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lun 29 jul

HENRI CARTIER-BRESSON ( Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908- Céreste, Francia, 2004). "Granjero", 1950-1959. Gelatina de plata. Impresión posterior. "A Madame Bardinet en hommage" y sello ciego de copyright (en el margen). Firmado a tinta. Procedencia: Galería Alona Kagan NY. Medidas: 16 x 23, 5 cm. En esta obra de gran expresividad vemos cómo un campesino tiende la mano a alguien que se encuentra fuera del plano del espectador. La escena parece representar una imagen tradicional, pero el artista va más allá, no sólo porque capta un momento totalmente efímero, habitual en la producción del artista, sino también por el misterio de un personaje que forma parte de la escena, pero cuya identidad no se desvela. Henri Cartier-Bresson fue un artista y fotógrafo humanista francés considerado un maestro de la fotografía y uno de los primeros usuarios de la película de 35 mm. Fue pionero en el género de la fotografía callejera y consideraba la fotografía como la captura de un momento decisivo. Su primer gran viaje de reportaje le llevó a Costa de Marfil en 1931, y las fotografías de sus numerosos viajes no tardaron en aparecer en revistas y exposiciones. También adquirió experiencia en Nueva York con Paul Strand. A finales del verano de 1937, antes de la batalla de Belchite, viajó a España con Herbert Kline, antiguo editor de la revista New Theater, y el cámara Jacques Lemare para rodar un documental sobre la American Medical Bureau durante la Guerra Civil española. Filmaron en Villa Paz, el hospital de las Brigadas Internacionales en Saelices, no lejos de Madrid, y en la costa de Valencia para documentar la recuperación de los voluntarios heridos en las villas de Benicàssim. También visitaron la Brigada Abraham Lincoln en Quinto, cerca de Zaragoza, y rodaron la película Con la Brigada Abraham Lincoln en España. De 1937 a 1939, Cartier-Bresson fue ayudante de dirección en tres películas de Jean Renoir, entre ellas Las reglas del juego. En 1940, pasó casi tres años como prisionero de guerra en Alemania. Después de que se asumiera erróneamente que había muerto en la guerra, el Museo de Arte Moderno de Nueva York dedicó una gran retrospectiva "póstuma" a Cartier-Bresson en 1947. Ese mismo año, junto con Robert Capa, David Seymour y George Rodger, fundó la agencia Magnum Photos en Nueva York con el objetivo de preservar los derechos de la obra de los fotógrafos.Cartier-Bresson fue el primer fotógrafo autorizado a exponer en el Louvre de París en 1955. Sus fotografías se recopilaron y publicaron en Images à la sauvette (1952, Imágenes al pasar), D'une Chine à l'autre (1968, China ayer y hoy) y Moscou (1955, Moscú), entre otros. Cartier-Bresson dejó de hacer fotografías profesionales en 1972 y se dedicó intensamente al arte del dibujo. En 1974 fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias. Su obra forma parte de las colecciones del Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte Moderno, el Centro Internacional de Fotografía, el Museo Victoria and Albert y el Museo J. Paul Getty.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

lun 29 jul

BLEDA Y ROSA, María Bleda (Castellón, 1968) José M. Rosa (Albacete, 1970). Grao de Castellón, 1994. Serie "Campos de fútbol". 1992-1995. Positivo de gelatina-bromuro de plata sobre soporte rígido de algodón 100%. Ed. 5/15. Con etiqueta de la Galería Visor, Valencia. Medidas: 45 x 55 cm; 84 x 93 cm (marco) (cada una). "Campos de fútbol" es una de las series más representativas de los fotógrafos Bleda y Rosa. Ellas mismas explican sobre este proyecto: "Con el objetivo de representar el paso del tiempo a través de la imagen fotográfica, a finales de 1992 comenzamos a fotografiar campos de fútbol, atraídas por aquellos espacios que podíamos encontrar a la salida de cualquier pueblo o en las afueras de la ciudad. Eran lugares similares a los de nuestra infancia, pero que, debido a factores como la emigración del pueblo a la ciudad, la baja natalidad o la expansión urbana, se encontraban en un avanzado proceso de transformación o abandono". María Bleda y José María Rosa son dos fotógrafos españoles que utilizan la fotografía como recurso para su expresión artística. Su trabajo conjunto podría considerarse como un único autor y ha sido reconocido con el Premio Nacional de Fotografía. Desde 1992 realizan exposiciones periódicas, tanto individuales como colectivas, por toda España, pero también en Escocia, Portugal, Estados Unidos, China, etc. Su obra se encuentra en las colecciones de diferentes instituciones como ARTIUM, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, etc. También han recibido diversos premios y reconocimientos como: 1995 Imágenes Jóvenes - Arte Joven, Madrid.1996 Premio Arte Joven, Valencia.1997 Accésit Certamen de Artes Plásticas, Castellón.1999 Grand Prix Ville de Collioure.2001 Premio Altadis Artes Plásticas, Madrid.2002 Mención de Honor, IV Premio de pintura y fotografía ABC, Madrid.2005 Premio PHotoEspaña Fotógrafo Revelación, Madrid. Presenta sello de la Galería Visor, Valencia.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

lun 29 jul

MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-París, 2016). "Joven sosteniendo una flor", Washington, 1967. Gelatina de plata. Impresión posterior. Firmada y dedicada "a Patrick" en tinta, en el margen. Procedencia: Colección Zwigoff, Nueva York. Medidas: 25 x 36 cm (imagen); 31 x 40,5 cm (papel). Esta fotografía de una joven que sostiene una flor frente a unos soldados, tomada en el contexto de una manifestación en Washington contra la guerra de Vietnam, es una de las imágenes más célebres de Marc Riboud. El valor de la escena, además de la fuerza emocional que transmite, es la capacidad de universalizar el mensaje de esperanza en medio del estallido de la violencia. Porque, en cualquier caso, siempre fue el lado humano de los conflictos el que Riboud reivindicó en sus fotografías como corresponsal de guerra. Así, al tiempo que fotografiaba la guerra de Vietnam y la revolución cultural china, también reflejaba aspectos de la vida cotidiana en ciudades como Fez, Angkor, Shaanxi o Benarés. Marc Riboud fue un fotógrafo francés especializado en fotoperiodismo que formó parte de la agencia Magnum. Al estallar la Segunda Guerra Mundial estaba luchando en la Resistencia, por lo que en 1945 comenzó sus estudios de ingeniería en la École Centrale de Lyon. Aprendió fotografía de forma autodidacta desde los quince años, utilizando una cámara Kodak de bolsillo que le proporcionó su padre. Tras trabajar como ingeniero, en 1952 se incorporó a la agencia Magnum, tras conocer a Henri Cartier-Bresson y Robert Capa, donde realizó los reportajes más importantes de su carrera hasta 1979. Su primera fotografía publicada en Life en 1953 fue "Pintor en la Torre Eiffel". Fue uno de los primeros fotógrafos a los que se permitió entrar en China en 1957 y casi el único occidental que informó sobre la guerra de Vietnam desde Vietnam del Norte. Ha publicado numerosos libros y ha expuesto su obra en muchas ciudades. En 2003 recibió el premio Cornell Capa de los Infinity Awards. Se han realizado varias exposiciones retrospectivas de su obra, como la celebrada en 1997 en Nueva York y en 2005 en París. Exposiciones (selección desde 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, París. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, París. 2012 "Durante las Jornadas del Patrimonio", Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Principio de siglo, Consejo Regional de Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Museo de Arte Moderno Richard Anacreonte, Granville.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

