23rd September - Decorative Arts & Oriental Art

Los 1 - Tischuhr. Erstes Empire. Frankreich, ca. 1810. Vergoldete Bronze. Emaille-Zifferblatt. Pariser Uhrwerk, mit Schlagwerk zur halben Stunde und zur vollen Stunde. Es hat ein Pendel. Der Schlüssel fehlt. Die Maschine muss überarbeitet werden. Abmessungen: 61 x 51 x 16 cm. Französische Tischuhr aus der Empirezeit. Das skulpturale Konzept der griechisch-römischen Inspiration ist charakteristisch für diese Zeit. Ganz aus vergoldeter Bronze gefertigt, besteht sie aus einem Sockel, der mit einem Flachrelief verziert ist, dem die Figur des Poseidon vorsteht, der seinen Dreizack schwingt und auf seinen beiden Pferden den Ozean überquert. Zephiren und kleine Turteltauben mit Füllhörnern blasen den Wind, um die Navigation des Meeresgottes zu begleiten. Ein in rundem Schüttgut gearbeitetes Paar flankiert das Uhrengehäuse. Wahrscheinlich von den griechischen Abbildern von Apollo und Artemis inspiriert (obwohl sie keine Jagdattribute tragen), haben sie idealisierte Züge und athletische Körper mit gedrehten Gliedmaßen. Die Tuniken liegen eng am Körper an und betonen die anatomische Harmonie. Obst- und Gemüsegirlanden sowie Lorbeerkränze werden in diesem Zusammenhang zu Symbolen der Fruchtbarkeit und des Überflusses. In der Mitte steht das Uhrengehäuse, das ein weißes, von einer Blattgirlande umrahmtes Zifferblatt enthält. Die Ziffern sind römische Ziffern und die Zeiger sind vom Typ Breguet.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 2 - Italienische Schule, ca. 1820. Nach JEAN-ANTOINE HOUDON (Versailles, 1741 - Paris, 1828). Büste der "Diana von Versailles". Carrara-Marmor. Apokryphe Signatur. Maße: 73 x 47 x 20 cm. Der klassizistische Bildhauer, um den es hier geht, gibt in dieser Büste aus Carrara-Marmor das römische Modell der Diana getreu wieder, eine Kopie des griechischen Originals, das die griechische Göttin der Jagd Artemis darstellte. Die römische Kopie, bekannt als Diana die Jägerin oder Diana mit der Hindin, wird im Louvre-Museum in Paris aufbewahrt. Die hier gezeigte Büste konzentriert sich auf das schöne Gesicht und die Falten des Schößchens, die sich um die prallen Brüste legen, sowie auf den Kopfschmuck mit Diadem und die in einem Dutt zusammengefassten Wellen des Haares. Die Kopie in der Kunstgalerie zeigt die Göttin in voller Länge und in Bewegung, wobei die linke Hand auf dem Geweih eines kleinen Hirsches und die rechte Hand auf dem Köcher ruht. Die Urheberschaft der ursprünglichen Statue wurde lange Zeit Leokares zugeschrieben, obwohl auch Praxiteles als Urheber der griechischen Bronze vorgeschlagen wurde. Der neoklassizistische Bildhauer Jean-Antoine Houdon schuf mehrere Versionen der Göttin Diana. Die fragliche Büste basiert auf Houdons Marmor-Diana, die in der National Gallery in London aufbewahrt wird. Sie stammt aus dem Jahr 1778, und ein abnehmender Viertelmond ziert ihr Haupt. Zusammen mit Pfeil und Bogen ist der Mond ein Attribut der römischen Göttin (der griechischen Artemis), denn die Göttin der Jagd ist eine Mondgöttin. Ebenso ist der Mond ein Emblem der Keuschheit. Die weiblichen Züge vermitteln ein kraftvolles und hochmütiges Temperament, sowohl im Original als auch in der hier gezeigten hervorragenden Version, die ebenfalls aus weißem Marmor gefertigt ist. Dianas geschwollene Brüste sind nackt entblößt, und ihr Kopf ist nach rechts gedreht, wobei sie in die Ferne blickt. Ihr gewelltes Haar ist mit dem sichelförmigen Kamm, ihrem Emblem, zusammengehalten. Eine ganzfigurige Diana von Houdon (Diana die Jägerin, 1776) befindet sich im Louvre-Museum. Jean-Antoine Houdon war ein französischer Bildhauer, eine führende Persönlichkeit des Neoklassizismus in seinem Land. In seinen Porträts zeichnete er sich durch die Suche nach dem individuellen Charakter aus, was ihn der Vorromantik näher brachte. Er war Schüler von Jean-Baptiste Pigalle und Lemoyne und ging 1764 nach Rom, um seine Ausbildung zu vervollständigen. Er widmete sich hauptsächlich Porträts und begann die Serie mit einem Terrakotta-Porträt von Diderot, gefolgt von Porträts von Mirabeau, D'Alembert, Molière, Voltaire, Rousseau und Franklin. Letzterer brachte ihn auf die Idee, in die Vereinigten Staaten zu reisen, um Washington zu porträtieren. Houdon kam 1785 auf dem amerikanischen Kontinent an und schuf neben mehreren Büsten des Präsidenten auch die heute im Kapitol ausgestellte Statue. Während der Französischen Revolution malte er die Gesichter von Necker, Lafayette und Napoleon.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 3 - Belgischer Wandteppich, ca. 1600. "Paulus in Thessaloniki". Handgewebte Wolle. Signiert. Maße: 315 x 310 cm. In diesem bedeutenden flämischen Wandteppich aus der Barockzeit wird ein biblisches Thema aus der Apostelgeschichte entwickelt. Der Besuch des heiligen Paulus in der Synagoge von Thessaloniki, einer griechischen Stadt, in deren Synagoge er an mehreren aufeinander folgenden Samstagen zu predigen begann, nimmt das zentrale Feld von beträchtlicher Größe ein und wird mit großem erzählerischem Eifer dargestellt. Mit Hilfe der Heiligen Schrift gelang es ihm, einige Menschen zu bekehren, obwohl er auch Misstrauen erweckte. Hier sehen wir in den Gesichtern und Gesten der Juden eine große Vielfalt von Haltungen vor den Predigten: nachdenkliche, misstrauische, gleichgültige, leidenschaftliche Mienen? Die Kleidung und die Architektur wurden in einer prächtigen und aristokratischen Weise beschrieben. Die chromatischen Merkmale, die die Komposition dynamisieren, stechen hervor (Rot- und Blautöne gegenüber Ocker- und Siennatönen). Die Umrandung beherbergt auch Figuren, vor allem Allegorien wie die Nächstenliebe und den Sieg, sowie Heilige in Nischen. Der erzählerische und chromatische Reichtum, der durch ein kompliziertes Muster erreicht wird, das für die Brüsseler Werkstätten charakteristisch ist, sticht hervor. Vom späten Mittelalter bis zum 18. Jahrhundert wurden flämische Wandteppiche ebenso wie die Bildproduktion der Meister der flämischen Malerei zu einem Luxusgut, das in ganz Europa exportiert wurde. Die besondere Beziehung, die zwischen der Region Flandern (eine ungenaue Bezeichnung für das nördliche Gebiet des Burgunderstaates) und den mittelalterlichen christlichen Halbinselkönigreichen (insbesondere der Krone von Kastilien und später der spanischen Monarchie, zu der auch die habsburgischen Niederlande gehörten) bestand, war der Grund dafür, dass ein Großteil der Wolle, die in die Textilwerkstätten von Brügge, Gent, Antwerpen, Brüssel, Mechelen, Arras oder Tou.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Los 4 - Sesselpaar; VALENTINO (Astragal, Italien, 1829-, Venedig, 1902) zugeschrieben; Venedig, um 1880. Nussbaum und teilweise vergoldetes, geprägtes Leder. Innen mit Schlepptau. Das ursprüngliche Leder ist erhalten geblieben und eine der Leisten der vorderen Säule fehlt. Abmessungen: 78 x 57 x 57 cm (x2). Paar Sessel aus geformtem und geschnitztem Nussbaumholz. Beide haben das gleiche Design der geschwungenen durchbrochenen Rückenlehne mit fantastischen Tieren auf einander gelehnt dekoriert. Der obere Teil der Rückenlehne ist im Hochrelief mit einer Maske verziert. Die Beine sind balusterförmig und haben pflanzliche Details an den Knien. Der Stil dieses Stuhlpaars erinnert stark an Werke von Valentino Besarel, denn in dem Buch "Valentino Panciera Besarel (1829-1902) Storia e arte di una bottega d'intaglio in Veneto" ist eine sehr ähnliche Kaminfront aus Marmor zu sehen. "Besarel" ist ein volkstümlicher Spitzname, der verwendet wurde, um die Familie des Künstlers von anderen gleichnamigen Familien zu unterscheiden, aber er hat sogar den Nachnamen dominiert, so dass er sogar in der Kunstwelt einfach als "Valentino Besarel" bekannt ist. Die letzte Vertreterin der "Besarel" Panciera war Valentinos Tochter Caterina, die 1947 starb. Die Familie Besarel beschäftigte sich seit Generationen mit der Holzschnitzerei: sein Urgroßvater Valentino (1747-1811), Schüler von Giampaolo Gamba "Zampòl" und Schüler des Meisters Andrea Brustolon, sein Großvater Giovanni (1778-1842) und auch sein Vater Giovanni Battista (1801-1873) waren Holzschnitzer; letzterer hatte es zu einigem lokalen Ruhm gebracht, indem er Werke in mehreren Kirchen in der Gegend von Zoldo hinterließ. Valentino erhielt seine erste Ausbildung in der Werkstatt seines Vaters, zu der er in den frühen 1840er Jahren die Schule des Zeichners Antonio aus Belluno besuchte. Der Wendepunkt kam, als er Giuseppe Segusini kennenlernte, der ihm bei der Arbeit zusah, als er, seinem Vater folgend, die Archidiakonatskirche von Agordo ausschmückte. Dank des Architekten aus Feltre kann er von 1853 bis 1855 an der Accademia di Venezia studieren, auch wenn er sein Studium nicht abschließen kann. Seine ersten eigenständigen Werke, die ebenfalls von Segusini in Auftrag gegeben wurden, waren die Heiligen Peter und Paul für den Hochaltar der Pfarrkirche von Tiser und die Vier Evangelisten für die Kathedrale von Belluno (1855-1856). Besarel arbeitete lange Zeit in seiner Heimat, bis er in den sechziger Jahren nach Venedig übersiedelte, wo er große Ehren und europäischen Ruhm erlangte, so dass er offizieller Lieferant der wichtigsten Monarchien des Kontinents wurde. Nicht einmal die Behinderung, die er durch den Verlust von vier Fingern erlitt, konnte Valentinos Tätigkeit unterbrechen. Sie haben im Inneren Schlepptau. Das originale Leder ist erhalten und eine der vorderen Säulenleisten fehlt.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 5 - Terrine und Tülle; Spanien, 20. Jahrhundert. Silber und Holzkern. Präsentiert Schläge. Dimensionen: 29 x 49 x 25 cm; 8,5 x 55 x 40,5 cm (überstehend). Gewicht: 3696 g. (Terrine). Terrine mit Stempeln des Silberschmieds. Das Ganze hat ein vom Rokoko inspiriertes Design, das auf Rillen basiert, die eine bewegte Gallonado-Erhebung bestimmen, die in der Traufe der Terrine zu sehen ist. Die Terrine steht auf vier Beinen mit figurativem Design, die vier kleine Liebesvögel in der Art der Atlanter darstellen. Der Bauch der Terrine ist mit einem üppigen, ziselierten Muster versehen, das von klassischen Motiven inspiriert ist. Der gewölbte Deckel wird von einem naturalistischen Knauf und zwei Blattknospen gekrönt.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 6 - Drei Affen; FRATELLI LISI E FIGLI, Florenz, 20. Jahrhundert. 925er Silber. Auf dem Sockel signiert "Fratelli Lisi e Figli". Maße: 7 x 5 x 6 cm. Set bestehend aus drei Affen, die als "weise Affen" oder "mystische Affen" bekannt sind. Die drei Stücke sind aus Silber mit dem Gesicht, Hände und Füße gemeißelt und der Körper aus Fäden, die in einer naturalistischen Weise das Fell der Tiere zu reproduzieren zusammen. Einer der Affen bedeckt seine Augen, ein anderer seine Ohren und ein weiterer seinen Mund. Diese Darstellung wurde in der orientalischen Kunst populär und wurde in einigen Fällen als Darstellung der Unterwerfung des Volkes vor den herrschenden Mächten verstanden. Die Stücke auf dem Sockel tragen die Signatur der Firma Fratelli Lisi, die ihre Tätigkeit unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg aufnahm. Das Familienunternehmen wurde von den drei Brüdern Adriano, Lionello und Romano geführt. Adriano, genannt "Dore", der Älteste der drei, erkannte die Notwendigkeit, sich zu verbessern und gründete mit seinen beiden jüngeren Brüdern, nach einer kurzen Erfahrung bei einem alten Silberschmied, sein eigenes Unternehmen. Die Vorstellungskraft, die besondere Technik der "Haare" und die natürliche Begabung der drei ermöglichten es ihnen, wahre Skulpturen zu schaffen, einzigartige Stücke, die bis heute unnachahmlich sind. Die Werkstatt wird von Kindern und Enkeln weitergeführt, um die traditionellen Arbeitsmethoden zu erhalten, die die Familie Lisi auf der ganzen Welt auszeichnen.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 7 - Paar Kerzenständer; Spanien, erste Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts. Geprägtes und ziseliertes Silber. Präsentiert Schläge. Dimensionen: 43,5 x 35 cm. Gewicht: 4580 g. Paar silberne Kerzenständer, fünf Lichter, die zentrale folgt der Linie des Schaftes. Der mittlere folgt der Linie des Schaftes und weist ein gedrehtes Profil auf, das auf Formteilen und Vorsprüngen basiert, die in jedem der Stücke die Anwesenheit von kleinen Liebesfiguren in runder Form hervorheben. Die Oberfläche des Silbers ist mit synthetischen Motiven ziseliert. Die schlangenförmigen Arme, die mit eingeschnittenen Kerben verziert sind, haben die Form eines auf Gehrung geschnittenen Drehpunkts. Sie tragen die Feuerzeuge auf Untertassen und die Mündungen der Lampenschirme sind profiliert.

Schätzw. 7 000 - 6 000 EUR

Los 8 - Kerzenständer Napoleon III. Frankreich, ca. 1870. Vergoldete Bronze, mit patinierter Bronzeskulptur. Maße: 33 x 26 x 26 cm. Sechsflammiger Kandelaber im Stil von Napoleon III. Ganz aus Bronze gefertigt, zeichnet er sich durch die Qualität seiner organisch anmutenden Ausführung aus. Die sechs geschwungenen Arme sind mit Blattwerk und umhüllenden Rippen ummantelt und gehen von einem zentralen Schaft aus, der sich in pflanzliche Auswüchse verzweigt. Schnecken, Palmetten und Schnecken sind in rhythmische Schwünge und Kämme eingebettet, die in sinnlichen Tulpenblättern enden. Am Sockel vervollständigen Blumengirlanden die Dekoration. Inmitten des Blattwerks sitzt ein rundlich geschnitzter Putto. Sein Kopf ist mit einer Krone aus Weinblättern und Weintrauben geschmückt.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 9 - Kleine Schale; Triana, 19. Jahrhundert. Keramik, glasiert. Maße: 17 x 67 cm. Kleines Becken aus Keramik, dekoriert mit Hochtemperatur-Emaille auf weißer Zinn-Engobe, die nur das Innere des Stücks bedeckt. Die verwendeten Farben sind schwarz, für die Umrisse der Motive blau, grün und gelb. Die Sitzfläche wird von einem Motiv eingenommen, das von Talavera-Modellen abgeleitet ist, mit einem sehr beliebten synthetischen Tier in einer Landschaft. Die Traufe ist mit einer geometrischen Bordüre aus Zickzacklinien verziert. Die Dekoration wird durch Bänder mit konzentrischen Linien in Blau und Grün vervollständigt, ein typisches Motiv der beliebten spanischen Keramik des 19. Jahrhunderts. Triana war seit der Römerzeit ein beliebtes Zentrum der Keramikproduktion. Später übernahmen die Araber die Technik und Ästhetik der Keramikherstellung in der Region. Ende des 15. Jahrhunderts zog Niculoso Francisco Pisano in die Gegend und führte den italienischen Stil und eine neue Technik ein, bei der die Kachel wie ein Ölgemälde bearbeitet wird.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 10 - Antikes Waschbecken; Triana, 19. Jahrhundert. Keramik glasiert. Maße: 13 x 57,5 cm. Kleines Becken aus Keramik, dekoriert mit Hochtemperaturemails auf weißer Zinn-Engobe, die nur das Innere des Stücks bedeckt. Die Farben, die für die Umrisse der Motive verwendet wurden, sind blau, grün und gelb. Die Sitzfläche wird von einem Motiv eingenommen, das von Talavera-Modellen abgeleitet ist, mit einem sehr beliebten synthetischen Tier in einer Landschaft. Die Traufe ist mit einer geometrischen Bordüre aus Zickzacklinien verziert. Die Dekoration wird durch Bänder mit konzentrischen Linien in Blau und Grün vervollständigt, ein typisches Motiv der beliebten spanischen Keramik des 19. Jahrhunderts. Triana war seit der Römerzeit ein beliebtes Zentrum der Keramikproduktion. Später übernahmen die Araber die Technik und Ästhetik der Keramikherstellung in der Region. Ende des 15. Jahrhunderts zog Niculoso Francisco Pisano in die Region und führte den italienischen Stil und eine neue Technik ein, bei der die Kachel wie ein Ölgemälde bearbeitet wird.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 11 - Albarello. Süditalien, ca. 1560-1570. Keramisch glasiert. In gutem Erhaltungszustand. Maße: 36,5 x 27 x 27 cm. Bedeutendes emailliertes Keramik-Albarelo aus der Zeit der Renaissance. Die Renaissance war das goldene Zeitalter der Albarelos oder Apothekengefäße, insbesondere in Italien und Spanien. Italienische Städte wie Faenza, Urbino und Palermo wurden zu Zentren der Albarelo-Herstellung. Das hier gezeigte hervorragende Stück, bei dem die blauen und gelben Farbtöne hervorstechen, spiegelt die Fortschritte dieser Zeit in Bezug auf die Komplexität der Darstellung wider. Während anfangs schematische Zeichnungen orientalischen Ursprungs und chromatische Reduktion vorherrschten, wurden hier Polychromie und Ikonographie bereichert und präsentieren eine ausgefeiltere Ästhetik: Vegetale Verzierungen auf der Grundlage von Bordüren koexistieren mit figurativen Darstellungen (ein in eine Kartusche eingeschriebenes Zeichen und ein Puttenpaar, charakteristisch für das italienische Cinquecento). Typisch für diese Zeit ist auch das gemalte Etikett mit dem Namen des Produkts ("Morphium", wie wir lesen). So tauchen im 16. Jahrhundert Tiere, Porträts, historische Szenen, Allegorien und andere Themen auf. Das Albarello hat eine lange Geschichte, die auf persische Keramiken zurückgeht. Über Syrien und Ägypten gelangten sie in den muslimisch geprägten Gebieten von al-Andalus und Sizilien nach Europa. Die Etymologie des Wortes lässt vermuten, dass es von "al-barani" stammt, was so viel wie "Drogengefäß" bedeutet. Diese Keramiken waren bei den Apothekern sehr beliebt, hatten aber bestimmte funktionelle Anforderungen, wie eine gekerbte Form, eine breite Öffnung und einen flachen Boden, und vor allem die Verwendung von Glasur.

