Yuichi, Inoue Ajisai (= Hortensie). 1973. Tusche auf hauchzartem China aufgewalz…

Descripción

Yuichi, Inoue Ajisai (= Hortensie). 1973. Tusche auf hauchzartem China aufgewalzt auf Japan. Sichtmaß 19 x 20 cm. Mit Stempelsignatur. Auf Unterlage montiert und unter Glas gerahmt (ungeöffnet). - Tec…

Modernismo americano Expresionismo abstracto Yuichi, Inoue Ajisai (= hortensia). 1973. Tinta china sobre gossamer China, enrollado sobre Japón. Dimensiones visibles 19 x 20 cm. Con sello de firma. Montado sobre soporte y enmarcado bajo cristal (sin abrir). - Algunas huellas de estudio debidas a la técnica, por lo demás aparentemente en muy buen estado. Unagami, Catálogo razonado, Vol. 2, nº 73194 - Procedencia: Colección privada alemana, adquirido en la Japan Art Galerie Friedrich Müller. - Representa una waka, género clásico de la poesía japonesa, que puede traducirse así: He oído en el viento que mi antigua casa ha sido derribada/ Me pregunto si las hortensias florecen/ A través de una ventana que ya no existe (cf. Unagami, Vol. 2., 73150). - Yu-Ichi, que trabajó en Tokio toda su vida, es hoy uno de los artistas japoneses más importantes del siglo XX. Con sus expresivas obras, se le suele mencionar al mismo tiempo que a los grandes representantes del expresionismo abstracto Franz Kline y Robert Motherwell. El crítico Herbert Read menciona a YU-ICHI en su libro "A Concise History of Modern Painting", mientras que Robert Motherwell lo describe como uno de los pocos grandes artistas de la segunda mitad del siglo. A pesar de su reconocimiento internacional, sólo participó en unas pocas exposiciones, centrando más bien su energía en la creación artística, en la que encontró un método para expresar sus energías con la ayuda de los caracteres kanji. No le interesa la estética de los caracteres, sino que se concentra en el libre desarrollo de su fuerza interior, que se expresa directamente en su escritura. De este modo, Yu-Ichi trasciende los límites de la caligrafía tradicional para lograr una expresividad radical. - Las obras de Inoue Yûichi se encuentran en numerosas colecciones importantes de todo el mundo, como el Museo Nacional de Arte Moderno de Tôkyô y Kyôto, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Stedelijk de Ámsterdam y otros (véase https://www.japan-art.com/artists/26-yu-ichi-%28inoue-yuichi%29/overview/, consultado el 29 de mayo de 2024). Tinta sobre porcelana, enrollada sobre Japón. Dimensiones visibles 19 x 20 cm. Con sello de firma. Montado sobre estera subyacente y enmarcado bajo cristal (sin abrir). - Algunas huellas de estudio debidas a la técnica, por lo demás aparentemente en muy buen estado. - Procedencia: Colección privada, Alemania. Adquirido en la Japan Art Galerie Friedrich Müller. - Yu-Ichi está considerado uno de los artistas japoneses más importantes del siglo XX. Con sus expresivas obras, se le suele mencionar al mismo tiempo que a los grandes representantes del expresionismo abstracto Franz Kline y Robert Motherwell, y sus contemporáneos le admiran. A pesar de su reconocimiento internacional, sólo participó en unas pocas exposiciones, centrando su energía en su trabajo artístico. Yu-Ichi encontró una forma de expresar su energía artística con la ayuda de los caracteres kanji. No le interesa la estética de los caracteres, sino que se concentra en el libre flujo de su fuerza interior, que se expresa directamente en la escritura. De este modo, Yu-Ichi trasciende los límites de la caligrafía tradicional para lograr una expresividad radical. - Las obras de Inoue Yûichi se encuentran en numerosas colecciones importantes de todo el mundo, como el Museo Nacional de Arte Moderno de Tôkyô y Kyôto, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Stedelijk de Ámsterdam y otros (véase https://www.japan-art.com/artists/26-yu-ichi-%28inoue-yuichi%29/overview/, consultado el 29 de mayo de 2024).

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Yuichi, Inoue Ajisai (= Hortensie). 1973. Tusche auf hauchzartem China aufgewalzt auf Japan. Sichtmaß 19 x 20 cm. Mit Stempelsignatur. Auf Unterlage montiert und unter Glas gerahmt (ungeöffnet). - Technikbedingt etw. atelierspurig, ansonsten augenschein

