Cuadros

¡tiempo, rápido! En las subastas de pintura, los cuadros antiguos reinan en un vasto dominio que abarca siete siglos, desde los iconos greco-bizantinos hasta los paisajes románticos. A partir de 1870, la pintura impresionista y moderna se suceden hasta la segunda guerra mundial con las escuelas impresionista y neoimpresionista, seguidas de los fauves, los cubistas y los surrealistas. A partir de 1945, la pintura de posguerra y contemporánea abarca las producciones artísticas desde el expresionismo abstracto hasta el arte povera, pasando por el espacialismo y el arte pop. Los cuadros que se ofrecen en la venta online de pinturas son un conjunto vertiginoso de la historia del arte: cuadros religiosos, bodegones, vanidades, cuadros de flores y de género de las escuelas holandesa y flamenca, temas históricos y escenas mitológicas, cuadros de historia, paisajes de finales del siglo xviii y principios del xix... Las revoluciones pictóricas de finales del siglo xix y la aventura de las vanguardias del siglo xx también se reproducen ante nuestros ojos en la subasta, hasta las subversiones del arte más actual.

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Lotes recomendados

Jean-Léon GEROME (Vesoul, 1824 - París, 1904) Un naufragio Lienzo. Firmado abajo a la izquierda J. L. Gerome. 70,4 x 106,3 cm Exposición: Cercle de l'Union artistique, 5 rue Boissy-d'Anglas, nº 44 (propiedad del artista), 1901. Bibliografía: Arsène Alexandre, artículo en Le Figaro, sección La Vie artistique, lunes 4 de febrero de 1901: "...la marina con un barco naufragado expuesta por M. Gérôme puede compararse a un paisaje. Hay cierta analogía, en cuanto al tema, pero una diferencia, entre otras cosas, en la forma en que está pintada, con la conmovedora obra maestra de Delacroix en el Louvre. Este cuadro inédito escapó al catálogo razonado del artista de Gerald M. Ackerman, probablemente porque Gérôme lo mostró al público privado y muy selecto del Cercle de l'Union artistique (1), donde expuso regularmente obras a partir de los años 1860, y no en los salones oficiales, donde expuso composiciones más académicas a lo largo de toda su carrera. Mientras que de nuestro artista se esperaba que trabajase sobre temas clásicos y orientalistas, se mostró capaz de inventar composiciones inesperadas, lejos de la reputación de artista pomposo. Nuestra imagen llama la atención por su radicalismo, y pertenece a un pequeño grupo de obras en las que Gérôme salió de su zona de confort y de sus temas habituales; podemos citar su Letrero para un óptico (1902), o su Verdad saliendo del pozo (1896): "En efecto, en Gérôme, aunque a menudo se le perciba como un artista reaccionario, existe una modernidad paradójica -que procede de la originalidad de su ojo, de su habilidad, a la vez realzada y disimulada por su oficio académico- para crear imágenes, para dar la ilusión de verdad mediante el artificio y el subterfugio" (en L. des Cars, D. de Font-Réaulx, E. Papet. Jean-Léon Gérôme (1824-1904). L'Histoire en spectacle, catálogo de exposición, París, Museo de Orsay, 2010, p. 18). El fondo dominante azul esmeralda verdoso se encuentra en varios de sus cuadros, por ejemplo en los azulejos vidriados de la pared del Encantador de serpientes del Ster¬ling and Francine Clark Art Institute de Williamstown (1880), o en los cielos brillantes de sus representaciones de animales salvajes en el desierto. A pesar del aspecto anacrónico de calificar a este pintor de "moderno", el efecto del encuadre con el mar muy arriba, la composición estrictamente dividida por la línea del horizonte, es casi abstracto. Acentúa este efecto con las nubes estiradas longitudinalmente y las líneas paralelas de las olas. La inmensidad del mar de aceite sólo se ve distraída por el pequeño barco de la esquina inferior y su mástil inclinado. Aquí es donde se desarrolla el drama, pues Gérôme nunca olvidó que era un pintor de historia. Gérôme transformó la tradición de los naufragios pictóricos que se remonta a más de un siglo, desde las tempestades de Joseph Vernet, a la Balsa de la Medusa de Géricault en 1819, la Barca de Dom Juan de Delacroix, o temas similares como la Fuga de Rochefort de Manet (1880, museo de Orsay). Pero sitúa su esquife en un mar en calma, no embravecido como en los artistas anteriores, eliminando cualquier atisbo de esperanza de rescate. Los pasajeros están amontonados; muertos o moribundos, posiblemente de enfermedad, abandonados a la deriva en un bote salvavidas (2). No hay detalles, ni nombres en los botes que identifiquen a estos desgraciados, ni ningún acontecimiento histórico concreto. Aquí, como en el Romanticismo, el hombre, aislado por el espectáculo de la naturaleza, da paso a una visión nihilista de la condición humana, a una toma de conciencia de su minúsculo lugar en el universo, que resuena con preocupaciones contemporáneas como los boat-people y el exilio de los emigrantes (3). 1. El espacio restringido del Cercle de l'Union Artistique, en la rue Boissy-d'Anglas, reservado a una élite de burgueses y grandes coleccionistas, no permitía la exposición de obras históricas de gran formato y ponía a la venta bocetos u obras más decorativas. 2. Me viene a la mente la acumulación de cadáveres en La Barricada (hacia 1850, Museo del Louvre), de Ernest Meissonier. 3. A propósito de otro cuadro, Pierre Sérié escribía: "El preci¬sionismo de la factura se corresponde con la ausencia de imagen. El drama alcanza su máxima intensidad en la abo¬lición misma de su representación... este espectáculo es el vacío" (Pierre Sérié, La Peinture d'histoire en France 1860-1900, 2014, p.217).

