9th July - Contemporary Art and latest trends

Los 1 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Défilé de Mannequins a Istanbul", 1969. Lithographie auf Papier. Exemplar 19/75. Es weist Feuchtigkeit im oberen und unteren Bereich der rechten Seite und eine Querfalte in der Mitte auf. Signiert in der rechten unteren Ecke. In der linken unteren Ecke gerechtfertigt. Maße: 122 x 82 cm; 141 x 101 cm (Rahmen). Die Serie "Mannequin Parade" ist ein Beispiel für Mirós Meisterschaft in der Druckgrafik und seine Fähigkeit, komplexe Ideen durch eine spielerische Bildsprache zu vermitteln. Sie bietet einen Einblick in seine persönliche Bildsprache und regt den Betrachter zum Nachdenken über Themen wie Individualität, urbanes Leben und die Freude am Dasein an.Joan Miró war eine der großen Persönlichkeiten der internationalen Kunst des 20. Jahrhunderts. Seine Ausbildung erhielt er in Barcelona, zunächst an der Escuela de la Lonja und später an der Academia Galí, die einen eher erneuernden Charakter hatte. In dieser Schule und im Cercle Artístic de Sant Lluc, ebenfalls in Barcelona, lernte der junge Miró einige seiner großen Freunde kennen, wie den Kritiker Sebastià Gasch, den Dichter J.V. Foix, den Maler Josep Llorens Artigas und den Kunstförderer Joan Prats. So hatte er schon in seinen ersten Lebensjahren direkten Kontakt zu den avantgardistischen Kreisen Barcelonas, und bereits 1918 hatte er seine erste Ausstellung in den Galerien Dalmau in Barcelona. Im Jahr 1920 zog er nach Paris und traf Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten. Dies sind die entscheidenden Jahre seiner künstlerischen Laufbahn, in denen Miró seine persönliche Sprache entdeckt. In Paris freundet er sich mit André Masson an, um den sich die sogenannte Rue Blomet-Gruppe, die spätere Keimzelle des Surrealismus, gruppiert. Unter dem Einfluss der surrealistischen Dichter und Maler, mit denen er viele seiner theoretischen Ansätze teilt, reift sein Stil; er versucht, die surrealistische Poesie auf das Visuelle zu übertragen, das auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht. Von diesem Zeitpunkt an entwickelt sich sein Stil weiter und führt zu ätherischeren Werken, in denen organische Formen und Figuren auf abstrakte Punkte, Linien und Farbflecken reduziert werden. 1924 unterzeichnete er das erste surrealistische Manifest, obwohl die Entwicklung seines Werks zu komplex ist, als dass man ihn einer bestimmten Orthodoxie zuordnen könnte. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 war sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwarb zwei seiner Werke. Ab den dreißiger Jahren wurde Miró zu einer der herausragendsten Figuren der internationalen Kunstszene und zu einem der wichtigsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Genau zu dieser Zeit trat der Künstler, der von Natur aus ein Nonkonformist war, in eine Phase ein, die er als "Mord an der Malerei" bezeichnete, in der er sich freiwillig von der Malerei lossagte und mit anderen Medien experimentierte, wie der Collage, dem Zeichnen auf Papier mit verschiedenen Texturen oder der Konstruktion von "Objekten" aus vorgefundenen Elementen, seinem ersten Ansatz zur Skulptur. Obwohl er bald darauf die Malerei wieder aufnimmt, lässt Miró nie von seinem Wunsch ab, mit allen möglichen Materialien und Techniken zu experimentieren, darunter Keramik, Bronze, Stein, grafische Techniken und seit 1970 sogar Wandteppiche. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum of Modern Art in New York eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Weihe werden sollte. Von 1956 bis zu seinem Tod im Jahr 1983 lebte er in Palma de Mallorca in einer Art innerem Exil, während sein internationaler Ruhm wuchs. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen wie die Großen Preise der Biennale von Venedig (1954) und der Guggenheim-Stiftung (1959), den Carnegie-Preis für Malerei (1966), die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya (1978) und der Schönen Künste (1980) und wurde von den Universitäten von Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Heute sind seine Werke in der 1975 eingeweihten Stiftung Joan Miró in Barcelona sowie in den wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst in der ganzen Welt zu sehen, darunter das Thyssen-Bornemisza, das MoMA in New York, das Reina Sofia Museum in Madrid, die National Gallery in Washington oder das MNAM in Paris. Es weist Feuchtigkeit im oberen und unteren Bereich der rechten Seite und eine Querfalte in der Mitte auf.