Auparavant, il a étudié à l'Institut d'art d'État de Moscou "Surikov" (élève du professeur Ilia Glasunov, spécialité "Portrait", 1987-1993). Expositions sélectionnées : 2017, 4-6 décembre - Miami River Art Fair, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2017, décembre Monaco Auction, Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2017, janvier Monaco Auction, Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2016, décembre - Miami River Art Fair 2016, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA. 2016,juin- Monte-Carlo Hotel des Ventes Auction, Monaco 2015,décembre- Miami River Art Fair 2015, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2015,juin- Monaco Auction, Accademia Fine Art Gallery, Hotel Metropole, Monte-Carlo, Monaco. 2015 - Exposition à Alexander Art Group International Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2015,Mai- Vente aux enchères "AmberLoungeFashion", Hôtel Méridien, Monte-Carlo, Monaco 2014,Décembre- BDN2014 Christmas Ball Auction, Monte-Carlo, Monaco 2014,13 Décembre- Vente aux enchères Hôtel des Ventes de Monte-Carlo, Monaco 2014, Décembre 4-7- Miami River Art Fair 2014, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami ,USA 2014 ,2 août - Vente aux enchères russe, MC FINE ARTS Gallery, Hotel de Monte-Carlo Bay, Monaco 2014 Exposition permanente, Galerie Saint Paul de Vence, France 2014- Vente aux enchères russe, Hotel de Paris, MC Fine Arts Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2013, Vente aux enchères décembre Hotel de Paris, Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco 2013, Vente aux enchères octobre Hotel de Paris,Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 43 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelone, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "Le charmeur de serpents, 1986. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin supérieur gauche. Dimensions : 160 x 200 cm. Peintre, dessinateur, photographe et graveur de formation autodidacte, Lluís Claramunt a passé sa vie entre Barcelone, Madrid, Séville, Bilbao et Marrakech, et a développé une œuvre influencée par Isidre Nonell et marquée par un expressionnisme à ses débuts, qui disparaîtra progressivement jusqu'à devenir une calligraphie minimale. Depuis les années soixante-dix, il a organisé des expositions personnelles dans des galeries importantes telles que Dau al Set à Barcelone, Quatre Gats à Palma de Majorque, Juana de Aizpuru à Séville ou Buades à Madrid, et a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également réalisé des expositions personnelles à New York, Amsterdam, Graz (Autriche) et Lisbonne. De même, en 2012, son travail a été présenté dans l'exposition individuelle "El viatge vertical", qui s'est tenue au MACBA de Barcelone. Il est actuellement représenté dans ce musée, à la Fundació Vila Casas, dans la collection La Caixa, au Museo de Bellas Artes de Álava, à l'Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, au Consejo Superior de Deportes et au Ministerio de Cultura de la même ville, ainsi qu'à la Colección Caja Madrid. Récemment, Claramunt a exposé dans la prestigieuse galerie Marc Domenech à Barcelone, qui a consacré son exposition "Luis Claramunt. Años 80" entièrement consacrée à l'œuvre de l'artiste. L'exposition, qui s'est tenue en mai 2016, a présenté plus de soixante-dix œuvres qui ont démontré la prédilection de l'artiste pour les espaces urbains, représentés à travers une palette totalement expressionniste dans laquelle prédomine une palette dynamique et vibrante.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 44 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). Cinq dessins, 1963. Ensemble de cinq dessins à l'encre, à la cire et à l'aquarelle sur des pages et des doubles pages de l'"Album 19". Chacun des dessins est accompagné d'un certificat d'authenticité délivré par ADOM. L'un d'entre eux est signé. Dimensions : 30,5 x 22 cm (2) ; 44 x 30,5 cm (3). Ensemble de cinq dessins de Joan Miró sur des pages de l'"Album 19", un portfolio de lithographies contenant un essai de Joan Perucho. Il s'agit du livret de l'exposition qui s'est tenue à la galerie Sala Gaspar de Barcelone, du 26 octobre au 15 novembre 1963. Joan Miró se forme à Barcelone et fait ses débuts individuels en 1918 aux Galeries Dalmau. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. Là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, il mûrit progressivement son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste en art visuel, basé sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. Sa troisième exposition à Paris en 1928 est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise et de la Fondation Guggenheim de Venise, le prix Carnegie de peinture de Venise, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya et des Beaux-Arts, ainsi que des doctorats honorifiques des universités de Harvard et de Barcelone. Ses œuvres sont actuellement exposées à la Fondation Joan Miró de Barcelone, au musée Thyssen-Bornemisza, au MoMA de New York, au musée Reina Sofía de Madrid, à la National Gallery de Washington, au MNAM de Paris et à l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Estim. 30 000 - 35 000 EUR

