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DROUOT
Samstag 20 Jul um : 14:00 (MESZ)

Moderne Gemälde, Bretonische Schulen (Second Vacation)

Thierry - Lannon & Associés - +33298447844 - Email CVV

26, rue du Château 29200 Brest, Frankreich
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295 Ergebnisse

Los 271 - Albert CLOUARD (1866-1952) Die Meerjungfrauen Circa 1905 / 1906 Öl auf Leinwand, unten rechts signiert. 81 x 65 cm AUSSTELLUNGEN: Paris, Salon des Indépendants, 1906. Verkauf Atelier Albert Clouard. Rennes, 9. Dezember 1990, Nr. 19 des Katalogs. BIBLIOGRAFIE : Bruno Belleil, Albert Clouard, Les derniers feux du symbolisme en Bretagne, Rennes, Ouest-France, 1992, Abbildung auf Seite 99. PROVENTIONEN: Besondere Sammlung "Man erinnert sich an den Verkauf des Ateliers von Albert Clouard (1866-1952) in Rennes im Jahr 1990: Damals entdeckte man die Existenz dieses fast unbekannten Malers, der von Maurice Denis als "heimlicher Nabi" bezeichnet wurde, und ein Werk, das aufgrund seiner bretonischen Inspirationsquellen und seiner Technik bemerkenswert ist und ihn zwischen Symbolisten und Nabis ansiedelt. Clouard, ein Jurist aus Rennes, der zum Dichter und Literaturkritiker wurde, verkehrte in Paris in den Kreisen der Symbolisten und Bretonen. Er zeichnete seit seiner Jugend und begann als Autodidakt mit der Malerei. In Perros-Guirec, wo er seine Gewohnheiten hat, lernt er 1897 Maurice Denis kennen, der sein engster Freund wird. Durch ihn lernt er Paul Sérusier kennen, mit dem er sich eng befreundet. Beide ermutigten ihn immer wieder, zu malen und seine Werke bekannt zu machen, obwohl er keine Ambitionen hatte und dazu neigte, zurückgezogen zu leben. Clouard fand in den Landschaften von Perros-Guirec und Umgebung den idealen Rahmen für die Entwicklung einer Vielzahl von Themen zwischen Legende und Alltagsleben. Nachdem er 1903 ein Häuschen am Hafen von Ploumanach gemietet hatte, war er mit der Umgebung des Squevel-Felsens, einem der Höhepunkte der rosa Granitküste, vertraut. Er verwendete ihn für verschiedene Anspielungen wie eine Badeszene, eine "Jungfrau der Streiks", Meerjungfrauen, die versuchen, Seeleute anzulocken, oder Landschaften. Die erstaunlich geformten Felsen bilden einen ungewöhnlichen Rahmen für eine Badeszene, in der der Maler sieben nackte Frauen aufreiht, die im Meer spielen oder auf den Felsen stehen (Les Baigneuses, Privatsammlung). Clouard greift das Thema und den Ort für eine Darstellung von Meerjungfrauen auf. Er verändert die Komposition, indem er sich über den Felsen und den Wellen positioniert und sich auf die Bucht konzentriert. Diese Entscheidung ermöglicht es ihm, den Horizont und den Himmel auszuschalten und die Felsmassen oben und unten als Kulisse zu nutzen. Ein Boot unter Segel oben links umrundet die Felsspitze, um auf die Rufe einer Naiade zu reagieren, die sich in die Fluten gestürzt hat und den Seeleuten zuwinkt. Zu beiden Seiten der Bucht beobachten zwei Gruppen von zwei nackten Frauen, Badende, die Szene und unterhalten sich. Diese Präsenzen könnten darauf hindeuten, dass Clouard den traditionellen Mythos umkehren wollte. Die Sirene lockt die Seeleute nicht an, um sie ins Verderben zu stürzen, sondern im Gegenteil, um sie vor den Missetaten der Zivilisation zu retten. Die Bucht und die Frauen symbolisieren somit ein Paradies auf Erden. Dieses Thema ist aber auch ein Vorwand für die Darstellung von Akten, wobei die Akte im Vordergrund an Maurice Denis erinnern. Diese erste Gruppe ermöglicht es ihm auch, den Blick des Betrachters entlang einer Diagonale von rechts unten nach links oben zu lenken. Die Felsmassen mit ihren vereinfachten Formen sind in einem fast gleichmäßigen Spiel von kleinen Flecken gemalt, ohne Volumen- oder Schatteneffekte. Die Wiedergabe des Wassers im Vordergrund erinnert an die Kunst japanischer Holzschnitzer, da sie farbige Flecken nebeneinander setzt, die vom Weiß des Schaums umrandet werden. Auf subtile Weise nutzt Clouard die rosafarbenen Reflexionen der Felsen im Meer, um die verschiedenen Teile seiner Komposition miteinander zu verbinden. Es ist eine kleine vorbereitende Studie im Format 34,5 mal 25 cm bekannt (Verkauf Rennes, Bretagne Auctions, 7. Dezember 2009, Los 117). Der Vergleich zeigt, wie sehr Clouard an der Feinabstimmung seiner Komposition gearbeitet hat, insbesondere an der Anordnung der großen Diagonale, die plastisch dem symbolischen Thema des Rufs und der Anziehung entspricht. Seit der Entdeckung des Werks im Jahr 1990 hat das Buch von Bruno Belleil dazu beigetragen, die reiche und einzigartige Persönlichkeit von Albert Clouard kennenzulernen, der ein talentierter "Weggefährte" der Nabis war, wie dieses Gemälde zeigt." André Cariou