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 2 - ANTONIO DE FELIPE (Valencia, 1965). "Die Beatles, 2011. Glasfaser, Acryl und Polyester. Signiert und datiert. Maße: 217 x 212 x 103 cm. Wie bei Antonio de Felipe üblich, rettet diese monumentale Skulptur Pop-Ikonen und stellt die legendäre Band aus Liverpool dar. Dieses Werk zeichnet sich durch seine Außergewöhnlichkeit aus, denn es handelt sich um ein ungewöhnliches Format in Antonio de Felipes Werk. Die Beatles in diesem Werk sind vom Cover des Albums "Yellow submarine" inspiriert, dessen animierte Alter Egos von dem Illustrator und Designer Heinz Edelmann (Tschechoslowakei, 1934 - Deutschland, 2009) geschaffen wurden. Obwohl Felipe von diesen Zeichnungen ausgeht, fügt er Elemente wie die Banane ein, die Paul in der Hand trägt, oder George Harrison, dessen Kostüm stark variiert und so den Körper eines der berühmten "Drei Musiker von Picasso" annimmt, die sich derzeit in der Sammlung des MoMa befinden. Im Museum Boca del Calvari in Benidorm wurde die Ausstellung "Antonio de Felipe.25 Jahre spanische Pop Art" gezeigt, in der ein monumentales Werk der Beatles zu sehen war. Antonio de Felipe, der an der Universität San Carlos Valencia Kunst studiert hat, begann seine Karriere als Kreativer in einer Werbeagentur, eine Tatsache, die zweifelsohne seinen zukünftigen Malstil prägen wird. Er gilt als Pop-Künstler - oder genauer gesagt, als Teil der Bewegung "Les noveaux Pop", zusammen mit anderen internationalen Künstlern, die mit der Pop-Welt verbunden sind - im weitesten Sinne des Wortes, wobei er sein umfangreiches Werk in verschiedenen Serien (Logotypes, Cows, Cinemaspop, Popsport, u.a.) entwickelt und dabei immer eine völlig plastische und visuelle Ästhetik beibehält, die klar ist und sich an die allgemeine Gesellschaft richtet. Grundlegend ist die Farbe, grell und provokativ, sowie die Thematik, sehr einfach und direkt. Seine kreativen Fähigkeiten haben ihn dazu gebracht, mit Pedro Almodóvar in dem Film "Carne Trémula" zusammenzuarbeiten, aber auch Werbeträger für Telemadrid oder Geschirr für die Firma Santa Clara zu entwerfen. Er hat an Plakaten, Plattencovern und wichtigen Publikationen wie ByN Dominical (ABC-Sonntagsmagazin), El País, El Magazine del diario El Mundo, Marie Claire, ELLE, Qué leer und Rolling Stone Magazine mitgearbeitet, um nur einige zu nennen. In seiner mehr als zwanzigjährigen, intensiven beruflichen Laufbahn hat er mehr als neunzig Einzelausstellungen in Spanien und im Ausland sowie ebenso viele Gruppenausstellungen bestritten. Gegenwärtig ist er im Reina Sofía Museum, im IVAM, in der Sidney Besthoff Foundation in New Orleans, in den Sammlungen Testimoni von La Caixa, Carmen Thyssen-Bornemisza und Kneip in Luxemburg sowie in der Montblanc Cultural Foundation vertreten, neben anderen öffentlichen und privaten Sammlungen in Spanien und im Ausland. Zu dieser nationalen und internationalen Präsenz kommt die Teilnahme an Messen wie ARCO, ART COLOGNE, ART PARIS, ART BRUSSELS, ST-ART Strasbourg oder KIAF (Korea International Art Fair) hinzu, die als Referenzrahmen für die neuesten künstlerischen Trends dienen.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 3 - MATÍAS SÁNCHEZ (Deutschland, 1972). "Junger Speck, 2011. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren linken Ecke. Signiert, datiert, betitelt und auf der Rückseite. Maße: 151 x 200 cm. Arbeit der abstrakten und neoexpressionistischen Charakter, in dem der Künstler präsentiert eine Leinwand, deren Bild ist lebendig und dynamisch, das Erreichen einer großen Ausdruckskraft, durch die bildliche Zusammensetzung. Es handelt sich um eine Darstellung, in der die von den Materialien erzeugten Texturen eine große Präsenz haben, die mit der großen Intensität der verwendeten Farben harmoniert. So entsteht eine Bildatmosphäre, die den Betrachter anspricht und eine verbindliche emotionale Erzählung schafft. So sind die Bildformen, wie wir hier sehen, das Ergebnis einer durchdachten Komposition und des Experimentierens mit einem Bild von gestischem Charakter, beschränken sich nicht auf eine abstrakte Komposition, sondern gehen darüber hinaus und zeigen dem Betrachter, dass es sich um Formen, Ideen oder Vorschläge handelt, die die Grenzen des rein Malerischen überschreiten und uns etwas über das eigene Handwerk des Malers erzählen. Matias Sanchez wurde 1972 in Deutschland geboren und ist Autodidakt. Er verspürte schon immer einen Drang zur Kunst, der ihn dazu brachte, eine künstlerische Laufbahn einzuschlagen. Matias Sanchez hatte 2001 seine erste Ausstellung in Cavecanem, und ein Jahr später wurden seine Werke im Arco ausgestellt, wo er von den Kritikern herzlich empfangen wurde. Im Jahr 2003 wiederholte er diese Erfahrung auf der Messe für zeitgenössische Kunst in Madrid, wo seine Werke gesammelt und in der Zeitung El País veröffentlicht wurden. Dies war ein Wendepunkt in seiner Karriere, der zu zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland führte. Dazu gehören die Ausstellungen in der Galerie Begoña Mallone (Madrid), Javier Marín (Málaga), Valle Ortí (Valencia), Espacio Liquido (Gijón), "Christopher Cutts Gallery" (Toronto - Kanada) und Costantini Art Gallery (Mailand - Italien). Seine Werke wurden in verschiedenen Referenzräumen für zeitgenössische Kunst ausgestellt, wie zum Beispiel im CAAM - Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria) oder im CAC Malaga. Zusätzlich zu ARCO, MACO 2013 - Mexico Arte Contemporáneo, Art Stage Singapore 2013, Art Monaco 2013, India Art Fair 2013, Contemporary Istanbul 2012, Art Toronto 2012, Art Moscovo 2012 und Beirut Art Fair 2012.