Schätzw. 12 000 - 15 000 EUR

Los 12 - Antikes Waschbecken; Triana, 19. Jahrhundert. Keramik glasiert. Maße: 16 x 67 cm. Kleines Becken aus Keramik, dekoriert mit Hochtemperatur-Emaille auf weißer Zinn-Engobe, die nur das Innere des Stücks bedeckt. Die verwendeten Farben sind schwarz, für die Umrisse der Motive blau, grün und gelb. Die Sitzfläche wird von einem Motiv eingenommen, das von Talavera-Modellen abgeleitet ist, mit einem sehr beliebten synthetischen Tier in einer Landschaft. Die Traufe ist mit einer geometrischen Bordüre aus Zickzacklinien verziert. Die Dekoration wird durch Bänder mit konzentrischen Linien in Blau und Grün vervollständigt, ein typisches Motiv der beliebten spanischen Keramik des 19. Jahrhunderts. Triana war seit der Römerzeit ein beliebtes Zentrum der Keramikproduktion. Später übernahmen die Araber die Technik und Ästhetik der Keramikherstellung in der Region. Ende des 15. Jahrhunderts zog Niculoso Francisco Pisano in die Gegend und führte den italienischen Stil und eine neue Technik ein, bei der die Kachel wie ein Ölgemälde bearbeitet wird.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 13 - Antikes Waschbecken; Triana, 19. Jahrhundert. Keramik glasiert. Maße: 16,5 x 67 cm. Kleines Becken aus Keramik, dekoriert mit Hochtemperatur-Emaille auf weißer Zinn-Engobe, die nur die Innenseite des Stücks bedeckt. Die verwendeten Farben sind Schwarz für die Umrisse der Motive, Blau, Grün und Gelb. Die Sitzfläche wird von einem Motiv eingenommen, das von Talavera-Modellen abgeleitet ist, mit einem sehr beliebten synthetischen Tier in einer Landschaft. Die Traufe ist mit einer geometrischen Bordüre aus Zickzacklinien verziert. Die Dekoration wird durch Bänder mit konzentrischen Linien in Blau und Grün vervollständigt, ein typisches Motiv der beliebten spanischen Keramik des 19. Jahrhunderts. Triana war seit der Römerzeit ein beliebtes Zentrum der Keramikproduktion. Später übernahmen die Araber die Technik und Ästhetik der Keramikherstellung in der Region. Ende des 15. Jahrhunderts zog Niculoso Francisco Pisano in die Gegend und führte den italienischen Stil und eine neue Technik ein, bei der die Kachel wie ein Ölgemälde bearbeitet wird.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 14 - Spanisch "Salamanca" Bargueño aus dem XVII Jahrhundert. Polychrome Holz, Intarsien und Pyrographie Knochen. Abmessungen: 52 x 83 x 35 cm. Bargueño der unbedeckten Probe. Es stellt eine Front Arbeit reich ausgearbeitet sowohl für seine Intarsien mit Intarsien und Elfenbein und für die Verteilung auf kleine Säulen, die die Straßen und die Register zu strukturieren, wenn jede der Schubladen flankieren. Bei den Schlüssellöchern wechseln sich rauten- und lappenförmige Profile ab, was das Design dynamisiert. Die zentrale Tür verbirgt zwei weitere Schubladen. Stilistisch folgt es barocken Mustern, wobei das Modell "columnillas" oder "salmantino" eines der am weitesten entwickelten ist. Es weist aber auch andere Einflüsse auf, wie zum Beispiel die Mudéjar-Intarsien. Es handelt sich um architektonisch inspirierte Elemente, die das Ensemble auf der Grundlage von Bögen strukturieren. Der Umfang ist mit rhythmischen Einschnitten versehen, die wie geometrische Laubsägearbeiten wirken.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 15 - Brust aus dem achtzehnten Jahrhundert. In Kiefernholz, mit gemalten Leinwänden aus der gleichen Zeit ausgekleidet. Es hat Spuren von Gebrauch, Verschleiß und Mangel an Polychromie auf den Leinwänden. Maße: 74 x 100 x 45 cm. Eigenartiger Stiefel aus dem 18. Jahrhundert mit rechteckigem Korpus und gewölbtem Deckel, auf ausgeschnittenen Füßen. Er ist vollständig mit Stofffetzen ausgekleidet, die mit Landschafts- und religiösen Szenen aus demselben Spätbarock bemalt sind. Dargestellt sind eine Marine in der Dämmerung, andere Landschaften, eine Pietà und Heiligenszenen.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 16 - GEORG ARTHUR JENSEN (Dänemark, 1866 - 1935). Tablett, ca. 1920 . 1930. Aus Silber. Mit Stanzungen auf dem Boden. Maße: 35 x 45 cm. Jahrhunderts und in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts tätiger dänischer Silberschmied. Jensen war der Sohn eines Messerschleifers aus Raadvad, nördlich von Kopenhagen. Er begann seine Ausbildung zum Silberschmied im Alter von vierzehn Jahren in der dänischen Hauptstadt, als Schüler von Guldsmed Andersen, und machte sich 1884 selbständig, um seinen eigenen kreativen Weg zu gehen. Seit seiner Kindheit interessierte er sich für die Bildhauerei und besuchte die Königliche Akademie der Schönen Künste, wo er 1892 seinen Abschluss machte. Ab diesem Zeitpunkt begann er, seine Werke auszustellen. Obwohl seine Tonskulpturen großen Anklang finden, konzentriert sich Jensen auf die angewandte Kunst, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen. So begann er als Modelleur in der Porzellanmanufaktur Bing & Grøndahl zu arbeiten, und ab 1898 kombinierte er diese Tätigkeit mit seiner Arbeit in der kleinen Keramikwerkstatt, die er zusammen mit Christian Petersen gründete. Doch obwohl seine Stücke wieder gut ankamen, reichten die Verkäufe nicht aus, um Jensen und seine Familie zu ernähren. 1901 gab er die Keramik auf und begann, mit Mogens Ballin als Silberschmied und Designer zu arbeiten. Drei Jahre später machte er sich selbständig und eröffnete seine eigene Silberschmiedewerkstatt in Kopenhagen. Jensens Ausbildung als Silberschmied und sein Studium der bildenden Künste ermöglichten es ihm, die beiden Disziplinen zu kombinieren und die Tradition des Kunsthandwerks wiederzubeleben. Schon bald faszinierten die Schönheit und Qualität seiner Jugendstil-Kreationen das Publikum und sicherten ihm den Erfolg. Ende der 1920er Jahre war sein Kopenhagener Atelier beträchtlich gewachsen, und er hatte auch Geschäfte in New York, London, Paris, Stockholm, Berlin und anderen Städten eröffnet. In diesem Jahrzehnt verkaufte Jensen seine in Spanien hergestellten Entwürfe in dem alten Juweliergeschäft am Paseo de Gracia 90 in Barcelona. Heute ist das Unternehmen, das seinen Namen trägt, immer noch aktiv und ist zum Musterbeispiel für skandinavisches Luxusdesign geworden.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 17 - Kaminfront; VALENTINO BESAREL (Astragal, Italien, 1829-, Venedig, 1902) zugeschrieben; Venedig, um 1880. Nussbaum geschnitzt. Es zeigt Verschleiß auf der Basis. Provenienz; Palast der Markgrafen von Unza. Abmessungen: 259 x 204 x 44 cm. Kaminfront aus geschnitztem Nussbaumholz. Das Werk, das sich durch seine monumentalen Ausmaße auszeichnet, ruht auf einem Sockel, dessen Pilaster die realistische Form des Atlas annehmen. Darüber zeigt ein zierliches Gesims eine detaillierte Verzierung auf der Grundlage von geschnitzten Akanthusblättern, begleitet von Spatzen von extrem leichter Form und in der Mitte ein weibliches Gesicht von Pferden auf der Flucht. Dieser horizontale Fries geht in ein Gesimsgebälk über, das von der klassischen Architektur inspiriert ist. Darüber befindet sich ein großes Relief mit einer mythologisch inspirierten Szene, die Venus und Hephaistos in der Werkstatt von Hephaistos darzustellen scheint, eingerahmt von einer großen Girlande. Dieses Detail wird von einer runden Skulpturengruppe mit zwei kleinen Liebesvögeln auf der Spitze und einer männlichen und einer weiblichen Figur an den Seiten begleitet. Die technische Qualität der Schnitzerei dieser großen Kaminfront lässt vermuten, dass es sich um ein Werk von Valentino Besarel handelt. Tatsächlich ist in dem Buch "Valentino Panciera Besarel (1829-1902) Storia e arte di una bottega d'intaglio in Veneto" eine sehr ähnliche Kaminfront aus Marmor zu sehen. "Besarel" ist ein volkstümlicher Spitzname, der verwendet wurde, um die Familie des Künstlers von anderen gleichnamigen Linien zu unterscheiden, aber er hat sogar den Nachnamen dominiert, so dass er sogar in der Kunstwelt einfach als "Valentino Besarel" bekannt ist. Die letzte Vertreterin der "Besarel" Panciera war Valentinos Tochter Caterina, die 1947 starb. Die Familie Besarel beschäftigte sich seit Generationen mit der Holzschnitzerei: sein Urgroßvater Valentino (1747-1811), Schüler von Giampaolo Gamba "Zampòl" und Schüler des Meisters Andrea Brustolon, sein Großvater Giovanni (1778-1842) und auch sein Vater Giovanni Battista (1801-1873) waren Holzschnitzer; letzterer hatte es zu einigem lokalen Ruhm gebracht, indem er Werke in mehreren Kirchen in der Gegend von Zoldo hinterließ. Valentino erhielt seine erste Ausbildung in der Werkstatt seines Vaters, zu der er in den frühen 1840er Jahren die Schule des Zeichners Antonio aus Belluno hinzufügte. Der Wendepunkt kam, als er Giuseppe Segusini kennenlernte, der ihm bei der Arbeit zusah, als er, seinem Vater folgend, die Archidiakonatskirche von Agordo ausstattete. Dank des Architekten aus Feltre konnte er von 1853 bis 1855 an der Accademia di Venezia studieren, auch wenn er sein Studium nicht abschließen konnte. Seine ersten eigenständigen Werke, die ebenfalls von Segusini in Auftrag gegeben wurden, waren die Heiligen Peter und Paul für den Hochaltar der Pfarrkirche von Tiser und die Vier Evangelisten für die Kathedrale von Belluno (1855-1856). Besarel arbeitete lange Zeit in seiner Heimat, bis er in den sechziger Jahren nach Venedig übersiedelte, wo er große Ehren und europäischen Ruhm erlangte, so dass er offizieller Lieferant der wichtigsten Monarchien des Kontinents wurde. Nicht einmal die Behinderung, die er durch den Verlust von vier Fingern erlitt, konnte Valentinos Tätigkeit unterbrechen. Es zeigt Verschleiß an der Basis.

Schätzw. 25 000 - 30 000 EUR

Los 18 - Europäische Schule, 18. Jahrhundert. "Herkules". Marmor. Maße: 35 cm. Höhe. In den Darstellungen von Herkules als Kind wird der Held oft so dargestellt, dass er die Schlange mit seinem plumpen Körper besiegt. In der hier gezeigten Skulptur verrichtet der legendäre Held jedoch keines seiner "Werke", sondern sein kleiner Körper ruht, auf seinem nackten Gesäß sitzend. Sein lockiges Haar umrahmt ein Gesicht mit flauschigen Wangen. Der halb geöffnete Mund verleiht ihm einen lebhaften Ausdruck. In seiner rechten Hand hält er seinen Streitkolben, der an einem Schild mit heraldischen Insignien befestigt ist. Die Skulptur ist im neoklassizistischen Stil gehalten.

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 19 - Couchtisch. Spanien, ca. 1950. Schmiedeeisen und lackiert. Platte aus Marmor. Zeigt Anzeichen von Verschleiß und Abnutzung. Abmessungen: 52 x 118 x 50 cm. Spanischer Couchtisch, Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts. Das schmiedeeiserne Gestell weist eine schöne Chambrana mit dreifachem Querbalken auf, der mit Metallnägeln verziert ist und mit kleinen geschwungenen Zungen endet, die mit dem verzogenen Design der Füße harmonieren. Die Eisenoberfläche ist mit einem "gehämmerten" Dekor versehen, das mit Rillen und am Rand der Platte mit rhythmischen Kerben oder kleinen Falten, die die Marmorplatte einfassen, kombiniert ist. Er weist Gebrauchsspuren auf.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 20 - Kronleuchter. Kristall und Metall. Elektrifiziert. Weist Gebrauchsspuren auf. Fehlen einige Kristalltropfen. Abmessungen: 70 x 77 x 77 cm. Pendelleuchte. Die kreisförmige Struktur dieser attraktiven Deckenleuchte besteht aus konzentrischen Ringen, die in der Aufhängeachse entstehen und in attraktiven Kaskaden fallen, die eine Unendlichkeit kleiner runder Facetten vereinen, die sich nach und nach in Tränen verwandeln. Sie hängen wie Stalaktiten am Boden, und ihr Zenitblick zeigt ein überschwängliches Design in Form einer radialen Rosette. Sie weist Gebrauchsspuren auf. Einige Kristalltränen fehlen.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 21 - Niederländische Uhr WARMINK WUBA. Walnussholzgehäuse mit Messingverzierungen. Mit Mondphase. Anleitung innen beigefügt. Funktioniert einwandfrei. Abmessungen: 27 x 15 x 12 cm. Niederländische Tischuhr mit Zifferblatt signiert von Warmink. Das Gehäuse aus Nussbaumholz zeigt ein architektonisch inspiriertes Design. Messingapplikationen schmücken die Seiten in Form von Jakobsmuscheln und Rocaillen, die von männlichen Büsten gekrönt werden. Es hat einen oberen Griff. Das Zifferblatt ist mit pflanzlichen Gravuren und der Darstellung von Galeeren auf dem Meer verziert, die das Fenster für die Mondphase flankieren. Die Nummerierung ist römisch. Die Uhr steht auf Füßen, die die Form von Blattranken haben.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 22 - Arquilla. Syrien oder Ägypten, XVII Jahrhundert. Holz und Knochen. Es zeigt Verschleiß und Spuren von Gebrauch. Maße: 21 x 34 x 23,5 cm. Syrische oder ägyptische Weiterführung der Prismenform. Auffallend ist die aufwendige Arbeit mit Intarsien und Einlegearbeiten aus Holz und Elfenbein. Sie zeigt einen ausgeprägten barocken Stil, der sich in der Vorliebe für Materialkontraste oder in der üppigen Verwendung von Elfenbein, typisch für die italienische Barocktischlerei, auf einem Hintergrund aus Ebenholz und Nussbaum zeigt. Alle Seiten sind mit Elfenbeinintarsien verziert, die ein dichtes florales Muster bilden, das sich mit geometrischen Elementen abwechselt. Der Deckel ist mit einem Scharnier versehen. Im Inneren ist die Vorderseite in drei Fächer unterteilt, von denen das mittlere mit einer kleinen Tür versehen ist. Eine der Schubladen bietet Platz für Brieföffner und andere Schreibutensilien. In dieser Schublade befindet sich auch ein kleines Geheimnis. Auf dem Deckel ordnet ein zentraler Stern eine streng symmetrische Komposition um ihn herum an. Die Griffe sind aus Metall und haben die Form einer Träne. Sie weist Gebrauchsspuren und Abnutzungserscheinungen auf.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 23 - Paar von Anrichten Directory. Frankreich, Ende des achtzehnten Jahrhunderts. Mahagoniholz und vergoldetem Metall Anwendungen. Braucht Nacharbeit. Maße: 104 x 78 x 35 cm. Paar Anrichten von identischer Struktur, auf vier Beinen von kreisförmigem Profil schmaler zu der Basis erhöht. Es hat den Körper in zwei Ebenen unterteilt, die untere mit zwei Schiebetüren geschlossen und die obere mit einem Regal mit verspiegeltem Boden. Das Oberteil aus weißem Marmor wird von zwei kannelierten Säulen getragen, die sich im unteren Teil des Schrankes fortsetzen. Gekrönt wird das Möbelstück von einer Balustradenstruktur aus goldenem Metall. Es handelt sich um ein Möbelpaar, das den Stil des französischen Direktoriums oder des Neoklassizismus fortsetzt, der als Übergang zwischen dem Stil Ludwigs XVI. und dem Empire-Stil angesehen wird und von großer Funktionalität und Leichtigkeit geprägt ist. Diese dekorative Einfachheit und Eleganz der Linien ist bei französischen Möbeln üblich, ebenso wie die Verwendung von "exotischen" Hölzern und die Wertschätzung ihrer Maserung durch die Anordnung großer Flächen in diesen Materialien (oder in den Platten), ohne dekorative Motive, die die natürlichen, durch die Maserung geschaffenen Linien unterbrechen. Muss überholt werden.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 24 - Chippendale Stil bureau dame / Büro Tisch, England, XVIII Jahrhundert. In Mahagoni. Maße: 77 x 108 x 64 cm. Rokokotisch im Chippendale-Stil. Er hat einen geraden Grundriss und eine glatte Platte mit einer ledernen Tischdecke, die von einer Leiste eingefasst ist. Die Leiste ist mit dekorativen Einkerbungen verziert. Die Taille wird von zwei Schubladen mit eisernen Griffen getragen und steht auf vier schlanken Beinen mit Krallenfüßen. Die Schultern der schlanken Beine sind mit einer blattähnlichen, vegetabilen Schnitzerei verziert. Thomas Chippendale (1718-1779) war einer der bedeutendsten Dekorateure des Londoner Rokoko und in der Tat der Begründer des englischen Stils dieser Zeit. Der unter dem Namen Chippendale bekannte Stil entwickelte sich ab etwa 1750, und obwohl er in London um 1765 zu sinken begann, verbreitete er sich erst dann außerhalb der Hauptstadt, wo er für den Rest des Jahrhunderts eine große Verbreitung finden sollte. Der Chippendale-Stil setzt sich aus Elementen des französischen Rokoko, der Gotik und des chinesischen Stils zusammen, die entweder einzeln, alle zusammen oder nur zwei davon vermischt sind.