Schätzw. 30 000 - 50 000 EUR

Los 278 - Henry MORET (1856-1913) Der Averse, Küste der Bretagne, 1902 Öl auf Leinwand, unten links signiert. Ausstellungsetiketten auf der Rückseite. 65 x 92 cm PROVENTIONEN: Privatsammlung aus dem Finistère (Nachlass) AUSSTELLUNGEN : 1966, Parie, Galerie Durand-Ruel, 5. bis 29. Januar 1966, Henry Moret, Nr. 28. 1994, Paris, Galerie l'Ergastère, 6. Mai - 13. Juli 1994, Henry Moret, Seite 26, Reproduktion Seite 27. 2021, Quimper, Musée des beaux-arts, 24. Juni - 4. Oktober 2021, Henry Moret 1856-1913, De Pont-Aven à l'impressionnisme en Bretagne, Nr. 65 Reproduktion auf Seite 133. BIBLIOGRAFIE : Jean-Yves Rolland und Marie-Bénédicte Baranger, Henry Moret, Plomelin, Éditions Palantines, 2002, Reproduktion Seite 96. "Das Werk von Henry Moret (1850-1913), dem wichtigsten Maler der Schule von Pont-Aven, ist heute gut bekannt. Sein Leben als Künstler bewahrt jedoch einen Teil des Geheimnisses. Er war ein Einzelgänger und Meister seiner Zeit. Als Wladislaw Slewinski 1894 ein Abendessen zur Feier von Paul Gauguins Rückkehr nach Le Pouldu organisierte, lehnte Moret die Einladung ab und zog es vor, in Groix zu arbeiten. Man bleibt immer erstaunt über sein Leben als Landschaftsmaler, der ständig auf dem Motiv von Houat bis Ouessant unterwegs war. 1894 wählte er Doëlan als Heimathafen, das lebendiger als Le Pouldu war, und kehrte nach seinen langen Wanderungen dorthin zurück, um in seinem Atelier die Zeichnungen und Gouachen, die er auf der Straße gemacht hatte, zu übermalen. Das bringt ihm eine gewisse Stabilität und passt zu einem Zeitpunkt, an dem die berühmte Galerie Durand-Ruel, die Galerie aus den heroischen Zeiten des Impressionismus, beschlossen hat, seine Gemälde zu kaufen und seine Arbeit in Ausstellungen zu würdigen. Moret, der damals 44 Jahre alt war, konnte ein Leben führen, das ihm entsprach: Doëlan bedeutet auch - und vielleicht vor allem - Jagen, Fischen und Kartenspielen im Bistro mit seinen Freunden aus der Gegend. Wir wissen fast nichts über sein Wanderleben und seine Entscheidungen, die dazu führen, dass man ihn im Laufe der Jahre eine Zeit lang auf Ouessant und im nächsten Monat in Douarnenez oder Groix wiederfindet. Er kennt die bretonische Küste sehr gut und wählt vielleicht je nach Jahreszeit und Aktivitäten, wie dem Verbrennen von Tang, aus. Es hängt wahrscheinlich auch von den Unterkunftsmöglichkeiten und den Beziehungen vor Ort ab. So gibt es "bevorzugte" Orte, an denen er zum Arbeiten ein- und ausgeht. Raguénez en Névez gehört dazu, zumindest seit 1896. Der Ort in der Nähe von Port-Manech ist leicht mit dem Boot von Doëlan aus zu erreichen, um den langen Umweg über Pont-Aven zu vermeiden. Von der Insel Raguénez aus zu malen, ist für den Maler interessant, da die Insel im Vordergrund steht, dann das Meer und schließlich im Hintergrund die nahe Küste. L'averse, côte de Bretagne ist Teil einer Serie von vier Gemälden, die das Haus der Familie Marrec, der Bauern auf der Insel, zeigen. Vielleicht hat Moret auf diesem Bauernhof gewohnt, denn in seinen Gemälden stellt er dieses Haus, das zum Hauptelement der Komposition wird, aus verschiedenen Blickwinkeln dar. Und er scheint mit den Menschen vertraut zu sein, wie die Sujets zweier Gemälde zeigen. In L'averse côte de Bretagne sehen wir einen Mann und zwei Frauen, eine mit roter, die andere mit weißer Kopfbedeckung, die den Zustand des Meeres und einen großen Regenschauer am Himmel beobachten. Der Fischer wartet darauf, dass sich das Wetter beruhigt, und hat seine beiden Reusen, seine Ruder und seine Takelage vorübergehend zurückgelassen, in der Erwartung, dass er sein Boot in einem geschützten Bereich unterhalb des Wassers erreichen und zum Fischfang ausfahren kann. Diese drei Personen, der Mann und die beiden Frauen mit ihren verschiedenfarbigen Kopfbedeckungen, sind auch in einem anderen Gemälde Gros temps à Raguénez (Verkauf Sotheby's, London, 29. Juni 1994, Los 148) zu sehen, wo sie die brechenden Wellen aus nächster Nähe beobachten, wahrscheinlich in Erwartung der Ankunft des Wracktangers. Im Gegensatz zu dem Gemälde L'Île de Raguénez, Bretagne (Washington, National Gallery of Art), auf dem das Haus bei strahlendem Sonnenschein mit einem ruhigen Meer in einer fast idyllischen Umgebung gezeigt wird, drückt Moret in L'averse côte de Bretagne eine große Spannung aus, die symbolisch dazu beiträgt, die Erwartung dieser Menschen angesichts der Gewalt der Elemente zum Ausdruck zu bringen. Der Vordergrund des Gemäldes ist aus einer Beziehung zwischen einem recht kräftigen Grün und einem Rosa aufgebaut. Dies ist charakteristisch für Morets Kunst, seit er sich im Kontakt mit Gauguin die Prinzipien des Pontavianischen Synthetismus zu eigen gemacht hat. Die starken Linien des Bodens in der Mitte links und des Hauses fixieren den Blick des Betrachters. Der gesamte obere Teil und nach rechts hin sind unterschiedlich bemalt, um die vergänglichen atmosphärischen Effekte wiederzugeben. Regen oder einen Regenschauer zu malen, ist wohl eines der schwierigsten Dinge für einen Landschaftsmaler. Eine solche Szene und Landschaft scheint auf den ersten Blick einfach zu sein, aber bei näherer Betrachtung erkennt man, wie Moret geschickt mit einigen Elementen spielt, um den Blick zu lenken, wie die Tanghaufen in der Mitte der Landschaft.