Lot 45 - OKOKUME (Mataró, 1985). Qee de 8" peint à la main par l'artiste. Pièce unique et exclusive. Signé au feutre et tamponné. Dimensions : 22 x 12 x 8 cm. En 2012, Swab Barcelona a présenté le projet caritatif contre le SIDA, Swab Toy by FLS, en collaboration avec la "Lluita Contra la Sida Fundación Lucha contra el SIDA". Le projet a impliqué 100 artistes et designers qui ont réalisé une intervention artistique sur un QEE DIY de 8 pouces. Le jouet mis en vente est donc une pièce personnalisée, unique et exclusive, peinte à la main par Okokume (l'alter ego de Lau Mas). L'artiste se considère comme faisant partie du mouvement artistique Lowbrow (pop surréalisme) et des films tels que Studio Ghibli (Hayao Miyazaki) l'ont aidée à trouver un style proche du naïf. Elle est également influencée par des films comme Akira (Katsuhiro Ôtomo), créant des personnages proches de ceux du film. Qee est une ligne de poupées design créée par le fondateur et président de Toy2r, Raymond Choy. Née en 2002 à Hong Kong, Qee a révolutionné le monde du design en introduisant l'art contemporain sur le marché des jouets en vinyle. Sous le slogan "Tout le monde peut dessiner", l'idée originale de Choy a rassemblé les créations d'artistes importants du monde entier, d'Eugenio Merino, Emilio García, Albert Pinya ou Elenza Monzo, à Chu Uroz, Manuel Ocampo ou Max Ripo. Ainsi, chaque artiste capture sur ces poupées - une "toile 3D" particulière - sa façon de comprendre le monde. Ces curieux personnages sont disponibles en différentes tailles : 1,5", 2,5", 8", 16", 36" et le Qee de 60". Toy2r propose également des Qee D.I.Y (Do It Yourself) pour les créateurs en herbe. Ils sont articulés, c'est-à-dire qu'ils bougent la tête, les bras et les jambes. Depuis sa création, Toy2r a reçu de nombreuses récompenses de renommée internationale dans le monde entier, ce qui en fait une entreprise de premier plan dans le domaine des jouets de créateurs.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 46 - JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). Sans titre, 1995. Technique mixte (huile, matière, assiette, pois chiches, fusain, cires) sur toile. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 76 x 94 cm ; 73 x 83 cm (cadre). Dans la peinture de Guinovart, il y a toujours eu une impression indélébile des aspects de sa biographie liés aux difficultés de la guerre civile. Les grains de blé et les pois chiches qu'il incorpore dans ses œuvres, non seulement dans sa période informelle, mais aussi dans des tableaux plus tardifs comme celui qui nous occupe, répondent à la persistance dans sa mémoire de ce qu'a signifié l'émigration avec sa famille dans une petite ville de Lleida pour se réfugier de la guerre. Les produits et les ustensiles de la terre seront traités comme des symboles de résilience et d'espoir dans des contextes défavorables. En même temps, l'expérimentation de ces éléments extra-artistiques lui donnera une place de choix au sein de l'informalisme matériel. Josep Guinovart a été formé à l'école des maîtres peintres, à l'école des arts et métiers et dans les classes de la FAD. Il expose individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert immédiatement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, au Museo Eusebio Sempere d'Alicante, au Museo de Navarra de Tafalla, à la Casa de las Américas de La Havane, au Bocchum Museum d'Allemagne, au Museo de Bellas Artes de Long Island, New York, et au Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 47 - JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). Sans titre, 1997. Technique mixte sur táblex. Signé et daté dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 50 x 60 cm ; 73 x 83 cm (cadre). Dans les années quatre-vingt-dix, alors que Guinovart a déjà une carrière fructueuse derrière lui, sa peinture se libère plus que jamais de l'adhésion à des mouvements ou à des styles d'avant-garde spécifiques. Dans l'œuvre présentée ici, des taches et des textures savamment réparties suggèrent un visage humain de profil, saisi plus comme une absence que comme une présence : comme si sa nature spectrale laissait une trace ineffaçable sur la matière. Ce dernier est traité comme un palimpseste signalétique. Josep Guinovart a été formé à l'Escuela de Maestros Pintores, à l'Escuela de Artes y Oficios et dans les classes de la FAD. Il a exposé individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert immédiatement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, au Museo Eusebio Sempere d'Alicante, au Museo de Navarra de Tafalla, à la Casa de las Américas de La Havane, au Bocchum Museum d'Allemagne, au Museo de Bellas Artes de Long Island, New York, et au Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 48 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcelone, 1941-2023). "L'estany de Natalia, 1981. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 195 x 250 cm ; 197 x 252 cm (cadre). Arranz Bravo était un artiste total, théoricien et exécutant, qui a joué un rôle clé dans le développement de l'avant-garde catalane et espagnole de la seconde moitié du XXe siècle. Son œuvre et sa personnalité font partie de l'histoire de la lutte et de la rupture des artistes espagnols pendant les dernières décennies du régime franquiste. Arranz Bravo a été le fer de lance de cette ouverture, de ce rejet du manichéisme traditionaliste qui a conduit à la rénovation complète de l'art espagnol et l'a replacé dans l'avant-garde européenne. Eduardo Arranz Bravo a été formé à l'École des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, entre 1959 et 1962. Il fait ses débuts individuels en 1961, à l'University Club de Barcelone, mais l'exposition qui le fait connaître de la critique barcelonaise est celle organisée par l'Ateneo de Barcelone en 1961. Entre 1968 et 1970, il fait partie du groupe formé par Gerard Sala, Robert Llimós et Rafael Lozano Bartolozzi. Il continue à collaborer avec ces derniers jusqu'en 1982, alternant expositions communes et individuelles. Le contact avec ces artistes a influencé son style initialement abstrait, qui s'est rapproché de la nouvelle figuration et du pop art. Il a exposé dans toute l'Espagne, ainsi qu'à Paris, Amsterdam, Venise, São Paulo et Rio de Janeiro. En 1983, il a organisé une exposition anthologique de son œuvre à la Sala Gaspar de Barcelone et, entre 1986 et 1988, il a été chargé de la direction artistique des films de Jaime Camino "El balcón abierto" et "Luces y sombras". Il participe au VIIIe Salón de Mayo à Barcelone et aux expositions "Muestra de Arte Nuevo" (Barcelone, 1971), "Picasso 90" (Musée du Louvre, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcelone, 1971-72), entre autres. En 1989, il a présenté une exposition des travaux de ses trois dernières années au Musée d'art moderne de São Paulo, ainsi qu'une exposition anthologique au Palau Robert de Barcelone. Parmi les prix qu'il a reçus, citons la IIe Biennale internationale du sport, le prix de la figure de la Biennale Estrada Saladich et le prix du dessin Ynglada-Guillot. Ses œuvres sont exposées au musée Reina Sofia de Madrid, aux musées des beaux-arts de Vitoria et de Séville, au musée de São Paulo et au musée d'art moderne de New York.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 49 - MANOLO MARTÍN (1946-2005). "Bulldog et Guernica", vers 2001-2002. Fibre de verre et acrylique. Certificat ci-joint délivré par Don Manuel Martin, fils de l'auteur. Il est légèrement endommagé. Dimensions : 37 x 66 x 38 cm. La figure d'un chien sert de base ou de toile au Guernica de Picasso. L'utilisation de personnages inspirés de la culture urbaine comme protagonistes, dans ce cas le chien, nous rapproche d'un langage à l'esthétique pop claire, bien que la présence iconique des figures de Guernica nous ramène à l'avant-garde du début du siècle, donnant ainsi une confluence entre les deux courants artistiques les plus importants du vingtième siècle. Avec cette œuvre, l'auteur offre au spectateur une nouvelle perspective, car il propose une vision radicalement nouvelle en jouant avec les éléments de la haute et de la basse culture du monde de l'art. Manolo Martín a commencé sa formation dans l'atelier de Manuel Guinart, combinant son apprentissage de l'art des fallas avec la publicité et la décoration. En 1971, il commence sa carrière en solo et, en 1976, il réalise sa première falla à grande échelle. Deux ans plus tard, il présente "El circo de la Vida", dans le cadre des fallas de Valence et, en 1982, son œuvre "Los siete pecados capitales" (Les sept péchés capitaux) lui vaut une grande reconnaissance. En 1985, il participe au Salon international de la bande dessinée, ouvrant ainsi son champ d'action artistique à d'autres domaines. Cette nouvelle expérience a une influence directe sur son style, qui abandonne son caractère plus classique et traditionnel au profit d'une plus grande modernité, avec la collaboration d'illustrateurs tels que Sento LLobell, Antonio Ortiz, ou les dessinateurs Francis Montesinos et Valentín Herraiz. Tout au long de sa carrière, il a collaboré avec des artistes comme Antonio Miralda, Javier Mariscal, Carmen Calvo, Miguel Navarro, Manolo Valdés, Quino, Daniel Torres, Chema Cobo, Jean Jacques Lebel et Sigfrido Martín Begué. Certificat ci-joint délivré par M. Manuel Martín, fils de l'auteur. Légèrement endommagé.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 50 - CARMEN CALVO (Valence, 1950). "Zurbarán", 1989. Technique mixte, corde et toile sur panneau. Cachet de présentation au dos de la galerie Nave 10 (Valence). Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 110 x 60 cm ; 120 x 67,5 cm (cadre). Le titre de cette œuvre nous donne une clé qui nous permet, en tant que spectateurs, de comprendre les influences esthétiques de l'artiste et leur resignification dans un langage et un contexte contemporains. Carmen Calvo a réalisé de nombreuses œuvres inspirées par la peinture espagnole du Siècle d'or : Sánchez Cotán, Zurbarán et, plus tard, les peintures noires de Goya". Ce concept est exprimé directement par Calvo, qui a déclaré dans le magazine Makma (4 juillet 2022) : "Ce que je fais, c'est manipuler des objets en les incorporant dans un autre contexte et une autre façon de voir. Les mannequins, par exemple, sont traités depuis la Renaissance, puis Picasso ou Breton les ont aussi travaillés en les manipulant. Tout a été inventé ici. Je me réfère aussi à Zurbarán, aux anciennes natures mortes, et c'est tout, car je viens d'une éducation classique". En partant du nom du peintre Zurbarán (1633-1635), on observe une grande influence de la maîtrise du blanc qui a fait la renommée de Zurbarán, visible dans des œuvres comme "Hommage à Saint Hugo dans le réfectoire des Chartreux, 1630-1635 (Musée des Beaux-Arts de Séville) ou Saint Sérapion (Wadsworth Atheneum, Hartford). En outre, la corde qui traverse l'œuvre de Carmen Calvo peut rappeler la ceinture du "Saint François debout contemplant un crâne" (Museo del Prado), où trois nœuds représentent les trois vœux de l'ordre. Carmen Calvo a étudié dans les écoles des arts et métiers et des beaux-arts de Valence, et a obtenu un diplôme en publicité en 1970. Elle élargit ensuite sa formation grâce à des bourses du ministère de la culture (1980), de la Casa de Velázquez à Madrid (1983-85) et du ministère des affaires étrangères pour sa résidence à Paris (1985-92). Au cours de ces années, Calvo a commencé à être reconnue, recevant des distinctions telles que le premier prix de peinture LaSalle Seiko de Barcelone (1985), le prix Alfons Roig de la Diputación Valenciana (1989), une bourse pour la première biennale Martínez Guerricabeitia de l'université de Valence (1989) et la sélection pour la XLVIIe biennale de Venise (1997). L'artiste a commencé à exposer en 1969, en participant à une exposition collective organisée au Círculo Universitario de Valencia. Elle a fait ses débuts individuels en 1976 à la galerie Temps de sa ville natale et, depuis lors, elle a exposé ses œuvres individuellement dans diverses villes d'Espagne et des États-Unis, ainsi que dans d'autres pays d'Europe, d'Amérique et d'Afrique. Les œuvres de Carmen Calvo se trouvent actuellement dans des institutions artistiques, des musées et des collections privées du monde entier, notamment au musée Guggenheim de New York, au Reina Sofia de Madrid, au Marugame Hirai de Kobe, au MACBA de Barcelone, au Fonds national d'art contemporain de Paris, à l'IVAM de Valence, à la collection de la Chase Manhattan Bank de New York, etc.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 51 - PER KIRKEBY (Copenhague, 1938-2018). Sans titre. Bronze. Exemplaire 1/6. Signé et justifié. Dimensions : 23 x 28 x 15,5 cm. Kirkeby a commencé à travailler avec la sculpture au début des années 1980, après une crise dans le domaine de la peinture. Ses œuvres sculpturales ont permis à l'artiste d'explorer l'anatomie et la nature. Le matériau est moulé dans des formes instables qui semblent émerger sans forme. La représentation est ici explorée comme un lieu de linéarité, où les formes sont extraites et rétractées du chaos de la matérialité, pour y retomber, comme pour ordonner au bronze de s'élever. Le thème de la forme est un leitmotiv dans l'œuvre sculpturale de l'artiste, avec des portes, des grottes, des fentes et d'autres ouvertures similaires qui reviennent partout. Per Kirkeby était un peintre, poète, cinéaste et sculpteur danois. En 1957, Kirkeby commence à étudier l'histoire naturelle à l'université de Copenhague. En tant qu'assistant de recherche, il effectue plusieurs voyages au Groenland en 1958, 1959 et 1960. En 1962, il commence à étudier à l'École expérimentale d'art de Copenhague. Il y travaille sur différents supports : peinture, arts graphiques, films 8 millimètres et performances. Lorsque Kirkeby a obtenu une maîtrise en géologie arctique à l'université de Copenhague en 1964, il faisait déjà partie de l'importante école d'art expérimental "eks-skolen". Son intérêt pour la géologie et d'autres aspects du monde naturel est fondamental et caractéristique de son art. Kirkeby a combiné son travail de peintre, de sculpteur, d'écrivain et de graveur avec des productions théâtrales, concevant le décor de la production du Lac des cygnes du New York City Ballet en 1999, ainsi que le décor et les costumes de la production de Roméo et Juliette en 2007. En 1977, il a publié Fliegende Blätter. En 1988, il a publié un livre d'essais sur les œuvres de Delacroix, Manet et Picasso. Kirkeby a enseigné à l'Académie des beaux-arts de Karlsruhe à partir de 1978, à l'Institut de technologie de Karlsruhe (1978-1989) et à la Städelschule de Francfort (1989-2000). En 1996, il a collaboré en tant que peintre à trois films avec le cinéaste Lars von Trier, créant les titres des chapitres Breaking the Waves et Antichrist, ainsi que les effets visuels de l'ouverture de Dancer in the Dark. En 1990, il reçoit le NORD/LB Art Prize, six ans plus tard le Coutts Foundation Prize for Contemporary Art et le Henrik Steffens Prize. En 1997, il a été nommé chevalier de l'ordre de Dannebrog et en 2003, il a reçu le prix Herbert Boeckl pour l'ensemble de sa carrière. Ses œuvres sont représentées dans de nombreuses collections publiques importantes, dont la Tate, le Metropolitan Museum of Art, le Museum of Modern Art et le Centre Pompidou.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 52 - MANOLO VALDÉS BLASCO (Valence, 1942). "Dame ibérique", 2003. Céramique sur base de polyester et de fibres. Exemplaire I/II. Certificat d'authenticité joint, délivré par l'auteur. Dimensions : 165 x 130 x 150 cm. Le modèle original de la "Dame ibérique" de Valdes est une sculpture composée de 22 000 têtes en céramique bleue de 20 cm montées sur une structure métallique. La sculpture, placée au centre d'une fontaine, mesure 18 m de haut sur un socle en béton, et les pièces latérales mesurent 16 m de diamètre. Elle est située à Valence, à l'intersection de l'Avenida de Las Cortes Valencianas et de la Calle La Safor. Elle a été inaugurée en février 2007 et sa réalisation a été rendue possible grâce à l'accord de mécénat signé par la mairie de Valence, Manolo Valdés et les promoteurs Lladró et Vallehermoso. Selon Rafael Rivera, "La Dama Ibérica de Manolo Valdés est une sculpture de sculptures, une pièce composée d'autres pièces en céramique bleue, de taille plus petite mais de formalisation similaire, placées dans un ordre caché pour composer la plus grande pièce. Elles sont toutes anonymes, identiques, mais essentielles. La lumière, le reflet, la couleur, la transparence, le vide, sont les autres éléments, incorporels, qui composent de nombreuses sculptures dans la sculpture, différentes images qui nous parlent du jour et de la nuit, du soleil et de la lune, de l'aube et du coucher du soleil. Aucun regard n'est identique à un autre, aucune perception ne peut être répétée, et chaque fois que nous levons la tête pour la contempler, nous avons l'impression de la voir pour la première fois". Manolo Valdés a introduit en Espagne une forme d'expression artistique qui combine l'engagement politique et social avec l'humour et l'ironie. Il commence sa formation en 1957, lorsqu'il entre à l'école des beaux-arts San Carlos de Valence. Cependant, deux ans plus tard, il abandonne ses études pour se consacrer pleinement à la peinture. En 1964, il fonde le groupe artistique Equipo Crónica, avec Juan Antonio Toledo et Rafael Solbes, dans lequel il restera jusqu'à la mort de ce dernier en 1981, bien que Toledo ait quitté le groupe deux ans après sa fondation. Depuis lors, il s'est installé à New York, où il réside actuellement et où il a continué à expérimenter de nouvelles formes d'expression, notamment la sculpture. Parmi les nombreux prix que Manolo Valdés a reçus, citons le Lissone et le Biella de Milan (1965), la médaille d'argent de la IIe Biennale internationale de gravures de Tokyo (1979), le prix du Musée d'art Bridgestone de Lisbonne (1979), le prix national des arts plastiques (1983), la médaille du Festival international d'art plastique (1983), la médaille du Festival international des artistes plasticiens de Bagdad (1986), la décoration de l'ordre d'Andres Bello au Venezuela (1993), le prix du Conseil national de Monaco (1997), la médaille d'or du mérite des beaux-arts (1998), le prix de l'Association espagnole des critiques d'art (2000) et le prix du meilleur artiste graveur (2002), entre autres. Avec Equipo Crónica, Valdés a utilisé la figuration comme véhicule d'expression de ses approches, de ses critiques de l'art, de la société et de la politique, mais en privilégiant avant tout autre contenu l'acte pur de peindre. Du point de vue thématique, Valdés s'inspire de l'art des grands maîtres de la peinture : Goya, Velázquez, El Greco, Ribera ou Zurbarán, et il ne cache jamais ses modèles, mais les met plutôt en valeur, même dans les titres de ses œuvres. Sur le plan formel, il crée une œuvre de grand format dans laquelle les lumières et les couleurs expriment des valeurs tactiles, grâce au traitement des matériaux. Son travail oblige l'observateur à plonger dans la mémoire et à rechercher des images significatives de l'histoire de l'art. Valdés est représenté dans certains des plus grands musées du monde, comme le Reina Sofía de Madrid, le Metropolitan, le MoMA et le Guggenheim de New York, le Centre Georges Pompidou et le Fons National d'Arts Plastiques de Paris, la Kusnthalle de Hambourg, le Kunstmuseum de Berlin et le Museo de Bellas Artes de Bilbao, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 350 000 - 400 000 EUR

Lot 53 - JOSE MARIA MIJARES (La Havane, 1921-2004). "L'oiseau. Huile sur toile. Certificat joint María Antonia Cabrera de Mijares. Provenance Doña María Antonia Cabrera de Mijares, veuve de l'artiste. Dimensions : 90 x 121 cm ; 117 x 150 cm (cadre). Dans cette œuvre, les référents autochtones sont fusionnés avec le langage formel appris en Europe pour produire des œuvres où apparaissent déjà les personnages du panthéon yoruba qui peupleront une grande partie de sa production ultérieure. L'école cubaine du XXe siècle s'est caractérisée par son adhésion à l'avant-garde européenne et par le développement, sur cette base, d'un langage qui lui est propre. Ce courant généralisé d'artistes formés en Europe et revenus à Cuba a donné une grande impulsion artistique au pays. Grâce à des peintres qui ont fusionné leurs racines et leurs expériences, ils ont créé un nouveau langage personnel et indépendant, comme on peut le voir dans la représentation de cet oiseau. Un symbole qui a été utilisé à plusieurs reprises par Mijares, qui a eu recours au symbolisme de l'oiseau comme protagoniste de certaines de ses compositions. Mijares, considéré comme l'un des grands artistes cubains et latino-américains du XXe siècle, a étudié à l'École nationale des beaux-arts San Alejandro de La Havane, où il a enseigné. Parmi ses professeurs figurent Romanach, Menocal, Valderrama, Ramon Loy, Caravia et d'autres. C'est Mijares lui-même qui a reconnu que l'un de ses professeurs les plus influents était Ponce, qui l'a aidé à développer son propre style d'expression. Il a été membre du groupe Diez Pintores Concretos. Entre 1968 et 1973, il fait partie du Grupo Gala à Miami, où il s'installe à l'âge de 47 ans, et dirige la revue Alacrán Azul à Miami. Sa première exposition a lieu au Lycée de La Havane (1947). Dans les années 80, il expose à Coral Gables, en Floride, où il réitère sa présence. En 1994, le musée cubain d'art et de culture de Miami lui a consacré une rétrospective. La Alfredo Martinez Gallery de Coral Gables organisera également une rétrospective ontologique en 1996. En ce qui concerne les expositions collectives, il convient de mentionner sa participation à la Biennale de Venise en 1952. Il est représenté à la Fondation Cintas à New York, au Loewe Art Museum, en Floride, au Musée d'art moderne d'Amérique latine à Washington, D.C., et au Musée d'art moderne de New York. La reconnaissance bien méritée de Mijares est principalement due au fait qu'il a su harmoniser sa vocation universelle avec la recherche d'une langue cubaine autochtone. Ses œuvres se caractérisent par l'illustration d'un style artistique personnel et expressif, avec une poétique particulière qui valorise à la fois la polyvalence de ses ressources plastiques et une sensibilité exquise dans le traitement de différents thèmes. Il part parfois d'un postcubisme coloré par lequel il entre pratiquement dans l'abstraction, mais sans perdre le fil référentiel. L'université internationale de Floride a décerné à Mijares un doctorat honorifique en beaux-arts en décembre 2001. En 2002, il a ouvert la Mijares Gallery à Coral Gables, où ses dernières œuvres ont été exposées. Certificat joint María Antonia Cabrera de Mijares.

