Esculturas de terracota

Lotes recomendados

CIRCLE OF MASSIMILIANO SOLDANI BENZI ITALIAN, FLORENCE, CA. 1700, CRISTO MORTO - CÍRCULO DE MASSIMILIANO SOLDANI BENZI ITALIANO, FLORENCIA, CA. 1700 CRISTO MORTO Terracota, sobre base de madera ebonizada la figura 64,5 cm de largo, 29 cm de profundidad, 14 cm de alto, base 78,5 por 39,5 cmEsta poderosa representación del Cristo Morto yacente se ha asociado con el escultor florentino del siglo XVIII, Massimiliano Soldani Benzi (1656-1740). Soldani adquirió reputación internacional en toda Europa gracias a la difusión de sus vaciados en bronce de copias de la Antigüedad, así como de sus propias composiciones mitológicas y religiosas. Esto se consiguió gracias al mecenazgo directo de importantes clientes extranjeros, por ejemplo el príncipe Johann Adam Andreas I de Liechtenstein y el duque de Marlborough, y a la comercialización personal que Soldani hacía de sus obras a través de agentes en toda Europa, como Giovanni Giacomo Zamboni en Londres. Además de los bronces, los modelos de Soldani se reproducían en porcelana Doccia, lo que ponía sus composiciones al alcance de un nivel de coleccionistas totalmente distinto. La iconografía de la Piedad se ha asociado especialmente a Soldani; sus interpretaciones de este tema fueron tan influyentes que se han convertido en el punto de partida para cualquier atribución de un Cristo Morto yacente anónimo realizado en Italia en la primera mitad del siglo XVIII. Las imágenes devocionales del cadáver yacente de Cristo, conocidas como la Lamentación, la Piedad o, más generalmente, el Cristo Muerto, constituyen una iconografía desgarradora e intensa que, obviamente, ha sido interpretada por los artistas de muy diversas maneras. Quizá la Piedad más famosa de la escultura renacentista italiana sea el grupo de mármol de Miguel Ángel en la Basílica de San Pedro de Roma. Inevitablemente, la interpretación de Soldani rinde homenaje a Il Divino, al igual que los ensayos de otros escultores de finales del siglo XVII o principios del XVIII sobre este tema, que también pueden haber influido en el escultor de nuestra versión. Otras interpretaciones notables son la terracota del escultor romano François Duquesnoy (1597-1643) en el Museo Ashmolean (inv. WA1940.190); los diversos modelos del escultor sienés Giuseppe Mazzuoli (1644-1725), como su exquisito mármol de Santa Maria della Scala, Siena, y un gran relieve en terracota, vendido en Sotheby's, Nueva York, 29 de enero de 2021, lote 146; y el relieve en terracota firmado por el escultor boloñés Giuseppe Mazza (1653-1741), en Walter Padovani, Milán. Existen también otros modelos florentinos relevantes que tienen afinidades con la terracota actual. Un Cristo Morto de madera policromada del monasterio de Santa Ágata de Florencia está representado, como esta terracota, solo y tendido sobre un sudario, con las rodillas ligeramente levantadas y la mano derecha extendida a su lado. El tratamiento del torso, con el vientre recogido y el pecho musculado, también es comparable al de esta terracota. Esto contrasta con la anatomía de Cristo en los diversos modelos de Soldani, donde el cuerpo del Salvador está más lleno y tiene un tratamiento más suave de la musculatura. La Santa Ágata Cristo Morto se atribuye a un escultor del círculo de Giovanni Battista Foggini (1652-1725), y es en este contexto en el que la presente terracota parece encontrar los mayores paralelismos. Un ejemplo particularmente notable es el Cristo muerto yacente de Balthazar Permoser (1651-1732) en la iglesia de San Matías de Breslau. Alrededor de la década de 1680, Permoser trabajó en el taller de Foggini durante más de una década. El Cristo de Permoser tiene una anatomía similar y un tratamiento cercano de las manos huesudas. Pero, lo que es más inusual, Permoser incluye el cristograma "INRI" bajo la cabeza de Cristo. Este rasgo es desconocido para el presente autor en cualquier otro modelo del Cristo Muerto, excepto la presente terracota. Un Cristo Muerto de terracota en SS Michele e Gaetano, Florencia, anteriormente asociado con la escuela de Foggini, pero ahora atribuido a Giuseppe Piamontini (1664-1742) sugiere otro entorno, pero estrechamente relacionado, en el que podría haber trabajado el escultor de la presente terracota. La terracota de Piamontini refleja la obra actual en su anatomía y dedos huesudos, pero está menos demacrada en general; un hermoso Cristo Morto de alabastro de Piamontini en el Palazzo Pitti de Florencia muestra un tratamiento similar. Foggini y Piamontini eran, junto con Soldani, los principales escultores rivales de Florencia hacia 1700 y cualquier escultor que trabajara en sus talleres, o incluso pasara por ellos, habrá asimilado un estilo florentino característico, un estilo que es tangible en la presente terracota. Sin embargo, el grado de enflaquecimiento del cuerpo y la angustia ósea de las manos en este modelo del Cristo Morto hacen pensar en una estética más septentrional que podría apuntar a un escultor extranjero formado en Florencia a finales del siglo XVII o principios del XVIII. Agradecemos a Alexander Kader su ayuda en la catalogación de este lote. Para más información sobre este lote, visite nuestro sitio web.