lun 29 jul

FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-Nueva York, 1981) Sin título, de la serie "Angels", Roma, 1977-1978. Gelatina de plata. Impreso posteriormente por Igor Bakht, sello en el reverso. Firmado por George y Betty Woodman, anotado n. 297 "Para Igor Kind Ryards" a lápiz. Sello de crédito PE/FW en el reverso. Procedencia: Colección privada Foster Glasgow. Medidas: 15,5 x 15,5 cm (imagen); 26 x 21 cm (papel). Esta fotografía pertenece al periodo romano de Woodman. El desdibujamiento del cuerpo, las presencias fantasmales, la noche y los espectros conforman una sugerente estampa en la que la propia artista es la protagonista. Woodman indaga en la parte oculta de su propio ser, tratando de hacer visible lo que es esencialmente invisible. En esta serie, la fotógrafa emplea técnicas de larga exposición para captar el movimiento, lo que da lugar a figuras borrosas que parecen desvanecerse o fundirse con su entorno. Este efecto crea una sensación de dinamismo y evoca la idea de seres etéreos o fantasmas. Realizó esta serie (Ángeles) en Roma. Entre 1975 y 1979, mientras estudiaba en el Providence College of Fine Arts, donde Francesca Woodman destacó por sus habilidades artísticas, obtuvo una beca del Honors Program que le permitió vivir durante un año en las instalaciones de la escuela en el Palazzo Cenci de Roma. Conoció y se unió a un grupo de artistas vinculados a la Galería y Librería Maldoror. Sus propietarios, Giuseppe Casetti y Paolo Missigoi, se sentían atraídos por todos aquellos relacionados con los movimientos de vanguardia, más concretamente, los relacionados con el futurismo, el surrealismo y el simbolismo. Fueron los propietarios quienes consiguieron incluir a Woodman en una exposición de cinco jóvenes artistas en la Galería Ugo Ferranti, en la que fue la única estadounidense que participó. Fue su primera exposición individual. Fue en Roma donde produjo algunas de sus obras más conocidas hasta hoy, como "On Being an Angel", "Glove Series", "Self-deceit". Sus fotografías reformulan la imagen de la mujer, Francesca Woodman fue una fotógrafa estadounidense conocida por sus autorretratos íntimos en blanco y negro. Se licenció en la Escuela de Diseño de Rhode Island, la Universidad de Bellas Artes de Providence. Su fotografía se caracteriza principalmente por el uso de una única modelo, normalmente desnuda. Normalmente era ella, pero en varias fotografías retrató a varios de sus amigos. El cuerpo captado por la cámara solía estar en movimiento, debido a los largos tiempos de exposición, o la imagen no era nítida. También utilizaba otras técnicas, como enmascararse o intentar mimetizarse con los objetos o el propio entorno. Nació en una familia de artistas. Desde muy pequeña, junto con su hermano Charles Woodman, fue introducida en el mundo del arte por sus padres, George Woodman y Betty Woodman, ambos artistas plásticos. Hoy gestionan un archivo de más de 800 imágenes de su hija, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas. Pertenece a la generación de mujeres vanguardistas de los años 70 que reivindicaron su aportación y visión del mundo, en la que también se incluyen artistas activistas como Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

lun 29 jul

MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-París, 2016). "Le peintre de la Tour Eiffel", París, 1953. Gelatina de plata. Impresión posterior. Firmado y fechado a tinta, en el margen. Procedencia: Colección O'Hara, Nueva York. Medidas: 37,5 x 24 cm (imagen); 40,8 x 30 cm (papel). "Pintor en la Torre Eiffel" fue la primera fotografía que Marc Riboud publicó en la revista Life (1953). En ella podemos apreciar un elemento que atravesó la obra artística de Riboud: su capacidad para extraer la magia de cualquier actividad, por adversa o anodina que sea. Por eso, aunque fue corresponsal de guerra, se le recuerda sobre todo como un fotógrafo humanista, porque lo que siempre defendió fueron los valores humanos frente a la adversidad. Marc Riboud fue un fotógrafo francés especializado en fotoperiodismo que formó parte de la agencia Magnum. Al estallar la Segunda Guerra Mundial estaba luchando en la Resistencia, por lo que en 1945 comenzó sus estudios de ingeniería en la École Centrale de Lyon. Aprendió fotografía de forma autodidacta desde los quince años, utilizando una cámara Kodak de bolsillo que le proporcionó su padre. Después de trabajar como ingeniero, en 1952 se unió a la agencia Magnum, tras conocer a Henri Cartier-Bresson y Robert Capa, donde realizó los reportajes más importantes de su carrera hasta 1979. Fue uno de los primeros fotógrafos a los que se permitió entrar en China en 1957 y casi el único occidental que informó sobre la guerra de Vietnam desde Vietnam del Norte. Ha publicado numerosos libros y ha expuesto su obra en numerosas ciudades. En 2003 recibió el premio Cornell Capa de los Infinity Awards. Se han realizado varias exposiciones retrospectivas de su obra, como la celebrada en 1997 en Nueva York y en 2005 en París. Exposiciones (selección desde 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, París. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, París. 2012 "Durante las Jornadas del Patrimonio", Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Principio de siglo, Consejo Regional de Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Museo de Arte Moderno Richard Anacreonte, Granville.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

