10th September - Contemporary Art

Los 1 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). "Atanor", 1989. Acrílico sobre lienzo. Firmado, fechado y titulado al dorso. Presenta etiqueta de la galería Soledad Lorenzo. Medidas: 150 x 150 cm; 154 x 154 cm (marco). El término "Atanor" tiene claras connotaciones alquímicas. Al utilizarlo como título, Ràfols-Casamada puede estar sugiriendo una transformación interna y espiritual, un proceso de creación y cambio que vertebra tanto el arte como la vida. Sobre un fondo marrón con trazos siena diferentes conductos y pequeños orificios describen una cartografía críptica que puede evocar el sistema de tubos, crisoles y atanores de arcilla utilizado por los alquimistas. La abstracción de Ràfols Casamada se empapa aquí de cadencias líricas, y despierta emociones profundas con los mínimos elementos. Los colores terrosos, siena y ámbar, interrumpidos por azules moteados, nos remiten a la idea de la combustión alquímica y al fuego que transmuta y purifica los materiales. Pintor, pedagogo, escritor y artista gráfico, Ràfols Casamada goza hoy de gran prestigio internacional. Se inició en el mundo del dibujo y la pintura con su padre, Albert Ràfols Cullerés. En 1942 inició estudios de arquitectura, aunque pronto los abandonó para dedicarse a las artes plásticas. La influencia paterna postimpresionista y su particular cézannismo marcan las obras presentadas en su primera exposición, celebrada en 1946 en las galerías Pictòria de Barcelona, donde expuso con el grupo Els Vuit. Posteriormente, elaborará una abstracción poética, amorfa en su configuración, libre e inteligente, fruto de una lenta gestación y basada en ambientes, temas, objetos o grafismos de la vida cotidiana. Ràfols Casamada trabaja con estos fragmentos de realidad, de vida, en un proceso de desfiguración, jugando con las connotaciones, los valores plásticos y la riqueza visual de las diferentes lecturas posibles, en un intento de fijar la fugacidad de la realidad. En 1950 obtuvo una beca para viajar a Francia, y se instaló en París hasta 1954. Allí conoció la pintura figurativa postcubista, así como la obra de Picasso, Matisse, Braque y Miró, entre otros. Estas influencias se unieron en su pintura a la del expresionismo abstracto americano, que se desarrollaba al mismo tiempo. Cuando finalmente regresó a Barcelona, emprendió su propio camino artístico, con un estilo caracterizado por la elegancia compositiva, basado en estructuras ortogonales combinadas con un cromatismo emotivo y luminoso. Tras mostrar una interesante relación, en los años sesenta y setenta, con el neodada y el nuevo realismo, su obra se ha centrado en valores puramente pictóricos: campos de color en expresiva armonía sobre los que destacan líneas gestuales de carboncillo. Ha recibido numerosos galardones, como el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en 1980, la Creu de Sant Jordi en 1982 y el Premio de las Artes de la CEOE en 1991. En 1985 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y es miembro honorario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 2003 la Generalitat le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas de Cataluña, y en 2009, sólo dos meses antes de su muerte, el Grup 62 le rindió homenaje en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Su obra se encuentra en los museos más importantes del mundo: el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim y el MOMA de Nueva York, el Museum of Modern Art de Los Ángeles, el Museo Picasso de Francia, el Georges Pompidou de París y el British Museum y la Tate Gallery de Londres, entre muchos otros.

Schätzw. 14 000 - 16 000 EUR

Los 2 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "Danza del tiempo II", 1979. Bronce patinado verde. Ejemplar 44/350. Edición limitada a 350+35 E.A. Base de mármol. Firmado en la parte inferior izquierda de la peana y numerado en el anverso de la misma. Con sello de fundición en la parte delantera de la base. Se adjunta copia del certificado de autenticidad. Medidas: 30,5 x 24 x 24 cm (figura); 2,5 x 24,5 x 25 cm (base de mármol). El motivo del reloj fundido ha sido probablemente el más elogiado de los objetos surrealistas de Dalí. En el cuadro "La persistencia de la memoria" (1931), los relojes blandos se desprendían de sus soportes y se deslizaban por un terreno árido de cadencias metafísicas. El reloj escultórico que se muestra aquí fue concebido por Dalí cuarenta años más tarde. Los detalles de bronce patinado verde y bronce dorado parecen fundirse como una gema líquida, sugiriéndonos que el tiempo lineal y objetivo no existe, sino que es maleable y subjetivo, lúdico y elástico como este reloj cuya esfera y números arábigos se alargan y distorsionan por efecto de la gravedad. Dalí, gran lector de Freud, apoyó el concepto freudiano de la "elasticidad del tiempo psíquico" (el de la memoria y los sueños) y consiguió darle una forma visual única. También hay que señalar que las obras de Dalí con relojes fundidos contienen una crítica subyacente a la rigidez del tiempo en la sociedad moderna, donde la gente suele estar dominada por el reloj y el concepto de tiempo lineal. Durante sus primeros años, Dalí descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramon Pichot, un artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí comienza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se aloja en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales en 1926, fue expulsado por alegar que allí no había nadie apto para examinarlo. Ese mismo año, Dalí viaja por primera vez a París. Allí conoce a Picasso, y establece algunas características formales que se convertirán en distintivas de toda su obra a partir de entonces. Su lenguaje absorbió las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico hasta las vanguardias más rompedoras. En esa época, el pintor se dejó un llamativo bigote imitando el de Velázquez, que se convertiría en su marca personal durante el resto de su vida. En 1929, Dalí colabora con Luis Buñuel en la realización de "Un perro andaluz", que muestra escenas del imaginario surrealista. En agosto de ese mismo año conoce a su musa y futura esposa Gala. Durante este periodo, Dalí expone regularmente en Barcelona y París, y se une al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. Su obra influyó enormemente en la dirección del surrealismo durante los dos años siguientes, y fue aclamado como el creador del método paranoico-crítico, del que se decía que ayudaba a acceder al subconsciente liberando energías artísticas creativas. El pintor aterrizó en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A raíz de su primera exposición individual en Nueva York, se consolidó definitivamente su proyección internacional, y desde entonces expone y da conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Schätzw. 15 000 - 18 000 EUR

Los 3 - DENNIS OPPENHEIM (Washington, 1938 - Nueva York, 2011). Sin título, 1987. Técnica mixta sobre papel. Firmado y fechado a la derecha. Medidas: 96 x 126 cm; 100 x 130 cm (marco). Dennis Oppenheim fue un artista gráfico y escultor estadounidense. Oppenheim nació en el estado de Washington en 1938 y se formó en la California School of Arts and Crafts. En 1966 se trasladó a Nueva York, donde vivió y trabajó hasta su muerte, a los 72 años. Tras entrar en contacto con las generaciones de artistas más importantes del siglo XX, se convirtió en uno de los precursores del arte conceptual, siendo pionero como artista de performances. Su reconocimiento público llegó a finales de la década de 1960 como representante, junto con otros artistas, del movimiento Land Art. Fue uno de los artistas contemporáneos más destacados de la escena internacional. La obra de Oppenheim está presente en más de 70 grandes museos, colecciones y espacios públicos de todo el mundo. En España, sus obras pudieron verse en el Museo Reina Sofía de Madrid en 2005 y también a través de una retrospectiva organizada por el Museo-Fundación Cristóbal Gabarrón de Valladolid en 2004, que posteriormente viajó al Círculo de Bellas Artes de Madrid y otras ciudades. También tiene obra pública permanente en tres localidades españolas: Escenografía para una película, instalada en el Paseo de Zorrilla de Valladolid en 1998, Jardín de Cristal, inaugurada en el municipio madrileño de Navalcarnero en febrero de 2007 y Aparato para desarraigar el mal, instalada en la ciudad de Palma de Mallorca en 1997 y que es una réplica de la realizada en 1966 en Venecia por el mismo autor. La obra de Oppenheim está presente en importantes museos, colecciones y espacios públicos de todo el mundo.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 4 - "LOLÓ SOLDEVILLA"; Dolores Soldevilla Nieto (Pinar del Río, Cuba 1901-La Habana, 1971). Sin título, 1956. Técnica mixta sobre lienzo. Firmado y fechado al dorso. Procedencia: Galería de las Misiones, Montevideo. Medidas: 40 x 56 cm; 45 x 54 cm (marco). En esta obra se aprecia la influencia de la Abstracción Geométrica y el cinetismo de la vanguardia europea, tratados desde una perspectiva donde los elementos mínimos se articulan en un diálogo dinámico, en el que círculos, triángulos inclinados y bandas diagonales funcionan como un alfabeto demiúrgico. Se busca la tensión entre la armonía y el desequilibrio, lo estable y lo móvil. Loló Soldevilla está considerada una de las figuras más relevantes de la Abstracción Geométrica y el Cinetismo, tanto por sus logros a lo largo de su carrera como por sus esfuerzos por promover el arte cubano dentro y fuera de las fronteras de su país. Siempre mostró una implicación política a través de su arte, tanto en su país como en el extranjero, participando activamente en las campañas de ayuda a la República Española tras el estallido de la Guerra Civil. Su carrera artística siempre destacó por la experimentación, no sólo estilística sino también técnica, creando obras en diferentes soportes como la escultura, el grabado y el dibujo. Su carrera artística comenzó en 1948, influenciado por su amistad con Wifredo Lam, quien le animó y apoyó en sus inicios en el mundo de la pintura. En 1949 se instala en París, donde estudia en la Academia de la Grande Chaumière, realizando frecuentes viajes y exposiciones en Cuba para mostrar su obra. En 1951 ingresó en el taller de Dewasne y Pillet, donde permaneció dos años, y asistió a un curso sobre técnicas de grabado impartido por Hayter y Cochet, manteniendo y promoviendo intercambios creativos con la Escuela de París. Vinculada al Movimiento 26 de Julio, se vio obligada a llevar una vida clandestina, ya que durante el periodo prerrevolucionario colaboró en Diario de la Marina, Carteles, Información, El País, Avance, Porvenir, Tiempo en Cuba y Survey, así como en las publicaciones parisinas Combat y Arts. Tras el triunfo revolucionario de 1959 se incorporó como redactora al periódico Revolución y durante el curso 1960-61 se estableció como profesora de artes plásticas en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de La Habana. A partir de ese momento Dolores Soldevilla compaginó su carrera artística con su labor docente en la Escuela de Arquitectura de la Universidad y en el periódico Granma. Gracias a sus planteamientos estéticos surgió el Grupo Espacio y formó parte del grupo Diez Pintores Concretos; fue miembro de la UPEC y de la UNEAC y colaboró en Bohemia. A lo largo de su vida su obra fue expuesta en relevantes espacios artísticos como el Palacio de Bellas Artes de Cuba, en Caracas (Venezuela), París, en Valencia, Valladolid (España), Checoslovaquia, etc, logrando un gran reconocimiento de su obra a nivel mundial. En la actualidad su obra se conserva en numerosas colecciones privadas de todo el mundo y en instituciones como el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba (donde se conserva la colección principal).

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 5 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Feuille et pochoir". 1970. Técnica mixta sobre papel adherido a lienzo. Firmado y fechado en el margen inferior. Presenta etiqueta en el reverso de la Sala Gaspar y la Sala Pelaires. Medidas: 76 x 53 cm; 106 x 84,5 cm (marco). El título de esta obra, "hoja y estarcido", sugiere la idea de experimentación formal y palimpsesto con el uso de estarcidos recortados y hojas de papel, técnica que Clavé utilizaba, tanto en el grabado como en la pintura, para crear obras con una gran riqueza de texturas. El manejo de la luz y la sombra es uno de sus logros, haciendo emerger siluetas negras mediante la superposición de capas. Asimismo, la abstracción lírica y geométrica se entrelazan en la superficie, creando sensaciones ambiguas sobre un fondo azul marino. Antoni Clavé es una de las figuras más relevantes del arte contemporáneo español. Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Jordi de Barcelona, Clavé se dedicó inicialmente a la gráfica publicitaria, la ilustración y las artes decorativas. En 1936 participa activamente en la Guerra Civil, en las filas republicanas, lo que le lleva a exiliarse en Francia al finalizar la contienda. Ese mismo año, 1939, expone los dibujos que realizó en los campos de batalla. Se instala en París, donde conoce a Vuillard, Bonnard y Picasso. Ya gozaba de gran prestigio internacional cuando empezó a ser reconocido en España, tras su exposición en la Galería Gaspar de Barcelona en 1956. Al mismo tiempo, realizó ilustraciones para la obra "Gargantúa y Pantagruel", que le llevaron a familiarizarse con la iconografía medieval. En esta misma década de los cincuenta es cuando comienza su intensa labor en el mundo del ballet y del teatro, alcanzando gran fama en el mundo de la escenografía internacional. En 1952 realizó los decorados de la película "Hans Christian Andersen", de Charles Vidor, y fue nominado a un premio Oscar. En 1954 abandonó la escenografía para dedicarse a la pintura. Fue premiado en el Hallimark de Nueva York en 1948, en la Bienal de Venecia en 1954 y en la Bienal Internacional de Tokio en 1957. En 1984 el Estado español reconoció su valor artístico con la exposición de más de cien de sus obras en el pabellón español de la Bienal de Venecia. Ese mismo año recibió la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya. La obra de Clavé se encuentra, entre otros muchos, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, la Tate Gallery, el Museo de Arte Moderno de París, el British Museum de Londres, el Museo de Arte Moderno de Tokio y el Museo Reina Sofía de Madrid.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 6 - CARLOS MATA (Palma de Mallorca, 1949 - Barcelona, 2008). "Caballo S/T", 1997. Hierro fundido. Pieza única. Se adjunta certificado expedido por Margarita Yarmats, última compañera sentimental del escultor. Firmado en la base. Medidas: 33 x 30 x 13,5 cm. El tema equino fue predominante en la singular obra de Carlos Mata. Las formas básicas a las que se subsume esta escultura (hay que señalar que se trata de una obra única, sin otros ejemplares) hunden sus raíces en las antiguas civilizaciones mediterráneas, en la cuna de nuestra cultura. El hierro, en sus manos, está dotado de una pátina extemporánea, arcaica y vanguardista al mismo tiempo. En sus esculturas, Mata siempre fue fiel a esta reducción de los objetos a su esencia y de las siluetas a líneas puras. Es precisamente esta pureza la que hace brillar aún más la calidez de la textura del hierro, que compite en protagonismo con la propia forma de la pieza. Mata optó por el bronce o el hierro para reflejar la calidez del trabajo manual, con sus superficies áridas e irregulares, rugosas, que invitan al tacto, y también con sus hendiduras fluidas, suaves y redondeadas. Escultor, pintor y grabador, Carlos Mata estudió Bellas Artes en Barcelona y París, ciudades entre las que ha compartido su residencia desde sus años de formación. Realizó su primera exposición individual en la galería Canalls de Sant Cugat del Vallés en 1976, a la que siguieron otras en Barcelona, Francia y Alemania. Entre sus exposiciones más recientes se encuentran las celebradas en la galería Kreisler de Madrid, Casal Soleric de Palma y Can Marc de Girona. Sus esculturas en hierro fundido sin pulir aprovechan sus cualidades austeras y toscas en estilizaciones figurativas de cierto primitivismo y evocación arqueológica, tomando generalmente como tema animales, como toros o caballos. La misma intención esquemática se aprecia en su pintura, de tipo neofigurativo, planista, con una gama cromática contenida y reducida. En 2008, como homenaje póstumo, se celebró una importante antológica de su obra en el Haras du Pin, en Normandía (Francia). Se trataba de una retrospectiva compuesta por 35 caballos de bronce, además de su colección de joyas.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 7 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Los hijos de Freud" 2002. Técnica mixta sobre papel. Firmado y fechado en la esquina inferior izquierda. Procedencia: -galerie Alice Pauli (Lausana) - Christie's. Medidas: 58 x 41 cm; 66 x 50 cm (marco). "Los niños de Freud" fue el título bajo cuyo paraguas Jaume Plensa situó varias obras (una escultura y dibujos) en las que alude metafórica y alegóricamente a la psique infantil en relación con el psicoanálisis, el trauma, la introspección y la cultura. A través de la fragmentación corporal y de conceptos que evocan la complejidad y fragilidad de la mente humana, Plensa explora de forma sutil y poco evidente la naturaleza del subconsciente y su relación con el desarrollo del lenguaje. Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en el Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambos en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó gradualmente, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés, o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Los 8 - FORD BECKMAN (Columbus, 1952-Tulsa, 2014). "Pintura mural negra", 1990-1991. Acrílico, esmalte, cera y barniz industrial sobre lienzo. Exposiciones: 2009 (26 marzo-17 mayo), "Vida privada. Representaciones de la tragedia y la banalidad contemporáneas", MUBAG, Alicante. Bibliografía: "La vida Privada. Representaciones de la tragedia y la banalidad contemporáneas", Ed. MUBAG, Alicante 2009, p. 83. Medidas: 200 x 205 cm. Lo primero que viene a la mente al contemplar este cuadro es el "Cuadrado negro sobre blanco" de Malevich. Malevich creía que el arte no debía imitar el mundo real, sino crear su propia realidad. El cuadrado negro se ha leído de infinitas maneras a lo largo de la historia del arte: como idea de infinito, como nada o vacío en el sentido oriental, como energía pura o como imposibilidad de representación. Ford Beckman retoma la reflexión sobre la naturaleza del arte y los límites de la representación, pero introduce un giro particular. En "Black wall painting", la experimentación técnica se manifiesta en la inusual combinación de materiales (acrílico, esmalte, cera y barniz industrial), dando como resultado una obra que, aunque dialoga con la tradición suprematista y sus derivados (pintura de bordes duros, abstracción geométrica), no busca disimular la pincelada ni ocultar la huella humana, sino que, por el contrario, subraya la importancia del soporte y confiere a los goteos e imperfecciones una pátina estética. Habiéndose formado inicialmente en el campo de la publicidad y la moda, Ford Beckman desarrolló una obra pictórica libre de los preceptos preestablecidos de lo que se supone que debe ser la práctica artística contemporánea. Esto le permitió explorar la abstracción con total libertad, pero también adentrarse en la exploración de una figuración poco convencional. Ford Beckman fue un diseñador de moda de éxito en Nueva York en la década de 1980 antes de dedicarse por completo a las bellas artes en la década de 1990, especialmente a la pintura. A finales de los 80, Beckman se instaló en un estudio de Manhattan y celebró su primera exposición individual en Nueva York en 1988. En 1992, Beckman inauguró su primera exposición individual en Europa, en la Galería Hans Mayer de Düsseldorf. Las obras de Ford Beckman fueron adquiridas en Europa por el coleccionista Giuseppe Panza y la Colección Essl, entre otros. Beckman era amigo de Cy Twombly. Su carrera fue fulgurante. Beckman se trasladó a Tulsa, Oklahoma, donde murió a los 62 años. Exposiciones individuales (selección): 1990: Galería Tony Shafrazi, Nueva York; 1992: Galería Hans Mayer, Düsseldorf; 1996: Kestnergesellschaft, Hannover.

Schätzw. 12 000 - 15 000 EUR

Los 9 - ANDRÉS NAGEL (San Sebastián, 1947). "Pita". Collage y técnica mixta sobre papel con lámina metálica troquelada. Firmado en la esquina superior derecha. Medidas: 46 x 63 cm; 53 x 71,5 cm (marco). Nagel terminó la carrera de Arquitectura en 1972, ese mismo año comenzó a investigar sobre técnicas de grabado y conoció a Chillida, que sería clave en su carrera. A mediados de los 70 Nagel inicia una gran actividad expositiva, tanto en muestras colectivas como individuales: Madrid, Barcelona, Bilbao, Pamplona... En 1976 participó en la exposición "New Spanish Painting" (Nueva York) y dos años más tarde en una muestra homenaje a Joan Miró en Palma. En 1980, sus obras fueron incluidas en varias exposiciones colectivas en Estados Unidos (Austin, Tallahassee y Cleveland) y también participó en la Bienal de Fredrikstad (Noruega). A partir de los años 80 aumentó su presencia en exposiciones internacionales. En 1982 participa en la "II Trienal de Dibujo" de Nuremberg, en 1983 en la "Bienal de Arte Gráfico" de Varna (Bulgaria), y en 1984 participa en exposiciones colectivas en Dortmund, Bonn y Basilea. En 1985 es incluido en una selección de obras del Museo Español de Arte Contemporáneo (antecesor del Museo Reina Sofía) expuesta en la Fundación Gulbenkian de Lisboa. En 1986 es invitado por el gobierno iraquí al "Baghdag International Festival of Arts" junto con Manolo Valdés y otros artistas españoles. En 1987 Nagel colocó una gran escultura de acero en una plaza de Barcelona, y acudió a la feria Fiac de París con un stand exclusivo (galería Gamarra y Garrigues). Al año siguiente, el Museo de Bellas Artes de Bilbao dedicó una antología a su obra gráfica, de la que se publicó un catálogo razonado. En 1989 el artista inició una colaboración de más de diez años con la Tasende Gallery de La Jolla (California), con la que asistió a ferias en Chicago y Los Ángeles e incluso expuso en el Meadows Museum de Dallas. En mayo de 2015, el fundador de esta galería, el estadounidense de origen bilbaíno José Tasende, donó 34 obras de Nagel al Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Schätzw. 1 600 - 2 000 EUR

Los 10 - ANDRÉS NAGEL (San Sebastián, 1947). "Pie". Técnica mixta sobre papel. Firmado en la esquina inferior derecha. Medidas: 60 x 48 cm; 76 x 64 cm (marco). Nagel terminó la carrera de Arquitectura en 1972, ese mismo año comenzó a investigar sobre técnicas de grabado y conoció a Chillida, que sería clave en su carrera. A mediados de los 70 Nagel inicia una gran actividad expositiva, tanto en muestras colectivas como individuales: Madrid, Barcelona, Bilbao, Pamplona... En 1976 participó en la exposición "New Spanish Painting" (Nueva York) y dos años más tarde en una muestra homenaje a Joan Miró en Palma. En 1980, sus obras fueron incluidas en varias exposiciones colectivas en Estados Unidos (Austin, Tallahassee y Cleveland) y también participó en la Bienal de Fredrikstad (Noruega). A partir de los años 80 aumentó su presencia en exposiciones internacionales. En 1982 participa en la "II Trienal de Dibujo" de Nuremberg, en 1983 en la "Bienal de Arte Gráfico" de Varna (Bulgaria), y en 1984 participa en exposiciones colectivas en Dortmund, Bonn y Basilea. En 1985 es incluido en una selección de obras del Museo Español de Arte Contemporáneo (antecesor del Museo Reina Sofía) expuesta en la Fundación Gulbenkian de Lisboa. En 1986 es invitado por el gobierno iraquí al "Baghdag International Festival of Arts" junto con Manolo Valdés y otros artistas españoles. En 1987 Nagel colocó una gran escultura de acero en una plaza de Barcelona, y acudió a la feria Fiac de París con un stand exclusivo (galería Gamarra y Garrigues). Al año siguiente, el Museo de Bellas Artes de Bilbao dedicó una antología a su obra gráfica, de la que se publicó un catálogo razonado. En 1989 el artista inició una colaboración de más de diez años con la Tasende Gallery de La Jolla (California), con la que asistió a ferias en Chicago y Los Ángeles e incluso expuso en el Meadows Museum de Dallas. En mayo de 2015, el fundador de esta galería, el estadounidense de origen bilbaíno José Tasende, donó 34 obras de Nagel al Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Los 11 - ANDRÉS NAGEL (San Sebastián, 1947). "Proyección cinematográfica". Técnica mixta sobre papel. Firmado en la esquina inferior derecha. Medidas: 37 x 102 cm; 47 x 112 cm (marco). Nagel terminó la carrera de Arquitectura en 1972, ese mismo año comenzó a investigar sobre técnicas de grabado y conoció a Chillida, que sería clave en su carrera. A mediados de los 70 Nagel inicia una gran actividad expositiva, tanto en muestras colectivas como individuales: Madrid, Barcelona, Bilbao, Pamplona... En 1976 participó en la exposición "New Spanish Painting" (Nueva York) y dos años más tarde en una muestra homenaje a Joan Miró en Palma. En 1980, sus obras fueron incluidas en varias exposiciones colectivas en Estados Unidos (Austin, Tallahassee y Cleveland) y también participó en la Bienal de Fredrikstad (Noruega). A partir de los años 80 aumentó su presencia en exposiciones internacionales. En 1982 participa en la "II Trienal de Dibujo" de Nuremberg, en 1983 en la "Bienal de Arte Gráfico" de Varna (Bulgaria), y en 1984 participa en exposiciones colectivas en Dortmund, Bonn y Basilea. En 1985 es incluido en una selección de obras del Museo Español de Arte Contemporáneo (antecesor del Museo Reina Sofía) expuesta en la Fundación Gulbenkian de Lisboa. En 1986 es invitado por el gobierno iraquí al "Baghdag International Festival of Arts" junto con Manolo Valdés y otros artistas españoles. En 1987 Nagel colocó una gran escultura de acero en una plaza de Barcelona, y acudió a la feria Fiac de París con un stand exclusivo (galería Gamarra y Garrigues). Al año siguiente, el Museo de Bellas Artes de Bilbao dedicó una antología a su obra gráfica, de la que se publicó un catálogo razonado. En 1989 el artista inició una colaboración de más de diez años con la Tasende Gallery de La Jolla (California), con la que asistió a ferias en Chicago y Los Ángeles e incluso expuso en el Meadows Museum de Dallas. En mayo de 2015, el fundador de esta galería, el estadounidense de origen bilbaíno José Tasende, donó 34 obras de Nagel al Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 12 - JAVIER TERCERO (Valdepeñas, Ciudad Real, 1970). Sin título. Serie Universos Cíclicos V, 2022. Acrílico y aerosol sobre lienzo. Adjunto catálogo del autor. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 181 x 120 cm. Javier Tercero, Valdepeñas estudió Diseño Técnico y Artes Plásticas, especialidad "Fotografía Artística", en la EASDAL de Tomelloso (C. Real). Ha realizado exposiciones individuales en: Centro Cultural "Cecilio Muñoz Fillol", Museo Municipal y Centro de Exposiciones La Confianza de Valdepeñas; Sala de Exposiciones-Primavera-Casa del Reloj, Madrid; Centro de las Artes, Alcorcón (Madrid); IES Ramón Giraldo de Villanueva de los Infantes y EASDAL Antonio López, Tomelloso. También ha participado en otras obras colectivas, de las que destacamos: IX Certamen Nacional Gregorio Prieto, Valdepeñas y Museo de la ciudad de Madrid; X Certamen de Artes Plásticas Ángel Andrade de Ciudad Real; LXII Exposición Nacional de Artes Plásticas de Valdepeñas; VI Certamen Arte y Energía Unión Fenosa; IX Certamen Nacional Vela Zanetti (Burgos); Galería Paloma Sanz (Madrid); Certamen Internacional de Fotografía PHOCO; Premio de Pintura Jesús Bárcenas Museo Municipal de Valdepeñas y López Villaseñor de Ciudad Real. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones de gran relevancia artística entre las que destacan la colección de la Junta de Comunidades de Castilla la Mancha, la Colección del Instituto Fernando Zóbel. Cuenca, la Diputación Provincial de Ciudad Real, el Ayuntamiento de Manzanares, la Colección de Arte Contemporáneo de UNION FENOSA. Museo de Pintura Hispanoamericana de Palacio de Losada y el Ayuntamiento de Torrelavega, Cantabria. Entre otras muchas colecciones. Se adjunta el catálogo del autor.

