29th July - Iconic Photographs & Graphic work

Lote 1 - HELMUT NEWTON (Alemania, 1920- California, 2004). "Zapato", Montecarlo, 1983. Gelatina de plata. Impresión posterior. Firmada, titulada, fechada a lápiz y sello de copyright en el reverso. Sin número de edición. Procedencia: Colección McCord, Nueva York. Medidas: 36 x 24,6 cm (imagen); 40 x 31 cm (marco). Un tobillo sutilmente ladeado y calzado con un zapato de tacón alto ocupa todo el plano fotográfico en esta icónica imagen de Helmut Newton. Como lugar asociado al glamour y al lujo, Montecarlo constituye un telón de fondo perfecto para la exploración de la moda y el erotismo por parte de Newton. El fetichismo de los tacones altos y los tobillos femeninos son explorados por el artista en diferentes contextos. En todos ellos, a través de composiciones atrevidas y cuidadosamente elaboradas, redefine los parámetros de la fotografía de moda y el erotismo, el papel de la mujer y las relaciones de poder. La provocación, el antivoyeurismo y el empoderamiento femenino son a menudo atributos de sus fotos. Newton nació en Berlín, asistió al Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium y a la Escuela Americana de Berlín. Interesado en la fotografía desde los 12 años, cuando compró su primera cámara, trabajó para la fotógrafa alemana Yva (Elsie Neuländer Simon) desde 1936.Las restricciones cada vez más opresivas impuestas a los judíos por las leyes de Nuremberg hicieron que su padre perdiera el control de la fábrica; fue internado brevemente en un campo de concentración en la Kristallnacht, , lo que finalmente obligó a la familia a abandonar Alemania. Los padres de Newton huyeron a Argentina. Finalmente, al llegar a Singapur, descubrió que podía quedarse allí, primero brevemente como fotógrafo del Straits Times y luego como retratista. Newton fue internado por las autoridades británicas mientras estaba en Singapur y fue enviado a Australia a bordo del Queen Mary, llegando a Sydney el 27 de septiembre de 1940. Fue liberado del internamiento en 1942 y trabajó brevemente como recolector de fruta en el norte de Victoria. En abril de 1942 se alistó en el ejército australiano y trabajó como camionero. Tras la guerra, en 1945, se convirtió en súbdito británico y cambió su nombre por el de Newton en 1946. Ese mismo año, Newton montó un estudio en Flinders Lane, en Melbourne, y trabajó en moda, teatro y fotografía industrial durante la posguerra. Compartió su primera exposición conjunta en mayo de 1953 con Wolfgang Sievers,La exposición "New Visions in Photography" se presentó en el Federal Hotel de Collins Street y fue probablemente el primer atisbo de la fotografía de la Nueva Objetividad en Australia. Newton se asoció con Henry Talbot, un judío alemán que también había estado internado en Tatura, y su relación con el estudio continuó incluso después de 1957, cuando se marchó de Australia a Londres. El estudio pasó a llamarse "Helmut Newton y Henry Talbot". La creciente reputación de Newton como fotógrafo de moda se vio recompensada cuando consiguió un encargo para ilustrar la moda en un suplemento especial australiano de la revista Vogue, publicado en enero de 1956. Consiguió un contrato de 12 meses con British Vogue y se marchó a Londres en febrero de 1957, dejando a Talbot la dirección del negocio. Newton dejó la revista antes de finalizar su contrato y se fue a París, donde trabajó para revistas francesas y alemanas. Regresó a Melbourne en marzo de 1959 para trabajar con Australian Vogue. Finalmente, Newton y su esposa se instalaron en París en 1961. Sus imágenes aparecieron en revistas como la edición francesa de Vogue y Harper's Bazaar. Estableció un estilo particular marcado por escenas eróticas y estilizadas, a menudo con subtextos fetichistas. En 1980 creó la serie "Grandes desnudos". Le siguió su carpeta "Desnudo y vestido", y en 1992 "Desnudos domésticos", que marcó la cumbre de su estilo erótico-urbano; todas estas series avalaban la destreza de sus habilidades técnicas. Newton también trabajó en retratos y estudios más fantásticos. Realizó una serie de ilustraciones para Playboy, entre ellas las de Nastassja Kinski y Kristine DeBell.

Valorac. 12 000 - 14 000 EUR

Lote 2 - STEVE MCCURRY (EE.UU., 1950). "Afghan Girl", Peshawar, Pakistán, 1984. Impresión cromogénica. Anotación en el reverso: "Fuji color chrystal Archive Paper". Firmado a tinta en el margen. Procedencia: Galería Cesare Manzo, Pescara, Italia. Medidas: 45,5 x 30,5 cm (imagen); 49,8 x 39,5 cm (marco). "La niña afgana" es la fotografía más conocida de la carrera de McCurry, e icónica para la historia de la fotografía documental. La tomó en 1984, en el campo de refugiados de Nasir Bagh, en Pakistán, durante la guerra soviético-afgana. La niña, Sharbat Gula, era una refugiada afgana que había huido de la violencia en su país. La niña, de penetrantes ojos verdes y envuelta en un chal rojo que le cubría los hombros y el pelo, cautivó a espectadores de todo el mundo. La imagen apareció en la portada del número de junio de 1985 de la revista National Geographic, convirtiéndose rápidamente en una de las fotografías más conocidas e impactantes del siglo XX. La imagen se convirtió en un símbolo del sufrimiento y la resistencia de los refugiados y del conflicto en Afganistán. Se ha utilizado ampliamente para ilustrar la difícil situación de los refugiados en todo el mundo. Durante muchos años, la identidad de la niña de la fotografía fue un misterio. En 2002, McCurry y un equipo de National Geographic localizaron a Sharbat Gula en un remoto pueblo de Afganistán. Su identidad se confirmó al reconocer sus rasgos faciales, especialmente sus ojos. Steve McCurry es un fotoperiodista estadounidense, conocido mundialmente como autor de la fotografía "La niña afgana", que apareció en la revista National Geographic en 1985. Su carrera como fotógrafo comenzó con la guerra de Afganistán (1978-1992). También ha cubierto otros conflictos internacionales como la guerra entre Irak e Irán o la Guerra del Golfo. Tras trabajar en King of Prussia (Pensilvania) durante dos años, se fue a la India a trabajar por su cuenta en 1978. Tras un año allí, viajó al norte de Pakistán. Su carrera como fotógrafo comenzó con su cobertura de la guerra soviética. En Afganistán, McCurry se disfrazó con la vestimenta del país para pasar desapercibido mientras trabajaba, y sacó película del país cosiéndola a su ropa. Sus imágenes fueron de las primeras en retratar el conflicto y se difundieron ampliamente. Ese trabajo le valió la Medalla de Oro Robert Capa al mejor fotoperiodismo extranjero, y se publicó en The New York Times, TIME y Paris Match. McCurry siguió cubriendo conflictos internacionales, como la guerra entre Irán e Irak, Beirut, Camboya, Filipinas, la guerra del Golfo y Afganistán. Sobrevivió a un accidente aéreo en Yugoslavia. Su trabajo se ha publicado en revistas de todo el mundo y es colaborador habitual de National Geographic. Es miembro de la agencia Magnum desde 1986. En su obra, McCurry se concentra en el dolor causado por la guerra. Trata de mostrar lo que hace la guerra, pero no sólo en el campo de batalla, sino también a la gente que vive allí. Defiende que siempre hay algo en común entre todos los seres humanos, a pesar de la religión, la lengua, la etnia, etc.

Valorac. 10 000 - 13 000 EUR

Lote 3 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). Serie Barcelona, 1972. Aguafuerte, aguatinta y carborundo. Copia 'Bon a tiré', 1972. Firmado e inscrito a lápiz. Inscripción: "Bat. Miró 6/IV/72 - 28/III/72 (6)". Nº ref. 598, p. 231, "Miró Graveur", Vol. II. Medidas: 70 x 105 cm; 87 x 122 cm (marco). Joan Miró se forma en Barcelona, y debuta individualmente en 1918, en las Galerías Dalmau. En 1920 se traslada a París y conoce a Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara y los dadaístas. Allí, bajo la influencia de poetas y pintores surrealistas, madura su estilo; intenta transponer a lo visual la poesía surrealista, basada en la memoria, la fantasía y lo irracional. Su tercera exposición en París, en 1928, fue su primer gran triunfo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus obras. Regresó a España en 1941, y ese mismo año el museo le dedicó una retrospectiva que supondría su definitiva consagración internacional. A lo largo de su vida recibió numerosos galardones, como los Grandes Premios de la Bienal de Venecia y de la Fundación Guggenheim, el Premio Carnegie de Pintura, las Medallas de Oro de la Generalitat de Cataluña y de Bellas Artes, y fue nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Harvard y Barcelona. Actualmente, su obra puede verse en la Fundación Joan Miró de Barcelona, así como en el Museo Thyssen-Bornemisza, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la National Gallery de Washington, el MNAM de París y la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 4 - JEANLOUP SIEFF (París, 1933-2000). "Yves Saint Laurent", París, 1971. Gelatina de plata. Firmado y fechado a tinta (en el margen). Con sello del artista en el reverso. Procedencia: colección privada O'Hara Nueva York. Medidas: 30 x 31 cm (imagen); 40,7 x 31 cm (marco). La fotografía de Yves Saint Laurent tomada por Jeanloup Sieff en París (1971) se realizó durante un periodo de gran creatividad en la moda y la fotografía. Yves Saint Laurent era ya una figura prominente en el mundo de la moda, conocido por sus diseños revolucionarios, y Sieff era ya un reputado retratista de grandes personalidades. Jeanloup Sieff era conocido por su habilidad para captar la elegancia y la sensualidad de sus retratados. Su estilo distintivo incluye un uso magistral del blanco y negro jugando con luces y sombras. En esta fotografía, Sieff utiliza estas técnicas para resaltar la figura y el carácter de Saint Laurent. Al mostrar al diseñador desnudo, esta imagen transmite la vulnerabilidad del sujeto y su despojo de pretensiones, ofreciendo una mirada íntima al hombre que se esconde tras el icono de la moda. Jeanloup Sieff fue un fotógrafo francés, su obra ha sido reconocida por sus retratos de personalidades del mundo del espectáculo y políticos, pero también por sus reportajes, paisajes y fotografías de desnudos. Nació en París el 30 de noviembre de 1933 de padres de origen polaco. Sus estudios tras el bachillerato fueron breves: estudió Letras durante dos semanas, periodismo durante diez días, fotografía en la Escuela Vaugirard de Francia durante un mes y después en Vevey Suiza durante siete meses. Su afición por la fotografía le hizo comenzar como fotógrafo "aficionado" a los quince años, aumentando gradualmente su calidad fotográfica hasta debutar como reportero gráfico en 1954. Un año más tarde se incorporó a la revista Elle, donde primero realizó reportajes y luego fotografía de moda hasta que abandonó la revista en 1959. Ese año empezó a trabajar para Réalités y Le Jardin des Modes. También abandonó la agencia Magnum para trabajar por su cuenta. En 1959 recibe el Premio Niépce a la excelencia fotográfica. En 1961 se instala en Nueva York, donde colabora con Look, Esquire y, sobre todo, Harper's Bazaar. Realizó breves estancias en Europa, donde trabajó para Twen, Vogue y Queen. En 1967 decidió trasladarse a París, donde trabajó para Vogue, Femme, Nova y otras publicaciones. Expuso a escala nacional e internacional y varias de sus obras fueron adquiridas por diversos museos de todo el mundo. En 1971 recibió la medalla de oro del museo de arte moderno de Skopje y ese mismo año donó varias colecciones a la Biblioteca Nacional de París, que en aquella época no disponía de fondos para comprar fotografías de autores franceses. La característica más sobresaliente de su obra es el uso del blanco y negro, principalmente en tomas de gran angular y su sello dramático en el laboratorio. Su estilo muestra la influencia del surrealismo y la nueva objetividad. Su obra ha recibido premios internacionales, desde Japón hasta Estados Unidos, y se distribuye en distintas partes del mundo. Entre los galardones que ha recibido figuran el Premio Niépce en 1959 y el Grand Prix National de Photographie en 1992. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor.

Valorac. 10 000 - 13 000 EUR

Lote 5 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). Serie "Jonás despierto" 2007. Fotografía digital, copia AP 3/3. Firmada al dorso. Medidas: 152,4 x 114,3 cm; 154 x 116 cm (marco). Con su serie "Awakened", LaChapelle dio un nuevo rumbo a su obra. Inspirándose en la narrativa bíblica, toma a personas anónimas interpretando el papel de personajes bíblicos (aquí se muestra la figura de Jonás), sumergidas en el agua, en estado de levitación. La bella iluminación, sus expresiones, la ingravidez de las ropas, todo contribuye a introducir al espectador en una dimensión mística acogedora. Estas obras confirman la profunda conexión de LaChapelle con lo trascendental, con la presencia de lo divino en lo cotidiano y con la idea de lo sublime. La carrera de LaChapelle comenzó de forma significativa en el año 1982, cuando Andy Warhol le impulsó a publicar sus fotografías "Interview". "Andy Warhol corresponde perfectamente a su época", afirma el fotógrafo, "es sin duda un gran artista del siglo XX. Fue muy generoso y aprendí mucho de él, pero pertenecemos a dos generaciones distintas y tenemos ideas diferentes. El arte actual más valioso es el que consigue aclarar el tiempo en que vivimos, y eso es lo que yo intento hacer". Las estrafalarias, extrañas y fantásticas imágenes de David LaChapelle han aparecido en las páginas y portadas de las revistas Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face y GQ, por nombrar sólo algunas. Su estilo es único y reconocible, trabaja con planos abiertos, escenas frescas y extremadamente coloridas que muestran su estilo pop-art. Sus tomas tienen un trabajo minucioso y detallado, trabajando con el aspecto físico del personaje llevándolo casi a la caricatura. "Intento hacer fotos que nunca haya visto antes", dice LaChapelle. Creativo de talento, juega con escenas ficticias y grotescas, en su mayoría artificiales y tiene una excelente producción, las imágenes son generalmente en el momento del rodaje, con poca post-producción. También podemos ver en su obra la crítica a la sociedad en la que vivimos llena de excesos y vanidad. Su dedicación incondicional a la originalidad es legendaria en el mundo de la moda, el cine y la publicidad. LaChapelle ha participado en campañas publicitarias para diversos clientes, como L'Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma y la campaña Got Milk? David ha fotografiado numerosas portadas de discos para artistas como Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna y Kylie Minogue. Su exitoso primer libro, LaChapelle Land, fue publicado en 1996 por Collaway Publishing, y traía en su extravagante envoltorio una explosiva colección de retratos de famosos y modelos, entre ellos Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore y Elton John. El sucesor de este debut fue el libro Hotel LaChapelle, también publicado por Collaway en 1999, que muestra imágenes frescas con colores inolvidables. LaChapelle sigue logrando fotografías que confrontan nuestros gustos visuales, dando una mirada fresca al paisaje actual.

Valorac. 28 000 - 30 000 EUR

Lote 6 - ROBERT MAPPLETHORPE (Nueva York, 1946- Boston, 1989). "Lisa Lyon", 1982. Gelatina de plata, impresa en 1982, montada. Ejemplar 1/10. Procedencia: Sean Kelly Gallery, Nueva York, Phillips, "SPOTLIGHT: Photographs from a Private London Collection", 2023 y Colección Privada, España. Bibliografía: R. Mapplethorpe, Lady: Lisa Lyon, Nueva York: St. Martin's, 1983, p. 94 (variante). Firmado y fechado por Michael Ward Stout, albacea, a tinta, propiedad intelectual, limitación de reproducción y sello de firma en el reverso del soporte empotrado. Medidas: 38,7 x 38,4 cm: 66 x 64 cm (marco). Lisa Lyon alcanzó la fama como primera campeona mundial de culturismo. En 1980 conoció a Mapplethorpe e inició una gran amistad que desembocó en una prolífica relación artística. El físico de Lyon permitió al fotógrafo retratar temas de su interés como la androginia, la anatomía de la estatuaria clásica o incluso la cultura estadounidense. Desde 1980, Mapplethorpe inició una serie de retratos en los que Lyon era captado bajo su objetivo de múltiples formas, una de ellas la fotografía. Todo este trabajo quedó inmortalizado en el libro Lady: Lisa Lyon (1983). Fotógrafa estadounidense, conocida por su tratamiento sensible pero contundente de temas controvertidos en el medio fotográfico en blanco y negro. Su obra incluía una gran variedad de temas, como retratos de famosos, desnudos masculinos y femeninos, autorretratos e imágenes de flores muertas. Su obra más controvertida trata de la subcultura BDSM de finales de los 60 y principios de los 70 en la ciudad de Nueva York. El homoerotismo de esta obra alimentó un debate nacional sobre la financiación pública de obras de arte controvertidas. Mapplethorpe trabajó principalmente en un estudio y casi exclusivamente en blanco y negro, con la excepción de algunos de sus últimos trabajos y su exposición final "New Colors". Su obra presenta una amplia gama de temas, pero su enfoque principal y el grueso de su obra son las imágenes eróticas. Su arte erótico exploraba una amplia gama de temas sexuales, representando la subcultura BDSM del Nueva York de los años 70, representaciones de desnudos masculinos negros y desnudos clásicos de culturistas femeninas. Mapplethorpe era un observador participante en gran parte de su fotografía erótica, participando en los actos sexuales que fotografiaba y comprometiéndose sexualmente con sus modelos. También fotografió flores, sobre todo orquídeas y lirios, niños, estatuas y personajes famosos y otros artistas, como Andy Warhol, Louise Bourgeois, Deborah Harry, Kathy Acker, Richard Gere, Peter Gabriel, Grace Jones, Amanda Lear, Laurie Anderson, Iggy Pop, Philip Glass, David Hockney, Cindy Sherman, Joan Armatrading y Patti Smith. Smith fue compañera de piso de Mapplethorpe y objeto frecuente de sus fotografías, incluida una fotografía icónica y sombría que aparece en la portada del primer álbum de Smith, Horses. Su obra a menudo hacía referencia a imágenes religiosas o clásicas, como un retrato de Patti Smith de 1986 que recuerda el autorretrato de Alberto Durero de 1500. Entre 1980 y 1983, Mapplethorpe realizó más de 150 fotografías de la culturista Lisa Lyon, que culminaron en el álbum fotográfico Lady, Lisa Lyon, publicado por Viking Press y con texto de Bruce Chatwin. Bibliografía: R. Mapplethorpe, Lady: Lisa Lyon, Nueva York: St. Martin's, 1983, p. 94 (variante)

Valorac. 10 000 - 12 000 EUR

Lote 7 - HANNAH COLLINS (Reino Unido, 1956). "Cocina. La Laboral Gijón". 2006 Impresión digital sobre lienzo. Díptico. Con sello de la galería Joan Prats al dorso. Procedencia: Galería Joan Prats. Barcelona. Medidas: 192 x 274 cm. Esta fotografía formó parte de la exposición individual "A future Life", celebrada en 2006 en la galería Joan Prats de Barcelona. La obra fotográfica de Hannah Collins es una reflexión sobre el paso del tiempo y la presencia de la huella humana en diferentes entornos. Sus fotografías de espacios interiores revelan una historia social implícita y latente. Para la artista, las visiones fugaces de las ciudades no permiten comprender plenamente su existencia. Lejos del carácter documental, sus escenas mezclan conscientemente esa realidad con una ficción que les confiere un nuevo significado. La lúgubre e institucional "Cocina" que se muestra en esta fotografía forma parte de la investigación de la artista sobre la vida y la memoria de los emigrantes. Cabe relacionarla con una serie posterior que presentaría en LABoral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón (2017), titulada "El festín frágil", centrada en la fotografía de cocina, y que abrió un diálogo entre el arte culinario y el arte fotográfico. Artista y cineasta británica, Hannah Collins estudió en la Slade School of Fine Arts de Londres, y posteriormente amplió su formación en Estados Unidos gracias a una beca Fullbright (1978-79). A lo largo de su carrera ha realizado importantes exposiciones individuales en destacadas galerías y centros de arte de Europa y América, y ha participado en exposiciones colectivas celebradas en el Victoria & Albert Museum de Londres (1987, 1989, 1989). Albert Museum de Londres (1987, 1989, 1989, 1995, 2002), el Centre National des Arts Plastiques de París (1989), el Museo de Arte Moderno de Kioto (1990), la Fundació Joan Miró de Barcelona (1992, 1998), el Museo Español de Arte Moderno de Madrid (1994, 2008), la Saatchi Gallery de Londres (1994), la Galería Helga de Alvear de Madrid (1999), la Tate Modern de Londres (2000), el Centre Georges Pompidou de París (2006) y la Kulturhaus de Viena (2011), entre otros. Afincada entre Londres y Barcelona, en 1993 fue nominada al Premio Turner, en 1991 ganó el Premio Europeo de Fotografía y en 2004 el Premio Olympus. Actualmente está representada en la Tate Modern de Londres, el Centre Georges Pompidou de París, el MNCA Reina Sofía de Madrid, el MACBA de Barcelona y otras colecciones públicas y privadas de Europa y América.

Valorac. 14 000 - 15 000 EUR

Lote 8 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Gemelos", 2018. Aguafuerte al aguatinta. Firmado. Medidas: 100 x 71 cm; 113 x 83 cm (marco). Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en el Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambos en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó gradualmente, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 9 - LORETTA LUX (Dresde, Alemania, 1969). "Hugo y Dylan 1", 2006. Fotografía, edición 10/20. Obra referenciada en la web del artista. Medidas: 27 x 22 cm; 50 x 40 cm (marco). El rotundo éxito de la fotógrafa Loretta Lux radica, en parte, en su enfoque frío y poco sentimental de los niños captados a través de su objetivo. Sus instantáneas, que tienen más que ver con metáforas de la inocencia infantil que con la psicología de los individuos, están influidas por los retratos burgueses de principios del siglo XX, mostrándonos a jóvenes modelos en entornos domésticos vestidos con excéntricos atuendos que ahora se consideran pasados de moda. Estéticamente, se aprecia la mezcla de fotografía, pintura y manipulación digital, mediante la cual Lux distorsiona las proporciones y sitúa a los niños en escenarios estáticos. Loretta Lux abandonó Alemania Oriental poco antes de la caída del Muro de Berlín para viajar a Múnich, donde estudió pintura en la Akademie der Bildenden Künste. En 1999 empezó a hacer fotografías. En 2005 fue galardonada con el Infinity Award for Art del International Center of Photography de Nueva York. A lo largo de su carrera ha expuesto en Israel, Italia, Suiza, México, Países Bajos, Estados Unidos, Rusia y Alemania (en solitario). Actualmente su obra forma parte de colecciones públicas como la del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museo Nacional de Arte de Osaka, el Photo Museum de Múnich, el Musée de l'Elysée de Lausana (Suiza), la Maison Europeenne de la Photographie de París, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Israel Museum de Jerusalén (Israel), el Gemeentemuseum Helmond de los Países Bajos, la Art Gallery of New South Wales de Sydney, la National Gallery of Victoria de Melbourne y la Art Gallery of Alberta de Edmonton, Alberta (Canadá). En Estados Unidos: el Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte de Brooklyn, el Museo de Arte de Denver, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo de Arte de Milwaukee o el Museo de Arte Moderno de San Francisco. Actualmente vive y trabaja en Irlanda.

