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Cuadros antiguos (antes de 1870)

Lotes recomendados

Armand Guillaumin - GUILLAUMIN, ARMAND París 1841 - 1927 Título: Atmósfera matinal a orillas del Sena cerca de Samois. Técnica: Óleo sobre lienzo. Montaje: Revestido. Medidas: 43,5 x 61cm. Anotación: Firmado abajo a la derecha: "Guillaumin". Marco: Enmarcado. Procedencia: Propiedad privada, Alemania. Los reflejos luminosos del agua en movimiento son el tema principal de muchas obras impresionistas. Ningún otro tema se revela a los pintores tan resplandeciente y vivo como la corriente en movimiento de un río o las olas a veces mansas, a veces violentamente agitadas del mar, que reflejan la luz del cielo y los colores del entorno a cualquier hora del día. Idealmente situado entre el río y el bosque, Samois-sur-Seine, al sur de París, atrajo en el siglo XIX a numerosos pintores impresionistas, que sacaron fuerza e inspiración de las orillas del río. Armand Guillaumin visitó el pueblo varias veces y creó aquí una docena de cuadros, preferentemente en las horas de la mañana. Como a sus colegas Claude Monet, Camille Pissarro y Paul Signac, a Guillaumin también le fascinaban los juegos de luz sobre el agua. Para sus cuadros, el artista instalaba su caballete a orillas del Sena, a lo largo de un camino bordeado de álamos. El lugar ideal para captar la luz cambiante del cielo de Île-de-France sobre la superficie del agua. Aquí repite varias veces el motivo casi idéntico, como es típico de la obra en serie de los impresionistas, interesados por los estados de ánimo: desde el punto de vista del espectador, se mira desde el centro del río a un pequeño grupo de casas a la derecha y a arbustos y árboles a la izquierda. Guillaumin aplica pinceladas sueltas sobre un fondo claro, superponiendo tonos suaves de rosa, violeta y azul junto a matices brillantes de azul y verde y algunos toques de rojo. Se centró en el contraste de colores, cuyo fuerte uso fue criticado en un principio, pero más tarde convirtió a Guillaumin en una inspiración para el fauvismo. Su pintura se considera innovadora y marca tendencia en el desarrollo de la pintura moderna. Gastos de envío estimados para este lote: Arreglo después de la subasta. Explicaciones al Catálogo Armand Guillaumin 2ª mitad del siglo XIX Pinturas Enmarcado Río Pintura Francia

Valorac. 18.000 - 25.000 EUR

Hendrik AERTS (1565/1575?1603) Palacio arquitectónico con San Pablo en Atenas Lienzo, firmado abajo a la izquierda en la base de una columna: Hendrik Aerts y fechado en 1600 (Restauraciones antiguas.) Altura 112 cm ; Anchura : 170 cm La inscripción de la base a la derecha, en griego, significa "Dioses desconocidos" (Hechos 17,23). La escena representada es el episodio de Pablo en Atenas relatado en los Hechos de los Apóstoles, capítulo 17, versículos 16 a 34, en el que el apóstol proclama el Evangelio ante el Areópago, refiriéndose a un altar dedicado "a los dioses desconocidos". Aunque poco se sabe de la vida de Hendrik Aerts, sí sabemos que fue alumno de Hans Vredeman de Vries. Hans Vredeman de Vries, acompañó a este último a la corte de Rodolfo II en Praga. A lo largo de su vida, trabajó al estilo iniciado por Vredeman de Vries, que contribuyó de manera importante a la renovación del repertorio de formas entre 1560 y 1600. Sus fantásticas vistas de palacios arquitectónicos, con sus múltiples perspectivas, dan testimonio del extremo refinamiento en boga en los Países Bajos septentrionales en la segunda mitad del siglo XVI. XVI. Abrieron el camino a numerosos artistas como Pieter Neefs, Dirk Van Delen y Daniel de Blieck. Nuestro cuadro puede compararse con uno vendido en Viena (dorotheum) el 25 de abril de 2017, n.º 30 (tabla de 65 x 89 cm). El Rijksmuseum de Ámsterdam también posee un cuadro similar, fechado en 1602 (lienzo de 93 x 127,5 cm). Bibliografía relacionada: B.M. Vermet, Architectuurschilders in Danzig, Hendrik Aerts en Hans en Paul Vredeman de Vries, en Gentse Bijdragen tot de Kunstgescheinedis en Oudheidkunde, 31, 1996, pp. 37-38. H. Borggrefe et al. Tussen Stadspaleizen en Luchtkatelen, Hans Vredeman de Vries en de Renaissance, Gante Amsterdam 2002, p 340.

