DROUOT
martes 18 jun a : 19:00 (CEST)

Arte impresionista y moderno

Tajan - +33153303030 - Email CVV

37, rue des Mathurins 75008 Paris, Francia
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55 Resultados

Lote 3 - BLANCHE ORY-ROBIN (1863-1942) GIRASOLES Y ROSAS, 1915-1919 Óleo sobre lienzo Firmado abajo a la izquierda Óleo sobre lienzo; firmado abajo a la izquierda 91,5 X 73 CM - 36 X 28 3/4 IN. Agradecemos a Madame Nathanaëlle Tressol la información que nos ha proporcionado para esta noticia. PROCEDENCIA Colección privada, Francia EXPOSICIÓN Probablemente : París, Galería Devambez, marzo de 1918 (etiqueta al dorso) Blanche Ory-Robin fue una artista decorativa conocida por sus bordados y tapices, algunos de los cuales se conservan en el Museo de Orsay. Activa en los años 1910-1920, trabajó principalmente con motivos florales. Las rosas y los girasoles fueron sus temas preferidos desde el principio de su carrera. El óleo sobre lienzo Girasoles y rosas muestra las dos flores favoritas de la artista, bellamente dispuestas en una cesta. La vocación decorativa de Ory-Robin es evidente aquí, ya que se esmera en representar el papel pintado que se ve al fondo. Esta obra es similar al cartón para tapices Le Paon (Collection Mobilier National). En su obra sobre la Manufactura de los Gobelinos, Gustave Geffroy constata en 1921 la llegada de mujeres a los talleres y entre los artistas comisionados: "Todo un grupo de mujeres artistas reinaba en la Manufactura", dice, "un hecho suficientemente nuevo como para ser registrado": Mme Marie Alix, Mme Ory Robin, Mme Marie Cazin, y en la Savonnerie Melle Bunoust, Mme Lassudrie. Gustave Geffroy, Les Gobelins: les musées d'Europe, París, edición Nilsson, s.d., p. 161.

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

Lote 12 - ÉMILE OTHON FRIESZ (1879-1949) EL PUERTO DE TOULON, 1926 Óleo sobre lienzo Firmado abajo a la izquierda; firmado de nuevo, titulado y fechado en el reverso Óleo sobre lienzo; firmado abajo a la izquierda; firmado de nuevo, titulado y fechado en el reverso 65 X 81,5 CM - 25 5/8 X 32 1/8 PULG. Madame Odile Aittouares ha confirmado la autenticidad de esta obra. Se informará al comprador de su inclusión en el segundo volumen del Catálogo razonado, actualmente en preparación. "Friesz y sus amigos ya no se someterán a la necesidad, indiscutida por los impresionistas y sus seguidores, de imitar la luz del sol; les bastará con obtener su equivalencia; creen en la luz pictórica, en la orquestación coloreada; expresar una concepción conmovedora del mundo, ése es su objetivo, ante todo, y ya no incidentalmente...". Maximilien Gauthier, Othon Friesz, Pierre Cailler, Ginebra: 1957, pp. 48 y 149. Esta vista del puerto de Tolón, con sus tonos ocres, marrones y azules, es emblemática de la obra del pintor Émile Othon Friesz. Originario de El Havre, el artista sentía un especial afecto por las escenas portuarias que jalonaban su obra. A lo largo de su carrera, inmortalizó los puertos de El Havre, Amberes, Dieppe y Tolón. En 1922 visitó por primera vez Cap-Brun, cerca de Toulon. Encantado por la tranquilidad de la zona, al año siguiente compró una casa allí. A partir de 1926, instala su estudio en una cabaña de pescadores del puerto de Toulon, y durante los tres años siguientes se dedica incansablemente a captar la atmósfera del corazón palpitante de la ciudad a principios del siglo XX. El óleo sobre lienzo Le port de Toulon, que capta la vista del puerto desde la ventana del estudio, data de este fértil periodo. Presenta la pincelada vibrante y la luz tan características del artista. La efervescencia del puerto queda brillantemente plasmada en las ondulaciones del agua, el reflejo de los edificios en el muelle, el bullicio de paseantes y comerciantes en los muelles y el vapor que sale de una chimenea a lo lejos.