Valorac. 6 500 - 7 000 EUR

Lote 10 - HENRI CARTIER-BRESSON ( Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908- Céreste, Francia, 2004). "Granjero", 1950-1959. Gelatina de plata. Impresión posterior. "A Madame Bardinet en hommage" y sello ciego de copyright (en el margen). Firmado a tinta. Procedencia: Galería Alona Kagan NY. Medidas: 16 x 23, 5 cm. En esta obra de gran expresividad vemos cómo un campesino tiende la mano a alguien que se encuentra fuera del plano del espectador. La escena parece representar una imagen tradicional, pero el artista va más allá, no sólo porque capta un momento totalmente efímero, habitual en la producción del artista, sino también por el misterio de un personaje que forma parte de la escena, pero cuya identidad no se desvela. Henri Cartier-Bresson fue un artista y fotógrafo humanista francés considerado un maestro de la fotografía y uno de los primeros usuarios de la película de 35 mm. Fue pionero en el género de la fotografía callejera y consideraba la fotografía como la captura de un momento decisivo. Su primer gran viaje de reportaje le llevó a Costa de Marfil en 1931, y las fotografías de sus numerosos viajes no tardaron en aparecer en revistas y exposiciones. También adquirió experiencia en Nueva York con Paul Strand. A finales del verano de 1937, antes de la batalla de Belchite, viajó a España con Herbert Kline, antiguo editor de la revista New Theater, y el cámara Jacques Lemare para rodar un documental sobre la American Medical Bureau durante la Guerra Civil española. Filmaron en Villa Paz, el hospital de las Brigadas Internacionales en Saelices, no lejos de Madrid, y en la costa de Valencia para documentar la recuperación de los voluntarios heridos en las villas de Benicàssim. También visitaron la Brigada Abraham Lincoln en Quinto, cerca de Zaragoza, y rodaron la película Con la Brigada Abraham Lincoln en España. De 1937 a 1939, Cartier-Bresson fue ayudante de dirección en tres películas de Jean Renoir, entre ellas Las reglas del juego. En 1940, pasó casi tres años como prisionero de guerra en Alemania. Después de que se asumiera erróneamente que había muerto en la guerra, el Museo de Arte Moderno de Nueva York dedicó una gran retrospectiva "póstuma" a Cartier-Bresson en 1947. Ese mismo año, junto con Robert Capa, David Seymour y George Rodger, fundó la agencia Magnum Photos en Nueva York con el objetivo de preservar los derechos de la obra de los fotógrafos.Cartier-Bresson fue el primer fotógrafo autorizado a exponer en el Louvre de París en 1955. Sus fotografías se recopilaron y publicaron en Images à la sauvette (1952, Imágenes al pasar), D'une Chine à l'autre (1968, China ayer y hoy) y Moscou (1955, Moscú), entre otros. Cartier-Bresson dejó de hacer fotografías profesionales en 1972 y se dedicó intensamente al arte del dibujo. En 1974 fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias. Su obra forma parte de las colecciones del Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte Moderno, el Centro Internacional de Fotografía, el Museo Victoria and Albert y el Museo J. Paul Getty.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

Lote 11 - ALFRED EISENSTAEDT ( Dirschau, Prusia Occidental, 1898- Estados Unidos, 1995). "Día V-J en Times Square, Nueva York", 1945. Gelatina de plata. Impreso en time life photo en 1991. Firmada, fechada, titulada a lápiz en el reverso y limitación de copyright Time Warner a lápiz (en el reverso). Procedencia: Galería Alona Kagan NY. Medidas: 48 x 33 cm; 62 x 51 cm (marco). Una semana después de que Alfred Eisenstaedt captara este momento, la revista Life, en una sección titulada Victory y dedicada a celebrar el final de la Segunda Guerra Mundial, publicó esta instantánea junto a muchas otras que reflejaban la felicidad del fin de la guerra. Sin embargo, esta fotografía se elevó por encima del resto y se convirtió en un icono. Una enfermera y un marine, un defensor de la nación y alguien dedicado a preservar su vida se besan, simbolizando la esperanza en el futuro. Comenzó su carrera en Alemania antes de la Segunda Guerra Mundial, pero saltó a la fama como fotógrafo de la revista Life tras trasladarse a Estados Unidos. Eisenstaedt sintió fascinación por la fotografía desde su juventud y empezó a hacer fotos a los 11 años, cuando le regalaron su primera cámara, una Eastman Kodak Folding Camera con rollo de película. Más tarde sirvió en la artillería del ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial y resultó herido en 1918. Mientras trabajaba como vendedor de cinturones y botones en la Alemania de Weimar de los años 20, Eisenstaedt empezó a hacer fotografías como freelance para la oficina berlinesa de Pacific and Atlantic Photos en 1928. Eisenstaedt se convirtió en fotógrafo a tiempo completo en 1929, cuando fue contratado por la oficina de Associated Press en Alemania, y en menos de un año fue descrito como un "fotógrafo extraordinario". También trabajó para Illustrierte Zeitung, publicado por Ullstein Verlag, entonces la mayor editorial del mundo. Cuatro años más tarde fotografió el famoso primer encuentro entre Adolf Hitler y Benito Mussolini en Italia. Moritz en 1932 y a Joseph Goebbels en la Sociedad de Naciones de Ginebra en 1933. Aunque en un principio se mostró amistoso, Goebbels frunció el ceño ante Eisenstaedt cuando tomó la fotografía, tras enterarse de que Eisenstaedt era judío. En 1935, debido a la situación política, se trasladó a Nueva York, donde Eisenstaedt se nacionalizó y se unió a sus compañeros emigrados de Associated Press Leon Daniel y Celia Kutschuk en su agencia fotográfica PIX Publishing, fundada ese mismo año. Al año siguiente, 1936, el fundador de Time, Henry Luce, compró la revista Life, y Eisenstaedt, ya conocido por sus fotografías en Europa, fue invitado a unirse a la nueva revista como uno de los cuatro fotógrafos originales, entre ellos Margaret Bourke-White y Robert Capa[8]. Permaneció en plantilla desde 1936 hasta 1972, destacando por su fotoperiodismo de noticias y celebridades.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 12 - LAURIE SIMMONS (Long Island, Nueva York, 1949). "Salón a cuadros". The instant decorator Series, 2004. Impresión en flexo. Edición 3/5. Obra reproducida en el sitio web del artista. Presenta certificado de autenticidad, etiquetas de exposición y firma al dorso. Procedencia: Galería Distrito Cuatro (Madrid). Medidas: 76,2 x 96,5 cm; 84,1 x 104,1 cm (marco). "Plaid living Room" (2004) pertenece a la serie Instant Decorator, iniciada por Simmons en 2001, con la intención de materializar su investigación en torno a un libro de decoración de interiores publicado en 1976. Esta publicación contenía diferentes plantillas de interiores domésticos, que permitían al lector decorar habitaciones con muestras de telas y diferentes pinturas. Al rescatar esta idea de "Hágalo usted mismo", el autor construyó una imagen que se hace eco de la estética del collage, donde conviven diferentes elementos independientes, formando un conjunto de gran expresividad visual. A través de un interior doméstico en el que una mujer elegantemente vestida yace sobre la alfombra, el autor plantea al espectador una incertidumbre sobre quién es este personaje y qué representa. La protagonista está rodeada de lujos, y mira sugerentemente al espectador, pero está sola, y su pose y su vestido invitan a representarla como un mueble más, como un objeto de consumo. Esta representación de la mujer, que reflexiona sobre su papel en el entorno social, fue uno de los primeros temas explorados por Laurie Simmons en sus obras. En las que relacionaba el espacio del hogar con lo femenino, al igual que otras artistas como Martha Rosler, o Barbara Kruger, que utilizaron temas y técnicas similares a la aquí presentada. Laurie Simmons creció en Long Island, en una época de expansión económica que marcó el inicio de la prosperidad material, pero también dio lugar a un estado de conformismo, características muy recurrentes en los temas explorados por la artista. Su carrera destaca por su versatilidad, ya que trabaja como artista, fotógrafa y cineasta. Tras graduarse en la Tyler School of Art a finales de los 60 e instalarse en Nueva York, Simmons empezó a desarrollar su faceta artística. En 1972, Simmons descubrió una casa de muñecas vintage en el desván de una juguetería de Liberty, Nueva York, por lo que empezó a hacer composiciones con muñecas, que posteriormente fotografiaba e intervenía. La mayoría de sus obras hacen una declaración sobre los roles de género tradicionales, cuestionándolos y criticando la cosificación de la persona, especialmente de la mujer. Simmons forma parte del importante grupo artístico The Pictures Generation, nombre dado a un grupo de artistas que saltaron a la fama en la década de 1970, y que incluye a artistas de renombre mundial como Cindy Sherman, Barbara Kruger y Louise Lawler. Gran parte de la obra de Simmons, al igual que la de las artistas mencionadas, se centra en el papel de la mujer y su integración en el entorno y la sociedad. En una entrevista de marzo de 2014, Simmons declaró: "Cuando cogí una cámara con un grupo de otras mujeres, no voy a decir que fuera un acto radical, pero sin duda lo hacíamos en una especie de desafío o reacción a, un mundo de la pintura dominado por los hombres." En la actualidad, su obra forma parte de importantes colecciones privadas y públicas, como el Centro de Arte Reina Sofía, el Instituto de Arte de Chicago, el MoMA de Nueva York, la Galería Nacional de Arte de Washington D.C. y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, entre otros. Obra reproducida en la página web del artista. Presenta certificado de autenticidad, etiquetas de exposición y firma en el reverso. Procedencia: Galería Distrito Cuatro (Madrid). Galería Distrito Cuatro (Madrid).

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 13 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Agente de policía/Hang", 2005/1999. Dos fotografías digitales. Díptico, ed. 1/3. Firmadas, tituladas y fechadas al dorso. Estampado al dorso. Obra publicada. Medidas: 145 x 116 cm; 162 x 130 cm (marco), c/u. Mark Laita es un magnífico fotógrafo estadounidense que, tras varios años dedicado a la fotografía comercial, ha presentado en los últimos años una serie de libros de su obra personal. De ellos, he seleccionado una muestra de dos de los más interesantes: "Created Equal", de 2010 y "Serpentine", de este año. Ha realizado premiados trabajos comerciales para clientes como Adidas, Apple y Mercedes-Benz. El primer libro de trabajo no comercial de Laita, "Created Equal", es el resultado de un proyecto de ocho años a través del país con retratos en blanco y negro de 8×10 de estadounidenses de una amplia gama de culturas, ocupaciones y orígenes. Su obra se ha expuesto en galerías de Estados Unidos y Europa.

Valorac. 6 000 - 7 000 EUR

Lote 14 - GEORGES ROUSSE (París, 1947). "Luxembourg: Fers à Bétons", 2004. Impresión sobre aluminio, copia 1/5. Firmado y titulado en el reverso. Etiqueta con sello al dorso. Medidas: 160 x 125 cm; 165 x 132 cm (marco). La obra de Georges Rousse se caracteriza, desde principios de los años ochenta, por las relaciones que establece entre fotografía, pintura, escultura y arquitectura. Su interés por los lugares abandonados, desmantelados y en ruinas, así como por lo que estos espacios revelan sobre la cultura que los ha generado, le llevó, en 1986, a instalarse durante un tiempo en el antiguo hospital psiquiátrico Van Gogh de la localidad francesa de Arlés. El resultado de esta estancia fue la serie Arles, punto de partida de la exposición del MACBA. Su obra es un ejemplo muy significativo de la importancia que la fotografía alcanzó a lo largo de la década de los ochenta y una prueba más del valor del dispositivo fotográfico como herramienta para la creación contemporánea. Derrumbando las restricciones habituales entre los medios artísticos, su obra única dejó rápidamente su impronta en el mundo del arte contemporáneo. Desde su primera exposición en París, en la Galerie de France en 1981, Georges Rousse ha seguido creando sus instalaciones y mostrando sus fotografías por todo el mundo, en Europa, en Asia (Japón, Corea, China, Nepal), en Estados Unidos, en Quebec y en América Latina. Ha participado en numerosas bienales (París, Venecia, Sydney) y ha recibido prestigiosos premios: 1983: Villa Medicis hors les murs, Nueva York 1985 -1987: Villa Medicis, Roma 1988: Premio del Centro Internacional de Fotografía, Nueva York 1989: Premio de Dibujo Salón de Montrouge 1992: Beca Romain Roland, Calcuta 1993: Gran Premio Nacional de Fotografía 2008: Sucede a Sol LeWitt como miembro asociado de la Real Academia Belga. Está representado por varias galerías europeas y sus obras figuran en muchas colecciones importantes de todo el mundo.

Valorac. 15 000 - 18 000 EUR

Lote 15 - CARMELA GARCÍA (Lanzarote, 1964). "Mujeres", 2000. Fotografía. Procedencia: Importante colección española. Tamaño: 130 x 150 cm. Como elemento central de sus obras, en "Mujeres" Carmela García nos plantea la necesidad de repensar el mundo desde una perspectiva de género que no sólo implica la posibilidad de un futuro diferente, sino que supone en primera instancia, un escenario de reivindicación en torno a la consideración de lo femenino donde, en palabras de la artista, es necesaria "Una especie de deconstrucción de lo que la sociedad patriarcal ha establecido sobre lo que la mujer es y debe ser, y una reconstrucción de un ideal feminista del mundo, donde se vea liberada de ataduras". En este caso, el poderoso simbolismo de la imagen con la icónica muñeca Barbie sometida al fuego abrasador de un fogón de cocina interpela directamente al espectador en relación al papel en el que tradicionalmente se ha encasillado a la mujer de forma peyorativa, al tiempo que lanza un mensaje sobre la necesidad de acabar con la dictadura de unos cánones de belleza cada vez más desconectados y alejados de la realidad de las mujeres. Nacida en Lanzarote en 1964. Carmela García inició sus estudios de fotografía en Madrid y Barcelona, hasta que en 1998 comenzó a mostrar su obra al público. Desde el principio, ha combinado sus intereses sociales en la fotografía, a través de referencias literarias, plásticas y audiovisuales, creando un corpus artístico sobre la imagen estereotipada de la mujer en la sociedad y la necesidad de repensar y reformular su papel en el mundo. Tras producir series tan representativas como "Chicas, deseos y ficción" o "Constelación", García fue seleccionada en 2005 entre los cien mejores fotógrafos españoles en la lista elaborada por Exit, algo que confirmaba la tendencia de creciente importancia en los trabajos elaborados en los últimos años. En los últimos años ha trabajado en obras de vídeo para revisar diversas imágenes estereotipadas de la mujer. Se ha convertido en la artista canaria más reconocida de la última década gracias a un discurso profundamente feminista, a través del cual representa un mundo idealizado donde el hombre está ausente y la mujer queda al margen de la tradicional mirada masculina. Su obra ha sido expuesta en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (Espacio Uno), el Centro de Fotografía de Coímbra, el MUSAC de León, el Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM de Gran Canaria, el IVAM de Valencia, en la exposición colectiva El real viaje Real /The Real Royal Tryp en el PS1, Contemporary Art Center del MOMA (Nueva York) comisariada por Harald Szeemann,3 en el MOT Kanazawa de Japón, la Universidad de Salamanca y la Casa Europea de la Fotografía de París, entre otros.4567. Ha expuesto en las galerías Juana de Aizpuru de Sevilla y Madrid, y en 2003 en la Galería Altamira de Gijón.8910 Junto con la galería Juana de Aizpuru, ha asistido a ferias internacionales como Arco Madrid, Art Basel, Paris Photo, Frieze London, etc.

Valorac. 9 000 - 10 000 EUR

Lote 16 - BLEDA Y ROSA, María Bleda (Castellón, 1968) José M. Rosa (Albacete, 1970). Grao de Castellón, 1994. Serie "Campos de fútbol". 1992-1995. Positivo de gelatina-bromuro de plata sobre soporte rígido de algodón 100%. Ed. 5/15. Con etiqueta de la Galería Visor, Valencia. Medidas: 45 x 55 cm; 84 x 93 cm (marco) (cada una). "Campos de fútbol" es una de las series más representativas de los fotógrafos Bleda y Rosa. Ellas mismas explican sobre este proyecto: "Con el objetivo de representar el paso del tiempo a través de la imagen fotográfica, a finales de 1992 comenzamos a fotografiar campos de fútbol, atraídas por aquellos espacios que podíamos encontrar a la salida de cualquier pueblo o en las afueras de la ciudad. Eran lugares similares a los de nuestra infancia, pero que, debido a factores como la emigración del pueblo a la ciudad, la baja natalidad o la expansión urbana, se encontraban en un avanzado proceso de transformación o abandono". María Bleda y José María Rosa son dos fotógrafos españoles que utilizan la fotografía como recurso para su expresión artística. Su trabajo conjunto podría considerarse como un único autor y ha sido reconocido con el Premio Nacional de Fotografía. Desde 1992 realizan exposiciones periódicas, tanto individuales como colectivas, por toda España, pero también en Escocia, Portugal, Estados Unidos, China, etc. Su obra se encuentra en las colecciones de diferentes instituciones como ARTIUM, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, etc. También han recibido diversos premios y reconocimientos como: 1995 Imágenes Jóvenes - Arte Joven, Madrid.1996 Premio Arte Joven, Valencia.1997 Accésit Certamen de Artes Plásticas, Castellón.1999 Grand Prix Ville de Collioure.2001 Premio Altadis Artes Plásticas, Madrid.2002 Mención de Honor, IV Premio de pintura y fotografía ABC, Madrid.2005 Premio PHotoEspaña Fotógrafo Revelación, Madrid. Presenta sello de la Galería Visor, Valencia.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 17 - PIERRE GONNORD (Francia, 1963). "Soho", de la serie "City", Nueva York, 2001. Fotografía, copia 1/5. Firmada, fechada, numerada, titulada y localizada en el reverso. Con etiqueta al dorso de la Galería Juana de Aizpuru. Medidas: 150 x 150 cm. Considerado uno de los fotógrafos con más talento de los últimos tiempos, Pierre Gonnord impregna su obra de un aura melancólica y desgarradora que "narra, bajo la piel, historias singulares e insólitas de nuestro tiempo", según el crítico Rafael Doctor. Sus retratos, que recuerdan a los de grandes maestros de la historia del arte como Rembradt, Veermer, Caravaggio, Goya, Zurbarán o Velázquez, se centran en los marginados de la sociedad y en sus historias. En sus obras encontramos vagabundos, enfermos mentales, presos e invidentes, pero también monjes, geishas y miembros de bandas urbanas, es decir, personas que también permanecen al margen de su sociedad de una manera diferente. Destacado fotógrafo francés nacido en Cholet, Pierre Gonnord reside en Madrid desde 1988, y actualmente trabaja en colaboración con la prestigiosa galería Juana de Aizpuru. Artista autodidacta y Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid 2007, Gonnord inició en 1998 un proyecto personal, que define su lenguaje maduro, centrado en el rostro humano. Las primeras series de este nuevo estilo fueron "Interiores" (Madrid, 1999) y "Ciudad" (Nueva York, 2001), derivadas de su propia experiencia urbana. Posteriormente realizará nuevas series, ya con personajes de diferentes etnias: "Regards" (2002-2003), "Far East" (Japón, 2003) y "Utopians" (2004-2005). En estas últimas series, Gonnord se acerca a personajes marginados por la sociedad, retratándolos en primeros planos. En su última serie, "Testigos", se ha acercado al mundo de los gitanos y de las personas que han vivido las tragedias de los Balcanes y del norte de África. A lo largo de su carrera, Gonnord ha expuesto su obra en España, Francia y Estados Unidos, entre otros países, tanto en galerías como en museos y centros de arte, entre ellos el Centro Cultural Conde Duque de Madrid, la Maison Européenne de la Photographie de París, el Museo de Bellas Artes de Sevilla, la Universidad de Salamanca, el Atelier des Forges de Arles, el FRAC de Auvergne-Ecuries de Chazerat y los festivales fotográficos de Helsinki y Oslo. En la actualidad está representado principalmente en la galería Juana de Aizpuru, pero su obra se encuentra también en otras importantes colecciones, como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 18 - FRANK THIEL (Kleinmachnow, Alemania, 1966). "Stadt Berlin", 2000. Fotografía. Firmada y fechada en el reverso. Tamaño: 175 x 238 cm. La fotografía que aquí se ofrece está estrechamente relacionada con la biografía del artista ya que, aunque Frank Thiel nació en Alemania Oriental, en 1985 se trasladó a Berlín Occidental para estudiar fotografía. Su carrera profesional comenzó así con un estudio en profundidad de la ciudad y su transformación, su segunda reconstrucción. La obra más característica de Thiel es la de su primera época, cuando reflejó la caída del Muro de Berlín y la planificación de una nueva ciudad a partir de los cimientos sentados por su anterior doble centralidad, es decir, cuando documentó la constante transformación de la capital alemana. Nacido en un pueblo cercano a Berlín, en 1985 se trasladó a Berlín Occidental, donde asistió a una escuela de formación fotográfica entre 1987 y 1989. En la capital alemana documentó su historia social y política. Thiel se refiere a Berlín como "la ciudad más joven del mundo" y explica además que "la ciudad sufre una sobredosis de historia... sin embargo, no sufre sus sedimentos como otras ciudades europeas, sino las consecuencias de sus erupciones". Thiel está representado actualmente en importantes instituciones europeas, como el Museo Reina Sofía, la National Gallery de Canadá, el Fotomuseum Winterthur de Suiza, el Moderna Museet de Estocolmo, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington y la Phillips Collection de Washington.

Valorac. 20 000 - 22 000 EUR

Lote 19 - YASUMASA MORIMURA (Osaka, 1951). "Doublonage". Fotografía, copia 1/10. Firmada y titulada al dorso. Tamaño: 102 x 81 cm. En "Doublonage", Morimura rinde homenaje a Paul Outerbridge, uno de los maestros de la fotografía en color que se dio a conocer en Nueva York en los años treinta. En concreto, el artista japonés se basa en "Ide necklace", el primer encargo publicitario de Outerbridge, que fue publicado en la revista Vanity Fair al año siguiente de su realización, aunque con ligeros matices respecto al original: Morimura prescinde de las letras y etiquetas del objeto, despojándolo así de las indicaciones que ayudan a contextualizarlo. La fotografía de Outerbridge se conserva en importantes museos internacionales, como el Met y el MoMA de Nueva York. Morimura es un artista apropiacionista japonés. Nació en Osaka y se licenció en la Universidad de las Artes de la Ciudad de Kioto en 1978. Desde 1985, ha mostrado su obra principalmente en exposiciones individuales a nivel internacional, aunque ha participado en varias colectivas. Morimura toma imágenes de artistas históricos (desde Édouard Manet a Rembrandt y Cindy Sherman) e inserta en ellas su propio rostro y cuerpo. Incluso se disfraza de los protagonistas que aparecen en las obras de arte de las que se apropia, muchas de las cuales van en contra de sus límites raciales, étnicos y de género como hombre asiático, porque la mayoría de las obras de arte de las que se apropia tienen protagonistas occidentales, sobre todo femeninos. También se inserta en algunos de los temas masculinos occidentales, y la mayoría de esas obras tratan principalmente de raza y etnia. Mediante el uso de disfraces, anula los efectos de la mirada masculina, el género, la raza, la etnia y las normas culturales, desafiando los métodos tradicionales de retrato que alteran las obras de arte occidentales originales al incorporar detalles relacionados con la cultura japonesa. Por ejemplo, en una de sus obras, Retrato (Futago), cambia el chal floral de la obra original, Olympia de Manet, por un kimono decorado con grullas. Sus obras se han expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1992), la Fundación Cartier de Arte Contemporáneo de Jouy-en-Josas, Francia (1993), el Museo de Arte Hara de Tokio (1994), el Museo Guggenheim. Museum (1994), el Yokohama Museum of Art de Yokohama, Japón (1996), el Museum of Contemporary Art de San Diego (2006) y la Art Gallery of New South Wales de Sidney (2007), entre otros, y su obra pertenece actualmente al Carnegie Museum of Art (Pittsburgh), el Honolulu Museum of Art, el J. Paul Getty Museum (Los Ángeles), el J. Paul Getty Museum (Los Ángeles), el Hara Museum of Art de Tokio (1994), el Hara Museum of Art de Tokio (1994) y el Paul Getty Museum (Los Ángeles), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el Museo de Arte Moderno de San Francisco y el Whitney Museum of American Art (Nueva York) son algunas de las colecciones públicas que poseen obras de Morimura.