Valorac. 20.000 - 30.000 EUR

Scuola caravaggesca napoletana del XVII secolo - Escuela napolitana del siglo XVII de Caravaggio San Francisco Óleo sobre lienzo 76 x 63 cm En 1606, Caravaggio huye de Roma y se refugia en Nápoles. Durante su primera estancia napolitana, que duró aproximadamente un año, ejecutó una serie de grandes lienzos de temas sagrados en los que se aprecia su cambio de estilo. Su pintura se volvió más oscura y enrarecida, cruda en su realismo y obsesiva en su búsqueda de la representación violenta, como demuestra la abundancia de cabezas cortadas de temas bíblicos, o de santos sorprendidos en el acto de un martirio sangriento. El punto de inflexión llegó con la creación del gran retablo Las siete obras de misericordia, 1606-07, que cambió el curso de la pintura napolitana del siglo XVII, con la participación de seguidores tempranos como Carlo Sellitto y Giovani Battista Caracciolo, conocido como Battistello. Formados en el ámbito tardomanierista, Sellitto y Caracciolo hicieron suyas la luz de Caravaggio y el realismo del maestro lombardo sin renunciar a un lenguaje personal hecho de reminiscencias de las formas plásticas manieristas para Sellitto y de preciosismo descriptivo para Caracciolo, atento a la lección de Orazio Gentileschi. Fundamental y en cierto modo epocal fue la aportación de Jusepe de Ribera, el Spagnoletto, líder de la segunda generación de pintores de Caravaggio como: Francesco y Cesare Fracanzano, Filippo Vitale, Bartolomeo Passante, Giovanni Dò, Giovanni Rica y los flamencos Hendrick van Somer. A partir de mediados de la década de 1930, la vena caravaggesca napolitana se vio influida por la luminosidad del Barroco de Emilia y Roma gracias a la llegada a la ciudad de Domenichino y Giovanni Lanfranco. Bernardo Cavallino, pintor precoz, se inició en el realismo caravaggiesco, fascinado por Simon Vouet y Artemisia Gentileschi, a los que conoció durante su estancia en Nápoles. Cercano a Massimo Stanzione, conocido como el Guido Reni napolitano, Cavallino poseía un lenguaje extremadamente culto y refinado, compuesto por el componente caravaggesco revisado en clave clásica, realzado por el vivo cromatismo veneciano de Tiziano y Veronés. Escuela napolitana del siglo XVII San Francisco Óleo sobre lienzo 76 x 63 cm

Valorac. 8.000 - 12.000 EUR

Eiri Chôkyôsai (zugeschrieben) - Eiri Chôkyôsai (atribuido) (activo 1789 - 1801 en Japón) - (Conjunto completo de 13 Oban yoko-e shunga (cuadros eróticos) de la serie Fumi no kiyogaki (modelos de caligrafía) (Conjunto completo de 13 Oban yoko-e shunga (cuadros eróticos) de la serie Fumi no kiyogaki (modelos de caligrafía) Nishiki-e (xilografía coloreada sobre Japón). Periodo Edo, 1615-1868, (hacia 1801). Aprox. 25,9 x 39 cm (tamaño de la hoja). Esta serie de 13 cuadros se atribuye a Chôkyôsai Eiri, alumno de Hosoda Eishi (1756-1829). Contiene referencias a conocidas xilografías shunga (cuadros de primavera) del famoso Kitagawa Utamaro (1753-1806). Una escena del álbum muestra a un europeo bien vestido, que se dice que es un anciano comerciante holandés, con una cortesana de Nagasaki. Ambos están muy bien vestidos para el invierno, pero ella está asomada a una ventana abierta al estilo occidental, lo que sugiere que se encuentran en los terrenos de la Compañía de las Indias Orientales en la isla de Dejima. - Cada una con un pliegue central alisado, ligeras manchas ocasionales y algunas hojas en el reverso con restos y huellas de un montaje anterior. En general, en buen estado. Literatura: Lane, Richard: Eiri, Love Letters, Love Consummated: fumi no-kiyogaki, nº 9, 1996, illus. pp. 12-37; Buckland, Rosina: "Shunga: Erotic Art in Japan", Londres 2010, pp. 110-112 Procedencia: Kunsthandel Klefisch, subasta 84, 23 de septiembre de 2006, lote 96.Fiscalidad: fiscalidad diferenciada (IVA: Régimen de márgenes)ney lotes.