Valorac. 12 000 - 18 000 EUR

Lote 21 - MAURICE DENIS (1870-1943) CONVERSATION SACRÉE, DEVANT LA MER, À CONTRE-JOUR, CA. 1909 Óleo sobre lienzo Firmado con el monograma abajo a la derecha Óleo sobre lienzo; firmado con el monograma abajo a la derecha 92 X 65,5 CM - 36 1/4 X 25 3/4 PULG. PROCEDENCIA Colección Madeleine Follain, hija del artista, Francia Colección privada, Francia Galería Michael Haas, Berlín Adquirido a esta última por el actual propietario Madame Claire Denis ha confirmado la autenticidad de esta obra. Se entregará al comprador un aviso de inclusión en el Catalogue Raisonné de l'Œuvre de Maurice Denis actualmente en preparación. MAURICE DENIS CONVERSATION SACRÉE, DEVANT LA MER, À CONTRE-JOUR, CIRCA 1909 "M. Maurice Denis [...] es un artista que ama la síntesis, del que podemos esperar obras encantadoras y sutiles. Se ha encerrado en un beguinage de pintura, visitado por los deliciosos rayos del sol poniente. En silencio, ve pasar a las monjas con sus tocados azulados en el descaro de las luces, junto a la Virgen dorada - celebra con devoción el Misterio católico." Gustave Geffroy, "Les Indépendants", en. La Justice, 1892. "La pintura es un arte esencialmente religioso y cristiano. Si este carácter se ha perdido en nuestro siglo impío, hay que redescubrirlo. Y la manera de hacerlo es restaurar la estética de Fra Angelico, que es la única verdaderamente católica; la única que responde a las aspiraciones de las almas piadosas, místicas y amantes de Dios." Maurice Denis, Diario. Tomo 1 (1885-1904), Edition La Colombe, París: 1957, p. 63.

Valorac. 60 000 - 80 000 EUR

Lote 24 - ƒ NICOLAE GRIGORESCU (1838-1907) CAMPESINA RUMANA, CA. 1896 Óleo sobre lienzo pegado sobre Isorel Firmado abajo a la izquierda Óleo sobre lienzo pegado sobre masonita; firmado abajo a la izquierda 57 X 39 CM - 22 5/8 X 15 3/8 PULG. PROCEDENCIA Colección privada, Rumanía Descendiente del actual propietario Colección privada, Estados Unidos OBRAS RELACIONADAS Nicolae Grigorescu, Campesina feliz, óleo sobre lienzo, 135 x 65 cm, Museo Nacional de Arte de Rumanía Nicolae Grigorescu, Retrato de joven campesina, 1896, óleo sobre tabla, 31 x 23 cm, Museo de Bellas Artes de Agen, inv. 304 BR "El pintor Nicolae Grigorescu fue considerado, incluso en vida, como la persona que mejor sabía transponer a la pintura las imágenes más características del mundo rumano. Esta valoración formaba parte de una serie de juicios similares emitidos a principios del siglo XX, un periodo en el que todos los países de Europa buscaban su identidad y sus características nacionales. Rumanía, que seguía siendo la patria del campesino, encontró en Grigorescu a su representante ideal. Campesino él mismo, el pintor de líricos paisajes autóctonos y gran retratista de la deslumbrante y vital mujer rumana fue considerado por críticos y exégetas como un auténtico "monumento nacional", un lugar que aún hoy le pertenece". Denia Matescu, "Un air de parenté: l'héritage français dans la peinture de Nicolae Grigorescu" en. Nicolae Grigorescu (1838-1907) Itinéraire d'un peintre roumain de l'école de Barbizon à l'impressionnisme, Musée des Beaux-Arts d'Agen, 22 de abril-14 de agosto de 2006, ed. Somogy, París : 2006, p. 15