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Los 4 - CARMEN CALVO (Valencia, 1950). Objekte Serie. Gemischte Medien auf Buch von María Santoja, auf Karton und Methacrylatbox. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 22 x 47 x 18 cm (Urne). Um 1996 fand Carmen Calvo viele der Objekte in einer Schneiderei an der Plaza de la Reina in Valencia. Das Geschäft gehörte Rafael Molina und seiner Frau María Santonja, deren Name auf diesem Stück zu lesen ist. Die Künstlerin fand zahlreiche Papiere, Zeitschriften, Schnittmuster, Modezeichnungen, Korrespondenz, Notizen, Rechnungen, kurzum, alles, was weggeworfen oder vergessen worden war. In diesem besonderen Fall präsentiert Carmen Calvo einen Entwurf für ein Ornamentbuch, in dem eine Reihe von Kristallen als "versteinerte Pinselstriche", wie die Autorin selbst ihre Technik genannt hat, zu sehen sind. Das Werk knüpft an das mit der Künstlerin assoziierte Bild der Ordnung der Akkumulation an. In ihm führen uns kleine Stücke in einen Rhythmus von Sequenzen ein, der an eine Sammlervitrine erinnert, ein Einfluss, der von Calvos Entdeckung der ägyptischen und mesopotamischen Kunstsammlungen im Pariser Louvre-Museum herrührt. Die von Calvo erkannten Einflüsse stammen aus dem Werk von Kurt Schwitters oder Joseph Cornell, in dem das Objektive, die Akkumulation und die rhythmische Wiederholung zusammenkommen, um ein Werk zu schaffen, das in seiner Entstehung sehr archäologisch ist. Carmen Calvo studierte an der Kunstgewerbeschule und der Schule der Schönen Künste in Valencia und machte 1970 ihren Abschluss in Werbung. Später erweiterte sie ihre Ausbildung dank Stipendien des Kulturministeriums (1980), der Casa de Velázquez in Madrid (1983-85) und des Außenministeriums für ihren Aufenthalt in Paris (1985-92). In diesen Jahren begann Calvo anerkannt zu werden und erhielt Auszeichnungen wie den I LaSalle Seiko Malereipreis von Barcelona (1985), den Alfons Roig der Diputación Valenciana (1989), ein Stipendium für die I Biennale Martínez Guerricabeitia der Universität Valencia (1989) und die Auswahl für die XLVII Biennale von Venedig (1997). Die Künstlerin begann ihre Ausstellungstätigkeit 1969 mit der Teilnahme an einer Gruppenausstellung im Círculo Universitario de Valencia. Ihr Einzeldebüt gab sie 1976 in der Galerie Temps in ihrer Heimatstadt. Seitdem hat sie ihre Werke in verschiedenen Städten Spaniens und der Vereinigten Staaten sowie in anderen Ländern Europas, Amerikas und Afrikas gezeigt. Werke von Carmen Calvo sind derzeit in Kunstinstitutionen, Museen und Privatsammlungen in der ganzen Welt zu sehen, darunter das Guggenheim Museum in New York, das Reina Sofia in Madrid, das Marugame Hirai in Kobe, das MACBA in Barcelona, der Fonds National d'Art Contemporain in Paris, das IVAM in Valencia, die Sammlung der Chase Manhattan Bank in New York usw.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 5 - ZAO WOU-KI (Peking, 1921 - Nyon, Schweiz, 2013). "Zoo-4", 1986. Aquatintaradierung, Kopie H.C. 4/15. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 56 x 40,5 cm (Druck); 63 x 48 cm (Papier); 86 x 70 cm (Rahmen). Auch in seinen Stichen arbeitet Zao Wou-Ki mit großen, satinierten Farbmassen, die implodieren und keimhafte Big Bangs, erhabene und ursprüngliche Landschaften bilden, wie in diesem Fall. Zao Wou-Ki wurde in einer französisch-chinesischen Familie geboren und wuchs in einem sehr kultivierten Umfeld auf, das sich für Kunst und Wissenschaft interessierte. In seiner Kindheit lernte er Kalligrafie, ein Aspekt, der sein reifes Werk beeinflussen sollte, und später, zwischen 1935 und 1941, studierte er Malerei an der Fakultät für Schöne Künste in Hangzhou. Einige Jahre später, 1948, lässt er sich in Paris, im Viertel Montparnasse, nieder, wo er die künstlerischen Kurse von Émile Othon Friesz besucht und mit der zeitgenössischen künstlerischen Avantgarde in Kontakt kommt. Er beginnt, mit der Lithografie zu experimentieren, eine Technik, die er dank seines Kontakts mit Desjobert schließlich beherrscht. Im Mai 1949 findet eine Einzelausstellung in der Galerie Creuze statt, die von Bernard Dorival, dem Kurator des Nationalmuseums für moderne Kunst, kommentiert wird. Im Januar 1951 besucht Pierre Loeb zusammen mit Henri Michaux das Atelier von Wou-Ki und organisiert für Juni eine Ausstellung in der Galerie Pierre, womit er den Grundstein für eine enge Zusammenarbeit legt, die sechs Jahre andauern sollte. So stellt er regelmäßig in der Galerie Pierre aus und trifft I. M. Pei und dessen Frau Eileen und erweitert seinen Ausstellungskreis in der Schweiz, in London, Basel und Lausanne, aber auch in New York, Washington und Chicago. Michaux schreibt den Katalog für seine erste New Yorker Ausstellung in der Cadly-Birch Gallery.