Valorac. 20.000 - 30.000 GBP

MANOLO HUGUÉ (Barcelona, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelona, 1945). "Bueyes en el establo", 1935-1936. Relieve en terracota sobre peana de madera. Obra catalogada en el libro "Manolo. Escultura, pintura y dibujo", Montserrat Blanch, nº197, página 114. Procedencia: Colección Jacky J. Druker, amigo y mecenas de Joan Brotat. Medidas: 34 x 34 x 3 cm; 6 cm (altura de la base). En el catálogo razonado sobre Manolo Hugué escrito por Montserrat Blanch se reproducen varias obras (dibujos preparatorios, bajorrelieves en terracota, pero también en piedra) cuyo tema son los bueyes (generalmente representados en parejas), de las que forma parte la pieza que nos ocupa. Se trata de una producción realizada entre 1917 y 1923, años en los que el escultor insufla a la terracota nuevas sugerencias temáticas y formales. De vuelta a Ceret, tras su etapa parisina, se dedica al estudio de las cadencias, los ritmos, el esencialismo de inspiración arcaica... una suma de estrategias para escapar de todo estancamiento y renovar el lenguaje escultórico sin dejar de dialogar con los clásicos. En este relieve, una energía serena palpita como una fuerza invisible a través de los cuerpos, a través de los perfiles redondeados y alternando con incisiones geométricas. Las patas delanteras del buey yacente se flexionan para adaptarse al ángulo, buscando una cierta tensión conceptual entre los volúmenes y su encerramiento en un preciso límite cuadrangular. Con ello emula el arte griego desarrollado en las metopas. La indicación espacial es breve y sintética: unos pocos elementos esquemáticos esbozan la idea de un establo. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, se formó en la Escuela de la Lonja de Barcelona. Participante habitual en las tertulias de "Els Quatre Gats", entabló amistad con Picasso, Rusiñol, Mir y Nonell. En 1900 se traslada a París, donde vive diez años. Allí reanuda su relación con Picasso y entabla amistad con otros teóricos de la vanguardia como Apollinaire, Modigliani, Braque y Derain. En la capital francesa trabajó en el diseño de joyas y pequeñas esculturas, influido por la obra de su amigo, el escultor y orfebre Paco Durrio. En 1892 trabajó con Torcuato Tasso en obras decorativas para las celebraciones del centenario del Descubrimiento de América. Entre 1910 y 1917, dedicado por completo a la escultura, trabajó en Ceret, donde reunió a un heterogéneo grupo de artistas entre los que destacaron Juan Gris, Joaquín Sunyer y, de nuevo, Picasso. Durante estos años realizó exposiciones en Barcelona, París y Nueva York. En 1932 fue nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona. En la obra de Hugué, lo esencial es la relación con la naturaleza, teniendo en cuenta la figura humana como elemento integrado en ella. Esta es una característica del clasicismo novecentista, pero en manos de Hugué va más allá de sus limitados orígenes. Suele representar campesinos, aunque también toreros y bailarinas -como puede verse en esta ocasión-, siempre retratados con un nivel de detalle y una apreciación de las texturas que revelan su antigua formación como orfebre. En su producción artística conviven la tradición mediterránea, el clasicismo y el arcaísmo griegos, y el arte del antiguo Egipto y Mesopotamia, con las vanguardias europeas que asimiló y conoció de primera mano, concretamente el fauvismo y el cubismo de Matisse. Se conservan obras de Hugué en el MACBA, el Centro Georges Pompidou de París, el Museo Nacional de Arte de Cataluña y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, entre muchos otros.