Valorac. 13 000 - 14 000 EUR

Lote 20 - MARIA ACHA-KUTSCHER ( Lima, Perú, 1968). Sin título. 2019. Serie "Womankind". Tintas pigmentadas sobre papel Hahnemühle Photo Rag Baryta, 315 gr. Con etiqueta del Taller Digigráfico de Madrid. Medidas: 41,5 x 30 cm; 62 x 50 cm (marco). Como la propia artista explicó en una entrevista en "Elemmental" sobre esta serie: "Womankind es una obra intertextual, llena de citas de obras de arte, fotografía, cine, literatura y la memoria de la lucha política. En todos los collages fotográficos de este proyecto, las mujeres ocupan un lugar central, no como objetos de contemplación, sino como protagonistas de su propia historia. Por eso es crucial que las imágenes sean verosímiles, para construir un gran archivo de documentos ficticios". Combinando imágenes de archivo y collage, Acha-Kutscher reivindica un lugar autónomo para las mujeres, un lugar que les fue robado. María Acha-Kutscher es una artista visual feminista peruana afincada en España. Es codirectora junto a Tomás Ruiz-Rivas del proyecto experimental Antimuseo. Estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Tras finalizar sus estudios en 1991 se trasladó a Ciudad de México, donde trabajó como directora de arte en agencias de publicidad. Esta experiencia como diseñadora ha sido crucial para la realización de su obra artístico-militante. En 2001 se traslada a Madrid y se involucra en la escena alternativa del arte contemporáneo a través de su pareja Tomás Ruiz-Rivas. Su trabajo reivindica y visibiliza el feminismo. Desde 2010, Acha-Kutscher se ha centrado en tres proyectos a largo plazo: Womankind, Indignadas y Herstorymuseum. Womankind consta de varias series de collages fotográficos digitales, creados a partir de imágenes de archivo, procedentes de internet, revistas, libros y fotografías tomadas por la artista. Entre sus series más reconocidas está Indignadas, que pertenece al proyecto de recuperación de la memoria histórica de las mujeres, Mujeres Trabajando para Mujeres. Su último proyecto es Herstorymuseum, un museo imaginario que, a través de su colección y un programa curatorial, desarrolla una narrativa rizomática y no jerárquica de las mujeres creadoras del siglo XX. Sus colecciones se componen de imágenes basadas en un lenguaje visual próximo al pictograma, en el que sólo se utilizan dos manchas de color. Las exposiciones se celebran en espacios públicos, centros de arte, galerías y también en su página web. Las exposiciones establecen relaciones entre diferentes mujeres artistas y obras, desarrollando así una narrativa diferente de la historia oficial del arte.16 El Herstorymuseum es miembro de la Asociación Internacional de Museos de Mujeres (IAWM). Acha-Kutscher ha expuesto su obra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC), La Virreina Centre de la Imatge, The Fed Galleries @ KCAD (EE.UU.), M.A.C.L.A. (EE.UU.), Haifa Museum of Art (EE.UU.), Haifa Museum of Art (EE.UU.) y Museum of Contemporary Art (EE.UU.).), Haifa Museum of Art (Israel), International Museum of Woman-IMOW, Galería - Centro Cultural de la Universidad de Lima (Perú), Centro Cultural Inca Garcilaso (Perú), Centro de la Imagen (México), Foto Museo Cuatro Caminos (México) Fototeca Nuevo León (México), entre otros. En España en CentroCentro, Museo de la Universidad de Alicante-MUA, Centro de Arte Contemporáneo Caja de Burgos, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria-MAS, entre otros. También ha participado en ferias de arte contemporáneo como Zona Marco (México DF). Y en Madrid en las ferias ARCO, Estampa, Madrid Photo, ArteSantander, Munich Contemplo, en su país de origen Perú en las ferias Art Lima y Lima Photo.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 21 - PER BARCLAY (Oslo, 1955). "El matadero", 1996. Fotografía tipo C de la instalación creada. Procedencia: colección privada. Anteriormente Galería Oliva Arauna (Inver-Kalis SA). Medidas: 205 x 165 cm. Con la instalación "El matadero", Per Barclay jugó con el efecto reflectante de la sangre de las reses, haciendo brillar el suelo. Del mismo modo que en otras instalaciones desplegó simbolismos sobre los inquietantes efectos del petróleo derramado en espacios deshabitados, aquí las referencias se multiplican: guiños a la historia del arte, pero también a la idea de sacrificio y violencia. Per Barclay es escultor, fotógrafo e historiador del arte. Sus instalaciones artísticas se han visto en museos de todo el mundo. La obra de Per Barclay combina conceptos de tensión y dramatismo, que trabaja con la influencia del artista noruego Edvard Munch. Tras estudiar historia del arte en Bergen, en 1979 abandonó Noruega para encontrar nuevas referencias artísticas en Italia. En Florencia estudió diseño y fotografía, y en 1981 se trasladó a la Academia de Bolonia y dos años más tarde a Roma. Tras pasar una temporada en Nápoles, se trasladó a Turín, donde entró en contacto directo con los artistas del Arte Povera. A partir de entonces, el artista utilizó el óleo y el agua como elementos pictóricos, y el acero y el vidrio como materiales estructurales para sus piezas. En 1994 se trasladó a París, donde vive y desarrolla sus proyectos. Sus obras se encuentran, entre otros, en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño, el Centro de Arte Henie-Onstad, en el museo de arte contemporáneo "Kiasma" de Helsinki y en diferentes museos de España (Koldo Mitxelena Kulturunea, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), Italia y Francia (Centre de Création Contemporaine). Participó en la Bienal de Venecia en 1990, en el Museo de Arte de Lillehammer durante los Juegos Olímpicos de Invierno de Lillehammer en 1994, en el Festival Internacional de Bergen en 2001 y en el Festival del Norte de Noruega en 2009, y ha contribuido al proyecto internacional Skulpturlandskap Nordland.

Valorac. 26 000 - 27 000 EUR

Lote 22 - GEORGES ROUSSE (París, 1947). Sin título. Barcelona, 2003. Papel fotográfico, copia 12/30. Firmado, numerado, calcado y fechado a mano. Expuesto en la galería Carles Taché, Barcelona, 2003. Tamaño: 52 x 41 cm; 75 x 63 cm (marco). Desde principios de los años ochenta, la obra de Georges Rousse se caracteriza por las relaciones que establece entre fotografía, pintura, escultura y arquitectura. El lenguaje fotográfico, sin embargo, vertebra a los demás, dialogando con ellos y jugando con los efectos espaciales. Así se pudo comprobar en la exposición celebrada en la galería Carles Taché de Barcelona, de la que formaba parte esta obra. Desde que recibió una Kodak Brownie Flash como regalo de Navidad, cuando tenía 9 años, la cámara nunca ha abandonado las manos de Georges Rousse. Mientras estudiaba medicina en Niza, decidió aprender las técnicas de la fotografía y la impresión de la mano de un profesional, y luego creó su propio estudio de fotografía arquitectónica. Cada vez más, su pasión le llevó a dedicarse por completo a la práctica artística de este medio, siguiendo los pasos de los grandes maestros estadounidenses Edward Steichen, Alfred Stieglitz y Ansel Adams. Fue con el descubrimiento de las obras de Land art y de Cuadrado negro sobre fondo blanco de Kasimir Malevitch cuando Georges Rousse optó por intervenir en el campo de la fotografía, estableciendo una relación entre la pintura y el espacio. Se apropia de lugares abandonados que siempre le han gustado, los transforma en espacios pictóricos y construye allí una obra única y efímera que sólo la fotografía puede reproducir. Para que el espectador pueda compartir su experiencia del espacio, desde principios de los años ochenta presenta sus imágenes en impresiones de gran formato. Esta obra fuerte y singular, que desplaza las fronteras entre los medios tradicionales, se impuso inmediatamente en la escena del arte contemporáneo. Desde su primera exposición en París, en la Galerie de France en 1981, Georges Rousse ha seguido creando sus instalaciones y mostrando sus fotografías por todo el mundo, en Europa, Asia (Japón, Corea, China, Nepal), Estados Unidos, Quebec y América Latina. Ha participado en numerosas bienales (París, Venecia, Sydney) y ha recibido prestigiosos premios: 1983: Villa Medicis hors les murs, Nueva York 1985 -1987: Villa Medicis, Roma 1988: Premio del Centro Internacional de Fotografía, Nueva York 1989: Premio de Dibujo del Salón de Montrouge 1992: Beca Romain Roland, Calcuta 1993: Gran Premio Nacional de Fotografía 2008: Sucede a Sol LeWitt como miembro asociado de la Real Academia Belga. Está representado por varias galerías europeas y sus obras figuran en muchas colecciones importantes de todo el mundo.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 23 - STÉPHANE COUTURIER (Neuilly-sur-Seine, Altos del Sena, 1957) "Seúl Yoido Dong, 1998. Fotografía. Tamaño: 127 x 107 cm; 133 x 112 cm (marco). Stéphane Couturier dedicó una serie de fotografías a la capital surcoreana, así como a otras ciudades, en las que queda patente su interés por abstraer los detalles urbanos. Trata el tema de las transformaciones metropolitanas desde una perspectiva única y está considerado el máximo exponente francés de la "arqueología urbana", al igual que Thomas Struth en el contexto alemán. Comenzó a exponer temas urbanos en galerías parisinas a mediados de los noventa. Especializado en fotografía arquitectónica, vive y trabaja en París. Fue galardonado con el Premio Niépce en 2003. La obra de Stéphane Couturier, que salió a la luz con su serie sobre la fábrica Renault de Boulogne-Billancourt, se compone esencialmente de fotografías de gran formato tomadas con cámara o formato medio, en las que el ojo del espectador se pierde, cautivado por los detalles. La fuerza de sus imágenes procede de este juego visual basado exclusivamente en la película, hasta su reciente serie Melting Point, tomada en la fábrica Toyota de Valenciennes. Aquí experimentó con la fusión de 2 imágenes previamente escaneadas; el resultado es una profusión de detalles ricamente coloreados que logra mágicamente una gran coherencia. Stéphane Couturier se ha orientado progresivamente hacia la fotografía artística: sus fotografías de obras revelan una ciudad orgánica en transformación y color, a veces en dípticos o trípticos gigantes. En Paisaje, se centra en las nuevas ciudades de California, pero siempre bajo un cielo nublado que sobrecoge las diferentes tomas. Su obra se ha expuesto en la Bibliothèque nationale de France de París (2004), el Museo de Arte de Seúl (2005), el Museo de Arquitectura de Moscú (2006), el International Center of Photography de Nueva York (2006), el Hôtel des Arts de Toulon (2014), la Maison Européenne de la Photographie de París (2015), el Musée Nicéphore Niepce de Châlon sur Saône (2016), el Musée de la Photographie de Charleroi, Bélgica (2017) y el Musée Fernand Léger de Biot (2018). Su obra también se ha publicado en varios libros. Está representado por la Galerie Particulière 1 de París, la Benrubi Gallery de Nueva York, la Galerie Kornfeld de Berlín y la Galerie Christophe Guye de Zúrich. En mayo de 2018, Stéphane Couturier firmó una petición con destacadas personalidades del mundo de la cultura para boicotear la temporada cultural conjunta "Francia-Israel", que, según la petición, sirve de "escaparate" para el Estado de Israel en detrimento del pueblo palestino. Stéphane Couturier ha participado en numerosas exposiciones, algunas de las cuales se enumeran aquí: 2021 Stéphane Couturier, Christophe Guye Galerie, Zúrich, Suiza 2016 Alger, Climat de France, Musée Nicéphore-Niépce, Chalon-sur-Saône, Francia Anaklasis, La Galerie Particulière, París, Francia; Paris Photo, Galerie Particulière Booth, Grand Palais, París, Francia.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 24 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Concursante de la feria de ganado del condado, Sara Von Berger, Salina, Kansas, 8 de agosto de 2003 / Cajun Man with Alligator, Charles Olivier, Loreauville, Luisiana, 2003". Ed.2/6. Fotografías en blanco y negro sobre papel fotográfico montadas sobre aluminio. Firmadas, fechadas y tituladas al dorso. Medidas 102 x 81 cm cada una. 116,5 x 179 cm (marco). Mark Laita es un magnífico fotógrafo norteamericano que tras varios años dedicado a la fotografía comercial ha presentado en los últimos años una serie de libros con su obra personal. De ellos, he seleccionado una muestra de dos de los más interesantes: "Created Equal", de 2010 y "Serpentine", de este año. Ha realizado premiados trabajos comerciales para clientes como Adidas, Apple y Mercedes-Benz. El primer libro de trabajo no comercial de Laita, "Created Equal", es el resultado de un proyecto de ocho años a través del país con retratos en blanco y negro de 8×10 de estadounidenses de una amplia gama de culturas, ocupaciones y orígenes. Su obra se ha expuesto en galerías de Estados Unidos y Europa.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 25 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Young Man with Boom Box, Billy Monroe", Venice, California, 26 de abril de 1999. "Sunbather, Joey Caveseno", Coney Island, Nueva York, 3 de agosto de 2002. Fotografías en blanco y negro sobre papel fotográfico montado sobre aluminio. Ejemplar nº 20. Medidas: 50 x 40 cm (cada una); 65,5 x 96 cm (marco). Mark Laita es un fotógrafo estadounidense que, tras varios años dedicado a la fotografía comercial, ha presentado en los últimos años una serie de libros con su obra personal. De ellos, he seleccionado una muestra de dos de los más interesantes: "Created Equal", de 2010, y "Serpentine", de este año. Ha realizado premiados trabajos comerciales para clientes como Adidas, Apple y Mercedes-Benz. El primer libro de trabajo no comercial de Laita, "Created Equal", es el resultado de un proyecto de ocho años a través del país con retratos en blanco y negro de 8×10 de estadounidenses de una amplia gama de culturas, ocupaciones y orígenes. Su obra se ha expuesto en galerías de Estados Unidos y Europa.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 26 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - Nueva York, 1979). "Pareja flamenca", 1950. Fotografía en gelatina de plata. Presenta el sello del artista al dorso "Copyright de Philippe Halsman". Medidas: 18 x 13 cm; 40 x 30 cm (marco). Halsman estudió ingeniería eléctrica en Dresde. Tras ser acusado del asesinato de su padre, pasó dos años en la cárcel. Tras su liberación, Halsman decidió trasladarse a Francia, donde empezó a colaborar con revistas de moda como Vogue y pronto se ganó la reputación de ser uno de los mejores fotógrafos de retratos de Francia. Famoso por sus imágenes nítidas en lugar de enfocadas con suavidad y muy recortadas. Cuando Francia fue invadida por Alemania, Halsman huyó a Marsella. Finalmente consiguió un visado estadounidense, con la ayuda de su amigo de la familia Albert Einstein, a quien fotografió más tarde en 1947. Halsman tuvo su primer éxito en Estados Unidos cuando la firma de cosméticos Elizabeth Arden utilizó su imagen de la modelo Constance Ford contra la bandera estadounidense en una campaña publicitaria para la barra de labios "Victory Red". Un año más tarde, en 1942, encontró trabajo en la revista Life, fotografiando diseños de sombreros; en 1941 Halsman conoció al artista surrealista Salvador Dalí y empezaron a colaborar a finales de la década de 1940. La obra de 1948 Dalí Atomicus explora la idea de la suspensión, representando a tres gatos volando, un cubo de agua lanzado y Dalí en el aire. El título de la fotografía es una referencia a la obra de Dalí Leda Atomicus, que puede verse a la derecha de la fotografía detrás de los dos gatos. Con el tiempo, Halsman y Dalí publicaron un compendio de sus colaboraciones en el libro de 1954 Dali's Moustache (El bigote de Dalí), que presenta 36 vistas diferentes del característico bigote del artista. Otra famosa colaboración entre ambos fue In Voluptas Mors, un retrato surrealista de Dalí junto a una gran calavera, en realidad un tableau vivant compuesto por siete desnudos. En 1947, Halsman tomó la que se convertiría en una de sus fotos más famosas de un afligido Albert Einstein, que durante la sesión fotográfica relató su arrepentimiento por su papel en la consecución de la bomba atómica por parte de Estados Unidos. La foto se utilizaría más tarde, en 1966, en un sello de correos estadounidense y, en 1999, en la portada de la revista Time, cuando calificó a Einstein de "Personaje del Siglo". En 1951, la NBC encargó a Halsman que fotografiara a varios cómicos populares de la época, como Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx y Bob Hope. En 1959 publicó Philippe Halsman's Jump Book (El libro de los saltos de Philippe Halsman), que contenía un análisis irónico de la jumpología y 178 fotografías de famosos saltadores.

Valorac. 600 - 700 EUR

Lote 27 - WILLIAM KLEIN (Nueva York, 1926- París, 2022) . "Simone + Nina, Plaza de España, Roma", 1960. Gelatina de plata. Firmada, titulada y fechada a lápiz (en el reverso). Procedencia: colección privada Solomon New York. Medidas: 45 x 37 cm (imagen); 51 x 40,8 cm (marco). La fotografía "Simone + Nina, Piazza di Spagna, Roma" de William Klein, realizada en 1960, muestra su estilo innovador y su compromiso con la fotografía de calle, su deseo de sacar la fotografía de moda del estudio. En esta ocasión, juega con la línea rítmica y contrastada del paso de cebra. La composición es elaborada pero pretende ser desenfadada, lo que resulta en un gran logro visual: la vespa (elemento icónico de las calles italianas), la agitación de esta plaza neurálgica de Roma, las elegantes siluetas de Nina y SImone... componen una especie de fotograma de película. Tal es la impresión espontánea y la riqueza narrativa que transmite. William Klein fue un fotógrafo y director de cine estadounidense. Aunque nació en Nueva York y se formó en el City College de Nueva York, Klein desarrolló su actividad principalmente en Francia. Había dirigido varios largometrajes (entre ellos la película de 1966 "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" y la sátira antiamericana "Mr. Freedom"). En el campo de la fotografía, Klein ganó el Premio Nadar en 1956. En 1947, mientras estaba en el ejército, viajó por primera vez a París y desde entonces vivió y trabajó en esta ciudad, de la que se enamoró. En 1948 se matriculó en la Universidad de la Sorbona, donde fue alumno de Fernand Léger, entre otros. Sus obras más conocidas giran en torno a la fotografía de moda y callejera, de la que fue considerado uno de los creadores y maestros. Premios: En 1988 recibió el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía. En 1990 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad. En 2005 recibió el premio PhotoEspaña. Libros de fotografía: 1956. Life Is Good & Good for You in New York: Trance witness revels, Éditions su Seul, París. 1959. Roma: la ciudad y su gente, Feltrinelli, Milán. 1964. Tokio, Ediciones Zokeisha, Tokio. 1964. Moscú, Ediciones Zokeisha, Tokio. 1989. Close up, Thames and Hudson, Londres, Nueva York y París. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Milán. 1994. In and Out of Fashion, Random House, Nueva York y Londres.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 28 - KENNETH DUDLEY SMITH (Estados Unidos, 1886 - 1965) "Fuerte San Juan". Fotografía. Sello del artista en el reverso. Medidas: 26 x 34 cm. Esta fotografía presenta el fuerte de San Juan en Cuba, un espacio histórico ya que fue crucial durante la guerra de Cuba. La presencia de personas junto a la construcción indica su relevancia como monumento histórico y de interés turístico. Esta presencia invita al espectador a reflexionar sobre el valor de los edificios.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 29 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908- Céreste, Francia, 2004). "Hyères, Francia, 1932. Gelatina de plata. Impresión posterior. Firmada a tinta y con el sello de copyright del fotógrafo (en el margen). Procedencia: Colección privada Bennett, Nueva York. El Centro Pompidou posee una copia de esta fotografía. Medidas: 25 x 36 cm (imagen); 31 x 41 cm (papel). Tomada a los 24 años, cuando Henri Cartier Bresson acababa de comprar su pequeña cámara Leica, esta instantánea se convierte en una de sus imágenes más conocidas y una de las más caras subastadas por el artista. Muestra la velocidad y la movilidad que daba esta cámara para congelar el movimiento y el momento fugaz con infinitas posibilidades estéticas. Henri Cartier-Bresson fue un artista y fotógrafo humanista francés considerado un maestro de la fotografía y uno de los primeros usuarios de la película de 35 mm. Fue pionero en el género de la fotografía callejera y consideraba la fotografía como la captura de un momento decisivo. Su primer gran viaje de reportaje le llevó a Costa de Marfil en 1931, y las fotografías de sus numerosos viajes no tardaron en aparecer en revistas y exposiciones. También adquirió experiencia en Nueva York con Paul Strand. A finales del verano de 1937, antes de la batalla de Belchite, viajó a España con Herbert Kline, antiguo editor de la revista New Theater, y el cámara Jacques Lemare para rodar un documental sobre la American Medical Bureau durante la Guerra Civil española. Filmaron en Villa Paz, el hospital de las Brigadas Internacionales en Saelices, no lejos de Madrid, y en la costa de Valencia para documentar la recuperación de los voluntarios heridos en las villas de Benicàssim. También visitaron la Brigada Abraham Lincoln en Quinto, cerca de Zaragoza, y rodaron la película Con la Brigada Abraham Lincoln en España. De 1937 a 1939, Cartier-Bresson fue ayudante de dirección en tres películas de Jean Renoir, entre ellas Las reglas del juego. En 1940, pasó casi tres años como prisionero de guerra en Alemania. Después de que se asumiera erróneamente que había muerto en la guerra, el Museo de Arte Moderno de Nueva York dedicó una gran retrospectiva "póstuma" a Cartier-Bresson en 1947. Ese mismo año, junto con Robert Capa, David Seymour y George Rodger, fundó la agencia Magnum Photos en Nueva York con el objetivo de preservar los derechos de la obra de los fotógrafos.Cartier-Bresson fue el primer fotógrafo autorizado a exponer en el Louvre de París en 1955. Sus fotografías se recopilaron y publicaron en Images à la sauvette (1952, Imágenes al pasar), D'une Chine à l'autre (1968, China ayer y hoy) y Moscou (1955, Moscú), entre otros. Cartier-Bresson dejó de hacer fotografías profesionales en 1972 y se dedicó intensamente al arte del dibujo. En 1974 fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.

Valorac. 13 000 - 14 000 EUR

Lote 30 - DAVID HAMILTON (Londres, 1933-París, 2016). "Joven dormida", 1974. Fotografía sobre gelatina de plata. Firmada y fechada. Medidas: 17 x 23,5 cm. En esta fotografía el autor enfoca a la modelo desde una perspectiva alta. Evita retratar el rostro, no sólo porque la joven está tumbada boca abajo, sino también porque deja la cabeza de la modelo fuera del encuadre. Por la posición y el erotismo explícito, el autor nos ofrece una revisión de "El origen del mundo" de Coulbert. David Hamilton fue un fotógrafo y director de cine británico conocido por sus fotografías de mujeres jóvenes y niñas, principalmente desnudas. Su estilo de enfoque se denominó "Hamilton Blur", las imágenes de Hamilton se convirtieron en parte de un debate sobre "arte o pornografía". Sus dotes artísticas empezaron a despuntar durante un trabajo en el estudio de un arquitecto. A los 20 años se fue a París, donde trabajó como diseñador gráfico para Peter Knapp, de la revista Elle. Tras obtener reconocimiento, fue contratado por la revista Queen de Londres como director artístico. Sin embargo, Hamilton pronto se dio cuenta de su amor por París y, tras regresar allí, se convirtió en director artístico de Printemps, los mayores grandes almacenes de la ciudad. Mientras trabajaba en Printemps, Hamilton empezó a hacer fotografía comercial, y el estilo onírico y granulado de sus imágenes fue aclamado por la crítica. Sus fotografías fueron solicitadas por otras revistas como Réalités, Twen y Photo. Sus éxitos adicionales incluyeron docenas de libros fotográficos; cinco largometrajes; innumerables exposiciones en revistas; y exposiciones en museos y galerías. En diciembre de 1977, Images Gallery, un estudio propiedad de Bob Persky situado en el número 11 de la calle 57 Este de Manhattan, expuso sus fotografías al mismo tiempo que se lanzaba Bilitis. En aquel momento, el crítico de arte Gene Thornton escribió en The New York Times que revelaban "el tipo de ideal que se expresaba habitualmente en las grandes pinturas del pasado". En su libro Contemporary Photographers, el comisario Christian Caujolle escribió que Hamilton sólo trabajaba con dos dispositivos fijos: "una clara intención pictórica y un erotismo latente, aparentemente romántico, pero que busca problemas". Además de retratar a mujeres jóvenes, Hamilton compuso fotografías de flores, hombres, paisajes, animales de granja, palomas y bodegones de frutas. Varias de sus fotografías parecen pinturas al óleo. La mayor parte de su obra da una impresión de intemporalidad debido a la ausencia de automóviles, edificios modernos y anuncios publicitarios. En 1976, Denise Couttès explicó el éxito de Hamilton diciendo: "(sus fotografías) expresan escapismo. La gente sólo puede escapar de la violencia y la crueldad del mundo moderno a través de los sueños y la nostalgia". Su estilo de enfoque suave volvió a ponerse de moda en Vogue, Elle y otras revistas de moda a partir de 2003. Debutó en la pantalla en Bilitis. Más tarde se casó con Gertrude, codiseñadora de La edad de la inocencia, pero se divorciaron amistosamente.Hamilton dividía su tiempo entre Saint-Tropez y París. Su popularidad había renacido en 2005. En 2006 se publicó David Hamilton, una colección de fotografías subtituladas, y Erotic Tales, que contiene relatos ficticios de Hamilton. En el momento de su muerte, Hamilton trabajaba en otro libro, Monograph of Montenegro.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 31 - PIERRE ET GILLES (Francia, colaboradores desde 1976). "Le petit Rimbaud", 2005. Fotografía. Firmada. Obra única. Medidas: 126 x 100 cm. El dúo de artistas franceses Pierre et Gilles, realiza fotografías provocativas en las que construyen sus propios escenarios y vestuarios a mano, retocando a menudo las impresiones con pintura. La cultura gay y la pornografía son los géneros que exploran con espíritu liberado y sardónico. En esta ocasión, en esta fotografía de formato ovalado, renace el poeta maldito Arthur Rimbaud, reencarnado en un joven cuyo rostro angelical de mirada celestial contrasta con su vulgar exhibicionismo. El choque entre la poesía elevada y el comportamiento escandaloso que Rimbaud tuvo en vida se relee en clave camp. Pierre et Gilles son dos artistas franceses, una pareja sentimental y artística. Realizan fotografías únicas y muy estilizadas. Su trabajo incluye imágenes de la historia del arte, la cultura popular, la religión y la cultura gay, incluida la pornografía (especialmente James Bidgood). La forma de trabajar de estos dos artistas incluye el montaje de complejas escenografías, ya que apenas trabajan con postproducción digital después de las tomas. Parte de su forma de trabajar incluye elaborados trabajos de iluminación y escenografía, retratando a los modelos rodeados de mandorlas florales que a menudo remiten a obras religiosas del pasado o en escenarios idílicos e imaginarios. Posteriormente, trabajan las fotografías con pintura acrílica para retocar las imágenes y darles un acabado original. Entre sus temas favoritos se encuentran los religiosos y mitológicos, así como las escenas homoeróticas (algunos ejemplos hacen referencia al océano y a los marineros, habiendo elaborado un libro sobre este tema titulado "Marineros y mar"). Sin duda, sus obras pueden incluirse dentro del movimiento kitsch expresado de forma consciente, estando también influenciadas por el mundo de la cultura pop. Entre las celebridades fotografiadas por Pierre et Gilles se encuentran: Amanda Lear (la portada de su álbum de 1980, Diamonds for Breakfast, uno de sus primeros encargos), Lio, Khaled, Étienne Daho, Marie France, Mikado, Marc Almond, Leslie Winer, Marilyn Manson, Madonna, Kylie Minogue, Erasure, Deee-Lite, The Creatures, Nina Hagen y Coco Rosie (la portada de su álbum de 2007, The Adventures of Ghosthorse and Stillborn); la modelo Naomi Campbell, las actrices Tilda Swinton y Catherine Deneuve, los actores Jérémie Renier y Layke Anderson, así como los diseñadores Jean-Paul Gaultier y Paloma Picasso. Su obra forma parte de las colecciones del Centro Pompidou de París.