lun 29 jul

ANDRÉ KERTÉSZ (Budapest, 1894-Nueva York, 1985). "Bailarín satírico". París, 1926. Gelatina de plata, impresión posterior. Firmado, titulado y fechado a lápiz (en el reverso). Procedencia: De la colección privada de Schroeder New Jersey. Medidas: 20,6 x 25,5 cm (imagen); 21 x 26 cm (papel). André Kertész apreciaba extraordinariamente la capacidad de la cámara para captar la danza y a las personas en movimiento. La que está tumbada en el sofá en esta fotografía en una pose completamente antiarquetípica es la bailarina y cabaretera Magda Förstner, a la que Kertész había invitado al estudio específicamente para la sesión. La imagen fue tomada en el taller del escultor István Beöthy, como indica el busto escultórico situado junto al sillón, que sirve de inspiración a la modelo. El propio Kertész narra la situación así: "Le dije: 'Haz algo en el espíritu del rincón del estudio', y ella empezó a moverse en el sillón. Hizo un movimiento. Hice sólo dos fotografías... Es maravilloso fotografiar a gente en movimiento. No necesitas disparar cientos de rollos de película como hoy en día. Se trata de capturar el momento justo. El momento en que algo se transforma en otra cosa". El fotógrafo André Kertész era conocido por sus innovadores enfoques de la composición y los ángulos de cámara, aunque su estilo único dificultó inicialmente su reconocimiento en las primeras etapas de su carrera. Autodidacta, sus primeros trabajos se publicaron principalmente en revistas, que le sirvieron de importante plataforma en aquella época. Tras luchar en la Primera Guerra Mundial, se trasladó a París, donde trabajó para VU, la primera revista ilustrada de Francia. Se relacionó con jóvenes artistas inmigrantes y con el movimiento Dadá, cosechando elogios de la crítica y éxito comercial. En 1936 emigró a Estados Unidos, donde expuso en solitario en la PM Gallery de Nueva York y trabajó brevemente para la agencia Keystone. Allí rechazó una oferta para trabajar en Vogue, que no le parecía adecuada. En su lugar, eligió trabajar para la revista Life. Su etapa neoyorquina se distinguió por fotografiar desde la ventana de su apartamento, inmortalizando momentos de la vida cotidiana siempre bajo la convicción de que "Todo es un tema. Todo tema tiene un ritmo. Sentirlo es la razón de ser. La fotografía es un momento fijo de esa razón de ser, que vive en sí misma". En 1963 regresó a París y tomó más de 2.000 fotografías en blanco y negro y cerca de 500 diapositivas que captan la esencia de la ciudad de Montmartre, las orillas del Sena, sus jardines y parques.

Valorac. 4 500 - 5 000 EUR

lun 29 jul

HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908- Céreste, Francia, 2004). "Matisse", Vence, Francia, 1944. Gelatina de plata, impresión posterior. Firmada a tinta en el margen y con sello de copyright del fotógrafo en relieve (en el margen). Procedencia: Colección privada Reuben, Chicago. Medidas: 25,3 x 37 cm (imagen); 31 x 40,8 cm (papel). Henri Cartier-Bresson inmortalizó al pintor francés Henri Matisse en la villa "Le Rêve", su casa de los Alpes Marítimos, cuando el editor Pierre Braun le pidió que fotografiara a escritores y artistas para un proyecto de libro que nunca llegó a materializarse. Por aquel entonces, el pintor fauvista tenía 70 años y, tras haber sido operado años antes, su estado le obligaba a estar postrado en una silla o en la cama, como se ve en la instantánea cedida. En Le Rêve Matisse dibujó y pintó las palomas blancas que revoloteaban por su habitación, así como a sus modelos habituales, Micaela Avogadro y Lydia Delectorskaya. El fauvista también pasaba temporadas en su apartamento de Niza, donde Cartier-Bresson también le fotografió. El propio Bresson dijo de estas visitas a la villa: "Cuando fui a ver a Matisse, me senté en un rincón, no me moví, no hablamos. Era como si no existiéramos". Henri Cartier-Bresson fue un artista y fotógrafo humanista francés considerado un maestro de la fotografía y uno de los primeros usuarios de la película de 35 mm. Fue pionero en el género de la fotografía callejera y consideraba la fotografía como la captura de un momento decisivo. Su primer gran viaje de reportaje le llevó a Costa de Marfil en 1931, y las fotografías de sus numerosos viajes no tardaron en aparecer en revistas y exposiciones. También adquirió experiencia en Nueva York con Paul Strand. A finales del verano de 1937, antes de la batalla de Belchite, viajó a España con Herbert Kline, antiguo editor de la revista New Theater, y el cámara Jacques Lemare para rodar un documental sobre la American Medical Bureau durante la Guerra Civil española. Filmaron en Villa Paz, el hospital de las Brigadas Internacionales en Saelices, no lejos de Madrid, y en la costa de Valencia para documentar la recuperación de los voluntarios heridos en las villas de Benicàssim. También visitaron la Brigada Abraham Lincoln en Quinto, cerca de Zaragoza, y rodaron la película Con la Brigada Abraham Lincoln en España. De 1937 a 1939, Cartier-Bresson fue ayudante de dirección en tres películas de Jean Renoir, entre ellas Las reglas del juego. En 1940, pasó casi tres años como prisionero de guerra en Alemania. Después de que se asumiera erróneamente que había muerto en la guerra, el Museo de Arte Moderno de Nueva York dedicó una gran retrospectiva "póstuma" a Cartier-Bresson en 1947. Ese mismo año, junto con Robert Capa, David Seymour y George Rodger, fundó en Nueva York la agencia Magnum Photos con el objetivo de preservar los derechos de la obra de los fotógrafos. Cartier-Bresson fue el primer fotógrafo autorizado a exponer en el Louvre de París en 1955. Sus fotografías se recopilaron y publicaron en Images à la sauvette (1952, Imágenes al pasar), D'une Chine à l'autre (1968, China ayer y hoy) y Moscou (1955, Moscú), entre otras. Cartier-Bresson dejó de hacer fotografías profesionales en 1972 y se dedicó intensamente al arte del dibujo. En 1974 fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.