Schätzw. 2 000 - 2 200 EUR

Los 25 - ODOARDO LUIS RAZZAUTI (Italien, zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts - Anfang des 20. Jahrhunderts). "Heiliger Franz von Assisi", 1900. Geprägte Bronzeplatte. Signiert und datiert auf dem Sockel. Es stellt einen Mangel in einem Teil der Schnur des Kreuzes, und Schäden in der Patina, Risse und Beulen. Abmessungen: 137 x 35 x 37 cm. Odoardo Luis Razzauti war ein italienischer Bildhauer, der sich auf Bronze spezialisiert hatte. In Zusammenarbeit mit Manuel Fuxà schuf er 1895 eine berühmte Nachbildung der Freiheitsstatue von New York. Diese wurde von der Arús-Bibliothek in Barcelona in Auftrag gegeben, die sich auf die Freimaurerei spezialisiert hatte, und die Statue trug freimaurerische Attribute. Franziskus von Assisi in einer meditativen Haltung dargestellt, wobei er das Evangelium in den Händen hält, die aus den langen Ärmeln seiner Tunika herausragen. Die Tunika bedeckt seinen ganzen Körper und gibt den Blick frei auf seine nackten Füße und sein ausdrucksstarkes, von Falten zerfurchtes Bartgesicht. Die Augen blicken nach oben und führen einen stummen Dialog mit Gott.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 26 - Esszimmerstuhl Carlos IV., ca. 1800. Lackiertes und vergoldetes Holz. Polsterung aus Stoff. Mit Gebrauchsspuren. Benötigt Restaurierung. Maße: 92 x 54 x 44 cm. Diese Sitzgruppe, bestehend aus sechs Stühlen, entspricht in ihrer Gesamtheit dem Stil und der Zeit Karls IV. Sie haben alle eine klassische und raffinierte Struktur, die auf umgekehrten pyramidenstumpfen Beinen ruht. Die Verzierung ist auf geometrische Motive reduziert. Die Nüchternheit entspricht einem Möbeltypus, der Einfachheit und den Ausdruck von Geometrie und struktureller Klarheit schätzt. Der Karl-IV-Stil entwickelte sich während des goldenen Zeitalters der Möbel, d. h. in der Zeit zwischen 1725 und 1835. In dieser Zeit erreichte das Möbelhandwerk eine große Pracht, da das Design der einzelnen Stücke, die Herstellungstechniken, die Üppigkeit und die Vielfalt der verwendeten Materialien auf höchstem Qualitätsniveau zusammenfielen. Die Charakteristika des Stils von Karl IV. zeichnen sich durch die Verwendung von Symmetrie und die Abneigung gegen Kurven, feine, klassizistische Ornamente mit geometrischen Intarsien, meist mit floralen Kompositionen in der Mitte, aus. Bronzeapplikationen mit Spitzen und Galerien auf Tischen, Kommoden und Büromöbeln. Vergoldete und in hellen Farben bemalte Möbel, verziert mit Stäben und Rillen. Die spanischen Möbel im Stil Karls IV. ahmten die französischen Möbel nach, inspiriert von Entwürfen von Gasparini und Ventura Rodríguez. In Katalonien und auf Mallorca entwickelte sich jedoch ein Möbelhandwerk, dessen Interesse in einer größeren Unabhängigkeit vom französischen Kanon und einem stärkeren Einfluss der Italiener lag.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 27 - LENCI (Turin). "Enten". 1938 Handbemalte Keramikfigur. Mit Fertigungsspuren auf der Rückseite. Maße: 34 x 22 x 17 cm. Lenci war ein italienischer Puppenhersteller mit Sitz in Turin, der 1919 gegründet wurde. Der Name des Unternehmens ist ein Akronym des folgenden lateinischen Satzes: "Ludus est nobis constanter industria" (Spiel ist unsere ständige Arbeit). Das Unternehmen wurde von Enrico Scavini gegründet, der 1915 Elena König heiratete. Beide begannen mit der Herstellung von gepressten Filzpuppen, aber Ende der 1920er Jahre wandten sie sich der künstlerischen Keramik und dem Porzellan zu und arbeiteten mit den besten Künstlern Mailands zusammen. Zu Lencis Mitarbeitern gehörten Luigi Chessa, Giovanni Grande, Otto Maraini, Felice Tosalli, Mario Sturani und Sandro Vacchetti, der auch der erste künstlerische Leiter war. Die Puppen der Firma erlangten großes Ansehen und waren in den 1920er und 1930er Jahren, einer Zeit des Umbruchs durch die faschistische Diktatur, die berühmtesten Puppen Italiens. Außerdem wurde der Erfolg in kurzer Zeit international und erhielt Preise auf internationalen Ausstellungen in Zürich, Rom, Paris und Mailand.

Schätzw. 1 800 - 2 200 EUR

Los 28 - LENCI (Turin, gest. 1919-1940er Jahre). "Sitzendes Baby mit Obst". Handbemalte Keramikfigur. Mit Hausmarken auf der Rückseite. Maße: 12 x 10 x 10 cm. Lenci war ein italienischer Puppenhersteller mit Sitz in Turin, der 1919 gegründet wurde. Der Name des Unternehmens ist ein Akronym des folgenden lateinischen Satzes: "Ludus est nobis constanter industria" (Spiel ist unsere ständige Arbeit). Das Unternehmen wurde von Enrico Scavini gegründet, der 1915 Elena König heiratete. Beide begannen mit der Herstellung von gepressten Filzpuppen, aber Ende der 1920er Jahre wandten sie sich der künstlerischen Keramik und dem Porzellan zu und arbeiteten mit den besten Künstlern Mailands zusammen. Zu Lencis Mitarbeitern gehörten Luigi Chessa, Giovanni Grande, Otto Maraini, Felice Tosalli, Mario Sturani und Sandro Vacchetti, der auch der erste künstlerische Leiter war. Die Puppen der Firma erlangten großes Ansehen und waren in den 1920er und 1930er Jahren, einer Zeit des Umbruchs durch die faschistische Diktatur, die berühmtesten Puppen Italiens. Außerdem wurde der Erfolg in kurzer Zeit international und erhielt Preise auf internationalen Ausstellungen in Zürich, Rom, Paris und Mailand.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 29 - LENCI (Turin, tätig 1919-1940er Jahre). "Madonna", ca. 1940. Handbemalte Keramikfigur. Signiert "Spatini" am unteren Rand der Rückseite. Mit Herstellungsspuren auf der Rückseite. Maße: 25 x 18 x 11 cm. Lenci war ein italienischer Puppenhersteller mit Sitz in Turin, der 1919 gegründet wurde. Der Name des Unternehmens ist ein Akronym des folgenden lateinischen Satzes: "Ludus est nobis constanter industria" (Spiel ist unsere ständige Arbeit). Das Unternehmen wurde von Enrico Scavini gegründet, der 1915 Elena König heiratete. Beide begannen mit der Herstellung von gepressten Filzpuppen, aber Ende der 1920er Jahre wandten sie sich der künstlerischen Keramik und dem Porzellan zu und arbeiteten mit den besten Künstlern Mailands zusammen. Zu Lencis Mitarbeitern gehörten Luigi Chessa, Giovanni Grande, Otto Maraini, Felice Tosalli, Mario Sturani und Sandro Vacchetti, der auch der erste künstlerische Leiter war. Die Puppen der Firma erlangten großes Ansehen und waren in den 1920er und 1930er Jahren, einer Zeit des Umbruchs durch die faschistische Diktatur, die berühmtesten Puppen Italiens. Außerdem wurde der Erfolg in kurzer Zeit international und erhielt Preise auf internationalen Ausstellungen in Zürich, Rom, Paris und Mailand.

Schätzw. 1 400 - 1 600 EUR

Los 30 - JUAN OLIVEIRA VIÉITEZ (Tuy, 1928 - Vigo, 2002). "Pferd". Bronzeskulptur, P.A. Kopie. Signiert und gerechtfertigt. Maße: 40 x 54 x 23 cm (Skulptur); 3 x 40 x 24 cm (Marmorsockel). Runde Skulptur, die ein galoppierendes Pferd darstellt. Das Werk zeichnet sich durch die große Ausdruckskraft aus, die der Künstler durch die Gestaltung der Geste eines Tieres erreicht, das sich durch seine Würde und Großartigkeit in der Pose auszeichnet. Joan José de Oliveira spezialisierte sich während seiner gesamten Laufbahn auf die Tierplastik, insbesondere auf Stier- und Pferdefiguren. Er widmete sich der Kunst erst spät in seinem Leben, vor allem in seinen 40er Jahren, aber er erzielte einen beachtlichen öffentlichen und kritischen Erfolg, und seine großformatigen Werke befinden sich heute in wichtigen öffentlichen Räumen in vielen galicischen Städten, Madrid, Guadalajara, Menorca und anderswo. Einige seiner wichtigsten Werke sind in Vigo, auf der Plaza de España, oder in seiner Heimatstadt Tuy zu sehen. Seine Werke sind immer sehr ausdrucksstark, figurativ, aber mit synthetischen Formen, bei denen der Autor versucht, die Bewegung, die Emotion, die Dynamik wiederzugeben, und nicht die anatomischen Details, die er manchmal vereinfacht oder im Gegenteil übertreibt, um die gewünschte Emotion zu vermitteln.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 31 - Empire-Uhr. Frankreich, ca. 1810. Vergoldete Bronze. Pariser Uhrwerk. Glockenspiel zur halben Stunde und zur vollen Stunde. Mit seinem Schlüssel und Pendel. Das Zifferblatt hat leichte Mängel in der Versilberung. Das Uhrwerk muss überholt werden. Sie weist Gebrauchsspuren und Abnutzungserscheinungen auf. Abmessungen: 47 x 30 x 10 cm. Französische Tischuhr im Empire-Stil und aus dieser Zeit. Es ist aus vergoldeter Bronze, mit einem skulpturalen Konzept typisch für diese Zeit gemacht. Es handelt sich um ein Stück von klassischer Ästhetik, dessen Sockel mit klassischen Szenen in Flachrelief als Fries verziert ist. Darüber erhebt sich eine runde Figur, die eine Muse mit einem Schaf darstellt. Alle diese Elemente ruhen auf dem Uhrengehäuse. Das Zifferblatt hat römische Ziffern in Schwarz mit Breguet-Zeigern und wird von einer Blumengirlande umrahmt, die wiederum von Körben mit Früchten und Molchköpfen an den Seiten umgeben ist.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 32 - Italienische Schule. Grand Tour, XIX. Jahrhundert. "Narziss von Pompeji". Aus vergoldeter Bronze. Sockel aus Marmor. Maße: 34 cm; 3,5 cm. Sockel. Skulptur aus vergoldeter Bronze. Hochwertige Reproduktion einer berühmten römischen Skulptur, die Dionysos darstellt. Sie wurde bei den Ausgrabungen von 1862 in Pompeji gefunden und befindet sich heute im Archäologischen Nationalmuseum von Neapel. Das klassische Original zeigte den Gott des Weines beim Spiel mit einem unsichtbaren Panther. Im 19. Jahrhundert begann man, es "Narziss" zu nennen, weil es fälschlicherweise als ein junger Mann interpretiert wurde, der sein Spiegelbild im Wasser betrachtet. Die Versionen des neunzehnten Jahrhunderts, wie die hier gezeigte, zeigen zusätzlich ein Feigenblatt, das die Genitalien bedeckt. Der Begriff "Grand Tour", der erstmals in Richard Lassels "The Voyage d'Italie" auftaucht, bezeichnete die lange Reise durch Europa, insbesondere Italien, die junge britische Aristokraten in der Regel ab dem siebzehnten Jahrhundert, vor allem aber im achtzehnten und neunzehnten Jahrhundert unternahmen. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken für ihre eigenen Kunstsammlungen, die sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitnehmen wollten. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke, sowohl aus Bronze als auch aus Marmor, spezialisierten und von denen einige einen großen Ruf erlangten.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 33 - Lampenpaar, Manises, 80er Jahre. Keramik glasiert. Sammlung Bondia. Maße: 103 x 40 x 40 cm. Paar Tischlampen mit Stützen aus rot glasierter Keramik. Der Körper hat einen kugelförmigen Bauch, der an der Basis und am Hals verjüngt ist, und ein feines Relief mit Blumengirlanden und Eierketten. Er steht auf einem goldenen Metallsockel. Der zylindrische Schirm ist mit orientalisch inspirierten bukolischen Landschaften verziert. Das Ganze erinnert an die Chinoiserie.

Schätzw. 1 500 - 1 700 EUR

Los 34 - Französische Schule des XIX. Jahrhunderts. "Büste einer edlen Dame". Marmor. Maße: 69 x 50 x 25 cm. Büste in Marmor geschnitzt runden Masse, aus dem neunzehnten Jahrhundert und barocke Ästhetik. So sehen wir eine weibliche Figur mit gewelltem Haar und melancholische Haltung, mit symmetrischen Zügen, von klaren klassischen Wurzeln, sondern von einem malerischen Standpunkt aus behandelt. Was die technischen und formalen Aspekte betrifft, so beweist der Bildhauer eine große Beherrschung des Handwerks, eine Virtuosität, die sich besonders in Details wie dem Haar und den Gesichtszügen zeigt. In gewisser Weise erinnert die Büste an die Büste, die Gian Lorenzo Bernini für den französischen Monarchen Ludwig XIV. geschaffen hat. Mit diesem Werk wird ein neues Bildhauerkonzept in die Kunstwelt aufgenommen, während gleichzeitig die Typologie der Büste, die in der vorangegangenen Renaissanceperiode verloren gegangen war, wieder auftaucht.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 35 - Französische Schule des XIX. Jahrhunderts. "Zwei junge Leute". Paar in vergoldeter Bronze. Sockel im Empire-Stil. Maße: 30 cm. Gesamthöhe. Paar vergoldete Bronzestatuetten, französischer Stil. Sie stellen ein Mädchen und einen jungen Bauern dar, deren Gesten und Kleidung sich gegenseitig ergänzen: Die leicht geneigten Köpfe, umrahmt von gewelltem Haar, zieren ein ovales Gesicht mit mandelförmigen Augen. Beide tragen ein geknotetes Kopftuch um den Hals, taillierte Jacken und nackte Füße. Die rund gearbeiteten Figuren ruhen auf einem zylindrischen Sockel, der mit zwei Nixen als Harpyien mit Flügeln und gegabelten Schwänzen geschmückt ist.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 36 - Französische Laterne. Empire-Stil. 1930-40. Vergoldete Bronze und Glas. Elektrifiziert. Maße: 80 x 36 x 36 cm. Laternenartige Deckenleuchte mit einer Struktur aus vergoldeter Bronze und Facetten aus mattiertem Glas. Sie ist im späten Empire-Stil gestaltet, was sich in der Fülle von Blattmotiven auf der Basis von Akanthusblättern zeigt, die die Ecken schmücken, sowie in der Sogueada-Struktur, der Krone und dem Fruchtornament des unteren Scheitels. Im Gegensatz zum Stil des Römischen Reiches, in dem lebendige Volumina dominieren und sekundäre dekorative Elemente vermieden werden, nimmt die Vorliebe für Reliefmotive im Laufe des 19. Jahrhunderts zu, und diese französische Laterne ist mit ihren ornamentierten geometrischen Linien ein Beispiel für diese zweite Periode.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 37 - Gedenkmedaille von Alfonso XII.; Spanien, um 1885. Brünierte Bronze. Zeigt unleserliche Unterschrift. Maße: 18,5 cm (Durchmesser). Gedenkmedaille auf Alfonso XII. von Spanien, "der Friedensstifter", (Madrid 1857-1885), war König von Spanien von 1874 bis 1885. Seine Regierungszeit markierte das Ende der Ersten Republik, die in die als Restauration bezeichnete Zeit überging. Sie war gekennzeichnet durch den Versuch, die Monarchie und die institutionelle Stabilität zu festigen. Er billigte die Verfassung von 1876, beendete die karlistischen Konflikte und unterzeichnete den Frieden mit Kuba, was ihm seinen Spitznamen einbrachte. Das Leben des Königs endete im Alter von nur siebenundzwanzig Jahren, als er der Tuberkulose zum Opfer fiel, aber große Popularität erlangte. Sein Nachfolger wurde sein posthum verstorbener Sohn Alfonso XIII.