Schätzw. 4 000 - 4 500 EUR

Los 13 - JOSÉ LUIS ALEXANCO (Madrid, 1942-2021). "Boscuman", 1991. Acrílico sobre lienzo de algodón. Firmado y fechado en el reverso. Titulado y fechado en el bastidor. Medidas: 150 x 150 cm; 154 x 154 cm (marco). Alexanco estudia dibujo y grabado con Manuel Castro Gil en la Casa de la Moneda, en Madrid, y en 1960 ingresa en la Escuela de Bellas Artes. Entre 1968 y 1974 colabora con otros artistas en el Centro de Cálculo de la Universidad, donde trabaja en programas de generación escultórica, en colaboración con la empresa americana IBM. Durante este periodo conoció al matemático José Barbera, y juntos desarrollaron el software MOUVNT, diseñado para generar formas automáticas que posteriormente se materializarían en esculturas antropomórficas. En 1970, junto con Luis de Pablo, creó el espectáculo plástico acústico "Soledad Interrumpida", formado en Buenos Aires. En los años siguientes seguiría trabajando con el mismo autor en diversos proyectos, entre ellos la organización de los Encuentros de Pamplona de 1972. En 1978 diseñó la edición príncipe de la Constitución Española para la Editora Nacional, y en 1998 presentó una importante exposición retrospectiva en el Centre d'Art Santa Mònica de Barcelona (posteriormente en el Círculo de Bellas Artes de Madrid). Referente de la pintura tardofranquista e innovador tecnológico, su obra forma parte de colecciones como las del Victoria & Albert Museum de Londres, The Chase Manhattan Bank de Nueva York, MNCARS, Madrid; MACBA, Barcelona o la Fundación Juan March.

Schätzw. 3 500 - 3 700 EUR

Los 14 - JOSEP BARTOLÍ (Barcelona, 1910-Nueva York, 1995). "Abstracto", hacia 1946. Óleo sobre tabla. Firmado en el margen inferior. Procedencia: Irena Urdang de Tours (marchante de arte y superviviente del Holocausto). Medidas: 14 x 9,5 cm; 26,5 x 22 cm (marco). Todas las tramas de la vida de Josep Bartolí podrían haberse extraído de una apasionante novela. Sus dibujos de denuncia se harían eco de su paso por los campos de concentración, de cuya muerte acabó escapando saltando de un tren. Pero también experimentó con la abstracción, especialmente durante su estancia en Nueva York y México. Este cuadro ("Abstracto") probablemente fue realizado en Nueva York en 1946, año en que conoció a Frida Kalho y se enamoraron, como demuestran las cartas de amor que se escribieron (se conservan 25 apasionadas cartas de Fridha). La pintora mexicana se encontraba en la ciudad estadounidense recuperándose de una operación de columna. Más tarde, continuaron su romance en México. Estilísticamente, "Abstracción" se acerca a los postulados del expresionismo abstracto, ya que el artista frecuentaba el círculo de Pollock y Rothko en aquellos años. Pintor, dibujante y escenógrafo. Discípulo de Salvador Alarma y Tastàs, colaboró con diversas publicaciones (La Humanidad, La Opinión, La Esquella de la Torratxa...) como caricaturista político. Muy joven empezó a trabajar como caricaturista en prensa y se implicó en el sindicalismo de la Barcelona de la época. Entre 1933 y 1934 presentó una exposición de dibujos en Barcelona que tuvo mucho éxito. Fue uno de los organizadores del Sindicato de Dibujantes de Cataluña y de la UGT. dirigente en 1936. Hacia el final de la Guerra Civil española se exilia en Francia. Detenido por la Gestapo, fue enviado al campo de Dachau, pero en el camino escapó saltando del tren y, tras un largo viaje, llegó a México. Allí reanudó su actividad pictórica, entró en contacto con el entorno de Diego Rivera y Frida Kahlo, de los que fue amante, y participó en la fundación de la galería Prisse. En Estados Unidos fue el primer dibujante de la revista Hollyday, destacando como uno de los más cotizados de la época, realizó decorados para películas históricas en Hollywood y formó parte del grupo 10th Street, junto a Willem de Kooning, Kline, Pollock y Rothko. En 1973 recibió el Premio Mark Rothko de Bellas Artes.3 Entre sus libros ilustrados destacan Caliban (1971), The black man in America (1975) y Campos de concentración (México, 1943; Madrid, España, 2006). Este último título, basado en textos del periodista catalán Molins i Fábrega, recoge su extensa serie documental de dibujos a pluma sobre su experiencia en los campos de concentración.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 15 - MODEST CUIXART I TÀPIES (Barcelona, 1925 - Palafrugell, Girona, 2007). "Secrot", 1992. Acrílico y tela sobre lienzo. Obra reproducida a toda página en "Modest cuixart, Cirugía humana", Museo de Arte de Girona, 2006, p. 83. Firmada, fechada y titulada al dorso. Medidas: 92 x 73 cm; 95 x 76 cm (marco). Obra reproducida a toda página en "Modest cuixart, Cirugía Humana", Museo de Arte de Girona, 2006, p. 83. La elección de destacar esta obra en el catálogo fue del artista. Los colores oscuros generan una atmósfera densa e intrigante. Sin embargo, Cuixart equilibra tanto el concepto como la composición a través de varios puntos de color con los que consigue captar completamente la atención del espectador, centrándola y dirigiéndola a través del elemento geométrico. Estableciendo un viaje visual que recorre toda la superficie pictórica. Como señala la Fundación Modest Cuixart "La última etapa corresponde a los años 90 y se caracteriza por una vuelta a la sobriedad de sus mejores tiempos a través de una introspección en la naturaleza subterránea y atávica que demuestra una gran madurez, técnica y conceptual". En este caso concreto, la presencia de la figura humana indica esos primeros momentos de transición entre dos etapas artísticas. Cuixart estudió inicialmente medicina, pero pronto abandonó sus estudios para dedicarse a la pintura, e ingresó en la Academia Libre de Pintura de Barcelona. En 1948 participó en la fundación del grupo Dau al Set, junto con Brossa, Ponç, Tàpies y Tharrats, entre otros. Preocupado por el valor plástico del signo, su obra tiene desde el principio un fuerte parentesco con el surrealismo, así como una gran sensibilidad hacia el poder expresivo del color. Hacia 1955 se sumerge en el informalismo matérico, que le lleva a utilizar el "grattage" en obras de cierto sabor orientalista. En 1959 gana el primer premio de la Bienal de São Paulo y expone en la Documenta de Kassel, y al año siguiente participa en una exposición de obras de la vanguardia española en la Tate Gallery de Londres y en el Museo Guggenheim de Nueva York. Cuixart introduce el collage en su obra en 1962, lo que le conducirá paulatinamente hacia el pop-art. Enriquecido por todas estas experiencias, vuelve de nuevo a la pintura plana, alcanzando un realismo crítico muy personal, que sintetiza el expresionismo con la figuración dramáticamente transformada, valorando siempre las cualidades cromáticas. En los años setenta expone en numerosas capitales nacionales e internacionales, como París, Madrid, São Paulo, Amsterdam, Tokio, Basilea, Barcelona y Milán, entre otras. En la década siguiente, Cuixart libera gradualmente su pintura de los aspectos agresivos para dotarla de un tono más lírico. Además, participa en una exposición colectiva en el Palacio de la UNESCO de París, recibe la Cruz de San Jorge de la Generalitat de Cataluña y la Cruz de Isabel la Católica. En 1988, realiza una exposición antológica en Japón, en las ciudades de Kobe y Tokio. Continúa trabajando con colores y formas exuberantes, y reincorpora a su obra una figuración más matérica. En 1998 se creó en Palafrugell la fundación que lleva su nombre, y al año siguiente le fue concedida la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes por el Ministerio de Cultura. Está representado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Tate Gallery de Londres, el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Barcelona y Saint-Etienne (Francia), el Patio Herreriano de Valladolid, el Museo de Grabado Español Contemporáneo de Marbella, el Museo de Arte de la Universidad de São Paulo, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y el Museo del Ampurdán, entre muchos otros. Obra reproducida a toda página en "Modest cuixart, Cirugía Humana", Museo de Arte de Girona, 2006, p. 83.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 16 - LIU RUOWANG (China, 1977). "Pecado original (pequeño)". Cerámica. Firmado y fechado en la base. Medidas: 36 x 13,5 x 12 cm. Liu Ruowang es un joven artista que creció tras la reforma de China. Se trasladó a la capital provincial desde un pequeño y pobre pueblo de montaña del oeste de China para comenzar su educación, y más tarde a la capital del país. En 1996 ingresó en la carrera de Diseño de Moda de la Universidad Politécnica de Xi'an; más tarde, en 1998, abandonó los estudios para dedicarse a la pintura. Llegó a Pekín en 1999, donde asistió al curso de posgrado como ayudante de profesor en la Academia Central de Bellas Artes de 2002 a 2005. En 2005, su obra The East is Red participó en la exposición Light of the Academy de obras de arte excelentes, organizada por la CAFA, y fue premiada. La obra de Liu Ruowang consta de series escultóricas, como Original Sin, Wolves Coming, Heaven Soldier, The People, Melody, Dodo, y series pictóricas, entre ellas Living Things. Desde 2005, sus obras han empezado a ser conocidas y apreciadas en todas las asociaciones artísticas chinas y en el extranjero. Se han expuesto en numerosas ciudades de todo el mundo, como Pekín, Shanghái, Singapur, Seúl, Queenstown, Venecia, Turín y Büdelsdorf (Alemania), donde ganó el premio NordArt en 2016. Ese mismo año recibió el Premio Clásico Cultural Internacional de Nápoles. En 2018 inauguró el Museo de Arte DoDo, situado en el noreste de Pekín, cuyo proyecto encargó al estudio: Unarchitecte, dirigido por Zhang Hetian. Su instalación "Wolves coming'' se expone en Nápoles, en la Piazza del Municipio, de noviembre de 2019 a junio de 2020, y después aterriza en Florencia, en la Piazza SS. Annunziata y Piazza Pitti.

Schätzw. 1 400 - 1 600 EUR

Los 17 - MATÍAS QUETGLAS BENEDET (Ciutadella, Menorca, 1946). "Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías-La cogida", 1992. Pastel sobre papel. Firmado y fechado en el ángulo superior derecho. Medidas: 30 x 40 cm; 48 x 58 cm (marco). Matías Quetglas realizó su primera exposición, en su ciudad natal, con tan sólo dieciocho años, y poco después marchó a Madrid para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde tuvo como profesor a Antonio López. Poco antes de terminar sus estudios fue contratado por la galería Juana Mordó de la misma ciudad, con la que colaboró durante quince años, y desde entonces ha expuesto su obra en España, Francia, Suecia, Alemania e Italia. Actualmente su obra está presente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Calcografía Nacional, la Fundación Lorenzana, la Biblioteca Nacional, el Consell Insular de Menorca, el Atheneumin Taidemuseum de Helsinki, el Museo Tiflológico de la ONCE, el d'Arte dello Splendore de Giulianova (Italia), la Casa Solleric, la Chase Manhattan Bank Collection y muchos otros, tanto públicos como privados.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 18 - MATÍAS QUETGLAS BENEDET (Ciutadella, Menorca, 1946). "El llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías-El llanto", 1992. Pastel sobre papel. Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo. Medidas: 30 x 40 cm; 48 x 58 cm (marco). Matías Quetglas realizó su primera exposición, en su ciudad natal, con tan sólo dieciocho años, y poco después marchó a Madrid para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde tuvo como profesor a Antonio López. Poco antes de terminar sus estudios fue contratado por la galería Juana Mordó de la misma ciudad, con la que colaboró durante quince años, y desde entonces ha expuesto su obra en España, Francia, Suecia, Alemania e Italia. Actualmente su obra está presente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Calcografía Nacional, la Fundación Lorenzana, la Biblioteca Nacional, el Consell Insular de Menorca, el Atheneumin Taidemuseum de Helsinki, el Museo Tiflológico de la ONCE, el d'Arte dello Splendore de Giulianova (Italia), la Casa Solleric, la Chase Manhattan Bank Collection y muchos otros, tanto públicos como privados.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 19 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). Sin título, 1987. Técnica mixta sobre papel. Firmado. Presenta desperfectos en el marco. Medidas: 45 x 45 cm; 87 x 87 cm (marco). Desde las primeras etapas de su carrera, Jaume Plensa mostró un interés incondicional por ahondar con su arte plástico en la condición humana. A lo largo de la década de los ochenta son frecuentes las representaciones esquemáticas de personajes como el que nos ocupa, descritos con muy pocos trazos pero capaces de transmitir emociones y una cierta idea de vulnerabilidad. En estas primeras obras, Plensa bebe lejanamente de fuentes expresionistas y cubistas. Sin embargo, Plensa ya destacaba con una personalidad muy marcada en retratos como éste, donde además del trazo, el soporte y sus texturas también contribuyen a despertar en nosotros empatía y emoción. Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en el Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambos en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomórficos. Su obra fue evolucionando, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés, o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 20 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Mi sexo privado", 1995. Técnica mixta sobre papel. Firmado y fechado. Tiene una rasgadura en la esquina inferior izquierda. Medidas: 59 x 51 cm. En los años noventa, la creación de Jaume Plensa cobró impulso en el uso de la palabra, de forma independiente (e incluso flotando en el vacío) o vinculada a un objeto escultórico. Además de poemas visuales escultóricos, creó series sobre servilletas dedicadas a la gastronomía o al erotismo. En esta obra, "Mi sexo privado" está escrito junto al dibujo esquemático de una vagina, resuelto de forma casi pictográfica. Plensa explora la relación entre caligrafía, identidad, memoria y el potencial plástico de las letras. Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en el Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambos en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra fue evolucionando, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés, o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 21 - ANTONIO LÓPEZ GARCÍA (Tomelloso, Ciudad Real, 1936). "Carmen recién nacida", 2012. Acero. Ejemplar 1/10. Adjunto certificado de autenticidad expedido por el autor. Tiene caja de madera y metacrilato con una pequeña rotura. Firmado y numerado. Medidas. 5,5 x 7,5 x 4,5 cm; 27 x 21 x 21 x 21 cm (caja). Esta pieza de acero de 2012 está basada en el modelo creado por Antonio López en 1999 en el que rendía homenaje a su nieta recién nacida. Carmen, el nombre de la pequeña, se convirtió en una constante en su obra, ya que su rostro le permitió esculpir los valores de la infancia, la suavidad de las formas y la inocencia reflejada en unos rasgos redondeados, pero amables y delicados. Esta pieza está estrechamente relacionada con la obra conocida como "Noche" o "Carmen dormida", que hace pareja con la escultura "Día" o "Carmen despierta", ambas situadas en la estación madrileña de Atocha. Pintor y escultor, Antonio López comenzó su formación artística en su tierra natal, donde recibió clases del maestro Antonio López Torres. Su facilidad artística, su talento y el apoyo de su tío le llevaron a iniciar sus estudios en Madrid, en la Academia de San Fernando. Para su ingreso, asiste por las tardes a los cursos de la Escuela de Artes y Oficios. Esta preparación le sirvió para ingresar en la Academia a los 14 años. Durante su época de estudiante entabló amistad con otros artistas de su generación como Enrique Gran, Amalia Avia y Lucio Muñoz, lo que se ha dado en llamar la Escuela de Madrid. En 1955, tras finalizar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes, marchó a Italia, donde viajó gracias a una beca. Al terminar sus estudios, en 1957, debutó individualmente en Madrid, en el Ateneo, con una exposición que había preparado en su Tomelloso natal. Un año después, gracias a un concurso convocado por la Fundación Rodríguez Acosta, viajó a Grecia con una beca. Tras su regreso a Madrid en la década de los sesenta, su presencia en galerías se reitera, gracias a los contactos generados a través de su exposición en la Galería Biosca. La obra de Antonio López generó gran interés en distintos puntos de Europa, Estados Unidos, China y Corea. En 1993 el Museo Reina Sofía de Madrid le dedicó una exposición antológica. Su obra se caracteriza por el uso de un lenguaje realista, mostrando un gran interés por el retrato, aunque también incluye temas como el paisaje. Es miembro de la Academia de San Fernando, y entre sus galardones destacan el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y el Premio Velázquez de Artes Plásticas. En 2008, el Museo de Bellas Artes de Boston le dedicó una exposición monográfica, al igual que el Thyssen-Bornemisza y el Museo de Bellas Artes de Bilbao en 2011. Está representado en el Museum of Fine Arts de Boston, el ARTIUM de Vitoria, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, la Fundación Juan March y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre otros.

Schätzw. 16 000 - 18 000 EUR

Los 22 - JORDI ALCARAZ I TARRADAS (Calella, Barcelona, 1963). "Bufador", 2007. Escultura de escayola y urna de metacrilato, copia H.C. Firmada y justificada. Tamaño: 36 x 17 x 17 cm. En "Bufador" Alcaraz convierte el vidrio en material moldeable: modifica este material a altas temperaturas y nos hace creer que ha sido deformado por el soplado de la cabeza escultórica en cautiverio. Jordi Alcaraz comenzó su carrera artística en el campo de la escultura y el grabado. Se graduó en el Taller de Músics de Barcelona y es un gran aficionado a las artes plásticas. Es autodidacta en pintura, escritura y fotografía. En 2010 inició su proyecto @ para4gatos (en redes sociales), basado en la fotografía, editando exclusivamente con aplicaciones de dispositivos móviles. Durante este periodo ha realizado alrededor de 2000 metáforas visuales, y contando. Con un tono irónico, invita al espectador a la observación y a la reflexión, a descubrir la poesía que esconden los objetos más comunes, sometiéndolos a ligeras transformaciones y alterando su función, contexto y usos habituales. Durante este periodo ha realizado encargos para grandes marcas como Schwarzkopf Professional, Harley Davidson y El Terrat de Producciones. Su obra ha sido expuesta en galerías de Pamplona, Lisboa, Bilbao y Barcelona. Su formación musical le ha llevado a trabajar para diferentes grupos de la escena musical barcelonesa como Zulu 9:30, Pablo Selnik Cuarteto, Eufuria, Sexteto Guardiola, etc .... Actualmente colabora con "El Periódico de Cataluña" realizando diferentes fotografías, siempre con un tono poético, sobre la actualidad nacional. Mayka Navarro, periodista barcelonesa de larga trayectoria, definió muy acertadamente su trabajo: "Cada imagen de este fotógrafo virtual barcelonés es un certero puñetazo a los sentidos. Jordi Alcaraz reconvierte la realidad en mensajes comprometidos que cobran vida y nos conmueven. Objetos cotidianos se transforman en animadas cápsulas de información que concentran tanta intensidad que a veces parece que están vivos y que van a salir corriendo en cualquier momento. Desde sus inicios, a lo largo de estos veinticinco años de actividad, ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en España, Bélgica, Alemania, Italia, Canadá y Suiza, y ha estado presente en algunas de las ferias más importantes del circuito internacional de arte contemporáneo (Arco, Art Basel, Art Frankfurt, Art Cologne, Art Chicago, Art Miami y Arte Lisboa, entre otras). Actualmente está representado en el Centre Cultural Contemporani Pelaires de Palma de Mallorca, así como en diversas colecciones privadas de todo el mundo.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 23 - ISMAEL GONZÁLEZ DE LA SERNA (Guadix, Granada, 1898 - París, 1968). "Aldea en la miseria", 1951. Temple y collage sobre madera. Firmado en la parte inferior derecha. Obra publicada en: "De la Serna", Cesáreo Rodríguez Aguilera, Núm. 277. Medidas: 105 x 80 cm; 125 x 100 cm (marco). Ismael González de la Serna inicia sus estudios artísticos en Granada y los concluye en Madrid, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En sus primeros años desarrolla un estilo pictórico ecléctico, que bebe de fuentes impresionistas, simbolistas y modernistas. Uno de los primeros ejemplos de su lenguaje juvenil lo encontramos en las ilustraciones que realizó para su amigo de la infancia Federico García Lorca, en el que sería su primer libro, "Impresiones y paisajes" (1918). Ese mismo año, Ismael de la Serna celebra su primera exposición en Granada, y poco después presenta sus obras en el Ateneo de Madrid. En 1921 se traslada a París para ampliar sus horizontes artísticos, integrándose en los círculos de la Escuela de París. Entre sus amigos parisinos se encontraba Pablo Picasso, que influyó en su obra pero fue, sobre todo, el protector del pintor granadino. El estilo de De la Serna fue, en este periodo, permeable a las influencias de las vanguardias, principalmente el cubismo y el expresionismo, que trabajó de forma muy personal. Asimismo, la influencia inicial del impresionismo siempre fue evidente en su obra. El año 1927 marcó el inicio de un periodo de fuerte proyección de su obra, que comenzó con la exposición individual que el pintor celebró en la influyente galería parisina de Paul Guillaume. A esta exposición siguieron otras muchas, tanto en París como en Berlín, Bruselas, Copenhague, Granada y México. En 1928 recibió el encargo del director de "Cahiers d'Art", Christian Zervos, de ilustrar una edición especial de veinte sonetos de Góngora. La clave de su reconocimiento hay que buscarla en su lectura sensual de las formas del cubismo, basada en la pertinencia de un dibujo de líneas sinuosas y muy decorativas, combinadas con fuertes improntas cromáticas. Con un marcado sentido espacial y sin abandonar nunca la figuración, De la Serna representó principalmente bodegones, en los que acentuó el lado sensorial de su pintura con referencias sensoriales metafóricas, como la música, la fruta o las ventanas abiertas. También trabajó paisajes y retratos. Tras inaugurar con una exposición individual las actividades de la Asociación de Artistas Ibéricos de Madrid en 1932, el pintor emprendió nuevos caminos de experimentación plástica que desembocarían, tras la Segunda Guerra Mundial, en una pintura más esquemática y simplificada, cercana a las soluciones abstractas contemporáneas. Ismael de la Serna está representado en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Museo Reina Sofía de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Granada y Sevilla, el ARTIUM, etc.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 24 - MAN RAY (Filadelfia, EE.UU., 1890 - París, 1976). "Máscara", 1971. Relieve en bronce. Edición de 90 ejemplares. Firmado en la esquina inferior izquierda. Medidas: 17,5 x 13 cm; 42 x 37 x 4 cm. Como artista polifacético que fue, Man Ray incursionó en todo tipo de técnicas y lenguajes. En este relieve de bronce realizado hacia el final de su vida, nos ofrece una imagen onírica: el rostro de un hombre dormido acariciado por múltiples manos que, como ángeles, velan sus sueños. Artista visionario, maestro de la fotografía experimental, pintor, cineasta, poeta, ensayista, filósofo y líder del modernismo estadounidense, fue conocido por representar la vibrante escena cultural francesa desde su singular punto de vista. Man Ray comenzó a formarse en dibujo con Robert Henri en el Ferrer Center, al tiempo que acudía regularmente a la galería 291 de Alfred Stieglitz. Influido por las fotografías de Stieglitz, sus obras abarcaban temas inusuales de forma descarada. Sus habilidades artísticas le llevaron a experimentar en el ámbito de la obra plástica, trabajando en un estilo cubista, que derivó hacia una tendencia abstracta. Ray también experimentó con diversas técnicas en el proceso de ejecución y revelado fotográfico, como el llamado efecto Sabatier, o solarización, que proporciona un efecto plateado y fantasmal a la imagen, así como los rayogramas. Man Ray expuso su arte en galerías de Nueva York, Londres y París, entre otras ciudades. Sus innovadoras obras se encuentran en museos de todo el mundo, así como en colecciones privadas, y se le recuerda por su ingenio artístico y originalidad.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 25 - ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). Perteneciente a la carpeta "Aforismos", 1972. Serigrafía, ejemplar 38/45. Firmado y justificado a mano. Medidas: 70 x 50 cm; 83 x 61,5 cm (marco). De formación autodidacta, Antonio Saura comenzó a pintar y escribir en Madrid en 1947. Tres años más tarde realizó su primera exposición individual en la librería Libros de Zaragoza, mostrando una serie de obras experimentales ("Constelaciones" y "Rayogramas"), creadas durante la larga enfermedad que le mantuvo inmovilizado desde 1943, por un periodo de cinco años. En 1952 celebró su primera exposición en Madrid, en la librería Buchholz, donde expuso sus obras juveniles, oníricas y surrealistas. Ese mismo año visita por primera vez París, ciudad en la que se instala. Allí su obra se vio influida por artistas como Miró y Man Ray, y se dedicó a realizar pinturas sobre lienzo y papel de carácter orgánico, utilizando diversas técnicas. La ruptura con el grupo surrealista le permite abrirse a otras formas de creación, donde comienza a mostrarse la evolución que va experimentando su obra, que avanza hacia una pintura instantánea de trazo gestual y paleta reducida de carácter selectivo, donde el informalismo juega al despiste entre sugerentes expresiones de línea y color. Debuta en París en 1957, en la Galería Stadler, el mismo año en que funda el grupo El Paso. Al año siguiente participa en la Bienal de Venecia en compañía de Chillida y Tàpies, y en 1960 recibe el Premio Guggenheim en Nueva York. En 1963 se le dedican las primeras retrospectivas, en el Stedelijk Museum de Eindhoven, el Rotterdamsche Kunstring y en los museos de Buenos Aires y Río de Janeiro (obras sobre papel). Las exposiciones retrospectivas de Saura se repiten a lo largo de su carrera, tanto en España como en Europa y América. En 1966 expone en el Institute of Contemporary Arts de Londres, y participa en la Bienal de Grabado "Bianco e Nero" de Lugano, obteniendo el Gran Premio. Al año siguiente se instala en París, aunque trabaja y pasa todos los veranos en Cuenca, pilar fundamental de su producción desde sus primeros años. En 1968 abandonó la pintura al óleo para dedicarse exclusivamente a la obra sobre papel. En 1979 fue premiado en la Primera Bienal de Grabado de Heidelberg, en 1981 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y al año siguiente se le concedió la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Ha expuesto en todo el mundo y está representado en los museos de arte contemporáneo nacionales e internacionales más importantes, como la Neue Nationalgalierie de Berlín, el Guggenheim de Bilbao, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, el Guggenheim y el Metropolitan de Nueva York, el Centre Georges Pompidou de París y la Tate Gallery de Londres.