Valorac. 2.200 - 2.500 EUR

JOAN REBULL TORROJA (Reus, 1899 - Barcelona, 1981). "Busto femenino. Escultura de terracota sobre base de mármol. Firmada. Se trata de un estudio preparatorio para una escultura conservada actualmente en el MNAC, n. inventario 010048000. Medidas: 26 x 14 x 16 cm; 9 cm (altura de la base). Esta obra es una muestra elocuente del trabajo más personal de Joan Rebull, un artista que desarrolla un lenguaje de raíces clásicas en la estética, basado en los principios de nobleza, belleza y proporción, que utiliza sin embargo una idealización y una síntesis de las formas según las vanguardias y no los modelos de la antigüedad clásica. Así, nos encontramos ante un retrato sereno, equilibrado, de cierto carácter inmutable, arcaico y casi sagrado en la perfección de sus proporciones y líneas estructurales, que establece un puente entre los ídolos antiguos y la investigación plástica de vanguardia. Considerado el escultor catalán más destacado de su época, Joan Rebull se inició en el mundo de la escultura en su ciudad natal, de la mano del escultor Pau Figueres. En 1915 se trasladó a Barcelona para iniciar su formación artística en la Escuela de Bellas Artes de La Lonja, al tiempo que trabajaba en el taller del marmolista Bechini. En 1916 debutó individualmente con una exposición en el Centro de Lectura de Reus, y al año siguiente fundó, junto con otros artistas, el grupo conocido como "Els Evolucionistes", que pretendía reproducir el Novecentismo catalán. En 1921 viajó a Londres y París, ciudades en las que quedó especialmente impresionado por el arte antiguo que albergaban sus museos. Entre 1926 y 1929 residió en la capital francesa y participó en el Salon des Indépendants, aunque también envió obras a exposiciones en Barcelona. En París fue el primer artista contratado por el destacado marchante catalán Joan Merli. A su regreso fue nombrado presidente del nuevo Salón de Montjuic (1932) y miembro de la Academia de Sant Jordi (1934), participó en diversas exposiciones en Madrid y Barcelona y, en 1938, ganó el Premio Campeny en el Salón de Otoño de Barcelona. Después de la guerra, se exilió en París, donde participó activamente en la vida artística, asistiendo a la exposición "Le Jeune Sculpture Française" y a los Salones de Otoño. Regresó a Barcelona en 1948, y tres años más tarde ganó un gran premio en la I Bienal Hispanoamericana de Arte de Madrid. En 1962 fue nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi, y poco antes de su muerte le fue concedida la medalla de oro de la Generalitat de Catalunya. Hijo del perfeccionismo novecentista y gran dibujante, Rebull trabaja con gran dominio técnico y seguridad en el camino a seguir. La suya es una escultura directa y antirretórica, basada en una visión serena y esencial de la realidad. Su estilo puede definirse como un reencuentro con la fuente del clasicismo, del que nunca copia las consecuencias. Está representado en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Centro Nacional Reina Sofía, el Ayuntamiento de Barcelona, el Monasterio de Montserrat y el Palau de la Música Catalana, entre otros centros.

Valorac. 3.200 - 3.500 EUR