Estim. 9 500 - 10 000 EUR

Lot 54 - ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). "Dame, 1956. Encre sur papier. Étiquette de la galerie Van de Loo, Munich. Encadré dans un verre de musée. Signé et daté dans le coin supérieur droit. Dimensions : 75 x 52,5 cm ; 95 x 73 cm (cadre). Au dos de l'œuvre, on peut voir une étiquette informative de la galerie Van de Loo à Munich. Le contact de Saura avec cet espace artistique important est dû à son amitié avec Rodolphe Stadler de Paris, qui a présenté l'artiste à Pierre Matisse à New York et à Otto Van de Loo de Munich, favorisant ainsi l'internationalisation de l'œuvre de Saura. Dans ce tableau, la tradition picturale espagnole est sauvée par la réalisation d'un portrait. Pour ce faire, il utilise une gamme chromatique sombre, un personnage représenté face au spectateur et un fond neutre qui permet de monumentaliser et de mettre en valeur la figure du protagoniste ; des caractéristiques qui ont été établies dans l'art espagnol par des peintres tels que El Greco, Velázquez, Goya ou Solana. Cependant, Saura ne cherche pas à recréer des modèles établis, mais à aller au-delà et à donner vie à un portrait qui fuit la figuration et entre en contact avec d'autres courants artistiques tels que l'abstraction, à travers une esthétique tout à fait personnelle. Un regard pictural qui part de la tradition et associe la maîtrise de Saura à celle des grands maîtres. Il réussit ainsi non seulement à créer un portrait expressif, dynamique et exacerbé grâce à sa technique, mais aussi à se contextualiser dans la contemporanéité, comme l'un des grands artistes espagnols. Un portrait très similaire à celui-ci, intitulé "Lola" et réalisé la même année, en 1956, fait partie de la collection artistique du Museo Nacional y Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Autodidacte, Antonio Saura commence à peindre et à écrire à Madrid en 1947. Trois ans plus tard, il organise sa première exposition personnelle à la librairie Libros de Saragosse, où il présente une série d'œuvres expérimentales ("Constelaciones" et "Rayogramas"), créées pendant la longue maladie qui l'a immobilisé pendant cinq ans à partir de 1943. En 1952, il réalise sa première exposition à Madrid, à la librairie Buchholz, où il présente ses œuvres juvéniles, oniriques et surréalistes. La même année, il visite Paris pour la première fois et s'y installe. Là, son travail est influencé par des artistes tels que Miró et Man Ray, et il se consacre à la réalisation de peintures sur toile et sur papier de nature organique, en utilisant diverses techniques. La rupture avec le groupe surréaliste lui permet de s'ouvrir à d'autres modes de création, où il commence à montrer l'évolution de son travail, qui évolue vers une peinture instantanée de traits gestuels et une palette réduite de caractère sélectif, où l'informalisme joue le rôle de trompe-l'œil entre les expressions suggestives de la ligne et de la couleur. Il débute à Paris en 1957, à la galerie Stadler, la même année où il fonde le groupe El Paso. L'année suivante, il participe à la Biennale de Venise en compagnie de Chillida et de Tàpies. En 1960, il reçoit le prix Guggenheim à New York et, en 1963, ses premières rétrospectives ont lieu au Stedelijk Museum d'Eindhoven, au Rotterdamsche Kunstring et dans les musées de Buenos Aires et de Rio de Janeiro (œuvres sur papier). Les expositions rétrospectives de Saura se répètent tout au long de sa carrière, tant en Espagne qu'en Europe et en Amérique. En 1966, il expose à l'Institute of Contemporary Arts de Londres et participe à la Biennale de gravure "Bianco e Nero" de Lugano, où il remporte le Grand Prix. L'année suivante, il s'installe à Paris, tout en travaillant et en passant tous ses étés à Cuenca, pilier fondamental de sa production depuis ses premières années. Il est représenté dans les plus importants musées d'art contemporain nationaux et internationaux, dont la Neue Nationalgalierie de Berlin, le Guggenheim de Bilbao, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, le Guggenheim et le Metropolitan de New York, le Centre Georges Pompidou de Paris et la Tate Gallery de Londres. Encadré dans du verre de musée.

Estim. 30 000 - 35 000 EUR

Lot 55 - B. PRABHA (Inde, 1933-2001). "La femme indienne. 1987. Huile sur toile (sans châssis). Signée dans la marge gauche. Certificat d'authenticité joint, délivré par Nayana Salmalkar. Dimensions : 90 x 60,5 cm. Les femmes élégantes et stylisées comme celle que nous présentons ici ont peuplé une grande partie des peintures de B. Prabha. Des femmes indiennes d'environnements ruraux, placées dans des endroits à peine insinués (ici, assises sur le rebord rugueux d'un arbre millénaire) et avec une palette presque monochromatique avec prédominance de couleurs terreuses et terre de sienne. B. Prabha était un artiste indien prolifique. Il a participé à plus de 50 expositions. Ses œuvres font partie d'importantes collections d'art, telles que la National Gallery of Modern Art of India, la TIFR Art Collection et la Air India Art Collection. Prabha a commencé à travailler à une époque où il y avait peu de femmes artistes en Inde. Elle a été inspirée par le travail d'Amrita Sher-Gil. Comme Sher-Gil, les protagonistes des œuvres de Prabha sont souvent des femmes. Elle a été touchée par le sort des femmes rurales, qui sont devenues le sujet principal de son travail. Dans une interview accordée à Youngbuzz India, il a déclaré : "Je n'ai pas encore vu une seule femme heureuse". Ses peintures couvrent également un large éventail de sujets, des paysages aux questions sociales telles que la sécheresse, la famine et le sans-abrisme. B. Prabha a grandi dans le petit village de Bela, près de Nagpur, dans le Maharashtra. Elle a étudié à l'école d'art de Nagpur, avant de partir à Bombay grâce à une bourse, où elle a obtenu son diplôme de peinture et de peinture murale à l'école d'art Sir J. J. J. en 1954. C'est là qu'elle rencontre son mari, l'artiste et sculpteur B. Vithal, qu'elle épouse en 1956. Lors de sa première exposition, organisée alors qu'elle était encore étudiante à l'école d'art, Homi J. Bhabha, éminent scientifique nucléaire et mécène, a acquis trois peintures de Prabha pour la collection d'art phare du Tata Institute of Fundamental Research. Le style formel caractéristique de Prabha passera bientôt de l'abstraction moderne à une figuration plus décorative. "Air India a acheté son premier lot de six peintures pour 87,50 roupies en 1956 à B. Prabha, alors jeune diplômé en art. Prabha est entrée dans le département artistique d'Air India et a demandé si la compagnie pouvait acheter quelques-unes de ses peintures de femmes indiennes. Les responsables acceptent et une nouvelle collection d'art voit le jour. La "Collection Maharaja", comme on l'a appelée, s'est enrichie de 4 000 œuvres au cours des six décennies suivantes, devenant ainsi l'une des plus importantes collections d'art de l'Inde. La collection, qui a débuté avec Prabha, avait pour but de mettre un peu d'Inde, à la fois passée et moderne, dans les bureaux et les espaces de la compagnie aérienne dans le monde entier. Le certificat d'authenticité délivré par Nayana Salmalkar est joint.

Estim. 20 000 - 22 000 EUR

Lot 56 - TANIA FONT (Palamós, Catalogne, 1978). "En déconstruction XV". Ciment, fer, bois, papier et différentes patines. Signé au dos. Dimensions : 70 x 64 x 40 cm. Tania Font explore dans son travail le manque de communication. Les impacts de la réalité (bruits, phénomènes climatologiques, impacts sentimentaux ou vitaux) dans l'esprit des individus à travers le regard subjectif, l'expérience personnelle racontée avec le volume au lieu du texte ou des mots. Tania Font est diplômée en beaux-arts, spécialisée en dessin à la faculté des beaux-arts de San Jordi à Barcelone, formation qu'elle a complétée par de nombreux cours de création numérique, de bijouterie et de techniques céramiques. Elle s'est également formée auprès du peintre Manel Alcántara et du sculpteur Rodrigo Gordo, entre autres. Elle est entrée en contact avec l'art au Círculo Artístico de Palamós, où elle a commencé à travailler le dessin en tant qu'élève d'Eduard de Cabrera. Elle a été l'élève du peintre paysagiste Isidre Vilaseca. Sa première exposition collective a eu lieu à la galerie Patrick Domken à Cadaqués. Elle a été résidente de l'usine de création Nau Bostik. Il a collaboré à l'exposition monographique de Josep Clarà au Musée Can Mario de la Fondation Vila Casas en 2020. Il a également participé à des foires telles que Estampa, Volta Art Fair Basel, Art Montpellier.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 57 - ANDY WARHOL (Pittsburgh, États-Unis, 1928 - New York, États-Unis, 1987). "Lillian Carter, 1977. Graphite sur papier. Signé au dos. Provenance : Christie's : American Pastimes-Sports & Politics. Cette œuvre provient de la succession d'Andy Warhol et, de là, de la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels. Christie's maintiendra une base de données de cette œuvre qui sera utilisée pour corroborer la provenance à l'avenir afin de fournir des informations pertinentes pour le catalogue Andy Wahol Raissoné. Un certificat d'authenticité délivré par la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts est joint à la présente. Dimensions : 103,8 x 51,4 cm ; 125 x 92 cm (cadre). Warhol était fasciné par la frontière ambiguë entre la politique et le concept de célébrité. En conséquence, il a apporté sa propre interprétation du sujet en mélangeant ces deux mondes apparemment peu disparates. Il a projeté et influencé l'idée de célébrité dans ses portraits, y compris ceux d'hommes politiques tels que le fils de Lillian Carter, Jimmy Carter, président des États-Unis, et elle-même. Artiste plasticien américain qui est devenu le représentant le plus connu du Pop Art, un courant artistique en vogue dans les années 1950 et 1960, inspiré par la culture de masse. Fils d'immigrés slovaques, il commence ses études d'art au Carnegie Institute of Technology entre 1945 et 1949. Cette dernière année, il commence sa carrière de dessinateur publicitaire pour divers magazines tels que Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen et The New Yorker. Parallèlement, il peint des toiles sur des thèmes quotidiens, publicitaires et comiques. Il commence bientôt à exposer dans diverses galeries. Il élimine progressivement tout trait expressionniste de son œuvre jusqu'à la réduire à la répétition en série d'un élément populaire de la culture de masse, du monde de la consommation ou des médias. Cette évolution atteint son apogée de dépersonnalisation en 1962, lorsqu'il commence à utiliser comme méthode de travail le procédé mécanique de la sérigraphie, grâce auquel il reproduit systématiquement des mythes de la société contemporaine, dont les exemples les plus représentatifs sont les séries consacrées à Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor et Mao Tsé-toung, ainsi que son célèbre traitement des boîtes de soupe Campbell, toutes œuvres produites au cours de la fructueuse décennie des années 1960. L'utilisation d'images de grande diffusion, facilement reconnaissables par tous les publics, comme les boîtes de soupe ou les bouteilles de Coca-Cola, est devenue l'une des caractéristiques les plus intéressantes et les plus stables de l'ensemble de sa production. À d'autres occasions, il a représenté crûment des situations réelles, telles que des accidents, des combats de rue, des funérailles ou des suicides ; dans ce cadre, Electric chair est l'une de ses œuvres les plus significatives. Cet appropriationnisme, une constante dans le travail des partisans du Pop Art, s'est étendu aux œuvres d'art universelles d'auteurs tels que Raphael Sanzio, Giorgio de Chirico, Edvard Munch et Leonardo da Vinci. Grâce à la reproduction de masse, il réussit à dépouiller les fétiches médiatiques qu'il utilise de leurs référents habituels, les transformant en icônes stéréotypées ayant une signification décorative. En 1963, il crée la Factory, un atelier dans lequel il réunit de nombreuses figures de la culture underground new-yorkaise. La frivolité et l'extravagance qui marquent son mode de vie établissent une ligne cohérente entre son œuvre et sa trajectoire de vie ; son apparence particulière, androgyne et surmontée en permanence d'une frange blonde caractéristique, finit par définir une nouvelle icône : l'artiste lui-même. Il est l'un des premiers artistes à exploiter consciemment son image à des fins d'autopromotion ; par un processus d'identification, il acquiert aux yeux du public la signification d'un produit publicitaire parmi d'autres. En 1963, il entame une carrière cinématographique basée sur les mêmes principes que son travail plastique (comme la réitération visuelle), avec parfois un fort contenu sexuel et érotique.