Schätzw. 1 600 - 2 000 EUR

Los 26 - IBRAHIM MIRANDA (Cuba, 1969). Sin título. Técnica mixta sobre mapa de Cuba. Firmado en la esquina inferior derecha. Medidas: 24,5 x 197 cm. Ibrahim Miranda comenzó su formación artística en la Escuela Elemental de Arte. Tras finalizar sus estudios en 1984 continuó su formación matriculándose en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de La Habana, donde se especializó en grabado. En 1988, al finalizar sus estudios, ingresa en el Instituto Superior de Arte (ISA) de La Habana. En 1987 realiza su primera exposición individual; Crónicas de Dylan. Galería de Arte San Luis. Pinar del Río, Cuba, con la que inició un gran número de exposiciones colectivas e individuales a nivel internacional. Su obra se encuentra actualmente en importantes colecciones de arte, como el Palacio de Bellas Artes de La Habana, el MoMA, la Fundación Bornemisza, el Museo Gravura, la Galería de Arte Nacional, la Casa de las Américas, la Biblioteca Nacional de Río de Janeiro, el Museo de Arte de Los Ángeles y la Universidad de Stanford, entre otras.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 27 - MODEST CUIXART I TÀPIES (Barcelona, 1925 - Palafrugell, Girona, 2007). Sin título, Madrid, 1970. Técnica mixta sobre papel. Firmado y fechado en la esquina superior izquierda. Certificado por el artista en el reverso. Tamaño: 36 x 50 cm; 52 x 63 cm (marco). Cuixart estudió inicialmente medicina, pero pronto abandonó sus estudios para dedicarse a la pintura e ingresó en la Academia Libre de Pintura de Barcelona. En 1948 participó en la fundación del grupo Dau al Set, junto con Brossa, Ponç, Tàpies y Tharrats, entre otros. Preocupado por el valor plástico del signo, su obra tiene desde el principio un fuerte parentesco con el surrealismo, así como una gran sensibilidad hacia la fuerza expresiva del color. Hacia 1955 se sumerge en el informalismo matérico. En 1959 ganó el primer premio de la Bienal de São Paulo y expuso en la Documenta de Kassel, y al año siguiente participó en una muestra de obras de la vanguardia española en la Tate Gallery de Londres y el Museo Guggenheim de Nueva York. En la década de 1970 expuso en numerosas capitales nacionales e internacionales, como París, Madrid, São Paulo, Amsterdam, Tokio, Basilea, Barcelona y Milán, entre otras. En la década siguiente, Cuixart fue liberando su pintura de los aspectos agresivos para dotarla de un tono más lírico. Participa en una exposición colectiva en el Palacio de la UNESCO de París, recibe la Cruz de San Jorge de la Generalitat de Cataluña y la Cruz de Isabel la Católica. En 1988 realiza una exposición antológica en Japón, en las ciudades de Kobe y Tokio. Continúa trabajando con colores y formas exuberantes, y reincorpora a su obra una figuración más matérica. En 1998 se creó en Palafrugell la fundación que lleva su nombre, y al año siguiente le fue concedida la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes por el Ministerio de Cultura. Está representado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Tate Gallery de Londres, el Museo Nacional de Arte de Cataluña, los Museos de Arte Contemporáneo de Madrid, Barcelona y Saint-Etienne (Francia), el Patio Herreriano de Valladolid, el Museo de Grabado Español Contemporáneo de Marbella, el Museo de Arte de la Universidad de São Paulo, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y el Museo del Ampurdán, entre otros muchos.

Schätzw. 2 000 - 2 400 EUR

Los 28 - RAY SMITH (Estados Unidos, 1959). "Modelo" 1988. Acuarela sobre papel Firmada y fechada en el margen inferior. Presenta etiqueta al dorso de la galería Joan Prats, Barcelona. Medidas: 60,5 x 77,5 cm; 75 x 92 cm (marco). Ray Smith desarrolló una obra plenamente personal, enraizada en el realismo mágico latinoamericano (vivió largas temporadas en México) y el surrealismo europeo. En la acuarela de los ochenta, ambas corrientes confluyen en una incisiva crítica sociopolítica de su país de origen, que lejos de ser literal, admite múltiples lecturas. Pintor y escultor estadounidense nacido en Brownsville (Texas) pero criado en México, Ray Smith comenzó su formación precisamente en este país, estudiando pintura al fresco con artesanos formados en la tradición local. Más tarde continuó sus estudios en academias de México y Estados Unidos, estableciéndose finalmente en Ciudad de México. Muy joven fue representado por el influyente marchante Gagosian, y más tarde expuso su obra con Sperone Westwater y Ramis Barquet en Nueva York. En las dos últimas décadas, Smith ha realizado más de cincuenta exposiciones en todo el mundo, principalmente en Estados Unidos y México, pero también en Japón, Europa y Sudamérica. En 1989 participó en la Bienal del Whitney Museum of American Art de Nueva York, y también ha tomado parte en la Primera Trienal de Dibujo de la Fundación Joan Miró de Barcelona y en la exposición colectiva "Artistas latinoamericanos del siglo XX", que recorrió museos como el Centro Pompidou de París, la Kunsthalle de Colonia y el MOMA de Nueva York. Actualmente, obras de Ray Smith se encuentran en destacadas colecciones como el MNCARS de Madrid, el Whitney Museum of American Art de Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y otros.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 29 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Bombollín y globulín". 2005. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior, titulado al dorso. Medidas: 130 x 162 cm; 133,5 x 165,5 cm (marco). Llimós se dio a conocer en 1964, con una exposición conjunta con, entre otros, Arranz Bravo, Bartolozzi y Gerard Sala, con quienes trabajó en equipo hasta 1969. Su obra se encuentra en destacadas colecciones como el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Moderno Espirito Santo de Brasil, la Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Álava y Sevilla, la Fondazione Lucio Amelio de Nápoles, el Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende de Santiago de Chile, la Peter Stuyvesant Foundation de Ámsterdam, el Palau Solleric de Palma de Mallorca y el MACBA de Barcelona, entre otros. Su obra, de trazo expresivo e intenso, oscila entre la figuración y la abstracción simbólica, con una fuerte atracción por el mundo animal, a menudo tema de su trabajo, como puede apreciarse en el cuadro que ahora presentamos.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 30 - EVA LOOTZ (Viena, 1940). "Los barcos congelados", 1990. Madera pintada (estructura) y cera (pies). Procedencia: Galería Luis Adelantado. Medidas: 230 x 170 cm. "Los barcos congelados" fue un proyecto de Eva Lootz que consistió en la colocación de barcos rescatados de algún puerto y otros objetos (como la estructura que en licitación) con una cuidada puesta en escena. La alusión al frío la consiguió la artista vienesa mediante el uso de queroseno blanco, que cubría las superficies de la instalación como si fuera nieve. Éste, junto con la cera utilizada en la estructura, son aparentemente materiales sin gran valor material, pero con una gran carga simbólica para Lootz. Los barcos de este proyecto forman parte de la colección permanente del MEIAC (Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo) desde 1995. Artista vienesa afincada en Madrid desde 1965, Eva Lootz se formó en su ciudad natal, donde estudió Bellas Artes, Musicología, Cinematografía y Filosofía. Aunque es conocida principalmente por su obra escultórica, Lootz también trabaja la instalación, el dibujo, el grabado, la fotografía, el vídeo y el sonido, siempre centrada en su principal preocupación: la relación entre materia y lenguaje. Comenzó su actividad expositiva en 1973, y desde entonces ha realizado regularmente exposiciones individuales tanto en España como en el extranjero, en galerías y centros de arte como la Galleriet de Lund (Suecia, 1981), la David Breitzel de Nueva York (1990), la Barbara Faber de Amsterdam (1990, 1994, 1996), la South London de Londres (1994), la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma (1996), el Luis Adelantado de Valencia (1997), el Borås Konstmuseum (Suecia, 1997) o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (2002). También ha participado en concursos, exposiciones colectivas y oficiales como la Expo'92 de Sevilla, y en 1994 fue galardonada con el Premio Nacional de Bellas Artes. Actualmente está representada en el MACBA de Barcelona, el MNCARS de Madrid, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, el Museo de Arte Contemporáneo de Malmö, el CAAM de Las Palmas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid y otras muchas colecciones públicas y privadas. Procedencia: Galería Luis Adelantado.

Stima 14 000 - 16 000 EUR

Lotto 31 - MANUEL FRANQUELO-GINER (Madrid, 1990). "Ternera bebé", 2017. Espuma reticulada rellena de guata, forro de felpa cosido a mano y ojos de poliéster pulido. Medidas: 200 x 80 x 80 cm. Manuel Franquelo Giner denuncia desde diferentes disciplinas el ritmo acelerado de la fabricación industrial, así como el despilfarro alimentario y la actual producción monumental de animales. La sostenibilidad en todos los aspectos es sin duda el leitmotiv de su producción. En "Ternera bebé", Franquelo reflexiona sobre la opresión de los animales representando una ternera disecada degollada en el matadero y de cuyo vientre cuelgan sus entrañas. Las coloridas vísceras añaden un cierto toque ingenuo a la crudeza de la imagen. Manuel Franquelo-Giner vive y trabaja en Madrid. Estudió? os en Bellas Artes en la UCM y actualmente colabora con Factum Arte. Ha participado en ferias nacionales e internacionales de arte contemporáneo como ARCO, Estampa, Photobasel, ArtLima o Forosur, así como en diferentes exposiciones en instituciones públicas como el CSIC, Conde Duque y el Centro de Arte Alcobendas de Madrid, o el Centre del Carme de Valencia. Su obra está presente en diversas colecciones privadas nacionales e internacionales como DKV, Kells, Pilar Citoler y Josep Marià Civit, entre otras. Tambi?n est? representado en museos nacionales y centros de arte contempor?neo, como el CAC de Ma?laga y el Centro de Arte Alcobendas de Madrid. Ha recibido becas como la del VII Encontro de Artistas Novos organizado por Rafael Doctor y ha colaborado con cr?ticos, comisarios y fil?sofos para escribir ensayos en relaci?n con su trabajo art?stico.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 32 - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelona, 1931 - 2005). Sin título, 1956. Óleo sobre papel adherido a tabla. Firmado, fechado y dedicado en el ángulo superior izquierdo. Medidas: 50 x 64 cm; 81 x 97 cm (marco). Este óleo sobre papel pertenece a una etapa temprana del artista en la que se interesó por la simplificación formal, influido tanto por el expresionismo de vanguardia como por el arte románico. Joan Hernández Pijuan inició su formación en Barcelona, asistiendo a las Escuelas de Bellas Artes de La Lonja y Sant Jordi, antes de completar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de París. Nombrado profesor de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona en 1981, Hernández Pijuan ocupa una posición única entre los artistas españoles de las últimas décadas. La fuerza de su individualidad creativa le sitúa al margen de las sucesivas tendencias y modas dominantes, pero no impide reconocer en su obra una profunda identificación con las preocupaciones estéticas de su tiempo. Hernández Pijuan comenzó su carrera practicando un expresionismo trágico de fuerte carga social, momento en el que formó, junto a los demás miembros del Grupo Sílex, la llamada Escuela de Barcelona. En los años setenta simplificó su expresión hasta adoptar la figuración geométrica, estilo que abandonó en la década siguiente para centrarse en el informalismo. De hecho, el interés y la fascinación por la trayectoria de este pintor siguen más vigentes que nunca, y es objeto de nuevas exposiciones y muestras públicas de su obra. A lo largo de su vida realizó exposiciones individuales en varias ciudades españolas, así como en Zúrich, Milán, Johannesburgo, Colonia, Ginebra, Nueva York, París y Osaka, entre otras ciudades del mundo, y en 2003 fue objeto de una gran exposición retrospectiva en el MACBA de Barcelona, que posteriormente se mostró en el Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Francia), la Konsthalle de Malmö (Suecia) y la Galleria Comunale d'Arte Moderna de Bolonia (Italia). Incluso después de su muerte, su obra ha seguido mostrándose internacionalmente, como demuestran las exposiciones dedicadas a su obra celebradas en la Flowers Gallery de Londres (2006), los Institutos Cervantes de Nueva York, Chicago y Lisboa (2007), el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (2008), la Galería Andres Thalmann de Zúrich (2009), la Baukunst de Colonia (2010), la Altana Kulturstiftung de Bad Homburg (Alemania, 2011) y el Museo de Arte Moderno de Moscú (2012), entre otras muchas. Hernández Pijuan fue decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, y en 2000 fue nombrado miembro de la Real Academia de San Fernando de Madrid. En 1981 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1985 la Cruz de Sant Jordi y, en 2004, el Premio Ciudad de Barcelona. También obtuvo el Premio de la Dirección General de Bellas Artes en la Exposición Nacional de Alicante de 1957, el Primer Premio de Pintura "Peintres Residents" de París (1958), el Premio "Malibor" en la Bienal de Grabado de Liubliana (1965), la Bienal Internacional de Grabado de Cracovia (1966) y el Premio Editorial "Vijesnik u Srijedu" de Zagreb (1970). Hernández Pijuán está representado en el MACBA, el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, el Reina Sofía de Madrid, el Museo Patio Herreriano de Valladolid y el Museo Vasco de Arte Contemporáneo, así como en centros extranjeros como el Museo Guggenheim de Nueva York, el Liaunig (Austria), el Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki, el Museo de Bellas Artes de Helsinki (Finlandia), el Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki en Finlandia, el Museo de Bellas Artes de Helsinki en Finlandia y el Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki en Finlandia, los de Arte Contemporáneo de Helsinki y Luxemburgo, la Kulturstiftung de Bad Homburg (Austria), la Galería Yamaguchi de Osaka (Japón), el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, la Galería Nacional de Montreal, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Museo Sztuki de Lodz (Polonia).

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 33 - JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcelona, 1997). "De Lucas Cranach", 1953. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Firmado, titulado y fechado al dorso. Con etiqueta Oriol Galeria d'Art al dorso. Medidas: 100 x 80 cm; 105 x 86 cm (marco). La que ahora se subasta es una obra temprana del pintor Josep Roca Sastre, correspondiente a una etapa anterior a la realización de sus escenas íntimas de interior. El lienzo es una versión metafísica de la obra "Las Tres Gracias" de Lucas Cranach el Viejo, tabla pintada por el maestro en 1531 y conservada actualmente en el Museo del Louvre de París. Formado en Barcelona, en los años sesenta Roca comenzó a desarrollar un estilo personal e independiente y creó su propio lenguaje. Su propuesta se centró en recuperar la mirada de lo cercano y lo cotidiano, lo familiar. Expuso durante cuarenta años en la Sala Parés de Barcelona, y también mostró su obra en otras ciudades españolas, así como en Estados Unidos. En 1966 recibió el premio Sant Jordi de la Diputación de Barcelona, y dos años más tarde la medalla de honor del Salon des Artistes Français de París. En 1980 ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de Sant Jordi, y en 1993 recibió el Premio Quadern de la Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre desarrolló un estilo figurativo de temas intimistas, aplicando una mirada personal y subjetiva tanto a sus escenas de interior como a sus paisajes urbanos y naturales. Desde su muerte, se han celebrado retrospectivas de la obra de Josep Roca en La Pedrera y en las galerías Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcelona) y Juan Oliver Maneu (Palma de Mallorca). Su obra se conserva en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 34 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Sin título, 1977. Óleo y collage sobre uralita. Firmado y fechado en la parte inferior izquierda. Medidas: 105 x 114 x 9 cm. Josep Guinovart fue un experimentador nato con las formas, las texturas, los soportes y los lenguajes. Ello queda patente en esta composición en la que el juego de ondas de la materia es utilizado por el artista para enfatizar el efecto de collage y de figuras fragmentarias (una cabeza, el cuerpo herido de un toro...) Las formas parecen componerse y descomponerse entre parpadeos, en una composición orquestada que apela al espacio circundante. Josep Guinovart se formó en la Escuela de Maestros Pintores, en la Escuela de Artes y Oficios y en las clases del FAD. Realizó su primera exposición individual en las galerías Syra de Barcelona en 1948. Pronto adquiere un sólido prestigio, colabora con Dau al Set y participa en los Salones Octubre, Jazz y Once. En los años cincuenta, gracias a una beca, reside en París, donde conoce a fondo la obra de Cézanne y Matisse, que, junto con Miró y Gaudí, serán sus influencias más importantes. En 1955, junto con Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies y Tharrats, formó el grupo Taüll, que reunía a los artistas de vanguardia de la época. Hacia 1957 inició una tendencia informalista y abstracta, con una fuerte presencia matérica tanto a través de la incorporación de elementos y objetos diversos (madera quemada, cajas, objetos desechados) como mediante la aplicación de técnicas como el collage y el assemblage. A partir de los años sesenta se aleja de la poética del informalismo y comienza a realizar obras llenas de signos y gestos, que contienen una fuerte carga expresiva en las líneas y los colores. Durante los años setenta utilizó sistemáticamente materiales como arena, tierra, arcilla, paja y fibrocemento, y en la década siguiente se centró en la experimentación con la proyección tridimensional de sus obras, que se concretó en la creación de ambientes o escenarios espaciales como el titulado Contorn-extorn (1978). La producción artística de Guinovart es muy variada: pinturas murales, decorados y escenografías teatrales, como la realizada para Bodas de sangre de Federico García Lorca, ilustraciones de libros, cartelismo, tapices y esculturas. Participó en las Bienales de São Paulo (1952 y 1957), Alejandría (1955) y Venecia (1958, 1962 y 1982), y entre sus premios destacan el Ciudad de Barcelona en 1981, el Nacional de Artes Plásticas en 1990 y el de Artes Plásticas de la Generalitat en 1990. En 1994 se inauguró en Agramunt, Lérida, el Espai Guinovart, fundación privada con exposición permanente de la obra del artista. Está representado en los Museos de Arte Contemporáneo de Barcelona, Madrid y Ciudad de México, el Museo de Escultura al Aire Libre de Santa Cruz de Tenerife, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo San Telmo de San Sebastián, el Museo Eusebio Sempere de Alicante, el Museo de Navarra de Tafalla, la Casa de las Américas de La Habana, el Museo Bocchum de Alemania, el Museo de Bellas Artes de Long Island, Nueva York, y el Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 35 - MOISÉS VILLÈLIA (Barcelona, 1928 - 1994). Sin título. Caña de bambú policromada. Medidas: 86 x 65 x 20 cm. Moisés Sanmarón Puig, cuyo nombre artístico era Villèlia, fue un escultor vinculado al movimiento abstracto, que inicialmente se identificó con las inquietudes artísticas del grupo Dau al Set. Aprendió a tallar la madera en el taller de su padre, un reconocido artesano, y durante su infancia recibió una educación racionalista, que se vio interrumpida por el estallido de la Guerra Civil. Tras la guerra, su familia se trasladó de Barcelona a Mataró. Expone por primera vez en 1949 en el Museo de Mataró. Cuatro años más tarde, tras trabajar con su padre en la carpintería de la capilla de Santa Ana de la ciudad, decide dedicarse plenamente a la escultura. Becado por el Institut Français de Barcelona, se traslada a París en 1967. En la capital francesa trabajó con papel perforado como material principal de sus obras. Dos años más tarde marchó a Argentina, donde vivía su hermano, también escultor, y finalmente se instaló en Quito, donde permaneció hasta 1972. De regreso a España, se instala en el pueblo de Molló, en Gerona, donde se dedica a realizar esculturas surrealistas en las que utiliza madera de sauce y ensamblajes de objetos, lo que confiere a sus obras de esta época un cierto sentido del humor. Murió en 1994, y en 1999 el IVAM de Valencia le dedicó una amplia exposición retrospectiva. Actualmente está representado en el MACBA de Barcelona, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano de Valladolid.

Stima 2 600 - 3 400 EUR

Lotto 36 - ANTONIO ROJAS (Tarifa, 1962). "Aproximación", 2019. Acrílico sobre lienzo. Adjunto certificado a petición del comprador. Obra reproducida en; "Punto de Mira, Antonio Rojas". Ed. Autoridad Portuaria de Santander p.35. Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 48,5 x 170 cm. Antonio rojas vive en Madrid, aunque su tierra natal está muy presente en la mayoría de sus obras. Este cálido recuerdo se une a una estética de carácter, más fría y rigurosa, basada en la geometría, las líneas y los planos. La coexistencia de estos dos factores relaciona su obra con la nueva "pintura metafísica". Entre las devociones de Antonio Rojas se encuentran nombres clave de la pintura como Guillermo Pérez Villalta, Chema Cobo o Carlos Alcolea, artistas que le influyeron inicialmente con sus diferentes actitudes. También artistas tan esenciales como Giotto, Piero della Francesca o Fra Angelico, así como Cezànne y De Chirico. En palabras del propio artista: "Me interesa la geometría en la medida en que me es útil para estructurar y organizar. ...Para mí son importantes los contornos de las superficies vacías y monocromáticas, sólo alterados por la estampación de un mar sistemático...". En cuanto a la composición de las imágenes "no me interesa el uso de ninguna regla particular para distribuir y proporcionar espacios..., la intuición es para mí la mejor fórmula". Atento a la creación de espacios vacíos, lugares en sombra, "las paredes cercanas, los muebles, las ventanas... Todas estas superficies lisas, aterciopeladas por el reflejo de los colores de los objetos lejanos, siempre llenas de aire, sombra y luz, son importantes para mí". Realizó su primera exposición individual con Magda Bellotti en Algeciras (1983 y 1986), galería a la que fue asiduo durante el desarrollo posterior de toda su carrera. En Madrid comenzó a exponer en la galería Fernando Vijandre en 1987, en la de Manolo Montenegro (1988), con Antonio Machón (en 1990 hasta 2000) y con My name's Lolita Art (Valencia, 1996, y Madrid, 2002). En 1994 fue seleccionado para la exposición Muelle de Levante. En 1991 participó en la exposición colectiva "El Retorno del Hijo Prodigo" en la Galería Buades de Madrid y obtuvo la Beca Endesa. También obtuvo residencias en los Estudios Delfina de Londres y en la Academia de Bellas Artes de Roma entre 1993-94 y en 2004 obtuvo el primer premio en la VI Bienal de Pintura "Ciudad de Estella Lizarra".

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 37 - DAMIEN HIRST (Bristol, Reino Unido, 1965) para Supreme, Nueva York. De la serie "Spot". Madera serigrafiada. Firma impresa. Edición limitada de 500 ejemplares. Ligeras marcas de uso. Medidas: 79 × 20 cm. Damien Hirst y Supreme han colaborado en varias ocasiones, sobre todo en el lanzamiento de cubiertas de monopatín en 2009. Las Spot Paintings son una de las series más célebres de Hirst. En ella, a través de un guiño al minimalismo y a la tradición abstracta, reflexiona sobre las empresas farmacéuticas y sus promesas de curas milagrosas. Damien Hirst nació en Bristol el 7 de junio de 1965, en un entorno suburbano con problemas económicos. Nunca conoció a su padre biológico y su madre se casó con un vendedor de coches, que les abandonó cuando Hirst tenía 13 años. Su madre, artista aficionada y cristiana devota, se hizo cargo de él, pero debido al abandono de su padre tuvo que ser educado desde abajo, lo que quizá sea la razón principal por la que Damien Hirst defiende que el arte no tiene clases. Se formó en la Universidad de Leed mientras compaginaba sus estudios con un trabajo en el tanatorio local, que más tarde abandonó para trasladarse a Londres. Durante este tiempo estuvo trabajando en la construcción y a su vez solicitando plaza en varias escuelas de arte como St Martins, o la facultad de Gales. Finalmente fue aceptado en el Golsdmiths College, que, al mismo tiempo y debido a la recesión económica en Inglaterra, era una escuela que atraía a estudiantes brillantes y tutores creativos. Mientras estudiaba, Hirst financiaba sus gastos trabajando en encuestas telefónicas, causa directa de su habilidad para fingir cualquier emoción por teléfono. Durante sus estudios también trabajó en McDonald's, y a tiempo parcial en la galería Anthony D'Ofray, donde aprendió la mecánica del mercado del arte. Ya en su segundo año de estudios, Hirst, adquirió el papel de artista y comisario, y consiguió realizar una exposición que cambiaría el curso del arte británico, fue su primera exposición individual con tan sólo 26 años. Cuatro años más tarde, en 1995, obtuvo su segunda nominación al Premio Turner por Mother and Child. A los 32 años, la galería Larry Gagosian le ofreció una gran retrospectiva, tras la cual declaró que ya no tenía dónde exponer, lo había hecho todo y demasiado rápido. Así que pronto los medios de comunicación le bautizaron con el nombre de Genio Gamberro. Aunque se hizo millonario a los 40 años, la hipersensibilidad de Hirst llegó a ser sospechosa; envuelto en un aura de romanticismo, hizo que revolucionar el mundo del arte pareciera algo sencillo. En varias ocasiones ha reconocido su deseo de ser famoso y ante las críticas se ha defendido con frases como "no podían admitirse a sí mismos que querían ser famosos y les molestaba no serlo" o "creo que mi deseo era ser más famoso que rico, creo que el deseo de crear arte y ser famoso es como el deseo de vivir para siempre dos obsesiones: la muerte y la celebridad". Damien Hirst tiene obras en el MoMA de Nueva York, la Tate Gallery y el Victoria & Albert Museum de Londres, el Palazzo Gras de Venecia, el Kunstmuseum Wolfsburg (Alemania), el Hirshhorn de Washington D.C. y la Neu Galerie de Graz (Austria), entre otras importantes colecciones públicas y privadas. Ligeras marcas de uso

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 38 - HAROSHI (Tokio, 1978) para Real Skateboards. "Middle jinger" 2013. Serigrafía sobre madera canadiense, edición 44/400. Monopatín. Edición limitada a 400 ejemplares. Numerada. Con sello del artista. Medidas: 82 x 21 cm. En su singular obra, el artista japonés Haroshi combina sus dos grandes pasiones: el monopatín y la escultura. El suyo es un arte único, resultado de tallar la madera de monopatines reciclados y con el que reproduce fragmentos anatómicos dispuestos también sobre superficies de monopatín. Lleva casi dos décadas haciéndolo y goza de un gran reconocimiento internacional. Ha expuesto sus monopatines escultóricos por todo el mundo, en galerías de Londres, Nueva York, Tokio, Berlín y París, entre otras. Al representar en escultura partes del cuerpo sobre monopatines, pretende rendir homenaje a la audacia de los skaters, que practican un deporte de riesgo, arriesgando su físico con todo tipo de piruetas.