Schätzw. 80 000 - 120 000 EUR

Los 281 - Henry MORET (1856-1913) Zwei Bretoninnen auf den Klippen bei Moëlan (circa 1898). Öl auf Leinwand, unten links signiert. 53,5 x 65 cm Ein Echtheitszertifikat von Monsieur Jean-Yves Rolland wird dem Käufer ausgehändigt. Das Werk wird in den in Vorbereitung befindlichen Catalogue raisonné des Künstlers aufgenommen. PROVENTIONEN: Privatsammlung, erworben 2019 bei Doyle Auctions, New York. AUSSTELLUNGEN: - Musée des Beaux-Arts de Quimper "Henry Moret 1856-1913: De Pont-Aven à l'impressionnisme en Bretagne", vom 24. Juni bis 4. Oktober 2021: Unser Gemälde ist auf Seite 121 und auf dem hinteren Umschlag des Ausstellungskatalogs abgebildet. Jahrhunderts erlebte Morets Malerei eine Art Blütezeit, die sich in der Schaffung einer kleinen Anzahl von Meisterwerken niederschlug, die eine unvergleichliche Faszination ausübten. Dieses strahlende Gemälde ist ein perfektes Beispiel für das subtile Gleichgewicht, das der Maler zwischen der synthetischen Erfahrung der Schule von Pont-Aven und den sensorischen Forschungen der großen impressionistischen Künstler herzustellen wusste. Die Festigkeit der Komposition mit den gut getakteten Ausbreitungen der Farbe wird durch die Arbeit des Pinsels moduliert, der über die gesamte Oberfläche flirrt. Vom Vordergrund, der von orange-grünem Gras erhellt wird, bis hin zu den rosafarbenen Klippen spielt der Maler mit dem Schwindelgefühl der Farbe, das in den tiefen Blautönen des Ozeans oder den zarteren Blautönen des Himmels gipfelt. Die Pinselstriche, die zerstückelt und manchmal in Streifen nebeneinander gesetzt sind, heben die Freude an der Empfindung hervor: Durch seine Virtuosität lädt Moret uns ein, das leichte Rauschen des Windes zu spüren, der diese sonnige Küstenlinie streichelt. Zwei junge Bäuerinnen, die leicht dezentriert sind, scheinen in ihre Näharbeiten vertieft zu sein. Dieses Motiv weckt gekonnt Erinnerungen an Paul Gauguin, von dem zahlreiche Beispiele aus der Bretagne bekannt sind, in denen sich häusliche Tätigkeiten mit der Entfaltung flammender Landschaften vermischen. Es trägt viel zum Charme dieses lichtdurchfluteten Werks bei, indem es die herbe Natur vermenschlicht. Als Künstler ersten Ranges beherrscht Henry Moret die Welt nach Gauguin, indem er seinen bretonischen Gemälden die visuelle Energie der großen Impressionisten (Monet, Pissarro, ...) einhaucht und gleichzeitig eine Suche nach formaler Festigkeit, die von der Schule von Pont-Aven geerbt wurde, durchsetzt.