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SAM FRANCIS (San Mateo, California, 1923 - Santa Mónica, California 1994). Sin título, 1984 (SFF.1099 aka SFP84-46). Acrílico sobre lienzo. Firmado en el reverso en cursiva por el artista: "Sam Francis" con las inscripciones "SFP84-45" en rotulador azul y 1984 en lápiz gris. Procedencia: -Galería Nantenshi, Tokio (1985). -Colección privada, Japón. Se adjunta certificado de autenticidad expedido por la Sam Francis Foundation. Incluido en el catálogo razonado con el nº. SFF. 1099. Medidas: 5,08 x 7,62 cm; 33 x 40 cm (marco). En este lienzo, San Francis nos presenta una composición dedicada al estudio del ritmo y a la descomposición lineal de formas abstractas. Estilos como el neoplasticismo y el constructivismo han sido asimilados de forma personal; sin embargo, el californiano va más allá y rompe con esa idea de líneas puras, dejando espacios al azar y a la expresividad de la propia materia pictórica, como se aprecia en las gotas de pintura derramadas. San Francis estudió botánica, medicina y psicología en la Universidad de Berkeley (California) entre 1941 y 1943, y sirvió en las Fuerzas Aéreas de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, de 1943 a 1945, antes de resultar herido en un accidente aéreo. Pasó varios años en el hospital, y fue durante este tiempo cuando empezó a pintar, a instancias de su amigo David Parks, profesor de la Escuela de Bellas Artes de San Francisco. Una vez fuera del hospital, regresó a Berkeley, esta vez para estudiar arte. Sus estudios de pintura e historia del arte le llevaron de 1948 a 1950. Los primeros trabajos de Francis están directamente influidos por los expresionistas abstractos como Rothko, Gorky y Still. Durante la década de 1950 vivió en París, donde celebró su primera exposición individual en 1952 en la Galerie Nida Dausset. Durante los años cincuenta y sesenta realizó importantes exposiciones individuales y participó en colectivas en la Ribe Droite (París, 1955), Martha Jackson (Nueva York, 1956), Gimpel Fils (Londres, 1957), la exposición "New American Painting", que recorrió ocho ciudades europeas (1958), la Documenta de Kassel (1959 y 1964) y las Kunsthalle de Berna y Düsseldorf. En 1963 se instaló en Santa Mónica, California, y seis años más tarde fue investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Berkeley. Fue durante este periodo, entre 1960 y 1963, cuando creó varias series de obras, entre ellas la serie de las "Bolas azules". Formadas predominantemente por formas y gotas azules biomórficas, estas obras hacían referencia al dolor derivado de la tuberculosis renal que padeció en 1961. Siguió pintando, principalmente en Los Ángeles, pero también en Tokio, donde vivió sobre todo en 1973-4. En 1965, Francis comenzó una serie de pinturas con grandes superficies de lienzo abierto, colores mínimos y líneas fuertes. Su obra evolucionó aún más tras iniciar un intenso análisis junguiano con el Dr. James Kirsch en 1971. Fue entonces cuando empezó a prestar especial atención a sus sueños y a las imágenes inconscientes que sugerían. Las obras de Francis de principios de los 70 se han denominado imágenes de aire fresco. Creadas añadiendo charcos, goteos y salpicaduras de color a bandas húmedas de pintura aplicadas con rodillo, estas obras reafirmaron el interés del artista por el color. En 1973-4, muchas de las pinturas de Francis presentaban una cuadrícula formal o matriz compuesta por trazos de color cruzados. Muchas de estas obras matriciales eran de gran escala, de hasta seis metros de longitud. A partir de 1980, la cuadrícula formal desapareció gradualmente de la obra de Francis. Fue muy activo como grabador, creando numerosos aguafuertes, litografías y monotipos, muchos de los cuales fueron ejecutados en Santa Mónica en la propia Litho Shop de Francis. En 1984 Francis fundó The Lapis Press con el objetivo de producir textos inusuales y oportunos en formatos visualmente atractivos.

Valorac. 2 000 - 2 200 EUR

MANUEL HERNÁNDEZ MOMPÓ (Valencia, 1927 - Madrid, 1992). Sin título, Roma, 1954. Óleo sobre cartón. Firmado, fechado y titulado en el ángulo inferior izquierdo. Obra reproducida en color en el Catálogo razonado del artista, nº 1954/113 p. 142. 142. Se puede expedir certificado a petición y por cuenta del comprador. Medidas: 63 x 23 cm; 82 x 41 cm (marco). Hijo de un profesor de pintura, Hernández Mompó alternó sus estudios básicos y de bachillerato con clases en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Valencia, en la que ingresó en 1943. En 1948 obtuvo una beca para pintar en Granada, en la Residencia de Pintores, y tres años más tarde una nueva pensión le permitió viajar a París. En la capital francesa entró en contacto con los círculos de pintores informalistas, cuya influencia marcaría su producción posterior, dejando definitivamente atrás los paisajes y retratos que habían dominado su obra hasta entonces. Entre 1954 y 1955 pasa una larga temporada en Roma, becado por el Departamento de Cultura del Ministerio de Educación Nacional para estudiar en la Academia Española de Bellas Artes de la capital italiana. En 1954 participó en la Exposición Internacional de Viareggio, donde obtuvo el Premio Italiano de Navegación. Abandonó Italia y se instaló en Amsterdam, donde volvió a frecuentar los cenáculos informalistas. En 1957 regresó a España y se instaló en Aravaca (Madrid). Al año siguiente fue becado por la Fundación Juan March de Madrid, y obtuvo el Gran Premio Nacional de Pintura y una primera medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes. Durante los años sesenta y setenta alternó su residencia entre Madrid, Ibiza, y en 1973 pasó un año en California. A su regreso a España se instaló en Mallorca. Hernández Mompó expuso en las principales capitales de Europa y Estados Unidos, y participó en exposiciones colectivas nacionales y extranjeras. Entre sus galardones más destacados figura el Premio Unesco recibido en la XXXIV Bienal de Venecia de 1968. En 1984 recibió el Premio Nacional de Bellas Artes del Ministerio de Cultura. Su estilo juvenil se vio pronto influido de forma definitiva por el expresionismo abstracto y el informalismo, aunque sus obras nunca perdieron la realidad como referencia. En su producción, Hernández Mompó plasma una imaginería figurativa y poética, armoniosamente mezclada con elementos abstractos y ricos efectos de superposición. Hernández Mompó está representado en el IVAM de Valencia, el Museo Nacional Reina Sofía, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, el British Museum de Londres, el Centre Georges Pompidou de París, la Chase Manhattan Bank Collection de Nueva York y el Winterthur Museum de Suiza, entre muchos otros. Obra reproducida en color en el Catálogo Razonado del artista, nº 1954/113 p. 142. 142. Se puede expedir certificado a petición y por cuenta del comprador.

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