Stima 1 400 - 1 600 EUR

Lotto 39 - YOSHITOMO NARA (Japón, 1959) para el MOMA de Nueva York. "Welcome girl", 2017. Serigrafía sobre madera canadiense. Monopatín. Firma impresa. Edición limitada, sin numerar. Agotado (agotado). Medidas: 78,9 x 20 cm. Este monopatín reproduce el cuadro "Welcome Girl" (2017) del artista japonés Yoshitomo Nara. La pieza, de edición limitada, fue producida por el MOMA, la institución por excelencia del arte contemporáneo internacional,en cuya colección está representado Nara. El monopatín se fabricó en Canadá con madera de arce de 7 capas. Yoshitomo se ha convertido en un artista de culto, y sus obras son codiciadas por las galerías más prestigiosas. El secreto de su popularidad parece residir en que amalgama frialdad y ternura, violencia e inocencia, perversidad y estética naïf. Bebe de múltiples lenguajes: graffiti, anime, arte punk, cómic... Actualmente vive en Tokio y ha expuesto en muchas partes del mundo. Se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Aichi en 1985, obteniendo un máster en la misma universidad al cabo de dos años. Entre 1988 y 1993 estudió en la Kunstakademie de Düsseldorf. Nara surgió del movimiento de arte pop japonés de la década de 1990. Sus obras son al mismo tiempo belicosas y sencillas. En ellas representa incluso a niños o animales con armas y mirada inquisitiva, pero para Nara sus creaciones no son agresivas en absoluto. Nara se formó después de la II Guerra Mundial y es el portavoz de una generación que se refugia en la estética naïve o kawaii para mostrar su desacuerdo con la sociedad japonesa tradicional.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 40 - TAKASHI MURAKAMI (Tokio, 1962) para Complex Con. "Dob volador". 2018. Serigrafía sobre madera de arce. Conjunto de tres tablas de skate. Medidas: 80 x 21 cm. cada uno. Mr, Dob, el icónico personaje de Murakami inspirado en la estética anime, aparece serigrafiado conservando su intenso cromatismo original en el tríptico de patines producido por Complex Con. Murakami es uno de los artistas más influyentes de la generación japonesa de posguerra. Takashi Murakami se formó en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, donde se licenció en Nihonga (pintura tradicional japonesa). En 1990 se introdujo en el arte contemporáneo de la mano de su compañero y amigo Masato Nakamura, y en 1993 creó su alter ego Mr. DOB. Comenzó entonces a ser reconocido dentro y fuera de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional japonés, las corrientes contemporáneas de su país (anime, manga...) y la cultura estadounidense, principalmente la corriente pop. En su obra, Murakami transmite una visión crítica de la sociedad japonesa actual, el legado de la tradición cultural del país, su evolución tras la II Guerra Mundial y su relación con el mundo occidental, especialmente con Estados Unidos. En sus escritos acuñó el término "Superflat" para definir su personal estilo artístico, un término que se ajusta a una obra caracterizada por la bidimensionalidad y que además critica la propia estructura del arte, difuminando los límites entre la alta y la baja cultura. De hecho, su producción abarca múltiples formas artísticas, desde la pintura y la escultura hasta el diseño industrial, el anime, la moda y otros medios de la cultura popular y objetos de merchandising. Su trilogía de exposiciones "Superflat" (2000, 2002 y 2005) se ha mostrado en importantes centros de arte de todo el mundo, como la Parco Gallery de Tokio, el MOCA de Los Ángeles, la Fondation Cartier de París o la Serpentine Gallery de Londres. Además, entre 2008 y 2009 se celebraron exposiciones retrospectivas en el MOCA, el Brooklyn Museum de Nueva York, el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt y el Guggenheim de Bilbao. Actualmente, Murakami está representado en importantes museos de todo el mundo, como el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston y muchos otros.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 41 - KEITH HARING (Pensilvania, 1958- Nueva York, 1990) para New York City Skateboards, Inc. Serigrafía sobre madera, 1986. Monopatín. Tienda Pop original. Ejemplar muy exclusivo. Presenta marcas de uso. Medidas: 76 x 26 cm. Se trata de una pieza original autorizada por Keith Haring en 1986, no de una reproducción posterior, como atestigua el logotipo de New York City Skateboards, Inc. La Pop Shop abrió sus puertas en 1986 en el 292 de Lafayette Street, en el barrio del Soho de Manhattan, Nueva York. Haring veía la Pop Shop como una extensión de su obra, una divertida boutique donde su arte podía estar al alcance de todos. La tienda vendía camisetas y artículos novedosos con imágenes de Keith y algunos de sus contemporáneos, como Kenny Scharf y Jean Michel Basquiat. Más tarde, en 1987, Haring abrió una Pop Shop en Tokio. Haring pintó las paredes interiores de ambas tiendas, creando una experiencia inmersiva en su estética. La Pop Shop de Tokio cerró en 1988 y la de Nueva York en septiembre de 2005. En 2006, la exposición Keith Haring: Arte y Comercio examinó el contexto y la historia de la Pop Shop, y en 2009, como parte de la exposición colectiva Pop Life, la Tate Modern reconstruyó aspectos de la Pop Shop de Nueva York para recrear la sensación de la original. El techo original de la Pop Shop fue donado a la New-York Historical Society y está instalado en su entrada. Considerado el mascarón de proa del arte callejero de la década de 1980, la imparable carrera profesional de Haring, que le llevó a convertirse en colega de Warhol y superestrella mediática, comenzó con sus obras en el metro de Nueva York. La enorme popularidad de la obra urbana de Haring entre los neoyorquinos llamó inmediatamente la atención del establishment artístico. En consecuencia, Andy Warhol lo adoptó en su círculo, y el entonces emergente galerista Tony Shafrazi le organizó una resonante exposición individual en 1982 que sería la plataforma de lanzamiento de su imparable éxito. Pronto expuso en la galería del influyente Leo Castelli y se consolidó como estrella profesional del arte. Keith Haring fue un artista estadounidense cuyo arte pop y graffiti surgieron de la cultura callejera de Nueva York en la década de 1980. La obra de Haring creció en popularidad gracias a sus dibujos espontáneos en el metro de Nueva York realizados con tiza sobre fondos de espacios publicitarios en blanco y negro. Tras lograr el reconocimiento público, creó obras a gran escala como murales. Su obra posterior abordó a menudo temas políticos y sociales, especialmente la homosexualidad y el sida, a través de su propia iconografía. En la actualidad, la obra de Haring se reparte entre importantes colecciones privadas y públicas, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York; el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; el Instituto de Arte de Chicago; el Museo Bass de Miami; el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París; el Museo Ludwig de Colonia; y el Museo Stedelijk de Ámsterdam. También creó una gran variedad de obras públicas, como la enfermería del Children's Village de Dobbs Ferry (Nueva York) y el baño de hombres del segundo piso del Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center de Manhattan, que más tarde se transformó en una oficina y se conoce como Keith Haring Room. En enero de 2019, se inauguró una exposición titulada "Keith Haring New York" en la Facultad de Derecho de Nueva York, en el edificio principal de su campus de Tribeca. Presenta marcas de uso.

Stima 30 000 - 35 000 EUR

Lotto 42 - ALEXANDER CALDER (Estados Unidos, 1898 - 1976). "Gaspar Hall (avant la lettre)". Litografía, copia P/A. Firmada y justificada a mano. Obra publicada en el catálogo "Obra gráfica", fig. 1 (Barcelona; Sala Gaspar, 1975). Se adjunta certificado de la Sala Gaspar. Medidas: 65,5 x 50,5 cm; 95 x 82 cm (marco). Calder se formó en la Art Students League de Nueva York, y en 1926 realiza su primera exposición de pintura, en la neoyorquina The Artist's Gallery. Antes de finalizar el año emprende un viaje a Europa, que le permite conocer a las grandes figuras de la época, como Miró, Duchamp y Mondrian. Calder es uno de los artistas más reconocidos del siglo XX, con obras en todas las grandes colecciones del mundo. Desde el MoMA de Nueva York, donde una de sus esculturas decora la escalera principal, hasta la sede de la UNESCO en París. Otros centros donde está representado son el Museo Guggenheim de Nueva York, la Peggy Guggenheim Collection de Venecia, el Städel de Fráncfort, el Kunstmuseum de Basilea, el Reina Sofía de Madrid y la Tate Gallery de Londres.

Stima 1 600 - 2 000 EUR

Lotto 43 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "Roi, je t'attends à Babylone", 1973. Grabado a punta seca sobre papel. Ejemplares 67 y 145 de 150. Con la firma en la portada de Salvador Dalí y André Marlaux. Publicado por Albert Skira en Ginebra en 1973. Tamaño: 62,5 x 44,55 cm. La carpeta de Salvador Dalí "Roy, je t'attends a Babylone" está compuesta en su totalidad por doce puntas secas. La obra se publicó en 1973 y el escritor André Malraux escribió el texto. Dalí firmó a lápiz la página de justificación. Albert Skira, Ginebra, publicó el libro. La obra que nos ocupa está suelta tal como se publicó. Pintor y escultor, Salvador Dalí fue uno de los principales exponentes del movimiento surrealista. Su obra influyó enormemente en el curso del surrealismo durante los años veinte y treinta, siendo aclamado como el creador del método paranoico-crítico, una combinación esencial de lo real con lo imaginario. La mayor parte de su producción se encuentra reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Stima 1 600 - 1 800 EUR

Lotto 44 - CARLES FONTSERÉ (Barcelona, 1916 - 2007). Boceto de cartel republicano. 1938 Óleo sobre papel. Firmado y fechado en la esquina inferior. El papel tiene muy ligeras rasgaduras en los bordes que no afectan al dibujo. Medidas: 30 x 27 cm. Fontseré sólo tenía 20 años cuando estalló la guerra, su juventud no fue obstáculo para que sus obras destacaran por su fuerza y expresividad. Fue uno de los promotores del Sindicato de Delineantes Profesionales de Barcelona. Alistado en la BB.II. combatió en el Ebro. Sus carteles republicanos son una aportación ineludible al cartelismo de vanguardia, que bebe de fuentes constructivistas y suprematistas. Fontseré fue un artista multidisciplinar, comenzó su carrera profesional como dibujante a los quince años, y a los veinte ya era un reconocido cartelista. Se convirtió en uno de los mayores referentes visuales del anarquismo. Tras la Guerra Civil española se exilió a París, la ciudad que le dio su barniz cultural, y donde desarrolló de forma destacada otras disciplinas, como el grabado o la escenografía teatral. Esta última tarea le llevó a trabajar en ciudades como México D.F., Londres, Roma o Nueva York, y fue a partir de estos viajes cuando inició el impulso fotográfico, que ya nunca detuvo, retratando, a través de la cámara, el rostro de un mundo cambiante que en los años 60 estaba en plena efervescencia, e inmortalizó la rutina y el carácter de estas metrópolis desde los rincones más extraordinarios de su geografía humana. Carles Fontseré publicó sus memorias en 1995 en España. El papel tiene muy ligeras rasgaduras en los bordes que no afectan al dibujo.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 45 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Sin título, ca. 1980's. Técnica mixta (pintura y collage) sobre papel. Medidas: 226 x 116 cm; 236 x 126 cm (marco). El cuadro en cuestión data probablemente de los años ochenta, un periodo particularmente experimental en la producción de Guinovart. El uso del collage y de la abstracción poética es característico de este periodo, así como la preferencia por los tonos siena, marrones y pardos. Incluye sutiles trazos sintéticos que parecen rendir homenaje a las criaturas postcubistas de Picasso y, al mismo tiempo, la composición (que deja vacía la parte superior) remite indirectamente al perro enterrado de Goya. Josep Guinovart se formó en la Escuela de Maestros Pintores, en la Escuela de Artes y Oficios y en las clases del FAD. Expuso individualmente por primera vez en las galerías Syra de Barcelona en 1948. Inmediatamente adquiere un sólido prestigio, colabora con Dau al Set y participa en los salones Octubre, Jazz y Once. En los años cincuenta, gracias a una beca, vivió en París, donde conoció profundamente la obra de Cézanne y Matisse, que, junto con Miró y Gaudí, serían sus influencias más importantes. En 1955, junto con Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies y Tharrats, formó el grupo Taüll, que reunía a los artistas de vanguardia de la época. Hacia 1957 inició una tendencia informalista y abstracta, con una fuerte presencia matérica tanto por la incorporación de elementos y objetos diversos (maderas quemadas, cajas, objetos de desecho) como por la aplicación de técnicas como el collage y el assemblage. A partir de los años sesenta se aleja de la poética informalista y comienza a crear obras llenas de signos y gestos, que contienen una fuerte carga expresiva en las líneas y los colores. Durante los años setenta utilizó sistemáticamente materiales como arena, tierra, barro, paja o fibrocemento, y en la década siguiente se centró en la experimentación con la proyección tridimensional de sus obras, que se concretó en la creación de ambientes o entornos espaciales como el titulado Contorn-extorn (1978). Guinovart tiene una producción artística muy variada: pinturas murales, decorados y escenografías teatrales, como la realizada para Bodas de Sangre de Federico García Lorca, ilustraciones de libros, diseño de carteles, tapices y esculturas. Participó en las Bienales de São Paulo (1952 y 1957), Alejandría (1955) y Venecia (1958, 1962 y 1982), y entre sus premios destacan el Ciudad de Barcelona en 1981, el Nacional de Artes Plásticas en 1990 y el de Artes Plásticas de la Generalitat en 1990. En 1994 se inauguró en Agramunt, Lérida, el Espacio Guinovart, fundación privada que cuenta con una exposición permanente del artista. Está representado en los Museos de Arte Contemporáneo de Barcelona, Madrid y Ciudad de México, el Museo de Escultura al Aire Libre de Santa Cruz de Tenerife, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo San Telmo de San Sebastián, el Museo Eusebio Sempere de Alicante, el Museo de Navarra de Tafalla, la Casa de las Américas de La Habana, el Museo Bocchum de Alemania, el Museo de Bellas Artes de Long Island, Nueva York, y el Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Stima 5 500 - 6 500 EUR

Lotto 46 - LUIS SEOANE LÓPEZ (Buenos Aires, 1910 - A Coruña, 1979). "Naturaleza muerta". 1969. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el margen inferior. Procedencia: Colección José María Moreno Galván. Medidas: 30 x 40 cm; 33 x 43 cm (marco). Escena de interior en la que el artista dispone un tema recurrente en la historia del arte como es el bodegón. Sin embargo, expone este género desde un punto de vista moderno en el que el artista juega con la yuxtaposición de formas elementales y una gama de colores saturados aplicados en planos diluidos e independientes de los objetos y del realismo. Dibujante, pintor, grabador y escritor, Luis Seoane se formó en A Coruña, donde trabajó como abogado y militó en el Partigo Galeguista, y en 1936 se instaló en Buenos Aires. En su juventud participó en la actividad política y cultural de los estudiantes coruñeses y, según el historiador y periodista Carlos Fernández Santander, Seoane podría ser el autor que, bajo el seudónimo de Hernán Quijano, escribió "Galicia Mártir. Episodios del terror blanco en las provincias gallegas", libro publicado en París y Argentina en 1938. En 1932 se licenció en Derecho y Ciencias Sociales en Santiago de Compostela, y durante estos años inició su carrera en diversos campos. Así, entre 1927 y 1933 militó en partidos republicanos y autonomistas de izquierda, ilustró libros y revistas y realizó sus primeras exposiciones. En 1934 regresa a A Coruña desde Santiago y comienza a trabajar como abogado, al tiempo que comparte tertulias con Huici, Cebreiro, Fernández Mazas, Del Valle, Julio J. Casal, Francisco Miguel y otros. Ese mismo año se afilia al Partido Galeguista. Dos años más tarde participó en la campaña por el Estatuto de Autonomía, pero al estallar la guerra se vio obligado a huir a la capital argentina. Una vez instalado en Buenos Aires, mantuvo contacto con otros compatriotas exiliados del franquismo, entre ellos el pintor Leopoldo Nóvoa y la activista María Miramontes. En 1937 publicó allí su primer libro, "Trece estampas de la traición". Tres años después fundó las colecciones "Hórreo" y "Dorna" en EMECÉ Editores, y en 1943 creó la revista "Correo Literario" y la Editorial Nova. Dos años más tarde, su "Homenaje a la Torre de Hércules" fue premiado en Nueva York. En 1948 funda la editorial Botella al Mar, y al año siguiente realiza un viaje a Europa y expone en Londres. Entre 1952 y 1962 expone en Nueva York, funda la revista "Galicia Emigrante" y la editorial Citania, y recibe premios como la medalla de la Exposición Universal de Bruselas, la medalla del Senado de la Nación Argentina (1958) o el Premio Palanza (1962). Paralelamente, trabajó para la galería Gordons de Buenos Aires, dirigida por Roberto Mackintosh, experto y conocedor de su obra. En las últimas décadas de su vida alternó su residencia en América con viajes a Galicia, y en 1977 se publicó la primera edición completa de su obra poética. Entre 1963 y 1979 realizó exposiciones en España, Alemania, Italia, Suiza, Brasil y otros países. En 1994 se le dedicó el Día de las Letras Gallegas, y en 2003 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo, en Santiago de Compostela, le dedicó una importante exposición retrospectiva, que posteriormente fue llevada al Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Actualmente está representado en la Colección Caixanova, entre otras muchas.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 47 - SONIA MENNA BARRETO (Sao Paulo, Brasil, 1953). "Globo", 2023. Bronce policromado. Ejemplar 2/50. Se adjunta certificado de autenticidad. Firmado y justificado. Medidas: 21 x 18 cm; 5 x 17 x 7 cm (barco). Esta escultura es presentada por el artista como un juego ingenuo, ya que un barco cuelga de un globo. A pesar de su apariencia divertida y cándida, la obra despierta valores más profundos relacionados con la infancia, la inocencia y la ingravidez. En sus obras define un espacio poblado por multitud de figuras antropo y zoomorfas, rodeadas de objetos cotidianos, sin respetar ni siquiera los principios más básicos de la perspectiva. El resultado son ideouniversos que engullen al espectador. En 1980, Sônia Menna Barreto comenzó a asistir al estudio del artista Luiz Portinari, hermano de Cândido Portinari, en el Centro de Arte Cândido Portinari. Durante este periodo, conoció la vida artística. Tras entrar en contacto con las obras de Max Ernst, De Chirico, Magritte y Paul Delvaux, la obra de Sonia tomó el rumbo del surrealismo. Esta fase fue decisiva para su carrera, comenzando a desarrollar su faceta íntima y creativa, resolviendo problemas técnicos y temáticos por su cuenta, sin la supervisión de profesores. En octubre de 2002, por primera vez una obra brasileña pasó a formar parte de la Colección Real, perteneciente a la Familia Real Británica.

Stima 1 600 - 1 800 EUR

Lotto 48 - ROBERT INDIANA (Indiana, EE.UU., 1928 - Maine, EE.UU., 2018). "Amor azul". Polipiedra pintada, ejemplar 308/500. Adjunta certificado de autenticidad y caja original. Medidas: 15 x 15 cm. La serie LOVE es una colección de esculturas creadas por el artista estadounidense Robert Indiana. La primera escultura LOVE se creó en 1970, pero su origen se remonta a seis años antes, cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York encargó a Indiana la creación de una tarjeta navideña. Para estas estampas navideñas, Indiana realizó el famoso diseño que conocemos hasta hoy: las letras L, O, V y E en tipo serif y apiladas unas sobre otras. La escultura LOVE original, que ahora se encuentra en el Museo de Arte de Indianápolis, fue un éxito instantáneo cuando se inauguró en 1970. A lo largo de varias décadas, Indiana crearía más de 50 ediciones de la escultura para lugares de todo el mundo, desde Nueva York y Filadelfia hasta Singapur y Taipei. Robert Indiana fue un diseñador de vestuario, pintor, escultor y diseñador de sellos estadounidense asociado al movimiento Pop Art. Indiana también ha trabajado diseñando decorados y vestuario para obras teatrales. Sus obras emplean símbolos y palabras de la vida cotidiana pintados con los vivos colores del arte pop, y representan la cultura y la vida estadounidenses de forma irónica, conteniendo a menudo críticas políticas a la sociedad estadounidense. Se adjunta certificado de autenticidad y caja original.

Stima 900 - 1 000 EUR

Lotto 49 - ANKE BLAUE (Schleswig, Alemania, 1967). Sin título, 2004. Collage sobre lienzo. Firmado y fechado al dorso. Con etiqueta de la Galería Artur Ramon al dorso. Medidas: 97 x 130 cm. Formada en Alemania y Carrara (Italia), Anke Blaue comenzó pronto sus estudios con Philip Pavia, importante representante del expresionismo abstracto neoyorquino. Vivió en Italia de 1985 a 1988, y después regresó a su Alemania natal para estudiar en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf. Continuó sus estudios con Bruno Fonseca (Escuela de Constructivismo Universal Torres-García) en Barcelona, ciudad a la que se trasladó. A lo largo de su carrera como artista ha expuesto su obra en España (donde ha realizado exposiciones individuales en la Galería Pigmento, la Galería Mariita Segovia y Artur Ramón, entre otras), Alemania, Estados Unidos, Suiza y Francia. Actualmente vive y trabaja en Alemania.

Stima 1 400 - 1 500 EUR

Lotto 50 - "BON"; ROMÁN BONET SINTES (Barcelona, 1886 - 1967). "Visión onírica" c.1930. Técnica mixta sobre papel. Firmado en la esquina inferior izquierda. Medidas: 33 x 24 cm; 8 x 49 cm (marco). Pintor, escultor y sobre todo dibujante, desde su primera juventud Bon colaboró con numerosas revistas catalanas, entre las que destacan "Talía", "En Patufet", "Papitu", "L'Esquella de la Torratxa" y "Empori". Realizó sus primeras exposiciones importantes durante la segunda década del siglo, y en los años veinte se dedicó principalmente al cartelismo, siendo galardonado con la medalla de oro en esta disciplina en la Exposición Universal de Artes Decorativas de París de 1925, y con la medalla de oro en el concurso de carteles de la Exposición Internacional de Barcelona de 1929. Entre 1927 y 1929 vivió en Nueva York, donde también realizó varias exposiciones de éxito, colaboró con publicaciones como el "Herald Tribune", el "Times" y el "Morning Post", y fue premiado en la exposición de The National Club.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 51 - JOSEPH MARIONI (Cincinnati, Ohio, 1943). "Pintura amarilla". 2001. Acrílico sobre lienzo. Firmado, titulado y fechado al dorso. Tamaño: 107 x 102 cm. A partir de los años setenta, Joseph Marioni inició una exploración estética de los límites de la pintura. En cuadros monocromos como éste, existe una tensión especial entre el color, la luz y el soporte: Marioni aplica repetidamente capas de color satinado sobre el cuadro de tal forma que, según la incidencia de la luz y la posición del espectador, revelan las capas de color subyacentes. La pintura del pintor estadounidense Joseph Marioni se inscribe en la esfera de influencia del grupo neoyorquino Radical Painting, con el que comparte sobre todo la investigación de los parámetros de la pintura. Las obras de Joseph Marioni, creadas de forma característica desde 1970, se combinan para formar una obra conceptual con una estética rotunda que permite plantearse cuestiones fundamentales sobre el género de la pintura. Marioni ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Estados Unidos y Europa. Sus obras están representadas en importantes colecciones privadas y públicas, como el Whitney Museum of American Art de Nueva York, el San Francisco Museum of Art, el Kolumba (Museo) de Colonia, el Kunstmuseum Wolfsburg, el Kunstmuseum Basel y el Kunstmuseum St. Joseph Marioni vive y trabaja en Nueva York. Exposiciones individuales (selección): 2006: Peter Blum Chelsea, Nueva York, EE.UU. 2007: Liquid Light, Wade Wilson Art, Houston, EE.UU. 2007: University Art Gallery, Universidad de Massachusetts, New Bedford, EE.UU. 2008: Liquid Light, Museo de Arte McNay, San Antonio, EE.UU. 2008: Drawing Color - between Black and White, Galería Mark Müller, Zúrich, Suiza 2009: Beneath the Seen, Wade Wilson Art, Houston, EE.UU. 2010: Baronian-Francey, Bruselas, Bélgica 2011: 90 años de novedades: Joseph Marioni, The Phillips Collection, Washington, EE.UU. 2012: Pintura, Galería Hengesbach, Berlín, Alemania 2013: Marioni/MacPherson, UQ Art Museum, Santa Lucía, Queensland, Australia

Stima 35 000 - 40 000 EUR

Lotto 52 - VICTOR MIRA (Zaragoza, 1949 - Múnich, 2003). "Naturaleza muerta". 1986 Óleo sobre lienzo Firmado en la esquina inferior derecha. Titulado y fechado al dorso. Se adjunta certificado de autenticidad expedido por Esther Romero Fajardo. Medidas: 100 x 81 cm. Pintor, escultor, grabador y escritor, su formación fue básicamente autodidacta. A los dieciocho años realizó su primera exposición individual en la galería N'Art de Zaragoza, que fue también la primera muestra de escultura al aire libre celebrada en esa ciudad. Poco después se trasladó a Madrid, donde expuso en 1973 en la galería Pol Verdié. Durante sus años en la capital asistió a los Encuentros de Pamplona, donde conoció a John Cage. Dos años más tarde, en 1974, Ana María Canales publica su libro "Víctor Mira, eres mi pintor preferido". En 1975 viaja a Heidelberg, donde reside cinco meses, y ese mismo año publica "El libro de las dos hojas". En 1976 comienza a trabajar en Alemania en sus series "Spanische Haltung" y "Manos". Tras pasar un tiempo entre Madrid y Alemania, en 1977 se instala en Barcelona. Allí inicia su ciclo de pinturas "Interiores catalanes con tomate", y en 1979 publica su primer libro de poemas, "El bienestar de los demonios". Ese mismo año realizó su primera exposición individual en Munich, en la galería Tanit, y al año siguiente mostró su obra en Estados Unidos, en la galería George Staempfli de Nueva York. A partir de entonces su carrera internacional despega, con exposiciones en Alemania, Estados Unidos, Holanda, Suiza, Suecia, Noruega, Colombia, Francia, Bélgica y Austria, mientras continúa exponiendo regularmente en España. En 1983 viajó por primera vez a Estados Unidos, invitado por el Meadows Museum de Dallas, y ese mismo año trabajó en los talleres de grabado de la Southern Methodist University de Dallas y pasó cinco meses en Nueva York. También en 1983, en Barcelona, realiza su primera serie de esculturas de hierro, "Cultura del arco" y "Mediodías". En 1997 fue invitado a participar en la Bienal de Arte de Nueva York por Amy Chaiklin, y seis años más tarde, poco antes de su muerte, recibió el premio al mejor artista español vivo en la Feria ARCO. La exposición retrospectiva más reciente dedicada a este artista se celebró en Düsseldorf (Alemania), en la galería Beck & Eggeling. Hay obras de Mira en museos y colecciones privadas de todo el mundo, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el MACBA de Barcelona, los Museos de Bellas Artes de Vitoria y Zaragoza, la Fundación Beulas de Huesca y el Museo Colecciones ICO de Madrid, entre otros.