Schätzw. 80 000 - 100 000 EUR

Los 301 - Ferdinand Loyen DU PUIGAUDEAU (1864-1930). Kirmes in Pont-Aven" (1900) Öl auf Leinwand, unten links signiert und datiert. 50 x 65 cm Provenienz: - Privatsammlung Frankreich, erworben 1997 bei Sotheby's New York. - Sammlung Hilde Gerst, New York, erworben 2007 bei Christie's New York. - Privatsammlung, Frankreich, erworben 2012 in den USA. - Privatsammlung, Bretagne, seither Ausstellung : - "Les peintres de Pont-Aven autour de Gauguin", Château de Malmaison, Rueil-Malmaison, 12. Januar bis 8. April 2013, abgebildet auf Seite 71 des Ausstellungskatalogs. Unter den Künstlern, die den Ruf der Schule von Pont-Aven geprägt haben, nimmt Fernand Loyen du Puigaudeau einen originellen und wertvollen Platz ein: den eines Malers, der die Lehren des Luminismus auf seinen Höhepunkt gebracht hat. Seit 1886 stand er Paul Gauguin nahe und sollte ihn 1887 zusammen mit Charles Laval nach Panama begleiten, doch da er durch den Militärdienst aufgehalten wurde, konnte er sich nicht freimachen. Puigaudeau, der Gauguin bei der Erfindung des Synthetismus im Jahr 1888 immer noch nahe stand, konnte sich von dessen Einfluss befreien und eine unabhängige Vision entwickeln, indem er seinen sehr sicheren Geschmack für die chromatischen Effekte des Sonnenspektrums vertiefte. Mehrere wichtige Aufenthalte in Pont-Aven, insbesondere zwischen 1895 und 1898, ermöglichten es ihm, sich für die festlichen Zusammenkünfte zu interessieren, die die Stadt belebten. Indem er die Jahrmärkte mit ihren Karussells und magischen Laternen beschrieb, wurde Puigaudeau zum Sänger der Fröhlichkeit, die einen Teil der Einwohner erfasste. In dieser großen Komposition sublimiert der Maler das fröhliche Treiben auf dem Platz, indem er ihm eine perfekt abgestimmte Farbvibration einhaucht. Die außergewöhnlich bewegliche Pinselführung scheint zwischen Impressionismus und Divisionismus zu schwanken, während sie den Glanz der Kopfbedeckungen, des Laubs oder der großen Installationen der Karussells hervorhebt. Das allgegenwärtige Licht breitet sich über die gesamte Bildfläche aus und findet eine wunderbare Anwendung in der Behandlung des Lehmbodens, wo gelb-orangefarbene Töne mit weißen oder blauen Flecken vorherrschen. Bereits 1897 hatte Edgar Degas die Originalität des Malers erkannt, als er ihm ein Werk mit einem bretonischen und festlichen Thema, einem Feuerwerk, abkaufte. Als Puigaudeau wenige Jahre später an diesem großen Thema eines Jahrmarkts arbeitete, schloss er diesen bretonischen Zyklus mit einem seiner Meisterwerke ab.

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