Schätzw. 400 - 600 EUR

Los 38 - Satz von acht Stühlen und zwei Sesseln aus dem 18. Jahrhundert. Struktur aus Nussbaumholz und Sitze mit Gitter. Sie weisen Gebrauchsspuren auf. Müssen neu lackiert werden. Abmessungen: 88 x 44,5 x 48 cm (Stühle); 86 x 57 x 54 cm (Sessel). Set bestehend aus acht Stühlen und zwei Sesseln mit Armlehnen, mit Struktur aus Nussbaumholz, verziert mit Leisten und Schnitzereien. Die Sitze sind aus Gitterrost gefertigt. Die Stühle haben eine stilisierte und leichte Struktur, die durch die Solidität des Nussbaumholzes ermöglicht wird. Die Vorderbeine sind glatt und verjüngen sich zur Basis hin, während die Hinterbeine eine weiche und elegante Krümmung aufweisen. Die Taille ist glatt. Die durchbrochene Rückenlehne ist praktisch offen, mit drei halbhohen Querstreben, von denen die obere mit einem kreisförmigen Fleuron verziert ist, einem typischen neoklassischen Motiv.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 39 - Set aus Bonbonniere und Schmuckkästchen. Frankreich, in der Art von Sèvres. Möglicherweise BOURDOIS & BLOCH, erstes Drittel des zwanzigsten Jahrhunderts. In emailliertem und vergoldetem Porzellan mit vergoldeten Bronzebeschlägen. Auf dem Sockel gestempelt. Es hat leichte Mängel. Abmessungen: 22 x 25 x 19 cm; 11 x 31 x 21,5 cm. Das Lot besteht aus einem Schmuckkästchen und einer Bonbonniere aus französischer Produktion, emailliertem Porzellan in blauem König kombiniert mit Goldbordüren und Medaillons, in denen galante Szenen und bukolische Landschaften dargestellt sind. Beide Stücke sind von Rokoko-Modellen inspiriert. Das Schmuckkästchen mit elliptischem Korpus steht auf vergoldeten Bronzefüßen mit Cabrioleffekt. Die Bomboniere hat ein mixtilineares und gelapptes Profil.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 40 - Großer Tafelaufsatz EICHWALD (Deutschland), ca. 1900. Handbemaltes Barbotin-Steingut. Mit Herstellermarken auf der Rückseite. Präsentiert einige Haare und einige Restaurierung. Abmessungen: 86 x 59 x 25 cm. Tafelaufsatz aus handbemaltem Barbotin-Steingut. Von deutscher Rechnung (Eichwald), hat es die Form einer Tasse und sein Stil oszilliert zwischen der Inspiration des Rokoko und dem beginnenden Modernismus. Mehrere Putten spielen mit einem Stoff, der sich wie ein Vorhang um den Fuß der Mitte wickelt. Jede Figur ist in Hochrelief gearbeitet, praktisch als freistehende Figuren. Der Henkel der Vase ist mit einer geflügelten Figur verziert, die von Galionsfiguren inspiriert ist und deren geschmeidiger Oberkörper gewölbt an der Öffnung der Vase befestigt ist. Schriftrollen, Medaillons und Bordüren sind in intensiver Farbigkeit kombiniert. Eichwald ist eine Region, die für ihre Keramikproduktion bekannt ist und heute zur Tschechischen Republik gehört (früher Teil der österreichisch-ungarischen Monarchie und später der Tschechoslowakei). Die Eichwalder Töpferei wurde im 19. Jahrhundert gegründet. Jahrhundert gegründet und ist häufig in Stilen gehalten, die die europäischen Kunstströmungen des 19. und frühen 20. Jahrhunderts, einschließlich des Jugendstils, widerspiegeln. Die Stücke enthalten oft komplizierte Details und aufwendige Designs.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 41 - Großer Tafelaufsatz. Murano, 1970er-1980er Jahre. Transluzentes blaues Glas. Maße: 8 x 43 x 43 cm. Tafelaufsatz aus marineblauem Muranoglas, dessen Sitz und Traufe mit organisch inspirierten Wucherungen verziert sind, die an fadenförmige Algen vom Meeresgrund erinnern. Muranos Ruf als Zentrum der Glasherstellung entstand, als die Republik Venedig 1291 aus Angst vor Bränden und der Zerstörung der Holzhäuser der Stadt den Glasmachern befahl, ihre Gießereien nach Murano zu verlegen. Murano-Glas wird immer noch mit venezianischem Glas in Verbindung gebracht.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 42 - Paar von Knöpfen des neunzehnten Jahrhunderts. Wabenförmiges Glas. Montiert auf Holzbasen. Abmessungen: 13,5 x 8 x 8 cm. Ein Paar Knöpfe aus dem neunzehnten Jahrhundert, ursprünglich Treppenknöpfe. Sie sind aus Wabenglas gefertigt und weisen ein attraktives Muster aus goldenen Zellen auf, das an eine Bienenwabe erinnert. Ihre zylindrische Form ruht auf geformten Holzsockeln.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 43 - Motorrad; 20. Jahrhundert. Silber. Maße: 11 x 29 x 8 cm. Gewicht: 530 g. Motorrad aus Silber. Diese Art von Arbeit war sehr häufig in der Dekoration von Innenräumen seit dem zwanzigsten Jahrhundert, so dass kleine Skulpturen von Tier Themen in vielen Materialien (Bronze, Silber, Gold, etc.).

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 44 - Spanische Schule; 20. Jahrhundert. "Fasane". Silber. Sie präsentieren Schläge. Abmessungen: 20 x 24 x 6 cm (x2). Gewicht: 364 g. Paar von Tischplatte Fasane in Silber des XX Jahrhunderts gemacht, arbeitete akribisch, mit großem Detail, das Erreichen einer großen Naturalismus. Hergestellt in Form, mit Details in kaltem gemeißelt, präsentieren sie die Federn dargestellt eine nach der anderen, was ihre Qualitäten mit großem Realismus. Diese Art von Arbeiten war seit dem 19. Jahrhundert in der Innendekoration sehr verbreitet, wobei kleine Tierskulpturen in zahlreichen Materialien (Bronze, Silber, Gold usw.) hergestellt wurden.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 45 - Spanische Schule; 20. Jahrhundert. "Fasane". Silber. Sie präsentieren Schläge. Abmessungen: 16 x 25 x 6 cm (x2). Gewicht: 340 g. Paar von Tischplatte Fasane in Silber des XX Jahrhunderts, arbeitete akribisch, mit großem Detail, das Erreichen einer großen Naturalismus gemacht. Hergestellt in Form, mit Details in kaltem gemeißelt, präsentieren sie die Federn dargestellt eine nach der anderen, was ihre Qualitäten mit großem Realismus. Diese Art von Arbeiten war seit dem 19. Jahrhundert in der Innendekoration sehr verbreitet, wobei kleine Tierskulpturen in zahlreichen Materialien (Bronze, Silber, Gold usw.) hergestellt wurden.

Schätzw. 500 - 700 EUR

Los 46 - Salvilla; Spanien; zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts. Silber. Enthält Schläge. Maße: 2,5 x 21,5 cm. Gewicht: 454 g. Salvilla aus Silber mit geometrischen Ornamenten. Salvilla oder salva, es ist die Schale in Form von Tasse oder Tablett mit Fuß des Sockels genannt, als Unterstützung für andere kleinere Empfänger verwendet. Eine technischere Definition stellt es als ein Gefäß mit einem prominenten Fuß und flachen oberen Körper, dessen Verhältnis zwischen Höhe und Durchmesser ist ein Viertel.

Schätzw. 500 - 700 EUR

Los 47 - Vase; Joalharia do Carmo, Portugal, ca. 1960-1970. Silber. Sie hat Dellen. Es hat Löcher. Abmessungen: 27 x 13 cm. Gewicht: 700 g. Ganz aus Silber gefertigte Vase mit einem periformen Korpus und einer Verzierung, die auf einem geometrischen Muster basiert, das über die gesamte Oberfläche der Vase verteilt ist. Das Juweliergeschäft Joalharia do Carmo in Lissabon wurde 1924 gegründet und wurde zu einer Referenz für Handwerkskunst und Filigranarbeit. Sie hat eine Delle.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 48 - Zylindrischer Schreibtisch aus dem späten 18. Jahrhundert. Mahagoniholz und Marmor auf der Platte. Applikationen aus Metall. Mit Gebrauchsspuren. Muss nachgearbeitet werden. Maße: 106 x 74,5 x 46 cm. Französischer Trommelschreibtisch aus Mahagoni aus dem XVIII. Jahrhundert im Stil des Directory. Er weist eine klare und ausgewogene Struktur auf, die auf vier typisch neoklassizistischen Beinen in Form von stilisierten kannelierten Säulen steht, die sich zum Fuß hin verjüngen. Auf der Vorderseite befinden sich drei Schubladen (zwei oben und eine unten) und eine aufklappbare Trommel, die alle mit separaten Schlössern versehen sind. Im Inneren der Trommel befinden sich zwei weitere, diesmal kleinere Schubladen, beide mit Griffen, sowie eine ausziehbare Ablage mit einer Matte, die als Schreibfläche dient. Das Muster folgt den gleichen neoklassischen Kriterien der Einfachheit und Geometrie, mit einer markanten Hohlkehle, die entlang des Profils jedes Teils der Struktur verläuft.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 49 - Beistelltisch; Directory-Periode; spätes 18. Jahrhundert. Jh. Nussbaumholz, vergoldetes Metall und Marmor. Er weist Gebrauchsspuren auf und muss restauriert werden. Maße: 75 x 82. Gueridón von Directory Epoche, die die ästhetischen Modelle typisch für die Französisch Neoklassizismus folgt, mit Struktur der raffinierten architektonischen Inspiration, Beine in Form von Stipe und Taille in Form von Fries, in dem eine kleine ausziehbare seitliche Ablage geschätzt werden kann. Es hat Metallfüße mit Rollen und eine obere Balustrade, ebenfalls aus vergoldetem Metall, und eine Tischplatte aus weißem Marmor.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 50 - Tisch/Panorama Napoleon III. Frankreich, Ende 19. Jahrhundert. Vergoldete Bronze. Platte aus Onyx. Maße: 80 x 40 x 40 cm. Stilisierter Beistelltisch mit der möglichen Funktion eines Sockels mit gewundenen Beinen aus vergoldeter Bronze, deren organische Inspiration, die auf Rippen basiert, sich in den Bronzeapplikationen in den Kambranen (als florale Kompositionen) und in den Knien (mit Faunusmasken) fortsetzt. Sie stehen auf Kugel- und Klauenfüßen und folgen in dieser Hinsicht und in der Schlankheit des Designs den höfischen Vorbildern von Louis XV. Der Onyx Umschlag ist schön marmoriert in verschiedenen Schattierungen von Grün.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 51 - Schere eines Schreibers; Albacete; XVIII Jahrhundert. Stahl. Maße: 32,5 x 4,5 cm. Die Schere des Notars oder Notariat, erwerben diesen Namen, weil seine Funktionalität in Trimmen der Bärte oder Kanten der Blätter des Papiers, gewohnte Praxis unter den Notaren, Beamten oder Notare lag. Diese Art von Schere war vom XVI. bis zum XIX. Jahrhundert unentbehrlich, wobei die in Albacete hergestellte Schere die bekannteste war. Im 17. Jahrhundert stieg die Nachfrage nach diesen Utensilien aufgrund der Ausbreitung des öffentlichen Dienstes, der die Verwaltung der Kolonien ermöglichte, stark an. Die Scheren aus Albacete tragen in der Regel eine Inschrift mit dem Jahr und dem Namen des Handwerkers, manchmal auch mit dem Namen und der Position des Auftraggebers.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 52 - Schere des Schreibers; Antequera, 1752. Stahl. Mit Inschrift. Maße: 23 x 4,5 cm. Die Schere des Notars oder Notariat, erwerben diesen Namen, weil seine Funktionalität in Trimmen der Bärte oder Kanten der Blätter von Papier, gewohnheitsmäßige Praxis unter den Notaren, Beamten oder Schreibern lag. Diese Art von Schere war vom XVI. bis zum XIX. Jahrhundert unentbehrlich, wobei die in Albacete hergestellte Schere die bekannteste war. Im 17. Jahrhundert stieg die Nachfrage nach diesen Utensilien aufgrund der Ausbreitung des öffentlichen Dienstes, der die Verwaltung der Kolonien ermöglichte, stark an. Die Scheren aus Albacete tragen in der Regel eine Inschrift mit dem Jahr und dem Namen des Handwerkers, manchmal auch mit dem Namen und der Position des Auftraggebers. Sie präsentieren eine Inschrift.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 53 - Fächer; Frankreich, zweites Drittel des achtzehnten Jahrhunderts. Polychrome Knochen und Gouache bemaltes Papier Land. Präsentiert Fehler. Bewahrt Fan-Halter. Abmessungen: 4 x 63 x 35 cm (Fächerhalter). Fan, die ein Land mit einer figurativen Szene von großer technischer Qualität geschmückt präsentiert. Der Künstler sammelt eine costumbrista Bild in der Nähe in thematischen und ästhetischen zu den galanten diejenigen, die so beliebt waren im 19. In einer weiten Landschaft entwickelt der Autor eine Szene des Geschmacks der Zeit, wo ein großer Garten dargestellt ist, genossen von mehreren Zeichen. Im 18. und frühen 19. Jahrhundert waren gesellschaftliche Zusammenkünfte bei öffentlichen Veranstaltungen der geeignete Rahmen für die Damen, um ihre neuen modischen Errungenschaften zu zeigen, zu denen die Fächer die perfekte Ergänzung waren. Diese wurden nicht nur wegen ihrer Nützlichkeit sehr wichtig, sondern auch, weil die Damen eine ganze Sprache rund um den Gebrauch und die Gestaltung des Fächers entwickelten. Er präsentiert Fehler. Behält den Fächerhalter.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 54 - Schale; Salvati und Co, Murano, um 1970. Filigranes Glas. Aktuelles Etikett auf dem Sockel. Maße: 11 x 22,5 x 22,5 cm. Salviati & Co wurde 1859 in Murano (Italien) von Dr. Antonio Salviati, Enrico Podio und Lorenzo Radi gegründet. Im Jahr 1883 wurde das Unternehmen von der Familie Barovier übernommen, aber unter dem Namen Salviati & Co. weitergeführt. Nach dem Tod von Antonio Salviati im Jahr 1890 wurde das Unternehmen von Amalia Salviati Ivanich und den beiden Söhnen von Salviati, Giulio Salviati und Silvio Salviati, übernommen. Zu den führenden Designern des Unternehmens gehören Dino Martens (1894-1970), Luciano Gaspari (1913-2007), Romano Chirivi (1931-), Renzo Camerino und Sergio Asti (1926-2021).