Stima 4 000 - 4 500 EUR

Lotto 53 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "Virgen de Port Lligat", hacia 1969. Escultura de bronce, ejemplo A 289/300. Base de mármol. Firmado y justificado. Tamaño: 21 x 7,5 x 7,5 cm. Con esta "Madonna", Dalí rindió homenaje a Port Lligat. Según el catálogo "Las esculturas de Dalí" (editado por Diejasa): "Para Salvador Dalí, viajero incansable, su tierra catalana fue siempre refugio y oráculo, claves esenciales en la creación de su obra. Frente al Mediterráneo, sus dioses y Lares le revelaron un mundo misterioso, que en su periodo místico-metafísico, iniciado en los años cincuenta, se convirtió en trascendente. Port Lligat es su feudo, el lugar de sus fantasmagorías y donde las Madonnas le dan fuerza y estímulo para seguir realizando lo que descubre en los espejos deformados, cóncavos y convexos de sus alucinaciones cósmico-paranoicas. Las rocas perforadas de la Costa Brava son una imagen constante en las figuras minerales de Dalí. Y las ventanas, los agujeros abiertos al infinito, son orificios cargados de simbolismo: la angustia del vacío, que en esta Madonna está dispuesta a arrojar con su delicada mano, como Ceres, las semillas benéficas sobre la tierra que Dalí ha elegido. Es una diosa virgen, pagana y precristiana. En sus primeros años, Dalí descubre la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoce a la familia de Ramon Pichot, un artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí comienza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se aloja en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales en 1926, es expulsado por alegar que allí no había nadie apto para examinarlo. Ese mismo año, Dalí viaja por primera vez a París. Allí conoce a Picasso y establece ciertas características formales que serán distintivas de toda su obra a partir de entonces. Su lenguaje absorbió las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico hasta las vanguardias más rompedoras. En esa época, el pintor se dejó un llamativo bigote a imitación del de Velázquez, que se convertiría en su marca personal durante el resto de su vida. En 1929, Dalí colabora con Luis Buñuel en la realización de "Un perro andaluz", que muestra escenas típicas del imaginario surrealista. En agosto de ese mismo año conoce a su musa y futura esposa Gala. Durante este periodo, Dalí expone regularmente en Barcelona y París, y se une al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. Su obra influyó enormemente en la dirección del surrealismo durante los dos años siguientes, y fue aclamado como el creador del método paranoico-crítico, del que se decía que ayudaba a acceder al subconsciente liberando energías artísticas creativas. El pintor aterrizó en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. Tras su primera exposición individual en Nueva York se consolidó definitivamente su reputación internacional, y a partir de entonces expuso su obra e impartió conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción se encuentra en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) y el Dalí Universe de Londres.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 54 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Tritón alado", hacia 1972. Escultura de bronce sobre base de mármol, ejemplo A 289/300. Firmada y justificada en la parte inferior. Se adjunta certificado de autenticidad expedido por Exmundart. Medidas: 22 x 11 x 11 cm. Dalí representó al dios marino, hijo de Poseidón, planeando sobre las aguas, prescindiendo de la compañía con la que estamos acostumbrados a verle en la iconografía clásica (acompañado de caballos y nereidas, rodeado de delfines y tocando la caracola con la que anunciaba las tormentas). Tritón poseía el don de la profecía, por lo que a menudo era el guía de los grandes héroes mitológicos. Dalí, por su parte, se centra en la vulnerabilidad del personaje, haciendo hincapié en la sensación de inestabilidad que producen las olas en la carne del héroe. En sus primeros años, Dalí descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramon Pichot, un artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí comienza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se aloja en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales en 1926, es expulsado por alegar que allí no había nadie apto para examinarlo. Ese mismo año, Dalí viaja por primera vez a París. Allí conoce a Picasso y establece ciertas características formales que serán distintivas de toda su obra a partir de entonces. Su lenguaje absorbió las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico hasta las vanguardias más rompedoras. En esa época, el pintor se dejó un llamativo bigote a imitación del de Velázquez, que se convertiría en su marca personal durante el resto de su vida. En 1929, Dalí colabora con Luis Buñuel en la realización de "Un perro andaluz", que muestra escenas típicas del imaginario surrealista. En agosto de ese mismo año conoce a su musa y futura esposa Gala. Durante este periodo, Dalí expone regularmente en Barcelona y París, y se une al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. Su obra influyó enormemente en la dirección del surrealismo durante los dos años siguientes, y fue aclamado como el creador del método paranoico-crítico, del que se decía que ayudaba a acceder al subconsciente liberando energías artísticas creativas. El pintor aterrizó en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. Tras su primera exposición individual en Nueva York, su reputación internacional se consolidó definitivamente, y a partir de entonces expuso su obra e impartió conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción se encuentra en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) y el Dalí Universe de Londres.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 55 - EDUARDO CHILLIDA JUANTEGUI (San Sebastián, 1924 - 2002). "San Juan de la Cruz". Artika, Museo Chillida-Leku, Planeta, 2007. Ejemplar 714/988. Con reproducciones a tamaño natural de 32 dibujos y gravitaciones de su obra gráfica. Estuche de hierro. Presenta marcas de uso, desgaste y algún desperfecto lateral en la cubierta. Medidas: 39 x 31 x 4 cm (libro); 50 x 39 x 18 cm (caja). No es de extrañar que el "Cántico espiritual" de San Juan de la Cruz fuera uno de los libros de cabecera de Chillida, dado que la filosofía, la espiritualidad y el misticismo llenan su obra. Este volumen reúne dos de las grandes pasiones del artista vasco: los poemas místicos de San Juan de la Cruz y el arte. Una joya irrepetible que funde ambas en perfecta armonía, combinando la poesía con la reproducción de 32 dibujos y gravitaciones de Chillida, acompañados de 16 citas manuscritas, íntimas y personales, sobre arte y espiritualidad. Chillida se formó en Madrid y París, y celebró su primera exposición en la capital francesa en 1950. A lo largo de su vida recibió numerosos premios y galardones, entre ellos el Premio Carnegie, el Premio Rembrandt, el Premio Fundación Wolf de las Artes y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. También fue académico de San Fernando, y miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias, Honorario de la Real Academia de las Artes de Londres y de la Orden Imperial de Japón, y recibió la Gran Cruz al Mérito Humanitario de la Institución del mismo nombre en Barcelona. Además de su Museo Chillida-Leku de Hernani, está representado en museos y colecciones de todo el mundo, como el Guggenheim de Bilbao, el MOMA de Nueva York, el Reina Sofía de Madrid, la Tate Gallery de Londres y la Neue Nationalgalerie de Berlín.

Stima 2 200 - 2 500 EUR

Lotto 56 - NAM JUNE PAIK (Seúl, 1932 - Miami, 2006) Sin título, 1992, de la "Suite Olympic Centennial". Litografía sobre papel Velin d'Arches de 270 gramos, ejemplar 171/250. Firmada y justificada a mano. Medidas: 63 x 90 cm. La Suite Olímpica se compone de 50 litografías y serigrafías elegidas para representar diversas tendencias artísticas contemporáneas. Editadas para conmemorar el primer centenario del Olimpismo moderno, los artistas elegidos se definen por diversos movimientos y tendencias pictóricas. Nam June Paik trabajó a lo largo de su carrera como compositor musical, pero también como videoartista, pintor y grabador. Recibió su formación musical en la Universidad de Tokio, donde también estudió historia del arte. Posteriormente viajó a Alemania a mediados de la década de 1950 para estudiar teoría musical en Múnich, Colonia y Friburgo. Trabajó en el laboratorio de investigación de música electrónica de Radio Colonia y participó en los grupos de investigación artística Happening y Fluxus. En ésta y otras litografías investiga las posibilidades gráficas a partir de la serialización de elementos cercanos a la estética del videojuego e incluso del "emoticono".

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 57 - LEOPOLDO NÓVOA GARCÍA (Pontevedra, 1919 - París, 2012) "Cuatro relieves". 1982. Óleo sobre táblex. Firmado y fechado en la esquina inferior. Medidas: 71 x 53 cm; 94 x 75 cm (marco). En esta obra el autor utiliza un lenguaje abstracto basado en la geometría irregular. Se trata de un estilo abierto, cuya característica fundamental es la concepción de la superficie pictórica como un todo, como un campo abierto, sin límites y sin jerarquías. Pintor y escultor de madre gallega y padre uruguayo, Leopoldo Nóvoa emigró a Uruguay en 1938, donde se relacionó con Joaquín Torres García. Instalado en Montevideo, donde fundó la revista cultural "Apex", fue también gran amigo de Jorge Oteiza y, una vez instalado en Buenos Aires (1948-1957), de Lucio Fontana, que influyó notablemente en su obra. Finalmente, abandonó América en 1965 para instalarse en París con Michel Tapié, que había quedado impresionado por su mural en el Estadio Luis Tróccoli de Montevideo. En París conoció a Julio Cortázar, que escribió un cuento sobre su obra. También fundó, junto con otros destacados pintores uruguayos y argentinos, el Espacio Latinoamericano. Sin embargo, su primera exposición no tuvo lugar hasta 1964. Ésta tuvo lugar en la galería de Edouard Loeb, con quien colaboraría durante muchos años. Su obra, que abarca desde el dibujo y la pintura hasta el mural y el pirograbado, evoca de forma abstracta sus recuerdos de Galicia, con un lenguaje que muestra referencias al expresionismo abstracto y al informalismo. Nóvoa fue galardonado con premios como la Medalla Castelao (1993), el Premio Ciudad de Pontevedra (1997) y el Premio da Crítica Galicia (2002). Actualmente está representado en las colecciones Abanca y Caixanova, entre otras.

Stima 2 800 - 3 000 EUR

Lotto 58 - EUGENIO GRANELL (A Coruña, 1912 - Madrid, 2001). "Tras la esfinge", 1959. Óleo sobre lienzo. Firmado en el margen inferior, titulado y fechado al dorso. Medidas: 51 x 76 cm; 64 x 88,5 cm (marco). Esta composición parece evocar un mundo submarino de corales y formas metamórficas de todos los colores y texturas. El título nos lleva al plano alegórico. Granell recurre al surrealismo y a evocaciones del paisaje tropical (en los años cincuenta estuvo exiliado en el Caribe y Latinoamérica) para componer abstracciones orgánicas y sugerentes que esconden conceptos complejos relacionados con el difícil momento político y personal que vivía. Durante su estancia en Guatemala, Granell absorbió influencias de las culturas locales, lo que se refleja en sus obras a través de motivos y colores que evocan el arte indígena y la exuberancia de los paisajes. Al mismo tiempo, se aprecia la influencia de los paisajes musgosos de Max Ernst, sus bosques encantados y formas biomórficas que sugieren una vida secreta. Pintor, acuarelista, grabador y escultor, Eugenio Fernández Granell pasó su infancia en Santiago de Compostela, ciudad que marcará en gran medida su obra plástica. Inclinado inicialmente por la música, en 1928 se traslada a Madrid para estudiar violín en la Escuela Superior de Música. En la capital frecuentó círculos intelectuales vinculados al marxismo, y finalmente se afilió al Partido Obrero de Unificación Marxista en 1935. Al estallar la guerra civil se alistó en el ejército republicano, y también dirigió "El combatiente rojo", el periódico de su partido. Sin embargo, tras el final de la guerra fue perseguido tanto por el nuevo régimen como por sus compañeros comunistas, debido a su condición de trotskista. Se exilia en Francia en 1939 y, tras pasar por varios campos de concentración, marcha a Sudamérica. Se instala en la República Dominicana, donde ingresa como primer violín en la Orquesta Sinfónica. Sin embargo, al endurecerse la dictadura de Trujillo, Fernández Granell abandona el país para instalarse en Guatemala, donde trabaja como profesor en la Escuela de Artes Plásticas. Al estallar la revolución guatemalteca en 1950, tuvo que huir de nuevo por temor a la persecución estalinista, y esta vez llegó con su familia a Puerto Rico, donde el pintor ocuparía la cátedra de Historia del Arte en la Facultad de Humanidades. Sin embargo, a pesar de este continuo peregrinar, Fernández Granell continuó con su labor artística, realizando exposiciones y publicando libros de relatos y poesía. En 1956 conoce a Marcel Duchamp, quien halaga su arte plástico y poético y le refuerza en su actividad surrealista. Ese mismo año se traslada a Nueva York, donde se instala definitivamente. Profesor de Literatura Española en el Brooklyn College de la ciudad, en esta etapa se doctora en Sociología en la New School for Social Research, con la tesis "El Guernica de Picasso. El fin de una era española" (1967). Fernández Granell continuará en Nueva York hasta 1985, cuando tras jubilarse regresa con su esposa a España, instalándose en Madrid. Ya ampliamente reconocido, recibirá destacados premios como la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Asimismo, en 1995 se crea en Santiago de Compostela la fundación que lleva su nombre y que hoy recoge la mayor parte de su producción plástica.

Stima 12 000 - 16 000 EUR

Lotto 59 - VIACHESLAV PLOTNIKOV (Rusia, 1962). "Sueños". Óleo sobre lienzo. Firmado, fechado y titulado al dorso. Al dorso, cartel de la 3ª edición de Monaco Fine Arts (2006), en el que se reproduce este cuadro. Medidas: 140 x 140 cm; 164 x 164 cm (marco). Una serie de vistas de Montecarlo y su casino trabajadas en grisalla (en un juego de sepias que simulan reproducir fotografías antiguas) rodean un retrato central en vibrantes colores de una mujer con un exuberante sombrero. Con un virtuosismo inusitado, el pintor simula (utilizando íntegramente la técnica del óleo) la yuxtaposición de diferentes hojas, como si fueran postales o fotografías de los años veinte. El retrato muestra a una joven con los hombros cubiertos por una suntuosa estola blanca y plumífera. Lleva las manos enfundadas en largos guantes de cuero granate. Sus largos dedos juguetean con las perlas del collar y con la otra mano acaricia las coloridas plumas de la pamela. El rostro de la dama denota elegancia: labios carmín finamente perfilados, lánguida mirada color miel, pómulos sonrosados. Las dotes plásticas de Viacheslav Plotnikov se aprecian en cada uno de los rincones urbanos y costeros, así como en el enigmático retrato. La mujer retratada encarna la sofisticación de la glamurosa ciudad de Montecarlo en los años veinte, fecha que aparece en una de las fotografías al óleo del casino. Vyacheslav Plotnikov es un pintor afincado en Mónaco, profusamente galardonado con premios y exposiciones. Forma parte de colecciones de Mónaco y Francia. Es miembro del Comité Nacional Monegasco de L'A.I.A.P., U.N.E.S.C.O. Sous le haut patronage de S.A.S. le Prince Souverain Albert II Se formó en la Academia de Bellas Artes de Roma (1994-1995) y en la Academia de Arte Shtutgardt de Alemania (1993). Anteriormente, en el Instituto Estatal de Arte de Moscú "Surikov" (alumno del profesor Ilia Glasunov, especialidad "Retrato", 1987-1993). Exposiciones seleccionadas: 2017 ,Diciembre 4-6- Miami River Art Fair, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2017,Diciembre Monaco Auction , Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2017,Enero Monaco Auction, Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2016,Diciembre- Miami River Art Fair 2016, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA. 2016,Junio- Subasta Monte-Carlo Hotel des Ventes, Mónaco 2015,Diciembre- Miami River Art Fair 2015, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2015,Junio- Subasta Mónaco, Accademia Fine Art Gallery, Hotel Metropole, Monte-Carlo, Mónaco. 2015 - Exposición en Alexander Art Group International Gallery, Monte-Carlo, Mónaco 2015,Mayo- Subasta "AmberLoungeFashion", Hotel Meridien, Monte-Carlo, Mónaco 2014,Diciembre- BDN2014 Christmas Ball Auction, Monte-Carlo, Mónaco 2014,Diciembre 13- Subasta Hotel des Ventes de Monte-Carlo, Mónaco 2014, Diciembre 4-7- Miami River Art Fair 2014, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami ,USA 2014 ,Agosto 2- Subasta Rusa , MC FINE ARTS Gallery, Hotel de Monte-Carlo Bay, Monaco 2014 Exposición Permanente , Saint Paul de VenceGallery, Francia 2014- Subasta Rusa, Hotel de Paris, MC Fine Arts Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2013, Diciembre Subasta Hotel de Paris, Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco 2013, Octubre Subasta Hotel de Paris,Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 60 - NORMAN MAILER (Nueva Jersey, 1923-Nueva York, 2007) y BERT STERN (Brooklyn, 1929-Manhattan, 2013). "Marilyn Monroe". Taschen; Edición especial. Ejemplar 1907/1962 (+200 P.A). Conserva caja original. Medidas: 49 x 40 cm. Este libro recoge las fotografías tomadas por Bert Stern a Marilyn Monroe en la sesión Last Sitting, que fue una de las últimas en las que posó la actriz. El libro se completa con la biografía de Marilyn escrita por Norman Mailer en 1973. La última sesión es una colección de 2.571 fotografías tomadas a Marilyn Monroe en 1962 en el hotel Bel-Air de Los Ángeles. Este reportaje fue tomado seis meses antes de su muerte y parte del mismo se publicó en Vogue. La primera edición del libro The Last Sitting se publicó en 1982 y en ella Stern relata el encuentro con todo detalle. Bert Stern empezó a trabajar como asistente artístico del director Herschel Bramson. En 1951 se incorporó a la revista Mayfair como director artístico y pronto empezó a colaborar con revistas como Vogue, Squire, Look, Life, Glamour y Holiday. Entre sus trabajos de esa época se encuentra un retrato de Louis Armstrong realizado en 1959 para una campaña publicitaria de Polaroid que incluso se consideró de demasiada calidad para Polaroid. A principios de los setenta cerró su estudio y se trasladó a vivir a España hasta 1976. Tras su regreso a Nueva York se dedicó a la fotografía publicitaria y a colaboraciones en revistas. Entre las mujeres famosas que ha fotografiado se encuentran Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Madonna, Kylie Minogue, Drew Barrymore, Shirley MacLaine, Claudia Cardinale, Jacqueline Bisset, Brigitte Bardot y Catherine Deneuve. También trabajó para la industria cinematográfica: Lolita en 1962, Cita con un ángel muy especial en 1987 o en American masters en 2006; como director y productor en Jazz on a Summer's Day (con Aram Avakian) en 1958 o como protagonista en Becoming Bert Stern en 2009. Falleció en su residencia de Manhattan, el 26 de junio de 2013, a los 83 años sin que se hayan aclarado las causas de su muerte. Se conserva la caja original.

Stima 700 - 800 EUR

Lotto 61 - BETTINA RHEIMS (Francia, 1952) y SERGE BRAMLY (Túnez, 1949). "Rose cést Paris", 2010. Taschen; Edición especial. Ejemplar 758/1700 (+240 P.A). Póster adjunto, folleto, escultura de la Torre Eiffel, máscara, DVD y estuche. Se conserva la caja original. Medidas: 37 x 42,5 x 9 cm (libro); 41 x 30 x 5 cm (marco). La editorial Taschen describe así esta obra: "Elegía a París con tintes eróticos, esta novela policíaca multimedia de Bettina Rheims y Serge Bramly abarca el arte, la moda, el sexo, la fama y la historia. Presentada como fetiches en un maletín retro, esta historia de magia y misterio incluye un largometraje, un libreto, un conjunto de objetos (¿o son pruebas?) y el exquisito volumen de fotografías propiamente dicho. Incluye póster, folleto, escultura de la Torre Eiffel, máscara, DVD y estuche. Se conserva la caja original.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 62 - JAUME PITARCH (Barcelona, 1963). De la serie "Paréntesis", 2007. Fotografía, copia P.A. Firmada y fechada al dorso. Medidas: 49 x 38 cm; 50 x 39,5 cm (marco). Jaume Pitarch, artista afincado actualmente en Barcelona, se formó en Bellas Artes en el Chelsea College of Art y en el Royal College of Art de Londres. Su lenguaje se basa en la descontextualización de elementos creados por el hombre, que desmonta y reconstruye de forma completamente diferente, despojándolos de su significado y valor originales. A lo largo de su trayectoria como artista, Jaume Pitarch ha realizado numerosas exposiciones a nivel nacional e internacional, destacando: Àngels Barcelona (2013, 2009, 2004,1997); Galería Fúcares, Madrid (2013, 2008); Spencer Brownstone Gallery, Nueva York (2013, 2009, 2006) o en Galerija Vartai, Lituania, 2011. Asimismo, su obra ha sido seleccionada para exposiciones colectivas en galerías e instituciones internacionales. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como la colección MACBA, la Fundación Vila Casas, la colección La Caixa, Artium, la colección Bergé, el Museo Patio Herreriano o la colección del Royal College of Art de Londres, entre otras. Pitarch afirma que su trabajo "se centra en cómo la productividad ha afectado a nuestra noción del tiempo. Mercado, trabajo, valor u ocio son sólo expresiones complementarias del mismo. Parece que la práctica artística contemporánea, la participación y el consumo son actividades basadas en el tiempo y, por tanto, sujetas a un sistema de producción". Continúa "Parte de mi práctica consiste en rescatar y reorganizar objetos, acciones o simples episodios que pertenecen a estos contextos para dotarlos de una nueva lectura fuera de los límites que el tiempo programado o productivo determina. Estos objetos, la reproducción de estas acciones y episodios deben leerse como dispositivos críticos y poéticos que posibilitan una revisión desacelerada de la realidad".

Stima 700 - 900 EUR

Lotto 63 - "PEREJAUME"; BORRELL GUINART (Sant Pol de Mar, Barcelona, 1957). "El dibuix que sé fer dels dibuixos que se'n fan", 2020. Técnica mixta (collage, carboncillo y óleo) sobre papel. Firmado. Con etiqueta de la galería Joan Prats de Barcelona. Medidas: 50 x 65 cm; 56 x 72 cm (marco). Pintor, artista experimental y poeta, Perejaume tuvo una formación autodidacta, aunque influenciado por artistas como Joan Brossa, con quien compartirá una obra a medio camino entre la pintura y la poesía. En 2005 fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas, concedido por la Generalitat de Catalunya. Al año siguiente recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, del Ministerio de Cultura. Su obra puede verse en el ARTIUM de Vitoria, el Centro de Arte Reina Sofía, el MACBA de Barcelona, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Museo de Arte Contemporáneo de Sidney, las Fundaciones Coca-Cola y Telefónica y la Colección del Chase Manhattan Bank, la Colección de Arte Contemporáneo de Caja Madrid, el Banco Central Europeo de Frankfurt y la Colección del Deutsche Bank, entre otras instituciones públicas y privadas de todo el mundo.