Valorac. 8 000 - 8 500 EUR

lun 29 jul

HELEN LEVITT (Nueva York, 1913-2009). "NYC. Masked children on stop", Nueva York, 1940. Gelatina de plata, impresión posterior. Firmado, fechado e inscrito "N.Y.C." a lápiz (en el reverso). Procedencia: De la colección privada de Schroeder New Jersey. Medidas: 19,4 x 27,7 cm (imagen); 28 x 34,8 cm (papel). Helen Levitt está considerada una de las fotógrafas más relevantes del siglo XX y una de las precursoras del cine independiente actual. Pertenece a la llamada escuela de Nueva York, que defendía una fotografía de calle directa y aséptica. Fue alumna de Walker Evans y Cartier-Bresson, de Ben Shanhn y del círculo de la Photo League de Nueva York, de quienes aprendió esa búsqueda del instante. Su forma de captar los gestos, los cuerpos en movimiento, el lenguaje de la calle, han convertido su obra casi en un estudio antropológico. En 1939 las fotos de Helen Levitt ya se publicaban en revistas como Fortune, US Camera, Minicam y PM. Su obra más conocida es en blanco y negro y en el género documental, poniendo su objetivo en las calles y los habitantes de la ciudad, especialmente los niños. Prueba de ello es la exposición "Helen Lewitt: Photographs of Children" que el MoMA de Nueva York le dedicó en 1943. Durante su viaje a México en 1941 también retrató a niños de la calle. En los años 70, Levitt fotografió las calles de Nueva York con diapositivas en color y lo incorporó a su propio lenguaje como un recurso más. Cabe destacar que siempre tuvo vocación de cineasta: fue en los años 40 cuando realizó sus primeros proyectos de cine documental, a las órdenes del director de cine español Luis Buñuel, exiliado en Estados Unidos a causa de la Guerra Civil española. En 1948 dirigió la película "En la calle" y "El callado".

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

lun 29 jul

HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908- Céreste, Francia, 2004). "Jardins du Palais Royal", París, 1959. Gelatina de plata, impresión posterior. Firmada y anotada "pour Tuto" en tinta y sello de copyright del fotógrafo en relieve (en el margen). Procedencia: Colección privada Reuben, Chicago. El Centro Pompidou posee una copia de esta fotografía. Medidas: 37 x 25 cm (imagen); 41 x 31 cm (placa). Gracias a su cámara Leica de mano, Henri Cartier-Bresson podía moverse con soltura cuando deambulaba por nuevas ciudades y lugares extranjeros, tomando imágenes que combinaban su espontaneidad bohemia con su sentido pictórico de la composición. Este modus operandi se conoció como "el momento decisivo", un famoso concepto que influiría en los fotógrafos de todo el siglo XX. Henri Cartier-Bresson fue un artista y fotógrafo humanista francés considerado un maestro de la fotografía y uno de los primeros usuarios de la película de 35 mm. Fue pionero en el género de la fotografía callejera y consideraba la fotografía como la captura de un momento decisivo. Su primer gran viaje de reportaje le llevó a Costa de Marfil en 1931 y las fotografías de sus numerosos viajes no tardaron en aparecer en revistas y exposiciones. También adquirió experiencia en Nueva York con Paul Strand. A finales del verano de 1937, antes de la batalla de Belchite, viajó a España con Herbert Kline, antiguo editor de la revista New Theater, y el cámara Jacques Lemare para rodar un documental sobre la American Medical Bureau durante la Guerra Civil española. Filmaron en Villa Paz, el hospital de las Brigadas Internacionales en Saelices, no lejos de Madrid, y en la costa de Valencia para documentar la recuperación de los voluntarios heridos en las villas de Benicàssim. También visitaron la Brigada Abraham Lincoln en Quinto, cerca de Zaragoza, y rodaron la película Con la Brigada Abraham Lincoln en España. De 1937 a 1939, Cartier-Bresson fue ayudante de dirección en tres películas de Jean Renoir, entre ellas Las reglas del juego. En 1940, pasó casi tres años como prisionero de guerra en Alemania. Después de que se asumiera erróneamente que había muerto en la guerra, el Museo de Arte Moderno de Nueva York dedicó una gran retrospectiva "póstuma" a Cartier-Bresson en 1947. Ese mismo año, junto con Robert Capa, David Seymour y George Rodger, fundó la agencia Magnum Photos en Nueva York con el objetivo de preservar los derechos de la obra de los fotógrafos.Cartier-Bresson fue el primer fotógrafo autorizado a exponer en el Louvre de París en 1955. Sus fotografías se recopilaron y publicaron en Images à la sauvette (1952, Imágenes al pasar), D'une Chine à l'autre (1968, China ayer y hoy) y Moscou (1955, Moscú), entre otros. Cartier-Bresson dejó de hacer fotografías profesionales en 1972 y se dedicó intensamente al arte del dibujo. En 1974 fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias.

Valorac. 12 000 - 13 000 EUR

lun 29 jul

WEEGEE; ARTHUR FELLIG (Ucrania, 1899- 1968). "Ciclista de circo", c. 1943. Fotografía en gelatina de plata. Ligeros daños en el marco. Presenta sello en el reverso "Credit photo by Weegee-The Famous". Medidas: 18 x 13,5 cm; 40x 30,5 cm (marco). Arthur Fellig conocido por su seudónimo Weegee, fue un fotógrafo y fotoperiodista, elogiado por su estilo fotográfico crudo, que presentaba la escena callejera de la ciudad de Nueva York, generalmente retratada en blanco y negro. Weegee trabajó en el Lower East Side de Manhattan como fotógrafo de prensa durante las décadas de 1930 y 1940. Desarrolló su estilo característico siguiendo a los servicios de emergencia de la ciudad y documentando gran parte de su actividad. Por eso sus composiciones muestran escenas realistas de la vida urbana, el crimen y la muerte. Weegee publicó libros sobre fotografía y también trabajó en el cine, al principio realizando sus propios cortometrajes y más tarde colaborando con cineastas como Jack Donohue y Stanley Kubrick. Uno de sus primeros trabajos fue en el laboratorio fotográfico de The New York Times Más tarde, durante su empleo en Acme Newspictures, su habilidad e ingenio en el revelado de copias en directo le valieron el apodo de "Mr. Squeegee". La mayoría de sus fotografías fueron tomadas con equipos y pautas estéticas típicas de los fotógrafos de prensa. Era un fotógrafo autodidacta sin formación reglada. Algunas de sus fotos reflejan una yuxtaposición entre la representación de personas de la alta sociedad y otras que no pertenecen al mismo círculo social. El trabajo de Weege goza de un amplio reconocimiento nacional e internacional y sus obras se encuentran en importantes colecciones privadas y públicas. Además, su obra sigue generando interés después de su muerte, ejemplo de ello fue la exposición Weegee's New York, celebrada en 2009 en la Fundación Telefónica de Madrid. Presenta ligeros daños en el marco.