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 55 - RENÉ LALIQUE (Aÿ, Frankreich, 1860- Paris, 1945). "Bagatelle", um 1940. Mattiertes Glas. Signiert auf dem Sockel. Maße: 17 x 11 x 11 cm. Die Firma Lalique wurde von René Jules Lalique (1860 - 1945) gegründet, einem der bedeutendsten Glasmacher seiner Zeit, der als einer der ersten Glas für große Monumentalwerke wie die Brunnen der Champs Elysees formte. Er genoss große Anerkennung dank seiner originellen Kreationen von Schmuck, Parfümflaschen, Gläsern, Tellern usw. im Jugendstil und Art déco. Er lernte bei dem Pariser Juwelier Louis Aucoq und setzte dann seine Studien am Sudenham Art College in London fort. Die Exzellenz seiner Kreationen und der Geschmack, den er bei seinen Arbeiten an den Tag legte, brachten ihm wichtige Aufträge für die Innenausstattung von Schiffen, Zügen wie dem Orient Express, Kirchen wie St. Nicasius in Reims und zahlreichen religiösen und zivilen Goldschmieden ein. Lalique begnügte sich nicht damit, seine Modelle zu entwerfen, sondern gründete auch eine Fabrik, um sie in großen Mengen zu produzieren. Er patentierte mehrere innovative Herstellungsverfahren für Glas und verschiedene technische Effekte wie das "satinierte Lalique" oder opalisierendes Glas. Lalique-Stücke sind in bedeutenden Museen wie dem Corning Museum of Glass und dem Metropolitan in New York, dem Louvre oder dem Orsay in Paris und vielen anderen zu sehen.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 56 - LENCI (Turin, Akt. 1919-1940er Jahre). "Junge Frau auf einer Bank sitzend". 1935. Handbemaltes Porzellan. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 24 x 14 x 14 cm. Porzellanskulpturengruppe des Turiner Hauses Lenci. Bemalt von Hand mit hellen Farben und einer charakteristischen Ästhetik der dreißiger Jahre, hat es eine junge Frau mit einer roten Baskenmütze und skandinavischen Aussehen sitzt auf einer Bank mit einem offenen Buch links auf dem Sitz und ein Frosch auf dem Rand der Rückenlehne hockt dargestellt. Lenci war ein italienischer Puppenhersteller mit Sitz in Turin, der 1919 gegründet wurde. Der Firmenname ist ein Akronym des folgenden lateinischen Satzes: !Ludus est nobis constanter industria" (Spiel ist unsere ständige Arbeit). Das Unternehmen wurde von Enrico Scavini gegründet, der 1915 Elena König heiratete. Beide begannen mit der Herstellung von gepressten Filzpuppen, aber in den späten 1920er Jahren wandten sie sich der künstlerischen Keramik und dem Porzellan zu und arbeiteten mit den besten Künstlern Mailands zusammen. Zu Lencis Mitarbeitern gehörten Luigi Chessa, Giovanni Grande, Otto Maraini, Felice Tosalli, Mario Sturani und Sandro Vacchetti, der auch der erste künstlerische Leiter war. Die Puppen der Firma erlangten große Bekanntheit und waren in den 1920er und 1930er Jahren, einer Zeit, die von der faschistischen Diktatur geprägt war, die berühmtesten Puppen Italiens. Außerdem wurde der Erfolg in kurzer Zeit international und erhielt Auszeichnungen auf internationalen Ausstellungen in Zürich, Rom, Paris und Mailand. In den 1950er Jahren produzierte die Lenci-Fabrik in Lizenz Disney-Figuren wie Bambi, Thumper, Peter Pan, Dumbo und Pinocchio. Lenci-Keramik ist heute ein begehrtes Sammlerstück.

Schätzw. 1 400 - 1 800 EUR

Los 57 - Vase im Art déco-Stil. LENCI (Turin, ca. 1919-1940er Jahre). Handbemaltes Porzellan. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 26,5 x 21 x 14 cm. Vase aus dem turinischen Keramik- und Porzellanhaus Lenci. Die Vase folgt in ihrem Design und dem Blumendekor in Orange und Schwarz auf Weiß den Vorbildern des Art déco. Lenci war ein italienischer Puppenhersteller mit Sitz in Turin, der 1919 gegründet wurde. Der Firmenname ist ein Akronym des folgenden lateinischen Satzes: !Ludus est nobis constanter industria" (Spiel ist unsere ständige Arbeit). Das Unternehmen wurde von Enrico Scavini gegründet, der 1915 Elena König heiratete. Beide begannen mit der Herstellung von gepressten Filzpuppen, aber Ende der 1920er Jahre wandten sie sich der künstlerischen Keramik und dem Porzellan zu und arbeiteten mit den besten Künstlern Mailands zusammen. Zu Lencis Mitarbeitern gehörten Luigi Chessa, Giovanni Grande, Otto Maraini, Felice Tosalli, Mario Sturani und Sandro Vacchetti, der auch der erste künstlerische Leiter war. Die Puppen des Unternehmens erlangten große Bekanntheit und waren in den 1920er und 1930er Jahren, einer Zeit, die von der faschistischen Diktatur geprägt war, die berühmtesten Puppen Italiens. Außerdem wurde der Erfolg in kurzer Zeit international und erhielt Auszeichnungen auf internationalen Ausstellungen in Zürich, Rom, Paris und Mailand. In den 1950er Jahren produzierte die Lenci-Fabrik in Lizenz Disney-Figuren wie Bambi, Thumper, Peter Pan, Dumbo und Pinocchio. Lenci-Keramik ist heute ein begehrtes Sammlerstück.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 58 - Quellenpaar; Gesellschaft der Indischen Inseln, China, achtzehntes Jahrhundert. Porzellan. Maße: 37 x 45 cm (x2). Paar Porzellantabletts mit rosafarbener Familienemaillierung, Teil eines Geschirrs mit den Wappen der Familien Carr. Qing-Dynastie, Qianlong-Zeit, für den Export, Britische Ostindien-Kompanie. Die East India Company war ein Sammelbegriff für Unternehmen, die den Handel zwischen einer europäischen Metropole und ihren Kolonien verwalteten. Die chinesischen Manufakturen verstanden bald, dass die Europäer keine Porzellanexperten waren, und produzierten ein vulgäres Exportporzellan, das sogar Mängel aufwies, sich aber in den Augen der Westler als echte Kunstwerke entpuppte. Sobald der Handel regulär organisiert war, lieferten die indischen Kompanien den chinesischen Künstlern europäische Modelle, sowohl für die Formen als auch für die Dekoration. Das ganze 18. Jahrhundert hindurch wurde die blau-weiße Serie weitergeführt, allerdings von minderer Qualität, die dann Nanjing-Porzellan genannt wurde.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 59 - Nach Modellen von KARL HAGENAUER (Österreich, 1898 - 1956). "Galoppierende Pferde". Patinierte Bronze. Maße: 9,5 x 27 x 3,5 cm. Karl Hagenauer, Sohn des Goldschmieds Carl Hagenauer, studierte an der Kunstgewerbeschule in Wien, wo er Josef Hoffmann und Oskar Strnad als Lehrer hatte und vom Geist der Wiener Wekstätte geprägt wurde. Nach seinem Architekturdiplom leistete er zwischen 1917 und 1919 seinen Militärdienst ab und begann nach seiner Rückkehr als Architekt und in der Werkstatt seines Vaters zu arbeiten. In diesen Jahren schuf er zahlreiche Arbeiten aus Silber, Messing, Kupfer, Emaille, Elfenbein, Stein und Holz. Nach dem Tod seines Vaters übernahm er 1928 die Leitung der Werkstatt und war für die Expansion des Unternehmens verantwortlich, indem er die Produktion auf die Tischlerei ausdehnte und Geschäfte in Wien und Salzburg eröffnete. Von da an stellte er seine besten Stücke im In- und Ausland aus, wurde zweimal mit der Goldmedaille der Mailänder Triennale ausgezeichnet und zum Mitglied des Österreichischen Werkbundes und der Werkstätte ernannt. Heute sind seine Werke Teil von Sammlungen auf der ganzen Welt, darunter das Victoria & Albert Museum in London, das MoMA und das Jüdische Museum in New York, die Casa Lis in Salamanca und viele andere.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 60 - ÉMILE GALLÉ (Nancy, Frankreich, 1846 - 1904). Jugendstil-Soliflore-Vase, ca. 1898. Kamee-Glas, säuregeätzt. Auf einer Seite signiert. Provenienz: Spanische Privatsammlung, entstanden zwischen 1970 und 1995. Maße: 33 cm (Höhe); 9 cm (Durchmesser). Die Natur ist eine der Hauptinspirationsquellen von Gallé, dessen Stil sich dadurch auszeichnet, dass er die Elemente auf naturalistische Weise einfängt, wie durch ein Makro betrachtet, im Großformat oder in Form von Landschaften. Dieses Stück ist in Säure gearbeitet, der Haupttechnik der industriellen Produktion von Gallé. Es handelt sich um ein Kamee-Glas, d. h. ein Stück, das aus zwei oder mehr verschiedenfarbigen Glasschichten besteht, so dass sich das dekorative Motiv nach dem Eintauchen in Säure als Relief auf einem glatten, andersfarbigen Hintergrund abzeichnet. In diesem Fall weist das Dekor verschiedene Ebenen mit unterschiedlichen Reliefs auf, wobei eine Landschaft mit schlanken Bäumen im Vordergrund und hoch aufragenden Bergen im Hintergrund vorherrscht. Gallé stellte seine Technik der säuregeätzten Kamee auf der Pariser Ausstellung von 1889 vor, um das modernistische Glas der Öffentlichkeit vorzustellen. Es handelte sich um eine schnellere und billigere Form der Dekoration, die zu erschwinglicheren Stücken führte, die zwar in Massenproduktion hergestellt wurden, aber handgefertigt waren, da keine Schablonen verwendet wurden, sondern das Motiv von Hand auf jedes Stück gezeichnet wurde. Émile Gallé begann seine berufliche Laufbahn bei seinem Vater, der eine Glas- und Keramikfabrik besaß, und fertigte Entwürfe mit floralen und heraldischen Motiven an. Da er sich sehr für Botanik interessierte, beschäftigte er sich in seiner Jugend eingehend damit, abwechselnd mit Zeichenunterricht. Zwischen 1862 und 1864 reiste er auf Wunsch seines Vaters durch Italien, England und Deutschland und interessierte sich für die angewandte Kunst, aber auch für Themen wie Musik, Philosophie und Natur, die er später in seinen Werken reflektieren sollte. Nach seiner Rückkehr ließ er sich in Meisenthal nieder, wo sich die Glasöfen seiner Familie befanden, um das Handwerk des Glasmachers vollständig zu erlernen. Er reiste auch nach London und Paris, um sich die Sammlungen der dortigen Museen anzusehen. Im Jahr 1874 übernahm er die Fabrik seines Vaters und erlangte bald großen internationalen Erfolg, gewann Preise auf internationalen Ausstellungen und verkaufte Werke an bedeutende Sammlungen und Museen. Heute sind Werke von Émile Gallé unter anderem in der Eremitage in St. Petersburg, dem Metropolitan Museum in New York, dem Orsay Museum in Paris, dem Brohan Museum in Berlin und dem Victoria & Albert Museum in London zu sehen. Die Natur ist eine der wichtigsten Inspirationsquellen für Gallé, dessen Stil sich dadurch auszeichnet, dass er die Elemente auf naturalistische Weise einfängt, wie durch ein Makro betrachtet, in Großformat oder in Form von Landschaften. Dieses Stück ist mit Flusssäure bearbeitet, der Haupttechnik der industriellen Produktion von Gallé. Es handelt sich um ein Kamee-Glas, d. h. ein Stück, das aus zwei oder mehr Schichten verschiedenfarbigen Glases besteht, so dass sich das dekorative Motiv nach dem Eintauchen in die Säure als Relief auf einem glatten, andersfarbigen Hintergrund abzeichnet. In diesem Fall besteht die Dekoration aus drei Ebenen mit unterschiedlichen Reliefs, dem dunklen Motiv auf hellem Grund und schließlich einem Dämmerungshimmel in einem Ockerton. Auf der Pariser Ausstellung von 1889 stellte Gallé seine Technik der säuregeätzten Kamee vor, mit der er das modernistische Glas der Öffentlichkeit zugänglich machen wollte. Es handelt sich um eine schnellere und billigere Art der Dekoration, so dass das Ergebnis erschwinglichere Stücke waren, die zwar in Massenproduktion hergestellt wurden, aber handgefertigt waren, da keine Schablonen verwendet wurden, sondern das Motiv von Hand auf jedes Stück gezeichnet wurde.

Schätzw. 1 400 - 1 500 EUR

Los 61 - Vogel; nach BUCCELLATI-Modellen, zwanzigstes Jahrhundert. Silber 925. Präsentiert Schläge. Maße: 4 x 9,5 x 4,5 cm. Vogel ganz in Silber mit Fäden als Faden in den Körper gemacht. Ästhetisch steht das Werk den Modellen der italienischen Firma Buccellati nahe, die 1919 von Mario Buccellati in Mailand gegründet wurde und bald für die Qualität und Eleganz seiner Kreationen, sowohl bei Silberwaren als auch bei Schmuck, bekannt wurde. Im Jahr 1951 eröffnete das Unternehmen sein erstes Geschäft in New York, nur drei Jahre später folgte ein zweites in derselben Stadt. 1979 eröffnete Gianmaria Buccellati das Flaggschiff des Unternehmens in Paris, am Place Vendome, und bestätigte damit den Status des Unternehmens als eines der renommiertesten der Welt. Bereits in den neunziger Jahren wird die Bedeutung des Unternehmens mit der Ausstellung "The Art of Buccellati" gewürdigt, die 1995 in der Academy of Sciences in San Francisco stattfindet und im darauffolgenden Jahr an das Royal Ontario Museum in Toronto geht. Im Jahr 2000 widmet die Smithsonian Institution in Washington D.C. dem Unternehmen die Ausstellung "Buccellati: Art in Gold, Silver and Gems" widmen, und 2008 wird die Ausstellung "Buccellati, Timeless Art" im Staatlichen Kremlmuseum in Moskau eröffnet.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 62 - Vierzehn Figuren; Swarovski, Österreich, 20. Jahrhundert. Geschliffener Kristall. Einige Stücke haben leichte Mängel. Signaturen auf dem Sockel. Maße: 8,5 x 5 x 3,5 cm (größer); 2 x 2 x 2 x 2 cm (kleiner). Das Los besteht aus 14 geschliffenen Glasfiguren. Das österreichische Unternehmen Swarovski widmet sich der Herstellung von Produkten aus Kristall. Die breite Palette umfasst Skulpturen, Kristallminiaturen für Schmuck und Haute Couture, Innendekoration, Kerzenständer und "Strasssteine" (eine Art diamantähnlicher Stein) für Hersteller und Künstler. Das Unternehmen wurde von Daniel Swarovski (1862-1956) gegründet, der 1892 eine revolutionäre Maschine erfand, die es ermöglichte, Kristall mit größerer Präzision zu schleifen, als dies mit der Hand möglich war. Drei Jahre später gründete er seine eigene Fabrik in Wattens (Tirol) und brachte 1931 die erste Linie von Schleifen mit aufgenähten kleinen geschliffenen Kristallen auf den Markt, womit er in den Markt für Modeaccessoires einstieg. 1956, kurz vor seinem Tod, entwickelte Swarovski zusammen mit Christian Dior den Aurora Borealis"-Effekt, eine schimmernde Oberfläche, die die Brillanz des geschliffenen Kristalls noch verstärkt. Einige Stücke weisen leichte Mängel auf.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 63 - Schreibstube, Frankreich, 1845- 1878. Silber. Maße: 25,5 x 29 x 19,5 cm. Gewicht: 734 g. Es ist ein Schreibtisch des achtzehnten Jahrhunderts Inspiration, mit einer Basis mit geschwungenem Profil, reich verziert mit Klammern, Palmetten und Akanthusblätter in Relief gearbeitet, mit gemeißelten Details. In der Mitte des Sockels befindet sich eine runde Zierplastik, ebenfalls aus Silber, die eine junge Frau darstellt, die eine Schale hält, die von einer Skulptur gekrönt wird. Auf beiden Seiten befinden sich ein Tintenfass und ein Wäscheständer in Form einer Tasse mit hohem Fuß, der mit synthetischen Blütenblättern verziert ist. Mit Durchstichen.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 64 - Salva mit niedrigem Fuß; Spanien, XVII Jahrhundert. Silber. Präsentiert mögliche Schläge. Maße: 4 x 18,5 x 18,5 cm. Gewicht: 296 g. Salvilla-frutero in spanischen Silber, zwischen dem späten siebzehnten Jahrhundert gemacht. Es stellt Punzierungen auf der Innenseite der Basis. Es handelt sich um ein funktionelles Stück mit rundem, gestuftem Fuß, ohne andere Verzierungen als die konzentrischen, eingeschnittenen Rillen, die dem Profil der Stufen folgen, mit glattem und breitem Schaft und einer oberen, mit geometrischen Elementen verzierten Schale. Die Salvillas dienten dazu, andere kleinere Gefäße zu halten und sie auf dem Tisch hervorzuheben, und sie tauchen bereits in Stillleben des spanischen Barock auf. Sie wurden aus verschiedenen Materialien hergestellt, wobei die silbernen zu den am meisten geschätzten gehörten. Das vorliegende Werk entspricht stilistisch den Modellen des Neoklassizismus, die sich durch ihre Reinheit der Linien und ihre Eleganz auszeichnen.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 65 - Schreibstube; Frankreich, 1840-1878. Silber. Präsentiert Stanzen. Abmessungen: 20,5 x 34 x 18,5 cm. Gewicht: 922 g. Scribe vollständig aus Silber, bestehend aus einer Basis und drei Brunnen, jeder von ihnen gemeißelt. Gekrönt mit kleinen Figuren, ruhen sie auf einem Tablett auf zwei Füßen mit einer Katzenkralle und die Seiten als Finial eines amorcillo gekrönt erhöht. Es handelt sich um einen reich verzierten Schreibtisch. Wie in der Kunst des 19. Jahrhunderts üblich, ist der Einfluss des Neoklassizismus in diesem Werk deutlich zu erkennen, ebenso wie die Verwendung neuer Techniken im Bereich des Silbers für die Verzierung bestimmter Elemente des Schreibtisches. Die Bewegung, die in dem Tablett zu sehen ist, ist zwar sehr weich, erinnert aber an frühere Werke verschiedener Stile, ein Einfluss, der in dieser Zeit ebenfalls häufig ist.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 66 - Scribanía; Carreras Platero ESM, Barcelona, drittes Viertel des neunzehnten Jahrhunderts. Silber. Präsentiert Fehler. Es hat Schläge. Maße: 16 x 27 x 16,5 cm. Gewicht: 636 g. Schreiber, bestehend aus zwei Tintenfässern und drei muschelförmigen Behältern oder venera, wird von Stempel begleitet. Es hat dekorative Motive von Zweigen und Muscheln, mit einem Kind reitet auf dem Rücken eines Hundes. Es hat ein Rokoko-Design, bei dem die Struktur von einem Sockel mit verschiedenen pflanzlichen Motiven in Relief ausgeht. Das Rokoko wird als eine Kunst im Dienste des Komforts, des Luxus und der Feierlichkeit dargestellt. Die vorherrschenden Szenen sind die von der Natur inspirierten Formen und die Schönheit des nackten Körpers. Abmessungen: 16 x 27 x 16,5 cm.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 67 - Notariatsbüro; Manuel Rebollo und Antonio García, León, 1849. Silber. Präsentiert Fehler. Es hat Schläge auf der Basis. Abmessungen: 20 x 22 x 13,5 cm. Gewicht: 1152 g. Silbernes Schreibpult, mit schalenförmigem Untersatz mit pflanzlichem Maßwerk. Das Schreibpult ist mit drei Behältern ausgestattet: Tintenfass, Federhalter und Sandkasten. Alle haben eine zylindrische Struktur mit einem stoffähnlichen Muster im Schulterbereich, das in den kuppelförmigen Deckel mit einem oberen Abschluss übergeht. Präsentiert Fehler.