Stima 1 400 - 1 800 EUR

Lotto 64 - JAVIER MARISCAL (Almazora, Castellón, 1950). Palo Alto, Barcelona. Mayo de 2006. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el margen derecho; firmado, localizado y fechado al dorso. Procedencia; Colección privada Medidas: 180 x 160 cm. La maestría de Javier Mariscal para componer escenas animadas, multitudes iluminadas por la magia de la noche, no tiene competidores. Con un estilo desenfadado dispone a los personajes en este lienzo de forma aparentemente aleatoria, pero bajo el aparente caos de focos, brindis, sonrisas, cuerpos y mesas se esconde un rigor compositivo fruto de auténticas dotes. Mariscal bebe del cómic, pero transforma la viñeta en una incursión sociológica y plástica. Reconocemos su firma en cada uno de sus personajes, esos rostros sintéticos y algunos de ellos ligeramente perrunos, que recuerdan a una de las mascotas más famosas de las últimas décadas. Reconocido diseñador industrial, dibujante e historietista, Javier Mariscal vive y trabaja en Barcelona desde 1970. Estudió diseño en la Escuela Elisava de Barcelona, pero pronto abandonó los estudios para aprender directamente de su entorno y seguir sus propios impulsos creativos. Comenzó su carrera en el mundo del cómic underground en publicaciones como "El Rrollo Enmascarado" o "Star", junto a Farry, Nazario y Pepichek. Tras realizar sus primeros cómics propios a mediados de los setenta, en 1979 diseñó el logotipo del Bar Cel Ona, trabajo por el que empezó a ser conocido por el gran público. Al año siguiente abrió en Valencia el Dúplex, el primer bar firmado por Mariscal, junto a Fernando Salas, para el que diseñó una de sus piezas más famosas, el taburete Dúplex, todo un icono del diseño de los ochenta dentro y fuera de nuestras fronteras. En 1981 su trabajo como diseñador de muebles le llevó a participar en la exposición del Grupo Memphis en Milán. En 1987 expone en el Centro Georges Pompidou de París y participa en la Documenta de Kassel. Dos años más tarde su diseño Cobi es elegido mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, controvertido al principio pero reconocido ahora como la mascota más rentable de la historia de los Juegos modernos. En 1989 crea el Estudio Mariscal y colabora en diversos proyectos con diseñadores y arquitectos como Arata Isozaki, Alfredo Arribas, Fernando Salas, Fernando Amat y Pepe Cortés. Entre sus trabajos más destacados se encuentran las identidades visuales para el Partido Socialista Sueco, la emisora de radio Onda Cero, el Zoo de Barcelona, la Universidad de Valencia, el centro de diseño y arquitectura Lighthouse de Glasgow, el centro cultural GranShip de Japón y la empresa de postproducción londinense Framestore. En 1999 recibió el Premio Nacional de Diseño, otorgado por el Ministerio de Industria español y la Fundación BCD en reconocimiento a toda su trayectoria profesional.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 65 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Malabarista", 1990. Óleo sobre lienzo. Fechado, titulado y firmado al dorso. Procedencia; Colección privada Medidas: 138 x 200 cm; 202 x 204 cm (marco). Llimós se dio a conocer en 1964, con una exposición conjunta con, entre otros, Arranz Bravo, Bartolozzi y Gerard Sala, con quienes trabajó en equipo hasta 1969. Su obra se encuentra en destacadas colecciones como el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Moderno Espirito Santo de Brasil, la Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Álava y Sevilla, la Fondazione Lucio Amelio de Nápoles, el Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende de Santiago de Chile, la Peter Stuyvesant Foundation de Ámsterdam, el Palau Solleric de Palma de Mallorca y el MACBA de Barcelona, entre otros. Su obra, de trazo expresivo e intenso, oscila entre la figuración y la abstracción simbólica, con una fuerte atracción por el mundo animal, a menudo tema de su trabajo, como puede apreciarse en el cuadro que ahora presentamos.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 66 - JOAN GARCÍA RIPOLLÉS (Castellón, 1932) "Humanidad". Fibra de vidrio policromada con base metálica. Ejemplar 8/8. Firmada y numerada. Presenta certificado de autenticidad. Medidas: 220 x 130 x 150 cm. Conocido por su segundo apellido o como "el Beato Ripo", Joan García Ripollés descubrió su pasión por la pintura cuando, siendo aún muy joven y en plena posguerra, entró a trabajar en un taller de pintura industrial. A partir de entonces se dedicó a pintar por las noches, y más tarde recibió clases de dibujo en el Instituto Ribalta de Castellón. Tras su debut en una exposición colectiva celebrada en 1951 en la Caja de Ahorros de Castellón, en 1954 se produce un punto de inflexión en su carrera, a raíz de un viaje a París donde establece contacto con los círculos artísticos de la ciudad. Sin embargo, no pudo abandonar la pintura industrial hasta 1958, cuando se incorporó a la galería Drouand David de París, una de las más prestigiosas del mundo. Organizó su primera gran exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona en 1962, y en 1967 viajó a Nueva York, donde expuso y vendió toda su colección a The William Haber Art Collection. Ese mismo año, el marchante neoyorquino Leon Amiel, de la Larrouse Gallery, adquirió toda su obra, algo que se repitió en su viaje a Japón. A partir de ese momento, comenzó una brillante carrera internacional que ha llevado su obra por todo el mundo. Ha organizado exposiciones individuales no sólo en España, París y Nueva York, sino también en México, Holanda, Bélgica, Italia, Suiza, Suecia, varias ciudades de Estados Unidos, Alemania y Japón. Actualmente es artista exclusivo de The William Haber Art de Nueva York y de la Galerie Drouand de París. En 2000 fue galardonado con el Premio de las Artes de la Comunidad Valenciana. Ripollés se define a sí mismo como un "adulto inmaduro" y, sobre todo, "despreocupado, un poco travieso y con algo de ingenuidad", palabras que reflejan su exuberante espíritu creativo, su carácter sencillo y extrovertido y su alma infantil. Ripollés es, hoy en día, uno de los artistas españoles más internacionales, y también uno de los más completos, ya que ha trabajado brillantemente la pintura, la escultura y el grabado. Está representado en el IVAM, el MOMA de Nueva York, el Museo de la Universidad de Alicante, el Museo de Bellas Artes de Sevilla y el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Presenta certificado de autenticidad.

Stima 16 000 - 18 000 EUR

Lotto 67 - JAVIER CODESAL (Sabiñánigo, Huesca, 1958) Los pies perdidos#4, 2010. Fotografía en color, ed. 1/3. Medidas: 76 x 110 cm; 80 x 114 cm (marco).

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 68 - FRANCISCO VIDAL (Lisboa, 1978). "El tiempo corre". 2009 Óleo sobre lienzo (díptico). Firmado en la esquina inferior izquierda. Firmado y fechado al dorso. Procedencia; Colección privada Medidas: 134 x 308 cm; 138 x 312 cm (marco). Basándose en un fotograma de la película de culto "Pulp Fiction" de Tarantino, Francisco Vidal sitúa a los gángsters interpretados por John Travolta y Samuel L. Jackson sobre un fondo rojo estridente, y sustituye una de las pistolas por un plátano. Una intensa mancha amarilla se extiende, sugiriendo una explosión. Es un cuadro formado por dos lienzos, que da como resultado una escena expandida, impregnada de frescura y desenfado. El pintor Francisco Vidal vive entre Luanda (Angola) y Lisboa (Porturgal). Licenciado en Artes Plásticas por la Escola Superior de Artes e Design das Caldas da Rainha, realizó un curso superior de Artes Visuales en la Escola de Artes Visuais Maumaus, en Lisboa. Vivió algún tiempo en Estados Unidos, donde obtuvo un máster en Bellas Artes en la School of Visual Arts de la Universidad de Columbia, en Nueva York. Comenzó a exponer regularmente en 2005. En 2014 presentó el proyecto pictórico "Utopia Luanda Machine" en la 56ª Bienal de Venecia, en el Pabellón de Angola, comisariado por António Ole, y en la Expo Milano, comisariada por Suzana Sousa. En 2016, el proyecto "ESCOLA DE PAPEL" se presentó en Luanda y, en 2017, en Santo Tomé y Príncipe. La práctica de Francisco Vidal pone de relieve ideas en torno al trabajo y la movilidad internacional. Reconocido por sus grandes instalaciones pictóricas, traza potentes líneas caligráficas sobre lienzos serigrafiados, en colores vivos y variadas combinaciones cromáticas. También practica una figuración enraizada en el lenguaje del cómic. Tiene obras en colecciones nacionales, como las de la Fundación EDP, la Fundación Calouste Gulbenkian, la Fundación Cachola, e internacionales.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 69 - NOT VITAL (Sent, Suiza, 1948). "Di & Not".2023. Carpeta de 10 aguafuertes, copia P.A. VII/VII. Edición VFO. Firmado y justificado a mano. Medidas: 40,5 x 40,5 cm. Con motivo del 75 aniversario de la Edición VFO, el artista Not Vital creó varias carpetas bajo el título "DI & NOT". Se trata de diez fotograbados en filigrana con alzados de obras de la serie de proyectos Scarch. Scarch, explica el artista, "es el nombre de una forma de arte que tiende un puente entre la escultura y la arquitectura, normalmente de formato monumental y diseñada para un fin específico. Scarch se crea cuando la escultura y la arquitectura se arañan mutuamente". Not Vital es un artista suizo multidisciplinar: arte gráfico, pintura, escultura y arquitectura. Not Vital entró en contacto con el arte a través del historiador del arte local Max Huggler. De 1968 a 1969 estudió en el Centre universitaire expérimental de Vincennes, en París. En 1974 se trasladó a Nueva York, donde vivió hasta 2012, aparte de estancias regulares en Lucca (Italia), Agadez (Níger) y Sent. Conoció a Willem de Kooning, con quien trabajó como asistente durante sus primeros años en Estados Unidos. Creó sus primeras obras tridimensionales en la década de 1980. Las obras de Vital -de diversas técnicas y géneros- se exponen en los principales museos y galerías, así como en espacios públicos de todo el mundo. En su parque Not dal mot de Sent están instaladas, por ejemplo, Eselsbrücke, Turm der Stille y Eishaus, entre otras. La fundación (fundaziun Not Vital) de Ardez pretende devolver a su lugar de origen, en particular, grabados de los siglos XVII y XVIII, como parte de una biblioteca retrománica. La fundación también posee una colección de arte con obras propias y de otros artistas. El arquitecto de Chur Men Duri Arquint remodeló la casa Planta de Wildenberg para la fundación. En 2010, participó en el concurso para rediseñar el presbiterio de la catedral de San Gall. Ganó el concurso Art-et-Architecture con su escultura No Problem para el rascacielos Mobimo Tower de Zúrich, terminado en 2011.

Stima 3 500 - 3 700 EUR

Lotto 70 - VICTÒRIA RABAL (Barcelona, 1958). "Evanescente". 2013. Pasta de papel y pigmentos sobre papel japonés hecho a mano. Firmado y fechado. Lleva etiqueta de la galería N2, Barcelona, en el reverso. Se adjunta certificado. Medidas: 100 x 66 cm; 103 x 69 cm (marco). Esta obra forma parte de una serie de trabajos sobre papel hecho a mano que la artista Victoria Raval desarrolló entre 2013 y 2017. La artista se inspiró en esta cita del pensador chino Zhuangzi: "entre la fuerza y la suavidad la mano encuentra y la cabeza responde". Es una habilidad que no puedo expresar con palabras". A partir de ella, se propuso cómo poner en diálogo visualmente, con un lenguaje contemporáneo, fuerza y suavidad, huida y captura. Es licenciada en Bellas Artes e Historia del Arte. Desde 1985 es directora del Museo Molí Paperer de Capellades. En 2008 fue nombrada Maestra Artesana por la Generalitat de Catalunya. Ha impartido numerosos talleres de papel en Cataluña y en todo el mundo. 1982 Beca del Ministerio de Cultura para jóvenes artistas. Miembro fundador de IAPMA (Asociación Internacional de Papeleros y Artistas), Miembro de Honor de ACCA (Asociación Catalana de Críticos de Arte). Su obra ha sido expuesta en galerías, museos, fundaciones y ferias de arte, nacionales e internacionales como Art Paper Estocolmo, Suecia (1985); International Biennale der Paper Kunst, Düren, Alemania (1986); Galería Ignacio de Lassaletta, Barcelona (2006); Galería Paloma Mena, Madrid (2009); Galería Françoise Paviot, París, Francia (2012); Palazzo Manganelli, Catania, Italia (2012); N2 Galeria, Barcelona; Fundación Pasaje 865, Buenos Aires, Argentina (2013); Museo Marítimo de Barcelona (2014); Art Museum of Guangzhu Academy of Fine Arts, China (2014); Broken Gallery, Toquio, Japón (2015); Galerie Die Shöne, Viena, Austria (2016), y la Bienal de Arteporto en Sakai, Japón (2016), entre otras.

Stima 2 800 - 3 000 EUR

Lotto 71 - VICTÒRIA RABAL (Barcelona, 1958). "Làctea". 2013. Pasta de papel y pigmentos sobre papel japonés hecho a mano. Firmado y fechado. Lleva etiqueta de la galería N2, Barcelona, en el reverso. Medidas: 100 x 66 cm; 103 x 69 cm (marco). Esta obra forma parte de una serie de trabajos sobre papel hecho a mano que la artista Victoria Raval desarrolló entre 2013 y 2017. La artista se inspiró en esta cita del pensador chino Zhuangzi: "entre la fuerza y la suavidad la mano encuentra y la cabeza responde". Es una habilidad que no puedo expresar con palabras". A partir de ella, se propuso cómo poner en diálogo visualmente, con un lenguaje contemporáneo, fuerza y suavidad, huida y captura. Es licenciada en Bellas Artes e Historia del Arte. Desde 1985 es directora del Museo Molí Paperer de Capellades. En 2008 fue nombrada Maestra Artesana por la Generalitat de Catalunya. Ha impartido numerosos talleres de papel en Cataluña y en todo el mundo. 1982 Beca del Ministerio de Cultura para jóvenes artistas. Miembro fundador de IAPMA (Asociación Internacional de Papeleros y Artistas), Miembro de Honor de ACCA (Asociación Catalana de Críticos de Arte). Su obra ha sido expuesta en galerías, museos, fundaciones y ferias de arte, nacionales e internacionales como Art Paper Estocolmo, Suecia (1985); International Biennale der Paper Kunst, Düren, Alemania (1986); Galería Ignacio de Lassaletta, Barcelona (2006); Galería Paloma Mena, Madrid (2009); Galería Françoise Paviot, París, Francia (2012); Palazzo Manganelli, Catania, Italia (2012); N2 Galeria, Barcelona; Fundación Pasaje 865, Buenos Aires, Argentina (2013); Museo Marítimo de Barcelona (2014); Art Museum of Guangzhu Academy of Fine Arts, China (2014); Broken Gallery, Toquio, Japón (2015); Galerie Die Shöne, Viena, Austria (2016), y la Bienal de Arteporto en Sakai, Japón (2016), entre otras.

Stima 2 000 - 2 200 EUR

Lotto 72 - RAFAEL CANOGAR GÓMEZ (Toledo, 1935). "Cabezón", 1987. Aguafuerte sobre papel. Ejemplar 7/25. Firmado y numerado a lápiz. Medidas: 98 x 80 cm (impresión), 121 x 103 cm (papel), 133 x 115 cm (marco). Discípulo de Daniel Vázquez Díaz, Canogar fue cofundador del grupo "El Paso", y durante los años cincuenta desarrolló una obra plenamente informalista, que derivó durante los sesenta en una compleja figuración cada vez más narrativa. En su etapa de madurez, a partir de 1975, Canogar inventa una nueva iconografía, propia y personal, que expresa a través de la máscara, la cabeza, el rostro, como representación del hombre que pierde su individualidad y se convierte en signo plástico, como puede apreciarse en la obra que ahora presentamos. Entre sus galardones destaca el Premio Nacional de Artes Plásticas (1982), es miembro de la Academia de San Fernando y está representado en las más importantes colecciones de arte moderno de todo el mundo, como el Museo Reina Sofía, el MOMA de Nueva York, la Neue Nationalgalerie de Berlín, el Carnegie Museum de Pittsburg, el Museo Rufino Tamayo de México o el Chicago Art Institute, entre muchos otros. La Suite Olímpica se compone de 50 litografías y serigrafías elegidas para representar diversas tendencias artísticas contemporáneas. Se publicó para conmemorar el primer centenario del olimpismo moderno. Los artistas elegidos se definen por diversos movimientos y tendencias pictóricas.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 73 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Homenatge a Paolo Uccello". 2005. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior, titulado al dorso. Procedencia; Colección privada Medidas: 130 x 162 cm; 133,5 x 165,5 cm (marco). Llimós se dio a conocer en 1964, con una exposición conjunta con, entre otros, Arranz Bravo, Bartolozzi y Gerard Sala, con quienes trabajó en equipo hasta 1969. Su obra se encuentra en destacadas colecciones como el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Moderno Espirito Santo de Brasil, la Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Álava y Sevilla, la Fondazione Lucio Amelio de Nápoles, el Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende de Santiago de Chile, la Peter Stuyvesant Foundation de Ámsterdam, el Palau Solleric de Palma de Mallorca y el MACBA de Barcelona, entre otros. Su obra, de trazo expresivo e intenso, oscila entre la figuración y la abstracción simbólica, con una fuerte atracción por el mundo animal, a menudo tema de su trabajo, como puede apreciarse en el cuadro que ahora presentamos.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 74 - ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). "Los curas de abril", 1960-1972. Litografía sobre papel. Ejemplar 7/50. Editor: Grupo 15, 1972 y realizada por Dimitri Papagueorguiu como parte de la colección Boj, 1960. Ligera decoloración del papel en el perímetro exterior y daños en el marco. Firmado y justificado a lápiz. Medidas: 58 x 41 cm; 87 x 67 cm (marco). La serie de las Curas de Abril fue un proyecto que Saura inició junto con el escritor Antonio Pérez en 1960. De formación autodidacta, Antonio Saura comenzó a pintar y escribir en Madrid en 1947. Tres años más tarde celebró su primera exposición individual en la librería Libros de Zaragoza, mostrando una serie de obras experimentales ("Constelaciones" y "Rayogramas"), creadas durante la larga enfermedad que le mantuvo inmovilizado desde 1943 durante un periodo de cinco años. En 1952 celebró su primera exposición en Madrid, en la librería Buchholz, donde expuso sus obras juveniles, oníricas y surrealistas. Ese mismo año visita por primera vez París, ciudad en la que se instala. Allí, su obra se vio influida por artistas como Miró y Man Ray, y se dedicó a la creación de pinturas sobre lienzo y papel de carácter orgánico, utilizando diversas técnicas. La ruptura con el grupo surrealista le permite abrirse a otras formas de creación, donde comienza a mostrarse la evolución que experimenta su obra, que avanza hacia una pintura instantánea de trazo gestual y paleta reducida de carácter selectivo, donde el informalismo juega al despiste entre sugerentes expresiones de línea y color. Debuta en París en 1957, en la Galería Stadler, el mismo año en que funda el grupo El Paso. Al año siguiente participa en la Bienal de Venecia en compañía de Chillida y Tàpies, y en 1960 recibe el Premio Guggenheim en Nueva York. En 1963 se le dedican las primeras retrospectivas, en el Stedelijk Museum de Eindhoven, el Rotterdamsche Kunstring y en los museos de Buenos Aires y Río de Janeiro (obras sobre papel). Las exposiciones retrospectivas de Saura se repiten a lo largo de su carrera, tanto en España como en Europa y América. En 1966 expone en el Institute of Contemporary Arts de Londres, y participa en la Bienal de Grabado "Bianco e Nero" de Lugano, obteniendo el Gran Premio. Al año siguiente se instala en París, aunque trabaja y pasa todos los veranos en Cuenca, pilar fundamental de su producción desde sus primeros años. En 1968 abandonó la pintura al óleo para dedicarse exclusivamente a la obra sobre papel. En 1979 fue premiado en la Primera Bienal de Grabado de Heidelberg, en 1981 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y al año siguiente se le concedió la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Ha expuesto en todo el mundo y está representado en los museos de arte contemporáneo nacionales e internacionales más importantes, como la Neue Nationalgalierie de Berlín, el Guggenheim de Bilbao, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, el Guggenheim y el Metropolitan de Nueva York, el Centre Georges Pompidou de París y la Tate Gallery de Londres. Ligera decoloración del papel en el perímetro exterior y daños en el marco.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 75 - ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). "Los curas de abril", 1960-1972. Litografía sobre papel. Ejemplar 17/50. Editor: Grupo 15, 1972 y realizada por Dimitri Papagueorguiu como parte de la colección Boj, 1960. Presenta restauraciones en la zona central izquierda, ligera decoloración del papel en las esquinas y daños en el marco. Firmado y justificado a lápiz. Medidas: 58 x 41 cm; 87 x 67 cm (marco). La serie de las Curas de Abril fue un proyecto que Saura inició junto con el escritor Antonio Pérez en 1960. De formación autodidacta, Antonio Saura comenzó a pintar y escribir en Madrid en 1947. Tres años más tarde celebró su primera exposición individual en la librería Libros de Zaragoza, mostrando una serie de obras experimentales ("Constelaciones" y "Rayogramas"), creadas durante la larga enfermedad que le mantuvo inmovilizado desde 1943 durante un periodo de cinco años. En 1952 celebró su primera exposición en Madrid, en la librería Buchholz, donde expuso sus obras juveniles, oníricas y surrealistas. Ese mismo año visita por primera vez París, ciudad en la que se instala. Allí su obra se vio influida por artistas como Miró y Man Ray, y se dedicó a realizar pinturas sobre lienzo y papel de carácter orgánico, utilizando diversas técnicas. La ruptura con el grupo surrealista le permite abrirse a otras formas de creación, donde comienza a mostrarse la evolución que va experimentando su obra, que avanza hacia una pintura instantánea de trazo gestual y paleta reducida de carácter selectivo, donde el informalismo juega al despiste entre sugerentes expresiones de línea y color. Debuta en París en 1957, en la Galería Stadler, el mismo año en que funda el grupo El Paso. Al año siguiente participa en la Bienal de Venecia en compañía de Chillida y Tàpies, y en 1960 recibe el Premio Guggenheim en Nueva York. En 1963 se le dedican las primeras retrospectivas, en el Stedelijk Museum de Eindhoven, el Rotterdamsche Kunstring y en los museos de Buenos Aires y Río de Janeiro (obras sobre papel). Las exposiciones retrospectivas de Saura se repiten a lo largo de su carrera, tanto en España como en Europa y América. En 1966 expone en el Institute of Contemporary Arts de Londres, y participa en la Bienal de Grabado "Bianco e Nero" de Lugano, obteniendo el Gran Premio. Al año siguiente se instala en París, aunque trabaja y pasa todos los veranos en Cuenca, pilar fundamental de su producción desde sus primeros años. En 1968 abandonó la pintura al óleo para dedicarse exclusivamente a la obra sobre papel. En 1979 fue premiado en la Primera Bienal de Grabado de Heidelberg, en 1981 fue nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia, y al año siguiente se le concedió la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Ha expuesto en todo el mundo y está representado en los museos de arte contemporáneo nacionales e internacionales más importantes, como la Neue Nationalgalierie de Berlín, el Guggenheim de Bilbao, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, el Guggenheim y el Metropolitan de Nueva York, el Centre Georges Pompidou de París y la Tate Gallery de Londres. Presenta restauraciones en la zona central izquierda, ligera decoloración del papel en las esquinas y daños en el marco.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 76 - ALCEU RIBEIRO (Artigas, Uruguay, 1919 - Palma de Mallorca, 2013). "Figura", 1992. Ensamblaje en madera pintada. Firmado, titulado y fechado al dorso. Medidas: 46,5 x 23,5 cm. Pintor, escultor y muralista, Alceu Ribeiro se formó con Joaquín Torres-García a partir de 1939, gracias a una beca que le permitió instalarse con su hermano, también artista, en Montevideo. Estudió con el maestro durante diez años, hasta su muerte en 1949, y durante sus años de estudiante su obra ya fue reconocida con varios premios en el Salón Nacional de Montevideo, en 1940, 1941, 1942, 1943 y 1945. Al año siguiente, en 1946, se dio a conocer en París a través de la Muestra de Pintura Moderna Uruguaya celebrada allí. En 1949 fundó el taller El Molino, que convirtió en el centro de la intelectualidad montevideana, y ese mismo año realizó su primer encargo de pintura mural para el Palacio de la Luz de la capital uruguaya. Poco después, en 1953, realizó su primera exposición individual en la Facultad de Arquitectura de la misma ciudad. Continúa participando en exposiciones oficiales con gran éxito y realiza importantes proyectos murales, tanto pictóricos como escultóricos. En 1962 ingresa como profesor en la Universidad del Trabajo de Montevideo, y al año siguiente realiza un largo viaje de trabajo a Europa, de donde parte tras realizar varias exposiciones itinerantes por Sudamérica, entre otros lugares en el Museo Zea de Medellín (Colombia). En 1964 regresa a Montevideo, y tres años más tarde realiza su primera exposición individual en Estados Unidos, en la Mayfair Gallery de Washington D.C. A partir de entonces Ribeiro expone en museos y galerías de Sudamérica, Estados Unidos y Europa, estableciéndose finalmente en 1979 en Palma de Mallorca. Actualmente está representado en el Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo Juan Manuel Blanes de Montevideo, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, el Museo Nacional de São Paulo y otras colecciones públicas y privadas de Europa y América.

Stima 1 400 - 1 600 EUR

Lotto 77 - SONIA DELAUNAY (Odessa, 1885 - París, 1979). "Projet de tissu", ca.1920's. Aguada sobre papel. Procedencia: Subasta Doyle, Nueva York. Medidas: 42,5 x 31 cm; 57 x 46 cm (marco). El "Proyecto Tissu" de Sonia Delaunay fue un enfoque innovador del diseño textil que integraba los principios del arte órfico en las prendas. El Proyecto Tissue representa una fusión vanguardista de arte y diseño. Sonia, junto con Robert Delaunay, engendró el Orfismo, un movimiento artístico que exploraba el uso del color y la abstracción geométrico-cinética. A partir de esta investigación, Sonia exploró las posibilidades plásticas aplicadas a la moda y el diseño, logrando patrones dinámicos y vibrantes. Otra idea clave fue la de la simultaneidad: la consideración de que los colores interactúan entre sí cuando se colocan uno al lado del otro, creando una sensación de movimiento y profundidad. Sonia aplicó esta teoría a la pintura y al diseño textil. Nacida como Sonia Ilínichna Stern, Sonia Delaunay es más conocida por su apellido de casada, que adoptó tras contraer matrimonio con Robert Delaunay. Pintora y diseñadora francesa de origen ucraniano, fue, junto con su marido, una de las principales representantes del arte abstracto, así como la creadora del simultaneísmo. Creció en San Petersburgo, en contacto con la colección de cuadros de la Escuela de Barbizon de su tío y con la vida cultural de la ciudad. En 1903 se trasladó a Alemania para ampliar su formación, donde descubrió la pintura contemporánea y estudió dibujo con Schmidt-Reuter. Dos años más tarde se trasladó a París y se matriculó en la Academie de la Palette, donde también se inició en el grabado con Grossman. Durante estos años se acercó a la vanguardia europea a través del expresionismo alemán, con una obra que también revela ecos del postimpresionismo. En 1908 celebró su primera exposición, en la que mostró obras de su recién iniciado periodo fauvista. Dos años más tarde se casa con Delaunay, con quien comparte inquietudes estéticas. Su arte experimenta entonces un cambio de dirección, hacia la abstracción. La artista se orientará entonces hacia las artes decorativas, siempre con un lenguaje colorista puramente abstracto que atraerá la atención de sus coetáneos y también de la crítica. Aunque en 1912 volvió a la pintura, su fama como diseñadora ya se había consolidado en toda Europa. A partir de entonces, participa con frecuencia en importantes exposiciones europeas, como el Salón de Otoño de Berlín o el Salón de los Independientes de París. Durante la Primera Guerra Mundial vivió en España y Portugal, donde desarrolló una intensa actividad creativa, incluida la colaboración con el ballet de Diaghilev. En 1921 la pareja regresó a París, donde Sonia Delaunay continuó trabajando en importantes proyectos, además de exponer su obra tanto en Europa como en Estados Unidos. Ya plenamente reconocida a partir de los años cincuenta, comenzaron a publicarse recopilaciones de su obra y, de hecho, en 1958 se le dedicó su primera exposición retrospectiva en Bielefeld (Alemania). Además, en 1975 fue nombrada oficial de la Legión de Honor francesa. En la actualidad, Delaunay está representada en importantes colecciones de todo el mundo, como las del MoMA de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, el Reina Sofía de Madrid, el Albertina de Viena y Haifa de Israel.