Valorac. 30 000 - 50 000 EUR

Lote 25 - NATALIA GONTCHAROVA (1881-1962) MACETA, CA. 1908-1909 Óleo sobre lienzo Firmado abajo a la derecha Óleo sobre lienzo; firmado abajo a la derecha 53,5 X 85,5 CM - 21 X 33 5/8 IN. PROCEDENCIA SNZ Galleries, Alemania Colección privada, Israel BIBLIOGRAFÍA Denise Bazetoux, Natalia Goncharova: su obra entre tradición y modernidad, Tomo 1, Édition Arteprint, París: 2011, descrita en el nº 172 p. 69 y reproducido en p. 227 NATALIA GONTCHAROVA Macetas, óleo sobre lienzo ejecutado por Natalia Goncharova hacia 1909-1910, forma parte de la producción neoprimitiva de la artista. Habiendo crecido en el campo ruso, su iconografía se inspira principalmente en las tradiciones rurales, las ceremonias campesinas y las telas de vivos colores que vestían las mujeres de la región donde creció. El neoprimitivismo, lanzado en 1907 con la colaboración de su marido, Michel Larionov, favorecía las formas y los temas primitivos en un momento en que estos dos pioneros consideraban que el arte francés influía demasiado en la pintura. El objetivo del movimiento era volver a las raíces de Rusia y a su folclore. La escena transcurre en primavera, época de macetas para estas campesinas que se dedican a plantar flores que ya han florecido. La atención se centra en su trabajo, la paciencia y la precisión de sus movimientos. Las cuatro mujeres no muestran signos de cansancio, sus ropas están impolutas, son idealizadas por el artista. Esta idealización del trabajo campesino está en consonancia con las investigaciones artísticas de pintores franceses del siglo XIX como Jules Breton y Jean-François Millet. Natalia Goncharova, que se había formado como pintora académica, estaba por supuesto familiarizada con estos artistas y su deseo de representar un mundo campesino que viviera en armonía con la naturaleza. La literatura rusa del siglo XIX también subrayaba el vínculo entre el campesino y la naturaleza como un vínculo entre el Hombre y Dios. Esto es particularmente cierto en el caso del personaje de Levine en Anna Karenina de León Tolstoi, un terrateniente y labrador criado por el autor como un ser casi divino y guardián de la sabiduría ancestral, en una época en la que el fin de siglo estaba marcado por un deslumbrante avance de la tecnología que Rusia luchaba por seguir. Las cuatro campesinas de Natalia Goncharova tienen auras de seres espirituales, protectoras de la naturaleza y de la vida, que aseguran la supervivencia de las plantas trasplantándolas. Las arboledas de flores que enmarcan la escena resaltan las viviendas campesinas del fondo, que parecen aureoladas por una luz dorada. Los lirios, símbolos de pureza, belleza y serenidad, forman parte de la retórica plástica de Natalia Goncharova. A través de la campesina rusa, se glorifica a todo el país. Las dos arboledas a ambos lados del escenario se asemejan a telones de teatro, una analogía obvia dado que la artista comenzó a pintar sus primeros decorados en 1908, y unos años más tarde se convirtió en pintora de los Ballets Rusos de Diaghilev. La maceta es una obra fundamental, pintada durante un periodo prolífico para Natalia Goncharova, que revela todo su potencial artístico, entre tradición y modernidad. Le rempotage, es un óleo sobre lienzo pintado por Natalia Goncharova hacia 1909-1910, en el marco de la producción neoprimitiva de la artista. Criada en el campo ruso, su iconografía se inspira principalmente en las tradiciones rurales, las ceremonias campesinas y las telas de vivos colores que vestían las mujeres de la región donde creció. El neoprimitivismo, lanzado en 1907 con la colaboración de su marido Michel Larionov, se centra en formas y temas primitivos en un momento en que estos dos pioneros consideran que el arte francés domina demasiado la pintura. El objetivo del movimiento era volver a las raíces de Rusia y a su folclore. La escena transcurre en primavera, época de macetas para estas campesinas que se dedican a plantar flores que ya han florecido. La atención se centra en su trabajo, la paciencia y la precisión de sus movimientos. Las cuatro mujeres no muestran signos de cansancio, sus ropas están impecables: son idealizadas por el artista. Esta idealización del trabajo campesino está en consonancia con las investigaciones artísticas de pintores franceses del siglo XIX como Jules Breton y Jean-François Millet. Natalia Goncharova, que se formó como pintora académica, estaba por supuesto familiarizada con estos artistas y su deseo de representar un mundo campesino que viviera en armonía con la naturaleza. La literatura rusa del siglo XIX también subrayaba el vínculo entre el campesino y la naturaleza como un vínculo entre el Hombre y Dios. Esto es particularmente cierto en el caso del personaje de Levine en Anna Karenina de Leon Tolstoi, un terrateniente y labrador criado por el autor como un ser cuasi divino y guardián de la sabiduría ancestral, en una época en la que el fin de siglo estaba marcado por un espectacular avance de la tecnología que Rusia