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 58 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). "Le visage volé", 2021 Gravure, exemplaire 24/50. Signé et justifié à la main. Dimensions : 21 x 15 cm (estampe) ; 41 x 32 cm (cadre). Jaume Plensa a étudié à l'école de La Llotja et à l'école supérieure des beaux-arts de Sant Jordi, toutes deux à Barcelone. Il excelle dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu le titre de docteur honoris causa de la School of the Art Institute of Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

Lot 59 - EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Biscaye, 1938 - Madrid, 2003). "Étreinte, 1997. Sérigraphie sur papier, exemplaire 74/75. Signé, daté et justifié à la main. Dimensions : 76 x 57 cm ; 94 x 75 cm (cadre). Suivant son esthétique particulière, Úrculo compose ses œuvres à partir d'objets énigmatiques et de figures indéterminées et anonymes qui, lointainement inspirées des illustrations de mode et des affiches art déco, évoquent tout un pan de l'imaginaire populaire contemporain. Peintre et sculpteur, l'un des meilleurs représentants du pop art en Espagne, Eduardo Úrculo commence à peindre dès l'enfance, sans aucune formation artistique, et publie en 1957 ses premières bandes illustrées dans le journal d'Oviedo "La Nueva España". Peu après, il s'installe à Madrid et commence à suivre des cours au Círculo de Bellas Artes. Pendant ces années, il gagne sa vie comme illustrateur et décorateur, et cultive une peinture marquée par l'expressionnisme social. En 1959, il se rend à Paris, où il poursuit sa formation à l'Académie de la Grande Chaumière. Dans la capitale française, il travaille comme graphiste et rencontre Eduardo Westerdahl, dont l'influence fait évoluer sa peinture vers l'abstraction. Cependant, quatre ans plus tard, il revient à la figuration et à la critique sociale. En 1967, il effectue un voyage en Europe du Nord et c'est à cette occasion qu'il entre pour la première fois en contact avec le pop américain. Dès lors, l'œuvre d'Úrculo sera marquée par un réalisme basé sur des couleurs très vives et, jusque dans les années soixante-dix, par des thèmes érotiques, satiriques et critiques. Dans les années 80, il vit à New York, où il réalise d'importants projets. En 1992, il revient à Paris. Dans cette dernière période, il ajoute à son répertoire le thème du voyageur confronté à la grande ville moderne, variante ironique de la figure du romantique submergé par le paysage. Cette évolution formelle s'est traduite par de nombreuses expositions individuelles dans le monde entier depuis 1959, ainsi que par des anthologies (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, et Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000). Úrculo est actuellement présent dans de nombreux musées et collections d'art moderne, parmi lesquels le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Galleria Nazionale d'Arte Moderno de Rome, la Biblioteca Nacional de Madrid, le Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, les collections AENA, Testimoni et Fundesco, le Museo del Dibujo Castillo de Larrés, le Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés et d'autres encore.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 60 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Pied el lettres, 1976. Gravure et aquatinte sur papier, exemplaire 46/50. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 40 x 50 cm (estampe) ; 56 x 76 cm (papier) ; 77,50 x 97 cm (cadre). Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi que dans le Salón de los Once qui se tient à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il expose en solo à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives qu'individuelles, sont organisées dans le monde entier, dans des galeries et des musées prestigieux tels que le Guggenheim de New York ou le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 70, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de noter le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 61 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Masque mobile, 1962. Bronze. P.A. Édition courante de six unités. Signé et justifié. Dimensions : 28 x 15 x 4 cm ; 10 x 6 x 6 x 6 x 6 cm (base). Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'École des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international à l'époque où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 1 900 - 2 000 EUR

Lot 62 - VICTOR VASARELY (Pécs, Hongrie 1906 - Paris, France 1997) "Plural", 1985. Lithographie sur papier Arches. Exemplaire 190/1500. Encadré dans un verre de musée. Présente le cachet sec de la Fédération mondiale des Nations unies. Signé et numéroté. Dimensions : 28,5 x 21,7 cm. Considéré comme le père de l'Op Art, Victor Vasarely a commencé sa formation artistique à l'école de Muheely, fondée à Budapest par un élève du Bauhaus. Il s'installe à Paris en 1930, où il crée ce qui est considéré aujourd'hui comme la première œuvre de l'Op Art, "Zebra" (1937). À Paris, il travaille comme graphiste pour des agences de publicité. Pendant cette période, son style artistique varie de l'expression figurative vers un type d'art abstrait constructif et géométrique, intéressé par la représentation de la perspective sans point de fuite.Entre 1936 et 1948, il participe régulièrement au Salon des Surindépendants et au Salon des Nouvelles Réalités. À partir de 1948, il expose régulièrement à la galerie Denise René. Dans les années cinquante, son travail aborde l'utilisation de nouveaux matériaux et supports tels que l'aluminium ou le verre. De même, il commence à réaliser des œuvres d'intégration à l'espace, comme Hommage à Malevitch. Dans les années soixante, il participe à de nombreuses expositions collectives, comme The Responsive Eye au Museum of Modern Art de New York, ainsi qu'à des expositions personnelles en Europe et en Amérique. Parmi les nombreuses récompenses qu'il a reçues tout au long de sa vie, on peut citer le prix Guggenheim (1964), les critiques d'art de Bruxelles et la médaille d'or de la Triennale de Milan. En 1970, il a également été nommé chevalier de l'ordre de la Légion d'honneur. Il est représenté dans les musées qui lui sont consacrés à Aix-en-Provence, Pécs et Budapest, mais aussi dans les plus importants centres d'art contemporain du monde, comme la Tate Gallery de Londres, le MoMA de New York, le Guggenheim de Venise ou le Reina Sofia de Madrid.

Estim. 350 - 400 EUR

Lot 63 - FRÉDÉRIC BRULY (Zéprégüé, Côte d'Ivoire, 1923 - Abidjan, Côte d'Ivoire 2014). "Un bel homme courant vers son amant, 2008. Stylo à bille et crayons de couleur sur carton. Signé et daté au dos. Provenance : Collection privée / Famille de l'artiste. Dimensions : 25,5 x 18 cm. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Bruly travaille comme marin dans la marine française aux Antilles. À la fin de la guerre, il est employé au chemin de fer Dakar-Niger à Rufisque (Sénégal). Après avoir quitté le service des chemins de fer en décembre 1945, il entre comme employé au service de l'identité judiciaire de la Sûreté générale en Afrique de l'Ouest, à Dakar. De là, il est affecté, en 1958, à la direction de la sécurité de la police en Côte d'Ivoire. Le ministère de la fonction publique l'a affecté au ministère de l'intérieur, à la direction des affaires politiques à Abidjan, et la direction de l'Institut français d'Afrique noire (IFAN), découvrant qu'il était l'inventeur d'un alphabet africain, a demandé au ministère de l'intérieur de le transférer à l'IFAN à Abidjan en 1958. La direction de la Faculté des Lettres de l'Université Nationale de la République de Côte d'Ivoire ayant approuvé le caractère scientifique et le sens classique des manuscrits dont il est entré en possession, a demandé, à son tour, leur transfert à l'université : service de l'institut d'ethnosociologie, en 1973. L'origine de toute l'œuvre de Frédéric Bruly Bouabré vient d'une expérience révélatrice : le 11 mars 1948, "le ciel s'est ouvert devant mes yeux et sept soleils colorés ont décrit un cercle de beauté autour de leur Mère-Soleil, je suis devenu Cheik Nadro : Celui qui n'oublie pas. Dès lors, Bouabré compile ses recherches dans des manuscrits traitant d'art, de traditions, de poésie, de contes, de religion, d'esthétique et de philosophie, se révélant un étonnant penseur, poète, encyclopédiste, créateur. Cherchant à préserver et à transmettre le savoir du peuple Bété et du monde, il invente un alphabet unique de 448 pictogrammes monosyllabiques, un inventaire de sons qui permettrait de transcrire toutes les langues du monde, ce qui lui vaut la réputation légendaire d'être un autre Champollion et traduit la pensée universelle de Frédéric Bruly Bouabré qui, à partir de sa vision, cherche à unir et à pacifier l'humanité. Dans les années 1970, il commence à traduire sa pensée dans des centaines de petits dessins au format carte postale, au stylo à bille et aux crayons de couleur. Ces dessins, rassemblés sous le titre Connaissance du Monde, forment une encyclopédie de la connaissance et de l'expérience universelles. Ses œuvres sont actuellement conservées dans d'importantes collections d'art, parmi lesquelles ; Collection d'art africain contemporain, Collection Jean PIGOZZI, Genève, Suisse, Musée national d'Abidjan, Abidjan, Côte d'Ivoire, Musée national d'art moderne, Centre Georges Pompidou, Paris, France, Fonds de dotation, Collection Agnès b, Paris, France, Fondation François Pinault, Palazzo Grassi, Venise, Italie, MNAM, Centre Georges Pompidou en dépôt au Musée des Arts d'Afrique et d'Océanie, Paris, France, le Groninger Museum, Groningen, Pays-Bas, le Centro de Arte Contemporáneo, Mexico, Mexique, la Tanya RUMPFF Gallery, Haarlem, Pays-Bas, la Tate Modern, Londres, Royaume-Uni, le Musée d'Art Brut, Lausanne, Suisse, la Collection Lambert (LAC), Genève, Suisse, la Collection Madame et Monsieur David-Weill, Paris, France et la Collection Gervane et Matthias Leridon, Paris, France.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 64 - JORGE GALLEGO GARCÍA (Séville, 1980). "Dans la lueur de la lumière", 2010. Huile sur toile. Certificat d'authenticité joint, délivré par l'auteur. Présente une étiquette informative au dos. Signé dans la partie centrale inférieure. Dimensions : 114 x 114 cm ; 119 x 119 cm (cadre). Université de Séville. En 2007, il termine la période d'enseignement du programme de doctorat "Peinture et conservation-restauration" au département de peinture de la faculté des beaux-arts de l'université de Séville. En 2009, il a participé à la chaire Francisco de Goya de Caja Ávila, sous la direction d'Antonio López García. Au cours de sa carrière, il a remporté de nombreux prix, tels que le premier prix de la Real Maestranza de Sevilla lors de la IVe exposition d'automne de l'Académie royale des beaux-arts de Santa Isabel de Hungría en 2005, le titre de finaliste et l'œuvre acquise par la Fundació de les Arts i els Artistes lors du 1er concours de peinture figurative à Barcelone en 2005 ou le prix national des beaux-arts de l'Ateneo de Sevilla en 2005 et en 2012. Le certificat d'authenticité délivré par l'auteur est joint.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 65 - Jeu de 6 patins. Bois sérigraphié. Dimensions : 80 x 20 cm. Six planches à roulettes sérigraphiées, marques Calvin Klein, Louis Vuitton, Gucci, Chanel, Rolex et Ralph Lauren.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 66 - CHARLES FRÉGER (Bourges, France, 1975) "Légionnaires, 2000-2001. Portfolio II. "Portraits photographiques et uniformes". Dossier avec 12 photographies. Exemplaire 2/5. Signé et numéroté par l'artiste. Dimensions : 42 x 33 x 6,5 cm (dossier) ; 50,7 x 24 cm (photos). Charles Fréger est connu pour ses séries de portraits photographiques de personnes en uniforme (gardes nationaux, légionnaires, sumos, patineurs, majorettes...), qui jouent sur le rapport entre les signes d'appartenance à un groupe et l'individualité des personnes. Dans le cas des "Légionnaires", Fréger a eu l'idée de photographier tous les types d'uniformes existant dans la Légion étrangère française. Il s'agit de trois séries. La première est celle des volontaires ; la deuxième est celle du corps des pionniers, appelés aussi sapeurs ; la troisième série est celle des uniformes. Les photos des volontaires sont en demi-teinte et les sujets sont torse nu. L'idée est d'évoquer la place particulière qu'occupent les volontaires. Ils ne sont pas encore légionnaires et doivent suivre un entraînement intensif, souvent dénudés jusqu'à la taille. La nudité exprime le rapport de force exercé par le corps constitutif de la Légion sur le corps de l'engagé volontaire qui se retrouve seul, dépouillé de son ancienne identité et devant en recevoir une nouvelle. Les Pionniers portent des rangées de médailles sur leur tablier de sapeur en cuir comme preuve de leur pedigree. Le photographe a choisi les uniformes les plus fonctionnels : démineur, conducteur de char avec visière infrarouge et parachutiste avec outil de signalisation. Les uniformes reflètent l'esprit de la Légion, qui insiste sur la primauté absolue du groupe sur l'individu, auquel elle s'aligne progressivement. La photographie de Charles Fréger se caractérise par une approche anthropologique et sociologique. Il s'intéresse particulièrement à la manière dont les groupes utilisent les uniformes, les costumes et les tenues traditionnelles pour exprimer leur identité et leur cohésion. Fréger a commencé sa carrière en réalisant des portraits d'athlètes, de soldats et d'étudiants, explorant l'idée d'uniformité et d'individualité au sein de ces groupes. Autres séries : "Wilder Mann" (2010-2011) : cette série explore les rituels païens européens et les costumes qui leur sont associés. Fréger a voyagé dans 19 pays, photographiant les participants habillés en "hommes sauvages", une figure présente dans de nombreuses traditions folkloriques européennes. "Yokainoshima" (2013-2015) : se concentre sur les costumes et les masques traditionnels utilisés dans les rituels et les festivals japonais. La série met en évidence le lien entre ces costumes et l'héritage culturel qu'ils représentent. "Empire" (2010-2012) : Une série de portraits de jeunes hommes dans des académies militaires en Europe et aux États-Unis, examinant les codes visuels et les traditions de ces institutions. Le travail de Fréger a été exposé dans de nombreuses galeries et musées à travers le monde, notamment à la Maison européenne de la photographie à Paris, au Yokohama Museum of Art au Japon et au Musée de l'Élysée à Lausanne, en Suisse. Il a publié plusieurs livres de photographies compilant ses différentes séries, tels que "Wilder Mann", "Yokainoshima" et "Bleus de travail".