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 6 - BENGT LINDSTRÖM (Schweden, 1925 - 2008). Ohne Titel. Acryl auf Papier, auf Karton geklebt. Präsentiert Etikett auf der Rückseite der Juana Mordó Galerie, Madrid. Signiert in der unteren linken Ecke. Maße: 104 x 74 cm; 110 x 80 cm (Rahmen). Dieses Werk reflektiert eine ästhetische Sprache, in der sich verschiedene Avantgardebewegungen und die Übersetzung der Kunstgeschichte widerspiegeln. Aus einer neuen Perspektive, in der die ästhetische Überschreitung in den Händen des Künstlers, die die Schaffung eines Bildes mit seiner eigenen Sprache und Persönlichkeit beinhaltet. Durch die Verwendung von Farbe bietet das Werk dem Betrachter eine neue vitalistische Ästhetik, die mit einer verdünnten und fließenden Technik verschmilzt, die sich scheinbar zufällig über die Oberfläche der Leinwand ausbreitet. Kompositorisch ist es dem Künstler jedoch gelungen, ein völlig harmonisches Bild zu schaffen, bei dem die Beherrschung von Farbe und Technik ein ausdrucksstarkes, vitalistisches und dynamisches Bild ergibt, das den Betrachter einfängt und einen Dialog mit ihm herstellt. Bengt Lindström begann seine künstlerische Ausbildung an der Stockholmer Akademie (1944-1945) und an der Malschule von Isaac Grünewald. Später arbeitete er mit Aksel Jorgensen, bevor er einige Zeit in Chicago verbrachte und nach Paris zog. Dort arbeitete er in den Ateliers von Fernand Léger und André Lhote. 1949 begann er, einen weniger figurativen und zunehmend farbenfrohen Stil zu malen. Seine erste Einzelausstellung fand 1954 in Schweden auf der Kunstmesse Gummesson statt. Ab den 1950er Jahren nimmt er an mehreren Gruppenausstellungen und Salons in Paris teil. Seit den 1950er Jahren hatte Lindström Einzelausstellungen in Städten wie Paris, London, Brüssel, Cincinnati und Tokio. Die meisten seiner Werke befinden sich derzeit in der Krimaro Foundation sowie im Reina Sofia Museum in Madrid, im Carnegie Institute, im Centre Pompidou in Paris und in der Tate Gallery in London, neben vielen anderen.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 7 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcelona, 1941-2023). "Texas home", 1973. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 200 x 260 cm; 202 x 262 cm (Rahmen). Werk veröffentlicht in "Arranz Bravo-Bartolozzi", J. Corredor Matheos. Seite 68. Arranz Bravo war ein Gesamtkünstler, Theoretiker und Ausführender, der eine Schlüsselrolle in der Entwicklung der katalanischen und spanischen Avantgarde in der zweiten Hälfte des 20. Sein Werk und seine Persönlichkeit sind Teil der Geschichte des Kampfes und des Bruchs der spanischen Künstler in den letzten Jahrzehnten des Franco-Regimes. Arranz Bravo war eine Speerspitze dieser Öffnung, dieser Ablehnung des traditionalistischen Manichäismus, die zu einer vollständigen Erneuerung der spanischen Kunst führte und sie wieder in die europäische Avantgarde einreihte. Eduardo Arranz Bravo wurde zwischen 1959 und 1962 an der Schule der Schönen Künste von Sant Jordi in Barcelona ausgebildet. Sein Einzeldebüt gab er 1961 im Universitätsclub von Barcelona, aber die Ausstellung, die ihn bei den Kritikern in Barcelona bekannt machte, war die vom Ateneo von Barcelona 1961 organisierte. Zwischen 1968 und 1970 gehörte er zu der von Gerard Sala, Robert Llimós und Rafael Lozano Bartolozzi gebildeten Gruppe. Mit letzteren arbeitete er bis 1982 zusammen, wobei sich gemeinsame Ausstellungen mit Einzelausstellungen abwechselten. Der Kontakt mit diesen Künstlern beeinflusste seinen anfänglich abstrakten Stil, der sich der neuen Figuration und der Pop Art annäherte. Er hatte Ausstellungen in ganz Spanien, aber auch in Paris, Amsterdam, Venedig, São Paulo und Rio de Janeiro. Im Jahr 1983 veranstaltete er eine anthologische Ausstellung seiner Werke in der Sala Gaspar in Barcelona, und zwischen 1986 und 1988 war er mit der künstlerischen Leitung der Filme "El balcón abierto" und "Luces y sombras" von Jaime Camino betraut. Er nahm am VIII. Salón de Mayo in Barcelona und an den Ausstellungen "Muestra de Arte Nuevo" (Barcelona, 1971), "Picasso 90" (Louvre Museum, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcelona, 1971-72) und anderen teil. Im Jahr 1989 präsentierte er eine Ausstellung seiner Arbeiten der letzten drei Jahre im Museum für Moderne Kunst in São Paulo und eine anthologische Ausstellung im Palau Robert in Barcelona. Zu seinen Auszeichnungen gehören die II. Internationale Sportbiennale, der Figurenpreis der Biennale Estrada Saladich und der Ynglada-Guillot-Zeichenpreis. Seine Werke befinden sich im Reina Sofia Museum in Madrid, in den Museen der Schönen Künste von Vitoria und Sevilla, im Museum von São Paulo und im Museum of Modern Art in New York.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 8 - BRIAN DETTMER (Naperville, Illinois. 