Valorac. 100 000 - 150 000 EUR

Lote 26 - LÉONARD TSUGUHARU FOUJITA (1886-1968) MUJER SENTADA, 1914 Lápiz sobre papel pegado sobre tabla Fechado y localizado "20 décembre 1914 à Paris" abajo a la izquierda Carboncillo sobre papel pegado sobre cartón; fechado y localizado abajo a la izquierda 34 X 26,5 CM - 13 3/8 X 10 3/8 PULG. Sylvie y Casimir Buisson han confirmado la autenticidad de esta obra. Se entregará un certificado de autenticidad al comprador. París, 1913. Recién llegado a París, Tsuguharu Foujita visita el taller de Pablo Picasso, presentado por su nuevo amigo, el pintor Ortiz de Zarate. Allí descubrió obras del Periodo Azul, piezas que había recogido del Douanier Rousseau y pinturas cubistas. Este encuentro sacudió todas las certezas del joven artista. "Picasso y sus amigos limpiaron las artes plásticas de su aspecto polvoriento. Los sueños y la imaginación estaban en el poder", se maravillaba. Foujita abrazó la renovación del arte occidental. Excéntrico y exótico, se convirtió en una figura central del barrio de Montparnasse, epicentro de esta efervescencia artística. Durante este periodo forjó amistad con Picasso, Rivera, Soutine y Modigliani -sus vecinos de estudio- y Marie Vassilief. "Me relacioné con los mejores", concluye. De estos encuentros nacen influencias cruzadas y retratos (Diego Rivera au café, à Montparnasse, 1914, lápiz sobre papel; Portrait de Chana Orloff, grafito sobre papel, 1915). En Portrait de Marie Vassilieff, la figura deconstruida de una mujer trabajando se acerca sin duda a la silueta de Marie Vassilief (1884-1957). Artista, fundadora de la Académie Vassilief en 1912 y directora de La Cantine des Artistes durante la guerra, la frenética "cigarra esteparia" destacó en la creación de sus "muñecas-retrato" de cuero de cabritilla y cartón piedra. Realizadas en su taller del 21 de la avenue du Maine, su fragilidad hizo que sólo se conservaran unas quince. Reasignado de este modo, este dibujo podría ser un registro directo de la obra de la artista. Citado en Sylvie Buisson, Léonard Tsuguharu Foujita, volumen 2, ACR Édition, Courbevoie, 2011, p. 63. Citado en Sylvie Buisson, La vie et l'œuvre de Léonard-Tsuguharu Foujita, ACR Édition, Courbevoie, 1987, p. 40.