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 67 - Ensemble composé de trois celluloïdes ; Transformers et Dragon Ball, 20e siècle. Celluloïdes (x3) et un dessin. Deux des celluloïds correspondent à la série Transformers et l'autre à Dragon Ball. Dimensions : 23 x 27 cm (x3). Dragon Ball est une série de dessins animés japonais créée par Akira Toriyama en 1984. Le manga initial, écrit et illustré par Toriyama, a été publié en série dans le Weekly Shonen Jump de 1984 à 1995, avec 519 chapitres individuels. Dragon Ball s'inspire à l'origine du roman classique chinois du XVIe siècle intitulé Voyage vers l'Ouest, combiné à des éléments tirés des films d'arts martiaux de Hong Kong. Il passe son enfance loin de la civilisation jusqu'à ce qu'il rencontre une adolescente nommée Bulma, qui l'encourage à la rejoindre dans sa quête pour explorer le monde à la recherche des sept orbes connues sous le nom de Dragon Balls, qui invoquent un dragon qui exauce les souhaits lorsqu'elles sont rassemblées. Au cours de son voyage, Goku se fait d'autres amis, devient père de famille, découvre son héritage extraterrestre et combat une grande variété de méchants, dont beaucoup recherchent également les boules de dragon.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 68 - Ensemble composé de sept celluloïdes ; 20e siècle. Sept acétates et six dessins. Certains d'entre eux sont tirés de la série animée "Transformers". Dimensions : 27 x 40 cm (plus grand) ; 23 x 17 cm (plus petit). Ensemble de sept celluloïds, dont certains sont issus de la série animée Transformers. Transformers est une franchise audiovisuelle produite par la société américaine de jouets Hasbro et la société japonaise Takara Tomy. Elle se concentre principalement sur les héroïques Autobots et les méchants Decepticons, deux factions belligérantes de robots extraterrestres qui peuvent se transformer en d'autres formes, telles que des véhicules et des animaux. La franchise s'étend aux jouets, à l'animation, aux bandes dessinées, aux jeux vidéo et aux films.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 69 - "Play Camo" de la série "Bape Play" pour Medicom Toy. Set de quatre 400% Be@rbrick. Vinyle peint en différentes couleurs. Dans leur boîte d'origine. Scellés. En bon état. Dimensions : 27 cm (hauteur) ; 19 x 16 x 11 cm (boîtes). La révolution des Art Toys trouve dans le Be@rbrick l'un de ses meilleurs représentants. Son image simple mais attrayante sous la forme d'un ours articulé (semblable à un morceau de brique, d'où son nom) et sa variété inépuisable de motifs réalisés par des artistes différents et célèbres en font un objet de désir pour les nouveaux collectionneurs et les collectionneurs confirmés. Conçu et produit par la société japonaise MediCom Toy Incomporated et lancé en 2001 comme cadeau aux visiteurs de la World Character Convention 12 à Tokyo, le Be@rbrick comporte neuf parties distinctes (appelées "outils" dans l'industrie du jouet) qui permettent huit points d'articulation différents : tête rotative, taille rotative, bras articulés à la rotule, poignets rotatifs et jambes articulées à la rotule. Les tailles vont de 7 cm de haut (100% Be@rbrick, taille standard) à 400% Be@rbrick (28 cm de haut) ou 1000% Be@rbrick (70 cm de haut). D'autres tailles sont plus petites que la taille standard, comme 50% Be@rbrick (4 cm) ou 70% Be@rbrick (5 cm). Parmi les collaborations les plus connues, citons celles avec Kaws, la Fondation Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics et même le Musée du Louvre et Chanel. De nombreuses célébrités collectionnent également les Be@rbrick, du producteur de musique Pharrell Williams à l'ancienne directrice de la création de Vogue, Grace Coddington. En bon état.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR

Lot 70 - EMILIO GARCÍA (Barcelone, 1981). "Cerveau crâne, 2012. Exemplaire A.P. 2/2. Résine jaune. Signé et justifié. En bon état. Dimensions : 13 x 14 x 8 cm. Après le succès obtenu avec "Jumping Brain", une combinaison de cerveau et de grenouille sautante, Emilio García a présenté "Skull Brain" à "CONTEXT Art Miami 2012" et sa version à grande échelle à "Pulse Miami 2013", en étant récompensé comme meilleur artiste catalan de l'année par la Fondation Lluís Coromina. Dans Skull Brain, il place du matériel cérébral sur la forme d'un crâne pour un résultat explosif et intriguant. C'est à cette époque que Garcia commence à s'impliquer dans toutes sortes de merchandising neuro-urbain, en créant des Art Toys ou des skateboards, parmi d'autres objets conçus pour un usage quotidien. Emilio García a une longue carrière professionnelle en tant qu'artiste visuel et directeur artistique indépendant. Depuis 1999, il a travaillé avec des entreprises internationales de renom telles que Berlitz Kids, Hitachi, Diesel, Inditex, Metro, Vans ou The North Face, entre autres, en se spécialisant dans les images animées et le contenu multimédia. Son travail a été publié dans Taschen, Favorite Websites et Web Design Index Books. Son premier projet indépendant, Jumping Brain, a fait sensation, tout comme les séries suivantes. Expositions à noter : "Block Mickey" de Disney. Times Square, Hong Kong, 2009. "Swab Barcelona Contemporary Art Fair, stand de la galerie Iguapop. Barcelone, Espagne, 2010. "Street Anatomy", Musée international des sciences chirurgicales. Chicago, États-Unis, 2010. "PULSE Miami", stand de la Black Square Gallery. Miami, USA, 2013 "HOCA Foundation Beneficial Auction", Paddle8, Hong Kong, 2015 "Art Fair Tokyo". Stand de la JPS Gallery. Tokyo, Japon, 2016 "Brain Being" exposition personnelle. Galerie JPS. Hong Kong, 2017. Le travail d'Emilio Garcia a été publié dans de nombreux magazines d'art, de design et de culture tels que Clutter, Neo2 ou Juxtapoz, dans des catalogues d'exposition, et il a contribué à différents livres tels que "We are Indie Toys" par HarperCollins, "Resin Toys" par Lemo ou "Skullture : Skulls in Contemporary Visual Culture" Gingko Press. Il a également participé au documentaire "Un Designer Toy Artesanal" de Jose M Cuñat et Victor M. Mezquida en 2014. En bon état.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 71 - MILK Magazine x NBA pour Medicom Toy. Set de six 400% Be@rbrick de la NBA 70th Anniversary Edition. Plastique. Scellé. Dans les boîtes d'origine. Produit par Medicom Toy. En bon état. Dimensions : 28 cm (hauteur du jouet) ; 29 x 15 x 11 cm (boîtes). À l'occasion de la célébration du 70e anniversaire de la NBA, une collaboration avec Milk & Medicom Toy a eu lieu en 2016. Ainsi, la Be@rbrick déjà iconique a porté les maillots des meilleures et des plus influentes équipes de la NBA : les Bulls de Chicago (BULLS), les Lakers de Los Angeles (LAKERS), les Spurs de San Antonio (SPURS), les Celtics de Boston (CELTICS), les Cavaliers de Cleveland (CAVALIERS) et les Warriors de l'État d'Or (WARRIORS). La révolution Art Toys trouve dans le Be@rbrick l'un de ses meilleurs représentants. Son image simple mais attrayante sous la forme d'un ours articulé (semblable à un morceau de brique, d'où son nom) et sa variété inépuisable de motifs réalisés par des artistes différents et célèbres en font un objet de désir pour les nouveaux collectionneurs et les collectionneurs confirmés. Conçu et produit par la société japonaise MediCom Toy Incomporated et lancé en 2001 comme cadeau aux visiteurs de la World Character Convention 12 à Tokyo, le Be@rbrick comporte neuf parties distinctes (appelées "outils" dans l'industrie du jouet) qui permettent huit points d'articulation différents : tête rotative, taille rotative, bras articulés à la rotule, poignets rotatifs et jambes articulées à la rotule. Les tailles vont de 7 cm de haut (100% Be@rbrick, taille standard) à 400% Be@rbrick (28 cm de haut) ou 1000% Be@rbrick (70 cm de haut). D'autres tailles sont plus petites que la taille standard, comme 50% Be@rbrick (4 cm) ou 70% Be@rbrick (5 cm). Parmi les collaborations les plus connues, citons celles avec Kaws, la Fondation Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics et même le Musée du Louvre et Chanel. De nombreuses célébrités collectionnent également les Be@rbrick, du producteur de musique Pharrell Williams à l'ancienne directrice de la création de Vogue, Grace Coddington. En bon état.

Estim. 2 000 - 2 200 EUR

Lot 72 - RON ENGLISH (Chicago, 1959) pour Made by Monsters Toys. "Rodent Grin" de la série "Pop Art". 2 figurines en vinyle peint. Édition spéciale JPS limitée à 400 exemplaires. Signée, numérotée et scellée. Avec pochettes d'origine. En bon état. Dimensions : 22 cm (hauteur). La souris la plus célèbre du monde se distingue des autres versions conventionnelles par le sourire en forme de tête de mort déjà classique de Ron English. Les Art Toys in tender correspondent à l'édition JPS de Rodent Grin de Ron English x Made by Monsters. Les Art Toys de Ron English sont un mélange de pop art et de propagande qui suit le concept de "Culture Jamming", que l'on peut traduire par sabotage culturel ou détournement, dans lequel il incorpore une iconographie dérivée des bandes dessinées de super-héros, de l'histoire de l'art, de la publicité ou de la politique. English joue ainsi avec l'iconographie des multinationales, de la culture populaire ou de l'histoire de l'art, comme Joe Camel, McDonalds, Vincent vanGogh ou Mickey Mouse, en les modifiant et en les satirisant pour symboliser le contraire des valeurs qu'ils représentent. Le nom d'English est apparu dans les plus grands magazines du monde (The New York Times, The Wall Street Journal, USA Today, The Miami Herald, The Washington Post, The Los Angeles Times, LA Weekly, Art News, Time Magazine, Rolling Stone, Creem, Juxtapoz Magazine, Hi Fructosa, Mad Magazine, entre autres). Il est apparu au cinéma et à la télévision dans Exit Through the Gift Shop, Supersize Me, The Simpsons, Work of Art, Street Art Throwdown, CNN, BBC, Sky TV et bien d'autres encore. Outre ses pratiques artistiques et ses peintures murales, English a réalisé des pochettes d'albums pour des musiciens tels que les Dandy Warhols et Slash, des illustrations pour le documentaire Super Size Me et divers Art Toys. En bon état.