Schätzw. 1 200 - 1 400 EUR

Los 68 - Scribanía; Meister des Pfaus und Francisco de Paula Carreas y Durán; 1883-1847. Silber. Präsentiert Fehler. Es hat Schläge und Spuren des Gesetzes. Maße: 19 x 23,5 x 12 cm. Gewicht: 722 g. Schreibtisch, bestehend aus einem ovalen Tablett, das auf vier Beinen steht und mit Schriftrollen und pflanzlichen Elementen verziert ist. Auf diesem Teil befinden sich zwei Deckelvasen mit klaren Linien und einem von der Natur inspirierten Dekor, der einfache Blumen mit ihrer Physiognomie zeichnet. Diese beiden Stücke flankieren eine silberne Figur in Form einer Tänzerin, die mit erhobenen Armen eine Tasse stützt, die im oberen Bereich in Form eines Fisches endet. Wie in der Kunst des 19. Jahrhunderts üblich, ist der Einfluss des Neoklassizismus in diesem Werk deutlich zu erkennen, ebenso wie die Verwendung neuer Techniken auf dem Gebiet des Silbers für die Verzierung bestimmter Elemente der Wimpel. Die auf dem Tablett zu sehende Bewegung erinnert an frühere Werke in verschiedenen Stilen, ein Einfluss, der in dieser Zeit ebenfalls häufig vorkommt. Das Tablett ist mit Stempeln und Rechtszeichen versehen.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Los 69 - Aubusson-Teppich mit Namensschild; Spanien, 1950er Jahre. Dochtwolle und Jute. Maße: 142 x 323 cm. Es zeigt ein cremefarbenes Feld mit einem vielgliedrigen Medaillon, das vollständig aus pflanzlichen Elementen wie naturalistischen Blumen, hauptsächlich Rosen, besteht und von wellenförmigen Bändern umgeben ist, die in Schleifen geknüpft und um Blumengirlanden angeordnet sind, die denen des zentralen Medaillons ähneln. Die Bordüre besteht aus zwei Bändern: das Hauptband ist mit einer Bordüre aus pflanzlichen Elementen verziert, das äußere mit blauen Blumen. Komplementäre Farben: verschiedene Schattierungen von Rosa, Rot, Grün, Blau, Lila, Grau und Gelb.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 70 - Teppich; Spanien, 1950er Jahre. Dochtwolle und Jute. Maße: 135 x 250 cm. Teppich in rechteckigem Format, der ein grünes Feld mit geometrischen Motiven in Form eines Gitters mit stilisiertem pflanzlichem Muster im Inneren zeigt. Dieses Element wird in rhythmischer Weise wiederholt und variiert in Größe und Anordnung. Das Stück hat einen glatten Rand.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 71 - Cuenca-Design-Teppich; Spanien, 1950er Jahre. Dochtwolle und Jute. Spanischer Knoten. Maße: 250 x 290 cm. Teppich aus Wolle und Jute mit spanischer Knüpfung. Der Teppich hat ein beiges Feld, das mit synthetischen Pflanzenmotiven verziert ist, die miteinander verbundene Medaillons bilden, die sich rhythmisch über die gesamte Fläche wiederholen. Die Bordüre besteht aus einem einzigen Band, das von einer Bordüre besetzt ist, die ein ähnliches Muster wie das des Teppichfeldes wiederholt.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 72 - Lama; Südvietnam, XVIII- XIX Jahrhundert. Rot lackiertes und vergoldetes Holz. Beigefügtes Zertifikat von dem Spezialisten Le My Hao ausgestellt. Das Werk wurde auf der Messe Highlights Maastricht 2007 ausgestellt. Leichte Gebrauchsspuren. Maße: 55 x 43,5 x 36 cm. Rot lackierte Holzskulptur, die einen sitzenden Lama darstellt. Er nimmt auch die Haltung der Lotusblume ein und vollführt eine Mudra, die symbolisiert, dass er die Erde als Zeuge nimmt. Sie wird Bhumisparsa-Mudra genannt, die Geste der Erdberührung. Sie spielt auf den Moment an, in dem Buddha das Problem der Beendigung des Leidens löste, als er unter dem Baum in Bodhi-Gaya saß. Darüber hinaus können wir zahlreiche Lakshana erkennen, ikonografische Symbole, die den Buddha identifizieren, wie die halbgeschlossenen Augen, die verlängerten Ohrläppchen, die auf die großen Ohrringe anspielen, die von Mitgliedern der Oberschicht in Indien zur Zeit Sakyamunis getragen wurden, und die die Konzepte von Größe, Adel und Weisheit repräsentieren Der Protagonist trägt eine klösterliche Robe mit langen Falten, die auf naturalistische Weise fallen. Die Gesichts- und Körperzüge sind sehr menschlich und gleichzeitig individualisiert, und die Liebe zum Detail ist extrem hoch. Die Rippen sind stark betont. Er sitzt im Schneidersitz, in einer Meditationshaltung, seine enorme Schlankheit könnte auf eine Fastenzeit zurückzuführen sein, in der er den lebenswichtigen Schritten des Buddha folgte. Das Stück ist aus einem einzigen Holzblock mit der in der vietnamesischen Kunsttradition sehr verbreiteten Technik des Lackierens und Vergoldens gefertigt. Zunächst wurde eine ziemlich dicke Schicht schwarzen Lacks aufgetragen, auf die dann eine dünnere Schicht roten oder braunen Lacks folgen konnte, über der die Vergoldung angebracht wurde. Der braun lackierte Habit Das beigefügte Zertifikat wurde von dem Spezialisten Le My Hao ausgestellt. Das Werk wurde auf der Ausstellung Highlights Maastricht 2007 ausgestellt. Leichte Gebrauchsspuren.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 73 - Lachender Buddha; China, Republikzeit, um 1920. Porzellan glasiert und glasiert. Auf dem Sockel eingeritzte Marke "Jingzhen Wan Tongshun Zao Bei Lou li". Maße: 25,5 x 24,5 x 14 cm. Lachender Buddha aus glasiertem und emailliertem Porzellan, der eine übliche Typologie mit der Figur eines großen Buddhas in Begleitung von fünf Kindern darstellt. Er erscheint mit den traditionellen ikonografischen Merkmalen des Maitreya des Glücks, der im Volksmund auch als dicker Buddha oder lächelnder Buddha bezeichnet wird: schräg gestellte Augen und offenes Lachen, verlängerte Ohrläppchen, die Adel und Weisheit symbolisieren, voluminöser Körper, den der Mantel kaum bedeckt, da der nackte Bauch demjenigen, der ihn streichelt, Glück bringt. Die große Ausdruckskraft des Antlitzes, die entspannte Haltung und der Naturalismus, mit dem das üppige Fleisch und die Weichheit des Fleisches eingefangen werden, sind charakteristisch für die chinesische Bildhauerei. Der mythologische Ursprung dieses Avatars des Buddha geht auf die Zeit der chinesischen Liang-Dynastie zurück. Es wird angenommen, dass er ein buddhistischer Mönch war, der aufgrund seines wohlwollenden Wesens als Inkarnation des Bodhisattva Maitreya angesehen wurde.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 74 - Prajnaparamit; Indonesien, Zentraljava, Majapahit-Zeit, 16. Jahrhundert. Weißer Sandstein. Beigefügtes Echtheitszertifikat des Spezialisten Ha Thuc Can. Es präsentiert Fehler und Restaurierungen. Abmessungen: 99 x 51 x 49 cm. Steinstele aus weißem Sandstein, die eine rechteckige Struktur in der Spitze beendet, als ob es ein architektonisches Motiv, das eine Figur in Hochrelief geschnitzt begrüßt präsentiert. Der Stein ist reich gemeißelt, im unteren Bereich befindet sich ein rechteckiger Körper mit Reliefdetails, die als Sockel mit schematisierten Lotusblättern als ornamentales Detail angeordnet sind. Auf diesem Sockel ist die Hauptfigur fast in einer runden Ausbuchtung geschnitzt, die sich als Hauptmotiv der Schnitzerei etabliert hat. Die Figur wird, wie bereits erwähnt, vom Stein selbst eingerahmt, der einen architektonischen Raum nachbildet. Prajnaparamita bedeutet im Mah?y?na "die Vollkommenheit der Weisheit" oder "transzendentales Wissen". Prajnaparamita bezieht sich auf eine vervollkommnete Art und Weise, die Natur der Realität zu sehen, sowie auf eine bestimmte Sammlung von Schriften. Majapahit war ein hinduistisch-buddhistisches javanisches Reich in Südostasien mit Sitz auf der Insel Java. Majapahit war eines der letzten großen hinduistisch-buddhistischen Reiche der Region und gilt als eines der größten und mächtigsten in der Geschichte Indonesiens und Südostasiens. Manchmal wird es als Vorläufer der modernen Grenzen Indonesiens angesehen. Die Majapahit-Kunst war die Fortsetzung der ostjavanischen Kunst, des Stils und der Ästhetik, die seit dem 11. Jahrhundert während der Kediri- und Singhasari-Periode entwickelt wurden. Im Gegensatz zu den früheren naturalistischen, entspannten und fließenden Figuren des klassischen zentraljavanischen Stils zeigt dieser ostjavanische Stil eine starrere, stilisierte Pose, die in wayangähnlichen Figuren dargestellt wird, wie sie in den Flachreliefs ostjavanischer Tempel eingemeißelt sind. Beigefügtes Echtheitszertifikat des Spezialisten Ha Thuc Can. Es zeigt Mängel und Restaurierungen.