Valorac. 500 - 600 EUR

lun 29 jul

"PACO PEREGRÍN"; PEREGRÍN, Francisco (Almería, 1976). "Belleza extraterrestre (VI)". Modelo Naadia Kloet (Delphoss). Ejemplar 1/10. Pequeña edición (limitada a 10 ejemplares + 1AP). Fotografía digital. Impresión lambda bajo metacrilato sobre dibond y marco de aluminio. Se adjunta certificado expedido por el artista. Bibliografía: "Otherworldly", Theo Mass Lexileictous y Editorial Gestalten, 2016 (Página 238); Revista "Avenue Illustrated", número 19, España, 2009 (página 105); "Ozine Magazine", número octubre-noviembre 2009 (Página 199). Obra firmada y numerada. Tamaño: 50 x 37 cm. En la presente obra, e inspirado en la estética alienígena, Paco Peregrín ha creado un bello, actual y "vanguardista" relato entre el futurismo y lo extraterrestre. Muestra una personal e impactante especulación sobre la evolución de la identidad y la transfiguración de los rasgos humanos. Paco Peregrín es un fotógrafo andaluz, considerado en la actualidad como uno de los principales talentos mundiales de la fotografía artística, editorial y publicitaria, destacando siempre en todos sus trabajos su faceta experimental, caracterizada por su fuerza y contundencia. Se formó en Sevilla, adoptando una sensibilidad mística de esquemas compositivos y cromatismo inspirados en el arte barroco. Es posible que fuera su experiencia teatral la que le diera la capacidad de dirigir a sus modelos frente a su cámara, de desarrollar su percepción espacial y de mostrar el cuerpo, la presencia y el tiempo en su obra. Actualmente reside en Madrid, un detalle que, unido a su paso por importantes capitales culturales (Londres, Nueva York...) ha añadido contemporaneidad y frescura a su obra, que es única. También es importante destacar su amplia experiencia en diseño, comunicación, teatro y pintura. Alterna la fotografía de moda para revistas como Vogue, Harper's Bazaar o L'Officiel con trabajos comerciales para marcas como Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Adidas, Nike, Gant, Toyota, Lancôme, Shiseido... con la fotografía de autor, habiendo expuesto su obra en galerías de Nueva York, París, Barcelona, Pekín, Madrid, Berlín, Sevilla, San Sebastián, etc., y en museos y galerías como el Centro de Arte y Creación Industrial de Madrid, Barcelona, Pekín, Madrid, Berlín, Sevilla, San Sebastián, etc. y en museos y galerías como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Foro Sur, Sala de exp. del Canal de Isabel II, Museo Provincial de Cádiz, etc. Su impactante trabajo ha sido reconocido con galardones como el Premio Nacional de Fotografía Profesional LUX de Oro en Moda y Belleza (2008). La editorial Gestalten (especializada en arte y arquitectura) lo ha incluido entre los proyectos más importantes y originales en el libro "Otherworldly", y la editorial Prestel publicó su trabajo en "New Fashion Photography", donde es una de las referencias más importantes a nivel mundial en fotografía de moda contemporánea.

Valorac. 1 400 - 1 600 EUR

lun 29 jul

PACO PEREGRÍN (Almería, 1976). "Escorpión", 2015. Fotografía digital montada en aluminio. Se entregará certificado de autenticidad emitido por el artista. La obra se publica en la página web del artista. -Bibliografía: Revista Fucking Young! nº 6 yCatálogo de la exposición "Artificio". Centro Andaluz de la Fotografía (CAF), 2018. -Exposiciones: Centro Andaluz de la Fotografía (CAF). Exposición individual "Artificio", del 1 de junio al 15 de julio de 2018.Medidas: 50 x 40 cm; 51 x 41 cm (marco). Paco Peregrín es un destacado fotógrafo, artista visual y director creativo andaluz, afincado en Madrid, que trabaja internacionalmente en el mundo del arte, la publicidad y la moda (ha realizado y dirigido proyectos de alto nivel para marcas globales como Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Lancôme, Shiseido, Marie Dalgar, L'Occitane, La Rinascente, Vögele Shoes, Adidas, Nike, etc.). Publica en prestigiosas revistas como Vogue (IT, DE, ES), Harper's Bazaar (US, Rusia, España y Vietnam), VMAN, L'Officiel, Vanity Fair, ELLE, Marie Claire, Grazia, Cosmopolitan, Glamour, Dsection, Fucking Young!, Vision, Zink!, Neo2, Yo Dona, Vanidad, Schön!, Noi.se, Allure, NYLON, etc. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, amplió su formación en el International Center of Photography (Nueva York), Central Saint Martins College of Art and Design (Londres), Universidad Complutense de Madrid, Universidad de Santiago de Compostela... Ha recibido importantes becas (Pilar Juncosa y Sotheby's, Talens, Universidad Complutense, Ayuntamiento de Sevilla, Proyectos de Fotografía Caja San Fernando, Centro Andaluz de la Fotografía, etc) y su obra audiovisual ha sido premiada en festivales internacionales como el Chicago Fashion Film Festival, el London Fashion Film Festival, el International Fashion Film Festival Brussels y el Global Short Film Awards Festival de Cannes. Su obra forma parte de importantes colecciones de arte (Centro Andaluz de la Fotografía, Comunidad de Madrid, Instituto Andaluz de la Juventud, Universidad de Sevilla, Fundación Talens, Colección de Arte Contemporáneo Delegación de Cultura de Doña Mencía, Centro Andaluz de Arte Seriado...) y está incluido en numerosos libros como "Artificio" (Centro Andaluz de la Fotografía, Editorial Universidad de Almería), "Facing", 6th Crossover Art Project (Marie Dalgar, Pekín), "Super-Modified: The Behance Book of Creative Work" (Gestalten), "Diccionario de fotógrafos españoles (La Fábrica & Acción Cultural Española), "Otherworldly" (Gestalten), "New Fashion Photography" (Prestel), "PALETTE 03: Gold & Silver, New Metallic Graphics" (Victionary), "PALETTE 02: Multicolour, New Rainbow-hued Graphics" (Victionary), "Cazadores de Tendencias: los nombres esenciales de Moda Española" (Lunwerg), "STAND BY_012. Guía de Fotografía Andaluza Actual" (Fundación Valentín de Madariaga & MP Corporation), "Hair'em Scare'em" (Gestalten) o "Arte desde Andalucía para el siglo XXI catalogación monográfica ilustrada del joven arte andaluz" (Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía). He expuesto en galerías de Nueva York, Pekín, París, Barcelona, Madrid, Berlín, Sevilla, San Sebastián, Valencia, Cáceres, Almería .... y en museos como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), el Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), el Museo de Artes y Tradiciones de Sevilla, CaixaForum Sevilla, el Centro Andaluz de la Fotografía, ARTSevilla, la Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, Forosur 2004 (Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo) y PHotoESPAÑA. La obra de Peregrín es rica en simbolismo, inspirada en el arte clásico, la pintura flamenca y barroca y también en la cultura de vanguardia más experimental. Se ha centrado en la imagen social del cuerpo, su percepción, los cánones de belleza contemporáneos, el concepto de máscara, el paso del tiempo, la comunicación en los medios de comunicación de masas, la publicidad en la sociedad de consumo, las nuevas tecnologías y la representación del cuerpo como lugar para investigar las consecuencias del poder y los roles de género en la actualidad. Se entregará un certificado de autenticidad expedido por el artista. La obra está publicada en la página web del artista. -Bibliografía: Revista Fucking Young! nº 6 yCatálogo de la exposición "Artificio". Centro Andaluz de la Fotografía (CAF), 2018.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