Valorac. 110 000 - 120 000 EUR

Lote 32 - ANDY WARHOL (Pittsburgh, EEUU,1928-Nueva York, EEUU,1987). "Lana Turner", 1985. Fotografía polaroid. Ejemplar único. Se adjunta certificado de procedencia, indicando que la obra procede de "Estate of Andy Warhol", y de la "Andy Warhol Foundation for the Visual Arts". Medidas: 10,8 x 8,6 cm. Lana Turner fue una actriz estadounidense. A lo largo de sus casi 50 años de carrera, alcanzó la fama como modelo pin-up y actriz de cine, así como por su publicitada vida personal. A mediados de los años 40 era una de las actrices mejor pagadas de Estados Unidos y una de las mayores estrellas de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Turner está considerada un icono de la cultura popular del glamour de Hollywood y una leyenda del cine clásico de Hollywood. Andrew Warhola, comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista visual, cineasta y productor musical estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del arte pop. Considerado en su época un gurú de la modernidad, Warhol ha sido uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Hijo de inmigrantes eslovacos, comenzó sus estudios de arte en el Carnegie Institute of Technology entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen y The New Yorker. Al mismo tiempo pintaba lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, la publicidad o el cómic. Pronto empezó a exponer en diversas galerías. Progresivamente fue eliminando de sus obras cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición en serie de un elemento popular de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación. Esta evolución alcanzó su máximo nivel de despersonalización en 1962, cuando comenzó a utilizar como método de trabajo la serigrafía mecánica, mediante la cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea, cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su famoso tratamiento de las latas de sopa Campbell's, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de los sesenta. Este apropiacionismo, una constante en las obras de los defensores del arte pop, se extendió a obras de arte de carácter universal. Mediante la reproducción masiva, consiguió despojar a los fetiches mediáticos que utilizaba de sus referentes habituales y convertirlos en iconos estereotipados con una finalidad meramente decorativa. En 1963 creó la Factory, un taller en el que se reunían a su alrededor numerosas figuras de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida acabaron por establecer una línea coherente entre su obra y su trayectoria vital. Actualmente está representado en los museos de arte contemporáneo más importantes del mundo, como el MoMA, el Metropolitan y el Guggenheim de Nueva York, el Museo Fukoka de Japón, el Kunstmuseum de Basilea, el Museo Nacional de Arte del siglo XXI de Roma, el MUMOK de Viena, el SMAK de Gante y la Tate Gallery de Londres, así como en los museos que llevan su nombre en Pittsburgh y Medzilaborce (Eslovaquia).

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 33 - MASSIMO VITALI (Como, Italia, 1944). "Vecchiano". Serie "Paisaje con figuras", ca.2000. Fotografía. ¿Edición limitada a 10 ejemplares? Medidas: 78 x 88 cm; 76 x 96 cm (marco). Vitali comenzó a capturar vistas panorámicas de playas bañadas por el sol en su Italia natal, inmortalizando su multitud, arquitectura y belleza natural. Las playas ofrecen a Vitali un amplio espacio abierto para experimentar con la composición y la perspectiva. Utiliza un punto de vista elevado para obtener una vista panorámica y captar detalles y patrones que surgen al observar a gran número de personas desde la distancia. Al mismo tiempo, es un estudio sociológico vinculado al ocio de las multitudes. Massimo Vitali es un fotógrafo italiano afincado en Lucca. Estudió fotografía en el London College of Printing. Al principio, en los años setenta, trabajó como fotoperiodista en la Agencia Report, y después como cámara de cine. En 1995 empezó a practicar la fotografía artística, a menudo sobre un podio de cuatro o cinco metros de altura y con cámaras de película de gran formato para captar detalles de alta resolución en amplias tomas de lugares como playas, clubes y espacios públicos. Su obra se ha expuesto en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo Guggenheim de Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo de Denver (Colorado), el Fonds national d'art contemporain de París, el Centro Pompidou de París, el Musée National d'Art Moderne (Francia) de París, la Fundación Cartier de París y el Museo Luigi Pecci de Prato (Italia).

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 34 - CANDIDA HÖFER (Alemania, 1944). "Deutsche Oper am Rhein Düsseldorf", 2012. Fotografía, c-print, ejemplar 97/100. Firmada y numerada al dorso. Medidas: 30 x 45,5 cm; 48 x 63 cm (marco). "Deutsch Oper am Rhein Düsseldorf" forma parte de un proyecto llamado "En Portugal", que el artista realizó entre 2005 y 2006. La serie consiste en una selección de fotografías tomadas en lugares públicos de todo el país. Característica de Candida Höfer, la artista ha fotografiado interiores vacíos de bibliotecas, museos, palacios y teatros, centrándose en espacios culturales libres de presencia humana. Las limitaciones temáticas autoimpuestas en su proyecto son de naturaleza tanto cultural como formal. Los interiores barrocos, modernos y contemporáneos que Höfer capta a través de su objetivo ofrecen un "retrato formal de lo social en sí mismo", tal y como se ha definido en Europa desde la Ilustración. Candida Höfer comenzó su carrera en 1968 trabajando como retratista para varios periódicos y, a partir de 1970, como ayudante de Werner Bokelberg. Posteriormente, entre 1973 y 1982, asistió a la Kunstakademie de Düsseldorf, donde primero estudió cine con Ole John y, más tarde, fotografía con Bernd Becher. Junto con Thomas Ruff, Höfe fue la primera alumna de Becher en utilizar la fotografía en color, mostrando su trabajo en forma de diapositivas. Comenzó a realizar sus famosos interiores de edificios públicos en 1979, todavía durante su época de estudiante. Con el tiempo, la fama le llegaría gracias a su serie de fotografías centradas en la vida de los trabajadores inmigrantes en Alemania. La obra de Höfer se inscribe en la tradición de fotógrafos alemanes herederos directos de la estética conceptual y las enseñanzas de Bernd e Hilla Becher de la Kunstakademie de Düsseldorf, que readaptaron el proyecto original de la Nueva Objetividad para adoptar una forma singular de enfrentarse al mundo. Siguiendo el método de trabajo iniciado por sus maestros, sus fotografías muestran un interés casi etnográfico por la multiplicidad de formas de representación de la cultura contemporánea, relacionándose de manera muy particular con los escenarios donde se mueve la sociedad y se desarrolla el conocimiento. Las de Höfer son interiores de edificios, preferentemente de uso público como museos, iglesias, teatros o teatros de ópera, archivos y bibliotecas, que son fotografiados cuando han cesado toda actividad y están vacíos. Especializada en grandes formatos, sus fotografías están tomadas desde un ángulo frontal clásico, o buscan una diagonal nítida que organice la composición. La artista tiende a fotografiar sus escenas desde un punto de vista elevado, de modo que la pared del fondo quede centrada en relación con la imagen final. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1975 en la Galería Konrad Fischer de Düsseldorf. Desde entonces, la obra de Höfer se ha expuesto en los principales museos del mundo, como las Kunsthalle de Basilea, Hamburgo y Berna, el Louvre de París, el Portikus de Fráncfort del Meno, el MoMA de Nueva York, el Power Plant de Toronto, la Kunsthaus de Bregenz, el Museo Ludwig de Colonia o, en nuestro país, en el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo. Asimismo, en 2002 participó en Documenta 11, y en 2003 representó a Alemania en la Bienal de Venecia, junto a Martin Kippenberger. Por otra parte, entre 1997 y 2000 compaginó su práctica artística con la docencia, que ejerció en la Hochschule für Gestaltung de Karlsruhe. Actualmente está representada en el Museo Guggenheim de Nueva York, el Hamburger Banhof de Berlín, la Kunsthalle de Núremberg, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Trento, el Museo de Fotografía Contemporánea del Columbia College de Chicago, la Fundación Telefónica de Madrid y el Museo de Arte de Filadelfia, entre otras colecciones públicas y privadas.

Valorac. 3 000 - 3 400 EUR

Lote 35 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-Nueva York, 1981). "Space2", Providence, Rhode Island, 1976. Gelatina de plata. Posteriormente impresa por Igor Bakht, sello en el reverso. Firmado por George y Betty Woodman, anotado n. 17 "Para Igor Kind Ryards" a lápiz. Sello de crédito PE/FW en el reverso. Procedencia: Colección privada Foster Glasgow. Medidas: 13,5 x 13,5 cm (imagen); 26,2 x 21,5 cm (papel). Francesca Woodman realizó esta serie en Providence, donde estudiaba, tras haber pasado un tiempo en Roma (con una beca). En la serie "Space2", Woodman se fotografía a sí misma interactuando con espacios arquitectónicos, a menudo en ruinas o abandonados. Utiliza estos espacios no sólo como escenarios, sino como elementos activos de la composición. Paredes, puertas y ventanas se convierten en parte integrante de las imágenes, interactuando con su cuerpo de forma simbólica y visual. Woodman utiliza espacios que evocan una sensación de abandono que contrasta con su presencia física, añadiendo una capa de tensión y vulnerabilidad a las imágenes. Francesca Woodman fue una fotógrafa estadounidense conocida por sus autorretratos íntimos en blanco y negro. Se licenció en la Escuela de Diseño de Rhode Island, la Universidad de Bellas Artes de Providence. Su fotografía se caracteriza principalmente por el uso de una única modelo, normalmente desnuda. Normalmente era ella, pero en varias fotografías retrató a varios de sus amigos. El cuerpo captado por la cámara solía estar en movimiento, debido a los largos tiempos de exposición, o la imagen no era nítida. También utilizaba otras técnicas, como enmascararse o intentar mimetizarse con los objetos o el propio entorno. Nació en una familia de artistas. Desde muy pequeña, junto con su hermano Charles Woodman, fue introducida en el mundo del arte por sus padres, George Woodman y Betty Woodman, ambos artistas plásticos. Hoy gestionan un archivo de más de 800 imágenes de su hija, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas. Pertenece a la generación de mujeres vanguardistas de los años 70 que reivindicaron su aportación y visión del mundo, en la que también se incluyen artistas activistas como Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

Valorac. 12 000 - 15 000 EUR

Lote 36 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-Nueva York, 1981) "Autorretrato", N3017.1. Nueva York, 1979-80. Gelatina de plata. Impreso posteriormente por Igor Bakht, sello en el reverso. Firmado por George y Betty Woodman, anotado "I B" "N3017.1" a lápiz. Sello de crédito PE/FW en el verso. Procedencia: Colección privada Foster Glasgow. Medidas: 13,7 x 13,7 cm (imagen); 26 x 21 cm (papel). Esta fotografía, en la que Francesca Woodman aparece escorzada y descuartizada, pertenece a la última etapa de la corta vida de la artista. Por aquel entonces, vivía en Nueva York. Woodman había pasado el verano de 1979 en Stanwood, Washington, para visitar a su pareja, Benjamin Moore. Allí creó una serie fotográfica sobre temas domésticos. Cuando regresó a Nueva York, intentó dar a conocer su obra y consiguió exponer en la galería Daniel Wolf. En la industria de la publicidad y la moda descubrió la obra de Deborah Turbeville, que se caracterizaba por situar a modelos en escenarios gótico-melodramáticos, como edificios o pasillos desolados u oscuros. Woodman se empapó de este estilo, que luego reflejó en sus futuras fotografías. En el verano de 1980 experimentó con su propio cuerpo para tratar temas de algo superior, según la carta que escribió a su amiga Suzanne Santoro, que vivía en Roma. En esta época, su creación artística se volvió más meticulosa y elaboraba más metódicamente la composición, partiendo de bocetos previamente creados, para elaborar la narrativa de sus imágenes. Aunque puso mucho empeño en su trabajo artístico, nunca estuvo convencida de ello. Lo que realmente la llevó al suicidio fue la mediocre respuesta del público a su fotografía y un romance roto. Su padre sugirió que el motivo del suicidio fue una solicitud fallida de financiación del Fondo Nacional de las Artes. Estaba demasiado adelantada a su tiempo. Todo esto hizo que Francesca Woodman cayera en una depresión y finalmente, pocos días después de lanzar su libro, el 19 de enero de 1981, decidió quitarse la vida con sólo 22 años, saltando por la ventana de un loft en el Lower East Side de Manhattan, Nueva York. Francesca Woodman fue una fotógrafa estadounidense conocida por sus autorretratos íntimos en blanco y negro. Se licenció en la Escuela de Diseño de Rhode Island, la Universidad de Bellas Artes de Providence. Su fotografía se caracteriza principalmente por el uso de un único modelo, normalmente desnudo. Normalmente era ella, pero en varias fotografías retrató a varios de sus amigos. El cuerpo captado por la cámara solía estar en movimiento, debido a los largos tiempos de exposición, o la imagen no era nítida. También utilizaba otras técnicas, como enmascararse o intentar mimetizarse con los objetos o el propio entorno. Nació en una familia de artistas. Desde muy pequeña, junto con su hermano Charles Woodman, fue introducida en el mundo del arte por sus padres, George Woodman y Betty Woodman, ambos artistas plásticos. Hoy gestionan un archivo de más de 800 imágenes de su hija, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas. Pertenece a la generación de mujeres vanguardistas de los años 70 que reivindicaron su aportación y visión del mundo, en la que también se incluyen artistas activistas como Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 37 - RENÉ BURRI (Zúrich, 1933 - 2014). "Che Guevara". La Habana, Cuba, 1963. Gelatina de plata. Impresión posterior. Firmada, titulada y fechada a tinta (en el margen). Procedencia: Colección privada Cortez, Nueva York. Medidas: 22,5 x 32,5 cm (imagen); 30,5 x 40 cm (marco). René Burri no sabía que estaba fotografiando a uno de los personajes que se convertiría en uno de los mártires más emblemáticos del siglo XX. Muestra al Che Guevara fumando un habano, en una actitud que revela una fuerte personalidad. El fotógrafo suizo diría de ese momento: "La cara orgullosa del Che es en realidad de rabia. Yo estaba en su oficina en Cuba, enviado por 'Magnum' y él estaba peleándose con un periodista americano que había viajado conmigo. Parecía un tigre enjaulado y ni siquiera se fijó en mí, ¡así que pude hacer todas las fotos que quise!". La imagen, que se convertiría en una de las más icónicas del Che, fue tomada en el despacho del entonces Ministro de Industria cubano. René Burri fue un fotógrafo y cineasta suizo. Estudió en la "Escuela de Artes Decorativas de Zúrich" (1950-1953), donde aprendió a componer con luz y a considerar la luz en relación con las sombras. De estas clases nació el "toque Burri", que dio forma a su mirada: la refinada elegancia de una composición, el juego sutil, abierto y significativo de las líneas sólidas de una imagen. Se adscribe a la "fotografía humanista" dominante en París en los años cincuenta y allí fotografía momentos especiales y delicados, al estilo de Izis y Doisneau. Sin embargo, tomando como modelo a Cartier-Bresson, Burri comienza a buscar fotografías documentales más densas que el reflejo de simples anécdotas. Como ayudante de cámara de Ernest Hininger, también empezó a rodar pequeños documentales. En 1955 se unió a la Agencia Magnum y comenzó a viajar por todo el mundo, fotografiando retratos, paisajes, reportajes políticos y sociales, fotografía de arquitectura e industria, etc. En 1982 abrió la Galería Magnum en París, junto con Bruno Barbey. Desde 1988 es director artístico de la revista Schweizer Illustrierten. Entre sus fotografías más famosas figuran una de la ciudad de São Paulo (Brasil) y otra del Che Guevara.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 38 - JEANLOUP SIEFF (París, 1933-2000). "Derrière Anglais", París, 1969. Gelatina de plata. Firmado y fechado a tinta. Con sello del artista al dorso. Medidas: 30,4 x 21 cm (imagen); 41 x 31 cm (papel). En "Derrière Anglais, Paris", Jeanloup Sieff hace hincapié en los detalles del cuerpo de la mujer, su sensualidad, la elegancia de sus líneas y su diversidad. El fotógrafo centró su producción en retratos de personalidades del mundo del espectáculo y de la política, pero también en reportajes, paisajes y fotografía de desnudos. Fotógrafo autodidacta, Jeanloup Sieff debutó como reportero gráfico en 1954. Un año más tarde se incorporó a la revista Elle, donde primero se dedicó al reportaje y luego a la fotografía de moda. En 1959 empezó a trabajar para Réalités y Le Jardin des Modes. También abandonó la agencia Magnum para trabajar por su cuenta. En 1959 recibe el Premio Niépce a la excelencia fotográfica. En 1961 se instala en Nueva York, donde colabora con Look, Esquire y, sobre todo, Harper's Bazaar. Permaneció brevemente en Europa, donde trabajó para Twen, Vogue y Queen. En 1967 decidió trasladarse a París, donde trabajó para Vogue, Femme, Nova y otras publicaciones. Expuso a escala nacional e internacional y varias de sus obras fueron adquiridas por diversos museos de todo el mundo. En 1971 recibió la medalla de oro del museo de arte moderno de Skopje y ese mismo año donó varias colecciones a la Biblioteca Nacional de París. Su obra ha recibido premios internacionales, desde Japón hasta Estados Unidos, y se distribuye por distintas partes del mundo. Entre los galardones que ha recibido se encuentran el Premio Niépce en 1959 y el Grand Prix National de Photographie en 1992. Su obra se encuentra actualmente en: Bibliothèque nationale de Paris (donación), Musée Réatu (Arles), Musée Sterxhof (Bélgica), Musée de Toulon, Musée d'Art Moderne (París), Tulsa Art & Humanities Council (Tulsa, EE.UU.), Fonds national d' Art contemporain (Puteaux), FNAC Collection, MEP (París), Fondation Cartier d' Art Contemporain (París).