Stima 6 000 - 6 500 EUR

Lotto 78 - Equipo Crónica (Valencia, 1964 - 1981). "El Guernica. 1971 Serigrafía sobre papel, ejemplar 82/100. Firmado y numerado a lápiz. Medidas: 75 x 55 cm; 81 x 61 cm (marco). Equipo Crónica, o Crónicas de la Realidad, fue un grupo de pintores españoles activo entre 1964 y 1981. Fue fundado por Manolo Valdés, Juan Antonio Toledo, que pronto abandonó el grupo, y Rafael Solbes, cuya muerte en 1981 puso fin al proyecto. El historiador y crítico Tomás Llorens también formó parte del grupo. Explica las bases teóricas del Equipo en un texto titulado "La distanciación de la Distanciación". Asimismo, los tres pintores firman un manifiesto en 1965, donde se definen como un grupo de trabajo con métodos colectivos y fines supraindividuales. Equipo Crónica se alejó del informalismo imperante para cultivar una pintura figurativa, muy vinculada al pop-art. Hartos de la introspección, estos artistas salieron a la calle y observaron el mundo que les rodeaba, una sociedad de incipiente industrialización y turistas. Sus temas analizaban críticamente la situación política de España, así como la Historia del Arte, para lo que se inspiraban en obras clásicas como el "Guernica" de Picasso o "Las Meninas" de Velázquez. Su estilo era una mezcla única de realismo, crítica, pop, citas pictóricas, anacronismos y pastiches agridulces. Frente a la imagen grandiosa y pintoresca de España que el franquismo quería proyectar al exterior, Equipo Crónica se centró en una imagen más oscura y sombría del país, recurriendo siempre a la ironía. Partiendo de un estilo propio y directo, con imágenes claras que todo el mundo podía leer, intentaron hacer una "crónica de la realidad", una especie de realismo social pero utilizando sistemas visuales actuales. El grupo realizó pinturas, esculturas y grabados, y solía trabajar en series, lo que les permitía analizar un mismo tema con diferentes variaciones. Equipo Crónica parte de un lenguaje muy sencillo, con imágenes monocromas y repetidas, muy cercanas a los medios de comunicación contemporáneos, como la foto de periódico. A partir de ahí, tras el punto de inflexión que supuso "Latin Lover" en 1966, los miembros del grupo fueron enriqueciendo su lenguaje para ponerlo al servicio de la sátira política. Desmitificando y descontextualizando las obras de maestros clásicos españoles como Velázquez, Goya o El Greco, hicieron aparecer sus figuras (el caballero de la mano en el pecho, la Duquesa de Alba, etc.) como imágenes en periódicos o anuncios, inaugurando edificios o entre lavadoras y ollas exprés. Hay obras de Equipo Crónica en el IVAM de Valencia, el Museo Reina Sofía de Madrid, el MACBA de Barcelona, la Fundación Juan March y el Museo Patio Herreriano de Valladolid, entre otros. En 2007 se organizó una exposición dedicada al Equipo Crónica en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca.

Stima 1 600 - 2 000 EUR

Lotto 79 - ILYA GRIGOREVICH CHASHNIK (Lucyn,1902-Leningrado,1929). Sin título, 1921 Acuarela sobre papel. Firmada y fechada. Medidas: 35 x 24 cm; 64 x 52 cm (marco). Ilya Grigorevich Chashnik fue un artista suprematista, alumno de Kazimir Malevich y miembro fundador de la escuela UNOVIS. Chashnik nació en el seno de una familia judía en 1902, en Lucyn, Imperio Ruso, actual Ludza, Letonia. Comenzó a estudiar en la escuela de arte de Yehuda Pen en Vitebsk cuando sólo tenía once años. Fue alumno de Marc Chagall. En 1918 se trasladó a Moscú para trabajar en un estudio de arte dirigido por Kazimir Malevich. Regresó después de que Malevich aceptara un puesto como profesor titular en la Escuela de Dibujo y Pintura de Vitebsk. Chashnik destacó por su habilidad en diversos medios. Aleksandra Semenovna Shatskikh le describe como "famoso por su inagotable inventiva y su capacidad para aplicar los principios suprematistas a prácticamente todas las formas artísticas, incluida la pintura de caballete". Pintó, dominó la metalistería y diseñó cerámica producida en la Fábrica Imperial de Porcelana (entonces conocida como Fábrica de Porcelana Lomonosov). Chasnik, junto con Nikolai Suetin, trabajó en la fábrica durante su época como miembro de UNOVIS. Murió en 1929 en Leningrado a la edad de 27 años. En 1981, la Universidad de Texas en Austin organizó una exposición dedicada a su obra.

Stima 2 600 - 2 800 EUR

Lotto 80 - SANDÚ DARIE (Roman, Rumanía, 1908 - La Habana, Cuba, 1991). Sin título. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Se adjunta certificado expedido por Pedro de Oraá. Medidas: 70 x 100 cm; 74 x 104 cm (marco). Rojo, amarillo, azul y negro sobre blanco trazan en este cuadro una cartografía íntima y al mismo tiempo un lenguaje pictográfico imaginario. Las obras vanguardistas de Sandu Darie son inclasificables en la medida en que intentan eliminar las fronteras entre arte y artesanía. A pesar de la influencia de Mondrian, las piezas de Darie complejizan la integración de planos, imprimiéndoles un ritmo peculiar, más allá del minimalismo formal que proponía Mondrian. Artista multidisciplinar, trabajó en diferentes campos del ámbito artístico, entre los que destacan la escultura, la pintura, el dibujo, la cerámica, el diseño escenográfico y el diseño de vestuario teatral. Comenzó su formación académica en París en 1926 en la carrera universitaria de Derecho. Sin embargo, su interés por el arte y el ambiente artístico de Paros introdujeron a Saurdu Darie en el mundo del arte de forma autodidacta. Durante este periodo, el artista compaginó su formación en Francia con su participación en revistas y periódicos progresistas de Rumanía y Francia, en los que realizaba dibujos humorísticos. En 1940 se alistó como voluntario en el ejército francés, llegando un año más tarde a Cuba. En la isla comenzó a realizar dibujos humorísticos, que alcanzaron una gran reputación, convirtiéndole en un artista de referencia desde 1942. A partir de 1949, año de su primera exposición en Nueva York, comienza su relación artística con Gyula Kosice, fundador del grupo "Arte Madí", participando así en las exposiciones de este grupo y en la publicación de artículos en la revista del grupo. Entre 1958 y 1961 formó parte del reconocido grupo de artistas "Diez Pintores Concretos", y en 1964 realizó, junto a Enrique Pineda Barnet, el documental "Cosmorama. Poema Espacial nº 1", un estudio experimental de formas y estructuras en movimiento, durante los años 70 su producción siguió una línea de proyectos para entornos arquitectónicos urbanos utilizando el arte cinético como lenguaje. En 1982 fue jurado del Salón Paisaje'82, Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana y en 1988 jurado del III Salón de Premiados, Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba.Sandú Daire Laver, es una de las figuras más destacadas del arte cubano. Es uno de los principales precursores de la Abstracción tanto en su vertiente lírica como geométrica. Siendo un ejemplo de su experiencia sobre la abstracción geométrica esta obra plástica, que por sus características formales y estructurales pudo ser ejecutada durante la década de los 50. Además de ser uno de los máximos representantes del arte cinético. Entre sus numerosos reconocimientos, cabe destacar la Mención Honorífica del VIIII Salón de Pintura y Escultura del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana en 1956 y su nombramiento como Miembro Honorario de la Real Academia de Bellas Artes de La Haya (Holanda) en 1975, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, y numerosas colecciones privadas de todo el mundo, así como instituciones como la Casa de las Américas de La Hanana (Cuba) y el MoMA de Nueva York, entre otras.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 81 - GRIGORY GUBAREV (San Petersburgo, 1895 - Kiev, Ucrania, 1978). Sin título. Óleo sobre tabla. Se adjunta certificado expedido por Jon Urgoiti. Medidas: 30 x 20 cm; 43 x 35 cm (marco). Este cuadro se adscribe por época, origen y estilo a la vanguardia rusa, periodo de gran innovación y experimentación plástica, especialmente en el campo de la abstracción geométrica. Dentro de los movimientos dominantes en la región (suprematismo, rayonismo, futurismo...), la presente obra sobre tabla sigue modelos constructivistas. El uso del color es audaz y vibrante, asociado a una forma que lo contiene y le confiere dinamismo. La vanguardia rusa abarca un periodo de innovación artística que se desarrolló aproximadamente entre 1890 y 1930. Esta escuela incluye una variedad de movimientos y estilos que, en conjunto, transformaron el arte y la cultura visual no sólo en Rusia sino en todo el mundo. Los artistas rusos de vanguardia trataron de romper con las tradiciones académicas y experimentar con nuevas formas, técnicas y conceptos. Malevich, Tatlin y Rodchenko fueron algunas de las muchas figuras estelares del movimiento. Grigov Gubarev estudió con los pintores A.A. Vesnin y Andrei Pomarenko y asistió a la escuela de arte del grupo HYLEA de tendencias futuristas-cubistas. Fue miembro del grupo futurista "Luchistj primitives" y participó intensamente en los cambios pictóricos posrevolucionarios. Su pintura osciló entre la vanguardia y el constructivismo. Fue profesor de técnica del color en la Escuela Estatal de Arte de Leningrado. Pintor emérito, miembro de la Asociación de Pintores Soviéticos, participó en diversas exposiciones rusas y pansoviéticas: destacan sus pinturas postcubistas y sus decoraciones en las diversas Dom Kultur populares de los países de la Unión Soviética.

Stima 1 200 - 1 800 EUR

Lotto 82 - MOISÉS VILLÈLIA (Barcelona, 1928 - 1994). "Modelo" 1978-1979. Bambú y material cerámico (ladrillo). Se adjunta boceto original firmado, fechado, localizado y titulado por el artista. Medidas: 60 x 45 x 20 cm. Moisés Sanmarón Puig, de nombre artístico Villèlia, fue un escultor vinculado al movimiento abstracto, que se identificó inicialmente con las inquietudes artísticas del grupo Dau al Set. Aprendió a tallar la madera en el taller de su padre, un reconocido artesano, y durante su infancia recibió una educación racionalista, interrumpida por el estallido de la Guerra Civil. Tras la guerra, su familia se trasladó de Barcelona a Mataró. En 1945 nace el interés de Villèlia por la poesía, cuando realiza sus primeras obras, tallas figurativas en madera, de perfiles expresivamente alargados y dinámicos. Expuso por primera vez en 1949, en el Museo de Mataró. Cuatro años más tarde, tras trabajar con su padre en la carpintería de la capilla de Santa Ana de la ciudad, decide dedicarse plenamente a la escultura. En estos años realiza sus primeras piezas no figurativas, que adoptan formas tubulares, con canales longitudinales y punzonados. Entró en contacto con el mundo artístico barcelonés, especialmente con el poeta Rabasseda y el crítico Alexandre Cirici, y en 1954 celebró su primera exposición individual, de nuevo en el Museo de Mataró. Presentó una selección de sus primeras obras, relieves que combinaban las influencias del modernismo y las filosofías orientales, que desde sus lecturas adolescentes fueron una constante en su vida. En 1963 ideó los assemblages, piezas combinables a gusto del comprador, y se despertó su creciente interés por las redes. Becado por el Instituto Francés de Barcelona, se trasladó a París en 1967. En la capital francesa trabajó con papel perforado como material principal de sus obras. Dos años más tarde se trasladó a Argentina, donde vivía su hermano, también escultor, y finalmente se instaló en Quito, donde permaneció hasta 1972. Cuando regresó a España, se instaló en la localidad gerundense de Molló, donde se dedicó a realizar esculturas surrealistas en las que utilizaba madera de sauce y ensamblajes de objetos, lo que daba a sus obras de esta época un cierto sentido humorístico. Murió en 1994, y en 1999 el IVAM de Valencia le dedicó una gran exposición retrospectiva. Actualmente está representado en el MACBA de Barcelona, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano de Valladolid.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 83 - ARMANDO CARDONA TORRANDELL (Barcelona, 1928 - Sant Pere de Ribes, Barcelona, 1995). Sin título, 1957. Acrílico sobre tabla. Firmado y fechado al dorso. Medidas: 38x 46 cm; 43 x 51 cm (marco). Cardona Torrandell inició su formación en el campo de las humanidades, para más tarde adentrarse en la pintura. Su obra, testimonio plástico del mundo actual, se caracteriza por composiciones abigarradas, llenas de rostros humanos, elementos caligráficos e inscripciones, que definen su personal iconografía. Organizó su obra en ciclos: "Retablos de la gente" (1956), "Barcas" (1956), "Máquinas" (1957), "Paisajes Concretos" (1960), "Universo concentracional" (1965), "Numancia" (1972), "Naufragios" (1979), etc. También dedicó algunas obras de homenaje a Sartre, Antonio Machado, Ungaretti y Lluís Companys. En 1965 realizó la escenografía de "Ronda de muerte a Sinera", de Espriu-Salvat, y al año siguiente la de "La buena persona de Sezuan", de Brecth. También colaboró con el Festival de Teatro de Sitges. Estuvo vinculado al Grupo Parpalló, y formó parte de Crónica de la Realidad e Intrarealismo. En 1971 recibió el premio de dibujo Ynglada-Guillot. Actualmente, Cardona Torrandell está representado en el Museo Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú, la Fundación Vila Casas, el Museo Rafael Zabaleta y otras colecciones públicas y privadas.

Stima 2 200 - 2 500 EUR

Lotto 84 - ENRIC PLANASDURÁ (Barcelona, 1921 - 1984). Sin título, 1956. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el ángulo superior derecho. Medidas: 100 x 72 cm; 110 x 82 cm (marco). Enrique Planas Durá, conocido como "Planasdurá" fue uno de los pioneros de la pintura abstracta en Cataluña. Fue un artista polifacético y versátil, capaz de trabajar la pintura, el grabado, el mural, la vidriera, la escenografía teatral, la escultura y otras técnicas. Perteneció a grupos artísticos como Lays del Círculo de Sant Lluc, con el que firmó el "Manifiesto Negro" en 1949, y el grupo Ada. Planasdurá debutó individualmente en las Galerías Alfa de Barcelona en 1943, con una obra de acento expresionista. Sin embargo, más tarde se definiría dentro de una abstracción geométrica de fuerte intensidad cromática. Trabajó con formas poligonales de colores planos, delimitadas por líneas rectas negras. Menos rígido que Mondrian y más suave que los cinéticos, su arte tiene una clara dimensión espacial que proporciona cierta sensación de profundidad a las formas planas que emplea, como en la pieza que presentamos. En 1974 recibió el Premio Ciudad de Barcelona. Planasdurà está representado en el Museo Paul Klee de Berna, el Museo Nacional de Bellas Artes de Taipei, el MACBA de Barcelona, el Patio Herreriano de Valladolid y el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 85 - RAFA MACARRÓN (Madrid, 1981). "Veca", 2015. Papel maché y pintura. Pieza única. Firmada, fechada y titulada en la base. Procedencia: Galería Aurora Vigil. Presenta una pequeña grieta en la cola. Medidas: 75 x 100 x 24 cm. En esta escultura Macarrón se refiere de manera personal a su perro, captando su esencia desde su idiosincrasia naif. En esta imagen sintética de formas estilizadas y color intenso, el artista recurre a líneas inspiradas de forma armónica en la naturaleza, ensalzando así formas con las que crea un nuevo concepto que parte de un mundo imaginario de vitalidad y alegría. La representación de su perro como protagonista de su obra no es aislada, ya que en la exposición "Membrillo", celebrada en el Cac de Málaga en 2021, había varias esculturas protagonizadas por un can. Además, en el paseo marítimo de Estepona se encuentra una gran escultura de bronce titulada "Perro I". Sin embargo, en este caso concreto la escultura destaca sobre las demás por la técnica del cartón piedra y por su intensa coloración rosa fucsia, que le aporta una gran expresividad. Rafa Macarrón es uno de los jóvenes artistas españoles con mayor proyección internacional en la actualidad. Su pintura pone en juego espacios amplios y neutros, de colores intensos y vivos, por los que transitan personajes inestables, de extremidades frágiles y enormes cabezas. De este modo, crea escenas que no prescinden del mundo figurativo, pero que sumergen al espectador en un ambiente onírico, lleno de lirismo. El artista se reconoce influido por artistas como Dubuffet, Fraile, Matta o Quirós, así como por el cómic y la pintura española de los años 50 y 60. Su carrera expositiva comenzó en 2006, con una muestra individual en la Sala Príncipe Sport de Madrid, titulada Trabubus. Desde entonces ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en centros nacionales e internacionales. Desde 2008 también ha participado, con notable éxito, en numerosas ferias internacionales de arte, como Art Madrid, Art Valencia, Scope Basel, Young Art Taipei, ARCO Madrid, Art Miami - Aqua, Art Lima, Context New York, Berliner Liste, entre otras... Ha recibido varios galardones, como el Premio BMW de Pintura en 2010 o el Premio Arco al Mejor Artista en 2013. Su obra se conserva en importantes colecciones y museos, como el Hudson Valley Center for Contemporary Art de Nueva York, la Fundación BMW en España, la Fundación Vivanco en La Rioja, o la colección Pilar Citoler.

Stima 70 000 - 80 000 EUR

Lotto 86 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). Serie Barcelona, 1972. Aguafuerte, aguatinta y carborundo. Copia 'Bon a tiré', 1972. Firmado e inscrito a lápiz. Inscripción: "Bat. Miró 6/IV/72 - 28/III/72 (6)". Ref. nº 602, p. 234, "Miró Graveur", Vol. II. Medidas: 70 x 105 cm; 87 x 122 cm (marco). Joan Miró se forma en Barcelona, y debuta individualmente en 1918, en las Galerías Dalmau. En 1920 se traslada a París y conoce a Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara y los dadaístas. Allí, bajo la influencia de poetas y pintores surrealistas, madura su estilo; intenta transponer a lo visual la poesía surrealista, basada en la memoria, la fantasía y lo irracional. Su tercera exposición en París, en 1928, fue su primer gran triunfo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus obras. Regresó a España en 1941, y ese mismo año el museo le dedicó una retrospectiva que supondría su definitiva consagración internacional. A lo largo de su vida recibió numerosos galardones, como los Grandes Premios de la Bienal de Venecia y de la Fundación Guggenheim, el Premio Carnegie de Pintura, las Medallas de Oro de la Generalitat de Cataluña y de Bellas Artes, y fue nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Harvard y Barcelona. Actualmente, su obra puede verse en la Fundación Joan Miró de Barcelona, así como en el Museo Thyssen-Bornemisza, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la National Gallery de Washington, el MNAM de París y la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 87 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). Serie Barcelona, 1972. Aguafuerte, aguatinta y carborundo. Copia 'Bon a tiré', 1972. Firmado e inscrito a lápiz. Inscripción: "Bat. Miró 6/IV/72 - 28/III/72 (6)". Ref. núm. 593, p. 228, "Miró Graveur", Vol. II. Medidas: 70 x 105 cm; 87 x 122 cm (marco). Joan Miró se forma en Barcelona, y debuta individualmente en 1918, en las Galerías Dalmau. En 1920 se traslada a París y conoce a Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara y los dadaístas. Allí, bajo la influencia de poetas y pintores surrealistas, madura su estilo; intenta transponer a lo visual la poesía surrealista, basada en la memoria, la fantasía y lo irracional. Su tercera exposición en París, en 1928, fue su primer gran triunfo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus obras. Regresó a España en 1941, y ese mismo año el museo le dedicó una retrospectiva que supondría su definitiva consagración internacional. A lo largo de su vida recibió numerosos galardones, como los Grandes Premios de la Bienal de Venecia y de la Fundación Guggenheim, el Premio Carnegie de Pintura, las Medallas de Oro de la Generalitat de Cataluña y de Bellas Artes, y fue nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Harvard y Barcelona. Actualmente, su obra puede verse en la Fundación Joan Miró de Barcelona, así como en el Museo Thyssen-Bornemisza, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la National Gallery de Washington, el MNAM de París y la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 88 - WASHINGTON BARCALA (Montevideo 1920-Montevideo 1993). "Composición". Técnica mixta sobre panel. Firmado al dorso. Medidas: 20 x 18,5 cm, 42,5 x 40,5 cm (marco). Artista multidisciplinar se formó compartiendo tareas en la fábrica de cajas de cartón de sus padres, por lo que se familiarizó con la materia prima que años más tarde utilizaría en su obra. En sus primeros años de formación estudió en el Círculo de Bellas Artes de Montevideo, coincidiendo con el artista Joaquín Torres García. En 1950 asiste a clases en la Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid). Vuelve a Montevideo y regresa definitivamente a Madrid en 1975, cuando su obra comienza a adquirir proyección internacional. Su producción puede agruparse en tres estilos: pintura figurativa (1946-1950), pintura abstracta e informalista (1961-1964) hasta llegar a lo que es su estilo más personal "etapa de las cajas" a partir de 1967. Cabe destacar la definición del artista sobre su concepción del arte, recogida en su página web. "Cuando hago un cuadro trato de crear espacios de relaciones visuales donde las formas expresen por su identidad o apariencia general, relaciones y tensiones, los fenómenos que rodean, las diversas realidades del mundo físico o espiritual. Estos testimonios vitales, estos sentimientos íntimos vertidos en imágenes analíticas o instintivas, son los generadores de lo que yo llamo, para escapar a una catalogación imprecisa, ordenaciones. A la superficie de la obra concurro con las motivaciones que darán forma a la imagen, con las inagotables soluciones posibles de composición, con una infinidad de formas, con las diferentes telas, niños y papeles, con las maderas en su estado natural o pintadas y los colores con sus misterios de relaciones. En una intensa búsqueda por establecer un orden, todo se digiere para lograr el máximo equilibrio posible. Suponiendo que lo haya conseguido, el grado de vivencia de la obra será mayor o menor, en función del éxito alcanzado". Hoy sus obras se encuentran en diferentes colecciones de gran relevancia artística, tanto privadas como públicas, ejemplo de ello son las dos obras que el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, tiene en su colección.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 89 - ISMAEL GONZÁLEZ DE LA SERNA (Guadix, Granada, 1898 - París, 1968). Sin título. 1929. Óleo sobre cartón duro. Firmado y fechado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 63 x 48 cm; 87 x 74 cm (marco). En la transición de los años veinte a los treinta, la pintura de De la Serna evoluciona hacia una abstracción geométrica que se aleja de sus inicios postcubistas. La obra aquí expuesta pertenece a esta segunda etapa creativa. La paleta prioriza los tonos marrones y grises en contraste con los blancos, desarrollándose en planos cromáticos superpuestos que parecen conferir volumen a la superficie. De la Serna emplea así con audacia el color, organizándolo en composiciones equilibradas y dinámicas al mismo tiempo. Ismael González de la Serna inició sus estudios artísticos en Granada y los concluyó en Madrid, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. En sus primeros años desarrolla un estilo pictórico ecléctico, que bebe de fuentes impresionistas, simbolistas y modernistas. Uno de los primeros ejemplos de su lenguaje juvenil lo encontramos en las ilustraciones que realizó para su amigo de la infancia Federico García Lorca, en el que sería su primer libro, "Impresiones y paisajes" (1918). Ese mismo año, Ismael de la Serna celebra su primera exposición en Granada, y poco después presenta sus obras en el Ateneo de Madrid. En 1921 se traslada a París para ampliar sus horizontes artísticos, integrándose en los círculos de la Escuela de París. Entre sus amigos parisinos se encontraba Pablo Picasso, que influyó en su obra pero fue, sobre todo, el protector del pintor granadino. El estilo de De la Serna fue, en este periodo, permeable a las influencias de las vanguardias, principalmente el cubismo y el expresionismo, que trabajó de forma muy personal. Asimismo, la influencia inicial del impresionismo fue siempre evidente en su obra. El año 1927 marcó el inicio de un periodo de fuerte proyección de su obra, que comenzó con la exposición individual que el pintor celebró en la influyente galería parisina de Paul Guillaume. A esta exposición siguieron otras muchas, tanto en París como en Berlín, Bruselas, Copenhague, Granada y México. En 1928 recibió el encargo del director de "Cahiers d'Art", Christian Zervos, de ilustrar una edición especial de veinte sonetos de Góngora. La clave de su reconocimiento hay que buscarla en su lectura sensual de las formas del cubismo, basada en la pertinencia de un dibujo de líneas sinuosas y muy decorativas, combinadas con fuertes improntas cromáticas. Con un marcado sentido espacial y sin abandonar nunca la figuración, De la Serna representó principalmente bodegones, en los que acentuó el lado sensorial de su pintura con referencias sensoriales metafóricas, como la música, la fruta o las ventanas abiertas. También trabajó el paisaje y el retrato. Tras inaugurar con una exposición individual las actividades de la Asociación de Artistas Ibéricos de Madrid en 1932, el pintor emprende nuevas vías de experimentación plástica que desembocarán, tras la Segunda Guerra Mundial, en una pintura más esquemática y simplificada, cercana a las soluciones abstractas contemporáneas. Ismael de la Serna está representado en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Museo Reina Sofía de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Granada y Sevilla, el ARTIUM, etc.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 90 - MOISÉS VILLÈLIA (Barcelona, 1928 - 1994). "Construcción con círculo". Bambú y metal. Se adjunta boceto original firmado, fechado, localizado y titulado por el artista. Medidas: 32 x 35 x 8 cm. Moisés Sanmarón Puig, de nombre artístico Villèlia, fue un escultor vinculado al movimiento abstracto, que se identificó inicialmente con las inquietudes artísticas del grupo Dau al Set. Aprendió a tallar la madera en el taller de su padre, un reconocido artesano, y durante su infancia recibió una educación racionalista, interrumpida por el estallido de la Guerra Civil. Tras la guerra, su familia se trasladó de Barcelona a Mataró. En 1945 nació el interés de Villèlia por la poesía, cuando creó sus primeras obras, tallas figurativas de madera, con perfiles expresivamente alargados y dinámicos. Expuso su obra por primera vez en 1949, en el Museo de Mataró. Cuatro años más tarde, tras trabajar con su padre en la carpintería de la capilla de Santa Ana de la ciudad, decide dedicarse plenamente a la escultura. En estos años realiza sus primeras piezas no figurativas, que adoptan formas tubulares, con canales longitudinales y punzonados. Entró en contacto con el mundo artístico barcelonés, especialmente con el poeta Rabasseda y el crítico Alexandre Cirici, y en 1954 celebró su primera exposición individual, de nuevo en el Museo de Mataró. Presentó una selección de sus primeras obras, relieves que combinaban las influencias del modernismo y las filosofías orientales, que desde sus lecturas adolescentes fueron una constante en su vida. En 1963 ideó los assemblages, piezas combinables a gusto del comprador, y se despertó su creciente interés por las redes. Becado por el Instituto Francés de Barcelona, se trasladó a París en 1967. En la capital francesa trabajó con papel perforado como material principal de sus obras. Dos años más tarde se trasladó a Argentina, donde vivía su hermano, también escultor, y finalmente se instaló en Quito, donde permaneció hasta 1972. Cuando regresó a España, se instaló en la localidad gerundense de Molló, donde se dedicó a realizar esculturas surrealistas en las que utilizaba madera de sauce y ensamblajes de objetos, lo que daba a sus obras de esta época un cierto sentido humorístico. Murió en 1994, y en 1999 el IVAM de Valencia le dedicó una gran exposición retrospectiva. Actualmente está representado en el MACBA de Barcelona, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano de Valladolid.