lun 29 jul

STEVE MCCURRY (EE.UU., 1950). "Afghan Girl", Peshawar, Pakistán, 1984. Impresión cromogénica. Anotación en el reverso: "Fuji color chrystal Archive Paper". Firmado a tinta en el margen. Procedencia: Galería Cesare Manzo, Pescara, Italia. Medidas: 45,5 x 30,5 cm (imagen); 49,8 x 39,5 cm (marco). "La niña afgana" es la fotografía más conocida de la carrera de McCurry, e icónica para la historia de la fotografía documental. La tomó en 1984, en el campo de refugiados de Nasir Bagh, en Pakistán, durante la guerra soviético-afgana. La niña, Sharbat Gula, era una refugiada afgana que había huido de la violencia en su país. La niña, de penetrantes ojos verdes y envuelta en un chal rojo que le cubría los hombros y el pelo, cautivó a espectadores de todo el mundo. La imagen apareció en la portada del número de junio de 1985 de la revista National Geographic, convirtiéndose rápidamente en una de las fotografías más conocidas e impactantes del siglo XX. La imagen se convirtió en un símbolo del sufrimiento y la resistencia de los refugiados y del conflicto en Afganistán. Se ha utilizado ampliamente para ilustrar la difícil situación de los refugiados en todo el mundo. Durante muchos años, la identidad de la niña de la fotografía fue un misterio. En 2002, McCurry y un equipo de National Geographic localizaron a Sharbat Gula en un remoto pueblo de Afganistán. Su identidad se confirmó al reconocer sus rasgos faciales, especialmente sus ojos. Steve McCurry es un fotoperiodista estadounidense, conocido mundialmente como autor de la fotografía "La niña afgana", que apareció en la revista National Geographic en 1985. Su carrera como fotógrafo comenzó con la guerra de Afganistán (1978-1992). También ha cubierto otros conflictos internacionales como la guerra entre Irak e Irán o la Guerra del Golfo. Tras trabajar en King of Prussia (Pensilvania) durante dos años, se fue a la India a trabajar por su cuenta en 1978. Tras un año allí, viajó al norte de Pakistán. Su carrera como fotógrafo comenzó con su cobertura de la guerra soviética. En Afganistán, McCurry se disfrazó con la vestimenta del país para pasar desapercibido mientras trabajaba, y sacó película del país cosiéndola a su ropa. Sus imágenes fueron de las primeras en retratar el conflicto y se difundieron ampliamente. Ese trabajo le valió la Medalla de Oro Robert Capa al mejor fotoperiodismo extranjero, y se publicó en The New York Times, TIME y Paris Match. McCurry siguió cubriendo conflictos internacionales, como la guerra entre Irán e Irak, Beirut, Camboya, Filipinas, la guerra del Golfo y Afganistán. Sobrevivió a un accidente aéreo en Yugoslavia. Su trabajo se ha publicado en revistas de todo el mundo y es colaborador habitual de National Geographic. Es miembro de la agencia Magnum desde 1986. En su obra, McCurry se concentra en el dolor causado por la guerra. Trata de mostrar lo que hace la guerra, pero no sólo en el campo de batalla, sino también a la gente que vive allí. Defiende que siempre hay algo en común entre todos los seres humanos, a pesar de la religión, la lengua, la etnia, etc.