Estim. 3 500 - 3 800 EUR

Lot 73 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelone, 1923 - 2009). Sans titre, 1990. Encre sur papier de soie. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Provenance : Collection privée. Dimensions : 60 x 90 cm ; 79 x 109 cm (cadre). Après une brève période figurative, les années 1950 laissent place à une conception plus schématique et structurée de la réalité, avec un parti pris clairement abstractionniste, qu'il cultivera tout au long de sa vie. Au cours des années 1990, et jusqu'à la fin de sa carrière, sa production est interprétée comme une étude de son propre travail. Ses compositions, stables et calmes, témoignent d'une pureté structurelle poussée à l'extrême, où la symétrie, l'ordre et l'équilibre configurent l'utilisation de l'espace dominé par la géométrie et la complémentarité des couleurs. Peintre, professeur, écrivain et graphiste, Ràfols Casamada jouit aujourd'hui d'un grand prestige international. Il a débuté dans le monde du dessin et de la peinture avec son père, Albert Ràfols Cullerés. L'influence post-impressionniste de son père et son cézannisme particulier marquent les œuvres présentées lors de sa première exposition, en 1946, aux galeries Pictòria de Barcelone, où il expose avec le groupe Els Vuit. Par la suite, il développe progressivement une abstraction poétique, amorphe dans sa configuration, libre et intelligente, fruit d'une lente gestation et basée sur des atmosphères, des thèmes, des objets ou des graphismes de la vie quotidienne. Ràfols Casamada travaille avec ces fragments de réalité, de vie, dans un processus de défiguration, jouant avec les connotations, les valeurs plastiques et la richesse visuelle des différentes lectures possibles, dans une tentative de fixer le caractère éphémère de la réalité. En 1950, il obtient une bourse pour voyager en France et s'installe à Paris jusqu'en 1954. C'est là qu'il se familiarise avec la peinture figurative post-cubiste, ainsi qu'avec les œuvres de Picasso, Matisse, Braque et Miró, entre autres. Ces influences se sont combinées dans sa peinture avec celle de l'expressionnisme abstrait américain, qui se développait à la même époque. À son retour à Barcelone, il s'engage dans sa propre voie artistique, avec un style caractérisé par l'élégance de la composition, basé sur des structures orthogonales combinées à un chromatisme émotif et lumineux. Après avoir entretenu une relation intéressante, dans les années soixante et soixante-dix, avec le néo-dada et le nouveau réalisme, son œuvre s'est concentrée sur des valeurs purement picturales : des champs de couleurs en harmonie expressive sur lesquels se détachent des lignes gestuelles au fusain. Il a reçu de nombreux prix, tels que le prix national des arts plastiques du ministère de la culture en 1980, la Creu de Sant Jordi en 1982 et le prix CEOE pour les arts en 1991. En 1985, il a été nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres de France et est membre honoraire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando à Madrid. En 2003, la Generalitat lui a décerné le prix national des arts visuels de Catalogne et, en 2009, deux mois avant sa mort, le Grup 62 lui a rendu hommage au Museu Nacional d'Art de Catalunya. Son œuvre est présente dans les plus grands musées du monde : le Reina Sofía de Madrid, le Guggenheim et le MOMA de New York, le Museum of Modern Art de Los Angeles, le Musée Picasso en France, le Georges Pompidou à Paris, le British Museum et la Tate Gallery de Londres, entre autres.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 74 - JUAN MANUEL LÓPEZ-REINA COSO (Cuenca, 1953). "Coucher de soleil. Technique mixte sur bois. Signé et titré au dos. Signé dans le coin inférieur droit. Signé et titré au dos. Dimensions : 120 x 140 cm. Juan Manuel López Reina se distingue par sa formation pluridisciplinaire, dans laquelle il a développé l'étude de différentes techniques artistiques telles que la gravure ou l'aquarelle. Diplômé en arts graphiques et spécialisé dans la photocomposition, la conception de livres et de revues, il a complété sa formation artistique par différents cours, dont l'atelier de gravure de l'École des beaux-arts de Madrid et les ateliers du Prado avec Francisco Molina, Jorge Pedraza ou Salvador Antúnez. Sa connaissance approfondie des différentes techniques a conduit à la création d'un style très personnel où il combine différentes techniques et un style qui oscille entre l'abstraction et la figuration. Comme le dit l'artiste lui-même : "Un musicien compose une mélodie en combinant des notes, selon certaines relations ; un poète compose un poème en mettant les pensées et les mots en ordre ; et un peintre crée un tableau en ajustant les pensées, les formes et les couleurs dans le meilleur ordre". Son œuvre a été largement représentée dans d'importants centres d'art nationaux tels que la Casa de Vacas à Madrid, la galerie Victoria Hidalgo ou la Maison de Cantabrie, entre autres. Il a également reçu plusieurs prix, dont le premier prix de l'atelier du Prado en 2013, le premier prix du XXVIIIe concours d'art minimaliste San Antón 2012 décerné par l'académie libre des arts et des lettres de San Antón et le premier prix mira Madrid décerné par l'association des peintres et des sculpteurs en 2012.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 75 - ALEX KATZ (Brooklyn, New York, 24 juillet 1927). "Vincent, 1972. Lithographie sur papier. Exemplaire 50/120. Certificat ci-joint de la Composition Gallery, Géorgie. Signé dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 38,1 x 53,3 cm ; 73,5 x 82,5 cm (cadre). Dans cette œuvre, on peut voir le portrait du fils de l'artiste qui a été représenté à de nombreuses reprises par son père. En fait, dans l'exposition que le musée Guggenheim a consacrée à Alex Katz, son fils, aujourd'hui critique d'art, a déclaré : "Ce qui est intéressant, vous savez, c'est d'être un enfant et d'être représenté, parce qu'on pense que c'est quelque chose qu'il faut faire, comme "Combien de temps dois-je poser pour ça ? Le processus n'est donc pas du tout douloureux". Alex Katz, né dans une famille juive de Brooklyn, déménage en 1928 avec sa famille dans le Queens. De 1946 à 1949, Katz étudie à la Cooper Union de New York, puis de 1949 à 1950 à la Skowhegan School of Painting and Sculpture, dans le Maine. Cette formation s'est avérée déterminante pour son développement en tant que peintre et reste un élément essentiel de sa pratique aujourd'hui. Katz explique que le fait de peindre en plein air à Skowhegan lui a donné une raison de consacrer sa vie à la peinture. Les peintures de Katz se répartissent à peu près également entre les genres du portrait et du paysage. Depuis les années 1960, il peint des vues de New York (en particulier de son environnement immédiat à Soho), des paysages du Maine, où il passe plusieurs mois chaque année, ainsi que des portraits de membres de sa famille, d'artistes, d'écrivains et de personnalités de la société new-yorkaise. Ses peintures se caractérisent par la planéité des couleurs et des formes, l'économie des lignes et un détachement émotionnel à la fois frais et évocateur. Les gravures sur bois de l'artiste japonais Kitagawa Utamaro constituent une source d'inspiration essentielle. Au début des années 1960, influencé par les films, la télévision et les affiches publicitaires, Katz a commencé à peindre des tableaux de grande taille, souvent avec des visages recadrés de manière dramatique. La plupart de ses œuvres représentent des gros plans, montrant des vues de face et de dos de la tête d'un même personnage ou des personnages se regardant depuis les bords opposés du support. Depuis 1951, l'œuvre d'Alex Katz a fait l'objet de plus de 200 expositions personnelles et de près de 500 expositions collectives aux États-Unis et dans le monde entier. La première exposition personnelle d'Alex Katz a été une exposition de peintures à la Roko Gallery de New York en 1954. En 1974, le Whitney Museum of American Art a présenté Alex Katz Prints, suivie d'une rétrospective de peintures et de découpages intitulée Alex Katz en 1986. Katz a présenté de nombreuses rétrospectives dans des musées tels que le Whitney Museum of American Art, New York ; le Brooklyn Museum, New York ; le Jewish Museum, New York ; le Irish Museum of Modern Art, Dublin ; le Colby College Museum of Art, Maine ; la Staaliche Kunsthalle, Baden-Baden ; la Fondazione Bevilacqua La Masa, Venise, le Centro de Arte Contemporaneo de Malaga et la Saatchi Gallery, Londres (1998). Les œuvres de Katz figurent dans les collections de plus de 100 institutions publiques dans le monde entier, dont le Honolulu Museum of Art, le Museum of Modern Art, New York, le Metropolitan Museum of Art, New York, le Whitney Museum of American Art, NY, la Smithsonian Institution, Washington, D .C .Le Carnegie Museum of Art, l'Art Institute of Chicago, le Cleveland Museum of Art, la Tate Gallery, Londres, le Centre Georges Pompidou, Paris, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, le Metropolitan Museum of Art, Tokyo, la Nationalgalerie, Berlin, et le Brandhorst Museum, Munich, entre autres. Vous trouverez ci-joint un certificat de la Composition Gallery, Géorgie.

Estim. 1 200 - 1 800 EUR

Lot 76 - MANUEL BARBADILLO (Cazalla de la Sierra, Séville, 1929 - Malaga, 2003). Sans titre, 1979-1984. Encre sur papier. Encadré dans un verre de musée. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 21 x 30 cm ; 29 x 38 cm (cadre). Sur le papier millimétré se trouve une étude, réflexions de l'artiste, qui nous montre le travail antérieur et conceptuel. En effet, dans la collection du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, il y a plusieurs pièces de plus grandes dimensions qui reflètent le concept esthétique que l'artiste incarne dans cette œuvre. Les pièces Coraina, Dione et Merata en sont des exemples. Manuel Barbadillo a commencé sa formation dans l'atelier de José Arpa (1941), puis dans celui du sculpteur Emilio García Ortiz, où il est resté entre 1944 et 1947. Il termine enfin sa formation à l'École des arts et métiers entre 1951 et 1953. Parallèlement, il étudie le droit et, à la fin de ses études en 1954, il expose pour la première fois à l'Ateneo de Sevilla. Il se rend ensuite au Maroc, où il reste jusqu'en 1957, et abandonne définitivement la figuration pour se consacrer à l'expérimentation abstraite. Lorsqu'en 1959 il s'installe à New York, où il restera jusqu'en 1962, son œuvre s'inscrit dans le cadre de l'abstraction informaliste, montrant d'abord des influences de l'expressionnisme abstrait. Cependant, son langage va bientôt dériver dans le sens de la réduction de la couleur, jusqu'à aboutir à des œuvres sobres, monochromes, denses en matière picturale et d'un caractère expérimental accentué. Vers 1960, son œuvre entre dans une nouvelle phase, marquée par la structuration et la recherche d'un langage de plus en plus rationnel et équilibré. Enfin, vers 1963, sa peinture atteint sa maturité par la schématisation compositionnelle, l'élimination de la matière, la symétrie et l'utilisation de formes répétitives. Cette simplification le conduira finalement au langage binaire et, à partir de 1964, il remplace le concept de forme par celui de module, entamant ainsi la période la plus longue et la plus fructueuse de sa production. En 1968, il est invité à participer à un cours au Centro de Cálculo de la Complutense et, la même année, il prend part au Séminaire sur la génération automatique de formes plastiques au même endroit, ce qui sera déterminant pour sa carrière. Dès lors, Barbadillo établira une relation étroite avec l'ordinateur, compris comme un outil de travail. Tout au long de sa carrière, Barbadillo a été membre de la Computer Arts Society et du Conseil artistique de la Gesellschaft für Computer Grafik und Computer Kunst à Munich. Il a présenté son travail dans des expositions en Espagne, au Maroc, en Argentine, au Venezuela, aux États-Unis et en Allemagne, et a participé à des expositions collectives dans le monde entier. Il est actuellement représenté au MNCA Reina Sofía, au Centro Andaluz de Arte Contemporáneo et dans de nombreuses collections publiques et privées en Europe et en Amérique. Encadré dans un verre de musée.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 77 - MANOLO VALDÉS, (Valence, 1942). "Dame d'Elche". Céramique émaillée avec base en bois. Dimensions : 22,50 x 18,50 x 21 cm, 26,50 x 18,50 x 21 cm (avec socle). Manolo Valdés est né à Valence le 8 mars 1942. En 1957, il s'inscrit à l'école des beaux-arts de San Carlos où il passe deux ans, avant d'abandonner ses études pour se consacrer à la peinture. En 1964, il fonde le groupe artistique Equipo Crónica avec Juan Antonio Toledo et Rafael Solbes, dans lequel il restera jusqu'à la mort de ce dernier en 1981, bien que deux ans après la création du groupe, Toledo l'ait quitté. Après la mort de Rafael Solbes, il continue à travailler seul à Valence pendant quelques années, jusqu'en 1989, date à laquelle il se rend à New York où il installe son atelier et continue à expérimenter de nouvelles formes d'expression. Il appartient à la Marlborough Gallery et à la Freites Gallery. Il a également installé un atelier à Madrid pour la réalisation de grandes sculptures, alternant son travail dans les deux villes. Influencé par Velázquez, Rembrandt, Rubens et Matisse, Manolo Valdés crée une œuvre de grand format dans laquelle les lumières et les couleurs expriment une sensation de tactilité par le traitement des matériaux. Son travail oblige le spectateur à plonger dans sa mémoire et à rechercher des images significatives de l'histoire de l'art. Outre les œuvres exposées dans le cadre de l'Equipo Crónica, Valdés a réalisé plus de 70 expositions individuelles et collectives entre 1965 et 1981. En tant que sculpteur, il est l'auteur de La Dama del Manzanares (2003), une œuvre de 13 mètres de haut située dans le Parque Lineal del Manzanares (Madrid). En 2005, il a créé le groupe sculptural Asturcones, pour la ville d'Oviedo. Valdés a reçu plusieurs prix, parmi lesquels on peut citer en 1965, les prix Lissone et Biella, à Milan (Italie), en 1979, la médaille d'argent de la IIe Biennale internationale de gravures à Tokyo (Japon) et le prix du musée d'art Bridgestone à Lis'79 à Lisbonne (Portugal) ; en 1983, le prix national des arts plastiques ; le prix Alfons Roig, à Valence ; le prix national des beaux-arts d'Espagne ; en 1986, la médaille de la biennale du festival international des artistes plasticiens, à Bagdad (Irak) et, en 1993, la décoration de l'ordre d'Andres Bello dans la classe de la bande d'honneur, au Venezuela. En 2012, il a été chargé de concevoir l'affiche de la saison tauromachique de la Real Maestranza de Caballería à Séville.