Valorac. 80.000 - 120.000 EUR

Figura relicario Byeri, Fang Mvai, valle del Ntem Norte de Gabón Madera patinada marrón H. 48 cm Procedencia : - Transmitido a través de los descendientes, - Recogido in situ por un leñador, Gabón, entre 1929 y 1940. Dispersos a lo largo del río Ntem, en el norte de Gabón, los Mvaï forman un pequeño grupo cuyas obras se consideran la esencia del arte fang. Fueron mencionados por primera vez por el explorador alemán Günter Tessmann en su notable monografía etnográfica Die Pangwe, publicada en 1913. Las estatuas atribuidas a los "Maestros del Ntem" por el especialista Louis Perrois fueron esculpidas antes de la década de 1850, y combinan fuertes cualidades estéticas con una gran potencia. Consideradas como las joyas del arte fang, estas obras siguen siendo raras. En Mains de maîtres, en 2001, se atribuyeron a estos maestros cinco esculturas masculinas. La primera, procedente de la antigua colección Paul Guillaume, se encuentra actualmente en el Museo de Brooklyn. Otra, muy similar, se encuentra en el Museo de Dallas. Las otras tres permanecen en manos privadas. Además de este limitado corpus, hay dos obras en el Museo Rietberg y en el Museo de Seattle. No todos los escultores están dotados de tal talento artístico. Este corpus muestra la destreza y la gran calidad de ejecución de estos maestros. Como en los talleres de los artistas del Quattrocento, probablemente trabajaron juntos y se influyeron mutuamente. "Las esculturas Guerre, Ginzberg (Dallas) y White (Seattle) son muy probablemente de la misma mano, tan claras son las similitudes formales, incluidos los detalles escultóricos, que la descripción analítica de una se aplica perfectamente a las otras dos", escribe Louis Perrois. Tienen la misma superficie marrón, pulida y con una magnífica pátina. Los tocados, la expresividad de los rostros, la prodigiosa segmentación del cuerpo, la estilización de las manos en forma de abanico y las marcas de escarificación en el vientre son muy similares. Esta escultura pertenece al grupo Fang de los Maîtres de Ntem. Aunque ha sufrido pérdidas de material, este eyema byeri conserva toda su fuerza y severidad. Coronado con un majestuoso peinado de tres conchas, el rostro está notablemente modelado. Los ojos en forma de granos de café ofrecen una bella expresión de serenidad. Bajo la nariz, la boca se proyecta hábilmente hacia delante, creando un increíble mohín. El cuello es corto y poderoso. Los hombros, los músculos pectorales, los brazos y los antebrazos están esculpidos de forma redondeada. Las manos estaban probablemente unidas alrededor del abdomen, probablemente sosteniendo un receptáculo para ofrendas. El largo torso cilíndrico es característico del estilo Mvaï. Las piernas redondas están hábilmente esculpidas y modeladas. Testimonio del virtuosismo de los artistas fang, esta estatua destaca por la sutileza de su modelado, la majestuosidad de su tocado y la excepcional geometría de sus hombros. Dentro del estrechísimo corpus de obras de los "Maestros del Ntem", esta obra redescubierta es notable. A pesar de los estragos del tiempo, este gran byéri masculino es una maravillosa encarnación de la excelencia del gran arte fang mvaï y de sus maestros situados a lo largo del Ntem, el río que hoy marca la frontera entre Gabón, Camerún y Guinea Ecuatorial. Según los antiguos registros de las colecciones, parece que esta región, hoy conocida como Woleu-Ntem, albergaba una excepcional gama de esculturas de rara homogeneidad, en cuanto a especies de madera, pátinas y características estilísticas: morfología general y sobreornamentación. Las similitudes entre los escasos ejemplos conocidos hasta la fecha son tales, y éste se añade al corpus anterior, que parece admisible atribuirlos al mismo escultor, aunque desgraciadamente su identidad sigue siendo desconocida hasta hoy. Mencionemos, pues, los byéri mvaï de las colecciones antiguas: Pierre Guerre, Helena Rubinstein, Marc Ginzberg y Paul Guillaume, actualmente en la colección Jim Ross de Nueva York, todos ellos enumerados por Louis Perrois en su catálogo de la exposición marsellesa de 1992: Byéri Fang, Sculptures d'Ancêtres en Afrique. Estos Byéri llevan el mismo peinado con tres fuertes trenzas, más o menos colgando sobre la nuca, con frente ancha y ojos de grano de café adornados con una pequeña perla de ordeño. Las bocas forman un mohín Pahouin sui-generis claramente identificable. Los cuerpos son breviformes macizos, de pie sobre piernas flexionadas en la posición ritual que permite sentar a la estatua sobre la caja relicario con la tribuna acoplada. La posición de las manos también es clásica en este estilo, y podemos suponer que era la misma en nuestro byéri, aunque haya desaparecido a consecuencia de las numerosas mutilaciones causadas sin duda por roedores atraídos por el aceite.