Schätzw. 15 000 - 20 000 EUR

Los 75 - Bodhisattva; China, östliche Wei-Dynastie, 534-550 oder nördliche Qí, 550-577. Kalkstein mit Resten von Polychromie und Vergoldung. Auf der Feriarte 2008 ausgestelltes Werk. Beigefügt Test MEB-EDAX. Abmessungen: 108 x 30 x 26 cm. Skulptur aus Kalkstein mit Resten von Polychromie und Vergoldung, vor allem sichtbar im Gesicht, Hände, Rumpf und Füße, obwohl es auch ornamentale Details, wo man Spuren von Vergoldung zu sehen. Die runde Skulptur ist auf der Vorder- und Rückseite poliert, was auf die technische Qualität des Bildhauers und des Stücks hindeutet. Sie steht, wie üblich, auf Lotusblütenblättern. Aufrecht und majestätisch erhebt sich die Figur mit einem heiteren Gesicht, das durch geschlossene Augenlider und ein leichtes Lächeln, die für diese Stücke charakteristischen Mudras sowie die Haltung der Hände sichtbar wird. Der Begriff Bodhisattva bezeichnet ein Wesen, das durch die systematische Ausübung der vollkommenen Tugenden die Buddhaschaft erlangt, aber darauf verzichtet, ins vollständige Nirvana einzugehen, um allen Wesen zu helfen und sie zu leiten, bis sie alle befreit sind. Seine bestimmende Eigenschaft ist Mitgefühl, unterstützt durch Weisheit und höchstes Wissen. Ein Bodhisattva leistet aktive Hilfe und ist bereit, das Leiden aller Wesen auf sich zu nehmen und sein karmisches Verdienst auf andere zu übertragen; logischerweise sind sie das Objekt der Verehrung durch die Gläubigen, die sich ihnen näher fühlen und in ihnen Führer und Hilfe in ihren Nöten sehen. Das Werk wurde auf der Feriarte 2008 ausgestellt. Beigefügter MEB-EDAX-Test.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 76 - Parikara - Jain-Altar; Indien, Süd-Rajasthan, Mount Abu; 10.-13. Jahrhundert. Marmor mit Spuren von Polychromie. Er hat einen Sockel, der ex profeso hergestellt wurde. Abmessungen: 112 x 71 x 29 cm. Jainische Nische, die ein Bild der siegreichen Jina beherbergen sollte. Das aus Marmor gefertigte Stück weist eine symbolische und allegorische Dekoration auf. Es basiert auf anthropomorphen und zoomorphen Motiven, die auf die Vergeblichkeit anspielen. Das Stück, das trotz seines komplizierten ornamentalen Musters eine strenge Symmetrie beibehält, bewahrt noch einen Teil der Polychromie. Die Grün-, Gelb- und Rottöne, die zu sehen sind, weisen auf die große Ausdruckskraft hin, mit der dieses Werk ursprünglich konzipiert wurde. Der Jainismus, auch bekannt als Jain Dharma, ist eine indische Religion. Der Jainismus verfolgt seine spirituellen Ideen und seine Geschichte durch die Abfolge von vierundzwanzig tirthankaras (höchste Prediger des Dharma), wobei der erste im gegenwärtigen Zeitzyklus Rishabhadeva ist, der der Überlieferung zufolge vor Millionen von Jahren gelebt hat, der dreiundzwanzigste tirthankara Parshvanatha, den Historiker auf das neunte Jahrhundert vor Christus datieren, und der vierundzwanzigste Tirthankara Parshvanatha, den Historiker auf das neunte Jahrhundert v. Chr. datieren, und der vierundzwanzigste Tirthankara Parshvanatha Parshvanatha, den Historiker auf das neunte Jahrhundert v. Chr. datieren. Der Jainismus ist eine der ältesten Religionen, die auch heute noch praktiziert wird. In Mount Abu befinden sich mehrere Jain-Tempel, darunter die Dilwara-Tempel, ein Komplex von Tempeln, die aus weißem Marmor gefertigt sind. Diese Jain-Tempel wurden von Vimal Shah erbaut und von Vastupala, dem Jain-Minister von Dholka, entworfen. Sie sind berühmt für die Verwendung von weißem Marmor und die komplizierten Marmorschnitzereien.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Los 77 - Paar Balustervasen; China, Qing-Dynastie, Qianlong-Periode, 1736-1795. Glasiertes Porzellan und vergoldete Bronzebeschläge. Einer der Beschläge fehlt. Sie haben eine Inschrift auf dem Sockel. Abmessungen: 64,5 x 25,5 x 25,5 cm (x2). Paar Balustervasen aus blau emailliertem Porzellan, bekannt als "Puderblau". Beide Stücke haben pflanzliche Ornamente in Weiß auf Blau und Reliefelemente wie die Drachen, die als Henkel dienen. Die Mündungen sind mit vergoldeten Bronzebeschlägen verziert, auf denen verschiedene Früchte, wie z. B. Weintrauben, dargestellt sind. Der zur Qing-Dynastie gehörende Qianlong-Kaiser regierte China von 1736 bis 1795 und gilt bis heute als einer der kultiviertesten Kaiser und einer der bedeutendsten Kunstsammler. Seine lange Regierungszeit war eine besonders interessante Zeit in der chinesischen Geschichte. Zu dieser Zeit war das Land die reichste und bevölkerungsreichste Nation der Welt. Qianlong war in der Lage, seine eigenen Traditionen als mandschurischer Jäger und Krieger zu bewahren und zu pflegen und sie mit der Übernahme der konfuzianischen Prinzipien der politischen und kulturellen Führung zu verbinden, wodurch eine effektive und stabile Regierung entstand. Gerade seine Fähigkeit, chinesische Bräuche zu übernehmen und gleichzeitig seine mandschurische Tradition zu ehren, machte ihn zu einem der erfolgreichsten Kaiser der Qing-Dynastie. Qianlong studierte die chinesische Malerei und erfreute sich vor allem an der Kunst der Kalligraphie, die in dieser Kultur hoch angesehen war und sogar als die höchste aller Künste galt. Einer der Sättel fehlt.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 78 - Salbei-Steine oder Gongshi ; China, Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Kalkstein auf Holzsockel. Maße: 39 x 17 x 11 cm. Gongshi, auch bekannt als Gelehrtensteine oder Visionssteine, sind natürliche oder geformte Felsen, die traditionell von chinesischen Gelehrten geschätzt werden. Gelehrtensteine können von beliebiger Farbe sein, wobei kontrastierende Farben nicht ungewöhnlich sind. Auch die Größe des Steins kann stark variieren: Gelehrtensteine können Hunderte von Kilogramm oder weniger als ein Kilogramm wiegen. Der Begriff bezeichnet auch Steine, die in traditionellen chinesischen Gärten aufgestellt werden. In der Tang-Dynastie wurde eine Reihe von vier wichtigen Eigenschaften für Felsen anerkannt. Sie lauten: Dünnheit, Offenheit, Einstiche und Falten. Gelehrtensteine sind in der Regel Karstkalksteine. Im 17. Jahrhundert waren die ästhetischen Ideale der Malerei und der Gelehrtensteine fast ununterscheidbar. Die phantastischen Felsen im Garten, oft vor einer weißen Wand angeordnet, wie in The Astor Court, konnten von Kompositionsformeln inspiriert sein, die in gemalten Landschaften entwickelt wurden; umgekehrt ähnelten die Textur und die phantastischen Formen gemalter Landschaften oft eher denen der Gelehrtenfelsen als denen der tatsächlichen Landschaft. Die Leidenschaft für phantastische Felsen gipfelte in dieser Zeit in zahlreichen "Porträts" von realen und imaginären Exemplaren.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 79 - Schmuckkästchen; Thailand oder Birma, um 1900. Geprägtes Silber und Holzkern. Es hat einige Mängel. Abmessungen: 8 x 25,5 x 15 cm. Gewicht: 965 g. Rechteckige Dose mit flachem Deckel, der in den Ecken mit Pflanzenranken verziert ist, und zentralem Rand mit gemischtem Profil, in dessen Inneren eine komplexe figurative Szene mit bewaffneten Figuren auf Elefanten dargestellt ist. Das Motiv der Krieger, allerdings ohne Elefanten, wiederholt sich in vereinfachter Form auf der Vorderseite des Stücks. Es ist eindeutig von Vorbildern aus der Vergangenheit inspiriert, die neu interpretiert und aktualisiert wurden, um sie dem neuen Geschmack des heutigen Werks anzupassen. Es weist einige Fehler auf.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 80 - Nuo-Ritualmaske; China, Provinz Hunan, Qing-Dynastie, 18. Jh. oder früher Zhang-Mu-Holz Ausgestellt auf der Brüsseler Messe für Orientalische Kunst, 2008. Es hat leichte Mängel. Maße: 28 x 27 x 19 cm; 60 x 22 x 22 x 22 cm (mit Ständer). Es handelt sich um eine Handmaske zur Aufführung des "Löwentanzes". Wegen seiner kleinen Abmessungen. Der Löwentanz begann in China vor etwa 2000 Jahren, während der Han-Dynastie (206 v. Chr. - 220 n. Chr.). Seine größte Blütezeit erlebte er während der Tang-Dynastie (618-907 n. Chr.), deren erste Erwähnung in dem Buch Über die Musik zu finden ist. In dem Text heißt es, dass der Löwentanz mit fünf Löwen getanzt wurde, einem großen und vier kleinen, die alle unterschiedliche Farben hatten. Der Tanz war nur den Angehörigen der herrschenden Struktur des Reiches vorbehalten, wurde aber nach und nach populär. Diese Popularisierung erleichterte seine Umwandlung in das, was er heute ist: ein traditioneller Tanz, der mit einem einzigen Löwen aufgeführt wird. Einen großen Aufschwung erlebte es während der Qing-Dynastie (1644-1911), als die Mandschus die Ausübung der Kampfkünste verboten, um das Volk daran zu hindern, sich gegen ihre despotische Regierung aufzulehnen. Die meisten Kung-Fu-Praktizierenden wurden zu Revolutionären, die die Ming-Dynastie wiederherstellen wollten, und so diente der Löwentanz dem Informationsaustausch zwischen den Revolutionären. Innerhalb der Nuo-Rituale gab es einen besonderen Löwentanz, der bei der ethnischen Gruppe der Han in Hunan sehr beliebt war. Die Maske wurde in der Hand gehalten, während der Schamane oder die Person, die sie trug, im Rhythmus der Musik tanzte. Sie sangen und tanzten zur Musik, um die Geister in eine bestimmte Gegend zu locken und sie um ihre Gunst zu bitten. Das Werk wurde auf der Brüsseler Messe für orientalische Kunst 2008 ausgestellt. Es weist leichte Mängel auf.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 81 - Nuo-Ritualmaske; China, Provinz Hunan, Qing-Dynastie, 18. Jahrhundert oder früher. Zhang Mu Holz Ausgestellt auf der Brüsseler Messe für Orientalische Kunst, 2008. Es hat leichte Mängel. Maße: 52 x 44 x 17 cm; 82 x 40 x 24 cm (mit Ständer). Es handelt sich um eine Handmaske zur Aufführung des "Löwentanzes". Wegen seiner kleinen Abmessungen. Der Löwentanz begann in China vor etwa 2000 Jahren, während der Han-Dynastie (206 v. Chr. - 220 n. Chr.). Seine größte Blütezeit erlebte er während der Tang-Dynastie (618-907 n. Chr.), deren erste Erwähnung in dem Buch Über die Musik zu finden ist. In dem Text heißt es, dass der Löwentanz mit fünf Löwen getanzt wurde, einem großen und vier kleinen, die alle unterschiedliche Farben hatten. Der Tanz war nur den Angehörigen der herrschenden Struktur des Reiches vorbehalten, wurde aber nach und nach populär. Diese Popularisierung erleichterte seine Umwandlung in das, was er heute ist: ein traditioneller Tanz, der mit einem einzigen Löwen getanzt wird. Einen großen Aufschwung erlebte es während der Qing-Dynastie (1644-1911), als die Mandschus die Ausübung der Kampfkünste verboten, um zu verhindern, dass sich das Volk gegen ihre despotische Regierung auflehnte. Die meisten Kung-Fu-Praktizierenden wurden zu Revolutionären, die die Ming-Dynastie wiederherstellen wollten, und so diente der Löwentanz dem Informationsaustausch zwischen den Revolutionären. Innerhalb der Nuo-Rituale gab es einen besonderen Löwentanz, der bei der ethnischen Gruppe der Han in Hunan sehr beliebt war. Die Maske wurde in der Hand gehalten, während der Schamane oder die Person, die sie trug, im Rhythmus der Musik tanzte. Sie sangen und tanzten zur Musik, um die Geister in eine bestimmte Gegend zu locken und sie um ihre Gunst zu bitten. Das Werk wurde auf der Brüsseler Messe für orientalische Kunst 2008 ausgestellt. Es weist leichte Mängel auf.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 82 - Nuo-Ritualmaske; China, Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert Zhang Mu Holz. Ausgestellt auf der Brüsseler Messe für Orientalische Kunst, 2008. Es präsentiert Fehler und Verschleiß. Maße: 29 x 25 x 17 cm; 54 x 22 x 18 x 18 cm (mit Ständer). Es handelt sich um eine Handmaske zur Durchführung des "Löwentanzes". Aufgrund seiner kleinen Abmessungen. Der Löwentanz begann in China vor etwa 2000 Jahren, während der Han-Dynastie (206 v. Chr. - 220 n. Chr.). Seine größte Blütezeit erlebte er während der Tang-Dynastie (618-907 n. Chr.), deren erste Erwähnung in dem Buch Über die Musik zu finden ist. In dem Text heißt es, dass der Löwentanz mit fünf Löwen getanzt wurde, einem großen und vier kleinen, die alle unterschiedliche Farben hatten. Der Tanz war nur den Angehörigen der herrschenden Struktur des Reiches vorbehalten, wurde aber nach und nach populär. Diese Popularisierung ermöglichte seine Umwandlung in das, was er heute ist: ein traditioneller Tanz, der mit einem einzigen Löwen getanzt wird. Einen großen Aufschwung erlebte es während der Qing-Dynastie (1644-1911), als die Mandschus die Ausübung der Kampfkünste verboten, um zu verhindern, dass sich das Volk gegen ihre despotische Regierung auflehnte. Die meisten Kung-Fu-Praktizierenden wurden zu Revolutionären, die die Ming-Dynastie wiederherstellen wollten, und so diente der Löwentanz dem Informationsaustausch zwischen den Revolutionären. Das Werk wurde auf der Brüsseler Messe für Orientalische Kunst 2008 ausgestellt. Es weist Mängel und Gebrauchsspuren auf.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 83 - Nuo-Ritualmaske; China, Provinz Hunan, Qing-Dynastie, 18. Jahrhundert oder früher. Zhang Mu-Holz. Ausgestellt auf der Brüsseler Messe für Orientalische Kunst, 2008. Es hat leichte Mängel. Maße: 42 x 26 x 15 cm; 55 x 28 x 20 x 20 cm (mit Ständer). Es handelt sich um eine Handmaske zur Aufführung des "Löwentanzes". Wegen seiner kleinen Abmessungen. Der Löwentanz begann in China vor etwa 2000 Jahren, während der Han-Dynastie (206 v. Chr. - 220 n. Chr.). Seine größte Blütezeit erlebte er während der Tang-Dynastie (618-907 n. Chr.), deren erste Erwähnung in dem Buch Über die Musik zu finden ist. In dem Text heißt es, dass der Löwentanz mit fünf Löwen getanzt wurde, einem großen und vier kleinen, die alle unterschiedliche Farben hatten. Der Tanz war nur den Angehörigen der herrschenden Struktur des Reiches vorbehalten, wurde aber nach und nach populär. Diese Popularisierung erleichterte seine Umwandlung in das, was er heute ist: ein traditioneller Tanz, der mit einem einzigen Löwen aufgeführt wird. Einen großen Aufschwung erlebte es während der Qing-Dynastie (1644-1911), als die Mandschus die Ausübung der Kampfkünste verboten, um das Volk daran zu hindern, sich gegen ihre despotische Regierung aufzulehnen. Die meisten Kung-Fu-Praktizierenden wurden zu Revolutionären, die die Ming-Dynastie wiederherstellen wollten, und so diente der Löwentanz dem Informationsaustausch zwischen den Revolutionären. Innerhalb der Nuo-Rituale gab es einen besonderen Löwentanz, der bei der ethnischen Gruppe der Han in Hunan sehr beliebt war. Die Maske wurde in der Hand gehalten, während der Schamane oder die Person, die sie trug, im Rhythmus der Musik tanzte. Sie sangen und tanzten zur Musik, um die Geister in eine bestimmte Gegend zu locken und sie um ihre Gunst zu bitten. Das Werk wurde auf der Brüsseler Messe für orientalische Kunst 2008 ausgestellt. Es weist leichte Mängel auf.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 84 - Maske der göttlichen Bestie; China, Guizhou, Qing-Dynastie, 18. bis 19. Holz von Zhang Mu. Fehlt am linken Ohr. Maße: 50 x 39 x 13 cm; 65 x 40 x 24 cm (mit Ständer). Es handelt sich um eine Handmaske zur Durchführung des "Löwentanzes". Wegen seiner kleinen Abmessungen. Der Löwentanz begann in China vor etwa 2000 Jahren, während der Han-Dynastie (206 v. Chr. - 220 n. Chr.). Seine größte Blütezeit erlebte er während der Tang-Dynastie (618-907 n. Chr.), deren erste Erwähnung in dem Buch Über die Musik zu finden ist. In dem Text heißt es, dass der Löwentanz mit fünf Löwen getanzt wurde, einem großen und vier kleinen, die alle unterschiedliche Farben hatten. Der Tanz war nur den Angehörigen der herrschenden Struktur des Reiches vorbehalten, wurde aber nach und nach populär. Diese Popularisierung erleichterte seine Umwandlung in das, was er heute ist: ein traditioneller Tanz, der mit einem einzigen Löwen getanzt wird. Einen großen Aufschwung erlebte es während der Qing-Dynastie (1644-1911), als die Mandschus die Ausübung der Kampfkünste verboten, um zu verhindern, dass sich das Volk gegen ihre despotische Regierung auflehnte. Die meisten Kung-Fu-Praktizierenden wurden zu Revolutionären, die die Ming-Dynastie wiederherstellen wollten, und so diente der Löwentanz dem Informationsaustausch zwischen den Revolutionären. Innerhalb der Nuo-Rituale gab es einen besonderen Löwentanz, der bei der ethnischen Gruppe der Han in Hunan sehr beliebt war. Die Maske wurde in der Hand gehalten, während der Schamane oder die Person, die sie trug, im Rhythmus der Musik tanzte. Sie sangen und tanzten zur Musik, um die Geister in eine bestimmte Gegend zu locken und sie um ihre Gunst zu bitten. Es stellt einen Mangel im linken Ohr dar.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 85 - Nuo-Ritualmaske; China, Huan, Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Zhang Mu Holz. Präsentiert Verlust der Nase und Fehler. Abmessungen: 48 x 44 x 8 cm; 76 x 44,5 x 27,5 cm (mit Ständer). Es handelt sich um eine Handmaske zur Durchführung des "Löwentanzes". Wegen ihrer kleinen Abmessungen. Der Löwentanz begann in China vor etwa 2000 Jahren, während der Han-Dynastie (206 v. Chr. - 220 n. Chr.). Seine größte Blütezeit erlebte er während der Tang-Dynastie (618-907 n. Chr.), deren erste Erwähnung in dem Buch Über die Musik zu finden ist. In dem Text heißt es, dass der Löwentanz mit fünf Löwen getanzt wurde, einem großen und vier kleinen, die alle unterschiedliche Farben hatten. Der Tanz war nur den Angehörigen der herrschenden Struktur des Reiches vorbehalten, wurde aber nach und nach populär. Diese Popularisierung erleichterte seine Umwandlung in das, was er heute ist: ein traditioneller Tanz, der mit einem einzigen Löwen getanzt wird. Einen großen Aufschwung erlebte es während der Qing-Dynastie (1644-1911), als die Mandschus die Ausübung der Kampfkünste verboten, um das Volk daran zu hindern, sich gegen ihre despotische Regierung aufzulehnen. Die meisten Kung-Fu-Praktizierenden wurden zu Revolutionären, die die Ming-Dynastie wiederherstellen wollten, und so diente der Löwentanz dem Informationsaustausch zwischen den Revolutionären. Innerhalb der Nuo-Rituale gab es einen besonderen Löwentanz, der bei der ethnischen Gruppe der Han in Hunan sehr beliebt war. Die Maske wurde in der Hand gehalten, während der Schamane oder die Person, die sie trug, zum Rhythmus der Musik tanzte. Sie sangen und tanzten zur Musik, um die Geister in eine bestimmte Gegend zu locken und sie um ihre Gunst zu bitten. Sie zeigt den Verlust der Nase und Fehler.

Schätzw. 150 - 200 EUR

Los 86 - Nuo-Ritualmaske; China, Provinz Hunan, Qing-Dynastie, 18. Jahrhundert oder früher. Zhang Mu-Holz. Ausgestellt auf der Brüsseler Messe für Orientalische Kunst, 2008. Es hat leichte Mängel. Maße: 49 x 54 x 27 cm; 72 x 54 x 27 cm (mit Ständer). Zoomorphe Ritualmaske, aus Holz. Es handelt sich um eine Handmaske zur Durchführung des "Löwentanzes". Aufgrund ihrer geringen Größe wurde sie wahrscheinlich von einem Kind benutzt. Der Löwentanz begann in China vor etwa 2000 Jahren, während der Han-Dynastie (206 v. Chr. - 220 n. Chr.). Seine größte Blütezeit erlebte er während der Tang-Dynastie (618-907 n. Chr.), deren erste Erwähnung in dem Buch Über Musik zu finden ist. In dem Text heißt es, dass der Löwentanz mit fünf Löwen getanzt wurde, einem großen und vier kleinen, die alle unterschiedliche Farben hatten. Der Tanz war nur den Angehörigen der herrschenden Struktur des Reiches vorbehalten, wurde aber nach und nach populär. Diese Popularisierung erleichterte seine Umwandlung in das, was er heute ist: ein traditioneller Tanz, der mit einem einzigen Löwen getanzt wird. Einen großen Aufschwung erlebte es während der Qing-Dynastie (1644-1911), als die Mandschus die Ausübung der Kampfkünste verboten, um zu verhindern, dass sich das Volk gegen ihre despotische Regierung auflehnte. Die meisten Kung-Fu-Praktizierenden wurden zu Revolutionären, die die Ming-Dynastie wiederherstellen wollten, und so diente der Löwentanz dem Informationsaustausch zwischen den Revolutionären. Innerhalb der Nuo-Rituale gab es einen besonderen Löwentanz, der bei der ethnischen Gruppe der Han in Hunan sehr beliebt war. Die Maske wurde in der Hand gehalten, während der Schamane oder die Person, die sie trug, im Rhythmus der Musik tanzte. Sie sangen und tanzten zur Musik, um die Geister in eine bestimmte Gegend zu locken und sie um ihre Gunst zu bitten. Das Werk wurde auf der Brüsseler Messe für orientalische Kunst 2008 ausgestellt. Es weist leichte Mängel auf.