Valorac. 8.000 - 10.000 EUR

Gysbrecht Leytens - LEYTENS, GYSBRECHT Amberes 1586 - 1643/56 Título: Paisaje invernal con leñador. Técnica: Óleo sobre cobre. Medida: 22 x 33cm. Marco: Enmarcado. Certificado: Walther Bernt, Munich, 23 de mayo de 1972. Procedencia: Propiedad privada, Alemania. Como las finas ramificaciones de un sistema vascular humano, las ramas cubiertas de nieve se extienden en todas las direcciones de un gélido día de invierno que yace silencioso y helado sobre un paisaje flamenco. Bajo el peso de la nieve, las ramas se doblan y retuercen, estrechándose como un cañón en un pasillo surrealista que parece la puerta de entrada a otro mundo. Los gigantescos árboles tienen vida propia y parecen, por así decirlo, humanizados, mientras que las personas que se encuentran debajo recuerdan más bien a pequeños insectos rastreros que luchan por sobrevivir bajo su protección. La masa de agua, por lo demás fértil, está congelada. Así que las ramas muertas siguen siendo la única materia prima que la naturaleza revela al instante. La postura agazapada de los recolectores de broza pone de manifiesto la enorme dureza y el esfuerzo de su trabajo, e incluso el frío que hiela los huesos resulta casi tangible. El pintor flamenco Gysbrecht Leytens se dedicó casi exclusivamente a pintar paisajes nevados, por lo que se le considera un "poeta de la escarcha". El artista, que se formó en Amberes en el taller de Jacques Vrolyck y perteneció al Gremio de San Lucas, la escenifica en sus dos esencias -las fuerzas destructoras y protectoras de la naturaleza-, entre la mágica magia invernal y el azote recurrente del hombre. Un rasgo típico de su obra es la innovación de una paleta cromática reducida de tonos azul-gris y amarillo-marrón, con la que hace visibles el frío y el calor como en un termógrafo. Gastos de envío estimados para este lote: Alemania: 32,77 euros más 6,23 euros de IVA UE: 50,42 euros más 9,58 euros de IVA En todo el mundo: 92,44 euros más 17,56 euros de IVA seguro de envío adicional Explicaciones al Catálogo Gysbrecht Leytens Flandes Barroco Siglo XVII Viejos Maestros Enmarcado Invierno Pintura Países Bajos