1974). "Paper-desk", 2007. Gemischte Medien. Signiert, betitelt und datiert. Maße: 47 x 46,5 x 10,5 cm. 49 x 99 x 13 cm (mit Urne). Brian Dettmer wurde bekannt für seine überraschenden Veränderungen von Papierträgern wie alten Büchern, Zeitungen und Landkarten, um ein neues Werk zu schaffen. In diesem Sinne ist auch das vorliegende Werk zu verstehen, eine abstrakte und strukturierte Komposition, die aus dem Recycling stammt. Ein Großteil von Dettmers aktueller Arbeit besteht aus der Veränderung von Büchern, wie alten Wörterbüchern, Enzyklopädien, Lehrbüchern, wissenschaftlichen und technischen Büchern, Kunstbüchern, medizinischen Ratgebern, Geschichtsbüchern, Atlanten, Comics, Tapetenmustern und anderen. Dettmer prägt und beschneidet die Bücher und legt ausgewählte Bilder und Texte frei, um komplizierte dreidimensionale Derivate zu schaffen, die neue oder alternative Interpretationen der Bücher offenbaren. Dettmer fügt niemals den Inhalt der Bücher ein oder verdrängt ihn (Moayeri 2008). Dieser Prozess wird ohne Vorplanung oder Nachzeichnung des Inhalts vor dem Schneiden des Buches durchgeführt (Cullum 2010). Während er das unerwünschte Material mit Messern, Pinzetten und chirurgischen Werkzeugen wegschneidet, stabilisiert Dettmer das verbleibende Papier mit einem Lack (Fox 2009). Ein frühes Beispiel für Dettmers veränderte Bücher ist seine Arbeit New International Dictionary aus dem Jahr 2003, ein ungekürztes Originalwörterbuch aus dem Jahr 1947, das gestempelt und ausgeschnitten wurde, um Bilder im Inneren des Wörterbuchs freizulegen (Sundell 2005, S. 70). In der Folge hat Dettmer seinen Prozess erweitert, indem er ein oder mehrere Bücher faltete, knickte, faltete, rollte oder stapelte, bevor er sie versiegelte und schnitt oder, in einigen Fällen, schleifte, um verschiedene Formen zu schaffen. Dettmer hat auch größere Skulpturen aus kompletten Enzyklopädiesätzen und anderen Nachschlagewerken gebaut. Weitere bemerkenswerte Beispiele für von Dettmer transformierte Medien sind eingeschmolzene Musikkassetten, die in ein lebensgroßes menschliches Skelett (Tyson 2007) und verschiedene Tierschädel verwandelt wurden; zerschnittene und übereinandergelegte Straßenkarten der Vereinigten Staaten und des Nahen Ostens (Packer 2005) und dreidimensionale Kartenskulpturen; VHS-Videokassetten von Gangsterfilmen, die entwirrt und in Blumenarrangements für Beerdigungen verwandelt wurden, und eine umstrittene Neukonfiguration von Audioausschnitten aus George W. Bushs Rede zur Lage der Nation von 2002 (Feigly 2003) (Feigly 2003). Brian Dettmers Arbeiten wurden veröffentlicht und in zahlreichen Museen, Kunstzentren und Galerien auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter das Smithsonian (Washington D.C.), das Museum of Arts and Design (New York), das Virginia Museum of Contemporary Art (Virginia), das Museum of Contemporary Art (Georgia), das Museum Rijswijh (Niederlande), die Wellcome Collection (Vereinigtes Königreich), das Bellevue Arts Museum (Washington), das Kohler Arts Center (Wisconsin), das Pérez Art Museum Miami (Florida)[1] und das Illinois State Museum (Illinois). Seine Werke befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen in den Vereinigten Staaten, Lateinamerika, Europa, Australien und Asien.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 9 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). Ohne Titel, 1984. Gemischte Medien auf Platte. Signiert und datiert im oberen Bereich. Maße: 86 x 64 cm; 90,5 x 68 cm (Rahmen). In diesem Werk verwendet Plensa Materialien, die mit der Tradition verbunden sind, und konstruiert mit ihnen ein dem Expressionismus nahestehendes Bild, das leicht als menschlich zu erkennen ist, aber dennoch zerrissen, unvollständig und auf eine gewisse metamorphe Art und Weise in voller Verwandlung festgehalten ist. Der Künstler kombiniert einen festen, sicheren Strich, der durch das Weiß, das die Figur umreißt, noch verstärkt wird, mit einer materiellen Behandlung des Papiers, indem er es verbrennt und perforiert, um die dritte Dimension zu erreichen und so mit dem traditionellen zweidimensionalen Aspekt der Malerei zu brechen, in einer ästhetischen Linie, die vom Informalismus geerbt wurde - mit seiner Wertschätzung der Texturen, der Materialien und des Zufalls - aber gleichzeitig völlig neu und persönlich ist. Jaume Plensa studierte an der Escuela de La Llotja und der Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt derzeit in Paris und wurde kürzlich mit der Ehrendoktorwürde der School of the Art Institute of Chicago ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen in der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich allmählich weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallabfälle, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren schuf er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle einzuräumen. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein in einer zeitgenössischen Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun auftrat. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 enthüllte er im BBC-Hauptquartier in London sein Werk "Breathing", ein Mahnmal für die im Dienst getöteten Journalisten. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritters der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, und 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst, verliehen von der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus und ist in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen in Europa und den Vereinigten Staaten vertreten, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA und dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Los 10 - JOSEP PUIGMARTI VALLS (Monistrol de Calders, 1932-2020). "Maske", 1995. Öl und Collage auf Leinwand. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 73 x 60 cm; 82 x 69 cm (Rahmen). Josep Puigmartí war ein autodidaktischer spanischer Maler und Bildhauer, der seinen Stil außerhalb der Konventionen und künstlerischen Trends der jeweiligen Epoche entwickelte. In den 60er-, 70er- und 80er-Jahren führte er in seinen surrealistischen Gemälden eine ganze Ikonografie des erotischen Stils ein, die ihm bei den Kritikern der damaligen Zeit den Ruf eines Grenzgängers einbrachte, der einen provokativen Stil praktizierte. Im Jahr 2007 erklärte ihn der Stadtrat der Grenzstadt Bourg-Madame (Frankreich) zu seinem Lieblingssohn, übergab ihm die Schlüssel der Stadt und widmete ihm ein ständiges Museum namens Espace d'art Puigmartí. Als Ergebnis seiner zahlreichen Reisen um die Welt stellte er in Spanien, Andorra, Frankreich, Monaco, Schweden, Dänemark, Japan, Abu Dhabi, Kolumbien, den Vereinigten Staaten und im China Millennium Monument Contemporary Art Museum in Peking aus.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 11 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Volteig, 1990. Öl auf Leinwand. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 195 x 204 cm; 207 x 206,5 cm (Rahmen). Llimós wurde 1964 mit einer gemeinsamen Ausstellung mit u. a. Arranz Bravo, Bartolozzi und Gerard Sala bekannt, mit denen er bis 1969 als Team arbeitete. Seine Werke befinden sich in herausragenden Sammlungen wie dem Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, dem Espirito Santo Museum für Moderne Kunst in Brasilien, der Sammlung für Zeitgenössische Kunst in Madrid, den Museen der Schönen Künste von Alava und Sevilla, der Fondazione Lucio Amelio in Neapel, dem Salvador Allende International Museum of Resistance in Santiago de Chile, der Peter Stuyvesant Foundation in Amsterdam, dem Palau Solleric in Palma de Mallorca und dem MACBA in Barcelona, um nur einige zu nennen. Sein Werk, das sich durch einen ausdrucksstarken und intensiven Strich auszeichnet, schwankt zwischen Figuration und symbolischer Abstraktion, mit einer starken Anziehungskraft für die Tierwelt, die oft Gegenstand seiner Arbeit ist, wie in dem Gemälde, das wir jetzt vorstellen, zu sehen ist.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 12 - JAVIER MARISCAL (Almazora, Castellón, 1950). Ohne Titel. Barcelona, Palo Alto, Mai 2006. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert am rechten Rand; signiert, lokalisiert und datiert auf der Rückseite. Maße: Javier Mariscal beherrscht es meisterhaft, belebte Szenen zu komponieren, Menschenmengen, die von der Magie der Nacht entzündet werden, und hat keine Konkurrenz. Mit einem unbekümmerten Stil ordnet er die Figuren auf dieser Leinwand scheinbar wahllos an, doch hinter dem scheinbaren Chaos aus Scheinwerfern, Trinksprüchen, Lächeln, Körpern und Tischen verbirgt sich eine kompositorische Strenge, die das Ergebnis echter Begabung ist. Mariscal bedient sich aus dem Comic, verwandelt ihn aber in eine soziologische und plastische Anschauung. Wir erkennen seine Handschrift in jeder seiner Figuren, diesen synthetischen Gesichtern und einigen von ihnen, die leicht hundeähnlich sind und an eines der berühmtesten Maskottchen der letzten Jahrzehnte erinnern. Javier Mariscal ist ein renommierter Industriedesigner, Cartoonist und Comiczeichner, der seit 1970 in Barcelona lebt und arbeitet. Er studierte Design an der Elisava-Schule in Barcelona, brach sein Studium jedoch bald ab, um direkt von seiner Umgebung zu lernen und seinen eigenen kreativen Impulsen zu folgen. Er begann seine Karriere in der Welt der Underground-Comics in Publikationen wie "El Rrollo Enmascarado" oder "Star", zusammen mit Farry, Nazario und Pepichek. Nachdem er Mitte der siebziger Jahre seine ersten eigenen Comics gezeichnet hatte, entwarf er 1979 das Logo der Bar Cel Ona, ein Werk, mit dem er in der Öffentlichkeit bekannt wurde. Im darauffolgenden Jahr eröffnete das Dúplex in Valencia, die erste Bar, die Mariscal zusammen mit Fernando Salas entwarf. Für diese Bar entwarf er eines seiner berühmtesten Stücke, den Dúplex-Hocker, eine wahre Ikone des Designs in den achtziger Jahren, sowohl innerhalb als auch außerhalb unserer Grenzen. Seine Arbeit als Möbeldesigner führte ihn 1981 zur Teilnahme an der Ausstellung der Memphis-Gruppe in Mailand. Im Jahr 1987 stellte er im Centre Georges Pompidou in Paris aus und nahm an der Documenta in Kassel teil. Zwei Jahre später wurde sein Entwurf Cobi als Maskottchen für die