Valorac. 6 500 - 7 000 EUR

Lote 39 - MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-París, 2016). "Joven sosteniendo una flor", Washington, 1967. Gelatina de plata. Impresión posterior. Firmada y dedicada "a Patrick" en tinta, en el margen. Procedencia: Colección Zwigoff, Nueva York. Medidas: 25 x 36 cm (imagen); 31 x 40,5 cm (papel). Esta fotografía de una joven que sostiene una flor frente a unos soldados, tomada en el contexto de una manifestación en Washington contra la guerra de Vietnam, es una de las imágenes más célebres de Marc Riboud. El valor de la escena, además de la fuerza emocional que transmite, es la capacidad de universalizar el mensaje de esperanza en medio del estallido de la violencia. Porque, en cualquier caso, siempre fue el lado humano de los conflictos el que Riboud reivindicó en sus fotografías como corresponsal de guerra. Así, al tiempo que fotografiaba la guerra de Vietnam y la revolución cultural china, también reflejaba aspectos de la vida cotidiana en ciudades como Fez, Angkor, Shaanxi o Benarés. Marc Riboud fue un fotógrafo francés especializado en fotoperiodismo que formó parte de la agencia Magnum. Al estallar la Segunda Guerra Mundial estaba luchando en la Resistencia, por lo que en 1945 comenzó sus estudios de ingeniería en la École Centrale de Lyon. Aprendió fotografía de forma autodidacta desde los quince años, utilizando una cámara Kodak de bolsillo que le proporcionó su padre. Tras trabajar como ingeniero, en 1952 se incorporó a la agencia Magnum, tras conocer a Henri Cartier-Bresson y Robert Capa, donde realizó los reportajes más importantes de su carrera hasta 1979. Su primera fotografía publicada en Life en 1953 fue "Pintor en la Torre Eiffel". Fue uno de los primeros fotógrafos a los que se permitió entrar en China en 1957 y casi el único occidental que informó sobre la guerra de Vietnam desde Vietnam del Norte. Ha publicado numerosos libros y ha expuesto su obra en muchas ciudades. En 2003 recibió el premio Cornell Capa de los Infinity Awards. Se han realizado varias exposiciones retrospectivas de su obra, como la celebrada en 1997 en Nueva York y en 2005 en París. Exposiciones (selección desde 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, París. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, París. 2012 "Durante las Jornadas del Patrimonio", Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Principio de siglo, Consejo Regional de Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Museo de Arte Moderno Richard Anacreonte, Granville.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 40 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-Nueva York, 1981) Sin título, de la serie "Angels", Roma, 1977-1978. Gelatina de plata. Impreso posteriormente por Igor Bakht, sello en el reverso. Firmado por George y Betty Woodman, anotado n. 297 "Para Igor Kind Ryards" a lápiz. Sello de crédito PE/FW en el reverso. Procedencia: Colección privada Foster Glasgow. Medidas: 15,5 x 15,5 cm (imagen); 26 x 21 cm (papel). Esta fotografía pertenece al periodo romano de Woodman. El desdibujamiento del cuerpo, las presencias fantasmales, la noche y los espectros conforman una sugerente estampa en la que la propia artista es la protagonista. Woodman indaga en la parte oculta de su propio ser, tratando de hacer visible lo que es esencialmente invisible. En esta serie, la fotógrafa emplea técnicas de larga exposición para captar el movimiento, lo que da lugar a figuras borrosas que parecen desvanecerse o fundirse con su entorno. Este efecto crea una sensación de dinamismo y evoca la idea de seres etéreos o fantasmas. Realizó esta serie (Ángeles) en Roma. Entre 1975 y 1979, mientras estudiaba en el Providence College of Fine Arts, donde Francesca Woodman destacó por sus habilidades artísticas, obtuvo una beca del Honors Program que le permitió vivir durante un año en las instalaciones de la escuela en el Palazzo Cenci de Roma. Conoció y se unió a un grupo de artistas vinculados a la Galería y Librería Maldoror. Sus propietarios, Giuseppe Casetti y Paolo Missigoi, se sentían atraídos por todos aquellos relacionados con los movimientos de vanguardia, más concretamente, los relacionados con el futurismo, el surrealismo y el simbolismo. Fueron los propietarios quienes consiguieron incluir a Woodman en una exposición de cinco jóvenes artistas en la Galería Ugo Ferranti, en la que fue la única estadounidense que participó. Fue su primera exposición individual. Fue en Roma donde produjo algunas de sus obras más conocidas hasta hoy, como "On Being an Angel", "Glove Series", "Self-deceit". Sus fotografías reformulan la imagen de la mujer, Francesca Woodman fue una fotógrafa estadounidense conocida por sus autorretratos íntimos en blanco y negro. Se licenció en la Escuela de Diseño de Rhode Island, la Universidad de Bellas Artes de Providence. Su fotografía se caracteriza principalmente por el uso de una única modelo, normalmente desnuda. Normalmente era ella, pero en varias fotografías retrató a varios de sus amigos. El cuerpo captado por la cámara solía estar en movimiento, debido a los largos tiempos de exposición, o la imagen no era nítida. También utilizaba otras técnicas, como enmascararse o intentar mimetizarse con los objetos o el propio entorno. Nació en una familia de artistas. Desde muy pequeña, junto con su hermano Charles Woodman, fue introducida en el mundo del arte por sus padres, George Woodman y Betty Woodman, ambos artistas plásticos. Hoy gestionan un archivo de más de 800 imágenes de su hija, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas. Pertenece a la generación de mujeres vanguardistas de los años 70 que reivindicaron su aportación y visión del mundo, en la que también se incluyen artistas activistas como Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 41 - WILLIAM KLEIN (Nueva York, 1926- París, 2022) . "Simone + Sophia Loren, Roma, 1960. Gelatina de plata. Firmada, titulada y fechada a lápiz (en el reverso). Procedencia: Colección privada Solomon, Nueva York. Medidas: 46 x 34,5 cm (imagen); 51 x 41 cm (marco). Un tendero sostiene con ambas manos un gran cartel recortado con la imagen a tamaño natural de Sophia Loren. Simone mira de reojo a la gran dama del cine italiano, y detrás de ella flotan un reloj de pared y una señal de tráfico. Se trata de una escena en la acera en la que la caótica espontaneidad de la vida humana y el ojo calculador de William Klein, uno de los fotógrafos más "cinematográficos" de su época. William Klein fue un fotógrafo y director de cine estadounidense. Aunque nació en Nueva York y se formó en el City College de Nueva York, la actividad de Klein se desarrolló principalmente en Francia. Dirigió varios largometrajes (entre ellos la película de 1966 "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" y la sátira antiamericana "Mr. Freedom"). En el campo de la fotografía, Klein ganó el Premio Nadar en 1956. En 1947, mientras estaba en el ejército, viajó por primera vez a París y desde entonces vivió y trabajó en esta ciudad, de la que se enamoró. En 1948 se matriculó en la Universidad de la Sorbona, donde fue alumno de Fernand Léger, entre otros. Sus obras más conocidas giran en torno a la fotografía de moda y callejera, de la que fue considerado uno de los creadores y maestros. Premios: En 1988 recibió el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía. En 1990 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad. En 2005 recibió el premio PhotoEspaña. Libros de fotografía: 1956. Life Is Good & Good for You in New York: Trance witness revels, Éditions su Seul, París. 1959. Roma: la ciudad y su gente, Feltrinelli, Milán. 1964. Tokio, Ediciones Zokeisha, Tokio. 1964. Moscú, Ediciones Zokeisha, Tokio. 1989. Close up, Thames and Hudson, Londres, Nueva York y París. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Milán. 1994. In and Out of Fashion, Random House, Nueva York y Londres.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 42 - SEBASTIAO SALGADO (Aimorés, Brasil, 1944). De la serie "Brasil", 1980-1983. Gelatina de plata. Crédito del fotógrafo al margen. Firmada, fechada y anotada a lápiz; sello del artista (en el reverso). Procedencia: Colección privada Coolidge, Nueva York. Medidas: 34,5 x 52 cm (imagen); 51 x 61 cm (papel). Las fotografías de Sebastião Salgado tomadas en Brasil entre 1980 y 1983, especialmente las que se centran en los pies de los trabajadores rurales, son poderosos testimonios de la conexión humana con la tierra, el trabajo y las luchas cotidianas. A través de su lente, Salgado ha logrado captar la dignidad y la humanidad de sus sujetos, creando imágenes que resuenan profundamente en el espectador y siguen teniendo un impacto duradero. Sebastião Salgado es un fotógrafo sociodocumental y fotoperiodista brasileño. Ha viajado a más de 100 países para sus proyectos fotográficos. La mayoría de ellos han aparecido en numerosas publicaciones y libros. Exposiciones itinerantes de su obra han dado la vuelta al mundo. El galerista Hal Gould considera a Salgado el mejor fotógrafo de principios del siglo XXI. Ha recibido numerosos galardones internacionales, entre ellos el Premio Príncipe de Asturias de las Artes de 19983 y el Premio W. Eugene Smith de Fotografía Humanitaria. Eugene Smith de Fotografía Humanitaria4 en 1982. Llegó al campo de la fotografía relativamente tarde, tras haberse formado y trabajado previamente como economista. En su carrera como fotógrafo empezó trabajando para la agencia Gamma, con sede en París, y luego se incorporó a Magnum Photos en 1979. En 1994 abandonó Magnum para formar su propia agencia Amazonas Images en París y representar su obra. Salgado pertenece a la tradición de la fotografía sociodocumental: su trabajo destaca la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. En 2001 fue nombrado representante especial de Unicef por su trabajo. Trabaja en sus propios proyectos a largo plazo, algunos de los cuales han sido publicados en libros como "Otras Américas" o "Éxodos". Entre sus fotografías más conocidas están las tomadas en las minas de oro de Serra Pelada, en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica. En 1989 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad. En junio de 2007, tras recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, se celebró una gran exposición antológica de su obra en el festival internacional PHotoEspaña de Madrid, donde obtuvo el Premio del Público. Mientras la fama de Sebastião Salgado crecía en el mundo de la fotografía, formando parte de la agencia Magnum, su esposa Lélia Wanick trabajaba como editora de sus obras para publicarlas en libros y exposiciones. En los años 90 ambos decidieron volver a Minas Gerais, Brasil, para recibir de la familia de Sebastião un campo totalmente devastado, erosionado y seco. En 1998 formaron el Instituto Terra y, con Lélia como presidenta del proyecto, empezaron a reforestar el terreno. Con más de 4 millones de semillas de especies nativas criadas por ellos, reforestaron completamente la Hacienda Bulcao con su flora original, dando vida a un proyecto emblemático y esperanzador para el mundo entero. Libros publicados: ORO (2020), Génesis (2013), Éxodo (2000), La mina de oro de Serra Pelada (1999), Terra (1997), Trabalhadores (1996), La mano del hombre (1993), Sahel: l'Homme en Détresse, Prisma Presse y Centre National de la Photographie, para Médicos sin fronteras, Francia (1986), Otras Américas (1986), Les Hmongs, Médicos sin fronteras, Chêne/Hachette, París (1982).

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 43 - MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-París, 2016). "Le peintre de la Tour Eiffel", París, 1953. Gelatina de plata. Impresión posterior. Firmado y fechado a tinta, en el margen. Procedencia: Colección O'Hara, Nueva York. Medidas: 37,5 x 24 cm (imagen); 40,8 x 30 cm (papel). "Pintor en la Torre Eiffel" fue la primera fotografía que Marc Riboud publicó en la revista Life (1953). En ella podemos apreciar un elemento que atravesó la obra artística de Riboud: su capacidad para extraer la magia de cualquier actividad, por adversa o anodina que sea. Por eso, aunque fue corresponsal de guerra, se le recuerda sobre todo como un fotógrafo humanista, porque lo que siempre defendió fueron los valores humanos frente a la adversidad. Marc Riboud fue un fotógrafo francés especializado en fotoperiodismo que formó parte de la agencia Magnum. Al estallar la Segunda Guerra Mundial estaba luchando en la Resistencia, por lo que en 1945 comenzó sus estudios de ingeniería en la École Centrale de Lyon. Aprendió fotografía de forma autodidacta desde los quince años, utilizando una cámara Kodak de bolsillo que le proporcionó su padre. Después de trabajar como ingeniero, en 1952 se unió a la agencia Magnum, tras conocer a Henri Cartier-Bresson y Robert Capa, donde realizó los reportajes más importantes de su carrera hasta 1979. Fue uno de los primeros fotógrafos a los que se permitió entrar en China en 1957 y casi el único occidental que informó sobre la guerra de Vietnam desde Vietnam del Norte. Ha publicado numerosos libros y ha expuesto su obra en numerosas ciudades. En 2003 recibió el premio Cornell Capa de los Infinity Awards. Se han realizado varias exposiciones retrospectivas de su obra, como la celebrada en 1997 en Nueva York y en 2005 en París. Exposiciones (selección desde 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, París. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, París. 2012 "Durante las Jornadas del Patrimonio", Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Principio de siglo, Consejo Regional de Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Museo de Arte Moderno Richard Anacreonte, Granville.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 44 - ANDRÉ KERTÉSZ (Budapest, 1894-Nueva York, 1985). "Bailarín satírico". París, 1926. Gelatina de plata, impresión posterior. Firmado, titulado y fechado a lápiz (en el reverso). Procedencia: De la colección privada de Schroeder New Jersey. Medidas: 20,6 x 25,5 cm (imagen); 21 x 26 cm (papel). André Kertész apreciaba extraordinariamente la capacidad de la cámara para captar la danza y a las personas en movimiento. La que está tumbada en el sofá en esta fotografía en una pose completamente antiarquetípica es la bailarina y cabaretera Magda Förstner, a la que Kertész había invitado al estudio específicamente para la sesión. La imagen fue tomada en el taller del escultor István Beöthy, como indica el busto escultórico situado junto al sillón, que sirve de inspiración a la modelo. El propio Kertész narra la situación así: "Le dije: 'Haz algo en el espíritu del rincón del estudio', y ella empezó a moverse en el sillón. Hizo un movimiento. Hice sólo dos fotografías... Es maravilloso fotografiar a gente en movimiento. No necesitas disparar cientos de rollos de película como hoy en día. Se trata de capturar el momento justo. El momento en que algo se transforma en otra cosa". El fotógrafo André Kertész era conocido por sus innovadores enfoques de la composición y los ángulos de cámara, aunque su estilo único dificultó inicialmente su reconocimiento en las primeras etapas de su carrera. Autodidacta, sus primeros trabajos se publicaron principalmente en revistas, que le sirvieron de importante plataforma en aquella época. Tras luchar en la Primera Guerra Mundial, se trasladó a París, donde trabajó para VU, la primera revista ilustrada de Francia. Se relacionó con jóvenes artistas inmigrantes y con el movimiento Dadá, cosechando elogios de la crítica y éxito comercial. En 1936 emigró a Estados Unidos, donde expuso en solitario en la PM Gallery de Nueva York y trabajó brevemente para la agencia Keystone. Allí rechazó una oferta para trabajar en Vogue, que no le parecía adecuada. En su lugar, eligió trabajar para la revista Life. Su etapa neoyorquina se distinguió por fotografiar desde la ventana de su apartamento, inmortalizando momentos de la vida cotidiana siempre bajo la convicción de que "Todo es un tema. Todo tema tiene un ritmo. Sentirlo es la razón de ser. La fotografía es un momento fijo de esa razón de ser, que vive en sí misma". En 1963 regresó a París y tomó más de 2.000 fotografías en blanco y negro y cerca de 500 diapositivas que captan la esencia de la ciudad de Montmartre, las orillas del Sena, sus jardines y parques.

Valorac. 4 500 - 5 000 EUR

Lote 45 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908- Céreste, Francia, 2004). "Matisse", Vence, Francia, 1944. Gelatina de plata, impresión posterior. Firmada a tinta en el margen y con sello de copyright del fotógrafo en relieve (en el margen). Procedencia: Colección privada Reuben, Chicago. Medidas: 25,3 x 37 cm (imagen); 31 x 40,8 cm (papel). Henri Cartier-Bresson inmortalizó al pintor francés Henri Matisse en la villa "Le Rêve", su casa de los Alpes Marítimos, cuando el editor Pierre Braun le pidió que fotografiara a escritores y artistas para un proyecto de libro que nunca llegó a materializarse. Por aquel entonces, el pintor fauvista tenía 70 años y, tras haber sido operado años antes, su estado le obligaba a estar postrado en una silla o en la cama, como se ve en la instantánea cedida. En Le Rêve Matisse dibujó y pintó las palomas blancas que revoloteaban por su habitación, así como a sus modelos habituales, Micaela Avogadro y Lydia Delectorskaya. El fauvista también pasaba temporadas en su apartamento de Niza, donde Cartier-Bresson también le fotografió. El propio Bresson dijo de estas visitas a la villa: "Cuando fui a ver a Matisse, me senté en un rincón, no me moví, no hablamos. Era como si no existiéramos". Henri Cartier-Bresson fue un artista y fotógrafo humanista francés considerado un maestro de la fotografía y uno de los primeros usuarios de la película de 35 mm. Fue pionero en el género de la fotografía callejera y consideraba la fotografía como la captura de un momento decisivo. Su primer gran viaje de reportaje le llevó a Costa de Marfil en 1931, y las fotografías de sus numerosos viajes no tardaron en aparecer en revistas y exposiciones. También adquirió experiencia en Nueva York con Paul Strand. A finales del verano de 1937, antes de la batalla de Belchite, viajó a España con Herbert Kline, antiguo editor de la revista New Theater, y el cámara Jacques Lemare para rodar un documental sobre la American Medical Bureau durante la Guerra Civil española. Filmaron en Villa Paz, el hospital de las Brigadas Internacionales en Saelices, no lejos de Madrid, y en la costa de Valencia para documentar la recuperación de los voluntarios heridos en las villas de Benicàssim. También visitaron la Brigada Abraham Lincoln en Quinto, cerca de Zaragoza, y rodaron la película Con la Brigada Abraham Lincoln en España. De 1937 a 1939, Cartier-Bresson fue ayudante de dirección en tres películas de Jean Renoir, entre ellas Las reglas del juego. En 1940, pasó casi tres años como prisionero de guerra en Alemania. Después de que se asumiera erróneamente que había muerto en la guerra, el Museo de Arte Moderno de Nueva York dedicó una gran retrospectiva "póstuma" a Cartier-Bresson en 1947. Ese mismo año, junto con Robert Capa, David Seymour y George Rodger, fundó en Nueva York la agencia Magnum Photos con el objetivo de preservar los derechos de la obra de los fotógrafos. Cartier-Bresson fue el primer fotógrafo autorizado a exponer en el Louvre de París en 1955. Sus fotografías se recopilaron y publicaron en Images à la sauvette (1952, Imágenes al pasar), D'une Chine à l'autre (1968, China ayer y hoy) y Moscou (1955, Moscú), entre otras. Cartier-Bresson dejó de hacer fotografías profesionales en 1972 y se dedicó intensamente al arte del dibujo. En 1974 fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.

Valorac. 8 000 - 8 500 EUR

Lote 46 - LEWIS MORLEY (Hong Kong, 1925-Sidney, 2013). "Christine Keeler", 1963. Gelatina de plata. Firmado, titulado y fechado a tinta (en el margen). Procedencia: Colección privada Bennett, Nueva York. Medidas: 31,5 x 25 cm (imagen); 36 x 28,9 cm (papel). Después de que la cabaretera y bailarina Christine Keeler tuviera una aventura con un ministro del gobierno de Harold Macmillan, que desprestigió al Partido Conservador en lo que se conoció como el caso Profumo, fue llamada para hacer una sesión fotográfica en el estudio de Lewis Morley. Los hechos se debieron a que una productora cinematográfica pretendía hacer una película sobre el escándalo y necesitaba algunas fotografías publicitarias. Aunque Keeler había aceptado inicialmente ser fotografiada desnuda, cuando llegó al estudio se mostró reacia a hacerlo. Por este motivo, Lewis Morley comenzó la sesión fotográfica captando a la modelo con la ropa puesta, pero los representantes de la compañía cinematográfica insistieron en que posara desnuda. El fotógrafo, al notar la incomodidad de Keeler, hizo que los demás presentes se marcharan y, dándole la espalda mientras Keeler se desnudaba, le sugirió que posara en la silla del estudio colocada boca abajo. Lewis Morley comenzó su carrera con encargos para revistas como Tatler y fue un exitoso fotógrafo teatral de más de 100 producciones del West End. Sus fotografías publicitarias para la revista Beyond The Fringe (1961) incluían un estudio del reparto Peter Cook, Dudley Moore, Alan Bennett y Jonathan Miller, que se utilizó para la portada del LP más vendido del espectáculo. En 1971 se trasladó a Sydney, donde trabajó en revistas como Belle y con interioristas y estilistas como Babette Hayes y Charmaine Solomon. En 1989 colaboró con el comisario de fotografía Terence Pepper en la organización de su primera retrospectiva en un museo, la National Portrait Gallery de Londres, y posteriormente donó todas las imágenes impresas para la exposición como parte de un archivo más amplio de su obra. Su primera autobiografía, Black and White Lies, se publicó en 1992. En 2003, se estrenó una película sobre su vida y se celebró una exposición titulada Myself and Eye en la National Portrait Gallery de Canberra. En 2006, la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur presentó una amplia exposición que recogía 50 años de su obra. Con el título Lewis Morley: 50 años de fotografía, la exposición incluía 150 obras suyas que abarcaban moda, teatro y reportajes, muchas de las cuales no se habían visto nunca antes. Tras su muerte, su archivo fue donado al National Media Museum de Bradford (Inglaterra).

Valorac. 8 000 - 8 500 EUR

Lote 47 - HELEN LEVITT (Nueva York, 1913-2009). "NYC. Masked children on stop", Nueva York, 1940. Gelatina de plata, impresión posterior. Firmado, fechado e inscrito "N.Y.C." a lápiz (en el reverso). Procedencia: De la colección privada de Schroeder New Jersey. Medidas: 19,4 x 27,7 cm (imagen); 28 x 34,8 cm (papel). Helen Levitt está considerada una de las fotógrafas más relevantes del siglo XX y una de las precursoras del cine independiente actual. Pertenece a la llamada escuela de Nueva York, que defendía una fotografía de calle directa y aséptica. Fue alumna de Walker Evans y Cartier-Bresson, de Ben Shanhn y del círculo de la Photo League de Nueva York, de quienes aprendió esa búsqueda del instante. Su forma de captar los gestos, los cuerpos en movimiento, el lenguaje de la calle, han convertido su obra casi en un estudio antropológico. En 1939 las fotos de Helen Levitt ya se publicaban en revistas como Fortune, US Camera, Minicam y PM. Su obra más conocida es en blanco y negro y en el género documental, poniendo su objetivo en las calles y los habitantes de la ciudad, especialmente los niños. Prueba de ello es la exposición "Helen Lewitt: Photographs of Children" que el MoMA de Nueva York le dedicó en 1943. Durante su viaje a México en 1941 también retrató a niños de la calle. En los años 70, Levitt fotografió las calles de Nueva York con diapositivas en color y lo incorporó a su propio lenguaje como un recurso más. Cabe destacar que siempre tuvo vocación de cineasta: fue en los años 40 cuando realizó sus primeros proyectos de cine documental, a las órdenes del director de cine español Luis Buñuel, exiliado en Estados Unidos a causa de la Guerra Civil española. En 1948 dirigió la película "En la calle" y "El callado".

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 48 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908- Céreste, Francia, 2004). "Jardins du Palais Royal", París, 1959. Gelatina de plata, impresión posterior. Firmada y anotada "pour Tuto" en tinta y sello de copyright del fotógrafo en relieve (en el margen). Procedencia: Colección privada Reuben, Chicago. El Centro Pompidou posee una copia de esta fotografía. Medidas: 37 x 25 cm (imagen); 41 x 31 cm (placa). Gracias a su cámara Leica de mano, Henri Cartier-Bresson podía moverse con soltura cuando deambulaba por nuevas ciudades y lugares extranjeros, tomando imágenes que combinaban su espontaneidad bohemia con su sentido pictórico de la composición. Este modus operandi se conoció como "el momento decisivo", un famoso concepto que influiría en los fotógrafos de todo el siglo XX. Henri Cartier-Bresson fue un artista y fotógrafo humanista francés considerado un maestro de la fotografía y uno de los primeros usuarios de la película de 35 mm. Fue pionero en el género de la fotografía callejera y consideraba la fotografía como la captura de un momento decisivo. Su primer gran viaje de reportaje le llevó a Costa de Marfil en 1931 y las fotografías de sus numerosos viajes no tardaron en aparecer en revistas y exposiciones. También adquirió experiencia en Nueva York con Paul Strand. A finales del verano de 1937, antes de la batalla de Belchite, viajó a España con Herbert Kline, antiguo editor de la revista New Theater, y el cámara Jacques Lemare para rodar un documental sobre la American Medical Bureau durante la Guerra Civil española. Filmaron en Villa Paz, el hospital de las Brigadas Internacionales en Saelices, no lejos de Madrid, y en la costa de Valencia para documentar la recuperación de los voluntarios heridos en las villas de Benicàssim. También visitaron la Brigada Abraham Lincoln en Quinto, cerca de Zaragoza, y rodaron la película Con la Brigada Abraham Lincoln en España. De 1937 a 1939, Cartier-Bresson fue ayudante de dirección en tres películas de Jean Renoir, entre ellas Las reglas del juego. En 1940, pasó casi tres años como prisionero de guerra en Alemania. Después de que se asumiera erróneamente que había muerto en la guerra, el Museo de Arte Moderno de Nueva York dedicó una gran retrospectiva "póstuma" a Cartier-Bresson en 1947. Ese mismo año, junto con Robert Capa, David Seymour y George Rodger, fundó la agencia Magnum Photos en Nueva York con el objetivo de preservar los derechos de la obra de los fotógrafos.Cartier-Bresson fue el primer fotógrafo autorizado a exponer en el Louvre de París en 1955. Sus fotografías se recopilaron y publicaron en Images à la sauvette (1952, Imágenes al pasar), D'une Chine à l'autre (1968, China ayer y hoy) y Moscou (1955, Moscú), entre otros. Cartier-Bresson dejó de hacer fotografías profesionales en 1972 y se dedicó intensamente al arte del dibujo. En 1974 fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.