Stima 1 800 - 2 200 EUR

Lotto 91 - MAGDA BOLUMAR CHERTÓ (Caldes d'Estrac, Barcelona, 1934). Sin título, 1971. Técnica mixta sobre papel. Firmado, localizado y fechado en la esquina inferior izquierda. Medidas: 35 x 50 cm; 38 x 53 cm (marco). Magda Bolumar ingresó en 1948 en el estudio del pintor Rafael Estrany, discípulo de James Ensor, estudiando posteriormente en la Escuela de Artes y Oficios de Mataró. En 1954 contactó con algunos miembros del grupo Dau al Set y con el escultor Moisés Villelia, uno de los artífices del grupo Arte Actual, con quien se casó, iniciando una investigación conjunta sobre las materias primas en el arte. Magda Bolumar fue especialmente conocida por las Xarpelleres, que expuso por primera vez en Barcelona en 1960. En las Xarpelleres, la materia y la textura tienen una importancia especial, lo que conecta estas obras con el Informalismo. Sin embargo, las obras de Magda Bolumar tienen un sentido esencialmente constructivista, ya que la estructura adquiere en ellas el protagonismo principal a partir de la tensión de los hilos con los que están realizadas. Cirici Pellicer escribió que, a diferencia de las obras de artistas informalistas como Burri o Millares, frente al dramatismo o la denuncia, "en la obra de Magda Bolumar, el textil sirve para la construcción de un nuevo cosmos, manifiesta la necesidad de "reordenar" el mundo a través de la trama de los hilos".1 Mª Luisa Borrás escribió que "las magníficas "xarpelleres" de esta artista manifiestan una liberación arrolladora de fuerzas, cerebrales en su mayoría, que desembocan en tensiones de urdimbre en trama, estrelladas o paralelismos reveladores de una liberación intelectual, de ingenio y rigor constructivo". Tampoco la artista ve su obra dentro del informalismo, pero la necesidad de convertir a las artistas en seguidoras de los grandes nombres masculinos, considerados por la historia canónica como los únicos válidos, ha forzado el sentido de la relación materia-vanguardia, haciéndola pasar necesariamente por una lectura desde el informalismo en ese momento del arte español". Con el bordado de sus "xarpelleres", Magda Bolumar busca acercarse poéticamente a la vida, como decía Joan Brossa en un texto dedicado a uno de los cuadros de la artista, en el que destacaba el sentido lírico de estas estructuras textiles: "El marc/ fa de tambor/per a bordar el sac" (Brossa, 1965).

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 92 - MAGDA BOLUMAR CHERTÓ (Caldes d'Estrac, Barcelona, 1934). Sin título, 1996. Técnica mixta sobre arpillera. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Firmado y fechado en el reverso. Medidas: 82 x 122 cm; 85 x 125 cm (marco). Magda Bolumar ingresó en 1948 en el estudio del pintor Rafael Estrany, discípulo de James Ensor, estudiando posteriormente en la Escuela de Artes y Oficios de Mataró. En 1954 contactó con algunos miembros del grupo Dau al Set y con el escultor Moisés Villelia, uno de los artífices del grupo Arte Actual, con quien se casó, iniciando una investigación conjunta sobre las materias primas en el arte. Magda Bolumar fue especialmente conocida por las Xarpelleres, que expuso por primera vez en Barcelona en 1960. En las Xarpelleres, la materia y la textura tienen una importancia especial, lo que conecta estas obras con el Informalismo. Sin embargo, las obras de Magda Bolumar tienen un sentido esencialmente constructivista, ya que la estructura adquiere en ellas el protagonismo principal a partir de la tensión de los hilos con los que están realizadas. Cirici Pellicer escribió que, a diferencia de las obras de artistas informalistas como Burri o Millares, frente al dramatismo o la denuncia, "en la obra de Magda Bolumar, el textil sirve para la construcción de un nuevo cosmos, manifiesta la necesidad de "reordenar" el mundo a través de la trama de los hilos".1 Mª Luisa Borrás escribió que "las magníficas "xarpelleres" de esta artista manifiestan una liberación arrolladora de fuerzas, cerebrales en su mayoría, que desembocan en tensiones de urdimbre en trama, estrelladas o paralelismos reveladores de una liberación intelectual, de ingenio y rigor constructivo". Tampoco la artista ve su obra dentro del informalismo, pero la necesidad de convertir a las artistas en seguidoras de los grandes nombres masculinos, considerados por la historia canónica como los únicos válidos, ha forzado el sentido de la relación materia-vanguardia, haciéndola pasar necesariamente por una lectura desde el informalismo en ese momento del arte español". Con el bordado de sus "xarpelleres", Magda Bolumar busca acercarse poéticamente a la vida, como decía Joan Brossa en un texto dedicado a uno de los cuadros de la artista, en el que destacaba el sentido lírico de estas estructuras textiles: "El marc/ fa de tambor/per a bordar el sac" (Brossa, 1965).

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 93 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Pintor poma", Barcelona, 1988. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior izquierda. Fechado, titulado y localizado al dorso. Procedencia: -Galeria Gamarra y Garrigues. Con etiqueta al dorso. -Colección particular Medidas: 114 x 114 cm; 115 x 115 cm (marco). Llimós se dio a conocer en 1964, con una exposición conjunta con, entre otros, Arranz Bravo, Bartolozzi y Gerard Sala, con quienes trabajó en equipo hasta 1969. Su obra se encuentra en destacadas colecciones como el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Moderno Espirito Santo de Brasil, la Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Álava y Sevilla, la Fondazione Lucio Amelio de Nápoles, el Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende de Santiago de Chile, la Peter Stuyvesant Foundation de Ámsterdam, el Palau Solleric de Palma de Mallorca y el MACBA de Barcelona, entre otros. Su obra, de trazo expresivo e intenso, oscila entre la figuración y la abstracción simbólica, con una fuerte atracción por el mundo animal, a menudo tema de su trabajo, como puede apreciarse en el cuadro que ahora presentamos.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 94 - SABINE FINKENAUER (Alemania, 1961) "Chica".2002. Óleo sobre lienzo. Firmado, titulado y fechado al dorso. Medidas: 30 x 52 cm. Este rostro de niña sometido a un proceso de síntesis se adscribe a una constante búsqueda de la esencialidad a la que Finkenauer somete todo tipo de cosas (figuras, muebles, montañas...) Suelen ser figuras relacionadas con el imaginario infantil y el cuento, como en este caso, que podrían describirse como muñecas, niñas o princesas. Todo este universo de "cosas" se retrata a través de un lenguaje formal sencillo y riguroso, trabajando de forma lúdica entre la abstracción y la figuración de una realidad que evoca sin representar. Sabine Finkenauer, nacida en la ciudad de Rockenhausen, vive y trabaja en Barcelona desde 1993. Tras su formación en la Academia de Bellas Artes de Munich, se especializó en escultura, aunque a principios de los ochenta, ya instalada en Barcelona, su obra dio un giro hacia la pintura. El tema general de la obra de Sabine Finkenauer, según sus propias palabras, son "las cosas sencillas". Esta artista alemana lleva varios años progresando y ganando reconocimiento. Su exposición individual en la Städtische Galerie de Villingen - Schwenningen, Alemania, y su participación en Non-Declarative drawing en el Drawing Center de Nueva York (2007), comisariada por Luis Camnitzer, confirman el interés de su obra. Así como su reciente participación en Pintura: renovación permanente, comisariada por Mariano Navarro en el Museo Patio Herreriano de Valladolid (2021) y en Posiciones de dibujo, comisariada por Mónica Álvarez Careaga en el CAB de Burgos (2019).

Stima 1 600 - 2 000 EUR

Lotto 95 - SABINE FINKENAUER (Alemania, 1961) "Chica".2002. Óleo sobre lienzo. Firmado, titulado y fechado al dorso. Medidas: 30 x 52 cm. Este rostro de niña sometido a un proceso de síntesis se adscribe a una constante búsqueda de la esencialidad a la que Finkenauer somete todo tipo de cosas (figuras, muebles, montañas...) Suelen ser figuras relacionadas con el imaginario infantil y el cuento, como en este caso, que podrían describirse como muñecas, niñas o princesas. Todo este universo de "cosas" se retrata a través de un lenguaje formal sencillo y riguroso, trabajando de forma lúdica entre la abstracción y la figuración de una realidad que evoca sin representar. Sabine Finkenauer, nacida en la ciudad de Rockenhausen, vive y trabaja en Barcelona desde 1993. Tras su formación en la Academia de Bellas Artes de Munich, se especializó en escultura, aunque a principios de los ochenta, ya instalada en Barcelona, su obra dio un giro hacia la pintura. El tema general de la obra de Sabine Finkenauer, según sus propias palabras, son "las cosas sencillas". Esta artista alemana lleva varios años progresando y ganando reconocimiento. Su exposición individual en la Städtische Galerie de Villingen - Schwenningen, Alemania, y su participación en Non-Declarative drawing en el Drawing Center de Nueva York (2007), comisariada por Luis Camnitzer, confirman el interés de su obra. Así como su reciente participación en Pintura: renovación permanente, comisariada por Mariano Navarro en el Museo Patio Herreriano de Valladolid (2021) y en Posiciones de dibujo, comisariada por Mónica Álvarez Careaga en el CAB de Burgos (2019).

Stima 1 600 - 2 000 EUR

Lotto 96 - SABINE FINKENAUER (Alemania, 1961) Sin título.2000. Óleo sobre lienzo. Díptico. Firmado y fechado al dorso. Medidas: 101 x 105 cm. cada uno. Estos dos rostros de niñas sometidos a un proceso de síntesis se adscriben a una constante búsqueda de la esencialidad a la que Finkenauer somete todo tipo de cosas (figuras, muebles, montañas...) A menudo son figuras relacionadas con el imaginario infantil y el cuento, como en este caso, que podrían describirse como muñecas, niñas o princesas. Todo este universo de "cosas" se retrata a través de un lenguaje formal sencillo y riguroso, trabajando de forma lúdica entre la abstracción y la figuración de una realidad que evoca sin representar. Sabine Finkenauer, nacida en la ciudad de Rockenhausen, vive y trabaja en Barcelona desde 1993. Tras su formación en la Academia de Bellas Artes de Munich, se especializó en escultura, aunque a principios de los ochenta, ya instalada en Barcelona, su obra dio un giro hacia la pintura. El tema general de la obra de Sabine Finkenauer, según sus propias palabras, son "las cosas sencillas". Esta artista alemana lleva varios años progresando y ganando reconocimiento. Su exposición individual en la Städtische Galerie de Villingen - Schwenningen, Alemania, y su participación en Non-Declarative drawing en el Drawing Center de Nueva York (2007), comisariada por Luis Camnitzer, confirman el interés de su obra. Así como su reciente participación en Pintura: renovación permanente, comisariada por Mariano Navarro en el Museo Patio Herreriano de Valladolid (2021) y en Posiciones de dibujo, comisariada por Mónica Álvarez Careaga en el CAB de Burgos (2019).

Stima 4 200 - 4 800 EUR

Lotto 97 - ESTEBAN VICENTE PÉREZ (Turégano, Segovia, 1903 - Nueva York, 2001). Sin título, 1967. Tinta sobre papel. Firmado. Exposiciones: Madrid, Galería Elvira González, "Esteban Vicente. Blanco y negro", 17 de marzo - 14 de abril de 2000, página 33 (reprod.). Barcelona, Galería Alejandro Sales, "Esteban Vicente", noviembre de 2006 (reprod.). Medidas: 48 x 70 cm; 70 x 90 cm (marco). Esteban Vicente ingresa, en 1921, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, con el propósito de formarse como escultor, pero pronto decide dedicarse a la pintura. En 1928 realiza su primera exposición, tras la cual marcha a París, donde permanece hasta 1930. Regresa a España y expone en Barcelona y Madrid, y tras el estallido de la Guerra Civil trabaja escondido en las montañas que rodean la capital. Sin embargo, ese mismo año de 1936 decide marcharse a Nueva York, lugar de origen de su esposa. Allí expone por primera vez en la Kleeman Gallery en 1937. Cuatro años más tarde obtiene la nacionalidad americana ya que, habiendo sido partidario del bando republicano, decide no regresar a España. En los años siguientes realizó numerosos encargos y exposiciones, y entre 1947 y 1947 fue profesor de pintura en la Universidad de Puerto Rico. A su regreso a Estados Unidos estableció relación con la naciente Escuela de Nueva York, participando con sus exposiciones en la Kootz Gallery (1950), en la Ninth Street Art Exhibition (1951) y en las Sidney Janis y Egan Galleries. Fue miembro fundador de la New York Studio School, donde enseñó durante treinta y seis años. A partir de los años ochenta su obra empezó a ser conocida en España, se le dedicaron retrospectivas (Banco Exterior, 1987, y Museo Reina Sofía, 1997) y se le concedieron menciones como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1990) y la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio (1999). En 1998 se inauguró en Segovia el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, donde hoy se conserva gran parte de su obra. Las obras de Vicente se conservan en importantes museos de arte contemporáneo de todo el mundo, como el Metropolitan, el Guggenheim y el MOMA de Nueva York, el Museo Nacional Reina Sofía de Madrid, el Smithsonian de Washington D.C., el Withney Museum of American Art o el Indianapolis Museum of Art, entre otros.

Stima 16 000 - 18 000 EUR

Lotto 98 - JOSÉ GUERRERO (Granada, 1914 - Barcelona, 1991). Sin título, 1985. Óleo sobre fondo litográfico. Firmado y fechado. Bibliografía: Baena, Francisco; Guibault, Serge; Ramírez, Juan Antonio; Romero Gómez, Yolanda; Vallejo Ulecia, Inés, Catálogo Razonado Vol. II. 1970-1991, ed. Centro José Guerrero, página 1090, nº 1133. Medidas: 68 x 48 cm; 82 x 64 cm (marco). Pintor y grabador español nacionalizado estadounidense, José Guerrero desarrolló su obra dentro del expresionismo abstracto. Comenzó su formación en la Escuela de Artes y Oficios de Granada, y pronto se trasladó a Madrid para continuar sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, donde fue alumno de Daniel Vázquez Díaz. En 1942 obtuvo una beca de la Casa de Velázquez, y en 1945 se trasladó a París gracias a una nueva beca, esta vez concedida por el gobierno francés. En la capital francesa conoció de primera mano la vanguardia europea y entró en contacto con los pintores españoles de la Escuela de París. Desde entonces, su obra está llena de ecos vanguardistas y de los signos de Picasso, claramente visibles en esta obra, rasgos que abandonará en los años cincuenta, cuando descubra el expresionismo abstracto en Nueva York. Llega a esa ciudad en 1950, animado por su mujer, la periodista neoyorquina Roxana Pollock, con la que se había casado un año antes. En 1954 expone junto a Joan Miró en el Art Club de Chicago, exposición que supone su definitiva proyección internacional. Su marchante fue Betty Parson, una de las galeristas más importantes del Nueva York de la época. El estilo de Guerrero cambia entonces por completo, mostrando una profunda influencia de Rothko y Kline; abandona definitivamente la figuración y construye composiciones donde se evidencia una marcada tensión entre espacios, colores y objetos irreconocibles. Regresa a España en 1965 y participa en la creación del Museo de Arte Abstracto de Cuenca. Pronto regresa a Nueva York, aunque continúa realizando viajes a España. Su producción, que sigue caracterizándose por la fuerza de las masas de color, los planos y las líneas, recibe en esta época la influencia de Clyfford Still y Barnett Newman. Hoy en día, José Guerrero está reconocido como uno de los pintores españoles más destacados de la Escuela de Nueva York. Obtuvo un temprano reconocimiento, al ser nombrado Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por el gobierno francés en 1959. Asimismo, en 1976 se celebró en su ciudad natal su primera exposición antológica. En 1984 recibió la Medalla de Oro de las Bellas Artes, y en 1989 fue condecorado por la Fundación Rodríguez Acosta. En 2000 se inauguró en Granada el centro de arte que lleva su nombre, creado a partir de la donación realizada por su viuda a la Diputación Provincial. También está representado en diversos museos y colecciones, como el Museo Guggenheim, el MOMA y el Metropolitan de Nueva York, el Reina Sofía de Madrid, el British Museum y el Patio Herreriano de Valladolid.

Stima 15 000 - 18 000 EUR

Lotto 99 - JOSÉ MANUEL BROTO GIMENO (Zaragoza, 1949). "Hierros", 2000. Acrílico sobre lienzo y madera. Firmado, fechado y titulado al dorso. Tamaño: 100 x 100 cm. Pintor aragonés enmarcado dentro de la nueva abstracción de los años setenta, siendo considerado como una de las figuras más significativas de la pintura española contemporánea, José Manuel Broto articula su lenguaje plástico utilizando el color, modulándolo en sutiles variaciones tonales que evocan sinfonías musicales. Las influencias artísticas recibidas a lo largo de su carrera le condujeron hacia una abstracción próxima a artistas como Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still, Robert Motherwell o Sam Francis, basada en el lirismo y, en algunos casos, en lo sublime. Para él fue fundamental el camino abierto por Antoni Tàpies, que rehuyó lo conceptual para practicar un arte material basado en la esencialidad de la pintura. Así, en esta obra, Broto utiliza un lenguaje abstracto, basado en una geometría irregular, libre tanto en su trazado como en sus texturas y colores. Las formas pictóricas son fruto de la dualidad, ya que se resuelven mediante una composición meditada y también mediante la experimentación. El resultado es una imagen que trasciende, indicando al espectador que estamos ante formas, ideas o sugerencias que traspasan los límites de lo puramente pictórico. José Manuel Broto estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza, y expuso por primera vez en 1968 (galería Galdeano), mostrando un estilo en línea con el constructivismo. En 1972 se traslada a Barcelona, donde funda el grupo Trama junto con Javier Rubio, Xavier Grau y Gonzalo Tena. Con este grupo presentó su obra en 1976 en la galería Maeght de Barcelona, con el apoyo de Antonio Tàpies. Trama también publicó una revista de arte del mismo nombre, de la que, sin embargo, sólo aparecieron dos números (1976-1977). Sin embargo, tras la disolución del grupo, Broto se orientó hacia un lenguaje próximo al expresionismo abstracto, que incorporaba a su obra un paisaje natural primitivo. Mostró estas nuevas obras en su primera exposición individual en París, celebrada en 1984 en la galería Adrien Maeght. Al año siguiente abandonó Barcelona y se instaló en la capital francesa, donde pasó diez años y coincidió con otros artistas españoles como Barceló, Campano y Sicilia. Durante su etapa parisina, Broto sustituyó los temas románticos por formas más austeras y abstractas, y su obra se llenó de formas orgánicas relacionadas con la tradición ascética y mística. A mediados de los ochenta regresa a España, esta vez instalándose en Mallorca. Ya un artista maduro, practica una neoabstracción directamente vinculada a la escuela catalana de los años setenta, influida en sus orígenes por los principios estéticos y plásticos del grupo francés Soporte/Superficie, que en 1966 reclamaba una vuelta a la pintura tras el desorden producido por los movimientos conceptuales. A partir de 1998, su abanico temático se amplía a figuras espaciales, transparencias, formas atmosféricas, etc., combinadas con un tratamiento colorista y una estructura rigurosa. A lo largo de su carrera, Broto ha realizado numerosas exposiciones, y ha sido galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas (1995), el Premio ARCO de la Asociación de Críticos (1997) y el Premio Aragón Goya de Grabado (2003). En 1995 el Museo Reina Sofía de Madrid le dedicó una exposición retrospectiva. Actualmente está representado en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, el FRAC (Midi-Pyrénées, Francia), la Chase Manhattan Bank Collection de Nueva York, la Fundación Juan March, el Reina Sofía, el Metropolitan Museum de Nueva York, el Fond National d'Art Contemporain de París, la Colección Kampo de Tokio, la Fundación Tàpies de Barcelona, la Colección DOVE de Zúrich, el Ateneum de Helsinki, la Fundación Peter Stuyvesant de Ámsterdam, la Maeght de Francia, la Colección La Caixa de Barcelona, la Preussag de Hannover y el IVAM de Valencia.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 100 - MIGUEL ÁNGEL CAMPANO (Madrid, 1948 - 2018). Sin título.1993. Óleo y acrílico sobre lino. Firmado y fechado al dorso. Obra reproducida en: -Santiago Olmo, "Miguel Ángel Campano. Pinturas 1993", Ed. Galería Juana de Aizpuru, Madrid 1993, p. 12 -Santiago Olmo, "Campano", Ed. Association Fortant de France, Setè 1994, p. 45. -Santiago Olmo, "Miguel Ángel Campano", Ed. Sa Nostra, Obra Social y Cultural, Palma de Mallorca 1997, p. 19". Medidas: 266 x 195 cm. Estamos ante una composición de gran formato que conjuga el efecto visual que resulta del contraste cromático y conceptual entre dos colores opuestos, el blanco y el negro, al tiempo que explora la imperfección de las formas mínimas engañosamente geométricas: el óvalo deformado, el punto que se expande en mancha. Estas formas ahuecadas son características de las obras realizadas por Campano a principios de los noventa, que ya había empezado a explorar cuando abandonó la figuración. El artista afirmaba estar influido por sus viajes a países asiáticos. En los noventa, sólo utilizó óleo negro. Campano se reinventa una y otra vez. A partir de los años noventa, la obra de Campano sufrió diferentes procesos de despojamiento: por un lado, se recortaron las referencias a la tradición y, por otro, se excluyó el color de su pintura, trabajando sólo en negro sobre lienzo desnudo. Por otro lado, la reflexión sobre la geometría se convirtió en un aspecto clave de su producción. Miguel Ángel Campano es uno de los referentes de la llamada renovación de la pintura española, que tuvo lugar en los años ochenta y en la que también participaron Ferrán García Sevilla, José Manuel Broto, José María Sicilia y Miquel Barceló. En los años 70 se trasladó a París gracias a una beca; el año previsto se convirtió en una estancia de más de diez, allí vivió y desarrolló su brillante carrera pictórica. Después se fue a vivir a Mallorca. En 1980 formó parte de la exposición Madrid DF, en el Museo Municipal de Madrid, junto a varios artistas entre los que se encontraban los mismos que hoy -salvo García Sevilla- le acompañan en el Palacio de Velázquez. Cinco años más tarde fue seleccionado, junto a otros compañeros de generación, entonces todos jóvenes pintores, como Miquel Barceló, que ya era una figura destacada, y José María Sicilia, para una exposición colectiva en Nueva York. En 1996 le conceden el Premio Nacional de Artes Plásticas. Acababa de sufrir un grave derrame cerebral y fue operado en Madrid. Esto le obligó a pasar varios meses sin pintar. Entonces pintó "sólo en negro", un color muy simbólico según sus propias palabras. Tres años más tarde, el Museo Reina Sofía organizó en este mismo Palacio de Velázquez una exposición dedicada a su obra reciente entonces, la de los años 90. Sus obras se exponen en los museos más importantes, como el British Museum de Londres, el Centro Pompidou de París y el Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía de Madrid.

Stima 45 000 - 50 000 EUR

10 de septiembre - Arte contemporáneo

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Lotto 67 - JAVIER CODESAL (Sabiñánigo, Huesca, 1958) Los pies perdidos#4, 2010. Fotografía en color, ed. 1/3. Medidas: 76 x 110 cm; 80 x 114 cm (marco).