Estim. 2 400 - 2 600 EUR

Lot 78 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). Lithographie, exemplaire 59/99. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 85 x 67 cm ; 87 x 69 cm (cadre). Le papier présente des taches. Tàpies débute dans l'art pendant la longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Progressivement, il se consacre avec plus d'intensité au dessin et à la peinture, et finit par abandonner ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi que dans le Salón de los Once qui se tient à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, avec une bourse de l'Institut français. Son exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson en 1953 renforce sa projection internationale. Il reçoit des prix tels que le Prince des Asturies, le Praemium Imperiale de la Japan Art Association, le Prix National de la Culture, le Grand Prix de Peinture de France, etc., et des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Il est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofia à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 700 - 900 EUR

Lot 79 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Suite Berlin". Lithographie sur papier Arches, exemplaire 144/150. Signée et numérotée à la main. Tàpies Galfetti II, p. 109, fig. 484. Dimensions : 56 x 76 cm. Antoni Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence à la suite d'une maladie pulmonaire. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi que dans le Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau aux Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il fait une exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, se déroulent dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années soixante-dix, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 80 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). Sans titre. Gravure intervenue avec collage et cires, exemplaire 32/130. Signée, dédicacée et justifiée à la main. Dimensions : 90 x 61 cm ; 97 x 69 cm (cadre). Clavé intervient sur cette gravure avec des cires et différents papiers pour expérimenter la superposition des textures et des matériaux, ce qui donne lieu à un décollage esthétique caractéristique de son travail. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'Escuela de Bellas Artes de San Jordi à Barcelone, Clavé se consacre d'abord au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international à l'époque où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 2 400 - 3 000 EUR

Lot 81 - ANTONIO LÓPEZ GARCÍA (Tomelloso, Ciudad Real, 1936). "Quinces, grenade et tête de lapin", œuvre réalisée à partir d'un dessin au crayon sur carton fait par l'artiste en 1988. Gravure à l'eau-forte et à l'aquatinte, exemplaire 52/60. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 46 x 53 cm (estampe) ; 66 x 72 cm (papier). Peintre et sculpteur, Antonio López a étudié entre Madrid, à l'Académie de San Fernando, et l'Italie, où il a voyagé grâce à une bourse. Pendant ses études, il forme, avec d'autres artistes comme Enrique Gran, Amalia Avia ou Lucio Muñoz, ce que l'on appelle aujourd'hui l'école de Madrid. À la fin de ses études, en 1957, il fait ses débuts individuels à Madrid. Depuis lors, il a réitéré sa présence dans des galeries en Europe, aux États-Unis, en Chine et en Corée, et en 1993, le musée Reina Sofia de Madrid lui a consacré une exposition anthologique. Membre de l'Académie San Fernando, il a reçu le prix Prince des Asturies des arts et le prix Velázquez des arts plastiques. En 2008, le musée des beaux-arts de Boston lui a consacré une exposition monographique, et en 2011, le Thyssen-Bornemisza et le musée des beaux-arts de Bilbao feront de même. Il est représenté au Museum of Fine Arts de Boston, à l'ARTIUM de Vitoria, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, à la Fondation Juan March et au Museum of Fine Arts de Bilbao, entre autres.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 82 - MANUEL CASTRO (Cordoba, 1944 - Barcelone, 2020). "Metropolis" 2002. Huile sur panneau. Signée dans le coin inférieur droit, signée et titrée au dos. Dimensions : 162 x 114 cm. Manuel Castro était un artiste singulier, représenté par la galerie Barnadas à Barcelone. Cette dernière a écrit à propos de l'artiste : "Par génération, il aurait dû être un peintre abstrait, mais il a suivi obstinément son chemin vers une figuration personnelle et narrative". Manuel Castro est présent depuis les débuts de la galerie Barnadas, avec une exposition de gravures en 1993, suivie de multiples expositions personnelles et collectives, ainsi que de participations réussies à des foires internationales telles que Miart (Milan) ou Start (Strasbourg). Avec un regard nostalgique et rêveur, Castro nous dit, à travers son œuvre, qu'il est important de regarder la réalité avec des critères, à partir d'un certain prisme, où la beauté, qu'il s'agisse d'un paysage, d'une tapisserie ou d'une bibliothèque, résiste au passage du temps. Dès les années 1960, son langage était figuratif, s'éloignant de l'expressionnisme abstrait dominant. Castro réincarne le modèle de l'artiste libre, non pas pour le cri de révolte d'une œuvre plus ou moins révolutionnaire, mais pour suivre son propre rythme avec courage et talent et, sans influences, pour créer son héritage cohérent. Son œuvre se trouve à la Fondation Vilacasas.

Estim. 5 500 - 6 000 EUR

Lot 83 - JACQUES VILLON (Damville, France, 1875- Puteaux, France, 1963). "En Colère, 1952. Dessin original pour lithographie sur papier. Publié en 1959 par l'Edition d'Art du Lion. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 45,5 x 33 cm ; 75 x 67 cm (cadre). Jacques Villon était un peintre cubiste français qui s'appelait en réalité Gaston Émile Duchamp. Sous le pseudonyme de "Jacques Villon", il commence à produire des illustrations dans des journaux parisiens humoristiques, dans lesquelles il satirise le sujet de la religion ou de l'armée, ainsi que d'autres aspects fondamentaux de la morale conventionnelle du XIXe siècle. Villon expose au Salon des Indépendants à Paris en 1911 et à la première exposition de la Society of Independent Artists à New York en 1917. Il réalise également des œuvres pour l'exposition de la Société Anonyme au Brooklyn Museum en 1926, qui réunit entre autres des œuvres de Picabia et de Marcel Duchamp (son frère). Il expose ses œuvres dans diverses galeries en Europe et aux États-Unis, dont la Brummer Gallery à New York et la Galerie Louis Carré à Paris et à New York.

Estim. 4 500 - 4 700 EUR

Lot 84 - MIGUEL MACAYA (Santander, 1964). "Torero, 1992. Technique mixte sur papier. Signé. Dimensions : 58 x 50 cm ; 86 x 79 cm (cadre). Peintre de renommée nationale et internationale, Miguel Macaya fait ses débuts individuels en 1986 dans sa ville natale, avec une exposition à la galerie Pancho Cossío. Deux ans plus tard, il présente son travail à la galerie Cartoon de Barcelone et, dans les années 90, il commence à organiser des expositions à Madrid : galerie Jorge Albero en 1994 et 1997, Nolde en 1996 et 1999, etc. Il franchit le pas international en 1999 avec une exposition personnelle à la galerie Arcturus à Paris et, l'année suivante, il présente son travail à la prestigieuse Sala Parés de Barcelone, galerie avec laquelle il collabore depuis lors. Il continue d'exposer régulièrement en tant qu'artiste solo en Espagne et en France, ainsi qu'aux Pays-Bas, en Allemagne et au Royaume-Uni. Il a également participé à des foires telles que Antica Namur en Belgique, Strasbourg (toutes deux en 2014), Arco à Madrid (2001), Art London dans la capitale britannique (2008) et Art Madrid (2011-2015), entre autres. Parallèlement, il participe depuis 1992 à d'importantes expositions collectives nationales et internationales. La première a été organisée par le Delfina Studio Trust à Londres en 1992, et il a ensuite participé à d'autres expositions importantes telles que celles organisées au Design Center de la Recoleta à Buenos Aires (1998), à la Fundació Vila Casas à Barcelone (1999), à la Vieleers gallery à Amsterdam (2003), etc. L'œuvre de Macaya possède une expressivité intense et sombre, ainsi qu'une veine Goyaesque particulièrement évidente dans ses œuvres tauromachiques. En ce sens, le critique Enrique Lynch a écrit que sa peinture "oriente le regard vers le sublime précisément parce que, sans renoncer à la lumière, elle nous dirige vers le côté obscur de la vision : vers ce que nous ne pouvons (ou ne voulons) pas voir, l'arrière-plan inconnu auquel ses personnages nous tournent le dos". C'est une œuvre, en tout cas, qui joue sur le mystère, sur le jeu de ne révéler qu'une partie du clair-obscur, sur la suggestion de questions au spectateur. Miguel Macaya est actuellement représenté à la Fundació Vila Casas et a reçu le premier prix de la jeune peinture de la Fundació Banc de Sabadell-Sala Parés (2001).

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 85 - VICTOR MIRA (Saragosse, 1949 - Munich, 2003). "Femmes nues dans un paysage d'artichauts de Cantabrie". 1973 Technique mixte sur papier Signé et daté dans la partie inférieure. Certificat d'authenticité délivré par Esther Romero Fajardo joint. Dimensions : 36 x 55 cm ; 55 x 75 cm (cadre). Peintre, sculpteur, graveur et écrivain, sa formation a été essentiellement autodidacte. À l'âge de dix-huit ans, il présente sa première exposition individuelle à la galerie N'Art de Saragosse, qui est aussi la première exposition de sculpture en plein air organisée dans cette ville. Peu après, il s'installe à Madrid, où il expose en 1973 à la galerie Pol Verdié. Pendant ses années dans la capitale, il assiste aux Rencontres de Pampelune, où il rencontre John Cage. Deux ans plus tard, en 1974, Ana María Canales publie son livre "Víctor Mira, eres mi pintor preferido" (Victor Mira, tu es mon peintre préféré). En 1975, elle se rend à Heidelberg, où elle vit pendant cinq mois, et publie la même année "El libro de las dos hojas". En 1976, il commence à travailler en Allemagne sur ses séries "Spanische Haltung" et "Manos". Après avoir passé un certain temps entre Madrid et l'Allemagne, il s'installe à Barcelone en 1977. C'est là qu'il commence son cycle de peintures "Interiores catalanes con tomate" et qu'il publie en 1979 son premier recueil de poèmes, "El bienestar de los demonios". La même année, il réalise sa première exposition personnelle à Munich, à la galerie Tanit, et l'année suivante, il expose ses œuvres aux États-Unis, à la galerie George Staempfli de New York. À partir de ce moment-là, sa carrière internationale prend son essor, avec des expositions en Allemagne, aux États-Unis, en Hollande, en Suisse, en Suède, en Norvège, en Colombie, en France, en Belgique et en Autriche, tout en continuant à exposer régulièrement en Espagne. En 1983, il se rend pour la première fois aux États-Unis, invité par le Meadows Museum de Dallas, et cette même année, il travaille dans les ateliers de gravure de la Southern Methodist University de Dallas et passe cinq mois à New York. C'est également en 1983, à Barcelone, qu'il réalise sa première série de sculptures en fer, "Cultura del arco" et "Mediodías". En 1997, Amy Chaiklin l'invite à participer à la Biennale d'art de New York et, six ans plus tard, peu avant sa mort, il reçoit le prix du meilleur artiste espagnol vivant à la foire ARCO. La dernière rétrospective consacrée à cet artiste a eu lieu à Düsseldorf, en Allemagne, à la galerie Beck & Eggeling. Des œuvres de Mira sont conservées dans des musées et des collections privées du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de New York, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au MACBA de Barcelone, aux musées des beaux-arts de Vitoria et de Saragosse, à la Fondation Beulas de Huesca et au Museo Colecciones ICO de Madrid, entre autres.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 86 - Celluloïd de DRAGON BALL Celluloïd et dessin collé. Dimensions : 23 x 26,5 cm ; 24,5 x 27 cm. Dragon Ball est une série de dessins animés japonais créée par Akira Toriyama en 1984. Le manga initial, écrit et illustré par Toriyama, a été publié en série dans le Weekly Sh?nen Jump de 1984 à 1995, avec 519 chapitres individuels. Dragon Ball s'inspire à l'origine du roman classique chinois du XVIe siècle intitulé Voyage vers l'Ouest, combiné à des éléments tirés des films d'arts martiaux de Hong Kong. Il passe son enfance loin de la civilisation jusqu'à ce qu'il rencontre une adolescente nommée Bulma, qui l'encourage à la rejoindre dans sa quête pour explorer le monde à la recherche des sept orbes connus sous le nom de Dragon Balls, qui invoquent un dragon exauçant les souhaits lorsqu'ils sont rassemblés. Au cours de son voyage, Goku se fait d'autres amis, devient père de famille, découvre son héritage extraterrestre et combat une grande variété de méchants, dont beaucoup recherchent également les boules de dragon.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 87 - Celluloïdes de CARDCAPTOR SAKURA Ensemble de deux celluloïdes et de deux dessins. Un des dessins est collé au celluloïd. Dimensions : 23 x 26,5 cm (x2) ; 24,5 x 27,5 cm. Cardcaptor Sakura, abrégé en CCS, est une série de manga japonais écrite et illustrée par le groupe de manga Clamp. Publiée en série mensuellement dans le magazine de manga sh?jo Nakayoshi de juin 1996 à août 2000, elle a également été publiée en 12 volumes tank?bon par Kodansha entre novembre 1996 et juillet 2000. L'histoire est centrée sur Sakura Kinomoto, une élève d'école primaire qui se découvre des pouvoirs magiques après avoir accidentellement libéré un jeu de cartes magiques dans le monde ; elle doit récupérer les cartes pour empêcher une catastrophe. Chacune de ces cartes confère des pouvoirs magiques différents et ne peut être activée que par une personne ayant des capacités magiques inhérentes. Suite de Clamp, Cardcaptor Sakura.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 88 - HEIDI celluloïd. Celluloïd et dessin collés. Dimensions : 23 x 27 cm. Considéré comme un classique de l'animation, Heidi a été connu grâce à l'adaptation japonaise parue en 1974, inspirée du livre du même nom de l'écrivaine suisse Johanna Spyri. Heidi est une orpheline qui vit avec sa tante dans un village près des Alpes en Suisse. Lorsque sa tante trouve un nouvel emploi à Francfort, la petite fille doit déménager dans la maison de son grand-père au milieu des montagnes. Elle y rencontre Peter, son ami berger.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 89 - Celluloïd de INUYASHA Celluloïd, dessin et fond. Dimensions : 23 x 26,5 cm ; 24,5 x 27 cm (dessin) ; 26 x 36 cm (fond). Inuyasha est une série de mangas japonais écrite et illustrée par Rumiko Takahashi. Elle a été publiée en série dans le magazine de manga Weekly Sh?nen Sunday sh?nen de Shogakukan de novembre 1996 à juin 2008, et ses chapitres ont été rassemblés en 56 volumes tank?bon. La série commence avec Kagome Higurashi, une lycéenne de quinze ans vivant dans le Tokyo d'aujourd'hui, qui est transportée à la période Sengoku après être tombée dans un puits du sanctuaire familial, où elle rencontre le démon mi-chien, mi-humain Inuyasha. Lorsque le joyau sacré Shikon refait surface au plus profond du corps de Kagome, elle le brise par inadvertance en dizaines d'éclats qui sont dispersés dans tout le Japon. Inuyasha et Kagome partent à la recherche des fragments du joyau et sont rejoints dans leur quête par le moine lubrique Miroku, la chasseuse de démons Sango et le démon renard Shipp ? Ensemble, ils entreprennent de restaurer le joyau Shikon avant qu'il ne tombe entre les mains du demi-démon maléfique Naraku.