Schätzw. 700 - 800 EUR

Los 87 - Säule; Indien, erstes Drittel des zwanzigsten Jahrhunderts. Geschnitzter Marmor. Es zeigt Verschleiß und Restaurierungen. Maße: 55,5 x 18 x 18 cm. Säule aus geschnitztem Marmor mit quadratischem Sockel, von dem der kannelierte Schaft ausgeht. Die dekorativen Muster der indischen Kunst werden, wie im Tympanon zu sehen ist, durch die Wiederholung einfacher Elemente, die ineinander verschlungen oder überlagert sind, erzielt. Die Vorliebe für Symmetrie wird deutlich, wodurch ein dynamischer und harmonischer Effekt erzielt wird, bei dem das Detail nicht die Oberhand über das Ganze gewinnt. Die unendliche Wiederholung von Ornamenten in der indischen Welt ist Teil einer repräsentativen Metapher, die dem Konzept der Ewigkeit und der Veränderlichkeit des Universums nahe steht. Im Gegensatz zur westlichen Kunst ahmt die indische Kunst die Natur nicht nach. Aus diesem Grund ist eine stilisierte Darstellung von Ornamenten und Pflanzenmotiven sehr verbreitet. Sie zeigt Abnutzung und Restaurierungen.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 88 - Shiva-Kopf im Stil von Banteay Srei; Kambodscha, zweite Hälfte des 10. Jahrhunderts. Kalkstein. Auf der Feriarte 2007 ausgestelltes Werk. Es hat sehr leichte Schäden. Maße: 32,5 x 16,5 x 20 cm; 44 x 18 x 17 cm (mit Sockel). Shiva ist einer der Götter der Trimurti oder Haupttrinität des Hinduismus. Er ist der Zerstörergott, zusammen mit Brahma, dem Schöpfergott, und Vishnu, dem Erhaltungsgott, obwohl er nicht die sinnlose Zerstörung verkörpert, sondern jene, die auch die Regeneration, die Veränderung, die Wiedergeburt ermöglicht. Zusammen mit seiner Gemahlin Parvati (Göttin mit Doppelaspekt: mütterlich und Dämonentöterin) ist er der Vater von Ganesha (Gott der Weisheit) und Kartikeia (Gott des Krieges). In diesem besonderen Fall des Gesichts dieser Schnitzerei vermittelt es eine große Würde, die auf der Symmetrie der Gesichtszüge und der Feinheit der Schnitzerei beruht, die in subtilen Details der weichen Schnitzerei zusammengefasst ist. Der untere Teil des Halses deutet darauf hin, dass dieses Stück wahrscheinlich ursprünglich Teil einer größeren Skulptur war. Banteay Srei ist ein kambodschanischer Tempel aus dem 10. Jahrhundert n. Chr., der den hinduistischen Göttern Shiva und Parvati gewidmet ist und sich in Angkor befindet. Der Tempel ist für die Schönheit seiner Stürze, Skulpturen und Giebel aus Sandstein bekannt, die größtenteils aus hartem rotem Sandstein errichtet wurden. Der Sandstein, der für diese kunstvollen Schnitzereien verwendet wurde, musste von außergewöhnlicher Qualität sein. Tatsächlich ist roter Sandstein ein Markenzeichen des Banteay-Srei-Stils und wurde in anderen Angkor-Stilen nie verwendet. Seine Härte ist auch der Grund dafür, dass die Schnitzereien von Banteay Srei auch nach einem Jahrtausend noch die am besten erhaltenen Beispiele angkorianischer Reliefkunst sind, da sie kaum erodiert sind. Dieses Werk wurde auf der Feriarte 2007 ausgestellt. Es weist sehr leichte Schäden auf.

Schätzw. 7 000 - 9 000 EUR

Los 89 - Paar Friese; Indien, XX Jahrhundert. Stein geschnitzt mit Spuren von Polychromie. Sie präsentieren Fehler in der Schnitzerei. Abmessungen: 20 x 20 x 10 cm (x2). Ein Paar Friese aus behauenem Stein, die noch einen Teil der Polychromie bewahren. In beiden Fällen ist die Hauptfigur ein Elefant. Ursprünglich war die Entwicklung dieser Werke dem königlichen Hof gewidmet, der diese Kunst zur Ausarbeitung von Porträts, Ereignissen und Szenen aus dem Leben des Hofes, Szenen aus dem wilden Leben und der Jagd sowie Abbildungen von Schlachten nutzte, mit denen er die Architektur schmückte So werden die Bilder von reich verzierten Leisten umrahmt, als handele es sich um Vignetten. Sie weisen Unzulänglichkeiten in der Größe auf.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 90 - Lakshmi im Trà-Kieu-Stil; Vietnam, Champa-Zivilisation, 10. Jahrhundert. Sedimentgestein. Beigefügtes Echtheitszertifikat von dem Spezialisten Ha Thuc Can. Abmessungen: 65 x 39 x 26 cm. In Sedimentgestein gehauene Skulptur, die Lakshmi darstellt, die mit gekreuzten Beinen und den Händen auf den Knien sitzt, den Oberkörper nackt und die Augen in betender Haltung geschlossen. Das Stück ist im hinteren Bereich nicht bearbeitet, was darauf hindeutet, dass es für eine Betrachtung von vorne konzipiert wurde. Was die Schnitzerei betrifft, so fällt die Üppigkeit der Formen auf. Lakshmi ist eine der Hauptgöttinnen des Hinduismus. Sie ist die Göttin des Reichtums, des Glücks, der Macht, der Schönheit, der Fruchtbarkeit und des Wohlstands und wird mit Maya in Verbindung gebracht. Zusammen mit Parvati und Saraswati bildet sie die Tridevi der hinduistischen Göttinnen. Lakshmi ist sowohl die Gefährtin als auch die göttliche Energie (Shakti) des Hindugottes Vishnu, des höchsten Wesens des Vaishnavismus; sie ist auch die höchste Göttin der Sekte und hilft Vishnu, das Universum zu erschaffen, zu beschützen und zu transformieren. Wann immer Vishnu als Avatar auf die Erde kam, begleitete Lakshmi ihn als Gefährtin, zum Beispiel als Sita und Radha oder Rukmini als Gefährtinnen der Avatare von Vishnu, Rama und Krishna.Trà Kieu war die erste Hauptstadt des hinduistischen Königreichs Champa, damals Simhapura genannt, zwischen dem 4. und 8. Von der alten Stadt ist heute nichts mehr übrig, außer den rechteckigen Mauern. Obwohl die Cham-Denkmäler von Trà Kieu in der Provinz Quang Nam zerstört wurden, sind mehrere prächtige Skulpturen, die mit der Stätte in Verbindung stehen, in Museen erhalten geblieben. Beigefügtes Echtheitszertifikat des Spezialisten Ha Thuc Can.

Schätzw. 19 000 - 20 000 EUR

Los 91 - Bodhisattva; China, Yuan-Ming-Dynastie, XIII-XIV Jahrhundert. Holz mit Spuren von Polychromie. Beigefügtes Zertifikat C-14. Auf der Feriarte 2006 ausgestelltes Werk. Es hat Mängel. Maße: 137 x 70 x 37 cm; 137 x 72, 5 x 52 cm (mit Sockel). Holzskulptur, die einen Bodhisattva darstellt. Der Begriff Bodhisattva bezeichnet ein Wesen, das durch die systematische Ausübung der vollkommenen Tugenden die Buddhaschaft erreicht, aber darauf verzichtet, ins vollständige Nirvana einzugehen, um allen Wesen zu helfen und sie zu leiten, bis sie alle befreit sind. Seine entscheidende Eigenschaft ist das Mitgefühl, unterstützt durch Weisheit und höchstes Wissen. Ein Bodhisattva leistet aktive Hilfe und ist bereit, das Leiden aller Wesen auf sich zu nehmen und sein karmisches Verdienst auf andere zu übertragen; logischerweise sind sie das Objekt der Verehrung durch die Gläubigen, die sich ihnen näher fühlen und in ihnen Führer und Hilfe in ihren Nöten sehen. In diesem besonderen Fall deutet die Art und Weise, wie die Rückseite der Skulptur bearbeitet ist, darauf hin, dass das Stück ursprünglich Teil der Verzierung eines architektonischen Raums und wahrscheinlich auch einer größeren Skulpturengruppe war. Trotz der durch den Lauf der Zeit verursachten Mängel kann man die Qualität der Schnitzerei und das Können des Künstlers noch immer erkennen. Während der Yuan-Dynastie entwickelte sich eine reiche kulturelle Vielfalt. Die wichtigsten kulturellen Errungenschaften waren die Entwicklung des Theaters und des Romans sowie die zunehmende Verwendung der geschriebenen Volkssprache. Auch Kunst und Kultur erlebten während der Yuan-Dynastie eine große Entwicklung und Blüte. Die politische Einheit Chinas und großer Teile Zentralasiens förderte den Handel zwischen Ost und West. Die umfangreichen Kontakte der Mongolen mit Westasien und Europa führten zu einem regen kulturellen Austausch. Auch die anderen Kulturen und Völker des Mongolenreichs hatten großen Einfluss auf China. Die Kommunikation zwischen der Yuan-Dynastie und ihrem Verbündeten und Untergebenen in Persien, dem Ilkhanat, förderte diese Entwicklung. Der Buddhismus hatte einen großen Einfluss auf die Yuan-Herrschaft, und der tantrische Buddhismus des tibetischen Ritus hatte China in dieser Zeit stark beeinflusst. Beigefügtes Zertifikat C-14. Das Werk wurde auf der Feriarte 2006 ausgestellt. Es hat Mängel.

Schätzw. 10 000 - 15 000 EUR

Los 92 - Tablett mit Beinen Japan, um 1900. Lack "Wakasa-nuri"; Intarsien aus Perlmutt. Es hat leichte Mängel und Spuren auf der Basis. Maße: 14,5 x 36 x 36,5 cm. Lackiertes Tablett. "Wakasa-nuri" wird in der Nähe von Obama City, Präfektur Fukui, hergestellt. Es soll seinen Ursprung in der frühen Edo-Periode (1603-1868) haben, als ein Handwerker im Dienste der Obama-Domäne (der heutigen Stadt Obama), die die Region in der Nähe der Wakasa-Bucht kontrollierte, ein Design entwarf, das die schönen Tiefen des Meeres darstellt. Die charakteristischen Elemente der Wakasa-Lackwaren sind die Gestaltung von Mustern mit Eierschalen, Muscheln und Kiefernnadeln und die Verwendung von togidashi maki-e, einer Technik, bei der das Muster durch Auftragen mehrerer Lackschichten erhöht wird. Es hat leichte Mängel und Flecken auf dem Boden.

Schätzw. 200 - 250 EUR

Los 93 - Reisetruhe; Tibet, 18. Jahrhundert. Gebläutes und zerkratztes Kupfer. Es hat leichte Mängel und Verschleiß. Abmessungen: 16,5 x 20,5 x 13 cm. Die Truhen und Kisten dienten als perfekter Ort für die Aufbewahrung von Juwelen, Dokumenten oder anderen wertvollen Gegenständen des Besitzers. Die Bedeutung ihres Inhalts spiegelte sich oft auch in ihrem Äußeren wider, weshalb sie reichlich mit Intarsien aus exotischen Hölzern, Steinen, Knochen oder Elfenbein verziert, mit pflanzlichen Motiven oder Szenen polychromiert und mit silbernen Bronzeapplikationen oder vergoldeten Eisenbeschlägen versehen waren. Leichte Mängel und Gebrauchsspuren.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 94 - Wasserkrug; Ceylon, neunzehntes Jahrhundert. Versilbertes Metall. Maße: 26,5 x 15 x 15 cm. Krug aus versilbertem Metall mit rundem Sockel, auf dem ein kugelförmiger Körper sitzt, der in einen langen facettierten Hals übergeht. Dieser endet in einer runden Mündung mit einem halbkugelförmigen Deckel, der mit einem Scharnier verbunden ist. Das Stück ist mit Verzierungen in Form von Gadroons auf dem Sockel und dem Korpus sowie mit einem reliefierten Ring versehen, der den Hals mit dem Korpus verbindet.

Schätzw. 150 - 200 EUR

Los 95 - Zeremonieller Perak; Tibet, 19. Jahrhundert. Silber, Messing, Hartsteine und Türkis. Abmessungen: 9 x 20 x 20 cm. Der Perak ist ein typischer Kopfschmuck der alten Aristokratie der asiatischen Region Ladakh im Himalaya-Gebirge. Er besteht aus einem Lederband, das mit Halbedelsteinen wie Lapislazuli und Türkis besetzt ist. Der Perak ist bei den Ladakhis ein Symbol für den Rang und die wirtschaftliche Stellung der Frau, die ihn trägt. Traditionell bezeichnete die Anzahl der Türkisreihen von vorne nach hinten den Status der Trägerin: neun Reihen für die Königin von Leh (der Hauptstadt von Ladakh), sieben Reihen für die modernere Aristokratie, fünf für die Marvelites und drei für die unteren Ränge. Die Juwelen selbst stehen für die Gottheiten Ladakhs, die den Träger beschützen und ihn durch die gefährliche menschliche Welt führen.

Schätzw. 350 - 400 EUR

Los 96 - Nadelkissen zur Verzierung; China, Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Metall, harte Steine und Emaille. Maße: 23 cm (größer); 11 cm (kleiner). Set von Nadelkissen aus Metall mit Hartsteinornamenten. In dekorativer Weise verwendet, wurde diese Art von Stücken unverzichtbare Objekte zu den elegantesten weiblichen Kleidung verbunden. Die Ching- oder Qing-Dynastie, auch bekannt als Mandschu-Dynastie, war die letzte der chinesischen Kaiserdynastien. Sie wurde 1644 im heutigen Nordosten des Landes vom Mandschu-Klan gegründet. Ihre Herrschaft endete mit der Abdankung des letzten Kaisers im Jahr 1912 durch die Xinhai-Revolution und die Gründung der Republik China, deren Hauptstadt während dieser Zeit in Peking blieb. Im Allgemeinen florierten die traditionellen Kunstformen auf vielen verschiedenen Ebenen und in unterschiedlichen Formaten, dank einer hochgebildeten Oberschicht, einer florierenden Verlagsindustrie für Bücher, Broschüren usw., wirklich wohlhabenden Städten und der konfuzianischen Betonung der Kultivierung des Geistes. Während die Kaiser selbst bei vielen Gelegenheiten herausragende Künstler waren (insbesondere in der Malerei), wurden die besten Werke von Schülern und der städtischen Elite geschaffen.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 97 - Nadelkissen zur Verzierung; China, Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Metall und harte Steine. Maße: 21 cm (größer); 5,5 cm (kleiner). Set von Nadelkissen aus Metall mit Hartsteinornamenten. Als Dekoration verwendet, wurden diese Stücke zu unverzichtbaren Gegenständen, die mit der elegantesten weiblichen Kleidung verbunden waren. Die Ching- oder Qing-Dynastie, auch bekannt als Mandschu-Dynastie, war die letzte der chinesischen Kaiserdynastien. Sie wurde 1644 im heutigen Nordosten des Landes vom Mandschu-Klan gegründet. Ihre Herrschaft endete mit der Abdankung des letzten Kaisers im Jahr 1912 durch die Xinhai-Revolution und die Gründung der Republik China, deren Hauptstadt während dieser Zeit in Peking blieb. Im Allgemeinen florierten die traditionellen Kunstformen auf vielen verschiedenen Ebenen und in unterschiedlichen Formaten, dank einer hochgebildeten Oberschicht, einer florierenden Verlagsindustrie für Bücher, Broschüren usw., wirklich wohlhabenden Städten und der konfuzianischen Betonung der Kultivierung des Geistes. Während die Kaiser selbst bei vielen Gelegenheiten herausragende Künstler waren (insbesondere in der Malerei), wurden die besten Werke von Schülern und der städtischen Elite geschaffen.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 98 - "Orakelkrone"; Tibet, 19. Jahrhundert. Geprägtes und vergoldetes Silber, Koralle und Türkis. Maße: 18,5 x 20 x 19 cm. Diese Orakelkrone aus geprägtem und vergoldetem Silber ist mit Türkis- und Korallencabochons verziert. Die Goldarbeit ist reich geschnitzt und das Innere der Krone ist mit einem mit Stoff bezogenen Kissen versehen. Diese Art von Krone wurde von tibetischen Orakeln während der Trance getragen. Auch Bodhisattva-Figuren in ihrer zornvollen Form tragen häufig diese Art von Kopfschmuck aus fünf Schädeln, von denen jeder einen der fünf "Weisheits"-Buddhas, die so genannten Fünf Dhyani-Buddhas, darstellt. Ähnliche Kronen wurden auch in der Mongolei getragen.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 99 - Zeremonieller Perak; Tibet, 19. Jahrhundert. Silber, Messing, Hartsteine und Türkis. Abmessungen: 6,5 x 19,5 x 21,5 cm. Der Perak ist ein typischer Kopfschmuck der alten Aristokratie in der asiatischen Region Ladakh im Himalaya-Gebirge. Er besteht aus einem Lederband, das mit Halbedelsteinen wie Lapislazuli und Türkis besetzt ist. Der Perak ist bei den Ladakhis ein Symbol für den Rang und die wirtschaftliche Stellung der Frau, die ihn trägt. Traditionell bezeichnete die Anzahl der Türkisreihen von vorne nach hinten den Status der Trägerin: neun Reihen für die Königin von Leh (der Hauptstadt von Ladakh), sieben Reihen für die modernere Aristokratie, fünf für die Marvelites und drei für die unteren Ränge. Die Juwelen selbst stehen für die Gottheiten Ladakhs, die den Träger beschützen und ihn durch die gefährliche menschliche Welt führen.

Schätzw. 200 - 300 EUR

Los 100 - Nadelkissen zur Verzierung; China, Qing-Dynastie, 19. Jahrhundert. Vergoldetes Metall und Emaille. Maße: 11,5 cm. Ein Paar Nadelkissen aus Metall mit blauen emaillierten Ornamenten. Verwendet in einer dekorativen Art und Weise diese Art von Stücken wurde unverzichtbare Objekte zu den elegantesten weiblichen Kleid verbunden. Die Ching- oder Qing-Dynastie, auch bekannt als Mandschu-Dynastie, war die letzte der chinesischen Kaiserdynastien. Sie wurde 1644 im heutigen Nordosten des Landes vom Mandschu-Klan gegründet. Ihre Herrschaft endete mit der Abdankung des letzten Kaisers 1912 durch die Xinhai-Revolution und die Gründung der Republik China, deren Hauptstadt während dieser Zeit in Peking blieb. Im Allgemeinen florierten die traditionellen Kunstformen auf vielen verschiedenen Ebenen und in unterschiedlichen Formaten, dank einer hochgebildeten Oberschicht, einer florierenden Verlagsindustrie für Bücher, Broschüren usw., wirklich wohlhabenden Städten und der konfuzianischen Betonung der Kultivierung des Geistes. Während die Kaiser selbst bei vielen Gelegenheiten herausragende Künstler waren (insbesondere in der Malerei), wurden die besten Werke von Schülern und der städtischen Elite geschaffen.

Schätzw. 200 - 250 EUR

23. September - Dekorative Kunst & Orientalische Kunst

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