Valorac. 18.000 - 20.000 EUR

Pietro Bellotto o Bellotti (Volciano 1625 - Gargnano 1700) - Pietro Bellotto o Bellotti (Volciano 1625 - Gargnano 1700) Vieja campesina Óleo sobre lienzo 89 x 75 cm La pintura, de una calidad absoluta, se refleja plenamente en la figura idéntica de una vieja campesina que se encuentra en el cuadro del Museo Puskin de Moscú titulado Dos campesinos comiendo (foto 957, p. 866 en La pintura veneciana en el siglo XVII, segundo volumen, editado por Rodolfo Pallucchini). Según Orlandi, fue alumno de Girolamo Forabosco, pero su naturalismo estuvo ciertamente influido por las caricaturas de Nicolas Lagneau y los motivos populares grabados por Jacques Callot. Era famoso por sus medias figuras dibujadas con expresiones caricaturescas y minuciosamente investigadas. Su pincelada incisiva y su temática seca hacen que su técnica pictórica se parezca a la de algunos caravaggistas nórdicos. Muy probablemente estuvo influido por los temas y el estilo pictórico de Eberhard Keil, Monsù Bernardo, gracias al cual llegaron a Venecia los temas pitocchi típicos de flamencos y holandeses. Pietro Bellotto o Bellotti (Volciano 1625 - Gargnano 1700) Viejo plebeyo Óleo sobre lienzo 89 × 75 cm La pintura, de una calidad absoluta, se refleja plenamente en la figura idéntica de una vieja plebeya que encontramos en el lienzo del Museo Pushkin de Moscú titulado Dos campesinos comiendo (foto 957, página 866 en La pittura veneziana del Seicento, Tomo secondo, editado por Rodolfo Pallucchini).

Valorac. 3.500 - 5.500 EUR

Michiel o Michael Sweerts (Bruxelles 1618 - Goa 1664) cerchia di - Michiel o Michael Sweerts (Bruselas 1618 - Goa 1664) círculo de Interior con soldados Óleo sobre lienzo 32 x 41 cm Michiel Sweerts llegó a Roma, donde conoció al grupo de artistas holandeses y flamencos liderados por el pintor Pieter van Laer conocido como Il Bamboccio, que se dedicaban a representar escenas de la vida popular de Roma y de la campiña romana. Gracias al apodo de van Laer, el grupo adoptó el nombre de Bamboccianti. Su pintura representaba la vida cotidiana del pueblo con teatralidad, los hechos narrados no estaban tomados de la realidad, sino que eran verdaderas puestas en escena para relatar el folclore de la ciudad eterna, en aquel momento superpoblada debido a las recientes crisis agrarias en el campo. El malestar social se exacerbó; las calles se llenaron de vagabundos, mendigos, vendedores ambulantes, campesinos y soldados. Sweerts se considera universalmente al margen de los bambusinos, pues sus personajes populares conservan una dignidad, aunque melancólica, dadas las condiciones. Sweerts no mira a la gente mezquina con la hilaridad de la mayoría de sus colegas, que veían en las escenas que pintaba un espectáculo indigno pero entretenido. Tras dejar Roma, regresó a Flandes, donde abrió una escuela de arte. Más tarde marchó como misionero a China, pero fue expulsado del país. Llegó a Goa (India), donde murió en 1664. Michiel o Michael Sweerts (Bruselas 1618 - Goa 1664) círculo de Interior con soldados Óleo sobre lienzo 32 x 41 cm

Valorac. 800 - 1.200 EUR

Scuola veneta del XVI secolo - Escuela veneciana del siglo XVI Cristo llevando la cruz Óleo sobre lienzo 70 x 100 cm El original se conserva en la Scuola di San Rocco de Venecia y su autoría se disputa entre Giorgione o Tiziano. El malentendido viene de lejos; ya en 1550, Giorgio Vasari la describió como obra de Giorgione, pero en 1568, en la segunda edición de las Vidas, se corrigió atribuyéndola a Tiziano. A finales del siglo XIX, la obra volvió a asignarse a Giorgione, pero la cuestión de la atribución aún no se ha resuelto definitivamente. Los que sostienen que es de Tiziano ven en ella el realismo de matriz nórdica debido a las influencias de Bellini, la intensidad dramática y la extrañeza terrenal de los figurantes que siguen a Cristo. Los estudiosos que se inclinan por la autoría de Giorgione, en cambio, destacan las afinidades estilísticas con otras obras del maestro, como la intensidad expresiva de la Vecchia conservada en las Gallerie dell'Accademia, y la profunda expresión de resignación humana de Cristo consciente de su inminente destino trágico. Escuela veneciana del siglo XVI Cristo llevando la cruz Óleo sobre lienzo 70 x 100 cm El original se conserva en la Scuola di San Rocco de Venecia y su autoría se disputa entre Giorgione y Tiziano. El malentendido viene de lejos, ya en 1550 Giorgio Vasari la describió como obra de Giorgione, pero en 1568, en la segunda edición de las Vidas, se corrigió atribuyéndola a Tiziano. A finales del siglo XIX, la obra fue reasignada a Giorgione, pero la cuestión de la atribución no se ha resuelto definitivamente hasta nuestros días. Los que afirman que es de la mano de Tiziano vislumbran en ella el realismo de origen nórdico debido a las influencias de Bellini, la intensidad dramática y la extrañeza terrenal de los figurantes que siguen a Cristo. Para el grupo de estudiosos que se inclinan por la autografía de Giorgione, sin embargo, subrayan las afinidades estilísticas con otras obras del maestro, como la intensidad expresiva de la Vieja conservada en la Gallerie dell'Accademia, y la profunda expresión de resignación humana de Cristo consciente del inminente destino trágico.