Valorac. 120.000 - 150.000 EUR

Atribuido a JAN BRUEGHEL EL VIEJO (Bruselas, 1568 - Amberes, 1625). "El Viejo" y Taller. "Alegoría del sentido de la vista". Óleo sobre cobre. Medidas: 58,5 x 90 cm; 85,5 x 116 cm (marco). Una Venus desnuda contempla su propia belleza en un espejo, mientras a sus pies Cupido la observa. Ambos parecen ajenos a la belleza y opulencia del interior en el que se encuentran. Esculturas de bronce y mármol, retratos, pinturas religiosas y mitológicas, animales exóticos, monedas e instrumentos matemáticos esparcidos por el suelo se encuentran en una arquitectura que se abre al exterior, donde se divisa un ajetreado puerto a orillas de una ciudad. Durante el siglo XVII proliferaron las pinturas alegóricas, relacionadas con la representación de los cinco sentidos. Esto se debía a que el tema de los sentidos estaba relacionado a su vez con la transmisión de un mensaje moral y religioso. Como señala María Sánchez Luque en su obra La vanitas en Los cinco sentidos de Brueghel: Olfato y Tacto: "Es fundamentalmente en el Barroco, cuando estas alegorías alcanzan su máximo esplendor, cuando muestran la confianza en la capacidad de los objetos para materializar el símbolo. El simbolismo podía ser el resultado de varias ideas, como la caducidad, la inutilidad de aferrarse a los bienes terrenales y la elección entre el bien y el mal. Para entender la relación que se establecía entre estas ideas y las representaciones artísticas, hay que tener en cuenta que, según la mentalidad barroca, la vida del hombre en la tierra era sólo una preparación para la vida en el más allá, y que su destino dependía en gran medida de cómo se condujera en la vida terrenal. La vida terrenal era material y transitoria, mientras que la vida en el cielo sería espiritual y eterna. Para alcanzar el cielo no había que probar los bienes terrenales, sino los celestiales. Este mensaje está especialmente representado en el género de la vanitas". Durante el siglo XVII, en Flandes creció la demanda de pinturas para decorar las casas de la burguesía. Además de retratos y grandes lienzos con temas religiosos, históricos o mitológicos, los artistas se especializaron pintando obras de tamaño medio, que fueron aumentando de formato, con bodegones, animales, paisajes y escenas de género. Los cuadros que reproducen los gabinetes de los coleccionistas de la época son explícitos en este sentido, hasta el punto de originar un nuevo género pictórico autónomo. Sin duda, el devenir de esta pintura habría sido diferente sin Rubens, cuyo arte revolucionó el panorama artístico de Flandes, introduciendo una nueva vía plenamente barroca y aportando un sentido de unidad y opulenta suntuosidad al ordenado y enciclopédico muestrario que constituían las preciosas descripciones de sus paisanos. Jan Brueghel procedía de una ilustre familia de artistas y, junto con Rubens, fue considerado el principal pintor de Amberes. Fue una figura esencial para el desarrollo del paisaje tradicional flamenco en la línea iniciada por Joachim Patinir y Gillis van Coninxloo III, este último como representante más inmediato. El tema ilustra un pasaje de la Biblia, el Paraíso, que fue pintado innumerables veces por Brueghel, aunque este cuadro fue una de sus primeras versiones. El cuadro refleja la ascendencia de contemporáneos como Roelandt Savery y Rubens, hecho que no sorprende ya que mantuvo una estrecha colaboración con este último. El Jardín del Edén es un magnífico ejemplo del mejor paisaje barroco flamenco.