Olympischen Spiele 1992 in Barcelona ausgewählt, was zunächst umstritten war, heute aber als das profitabelste Maskottchen in der Geschichte der modernen Spiele anerkannt wird. 1989 gründete er das Estudio Mariscal und arbeitete an verschiedenen Projekten mit Designern und Architekten wie Arata Isozaki, Alfredo Arribas, Fernando Salas, Fernando Amat und Pepe Cortés zusammen. Zu seinen herausragendsten Arbeiten gehören die visuellen Identitäten für die Sozialistische Partei Schwedens, den Radiosender Onda Cero, den Zoo von Barcelona, die Universität von Valencia, das Design- und Architekturzentrum Lighthouse in Glasgow, das Kulturzentrum GranShip in Japan und das Londoner Postproduktionsunternehmen Framestore. Im Jahr 1999 erhielt er den Nationalen Designpreis, der vom spanischen Industrieministerium und der BCD-Stiftung in Anerkennung seiner gesamten beruflichen Laufbahn verliehen wurde.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 13 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, 2005. Gemischte Medien (Öl und Assemblage) auf Leinwand. Signiert und datiert. Maße: 154,5 x 120 x 5 cm. Die Verwendung von Assemblagen in Verbindung mit Experimenten und lyrischer Abstraktion gewinnt in Guinovarts Gemälden der letzten Schaffensperiode an Bedeutung. Er kehrt zu seinen informellen Anfängen zurück, bereichert sie aber, indem er die Auswirkungen verschiedener Verfahren auf unorthodoxen Trägern untersucht. Die starken Kontraste zwischen Schwarz, Rot und Weiß, die sich wie entfesselte Wellen kräuseln, erinnern an Stürme und andere Phänomene, in denen sich die Natur in ihrer ganzen Heftigkeit zeigt. Guinovart abstrahiert von der Naturbeobachtung und der Reflexion über die physikalischen Eigenschaften der Malerei eine einzigartige Bildsprache. Josep Guinovart erhielt seine Ausbildung an der Schule für Meistermaler, an der Kunstgewerbeschule und in den Klassen der FAD. Seine erste Einzelausstellung fand 1948 in den Galerien Syra in Barcelona statt. Bald erwarb er sich ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die neben Miró und Gaudí zu seinen wichtigsten Einflüssen zählen sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Er ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, im Museo Eusebio Sempere in Alicante, im Museo de Navarra in Tafalla, in der Casa de las Américas in Havanna, im Bocchum-Museum in Deutschland, im Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und im Museo Patio Herreriano in Valladolid vertreten.

Schätzw. 8 000 - 9 000 EUR

Los 14 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Fliedertür" 1992. Öl auf Leinwand. Rückseitig datiert, betitelt und signiert. Mit Etikett der Galerie Trama. Maße: 195 x 115 cm; 197 x 117 cm (Rahmen). Llimós wurde 1964 mit einer gemeinsamen Ausstellung mit u. a. Arranz Bravo, Bartolozzi und Gerard Sala bekannt, mit denen er bis 1969 als Team arbeitete. Seine Werke befinden sich in herausragenden Sammlungen wie dem Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, dem Espirito Santo Museum für Moderne Kunst in Brasilien, der Sammlung für Zeitgenössische Kunst in Madrid, den Museen der Schönen Künste von Alava und Sevilla, der Fondazione Lucio Amelio in Neapel, dem Salvador Allende International Museum of Resistance in Santiago de Chile, der Peter Stuyvesant Foundation in Amsterdam, dem Palau Solleric in Palma de Mallorca und dem MACBA in Barcelona, um nur einige zu nennen. Sein Werk, das sich durch einen ausdrucksstarken und intensiven Strich auszeichnet, schwankt zwischen Figuration und symbolischer Abstraktion, mit einer starken Anziehungskraft für die Tierwelt, die oft Gegenstand seiner Arbeit ist, wie in dem Gemälde, das wir jetzt vorstellen, zu sehen ist.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 15 - ALICIA FRAMIS (Mataró, 1967). "Parnasia", 2002. Fotografie, ed. 2/3. Maße: 122 x 155 cm. Alicia Framis wurde 1967 in Mataró, Barcelona, geboren. Sie studierte Bildende Kunst an der Universität von Barcelona und an der Hochschule für Bildende Künste in Paris. Sie schloss ihre Ausbildung am Institut d'Hautes Etudes in Paris und an der Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam ab. Alicia lebte und arbeitete in Barcelona (1985-1990), Paris (1990-1993) und Amsterdam (1995-2005). Alicia Framis lebt und arbeitet derzeit in Amsterdam. Sie ist eine multidisziplinäre Künstlerin, deren Arbeit zwischen den Disziplinen Architektur, Objektdesign, Mode und Performance oszilliert. Ihre Projekte werfen offen verschiedene problematische Fragen über die konventionelle Art und Weise auf, in der die zeitgenössische Welt ihre politischen, moralischen und affektiven Agenden organisiert. Framis artikuliert unkonventionelle, oft sogar fiktive Vorschläge, um auf reale soziale Dilemmas einzugehen und zu reagieren. Für das Jahr 2023 kündigte er sein neues Projekt an: die Hochzeit mit einem Hologramm namens AiLex, einem virtuellen Begleiter, der von Articifial Intelligence entwickelt wurde. Die Hochzeit ist für den Sommer 2024 geplant.