Valorac. 4.000 - 6.000 EUR

Martin Schongauer - Martin Schongauer (c. 1450 Colmar - Breisach 1491) - La Virgen de la manzana Grabado al cobre sobre papel verjurado con filigrana apenas reconocible "Profilkopf" (filigrana de Lehr 70-73). (c. 1477-1480). 17,8 x 13 cm (tamaño de la hoja). Bartsch VI, 132, nº 28; Lehrs 39; Falk/Hirthe 39; The New Hollstein 39; Schmitt 39. Brillante, negro profundo y en todas las sutilezas concisa impresión temprana. Con los rasguños horizontales claramente visibles que atraviesan la imagen a la altura de la parte inferior de las piernas de María, que identifican la hoja como una impresión temprana. Con un estrecho margen alrededor de la marca de la plancha. Lehrs sólo conoció un total de unos 35 ejemplares, de los cuales sólo 8 recibieron *** estrellas. Esta Madonna es la primera que Schongauer grabó como figura individual de pie. Se caracteriza por su belleza juvenil y su gracia. La elegancia de su pose y el predominio del manto puramente ornamental se remontan a las "Bellas Madonas" del llamado "Estilo Internacional" de hacia 1400. A diferencia de todos los demás Niños Jesús de Schongauer, su hijo no está desnudo, sino vestido con una camisa. En su mano derecha sostiene una manzana, símbolo del pecado superado por su nacimiento a través de María, la "Nueva Eva" (Hirthe, p. 124). - Huellas de la marca de la plancha probablemente ligeramente acentuadas posteriormente. Verso con pequeñas manchas. Una pequeña pérdida de papel fuera de la imagen en el borde izquierdo e inferior, por lo demás en muy buen estado. Muy raro. Bibliografía: Colmar 1991, Museo Unterlinden, Der hübsche Martin, nº de catálogo K. 32. No. K. 32 Procedencia: Galerie Kornfeld und Klipstein, Berna, subasta 127, 12 de junio de 1968, lote 218; Colección privada, Suiza; Galerie Kornfeld, Berna, catálogo de existencias 2003: La historia del arte gráfico de 1430 a 1990 en obras seleccionadas, del 23 de septiembre al 29 de noviembre de 2003, lote 11;. Galerie Kornfeld, Berna, subasta 256, 15 de junio de 2012, lote 71; Colección privada, Alemania Fiscalidad: fiscalidad diferenciada (IVA: Régimen de márgenes)ney lotes.