Valorac. 12 000 - 13 000 EUR

Lote 49 - ROBERT FRANK (Zúrich 1924 - Nueva Escocia 2019) "Día lluvioso", c. 1955. Gelatina de plata sobre papel Agfa. Firmado a tinta en la esquina inferior izquierda. Procedencia: Christie's París, Fotografías 10/11/2020, Lote 107. Medidas: 41 x 30 cm; 66,5 x 58 cm (marco). Robert Frank fue un fotógrafo y documentalista suizo, que también se nacionalizó estadounidense. Su obra más notable es el libro de 1958 The Americans (Los americanos), que le valió a Frank comparaciones con De Tocqueville porque su fotografía proporcionaba una visión fresca y matizada de la sociedad estadounidense desde el exterior. El crítico Sean O'Hagan escribió en The Guardian en 2014 que The Americans "cambió la naturaleza de la fotografía, lo que podía decir y cómo podía decirlo". Sigue siendo quizás el libro de fotografía más influyente del siglo XX". Frank exploró posteriormente otros campos, como el cine y el vídeo, y experimentó con la manipulación fotográfica y el fotomontaje. Robert Frank nació en Zúrich, Suiza, en el seno de una familia judía. Frank y su familia permanecieron a salvo en Suiza durante la Segunda Guerra Mundial. Se formó con varios fotógrafos y diseñadores gráficos antes de crear su primer libro de fotografía hecho a mano, 40 Photos, en 1946. Frank emigró a Estados Unidos en 1947 y consiguió trabajo en Nueva York como fotógrafo de moda para Harper's Bazaar. En 1949, el nuevo editor de la revista Camera, Walter Laubli (1902-1991), publicó una importante carpeta de fotografías de Jakob Tuggener tomadas en desfiles de alto nivel y en fábricas, junto con el trabajo de Frank, de 25 años, que acababa de regresar a su Suiza natal tras dos años en el extranjero. Pronto se marchó a Sudamérica y Europa y creó otro libro de fotografías hechas a mano que tomó en Perú. Regresó a Estados Unidos en 1950, donde conoció a Edward Steichen y participó en la exposición colectiva 51 American Photographers en el Museo de Arte Moderno (MoMA). Aunque en un principio se mostró optimista sobre la sociedad y la cultura estadounidenses, la perspectiva de Frank cambió rápidamente al enfrentarse al rápido ritmo de la vida americana, que él veía como un énfasis excesivo en el dinero. Fue entonces cuando sus imágenes empezaron a mostrar América como un lugar a menudo desolado y solitario. La insatisfacción de Frank con el control que los editores ejercían sobre su obra también influyó sin duda en su experiencia. Siguió viajando y trasladó brevemente a su familia a París. En 1953 regresó a Nueva York y siguió trabajando como fotoperiodista independiente para revistas como McCall's, Vogue y Fortune. Al asociarse con otros fotógrafos contemporáneos como Saul Leiter y Diane Arbus, contribuyó a formar lo que Jane Livingston ha denominado la Escuela de fotógrafos de Nueva York durante las décadas de 1940 y 1950. En 1955, Frank obtuvo un mayor reconocimiento al incluir Edward Steichen siete de sus fotografías en la exposición del Museo de Arte Moderno. En 1955 Frank recibió una beca Guggenheim de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation para viajar por Estados Unidos y fotografiar la sociedad. Entre las ciudades que visitó figuran Detroit y Dearborn (Michigan), Savannah (Georgia), Miami Beach y San Petersburgo (Florida), Nueva Orleans (Luisiana), Houston (Texas), Los Ángeles (California), Reno (Nevada), Salt Lake City (Utah), Butte (Montana) y Chicago (Illinois). Llevó a su familia con él durante parte de su serie de viajes por carretera a lo largo de los dos años siguientes, durante los cuales hizo 28.000 fotos de las que sólo 83 fueron seleccionadas por él para su publicación en The Americans. Su primera exposición individual tuvo lugar en el Art Institute de Chicago, y un año después expuso por segunda vez en el MoMA. En 1972, la Kunsthaus de Zurich organizó una gran retrospectiva de su obra.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 50 - SEBASTIAO SALGADO (Aimorés, Brasil, 1944). "Un leopardo (Panthera pardus) en el valle del río Barab". Damaraland, Namibia, 2005. Gelatina de plata. Crédito del fotógrafo en relieve (en el margen). Firmada, fechada y anotada a lápiz; sello del artista (en el reverso). Procedencia: Galería Claudio Poleschi Arte Contemporanea, San Marino, Italia. Medidas: 37,4 x 51 cm (imagen); 50,8 x 61 cm (papel). Esta es una imagen de una belleza y elegancia subyugantes. La poderosa majestuosidad del leopardo realzada por el juego de reflejos entre el agua y el cielo nocturno nos introduce en una naturaleza sublime que apenas se insinúa con los mínimos elementos. Es quizá una de las fotografías menos descriptivas y más experimentales de Sebastiao Salgado, que en esta ocasión se aparta de la crudeza documental de sus fotografías sociales para abordar otra de sus preocupaciones más acuciantes: la conservación del medio ambiente. En varias series, Salgado ha utilizado su arte para llamar la atención sobre los retos a los que se enfrenta nuestro planeta. Sebastião Salgado es un fotógrafo sociodocumental y fotoperiodista brasileño. Ha viajado a más de 100 países para sus proyectos fotográficos. La mayoría de ellos han aparecido en numerosas publicaciones y libros. Exposiciones itinerantes de su obra han dado la vuelta al mundo. El galerista Hal Gould considera a Salgado el mejor fotógrafo de principios del siglo XXI. Ha recibido numerosos galardones internacionales, entre ellos el Premio Príncipe de Asturias de las Artes de 19983 y el Premio W. Eugene Smith de Fotografía Humanitaria. Eugene Smith de Fotografía Humanitaria4 en 1982. Llegó al campo de la fotografía relativamente tarde, tras haberse formado y trabajado previamente como economista. En su carrera como fotógrafo empezó trabajando para la agencia Gamma, con sede en París, y luego se incorporó a Magnum Photos en 1979. En 1994 abandonó Magnum para formar su propia agencia Amazonas Images en París y representar su obra. Salgado pertenece a la tradición de la fotografía sociodocumental: su trabajo destaca la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. En 2001 fue nombrado representante especial de Unicef por su trabajo. Trabaja en sus propios proyectos a largo plazo, algunos de los cuales han sido publicados en libros como "Otras Américas" o "Éxodos". Entre sus fotografías más conocidas están las tomadas en las minas de oro de Serra Pelada, en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica. En 1989 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad. En junio de 2007, tras recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, se celebró una gran exposición antológica de su obra en el festival internacional PHotoEspaña de Madrid, donde obtuvo el Premio del Público. Mientras la fama de Sebastião Salgado crecía en el mundo de la fotografía, formando parte de la agencia Magnum, su esposa Lélia Wanick trabajaba como editora de sus obras para publicarlas en libros y exposiciones. En los años 90 ambos decidieron volver a Minas Gerais, Brasil, para recibir de la familia de Sebastião un campo totalmente devastado, erosionado y seco. En 1998 formaron el Instituto Terra y, con Lélia como presidenta del proyecto, empezaron a reforestar el terreno. Con más de 4 millones de semillas de especies nativas criadas por ellos, reforestaron completamente la Finca Bulcao con su flora original, dando vida a un proyecto emblemático y esperanzador para el mundo entero. Libros publicados: ORO (2020), Génesis (2013), Éxodo (2000), La mina de oro de Serra Pelada (1999), Terra (1997), Trabalhadores (1996), La mano del hombre (1993), Sahel: l'Homme en Détresse, Prisma Presse y Centre National de la Photographie, para Médicos sin fronteras, Francia (1986), Otras Américas (1986), Les Hmongs, Médicos sin fronteras, Chêne/Hachette, París (1982).

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 51 - HELMUT NEWTON (Alemania, 1920- California, 2004). "Sylvia examinando sus zapatos de tacón en mi estudio", París, 1981. Gelatina de plata. Firmado, titulado, fechado y anotado a lápiz. Procedencia: Galería Maurizio Siniscaldo, Nápoles, Italia. Medidas: 54,6 x 40 cm (imagen). "Sylvia examinando sus zapatos de tacón alto en mi estudio" es una fotografía que refleja muchos de los temas que definen la forma de trabajar de Helmut Newton: la cuidada composición (con la luz de una farola filtrándose desde la oscuridad de la noche urbana que contrasta con la claridad del desnudo y el marco de la ventana), el elemento fetichista de los zapatos de tacón de aguja que Sylvia sujeta sin manierismo.... Newton explora a menudo en su obra los temas del poder, el control y el fetichismo. En esta imagen, el semblante introspectivo de la mujer (ajena a la mirada del deseo masculino) y la naturalidad de su postura la empoderan, en lugar de reducirla al estereotipo de objeto femenino. Con ello, Newton redefine los parámetros de la fotografía erótica y de moda: provocación, antivoyeurismo y empoderamiento femenino son sus atributos. Sus mujeres no aparecen lánguidas como odaliscas, sino desafiantes, descaradas y sin admitir el voyeurismo fácil. En fotografías como ésta, explora los límites entre lo íntimo y lo público, al tiempo que planifica cuidadosamente sus composiciones para maximizar el impacto visual. Newton nació en Berlín, asistió al Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium y a la Escuela Americana de Berlín. Interesado en la fotografía desde los 12 años, cuando compró su primera cámara, trabajó para la fotógrafa alemana Yva (Elsie Neuländer Simon) desde 1936.Las restricciones cada vez más opresivas impuestas a los judíos por las leyes de Nuremberg hicieron que su padre perdiera el control de la fábrica; fue internado brevemente en un campo de concentración en la Kristallnacht, , lo que finalmente obligó a la familia a abandonar Alemania. Los padres de Newton huyeron a Argentina. Finalmente, al llegar a Singapur, descubrió que podía quedarse allí, primero brevemente como fotógrafo del Straits Times y luego como retratista. Newton fue internado por las autoridades británicas mientras estaba en Singapur y fue enviado a Australia a bordo del Queen Mary, llegando a Sydney el 27 de septiembre de 1940. Fue liberado del internamiento en 1942 y trabajó brevemente como recolector de fruta en el norte de Victoria. En abril de 1942 se alistó en el ejército australiano y trabajó como camionero. Tras la guerra, en 1945, se convirtió en súbdito británico y cambió su nombre por el de Newton en 1946. Ese mismo año, Newton montó un estudio en Flinders Lane, en Melbourne, y trabajó en moda, teatro y fotografía industrial durante la posguerra. Compartió su primera exposición conjunta en mayo de 1953 con Wolfgang Sievers,La exposición "New Visions in Photography" se presentó en el Federal Hotel de Collins Street y fue probablemente el primer atisbo de la fotografía de la Nueva Objetividad en Australia. Newton se asoció con Henry Talbot, un judío alemán que también había estado internado en Tatura, y su relación con el estudio continuó incluso después de 1957, cuando se marchó de Australia a Londres. El estudio pasó a llamarse "Helmut Newton y Henry Talbot". La creciente reputación de Newton como fotógrafo de moda se vio recompensada cuando consiguió un encargo para ilustrar la moda en un suplemento especial australiano de la revista Vogue, publicado en enero de 1956. Consiguió un contrato de 12 meses con British Vogue y se marchó a Londres en febrero de 1957, dejando a Talbot la dirección del negocio. Newton dejó la revista antes de finalizar su contrato y se fue a París, donde trabajó para revistas francesas y alemanas. Regresó a Melbourne en marzo de 1959 para trabajar con Australian Vogue. Finalmente, Newton y su esposa se instalaron en París en 1961. Sus imágenes aparecieron en revistas como la edición francesa de Vogue y Harper's Bazaar. Estableció un estilo particular marcado por escenas eróticas y estilizadas, a menudo con subtextos fetichistas. En 1980 creó la serie "Grandes desnudos". Le siguió su carpeta "Desnudo y vestido", y en 1992 "Desnudos domésticos", que marcó la cima de su estilo erótico-urbano; todas estas series avalaban la destreza de sus habilidades técnicas. Newton también trabajó en retratos y estudios más fantásticos. Realizó una serie de ilustraciones para Playboy, entre ellas las de Nastassja Kinski y Kristine DeBell.

Valorac. 9 000 - 12 000 EUR

Lote 52 - HELMUT NEWTON (Alemania, 1920- California, 2004). "Desnudo doméstico 7", Los Ángeles, 1992. Gelatina de plata, copia 9/15. Firmada, titulada, fechada y numerada a lápiz. Procedencia: Galería Maurizio Siniscaldo, Nápoles, Italia. Medidas: 45,2 x 36,2 cm (imagen). La serie "Desnudo doméstico" que Helmut Newton realizó en Los Ángeles en 1992 supuso otra vuelta de tuerca a la fotografía artística y de moda. En ella, coloca a mujeres en poses provocativas y en espacios domésticos insólitos: en la caseta del perro, apoyadas en la nevera.... No se las muestra lánguidamente como odaliscas, sino empoderadas y desafiantes, sin pudor y sin admitir el voyeurismo fácil. En "Desnudo doméstico" explora los límites entre lo privado y lo público, entre la mujer como sujeto y como objeto. Newton también planifica cuidadosamente sus composiciones para maximizar el impacto visual. Newton nació en Berlín, asistió al Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium y a la Escuela Americana de Berlín. Interesado en la fotografía desde los 12 años, cuando compró su primera cámara, trabajó para la fotógrafa alemana Yva (Elsie Neuländer Simon) desde 1936.Las restricciones cada vez más opresivas impuestas a los judíos por las leyes de Nuremberg hicieron que su padre perdiera el control de la fábrica; fue internado brevemente en un campo de concentración en la Kristallnacht, , lo que finalmente obligó a la familia a abandonar Alemania. Los padres de Newton huyeron a Argentina. Finalmente, al llegar a Singapur, descubrió que podía quedarse allí, primero brevemente como fotógrafo del Straits Times y luego como retratista. Newton fue internado por las autoridades británicas mientras estaba en Singapur y fue enviado a Australia a bordo del Queen Mary, llegando a Sydney el 27 de septiembre de 1940. Fue liberado del internamiento en 1942 y trabajó brevemente como recolector de fruta en el norte de Victoria. En abril de 1942 se alistó en el ejército australiano y trabajó como camionero. Tras la guerra, en 1945, se convirtió en súbdito británico y cambió su nombre por el de Newton en 1946. Ese mismo año, Newton montó un estudio en Flinders Lane, en Melbourne, y trabajó en moda, teatro y fotografía industrial durante la posguerra. Compartió su primera exposición conjunta en mayo de 1953 con Wolfgang Sievers,La exposición "New Visions in Photography" se presentó en el Federal Hotel de Collins Street y fue probablemente el primer atisbo de la fotografía de la Nueva Objetividad en Australia. Newton se asoció con Henry Talbot, un judío alemán que también había estado internado en Tatura, y su relación con el estudio continuó incluso después de 1957, cuando se marchó de Australia a Londres. El estudio pasó a llamarse "Helmut Newton y Henry Talbot". La creciente reputación de Newton como fotógrafo de moda se vio recompensada cuando consiguió un encargo para ilustrar la moda en un suplemento especial australiano de la revista Vogue, publicado en enero de 1956. Consiguió un contrato de 12 meses con British Vogue y se marchó a Londres en febrero de 1957, dejando a Talbot la dirección del negocio. Newton dejó la revista antes de finalizar su contrato y se fue a París, donde trabajó para revistas francesas y alemanas. Regresó a Melbourne en marzo de 1959 para trabajar con Australian Vogue. Finalmente, Newton y su esposa se instalaron en París en 1961. Sus imágenes aparecieron en revistas como la edición francesa de Vogue y Harper's Bazaar. Estableció un estilo particular marcado por escenas eróticas y estilizadas, a menudo con subtextos fetichistas. En 1980 creó la serie "Grandes desnudos". Le siguió su carpeta "Desnudo y vestido", y en 1992 "Desnudos domésticos", que marcó la cumbre de su estilo erótico-urbano; todas estas series avalaban la destreza de sus habilidades técnicas. Newton también trabajó en retratos y estudios más fantásticos. Realizó una serie de ilustraciones para Playboy, entre ellas las de Nastassja Kinski y Kristine DeBell.

Valorac. 10 000 - 15 000 EUR

Lote 53 - WILLIAM KLEIN (Nueva York, 1926- París, 2022) . "Modelo + Graffiti (foto decorado)". París (Vogue), 1961. Gelatina de plata. Firmada, titulada, fechada a lápiz (en el reverso). Procedencia: Galería Claudio Poleschi Arte Contemporanea, San Marino, Italia. Medidas: 39,5 x 30,8 cm (imagen). William Klein desarrolló un estilo innovador y experimental en el campo de la fotografía de moda, como vemos en esta fotografía que tomó en París en 1961 para la revista Vogue. El vestido de la mujer imita parcialmente el muro de graffiti mediante un juego de luces y texturas. En contraste, los zapatos finos y los pendientes de oro crean una interesante tensión visual. Klein explora el contraste entre el glamour exclusivista de la moda y la crudeza del graffiti callejero utilizando técnicas artísticas que amplían la gramática de la fotografía de moda. En los años sesenta, la fotografía de moda estaba dominada por imágenes pulidas y cuidadosamente compuestas. Klein rompió con estas convenciones introduciendo un sentido de espontaneidad y realismo. Su obra fotográfica estaba influida por el arte, la cultura urbana y el lenguaje cinematográfico (en cuyo campo también se desarrolló). Buscando lo fugaz y lo auténtico, sacó la fotografía del estudio y la situó en escenarios reales, y a menudo caóticos. William Klein fue un fotógrafo y director de cine estadounidense. Aunque nació en Nueva York y estudió en el City College de esa ciudad, Klein trabajó principalmente en Francia. Había dirigido varios largometrajes (entre ellos la película de 1966 "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" y la sátira antiamericana "Mr. Freedom"). En el campo de la fotografía, Klein ganó el Premio Nadar en 1956. En 1947, mientras estaba en el ejército, viajó por primera vez a París y desde entonces vivió y trabajó en esta ciudad, de la que se enamoró. En 1948 se matriculó en la Universidad de la Sorbona, donde fue alumno de Fernand Léger, entre otros. Sus obras más conocidas giran en torno a la fotografía de moda y callejera, de la que fue considerado uno de los creadores y maestros. Premios: En 1988 recibió el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía. En 1990 recibió el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad. En 2005 recibió el premio PhotoEspaña. Libros de fotografía: 1956. Life Is Good & Good for You in New York: Trance witness revels, Éditions su Seul, París. 1959. Roma: la ciudad y su gente, Feltrinelli, Milán. 1964. Tokio, Ediciones Zokeisha, Tokio. 1964. Moscú, Ediciones Zokeisha, Tokio. 1989. Close up, Thames and Hudson, Londres, Nueva York y París. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Milán. 1994. In and Out of Fashion, Random House, Nueva York y Londres.

Valorac. 12 000 - 16 000 EUR

Lote 54 - EDWARD STEICHEN (Luxemburgo, 1879 - West Redding, Connecticut, 1973). "El mar", 1904. Fotografía en platino montada sobre papel negro original sobre papel crema (original). Presenta etiqueta al dorso de colección alemana (Hamburgo 1971). Firmada y fechada en el ángulo inferior derecho. Medidas: 13 x 17,5 cm; 29 x 37 cm (marco). Edward Steichen fue una figura clave de la fotografía del siglo XX, dirigiendo su desarrollo como destacado fotógrafo e influyente comisario. Steichen llegó a Estados Unidos en 1881. Pintó y trabajó en litografía, antes de dedicarse a la fotografía en 1896, y expuso por primera vez fotografías en el Salón de Filadelfia en 1899. Steichen se nacionalizó en 1900 y, tras exponer en el Salón de Chicago, recibió el apoyo de Clarence White, quien le presentó a Alfred Stieglitz. Steichen ejerció la pintura en París de forma intermitente entre 1900 y 1922; allí conoció a Rodin y estuvo en contacto con los movimientos artísticos modernos, por lo que pudo asesorar a Stieglitz en la selección de exposiciones. En 1901 fue elegido miembro de la Linked Ring Brotherhood de Londres, y en 1902 cofundó la Photo-Secession y diseñó la primera portada de Camera Work, en la que a menudo se publicaba su obra. En Nueva York, Steichen ayudó a Stieglitz a establecer las Pequeñas Galerías de la Photo-Secession, que llegaron a conocerse como "291", y en 1910 participó en la Exposición Internacional de Fotografía Pictórica de Búfalo. Durante la Primera Guerra Mundial, dirigió la fotografía aérea para las Fuerzas Expedicionarias del Ejército. Poco después abandonó la pintura, junto con los vestigios del pictorialismo, y adoptó un estilo modernista. Fue fotógrafo jefe de Condé Nast de 1923 a 1938, al tiempo que realizaba trabajos publicitarios por cuenta propia. Comisionado como capitán de corbeta en 1942, Steichen fue nombrado director del Instituto Fotográfico Naval de Estados Unidos en 1945; allí supervisó la fotografía de combate y organizó las exposiciones Road to Victory y Power in the Pacific. Fue director de fotografía del Museo de Arte Moderno de 1947 a 1962, y responsable de más de cincuenta exposiciones, entre ellas The Family of Man en 1955, la más popular de la historia de la fotografía. Steichen recibió innumerables premios y honores, como el título de Caballero de la Legión de Honor francesa, una beca honoraria de la Real Sociedad Fotográfica, la Medalla al Servicio Distinguido, el Premio del Club de Directores Artísticos de Nueva York, el Premio Camera Achievement de Estados Unidos a la "Contribución individual más destacada a la fotografía" (1949) y la Medalla Presidencial de la Libertad (1963). Se han celebrado importantes exposiciones de su obra en el Museo de Arte de Baltimore, el Museo de Arte Moderno, la Biblioteca Nacional de París, el ICP y la George Eastman House.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 55 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - Nueva York, 1979). "Bigote de Dalí", c. 1954. Fotografía en gelatina de plata. Presenta ligeras arrugas en las esquinas que no afectan a la obra. Firmada a lápiz y estampada en el reverso. "Copyright de Philippe Halsman". Medidas: 20 x 16 cm: 40 x 44 cm (marco). Halsman estudió ingeniería eléctrica en Dresde. Tras ser acusado del asesinato de su padre, pasó dos años en prisión. Tras su liberación, Halsman decidió trasladarse a Francia, donde empezó a colaborar con revistas de moda como Vogue y pronto se ganó la reputación de ser uno de los mejores fotógrafos de retratos de Francia. Famoso por sus imágenes nítidas en lugar de enfocadas con suavidad y muy recortadas. Cuando Francia fue invadida por Alemania, Halsman huyó a Marsella. Finalmente consiguió un visado estadounidense, con la ayuda de su amigo de la familia Albert Einstein, a quien más tarde fotografió en 1947. Halsman tuvo su primer éxito en Estados Unidos cuando la firma de cosméticos Elizabeth Arden utilizó su imagen de la modelo Constance Ford contra la bandera estadounidense en una campaña publicitaria para la barra de labios "Victory Red". Un año más tarde, en 1942, encontró trabajo en la revista Life, fotografiando diseños de sombreros; en 1941 Halsman conoció al artista surrealista Salvador Dalí y empezaron a colaborar a finales de la década de 1940. La obra de 1948 Dalí Atomicus explora la idea de la suspensión, representando a tres gatos volando, un cubo de agua lanzado y Dalí en el aire. El título de la fotografía es una referencia a la obra de Dalí Leda Atomicus, que puede verse a la derecha de la fotografía detrás de los dos gatos. Con el tiempo, Halsman y Dalí publicaron un compendio de sus colaboraciones en el libro de 1954 Dali's Moustache (El bigote de Dalí), que presenta 36 vistas diferentes del característico bigote del artista. Otra famosa colaboración entre ambos fue In Voluptas Mors, un retrato surrealista de Dalí junto a una gran calavera, en realidad un tableau vivant compuesto por siete desnudos. En 1947, Halsman tomó la que se convertiría en una de sus fotos más famosas de un afligido Albert Einstein, que durante la sesión fotográfica relató su arrepentimiento por su papel en la consecución de la bomba atómica por parte de Estados Unidos. La foto se utilizaría más tarde, en 1966, en un sello de correos estadounidense y, en 1999, en la portada de la revista Time, cuando calificó a Einstein de "Personaje del Siglo". En 1951, la NBC encargó a Halsman que fotografiara a varios cómicos populares de la época, como Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx y Bob Hope. En 1959 publicó Philippe Halsman's Jump Book (El libro de los saltos de Philippe Halsman), que contenía un análisis irónico de la jumpología y 178 fotografías de saltadores famosos. Presenta ligeros pliegues en las esquinas que no afectan a la obra.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 56 - WEEGEE; ARTHUR FELLIG (Ucrania, 1899- 1968). "Ciclista de circo", c. 1943. Fotografía en gelatina de plata. Ligeros daños en el marco. Presenta sello en el reverso "Credit photo by Weegee-The Famous". Medidas: 18 x 13,5 cm; 40x 30,5 cm (marco). Arthur Fellig conocido por su seudónimo Weegee, fue un fotógrafo y fotoperiodista, elogiado por su estilo fotográfico crudo, que presentaba la escena callejera de la ciudad de Nueva York, generalmente retratada en blanco y negro. Weegee trabajó en el Lower East Side de Manhattan como fotógrafo de prensa durante las décadas de 1930 y 1940. Desarrolló su estilo característico siguiendo a los servicios de emergencia de la ciudad y documentando gran parte de su actividad. Por eso sus composiciones muestran escenas realistas de la vida urbana, el crimen y la muerte. Weegee publicó libros sobre fotografía y también trabajó en el cine, al principio realizando sus propios cortometrajes y más tarde colaborando con cineastas como Jack Donohue y Stanley Kubrick. Uno de sus primeros trabajos fue en el laboratorio fotográfico de The New York Times Más tarde, durante su empleo en Acme Newspictures, su habilidad e ingenio en el revelado de copias en directo le valieron el apodo de "Mr. Squeegee". La mayoría de sus fotografías fueron tomadas con equipos y pautas estéticas típicas de los fotógrafos de prensa. Era un fotógrafo autodidacta sin formación reglada. Algunas de sus fotos reflejan una yuxtaposición entre la representación de personas de la alta sociedad y otras que no pertenecen al mismo círculo social. El trabajo de Weege goza de un amplio reconocimiento nacional e internacional y sus obras se encuentran en importantes colecciones privadas y públicas. Además, su obra sigue generando interés después de su muerte, ejemplo de ello fue la exposición Weegee's New York, celebrada en 2009 en la Fundación Telefónica de Madrid. Presenta ligeros daños en el marco.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 57 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - Nueva York, 1979). "Sin título (Reflexión)", c. 1940. Fotografía en gelatina de plata. Sello en el reverso: "Copyright de Philippe Halsman". Medidas: 20,5 x 21 cm; 31,5 x 29 cm (marco). Halsman estudió ingeniería eléctrica en Dresde. Tras ser acusado del asesinato de su padre, pasó dos años en la cárcel. Tras su liberación, Halsman decidió trasladarse a Francia, donde empezó a colaborar con revistas de moda como Vogue y pronto se ganó la reputación de ser uno de los mejores fotógrafos de retratos de Francia. Famoso por sus imágenes nítidas, de enfoque suave y muy recortadas. Cuando Francia fue invadida por Alemania, Halsman huyó a Marsella. Finalmente consiguió un visado estadounidense, con la ayuda de su amigo de la familia Albert Einstein, a quien más tarde fotografió en 1947. Halsman tuvo su primer éxito en Estados Unidos cuando la firma de cosméticos Elizabeth Arden utilizó su imagen de la modelo Constance Ford contra la bandera estadounidense en una campaña publicitaria para la barra de labios "Victory Red". Un año más tarde, en 1942, encontró trabajo en la revista Life, fotografiando diseños de sombreros; en 1941 Halsman conoció al artista surrealista Salvador Dalí y empezaron a colaborar a finales de la década de 1940. La obra de 1948 Dalí Atomicus explora la idea de la suspensión, representando a tres gatos volando, un cubo de agua lanzado y Dalí en el aire. El título de la fotografía es una referencia a la obra de Dalí Leda Atomicus, que puede verse a la derecha de la fotografía detrás de los dos gatos. Con el tiempo, Halsman y Dalí publicaron un compendio de sus colaboraciones en el libro de 1954 Dali's Moustache (El bigote de Dalí), que presenta 36 vistas diferentes del característico bigote del artista. Otra famosa colaboración entre ambos fue In Voluptas Mors, un retrato surrealista de Dalí junto a una gran calavera, en realidad un tableau vivant compuesto por siete desnudos. En 1947, Halsman tomó la que se convertiría en una de sus fotos más famosas de un afligido Albert Einstein, que durante la sesión fotográfica relató su arrepentimiento por su papel en la consecución de la bomba atómica por parte de Estados Unidos. La foto se utilizaría más tarde, en 1966, en un sello de correos estadounidense y, en 1999, en la portada de la revista Time, cuando calificó a Einstein de "Personaje del Siglo". En 1951, la NBC encargó a Halsman que fotografiara a varios cómicos populares de la época, como Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx y Bob Hope. En 1959 publicó Philippe Halsman's Jump Book (El libro de los saltos de Philippe Halsman), que contenía un análisis irónico de la jumpología y 178 fotografías de saltadores famosos.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 58 - AI WEIWEI (Pekín, 1957). "Mujer desnuda". Fotografía sobre papel Fuji. Edición abierta. Firmada en la parte inferior derecha. Medidas: 12,5 x 18 cm. Ai Weiwei es un activista y artista contemporáneo. Ai colaboró con los arquitectos suizos Herzog & de Meuron como asesor artístico en el Estadio Nacional de Pekín para los Juegos Olímpicos de 2008. Como activista, ha criticado constantemente al gobierno chino por su postura ante la democracia y los derechos humanos. También ha investigado la corrupción gubernamental y los encubrimientos en China, en particular el caso del derrumbe de escuelas en Sichuan tras el terremoto de 2008. El 3 de abril de 2011, fue detenido en el Aeropuerto Internacional de Pekín, retenido durante 81 días sin cargos oficiales, y los funcionarios aludieron todos a "delitos económicos." En 1978, Ai se matriculó en la Academia de Cine de Pekín y estudió animación. En 1978, fue uno de los fundadores del grupo "Stars", con influencias vanguardistas, junto con Ma Desheng, Wang Keping, Huang Rui, Li Shuang, Zhong Acheng y Qu Leilei. El grupo se disolvió en 1983, pero Ai participó regularmente en exposiciones del grupo, como The Stars: Diez años en 1989 (Galería Hanart, Hong Kong y Taipei) y una exposición retrospectiva en Pekín en 2007: Origin Point (ahora Museo de Arte de Pekín). En 2014, Ai Weiwei realizó una instalación llamada Illumination ambientada en un antiguo hospital penitenciario, con la intención de que pareciera y se sintiera como una película de terror. En 1993, Ai regresó a China tras la enfermedad de su padre. Ayudó a fundar el grupo de artistas experimentales "Beijing East Village" y coeditó una serie de tres libros sobre esta nueva generación con el comisario chino Feng Boyi: Black Cover Book (1994), White Cover Book (1995) y Gray Cover Book (1999). En 1999 se trasladó a Caochangdi, al noreste de Pekín, y construyó una casa-estudio, su primer proyecto arquitectónico. Debido a su interés por la arquitectura, en 2003 fundó FALSA Design Studio. En 2000, co-comisarió la exposición de arte "Fuck Off" con el comisario Feng Boyi en Shanghai, China.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 59 - LARRY CLARK (Tulsa, Oklahoma; 1943). "Mujer desnuda". Fotografía sobre papel Fuji. Presenta sello de la Galería en el reverso. Medidas: 15 x 10 cm. Lawrence Donald Clark (nacido el 19 de enero de 1943) es un director de cine, fotógrafo, escritor y productor de cine estadounidense conocido sobre todo por su polémica película sobre adolescentes Kids (1995) y su libro de fotografía Tulsa (1971). Su obra se centra principalmente en jóvenes que consumen drogas ilegales, mantienen relaciones sexuales con menores y son violentos, y que forman parte de una subcultura específica, como el surf, el punk rock o el monopatín.