Valorac. 1 000 - 1 500 EUR

Lote 28 - JOSEPH SIMA (1891-1971), JOSEF ŠIMA CONOCIDO COMO CERROJO, 1950 Óleo sobre lienzo Firmado y fechado abajo a la derecha Contrafirmado y fechado en el reverso Óleo sobre lienzo; firmado y fechado abajo a la derecha; firmado de nuevo y fechado en el reverso 61 X 50 CM - 24 X 19 3/4 PULG. PROCEDENCIA Colección privada, Francia Descendiente del actual propietario EXPOSICIÓN Turín, Bienal, Les peintres d'aujourd'hui France-Italie, 1951, citado en el catálogo de la exposición (n. p. ) JOSEPH SIMA CERRADURA, 1950 En 1950, unos años después del final de la Segunda Guerra Mundial -periodo durante el cual Joseph Sima había dejado de pintar-, el artista de origen checo, que vivía en Francia desde 1921, se instaló en un pequeño apartamento cerca de la Puerta de Orleans, en París. Regresó de un viaje a Eslovaquia, donde volvió a visitar los paisajes de su infancia que habían inspirado muchos de sus dibujos. Comienza así su serie "Les Plaines de Brie" (1950-1953), en la que Sima se sumerge en los recuerdos de este viaje y en los de los paisajes de Yèbles, en la región de Brie. El óleo sobre lienzo Écluse, fechado en 1950, forma parte de esta serie de vistas con perspectivas aplanadas, suaves formas geométricas y ligeros colores azules y dorados. La simplificación de las formas de las casas y su hieratismo recuerdan otra obra decisiva en la evolución artística del artista: Le Havre, 1923. Las casas en forma de cubo parecen flotar al borde del agua, y la visión bidimensional de los tejados es una referencia a las casitas de tejados anaranjados del valle de la Montagne Saint-Victoire que Cézanne pintó tantas veces. Como en Le Havre, Écluse carece de elementos orgánicos. No hay hierba ni árboles en este paisaje, sólo agua y casas. Estas dos visiones, alejadas de la realidad, son paisajes oníricos que parecen haberse fundido en la memoria del artista. En Écluse, la transparencia de los colores y de las formas, así como el efecto de "calco", refuerzan esta visión onírica. Conservado en la misma colección francesa desde los años sesenta, Écluse es un importante testimonio de tres pilares de la producción artística de Sima: los elementos -aire, tierra, fuego y agua-, el paisaje y la memoria. Este óleo sobre lienzo representa también un momento crucial para el artista, que se aleja progresivamente del surrealismo y se acerca a la abstracción. En 1950, pocos años después de la Segunda Guerra Mundial -periodo en el que Josef Sima había dejado de pintar-, el artista de origen checo, que vivía en Francia desde 1921, se instala en un pequeño apartamento de la Porte d'Orléans de París. Gracias a un viaje por Eslovaquia, donde Sima vio los paisajes de su infancia, el artista había vuelto a encontrar la inspiración para sus dibujos. En este momento comienza la serie "Les Plaines de Brie" (1950-1953). El artista plasma sus recuerdos de viaje de Eslovaquia y de Yèbles, una región de Brie. Écluse es un óleo sobre lienzo fechado en 1950 perteneciente a esta serie, donde el artista nos muestra vistas aplanadas con suaves formas geométricas y ligeros colores azules y dorados. Esta obra nos recuerda a Le Havre, pintado por Sima en 1923. Al igual que Écluse, este cuadro ya representaba una esclusa con formas simplificadas y una fuente de agua en primer plano. Las casas parecen flotar sobre el agua. Están pintadas de forma cubista y con tejados bidimensionales, lo que es una referencia a Cézanne, que solía pintar los tejados anaranjados de las casas de montaña de Sainte-Victoire. Como en Le Havre, en Écluse no hay elementos orgánicos, ni hierba, ni árboles, sólo agua y casas. Este cuadro no representa paisajes reales, es una visión onírica inspirada en los recuerdos del artista. El uso de transparencias en los colores y las formas aumenta la visión onírica. Écluse permaneció en la misma colección francesa desde 1960. Este cuadro ilustra perfectamente la producción artística de Sima por la referencia de sus temas habituales, que son los cuatro elementos, el paisaje y la memoria. Este óleo sobre lienzo es también un punto de inflexión en su trayectoria artística, ya que es el comienzo de su época de abstracción y su separación del surrealismo. "Aparte de estos recuerdos de infancia, lo que ha sido decisivo en mi trabajo como pintor son los encuentros que he tenido: [...] El descubrimiento de Cézanne, por ejemplo, fue crucial para mí. Lo que el siglo me enseñó de repente fue la inversión decisiva de la técnica pictórica que Cézanne había provocado. El cielo se pintaba con la misma insistencia que el primer plano del cuadro, de modo que cada elemento estaba dotado de un peso y como sometido a una caída perpetua". Josef Síma, Entrevista con Jacques Henric, Les Lettres françaises, 13 de noviembre de 1968.

Valorac. 100 000 - 150 000 EUR

Lote 36 - HENRI MATISSE (1869-1954) NÉZY, 1941 Tinta china sobre papel Firmado y fechado "10/41" abajo a la izquierda Tinta china sobre papel; firmado y fechado abajo a la izquierda 51 X 38 CM - 20 1/8 X 15 PULG. El Sr. Georges Matisse ha confirmado la autenticidad de esta obra. Está registrada en sus archivos. Se puede obtener un certificado previa petición. PROCEDENCIA Colección privada, Francia Descendencia al propietario actual El doble retrato Nézy, pintado en Niza a principios de los años 40, cuando Henri Matisse instaló su estudio en el antiguo Hôtel Régina, representa a Nézy-Hamidé Chawkat. Nézy, princesa turca y bisnieta del último sultán de Turquía, Abdul Hamid, se trasladó a Niza con su abuela tras la proclamación de la República Turca. La joven llamó la atención de Matisse, que se cruzó con ella por las calles de Niza. El pintor quedó impresionado por su belleza y le pidió que posara para él, lo que ella aceptó. Como cuenta Hilary Spurling: "[Matisse] le preguntó si podía pintarla, solicitando el permiso formal de su abuela como un pretendiente que pide su mano en matrimonio." H. Spurling, Matisse the Master, Londres, 2005, p. 410. La princesa fue su modelo favorita durante casi dos años, un periodo prolífico para Matisse, que se embarcó en el proyecto de publicar la obra Thèmes et Variations con el editor Alain Fabiani. Esta colección simboliza la pasión creadora del artista, con reproducciones litográficas de 158 dibujos seleccionados. El doble retrato Nézy estaba probablemente destinado a figurar en la obra publicada en 1943. En esta época, Matisse se encuentra en la cima de su arte, consagrándose como un notable dibujante con un trazo delicado y expresivo a la vez. "La primera virtud del dibujo, como del grabado, es la claridad, su carácter directo, ligado a la nitidez de la línea. Cada gesto, sencillo pero totalmente controlado, está animado por el instinto, pero es la lógica la que domina, aunque se tenga la impresión de improvisado..." Matisse, Le point, N° XXI-4e année N° spécial Matisse, julio de 1939