Estim. 700 - 1 000 EUR

Lot 90 - Celluloïd des CHEVALIERS DU ZODIAC. Celluloïd et dessin. Dimensions : 22,5 x 25,5 cm (celluloïd) ; 24,5 x 27 cm (dessin). En 1986, le mangaka (mot japonais désignant le créateur d'une bande dessinée) Masaki Kuramada a commencé son œuvre définitive et la plus réussie : Saint Seiya, qui comprenait 28 volumes de manga, 114 chapitres d'anime, 5 films et l'animation ultérieure de la dernière saga du manga (Hades), avec 31 OVA. Aujourd'hui, le succès de la série ne se dément pas.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 91 - CARDCAPTOR SAKURA Celluloïdes Ensemble de deux celluloïdes et dessins. Dimensions : 23 x 26,5 cm (x2) ; 24,5 x 27,5 cm. Cardcaptor Sakura, abrégé en CCS, est une série de manga japonais écrite et illustrée par le groupe de manga Clamp. Publiée en série mensuellement dans le magazine de manga sh?jo Nakayoshi de juin 1996 à août 2000, elle a également été publiée en 12 volumes tank?bon par Kodansha entre novembre 1996 et juillet 2000. L'histoire est centrée sur Sakura Kinomoto, une élève d'école primaire qui se découvre des pouvoirs magiques après avoir accidentellement libéré un jeu de cartes magiques dans le monde ; elle doit récupérer les cartes pour empêcher une catastrophe. Chacune de ces cartes confère des pouvoirs magiques différents et ne peut être activée que par une personne ayant des capacités magiques inhérentes. Suite de Clamp, Cardcaptor Sakura.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 92 - Celluloïd des CHEVALIERS DU ZODIAC. Celluloïd et dessin. Dimensions : 23 x 26,5 cm (celluloïd) ; 24,5 x 27 cm (dessin). En 1986, le mangaka (mot japonais désignant le créateur d'une bande dessinée) Masaki Kuramada a commencé son œuvre définitive et la plus réussie : Saint Seiya, qui comprenait 28 volumes de manga, 114 chapitres d'anime, 5 films et l'animation ultérieure de la dernière saga du manga (Hades), avec 31 OVA. Aujourd'hui, le succès de la série ne se dément pas.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 93 - Celluloïd. "Automne. Acétate et dessin au dos. Dimensions : 23 x 36 cm ; 40,5 x 51 cm (cadre). Acétate avec dessin représentant une chute. La plupart des mangas se conforment à un style développé au Japon à la fin du XIXe siècle, ayant une longue histoire dans l'art japonais antérieur. Le terme manga est utilisé au Japon pour désigner à la fois les bandes dessinées et les dessins animés. En dehors du Japon, le terme est généralement utilisé pour désigner les bandes dessinées publiées à l'origine au Japon. Le média comprend des œuvres dans un large éventail de genres : action, aventure, affaires et commerce, comédie, détective, drame, histoire, horreur, mystère, romance, science-fiction et fantastique, érotisme (hentai et ecchi), sports et jeux, et suspense, entre autres.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 94 - JOSE MARIA YTURRALDE, (Cuenca, 1942). "Postlude, 1998. Acrylique sur papier. Signé et daté en bas. Dimensions : 30 x 30 cm ; 35 x 35 cm (cadre). La série "Horizons", commencée par Yturralde en 2009, est un échantillon de l'exploration et de la recherche de la couleur, de la lumière et du sensoriel. Cet horizon horizontal marque le point de départ de l'expérience sensorielle de l'être humain, un concept lié à la culture des Touaregs, et même aux "haïkus" (poèmes) japonais. L'artiste met ainsi en évidence l'infinité de l'horizon, associée à la vision infinie du désert. Au cours des années consécutives, Jose María Yturralde continue de façonner le concept de limite et de début, également associé à des domaines scientifiques tels que les distorsions spatio-temporelles. En 2014, il continue d'ajouter des aspects liés au traitement et à la conception de ces limites qui prennent la forme de lignes noires verticales et horizontales au milieu de structures équilibrées et colorées. Titulaire d'un doctorat en beaux-arts de l'université polytechnique de Valence, Yturralde est membre à part entière de l'Académie royale des beaux-arts de San Carlos. Il a fait ses débuts en solo en 1969 lors d'une exposition organisée au Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. Il a rapidement commencé à recevoir des prix exceptionnels, notamment une bourse pour étudier au Massachusetts Institute of Technology. Yturralde a exposé et donné des conférences dans le monde entier et a participé à d'importantes expositions collectives internationales depuis le début de sa carrière : Biennale de São Paulo (1967), Museum of Fun à Tokyo (1979), Spanish Institute à New York (1996), etc. Ses expositions personnelles au M.I.T. et au Musée Reina Sofia de Madrid, ainsi que dans diverses galeries parisiennes, moscovites, espagnoles, américaines et japonaises, sont particulièrement remarquables. Yturralde est représenté dans des musées nationaux et internationaux tels que le Museum of Abstract Art de Cuenca, le Brooklyn Museum, le Harvard Museum, l'Asahi Shimbun de Tokyo, le Novgorod State Museum de Russie, le Patio Herreriano de Valladolid et le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Estim. 2 200 - 2 400 EUR

Lot 95 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelone, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "Madrid", 1984. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin supérieur gauche. Dimensions : 81 x 100 cm. Peintre, dessinateur, photographe et graveur de formation autodidacte, Lluís Claramunt a passé sa vie entre Barcelone, Madrid, Séville, Bilbao et Marrakech, et a développé une œuvre influencée par Isidre Nonell et marquée par un expressionnisme à ses débuts, qui disparaîtra progressivement jusqu'à devenir une calligraphie minimale. Depuis les années soixante-dix, il a organisé des expositions personnelles dans des galeries importantes telles que Dau al Set à Barcelone, Quatre Gats à Palma de Majorque, Juana de Aizpuru à Séville ou Buades à Madrid, et a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également réalisé des expositions personnelles à New York, Amsterdam, Graz (Autriche) et Lisbonne. De même, en 2012, son travail a été présenté dans l'exposition individuelle "El viatge vertical", qui s'est tenue au MACBA de Barcelone. Il est actuellement représenté dans ce musée, à la Fundació Vila Casas, dans la collection La Caixa, au Museo de Bellas Artes de Álava, à l'Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, au Consejo Superior de Deportes et au Ministerio de Cultura de la même ville, ainsi qu'à la Colección Caja Madrid. Récemment, Claramunt a exposé dans la prestigieuse galerie Marc Domenech à Barcelone, qui a consacré son exposition "Luis Claramunt. Años 80" entièrement consacrée à l'œuvre de l'artiste. L'exposition, qui s'est tenue en mai 2016, a présenté plus de soixante-dix œuvres qui ont démontré la prédilection de l'artiste pour les espaces urbains, représentés à travers une palette totalement expressionniste dans laquelle prédomine une palette dynamique et vibrante.

Estim. 2 000 - 2 400 EUR

Lot 96 - ISABEL ESTEVA ORTIGA (Barcelone, 1958) "Baignoire", 1983. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 110 x 205 cm ; 115 x 210 cm (cadre). Peintre et photographe qui trouve l'essentiel dans la représentation de la nature et de ses états, ainsi que dans la culture méditerranéenne. Rythmes, ombres, couleurs et lumières qui enveloppent des images qui, sous une apparente austérité, nous évoquent les origines de notre existence. Sa production se passe de tout élément superflu pour ennoblir l'expressivité des lignes et des couleurs dans une approche du primitivisme et de la simplicité.

Estim. 700 - 900 EUR

Lot 97 - FREDERIC AMAT NOGUERA (Barcelone, 1952). Sans titre, 2002. Technique mixte (collage, huile) sur bois. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 70 x 100 cm ; 83 x 114 cm (cadre). Peintre, graveur et scénographe, Amat développe une œuvre qui s'inscrit dans les tendances expérimentales et conceptuelles des années soixante-dix. Ses thèmes tournent autour de la mort, de la violence, du sexe et des architectures, réelles ou imaginaires. Formé à Barcelone, il a voyagé entre 1975 et 1982 en Afrique du Nord, au Mexique et aux États-Unis. Il a exposé en France, en Allemagne, en Italie et aux États-Unis. En 1993 et 1994, il a fait l'objet d'une importante rétrospective au Museo Rufino Tamayo à Mexico, à la Fundación Joan Miró et à l'Instituto de América à Grenade. Amat est représenté au Musée d'art contemporain de Barcelone.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 98 - JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcelone, 1997). "De Lucas Cranach, 1953. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, titrée et datée au dos. Avec l'étiquette d'Oriol Galeria d'Art au dos. Dimensions : 100 x 80 cm ; 105 x 86 cm (cadre). L'œuvre mise aux enchères est une œuvre de jeunesse du peintre Josep Roca Sastre, correspondant à une étape antérieure à la réalisation de ses scènes d'intérieur intimes. La toile est une version métaphysique de l'œuvre "Les trois grâces" de Lucas Cranach l'Ancien, un panneau peint par le maître en 1531 et aujourd'hui conservé au musée du Louvre à Paris. Formé à Barcelone, Roca a commencé dans les années soixante à développer un style personnel et indépendant et à créer son propre langage. Sa proposition se concentre sur la récupération du regard du proche et du quotidien, du familier. Il a exposé pendant quarante ans à la Sala Parés de Barcelone, et a également présenté son travail dans d'autres villes espagnoles, ainsi qu'aux États-Unis. En 1966, il reçoit le prix Sant Jordi de la Diputació de Barcelona et, deux ans plus tard, la médaille d'honneur du Salon des artistes français à Paris. En 1980, il devient membre de l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi et, en 1993, il reçoit le prix Quadern de la Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre a développé un style figuratif de thèmes intimes, appliquant un regard personnel et subjectif à ses scènes d'intérieur ainsi qu'à ses paysages urbains et naturels. Depuis sa mort, des rétrospectives de l'œuvre de Josep Roca ont été organisées à La Pedrera et dans les galeries Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcelone) et Juan Oliver Maneu (Palma de Majorque). Son œuvre est conservée au musée national d'art de Catalogne.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 99 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Retour du Japon, 1975-1986. Technique mixte (huile et collage) sur toile. Titrée et datée au dos. Signé. Dimensions : 77 x 46 cm ; 100 x 70 cm (cadre). La série "Retour du Japon" révèle la relation étroite de Clavé avec la culture japonaise. Réalisée entre 1986 et 1987, elle se compose d'une série d'œuvres dans lesquelles l'auteur capture les impressions reçues lors de son séjour dans le pays. La présence de couleurs contrastées et l'influence de l'esprit zen et du taoïsme sont les traits distinctifs de la série. Clavé a présenté les premiers tableaux de cette série en 1986 à la galerie Chozo Yoshii à Paris, année au cours de laquelle il a organisé quatre expositions dans quatre musées au Japon : le Metropolitan Teien à Tokyo, le National Art Museum à Osaka, le Kiyoaru Shirakaba et le Yamanashi-Ken à Hakone. L'année suivante, en 1987, il présentera la série à la Sala Gaspar de Barcelone. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'Escuela de Bellas Artes de San Jordi à Barcelone, Clavé se consacre d'abord au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international à l'époque où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. C'est au cours de cette même décennie des années cinquante qu'il commence à travailler intensément dans le monde du ballet et du théâtre, atteignant une grande renommée dans le monde de la scénographie internationale. En 1952, il réalise les décors du film "Hans Christian Andersen", de Charles Vidor, et est nommé aux Oscars. En 1954, il abandonne la scénographie pour se consacrer à la peinture. Il est récompensé au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 100 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelone, 1943). "Vanitas blau", Barcelone, 1991. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Signée, datée, localisée et titrée au dos. Dimensions : 130 x 130 cm ; 132 x 132 cm (cadre). Llimós s'est fait connaître en 1964, lors d'une exposition commune avec, entre autres, Arranz Bravo, Bartolozzi et Gerard Sala, avec qui il a travaillé en équipe jusqu'en 1969. Son œuvre se trouve dans des collections exceptionnelles telles que le musée national d'art de Catalogne, le musée d'art moderne Espirito Santo au Brésil, la collection d'art contemporain de Madrid, les musées des beaux-arts d'Alava et de Séville, la fondation Lucio Amelio à Naples, le musée international de la résistance Salvador Allende à Santiago du Chili, la fondation Peter Stuyvesant à Amsterdam, le Palau Solleric à Palma de Majorque et le MACBA à Barcelone, parmi d'autres. Son œuvre, au trait expressif et intense, oscille entre figuration et abstraction symbolique, avec une forte attirance pour le monde animal, qui est souvent le sujet de son travail, comme on peut le voir dans le tableau que nous présentons aujourd'hui.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

9 juillet - Art contemporain et dernières tendances

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Lot 65 - Jeu de 6 patins. Bois sérigraphié. Dimensions : 80 x 20 cm. Six planches à roulettes sérigraphiées, marques Calvin Klein, Louis Vuitton, Gucci, Chanel, Rolex et Ralph Lauren.