Valorac. 300 - 350 EUR

Lote 60 - PACO PEREGRÍN (Almería, 1976). "Escorpión", 2015. Fotografía digital montada en aluminio. Se entregará certificado de autenticidad emitido por el artista. La obra se publica en la página web del artista. -Bibliografía: Revista Fucking Young! nº 6 yCatálogo de la exposición "Artificio". Centro Andaluz de la Fotografía (CAF), 2018. -Exposiciones: Centro Andaluz de la Fotografía (CAF). Exposición individual "Artificio", del 1 de junio al 15 de julio de 2018.Medidas: 50 x 40 cm; 51 x 41 cm (marco). Paco Peregrín es un destacado fotógrafo, artista visual y director creativo andaluz, afincado en Madrid, que trabaja internacionalmente en el mundo del arte, la publicidad y la moda (ha realizado y dirigido proyectos de alto nivel para marcas globales como Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Lancôme, Shiseido, Marie Dalgar, L'Occitane, La Rinascente, Vögele Shoes, Adidas, Nike, etc.). Publica en prestigiosas revistas como Vogue (IT, DE, ES), Harper's Bazaar (US, Rusia, España y Vietnam), VMAN, L'Officiel, Vanity Fair, ELLE, Marie Claire, Grazia, Cosmopolitan, Glamour, Dsection, Fucking Young!, Vision, Zink!, Neo2, Yo Dona, Vanidad, Schön!, Noi.se, Allure, NYLON, etc. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, amplió su formación en el International Center of Photography (Nueva York), Central Saint Martins College of Art and Design (Londres), Universidad Complutense de Madrid, Universidad de Santiago de Compostela... Ha recibido importantes becas (Pilar Juncosa y Sotheby's, Talens, Universidad Complutense, Ayuntamiento de Sevilla, Proyectos de Fotografía Caja San Fernando, Centro Andaluz de la Fotografía, etc) y su obra audiovisual ha sido premiada en festivales internacionales como el Chicago Fashion Film Festival, el London Fashion Film Festival, el International Fashion Film Festival Brussels y el Global Short Film Awards Festival de Cannes. Su obra forma parte de importantes colecciones de arte (Centro Andaluz de la Fotografía, Comunidad de Madrid, Instituto Andaluz de la Juventud, Universidad de Sevilla, Fundación Talens, Colección de Arte Contemporáneo Delegación de Cultura de Doña Mencía, Centro Andaluz de Arte Seriado...) y está incluido en numerosos libros como "Artificio" (Centro Andaluz de la Fotografía, Editorial Universidad de Almería), "Facing", 6th Crossover Art Project (Marie Dalgar, Pekín), "Super-Modified: The Behance Book of Creative Work" (Gestalten), "Diccionario de fotógrafos españoles (La Fábrica & Acción Cultural Española), "Otherworldly" (Gestalten), "New Fashion Photography" (Prestel), "PALETTE 03: Gold & Silver, New Metallic Graphics" (Victionary), "PALETTE 02: Multicolour, New Rainbow-hued Graphics" (Victionary), "Cazadores de Tendencias: los nombres esenciales de Moda Española" (Lunwerg), "STAND BY_012. Guía de Fotografía Andaluza Actual" (Fundación Valentín de Madariaga & MP Corporation), "Hair'em Scare'em" (Gestalten) o "Arte desde Andalucía para el siglo XXI catalogación monográfica ilustrada del joven arte andaluz" (Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía). He expuesto en galerías de Nueva York, Pekín, París, Barcelona, Madrid, Berlín, Sevilla, San Sebastián, Valencia, Cáceres, Almería .... y en museos como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), el Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), el Museo de Artes y Tradiciones de Sevilla, CaixaForum Sevilla, el Centro Andaluz de la Fotografía, ARTSevilla, la Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, Forosur 2004 (Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo) y PHotoESPAÑA. La obra de Peregrín es rica en simbolismo, inspirada en el arte clásico, la pintura flamenca y barroca y también en la cultura de vanguardia más experimental. Se ha centrado en la imagen social del cuerpo, su percepción, los cánones de belleza contemporáneos, el concepto de máscara, el paso del tiempo, la comunicación en los medios de comunicación de masas, la publicidad en la sociedad de consumo, las nuevas tecnologías y la representación del cuerpo como lugar para investigar las consecuencias del poder y los roles de género en la actualidad. Se entregará un certificado de autenticidad expedido por el artista. La obra está publicada en la página web del artista. -Bibliografía: Revista Fucking Young! nº 6 yCatálogo de la exposición "Artificio". Centro Andaluz de la Fotografía (CAF), 2018.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 61 - EDUARDO MOMEÑE (Bilbao, 1952). "Anfred Prufrock" 2009. Tríptico. Gelatina de plata, copia 3/30. Titulado, fechado y numerado. Procedencia: Galería N2, Barcelona. Medidas: 37,5 x 24 cm (fotografía); 52,5 x 42,5 cm (cada marco). Eduardo Momeñe es fotógrafo y autor de artículos y ensayos sobre estética fotográfica. La enseñanza de la fotografía ha ocupado un lugar destacado en su trayectoria profesional, y ha impartido numerosos cursos, talleres y seminarios. Ha realizado proyectos como la serie de televisión "La Puerta Abierta" o la revista "Fotografías", ambas consideradas obras de referencia. Su primera exposición tuvo lugar en la Galería Nikon de Barcelona en 1974, desde entonces sus fotografías forman parte de colecciones públicas y privadas y ha expuesto en diferentes países. Su última exposición en el Círculo de Bellas Artes se clausuró en enero de 2024. Revistas como Vogue, Marie Claire, Elle o Stlyle han publicado sus imágenes de moda, ilustración o retrato. Es autor de los libros "La visión fotográfica", "Las fotografías de Burton Norton" y "El placer de fotografiar" y coordinador de "pam/Plassu" publicado por AfterPhoto, sus retratos y composiciones de estudio están incluidos en el libro "Eduardo Momeñe" publicado en Photobolsillo por La Fábrica.

Valorac. 1 600 - 2 000 EUR

Lote 62 - RAY K. METZKER (EE.UU., 1931-2014). Sin título. 1997. Fotografía. Firmada y fechada al dorso. Medidas: 35 x 27 cm; 66 x 55,5 cm. Ray K. Metzker fue un fotógrafo estadounidense conocido sobre todo por sus atrevidos y experimentales paisajes urbanos en blanco y negro y por sus grandes "composiciones", ensamblajes de tiras de película impresas y fotogramas sueltos. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y ha sido objeto de ocho monografías. Ha recibido premios de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, el National Endowment for the Arts y la Royal Photographic Society. Metzker fue alumno de Harry Callahan y Aaron Siskind en el Instituto de Diseño de Chicago. Fue profesor durante muchos años en el Philadelphia College of Art y también enseñó en la Universidad de Nuevo México. Tras cursar estudios de posgrado en el Instituto de Diseño de Chicago, Metzker viajó mucho por Europa en 1960-61, donde tuvo dos epifanías: que la "luz" sería su tema principal y que buscaría la síntesis y la complejidad por encima de la simplicidad. Metzker solía decir que el artista comienza sus exploraciones abrazando lo que no conoce. Premios: 1966: Beca Guggenheim, Fundación Conmemorativa John Simon Guggenheim. 1975: Beca del Fondo Nacional de las Artes. 1988: Beca del Fondo Nacional de las Artes. 1989: Beca Bernheim en el Bernheim Arboretum and Research Forest, Clermont, Kentucky. 2000: Medalla del Centenario de la Real Sociedad Fotográfica de Bath (HonFRPS). Está representado, entre otros muchos museos, en: Museo de Bellas Artes, Houston. Museum of Modern Art, Nueva York: 14 grabados (a 22 de diciembre de 2021). Museo J. Paul Getty, Los Ángeles. Whitney Museum of American Art, Nueva York: 14 grabados (a partir del 15 de diciembre de 2021). Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 63 - CARINA LINGE (Cuxhaven, Alemania, 1976). De la serie "Single n. III". 2011. Cinco fotografías sobre tablero de aluminio. Firmadas al dorso a mano. Medidas: 80 x 120 cm; 60 x 45 cm; 46,5 x 35 cm; 28,3 x 24,3 cm. En su serie fotográfica "Single", Carina Linge explora temas que siempre le han interesado, relacionados con la identidad, la feminidad y la interacción entre realidad y ficción, entre sueño y vigilia. Desarrolla una obra visualmente cautivadora y sensual, pero sin dejar de ahondar en lo conceptual. Esto es más que evidente en estas imágenes: juega con los géneros clásicos del bodegón barroco y la pintura vanitas (explorando el simbolismo erótico de las frutas), así como con el desnudo femenino y la tradición de las odaliscas, revistiendo estos géneros de nuevos significados, donde la mujer habla desde el centro de su ser y su deseo, de sus fantasías sexuales cumplidas o soñadas, del carácter efímero de las pasiones y de la vida. En 2000 comenzó a estudiar Bellas Artes en la Universidad Bauhaus de Weimar, donde se graduó en 2006 con un diploma de Norbert W. Hinterberger. En 2007 obtuvo su primer puesto de profesora en la Universidad Bauhaus de Weimar, al que siguió otro en 2014. Carina Linge tiene un hijo y vive en Leipzig. Desde 2009 está representada por la galería berlinesa Jarmuschek + Partner. Carina Linge trabaja en fotografía e instalación. En complejos cuadros de imágenes, relaciona fotografías, objetos y hojas de texto entre sí. Las fotografías de Carina Linge son interiores escenificados, naturalezas muertas e imágenes corporales de múltiples capas cargadas de referencias asociativas, simbólicas e históricas del arte. La evanescencia y la muerte, el amor y la soledad, los anhelos y los deseos se tematizan con referencias seleccionadas a personas, mitos e imágenes históricas. En su serie de obras "Einsamer Eros", Carina Linge aborda desde 2008 un concepto ampliado del retrato y retrata a solteros y parejas en composiciones de imágenes dispuestas como psicogramas. La serie de imágenes "About Desire", creada entre 2011 y 2013, trata sobre el pasado, lo desaparecido y lo deseado y el desarrollo relacionado de los anhelos y deseos humanos. Con "Theatrum Mundi" se creó en 2014 una nueva serie de obras que muestra la representación externa y el mundo interior de emociones que hay detrás de ella de personas seleccionadas y las hace visibles. Su obra se encuentra en importantes colecciones como: Colección Testimonio, Fundación La Caixa, Barcelona; Fundación Vila Casas, Torroella de Montgrí, Girona; Colegio de Abogados de Barcelona; Fundación Agbar; Fundación La Sardana, Barcelona.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 64 - SCARLET BERNER (Berlín, 1955). "O.T. (Gelbe Vase)". 1990. Fotografía sobre madera. Firmada y titulada al dorso. Marco de formica. Medidas: 105 x 80 cm (fotografía); 129,5 x 129 cm (marco). Scarlet Berner vive en Múnich. Estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Múnich, donde es alumna predilecta de Rudi Tröger. Ha realizado exposiciones individuales y participado en exposiciones colectivas desde 1982. A menudo participa en proyectos de fotografía aplicada a la arquitectura institucional. Recibe el premio de patrocinio de fotografía de la ciudad de Múnich.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 65 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). Sin título. Fotografía impresa en Fine Art Print. Medidas: 25 x 30 cm. Psicopedagoga y fotógrafa, estudió en la escuela de fotografía EFTI de Madrid. Durante su estancia en París, realizó varias series fotográficas entre las que se encuentran "Cathédrales Gothiques" entre otras. Realizó un trabajo documental sobre la manifestación "Je suis Charlie" contra los atentados terroristas de 2015, siendo una de estas fotografías ganadora de la dinámica "Haciendo historia" en honor a la exposición de Josef Koudelka en la Fundación Mapfre de Madrid. Ha sido seleccionada por el Centro Nacional de Fotografía de Torrelavega para la exposición "Fotografías para un encierro", en esta ocasión participa con un quimigrama, siendo esta una técnica de fotografía sin cámara, dicho trabajo está catalogado. Sus obras han sido expuestas en la Galería de Arte Santana y actualmente en la plataforma online "El club de las mujeres invisibles". Actualmente está llevando a cabo un proyecto personal titulado "Mírate", con el objetivo de utilizar la fotografía como herramienta emocional-social.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 66 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). "Panteón de Agripa". Fotografía impresa en fine art print. Medidas: 40 x 60 cm. Psicopedagoga y fotógrafa, estudió en la escuela de fotografía EFTI de Madrid. Durante su estancia en París, realizó varias series fotográficas entre las que destacan "Cathédrales Gothiques" entre otras. Realizó un trabajo documental sobre la manifestación "Je suis Charlie" contra los atentados terroristas de 2015, siendo una de estas fotografías ganadora de la dinámica "Haciendo historia" en honor a la exposición de Josef Koudelka en la Fundación Mapfre de Madrid. Ha sido seleccionada por el Centro Nacional de Fotografía de Torrelavega para la exposición "Fotografías para un encierro", en esta ocasión participa con un quimigrama, siendo esta una técnica de fotografía sin cámara, dicho trabajo está catalogado. Sus obras han sido expuestas en la Galería de Arte Santana y actualmente en la plataforma online "El club de las mujeres invisibles". Actualmente está llevando a cabo un proyecto personal titulado "Mírate", con el objetivo de utilizar la fotografía como herramienta emocional-social.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 67 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). "Filo Bianco". Fotografía impresa en Fine Art Print. Medidas: 30 x 25 cm. Psicopedagoga y fotógrafa, estudió en la escuela de fotografía EFTI de Madrid. Durante su estancia en París, realizó varias series fotográficas entre las que destacan "Cathédrales Gothiques" entre otras. Realizó un trabajo documental sobre la manifestación "Je suis Charlie" contra los atentados terroristas de 2015, siendo una de estas fotografías ganadora de la dinámica "Haciendo historia" en honor a la exposición de Josef Koudelka en la Fundación Mapfre de Madrid. Ha sido seleccionada por el Centro Nacional de Fotografía de Torrelavega para la exposición "Fotografías para un encierro", en esta ocasión participa con un quimigrama, siendo esta una técnica de fotografía sin cámara, dicho trabajo está catalogado. Sus obras han sido expuestas en la Galería de Arte Santana y actualmente en la plataforma online "El club de las mujeres invisibles". Actualmente está llevando a cabo un proyecto personal titulado "Mírate", con el objetivo de utilizar la fotografía como herramienta emocional-social.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 68 - BEATRIZ SANCHES MIGUEL (Brasil, 1974). "Flores de Sofía". Impresión sobre papel Hahnemühle. Ejemplar 1/10. Se adjunta certificado expedido por el artista. Presenta sello seco. Firmado y justificado en el reverso. Medidas: 30 x 21 cm (mancha): 42 x 29,7 cm (papel fotográfico). Beatriz Sanches se graduó en arquitectura de interiores en Unifenas, Brasil, en 1996, año en el que también realizó un curso de fotografía y revelado analógico. Posteriormente continuó sus estudios con un Master en Arte en el MDCC college de Miami, Florida. A lo largo de su carrera ha trabajado como fotógrafa independiente y para Lean, Wilson and Assoc, como decoradora de interiores y en la colección privada de Gladys Palmera como fotógrafa y retocadora.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 69 - "PACO PEREGRÍN"; PEREGRÍN, Francisco (Almería, 1976). "Belleza extraterrestre (VI)". Modelo Naadia Kloet (Delphoss). Ejemplar 1/10. Pequeña edición (limitada a 10 ejemplares + 1AP). Fotografía digital. Impresión lambda bajo metacrilato sobre dibond y marco de aluminio. Se adjunta certificado expedido por el artista. Bibliografía: "Otherworldly", Theo Mass Lexileictous y Editorial Gestalten, 2016 (Página 238); Revista "Avenue Illustrated", número 19, España, 2009 (página 105); "Ozine Magazine", número octubre-noviembre 2009 (Página 199). Obra firmada y numerada. Tamaño: 50 x 37 cm. En la presente obra, e inspirado en la estética alienígena, Paco Peregrín ha creado un bello, actual y "vanguardista" relato entre el futurismo y lo extraterrestre. Muestra una personal e impactante especulación sobre la evolución de la identidad y la transfiguración de los rasgos humanos. Paco Peregrín es un fotógrafo andaluz, considerado en la actualidad como uno de los principales talentos mundiales de la fotografía artística, editorial y publicitaria, destacando siempre en todos sus trabajos su faceta experimental, caracterizada por su fuerza y contundencia. Se formó en Sevilla, adoptando una sensibilidad mística de esquemas compositivos y cromatismo inspirados en el arte barroco. Es posible que fuera su experiencia teatral la que le diera la capacidad de dirigir a sus modelos frente a su cámara, de desarrollar su percepción espacial y de mostrar el cuerpo, la presencia y el tiempo en su obra. Actualmente reside en Madrid, un detalle que, unido a su paso por importantes capitales culturales (Londres, Nueva York...) ha añadido contemporaneidad y frescura a su obra, que es única. También es importante destacar su amplia experiencia en diseño, comunicación, teatro y pintura. Alterna la fotografía de moda para revistas como Vogue, Harper's Bazaar o L'Officiel con trabajos comerciales para marcas como Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Adidas, Nike, Gant, Toyota, Lancôme, Shiseido... con la fotografía de autor, habiendo expuesto su obra en galerías de Nueva York, París, Barcelona, Pekín, Madrid, Berlín, Sevilla, San Sebastián, etc., y en museos y galerías como el Centro de Arte y Creación Industrial de Madrid, Barcelona, Pekín, Madrid, Berlín, Sevilla, San Sebastián, etc. y en museos y galerías como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Foro Sur, Sala de exp. del Canal de Isabel II, Museo Provincial de Cádiz, etc. Su impactante trabajo ha sido reconocido con galardones como el Premio Nacional de Fotografía Profesional LUX de Oro en Moda y Belleza (2008). La editorial Gestalten (especializada en arte y arquitectura) lo ha incluido entre los proyectos más importantes y originales en el libro "Otherworldly", y la editorial Prestel publicó su trabajo en "New Fashion Photography", donde es una de las referencias más importantes a nivel mundial en fotografía de moda contemporánea.