Valorac. 30 000 - 50 000 EUR

Lote 37 - SONIA DELAUNAY (1885-1979) RITMO DEL COLOR, 1973 Óleo sobre lienzo Firmado abajo a la derecha Óleo sobre lienzo; firmado abajo a la derecha 65 X 54 CM - 25 5/8 X 21 1/4 IN. Richard Riss y Jean Louis Delaunay han confirmado la autenticidad de esta obra. Está registrada en sus archivos con el nº F. 1896. Se entregará al comprador un certificado de autenticidad fechado el 18 de marzo de 2024. PROCEDENCIA Adquirido directamente a la familia del artista Luego por descendencia del propietario actual SONIA DELAUNAY RYTHME COULEUR, 1973 Inédito en el mercado del arte, el óleo sobre lienzo Rythme Couleur de Sonia Delaunay fue pintado en París en 1973. Es un testimonio excepcional de la obra de la artista y de su aplicación de la teoría de la simultaneidad (u orfismo, según Apollinaire) a la pintura. Aunque Sonia Delaunay fue descrita a menudo por la crítica como una "decoradora", este cuadro sirve para recordar la importancia de su investigación como gran pintora. Azul, blanco, rojo, negro, verde, gris: seis colores, incluidos los de la bandera francesa. 1973: seis décadas después de las primeras investigaciones de los Delaunay sobre la simultaneidad en la pintura. Al fondo, una hélice estilizada: modernidad, movimiento, rotación. Rythme Couleur, pintado por Sonia Delaunay en París en 1973, confirma toda una vida de investigación plástica. Los colores y formas dispuestos por la artista en el lienzo son una expresión de la teoría del simultaneísmo desarrollada por Robert Delaunay en 1912-1913. Esta teoría fue propugnada por la pareja Sonia y Robert, que iniciaron un fructífero diálogo artístico en los primeros años de su vida en común. En su opinión, la luz disolvía la forma y creaba la sensación del color en movimiento. Este movimiento "sincromático" podía conseguirse en el lienzo mediante el contraste de colores y formas. En sus escritos teóricos, Robert Delaunay reconoció su deuda con la obra de Michel-Eugène Chevreul De la loi du contraste simultané des couleurs, publicada en 1839, en la que el autor diseccionaba con precisión los mecanismos por los que el ojo reacciona a los estímulos cromáticos. El color estaba en el centro de sus investigaciones pictóricas, en torno a las cuales giraban la poesía, el arte total y el deseo de un arte para todos. Se abrió una nueva vía en el campo del arte, un movimiento que Apollinaire llamó "orfismo" y que definió como un nuevo lenguaje que rivalizaba con el de los poetas, de los que Orfeo era la figura tutelar. Apollinaire escribió en L'Intransigeant en 1913: "Ya se ha hablado mucho del orfismo. Es la primera vez que esta corriente se manifiesta. Reúne a pintores de caracteres muy diferentes que han llegado todos, en sus investigaciones, a una visión más interior, más popular, más poética del universo y de la vida. Esta tendencia no es una invención repentina, es la evolución lenta y lógica del Impresionismo, el Divisionismo, la escuela fauvista y el Cubismo". El Simultanismo u Orfismo se inscribe en la investigación del Cubismo iniciada en 1907 por Braque y Picasso. Artistas de vanguardia como Sonia Delaunay se alejaron de la mímesis descomponiendo las figuras. Figuras y objetos desaparecen gradualmente del lienzo para revelar motivos, colores y líneas. Todos compartían el deseo de romper con el arte de la composición, pero también de derribar las fronteras entre las disciplinas artísticas. El lenguaje de la música se fue abriendo paso poco a poco en las artes visuales, sobre todo a través de la abstracción lírica de Kandinsky. Los cuadros se llamaban Composition, Fugue, Rythme Couleur. Los seis colores utilizados por Sonia Delaunay en Rythme Couleur resuenan entre sí, alterándose y complementándose. El azul, por ejemplo, complementa al rojo. Los campos de fuerza que surgen entre los colores mueven las formas y crean un efecto óptico. A continuación se introduce el ritmo mediante la repetición de formas y colores. Fue a partir de los años 30 cuando el ritmo se convirtió en un elemento central de la obra de Sonia Delaunay. Citaba la luz, la música y la danza como sus principales fuentes de inspiración, declarando a Roger Bordier que "el ritmo ondulante y continuo del tango incita a los colores a moverse". La repetición de semicírculos en Rythme Couleur pretende representar el movimiento de rotación de las hélices, consideradas un símbolo de modernidad a principios del siglo XX. Este motivo estilizado es un tema recurrente en la obra de Sonia Delaunay y recuerda uno de los episodios fundadores de la modernidad artística: la visita de Marcel Duchamp al Salón de la Aeronáutica en 1912. El artista, estupefacto ante las hélices de los aviones, profetizó a sus colegas la muerte de la pintura. Las hélices no tuvieron el mismo efecto.