Valorac. 10 000 - 13 000 EUR

lun 29 jul

HELMUT NEWTON (Alemania, 1920- California, 2004). "Zapato", Montecarlo, 1983. Gelatina de plata. Impresión posterior. Firmada, titulada, fechada a lápiz y sello de copyright en el reverso. Sin número de edición. Procedencia: Colección McCord, Nueva York. Medidas: 36 x 24,6 cm (imagen); 40 x 31 cm (marco). Un tobillo sutilmente ladeado y calzado con un zapato de tacón alto ocupa todo el plano fotográfico en esta icónica imagen de Helmut Newton. Como lugar asociado al glamour y al lujo, Montecarlo constituye un telón de fondo perfecto para la exploración de la moda y el erotismo por parte de Newton. El fetichismo de los tacones altos y los tobillos femeninos son explorados por el artista en diferentes contextos. En todos ellos, a través de composiciones atrevidas y cuidadosamente elaboradas, redefine los parámetros de la fotografía de moda y el erotismo, el papel de la mujer y las relaciones de poder. La provocación, el antivoyeurismo y el empoderamiento femenino son a menudo atributos de sus fotos. Newton nació en Berlín, asistió al Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium y a la Escuela Americana de Berlín. Interesado en la fotografía desde los 12 años, cuando compró su primera cámara, trabajó para la fotógrafa alemana Yva (Elsie Neuländer Simon) desde 1936.Las restricciones cada vez más opresivas impuestas a los judíos por las leyes de Nuremberg hicieron que su padre perdiera el control de la fábrica; fue internado brevemente en un campo de concentración en la Kristallnacht, , lo que finalmente obligó a la familia a abandonar Alemania. Los padres de Newton huyeron a Argentina. Finalmente, al llegar a Singapur, descubrió que podía quedarse allí, primero brevemente como fotógrafo del Straits Times y luego como retratista. Newton fue internado por las autoridades británicas mientras estaba en Singapur y fue enviado a Australia a bordo del Queen Mary, llegando a Sydney el 27 de septiembre de 1940. Fue liberado del internamiento en 1942 y trabajó brevemente como recolector de fruta en el norte de Victoria. En abril de 1942 se alistó en el ejército australiano y trabajó como camionero. Tras la guerra, en 1945, se convirtió en súbdito británico y cambió su nombre por el de Newton en 1946. Ese mismo año, Newton montó un estudio en Flinders Lane, en Melbourne, y trabajó en moda, teatro y fotografía industrial durante la posguerra. Compartió su primera exposición conjunta en mayo de 1953 con Wolfgang Sievers,La exposición "New Visions in Photography" se presentó en el Federal Hotel de Collins Street y fue probablemente el primer atisbo de la fotografía de la Nueva Objetividad en Australia. Newton se asoció con Henry Talbot, un judío alemán que también había estado internado en Tatura, y su relación con el estudio continuó incluso después de 1957, cuando se marchó de Australia a Londres. El estudio pasó a llamarse "Helmut Newton y Henry Talbot". La creciente reputación de Newton como fotógrafo de moda se vio recompensada cuando consiguió un encargo para ilustrar la moda en un suplemento especial australiano de la revista Vogue, publicado en enero de 1956. Consiguió un contrato de 12 meses con British Vogue y se marchó a Londres en febrero de 1957, dejando a Talbot la dirección del negocio. Newton dejó la revista antes de finalizar su contrato y se fue a París, donde trabajó para revistas francesas y alemanas. Regresó a Melbourne en marzo de 1959 para trabajar con Australian Vogue. Finalmente, Newton y su esposa se instalaron en París en 1961. Sus imágenes aparecieron en revistas como la edición francesa de Vogue y Harper's Bazaar. Estableció un estilo particular marcado por escenas eróticas y estilizadas, a menudo con subtextos fetichistas. En 1980 creó la serie "Grandes desnudos". Le siguió su carpeta "Desnudo y vestido", y en 1992 "Desnudos domésticos", que marcó la cumbre de su estilo erótico-urbano; todas estas series avalaban la destreza de sus habilidades técnicas. Newton también trabajó en retratos y estudios más fantásticos. Realizó una serie de ilustraciones para Playboy, entre ellas las de Nastassja Kinski y Kristine DeBell.

Valorac. 12 000 - 14 000 EUR

mié 31 jul

Conjunto en blanco y negro de varios fondos fotográficos de estrellas de cine, bailarines y actores franceses de los años 50 a los 70, como Johnny Hallyday, Sofia Lauren, Jean Dormy, Philippe Clay, Colette Mars, Fernandel, varios con despacho, entre ellos: - una fotografía "Le portrait chez soi", del A. PUYTORAC, 140, avenue d'Eysines, Burdeos, - dos fotografías de Johnny Hallyday, de la colección Paul GUGLIELMO, 35 avenue Raymond-Féraué, Niza, - cuatro fotografías de bailarinas de cabaret de la colección PHOTOGRAPHIE VALERY, 9 bis, rue de Londres, París, - dos fotografías de Jean Dormy de la colección HARCOURT, París, - una fotografía de la colección GASTON PARIS, 27, boulevard des Italiens, París, - una fotografía del club Columbia, de la colección Teddy PIAZZA, 122, avenue des Champs-Élysées, París, - una fotografía de la colección STAR PREFFE, 78, avenue des Champs-Élysées, París, - dos fotografías de la colección P. DANNES, 17, faubourg Saint-Martin, París, - una fotografía de la colección ROSARDY, 122, rue de la Boétie, París, - una fotografía "Fileuse à Cervières", de la colección Marcel THOMAS de Serre-Chevalier, - tres fotografías de la colección ELYSÉE MARTINIE, 54 rue Lafayette, París, - una fotografía de la colección EUROPRESS, 3, rue Gabriel Laumain, París, - una fotografía de la colección André SAS, 10, rue Budé, París, - y varias fotografías de colecciones desconocidas. Un total de 48 impresiones en plata.

Valorac. 100 - 150 EUR

jue 22 ago

Asia. Recuerdos de mi crucero por Extremo Oriente. Álbum de fotografías. [Shanghai, Hong Kong, Haiphong, Along Bay, Saigón, etc.], [1936-1939]. In-4 oblongo (26,3 x 36 cm), seda negra forrada en la cubierta superior con un gran motivo bordado que representa dos dragones (encuadernación de época). Colección de 408 fotografías tomadas durante la campaña de Dumont d'Urville en Extremo Oriente entre 1936 y 1939. Las fotografías, de tamaño variable, están montadas en el anverso y reverso de cada hoja. No están firmadas; algunas llevan un pie de foto en la parte inferior o van acompañadas de un pie de foto manuscrito en las páginas del álbum. Representan principalmente ciudades chinas e indochinas, puertos, navíos de guerra (incluido el Dumont d'Urville), escenas de bombardeos en Shanghai, edificios, casas, calles, templos, monumentos, personas disfrazadas, escenas de grupo, pequeñas embarcaciones, lugares pintorescos, etc. Las fotografías que representan el bombardeo de Shanghai no están firmadas. Algunas de las fotografías de los bombardeos se tomaron sobre fondo rojo, para acentuar el dramatismo de los acontecimientos. Algunas fotografías se refieren a Japón, India, Filipinas, Australia y las Nuevas Hébridas. China está representada por 196 fotografías (incluido el conflicto chino-japonés), Indochina por 114 fotografías y otros países por 98 fotografías (Japón, Singapur, India, Filipinas, Indonesia, Australia y las Nuevas Hébridas). Fotografías en muy buen estado. Esquinas desgastadas, lomo parcialmente desprendido.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

sáb 24 ago

HOFFMANN (Ernst Theodor Amadeus). Contes fantastiques tirés des Frères de Sérapion et des Contes nocturnes. Traducción de Loève-Veimars con prefacio de G. Brunet. Once grabados de Ad. LALAUZE. París, Librairie des bibliophiles, 1883. 2 volúmenes in-8 en marroquín negro, lomo cuatrilobulado, título y tomaison dorados, decoración en mosaico de flores y hojas otoñales en el centro de los lomos, fina decoración en forma de L invertida compuesta por una rama dorada con flores y hojas de cardo en mosaico y serpientes plateadas, forros en marroquín con fino enmarcado formado por una retícula dorada con flores en mosaico y doradas, algunas coronadas por búhos dorados, y serpientes frías, guardas finales en marroquín, bordes dorados en los testigos, cubiertas conservadas (Ch. Meunier). Cubiertas conservadas (Ch. Meunier 97). Retrato y 10 figuras grabadas fuera de texto por A. Lalauze. Gran edición en papel limitada a 220 ejemplares numerados; n° 190 de 170 sobre papel Hollande, con los grabados en tres estados (condición propia de los ejemplares sobre Japon según la prueba): estado final, estado intermedio sobre Japon con observaciones firmadas a lápiz y estado final sobre Japon con observaciones firmadas a lápiz por el artista. Pequeña suciedad en la parte inferior de la p. 259. Copia de M. E. Paillet según una nota manuscrita a lápiz en la guarda. Magnífica encuadernación en mosaico y forrada por Charles Meunier, fechada en 1897.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