Valorac. 1 400 - 1 600 EUR

Lote 70 - ORLAN (Saint-Étienne, Francia, 1947). "Desfiguración-Refiguración, autohibridación precolombina" nº 12, 1999. Fotografía. Ejemplar 2/7. Humedad y daños en el marco. Firmada, justificada y titulada al dorso. Medidas: 100 x 100 cm; 104 x 104 cm (marco). En esta fotografía, Orlan sigue cuestionando las presiones sociales y culturales que se ejercen sobre el cuerpo y su representación en los medios de comunicación. Orlan ha creado una nueva imagen en esta obra, combinando literalmente iconos precolombinos y africanos con su propia imagen; las hibridaciones resultantes crean una compleja narrativa que difumina las distinciones entre tiempo y lugar, real e irreal. Ha creado una nueva imagen para producir nuevas imágenes: Hibridaciones propias. La obra contiene evidencias de ritos tribales del pasado y rituales asociados al embellecimiento que, junto con sus propias modificaciones mediante cirugía plástica, discuten sobre temas destacados de la historia reciente como la identidad colectiva, la tragedia y la exclusividad. Las autohibridizaciones también actúan como retratos de una posible humanidad futura, en la que el mestizaje entre humanos de diversos orígenes da lugar a nuevos cuerpos, con identidades nómadas y mutantes. La carrera de ORLAN como artista de performances comenzó en 1964, cuando realizó Marches au ralenti (marchas a cámara lenta) en su ciudad natal de Saint-Étienne. Durante estas actuaciones, caminaba lo más despacio posible entre dos zonas céntricas de la ciudad. En 1965, ORLAN produce MesuRages, en el que utiliza su propio cuerpo como instrumento de medición. Con su "cuerpo ORLAN" como unidad de medida, evaluaba cuántas personas cabían en un espacio arquitectónico determinado. Era la primera vez que utilizaba su cuerpo en una actuación. ORLAN reutilizó este concepto en varios proyectos posteriores. Entre 1964 y 1966, ORLAN produjo Vintages, una serie de obras fotográficas en blanco y negro. Destruyó los negativos originales de estas obras y hoy sólo queda una copia de cada fotografía. En esta serie, posaba desnuda en varias posturas similares al yoga. Una de las imágenes más famosas de esta serie es ORLAN accouche d'elle m'aime.Entre 1967 y 1975, ORLAN produjo un corpus de obras titulado Tableaux Vivants. Se basó en obras de artistas barrocos como El Greco y Gericault. Utiliza a presos como modelos, viste trajes barrocos de imitación exagerada y se inspira en estereotipos caravaggescos. En 1971, ORLAN se "bautizó" Sainte-ORLAN, adornándose con vinilo ondulado negro y piel sintética blanca. Posteriormente, se incorporaron fotografías en color de Sainte-ORLAN a fotocollages, vídeos y películas que trazaban una hagiografía ficticia. Durante la Feria Internacional de Arte Contemporáneo FIAC de París de 1977, ORLAN realizó la polémica performance El beso del artista (Le baiser de l'artiste). En el exterior del Grand Palais de París, una foto a tamaño real de su torso se convirtió en una máquina tragaperras. Los espectadores podían ver cómo la moneda introducida en el torso descendía hasta una ingle antes de recibir un beso del artista.ORLAN fundó el Simposio Internacional de Performance de Lyon. En 1982, colaboró con el artista Frédéric Develay para crear la primera revista de arte contemporáneo en línea, Art-Accès-Revue, en el precursor francés de Internet, el Minitel. En 1990, ORLAN inició la Reencarnación de Sainte-ORLAN. Se trata de una serie de cirugías plásticas mediante las cuales la artista se transformó en elementos de famosas pinturas y esculturas de mujeres. Como parte de su manifiesto "Arte Carnal", estas obras fueron filmadas y expuestas en instituciones de todo el mundo, como el Centro Georges Pompidou de París y la Galería Sandra Gehring de Nueva York. El objetivo de ORLAN en estas intervenciones es adquirir el ideal de belleza femenina que representan los artistas masculinos. Cuando se cumple Presenta humedad y daños en el marco.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 71 - Eladio de Mora es uno de los grandes representantes del arte contemporáneo español, Eladio de Mora descubrió su vocación artística siendo un niño. Artista fundamentalmente autodidacta, desarrolla una obra que podría situarse a medio camino entre el pop y el expresionismo. Sus creaciones se caracterizan por rasgos simplificados y colores puros, y están realizadas en materiales como el plástico, el poliéster y algunas resinas. Bajo la apariencia casi infantil de sus obras, a veces se esconden significados críticos; confiesa buscar en sus obras el equilibrio entre el rigor y la sonrisa. Algunas de sus piezas más conocidas son sus series de osos, patos, buzos y meninas. De hecho, sus esculturas suelen agruparse en familias, de modo que la repetición intensifica el impacto. Además, la mayoría de sus esculturas están colocadas al aire libre, ya que Mora busca ante todo una relación directa con el público. Comienza a darse a conocer a través de exposiciones colectivas a principios del siglo XXI, y en 2002 realiza sus primeras exposiciones individuales, tanto en España (galerías Azteca y Séller de Madrid, Espacio Líquido de Gijón) como en el extranjero (galería Heyd de Hildritzhausen, Alemania). Desde entonces su presencia será constante en el panorama artístico; seguirá exponiendo individualmente, y también participando en ferias de arte y muestras colectivas. En los últimos años ha mostrado su obra en exposiciones personales celebradas en destacadas galerías y centros de arte españoles y extranjeros, entre ellos la Galería Jorge Ontiveros de Madrid, la Galería Drissien de Munich, el Museo Florencio de la Fuente de Valencia, el Museo de Arte Contemporáneo de Málaga, el Centro de Arte Juan Ismael de Madrid, la la Galería Drissien de Munich, y el Museo Florencio de la Fuente de Valencia, el Centro de Arte Juan Ismael de Fuerteventura, el Espacio para el Arte Caja Madrid, el Hotel Urban y el Centro de Arte Moderno también de Madrid, el IVAM de Valencia, el Museo MACAY de México, la galería Los Oficios y el Museo de Bellas Artes de La Habana, el Museo Arterra de Viena y la Fundación Antonio Pérez de Cuenca. También ha participado en importantes exposiciones colectivas en España, México, Italia, Portugal y Alemania. Cabe destacar también la importante labor de Mora como diseñador de trofeos, entre ellos el "Women Together" de Nueva York, el "Master Senior Comunidad de Madrid" o el "Protagonistas del motor de El Mundo". A lo largo de su carrera ha recibido los premios "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) y "Aura" (Toledo, 2007), y ha realizado monumentos e instalaciones en Madrid, Logroño, La Habana, Viena, Gijón, Málaga y Valencia, entre otras ciudades. En la actualidad, Mora está representado en el IVAM de Valencia, el Museo Arterra de Viena, el Museo de Arte Contemporáneo Domus Artium de Salamanca, el Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón, el Museo de Bellas Artes de La Habana, el Museo de Obra Gráfica de San Clemente de Cuenca, la Fundación Antonio Pérez, la Fundación Antonio Saura y Coca-Cola, la Fundación Coca-Cola, las Fundaciones Antonio Saura y Coca-Cola, las Diputaciones Provinciales de Cuenca y Guadalajara, varios ayuntamientos de Madrid y Toledo, la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, y la Colección de Arte Contemporáneo de "El Mundo", entre otras muchas colecciones públicas y privadas.

Valorac. 1 300 - 1 500 EUR

Lote 72 - "dEmo"; ELADIO DE MORA (1960, Toledo). "Oso azul en el salón". Fotografía. Presenta ligeros daños en el marco. Medidas: 74 x 93 cm; 98 x 117 cm (marco). Eladio de Mora es uno de los grandes representantes del arte contemporáneo español, Eladio de Mora descubre su vocación artística siendo un niño. Artista fundamentalmente autodidacta, desarrolla una obra que podría situarse a medio camino entre el pop y el expresionismo. Sus creaciones se caracterizan por rasgos simplificados y colores puros, y están realizadas en materiales como el plástico, el poliéster y algunas resinas. Bajo la apariencia casi infantil de sus obras, a veces se esconden significados críticos; confiesa buscar en sus obras el equilibrio entre el rigor y la sonrisa. Algunas de sus piezas más conocidas son sus series de osos, patos, buzos y meninas. De hecho, sus esculturas suelen agruparse en familias, de modo que la repetición intensifica el impacto. Además, la mayoría de sus esculturas están colocadas al aire libre, ya que Mora busca ante todo una relación directa con el público. Comienza a darse a conocer a través de exposiciones colectivas a principios del siglo XXI, y en 2002 realiza sus primeras exposiciones individuales, tanto en España (galerías Azteca y Séller de Madrid, Espacio Líquido de Gijón) como en el extranjero (galería Heyd de Hildritzhausen, Alemania). Desde entonces su presencia será constante en el panorama artístico; seguirá exponiendo individualmente, y también participando en ferias de arte y muestras colectivas. En los últimos años ha mostrado su obra en exposiciones personales celebradas en destacadas galerías y centros de arte españoles y extranjeros, entre ellos la Galería Jorge Ontiveros de Madrid, la Galería Drissien de Munich, el Museo Florencio de la Fuente de Valencia, el Museo de Arte Contemporáneo de Málaga, el Centro de Arte Juan Ismael de Madrid, la la Galería Drissien de Munich, y el Museo Florencio de la Fuente de Valencia, el Centro de Arte Juan Ismael de Fuerteventura, el Espacio para el Arte Caja Madrid, el Hotel Urban y el Centro de Arte Moderno también de Madrid, el IVAM de Valencia, el Museo MACAY de México, la galería Los Oficios y el Museo de Bellas Artes de La Habana, el Museo Arterra de Viena y la Fundación Antonio Pérez de Cuenca. También ha participado en importantes exposiciones colectivas en España, México, Italia, Portugal y Alemania. Cabe destacar también la importante labor de Mora como diseñador de trofeos, entre ellos el "Women Together" de Nueva York, el "Master Senior Comunidad de Madrid" o el "Protagonistas del motor de El Mundo". A lo largo de su carrera ha recibido los premios "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) y "Aura" (Toledo, 2007), y ha realizado monumentos e instalaciones en Madrid, Logroño, La Habana, Viena, Gijón, Málaga y Valencia, entre otras ciudades. En la actualidad, Mora está representado en el IVAM de Valencia, el Museo Arterra de Viena, el Museo de Arte Contemporáneo Domus Artium de Salamanca, el Museo de Arte en Vidrio de Alcorcón, el Museo de Bellas Artes de La Habana, el Museo de Obra Gráfica de San Clemente de Cuenca, la Fundación Antonio Pérez, la Fundación Antonio Saura y Coca-Cola, la Fundación Coca-Cola, las Fundaciones Antonio Saura y Coca-Cola, las Diputaciones Provinciales de Cuenca y Guadalajara, varios ayuntamientos de Madrid y Toledo, la Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid, y la Colección de Arte Contemporáneo de "El Mundo", entre otras muchas colecciones públicas y privadas. Ligeros daños en el marco.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 73 - FRANCIS BACON (Dublín, 1909- Madrid, 1992). "Tres estudios para un autorretrato". Litografía sobre papel Arches, copia E.A. Firmada y justificada a mano. Obra adquirida en la Galería Coskun de Londres en 2008. Tamaño: 52 x 94 cm; 79 x 121 cm (marco). Francis Bacon es autor de algunas de las pinturas más impactantes e inéditas del arte contemporáneo. Su estilo, obsesivo, atormentado y desgarrador, es un claro documento de las penurias vividas en Europa tras la Segunda Guerra Mundial. Sus obras alcanzan actualmente sumas estratosféricas en las subastas internacionales, lo que le convierte en uno de los artistas más cotizados del mercado del arte actual. Reflejo de ello es el tríptico "Tres estudios de Lucian Freud (1969)", que en 2013 alcanzó un precio de venta récord de 142 millones de dólares en subasta pública, convirtiéndose en una de las tres obras más caras de la historia. Algunas de sus obras pueden verse en las pinacotecas más importantes del mundo, como la Tate Britain de Londres (que posee una de las colecciones más extensas del artista), el MET y el Moma de Nueva York, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo Reina Sofía. "Tres estudios para un autorretrato" define con rotundidad lo que fue el arte de Bacon. Figuras descompuestas, aisladas, inquietantes y espirituales que, lejos de buscar un parecido concreto con la persona representada, ahondan en la espiritualidad del retratado. Aquí vemos la abstracción, fragmentación y distorsión del rostro del pintor, un aspecto clave en el desarrollo artístico de Bacon, consecuencia de los acontecimientos vitales que hicieron de su existencia una ferviente bomba de relojería a punto de estallar. A través de su obra expresa su condición vital, ligada también a su faceta autodestructiva, consiguiendo así expresar la soledad, la violencia y la degradación. Nacido en Dublín, aunque de padres ingleses, Francis Bacon comenzó a pintar de forma autodidacta. Cuando sólo tenía 17 años, en 1927, la galería Paul Rosemberg abrió sus puertas al pintor. Allí conoció la obra de Pablo Picasso, artista al que admiraría durante toda su carrera. Al igual que Picasso, otros pintores dejaron huella en la obra de Bacon: Velázquez (cuya versión del Papa Inocencio X pintó, produciendo al menos 40 "papas") y Nicolas Poussin, cuya "Masacre de los Inocentes", hoy en el Museo Condé, despertó en él una intensa emoción. En 1945 expuso en Londres, junto con los artistas ingleses Henry Moore y Graham Sutherland, su cuadro Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión (c. 1944), un tríptico que, según el propio Bacon, marcó el punto de partida de su carrera. En 1945, Bacon había desarrollado un estilo propio e inconfundible. En 1949, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) compró una impresionante obra de Bacon titulada Painting 1946. En 1956 fue invitado a representar a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia junto a Ben Nicholson y Lucian Freud. Con su obra, Bacon decidió que el tema de sus cuadros sería tanto la vida en la muerte como la muerte en la vida. Buscaba expresar su condición vital, que también estaba ligada a su lado autodestructivo. Michel Leiris le sugirió que el masoquismo, el sadismo y manifestaciones similares eran en realidad formas de sentirse más humano. Los retratos y autorretratos constituyen una parte importante de los cuadros de Bacon, entre ellos George Dyer en un espejo, de 1968, obra en la que el pintor sugiere la vulnerabilidad y fragilidad del yo. Bacon hizo retratos sin poses tomados del natural, revelados a partir de fotografías. Retrató tanto a sus compañeros íntimos y amigos como a personajes famosos: Peter Lacy, George Dyer y John Edwards, Henrietta Moraes, Isabel Rawsthorne, Muriel Belcher, Lucian Freud, Peter Beard y Michel Leiris, así como Hitler, Pío XII y Mick Jagger. Algunas de sus obras pueden verse en las galerías de arte más importantes del mundo, como la Tate Britain de Londres (que posee una de las colecciones más extensas del artista), el MET y el Moma de Nueva York, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Muse

Valorac. 20 000 - 25 000 EUR

Lote 74 - ROBERT MOTHERWELL (Estados Unidos, 1915-Estados Unidos 1991). "Samurai", 1971 Litografía sobre papel Japón Suzuki. Firmada a mano por el artista. Etiqueta de Brooke Alexander en el reverso. Medidas: 200 x 160 cm; 216 x 124 cm (marco). "Samurai" es un paradigma de la obra de Motherwell: una agresiva forma negra de la que irradian explosiones y cuchilladas. Es una de las imágenes más potentes de Motherwell, que invoca elementos de sexualidad en la forma abstracta fálica y de violencia a través del título. Aunque es difícil descifrar las huellas de la figuración en la obra de Motherwell, se inspiraba en la literatura, la vida, la política y hacía referencia a ellas. Artista multidisciplinar, se formó en las universidades de Stanford y Harvard en Filosofía y en la de Columbia en Historia y Arte, bajo la dirección de Meyer Schapiro. Fue uno de los principales representantes del expresionismo abstracto estadounidense, a cuyo grupo de fundadores pertenece junto con Pollock, Arshile Gorky y Rothko. También destacó como crítico de arte. Escribió numerosos artículos en revistas de vanguardia y editó libros como "Documents of Modern Art" (1944-1961) o "Documents of 20th Century Art" (1971). Fue miembro del consejo editorial de la publicación "VVVV", vinculada a los surrealistas. El principal objetivo de Motherwell era mostrar al espectador el compromiso mental y físico del artista con el lienzo. Utilizaba la dureza del color negro como elemento básico; una de sus técnicas más conocidas consistía en diluir la pintura con aguarrás para crear un efecto de sombra. Su serie de pinturas conocida como "Elegías a la República Española" se considera su proyecto más significativo. Entre sus numerosas exposiciones destaca su participación en la muestra surrealista más importante de Estados Unidos organizada por André Breton, Marcel Duchamp y el galerista Sidney Janis en la mansión Whitelaw Reid (Manhattan-1942). También la exposición celebrada en la Galería "Art of this Century" (Nueva York) en 1943 dirigida por Peggy Guggenheim; en la que participó junto a Jackson Pollock y Baziotes. Al año siguiente, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió una de sus obras; posteriormente fue incluido en varias exposiciones del mismo Museo. En 1980, Robert Motherwell expone por primera vez en España, en la Fundación Juan March (Madrid). En 1986, recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, máximo galardón cultural español. En 1989, Medalla Nacional de las Artes de Estados Unidos, el Museo de Arte Moderno de Fort Worth (EE.UU.) alberga la mayor colección de obras de Motherwell. En el Empire State Plaza (Nueva York) también se pueden encontrar algunas de sus obras. El Walker Art Center (Minneapolis, EE UU) posee una colección casi exhaustiva de sus grabados. Además de estar representado en numerosos museos, colecciones públicas y privadas y en las más prestigiosas galerías de todo el mundo.

Valorac. 25 000 - 30 000 EUR

Lote 75 - DAMIEN HIRST (Bristol, Reino Unido, 1965). "Kynance Cove", de la serie "Where the Land Meets the Sea". Impresión giclée laminada sobre panel compuesto de aluminio. Número de edición: 296/411. Ediciones Heni, 2023. Número de catálogo: H13-3. Con información de la edición en el reverso y firmado a mano por el artista. Medidas: 120 x 90 cm. La versión abstracta y contemporánea de Kynance Cove, situada en el lado este de Mount's Bay, Cornualles (Inglaterra), protagoniza esta impresión Giclée. Corresponde a la serie "Coast Paintings", pinturas denominadas de "acción abstracta" que llevan el nombre de lugares costeros británicos y que Hirst desarrolló mientras pintaba su aclamada serie Cherry Blossoms. Damien Hirst nació en Bristol el 7 de junio de 1965, en un entorno suburbano con dificultades económicas. Nunca conoció a su padre biológico y su madre se casó con un vendedor de coches, que les abandonó cuando Hirst tenía 13 años. Su madre, artista aficionada y cristiana devota, se hizo cargo de él, pero debido al abandono de su padre tuvo que ser educado desde abajo, lo que quizá sea la razón principal por la que Damien Hirst defiende que el arte no tiene clases. Se formó en la Universidad de Leed mientras compaginaba sus estudios con un trabajo en el tanatorio local, que más tarde abandonó para trasladarse a Londres. Durante este tiempo estuvo trabajando en la construcción y a su vez solicitando plaza en varias escuelas de arte como St Martins, o la facultad de Gales. Finalmente fue aceptado en el Golsdmiths College, que, al mismo tiempo y debido a la recesión económica en Inglaterra, era una escuela que atraía a estudiantes brillantes y tutores creativos. Mientras estudiaba, Hirst financiaba sus gastos trabajando en encuestas telefónicas, causa directa de su habilidad para fingir cualquier emoción por teléfono. Durante sus estudios también trabajó en McDonald's, y a tiempo parcial en la galería Anthony D'Ofray, donde aprendió la mecánica del mercado del arte. Ya en su segundo año de estudios, Hirst, adquirió el papel de artista y comisario, y consiguió realizar una exposición que cambiaría el curso del arte británico, fue su primera exposición individual con tan sólo 26 años. Cuatro años más tarde, en 1995, obtuvo su segunda nominación al Premio Turner por Mother and Child. A los 32 años, la galería Larry Gagosian le ofreció una gran retrospectiva, tras la cual declaró que ya no tenía dónde exponer, lo había hecho todo y demasiado rápido. Así que pronto los medios de comunicación le bautizaron con el nombre de Genio Gamberro. Aunque se hizo millonario a los 40 años, la hipersensibilidad de Hirst llegó a ser sospechosa; envuelto en un aura de romanticismo, hizo que revolucionar el mundo del arte pareciera fácil. Damien Hirst tiene obras en el MoMA de Nueva York, la Tate Gallery y el Victoria & Albert Museum de Londres, el Palazzo Gras de Venecia, el Kunstmuseum Wolfsburg (Alemania), el Hirshhorn de Washington D.C. y la Neu Galerie de Graz (Austria), entre otras importantes colecciones públicas y privadas.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 76 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Miró, Museo de Arte Moderno de México". 1980. Litografía sobre pergamino Arches, ejemplar 2/100. Firmada, dedicada, fechada y numerada a lápiz. Editor: Museo de Arte Moderno de México. Impresor: Litografías Artística Damià Caus, Barcelona. Reproducido en Maeght Editeur "Miró Litógrafo VI", p. 148. Medidas: 76 x 56 cm; 97 x 77 x 4 cm (marco). Esta litografía de Miró, limitada a cien ejemplares, se utilizó para el cartel anunciador de la exposición de Joan Miró en el Bosque de Chapultepec en la primavera de 1980, en el Museo de Arte Moderno. Lunas, estrellas, figuras reducidas a unos pocos trazos en negro grueso encerrando en su interior colores primarios... sintetizan algunas de las constelaciones del alma de Joan Miró reunidas en esta imagen. Joan Miró se formó en Barcelona, y debutó individualmente en 1918, en las Galerías Dalmau. En 1920 se trasladó a París y conoció a Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara y los dadaístas. Allí, bajo la influencia de poetas y pintores surrealistas, madura su estilo; intenta transponer a lo visual la poesía surrealista, basada en la memoria, la fantasía y lo irracional. Su tercera exposición en París, en 1928, fue su primer gran triunfo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus obras. Regresó a España en 1941, y ese mismo año el museo le dedicó una retrospectiva que supondría su definitiva consagración internacional. A lo largo de su vida recibió numerosos galardones, como los Grandes Premios de la Bienal de Venecia y de la Fundación Guggenheim, el Premio Carnegie de Pintura, las Medallas de Oro de la Generalitat de Cataluña y de Bellas Artes, y fue nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Harvard y Barcelona. Actualmente, su obra puede verse en la Fundación Joan Miró de Barcelona, así como en el Museo Thyssen-Bornemisza, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la National Gallery de Washington, el MNAM de París y la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 77 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "El cap", 1987. Grabado, ejemplar HC 11/15. Firmado y justificado a lápiz. Medidas: 98 x 130 cm.(estampa); 135 x 168 cm.(marco). En "El Cap" convergen algunas de las indagaciones plásticas de Tàpies de los años ochenta: la numerología y la alquimia (progresión y secuencia codificadas en los números 1,2,3,4), la cruz griega (con su sentido espiritual más allá del dogma cristiano, sumado a la idea de intersección e identidad personal) y el énfasis en el cero como símbolo de vacío y plenitud, ciclo y eternidad, es decir, conjugación de contrarios. Por último, la caligrafía en trazos negros desafía la legibilidad para enfatizar la textura y el enigma del texto. Cofundador de "Dau al Set" en 1948, Tàpies comienza a exponer en los Salones de Octubre de Barcelona, así como en el Salón de los Once celebrado en Madrid en 1949. Tras su primera exposición individual en las Galerías Layetanas, viaja a París en 1950, becado por el Instituto Francés. En 1953 expone individualmente en la galería neoyorquina de Martha Jackson. A partir de entonces, sus exposiciones, tanto colectivas como individuales, se suceden por todo el mundo, en destacadas galerías y en museos como el Guggenheim de Nueva York o el Museo de Arte Moderno de París. Desde los años setenta, se le han dedicado antologías en Tokio, Nueva York, Roma, Ámsterdam, Madrid, Venecia, Milán, Viena y Bruselas. Autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, combinando tradición e innovación en un estilo abstracto pero lleno de simbolismo, dando gran importancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual que el artista da a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana. La obra de Tàpies ha sido muy valorada internacionalmente, exponiéndose en los museos más prestigiosos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que destacan el Praemium Imperiale de Japón, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, el Wolf Foundation of the Arts (1981), la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2003). Antoni Tàpies está representado en importantes museos de todo el mundo, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Fukoka Art Museum de Japón, el MoMA de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.

Valorac. 7 000 - 9 000 EUR

Lote 78 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Maravillosa la conversación que no tenemos". Litografía sobre plancha de zinc y aguafuerte polimérico sobre papel japonés Arakaji. E.A. ejemplar. Firmada y justificada. Medidas: 77 x 50 cm. Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en el Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambos en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó gradualmente, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

Lote 79 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Arcano", 2015. Litografía y aguafuerte sobre papel Somerset, Firmada y fechada a mano. Medidas: 70 x 50 cm.(grabado); 86 x 65 cm.(papel). Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en la Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambas en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó gradualmente, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 1 500 - 2 000 EUR

Lote 80 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). Sin título, ca. 1980 Aguafuerte, copia P.A. Firmado y justificado a lápiz. Medidas: 57 x 28 cm (grabado); 67 x 51,5 cm (papel); 78 x 62 cm (marco). Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en la Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambas en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó gradualmente, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 1 500 - 2 000 EUR

Lote 81 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Carl Orff", hacia 1980 Grabado en relieve sobre papel verjurado Japón, ejemplar 13/50. Firmado y justificado a lápiz. Medidas: 97 x 61 cm (grabado); 113 x 77 cm (marco). Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en la Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambas en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó gradualmente, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés, o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

29 de julio - Fotografías icónicas y obra gráfica

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