Valorac. 150 000 - 200 000 EUR

Lote 45 - AUGUSTIN LESAGE (1876-1954) INCISO, 1944 Óleo sobre lienzo Firmado, fechado "Mai 1944" y localizado "Burbure" abajo a la derecha Anotado "Toile peinte pendant l'occupation sous les bruits des moteurs" parte superior y "Énigmes des siècles/ En souvenir d'un grand passé, Thèbes, Memphis/ La Haute et la Basse Egypte/ Lion rugissant gardien des temples" parte inferior Óleo sobre lienzo; firmado, fechado y localizado abajo a la derecha; anotado arriba y abajo 185 X 135 CM - 72 7/8 X 52 3/8 PULG. El Sr. Pierre Guénégan ha confirmado la autenticidad de esta obra, que se incluirá en el catálogo razonado actualmente en preparación. Se entregará al comprador un certificado de autenticidad. PROCEDENCIA Colección privada, Francia BIBLIOGRAFÍA Olivier Chevrillon, Annick Notter, Didier Deroeux, Michel Thévoz, Augustin Lesage 1876-1954, cat. exp. Arras, Lausana, Béthune, 1988 - Florencia, 1989, Philippe Sers Editeur, París: 1988, lámina 169, cat. 157, reproducido p. 177 y descrito p. 212 "El antiguo Egipto desempeñó un papel importante en la vida y la obra de Augustin Lesage, que conoció sus mitos durante su estancia en los círculos espiritistas. En efecto, esta antigua civilización es fuente de fascinación para muchas corrientes de pensamiento, que ven en los egipcios a los poseedores de un nivel de iniciación espiritual y de conocimientos perdidos para siempre. Esta influencia tuvo un fuerte impacto en la obra del artista. A partir de 1925, Egipto comenzó a aparecer en las obras del pintor-minero, que le concedió un lugar cada vez más importante a medida que crecía su implicación con los círculos espiritistas. Al igual que las convenciones de representación de los antiguos egipcios, la pintura de Lesage está marcada por el uso de la simetría y la organización de los registros, que aparecen ya en su primer lienzo. También comparte con el arte egipcio el gusto por la monumentalidad y la atención al detalle. [...] Augustin Lesage se veía a sí mismo como la reencarnación de un artista egipcio, que transmitía los secretos del antiguo Egipto a través de la pintura. Fue a partir de 1930 cuando el artista citó literalmente objetos egipcios en su obra, ocupando casi todo el lienzo. Cédric Magniez "Augustin Lesage et l'Égypte" en. Lesage, Simon, Crépin, peintres, spirites et guérisseurs, cat. exp. LaM, 4 de octubre de 2019-5 de enero de 2020, Villeneuve d'Ascq: 2019, p. 176.

Valorac. 40 000 - 60 000 EUR