Valorac. 50.000 - 60.000 EUR

Johann Liss - LISS, JOHANN um 1597 Oldenburg - 1631 Verona Título: Campesinos rastrillando. Date: Ca. 1620. Técnica: Óleo sobre lienzo. Montaje: Revestido. Medidas: 66,5 x 84cm. Marco: Enmarcado. Certificado: Alberto Cottino, Turín, 21 de diciembre de 2020, copia disponible. Procedencia: Propiedad privada, Italia. El presente cuadro, de composición extremadamente dinámica y fuerte carácter narrativo, ha pertenecido a una colección italiana durante varias décadas. En primer plano se ve a un hombre con gorra roja y espada desenvainada, que es contenido con dificultad por otros dos hombres, presumiblemente compatriotas, porque al parecer quiere abalanzarse sobre el joven del fondo. Este último también está siendo aplacado por una mujer, mientras que otra, a la derecha, parece atacarle. Algunos personajes del primer plano a la izquierda se alejan con ansiedad; la vajilla ha caído al suelo. Existen otras dos versiones con este tema, ambas atribuidas a Johann Liss. Una, en opinión de Alberto Cottino de excelente calidad pero ligeramente recortada en el borde derecho e inferior, se encuentra en el Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg; la otra, de ejecución más dura y esquemática, se encuentra en el Tiroler Landesmuseum Ferdinandeum de Innsbruck. Según Alberto Cottino, el cuadro que se ofrece es de calidad similar al de Núremberg y de mejor calidad que el de Innsbruck; también presenta algunas variaciones no desdeñables (por ejemplo, el árbol del extremo derecho falta en nuestra versión, la sección de cielo del fondo a la derecha no aparece en el cuadro de Núremberg, las vasijas de barro del primer plano, que sólo se ven en la versión alemana) y una serie de pentimenti que se aprecian en los reflectogramas, en particular en la hebilla de la figura del fondo a la izquierda, en el follaje de los árboles, en las piernas y muslos de la figura principal y en la distancia de una piedra entre los pies de la misma figura. Todos estos elementos califican el cuadro que aquí se ofrece como una versión independiente y autógrafa del lienzo alemán, que debe juzgarse como enteramente de Liss (el cuadro de Innsbruck es claramente una copia temprana, como opinaba también Richard Spear en 1976). El tema parece ser una reyerta entre jugadores de cartas, que tiene lugar tras una larga borrachera, como sugieren las jarras en el suelo y el banco volcado. Es un tema que tuvo especial importancia en la pintura nórdica, de influencia protestante, que a menudo trataba del libertinaje humano, como el juego, el alcohol y los impulsos incontrolados, especialmente de las clases bajas, y su condena moral en el cuadro. De hecho, como sugería Rüdiger Klessmann en el catálogo de la exposición de 1975, la inspiración en este caso podría provenir de un grabado del pintor alemán Hans Sebald Beham (1500-1550) de 1547, que representa una reyerta campesina a la que Liss añadió sus propios detalles inventados. Según su biógrafo Joachim von Sandrart (1606-1688), que le conoció personalmente, Liss era natural de Oldenburg, en Holstein. Sus padres, Johann y Anna, están documentados como pintores en la corte de Schleswig de los duques de Holstein, y probablemente fue allí donde recibió su primera formación antes de emprender el viaje a los Países Bajos hacia 1615, habitual para los jóvenes artistas alemanes. Según Sandrart, Liss permaneció en Ámsterdam entre 1615 y 1616, donde estudió el estilo del artista Hendrick Goltzius (1558-1616/17) y se inspiró en él. Desde allí, el joven pintor viajó probablemente a Amberes hacia 1617-18, donde contempló las obras de Rubens, Jordaens y Abraham Janssens, que influirían profundamente en su arte, antes de ir a Roma y Venecia. Allí Liss adoptó un estilo italianizante, influido primero por Caravaggio y luego por Domenico Fetti, que difiere notablemente del expresado en las obras aquí analizadas. Liss murió en Verona durante la peste de 1630-1631. Dado que en la obra aquí examinada no puede reconocerse ningún rastro de italianismo, ni siquiera en la particularidad del tema, ajeno a la cultura italiana, debe, contrariamente a la opinión de Spear, haber sido creada en Holanda o Flandes y luego llevada a Italia (la versión de Innsbruck fue realizada de hecho en Venecia). De ello se deduce que, al igual que el cuadro de Nuremberg, debió de crearse entre 1616 y 1619. Además, como no hay referencias concretas a Rubens, Jordaens o Janssens, quizá sea aún más obvio circunscribirlo a los años 1616-17, es decir, antes del viaje a Amberes. Gastos de envío estimados para este lote: Arreglo después de la subasta. Explicaciones al Catálogo Johann Liss Alemania Escuela italiana Barroco Siglo XVII Viejos Maestros Enmarcado Vida en el campo Pintura

Valorac. 40.000 - 80.000 EUR