mar 10 sep

JAUME PITARCH (Barcelona, 1963). De la serie "Partidos", n.11. 1999-2000. Fotografía sobre papel baritado. Procedencia: Galería dels Àngels de Barcelona. Medidas: 80 x 80 cm; 81 x 81 cm (marco). Artista afincado actualmente en Barcelona, Jaume Pitarch estudió Bellas Artes en el Chelsea College of Art y en el Royal College of Art de Londres. Su lenguaje se basa en la descontextualización de elementos creados por el hombre, que desmonta y reconstruye de forma completamente diferente, despojándolos de su significado y valor originales. A lo largo de su trayectoria como artista, Jaume Pitarch ha realizado numerosas exposiciones a nivel nacional e internacional, destacando: Àngels Barcelona (2013, 2009, 2004,1997); Galería Fúcares, Madrid (2013, 2008); Spencer Brownstone Gallery, Nueva York (2013, 2009, 2006) o en Galerija Vartai, Lituania, 2011. Asimismo, su obra ha sido seleccionada para exposiciones colectivas en galerías e instituciones internacionales. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como la colección MACBA, la Fundación Vila Casas, la colección La Caixa, Artium, la colección Bergé, el Museo Patio Herreriano o la colección del Royal College of Art de Londres, entre otras. Pitarch afirma que su trabajo "se centra en cómo la productividad ha afectado a nuestra noción del tiempo. Mercado, trabajo, valor u ocio son sólo expresiones complementarias del mismo. Parece que la práctica artística contemporánea, la participación y el consumo son actividades basadas en el tiempo y, por tanto, sujetas a un sistema de producción". Continúa "Parte de mi práctica consiste en rescatar y reorganizar objetos, acciones o simples episodios que pertenecen a estos contextos para dotarlos de una nueva lectura fuera de los límites que el tiempo programado o productivo determina. Estos objetos, la reproducción de estas acciones y episodios deben leerse como dispositivos críticos y poéticos que posibilitan una revisión desacelerada de la realidad".

Valorac. 1 200 - 1 600 EUR

mar 10 sep

MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Mallorca, 1957). "Chauvet. Cahier de félins". Libro de arte, libro de artista y lámina numerada y firmada por el artista. Ejemplar 423/2998. Editor: Artika Estuche de madera de arce. Medidas: 43 x 33 cm (libro de arte y libro de estudio); 88 x 33 cm (carpeta con lámina); 49 x 37 x 5,5 cm (caja). "Cahier de félins" es un homenaje a las cuevas de Chauvet. Edición única, limitada y numerada a 2998 ejemplares, siendo éste el número 1932 firmado por el artista. La obra consta de un estuche de madera de arce con la reproducción de un original de Miguel Barceló en técnica pirográfica, una reproducción facsímil del Cahier de félins propiedad del artista, un libro sobre el descubrimiento de la cueva de Chauvet y una lámina numerada con la reproducción de uno de los felinos del Cahier. Papel Tintoretto Gesso de 200 gr.Cubierta en tela de algodón con un original impreso en exclusiva por Barceló. Pintor y escultor, Barceló inició su formación en la Escuela de Artes y Oficios de Palma de Mallorca, donde estudió entre 1972 y 1973. En 1974 debuta individualmente, a los diecisiete años, en la Galería Picarol de Mallorca. Ese mismo año se traslada a Barcelona, donde se matricula en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi, y realiza su primer viaje a París. En la capital francesa descubre la obra de Paul Klee, Fautrier, Wols y Dubuffet, así como el "art brut", estilo que ejercerá una importante influencia en sus primeras pinturas. Durante estos años lee mucho y se enriquece con obras tan diversas como los escritos de Breton y los surrealistas, el "Manifiesto Blanco" de Lucio Fontana o la "Historia Social de la Literatura y el Arte" de Arnold Hauser. En 1976 celebra su primera exposición individual en un museo: "Cadaverina 15" en el Museo de Mallorca, consistente en un montaje de 225 cajas de madera con tapas de cristal, con materiales orgánicos en descomposición en su interior. Ese mismo año, de vuelta en Mallorca, se une al grupo Taller Lunàtic y participa en sus actos sociales, políticos y culturales. En 1977 realiza un segundo viaje a París, y visita también Londres y Amsterdam. Ese mismo año expone por primera vez en Barcelona y conoce a Javier Mariscal, que se convertirá en uno de sus mejores amigos en la ciudad. Junto a él y al fotógrafo Antoni Catany participa, como miembro del grupo "Neón de Suro", en exposiciones en Canadá y California, y colabora en la publicación de la revista del mismo nombre. Es también en 1977 cuando recibe su primer encargo pictórico de gran formato: un mural para el comedor de un hotel en Cala Millor, Mallorca. Al año siguiente, con veintiún años, vende sus primeras obras a algunos coleccionistas y galerías, y finalmente se traslada a Barcelona. Su reconocimiento internacional comienza a principios de los ochenta, dando un impulso definitivo a su carrera tras su participación en la Bienal de São Paulo (1981) y en la Documenta de Kassel (1982). En 1986 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas, y desde entonces su obra ha sido reconocida a través de los más destacados galardones, como el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2003) o el Premio Sorolla de la Hispanic Society of America de Nueva York (2007). En la actualidad, Barceló está representado en los museos de arte contemporáneo más importantes del mundo, como el MoMA de Nueva York, el Centre Pompidou de París, el Guggenheim de Bilbao, el Marugami Hirai de Japón, el Reina Sofía de Madrid, el Patio Herreriano de Valladolid, el CAPC de Burdeos, el Carré d'Art de Nimes, el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas o el Museum of Fine Arts de Boston, entre otros.

Valorac. 900 - 1 000 EUR
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