Valorac. 55.000 - 60.000 EUR

Jean Michel Basquiat - Medida: 20 "x24" (sin enmarcar) El cuadro se enviará sin enmarcar y el envío se retrasará aproximadamente 10 días. Esta es una pintura original en acrílico sobre lienzo, a la manera/estilo del artista contemporáneo de renombre mundial, Jean-Michel Basquiat. La obra es un ejemplo de su estilo único. La obra está firmada en el anverso y también se puede identificar en el reverso del lienzo. Basquiat firmaba sus obras de diferentes maneras y a veces varias veces en la misma obra. Su corona de tres puntas es un símbolo reconocido de su firma y sus obras anteriores también se identifican por la palabra SAMO. A menudo utilizaba sólo sus iniciales como firma y a veces su nombre completo en el anverso y sus iniciales en el reverso. La corona suele aparecer en muchas de sus obras, tanto en el anverso como en el reverso, como en las obras de esta subasta de Intervendue. El verso de las obras de Basquiat suele ser único. Era uno de los pocos artistas famosos que pintaba en el verso y consideraba que todo el lienzo era una expresión de su arte. Le encantaban el boxeo profesional y los superhéroes de acción de los cómics, como Superman, Batman y Thor, temas que utilizó en muchos de sus primeros cuadros. Como señala el expedidor, "las obras de arte de Basquiat, ya sea a la manera de, en el estilo de, tal cual, etc., ya que las obras de arte de un artista como Basquiat tendrían que someterse a un proceso de autenticación real (normalmente muy caro) con el fin de reclamar la autenticidad, como tantos coleccionistas de bellas artes, seguiré coleccionando y disfrutando del estilo especial y el arte creativo de Basquiat. Llevo más de 35 años coleccionando obras de arte a la manera/estilo de artistas de renombre, y todas ellas han resultado ser inversiones de éxito o permanecen en mis paredes por puro placer. Incluso a los niños les encanta su arte". La carrera de Basquiat empezó al final de su adolescencia y, cuando tenía poco más de veinte años, su arte ya aparecía en exposiciones de arte en Italia. Sin embargo, fue en 1981 cuando Basquiat se presentó en la galería Annina Hosei de Nueva York. Tuvo muchas exposiciones en la Hosei Gallery desde principios hasta mediados de los 80, algunas con otros artistas como Keith Haring. Las primeras obras de Jean-Michel, en particular, mostraban su asombrosa inteligencia y lo que él llamaba las dicotomías de la vida. Basquiat fue en gran parte responsable de elevar el graffiti a la categoría de arte neoyorquino. Enredadas manchas de color, imágenes simbólicas y palabras garabateadas, hacían referencia a todo, desde su herencia hasta temas políticos, iconos de la cultura pop e incluso versículos bíblicos. Procedencia: Patrimonio de un médico privado. Puje con confianza por este extraordinario, altamente coleccionable y maravilloso ejemplo de neoexpresionismo, a la manera de Basquiat. Se trata de una magnífica pieza para añadir a cualquier colección de arte seria.

Valorac. 4.000 - 12.000 USD