Schätzw. 1 800 - 2 200 EUR

Los 16 - JOSÉ MALDONADO (Madrid, 1962). Ohne Titel. 1992. Acrylfarbe, Lack und Holzkohle auf Leinwand. Maße: 90 x 90 cm. Als Autodidakt begann José Maldonado 1982 seine Tätigkeit als Illustrator und Mitarbeiter bei damaligen Publikationen wie La Luna de Madrid, Madrid Me Mata, Madriz und anderen. Das künstlerische Projekt, das der Künstler in den letzten 15 Jahren entwickelt hat, konzentriert sich auf die Unmöglichkeit, ein Bild und eine Darstellung der Realität zu schaffen, die vollständig und intim ist und gleichzeitig eine tiefe kommunikative Verbindung herstellen kann. José Maldonado sagt: "Meine Arbeit basiert auf dem Verdacht und auch auf der Überzeugung einer extremen Schwierigkeit des Lesens und des Unverständnisses, ebenfalls extrem..., die das Werk und die Arbeit des Künstlers durch die Annahme einer Leere oder Lücke, eines leeren Raums, vielleicht ohne Bedeutung, in dem Kommunikation auf unregulierte Weise (implosiv und explosiv) stattfindet, zu retten versuchen. Das Projekt ist im Wesentlichen eine Allegorie der Kommunikation und des Wunsches, die Welt zu interpretieren und uns ihr hinzugeben, als wäre sie unser Nachbar... oder wir selbst". José Maldonado hat seine Werke in internationalen Galerien wie Juana Mordo, Toni Estrany, Froment & Putman, Denise Van de Velde oder Helga de Alvear sowie in Ausstellungen unter anderem im Prospect in Frankfurt, im CAPC in Bordeaux oder im Institute of Contemporary Art in Lyon gezeigt. Seine Werke befinden sich in Museen wie dem Museo Nacional de Arte Reina Sofía in Madrid, dem Museo Patio Herreriano, dem Ulster Museum in Belfast oder dem Marugame Hirai Museum in Tokio.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 17 - XAVIER MEDINA CAMPENY (Barcelona, 1943). Ohne Titel. Skulptur in Bronze, Kopie 4/5. Signiert und gerechtfertigt auf dem Sockel. Mit Siegel der Fundición Artística Vila. Maße: 51 x 65 x 37 cm. Von Anfang der siebziger Jahre stammen eine Reihe von Stücken von Medina Campeny, deren Thema ist der menschliche Kopf, aus mehreren Blickwinkeln fokussiert, es zu Modifikationen unterziehen. Xavier Medina Campeny, Enkel des Bildhauers Josep Campeny und Urenkel von Damià Campeny, ist ein Bildhauer mit autodidaktischer Ausbildung, der seine künstlerische Stimmung zu einem sehr persönlichen Stil entwickelt hat. Er begann ein Architekturstudium in Barcelona, brach es aber ab, um sich der Bildhauerei zuzuwenden. In dieser Zeit widmete er sich dieser Kunst als Autodidakt. In seiner langen künstlerischen Laufbahn als Bildhauer hat er mit verschiedenen Techniken und Materialien gearbeitet. Seine erste Ausstellung fand im Jahr 1964 statt. Nach zehn Jahren zog er nach New York, wo er den größten Teil seiner künstlerischen Produktion schuf. Nach ein paar Jahren kehrte er nach Spanien zurück, um dort zu bleiben. Sein Stil ist eng mit der Avantgarde verbunden, genauer gesagt mit dem Dadaismus. Seine Meisterschaft in der Zeichnung hat ihm auch geholfen, organische Elemente mit geometrischen Formen zu verbinden. In den Jahren 1975 bis 1989 entwickelte er eine plastische Sprache des menschlichen Körpers, eine Mischung aus Anatomie und Geometrie, die er selbst "Fragmentationen" nannte. Bei der Herstellung dieser Körper zerbröselt, zerteilt und geometrisiert Medina die Teile des menschlichen Körpers, um sie später wieder zusammenzufügen, um einige Teile hervorzuheben, die er leer lässt. Das Werk Conversación (1979) reflektiert und erzählt uns vom Kontrast zwischen dem Abwesenden und dem Gegenwärtigen. Das Werk The mirror in Atlantic Ocean (Der Spiegel im Atlantik) hingegen bringt die Form mit dem Hintergrund ins Gleichgewicht und bearbeitet den Körper, ohne ihn zu fragmentieren. Medinas Werk kann mit surrealistischen Vorschlägen in Verbindung gebracht werden. In der Gruppe Mimetismo animal (Tiermimikry) sind zum Beispiel menschliche Haltungen mit ironischen Ausdrücken in den Tieren zu sehen. Seit 2003 hat sich der Stil des Künstlers in Bezug auf den menschlichen Körper verändert, indem er die Formen vereinfacht und sie in längliche Zylinder verwandelt, die für ihn "Stücke" mit einer symbolischen Bedeutung sind. Die Werke von Medina und Campeny wurden sowohl in Europa als auch in Amerika ausgestellt, wo er mehrere Werke in Museen und wichtigen Institutionen besitzt, wie dem Museo Nacional de Arte Reina Sofia in Madrid, dem MACBA in Barcelona, der Pagani Foundation in Legnano, Italien, dem Everson Museum in Syracuse (USA), der Jimmy Carter Library & Museum in Atlanta, Georgia (USA), der Bears Foundation in New York (USA), dem North Carolina Museum of Art (USA) und vielen anderen.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 18 - MARKUS ÖEHLEN (Krefeld, Nordrhein-Westfalen, 1956). "Securitator". 2005. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert auf der Rückseite. Mit Juana de Aizpuru Galerie Etikett auf der Rückseite. Maße: 250 x 200 cm: 253 x 203 cm (Rahmen). In Gemälden wie diesem testet Markus Öehlen unsere Fähigkeit, hinter die Bilder zu blicken, indem er die oberflächliche Lesart, die uns die visuelle Kultur aufzwingt, überschreitet. Menschliche Figuren und andere mehrdeutige, etwas bedrohliche Figuren werden auf Farbflächen und verschiedenen Texturen überlagert, was unendliche Lese- und Interpretationsschichten nahelegt. Der plastische Reichtum dieses Werks resultiert aus dem eingehenden Studium verschiedener Stile, von den optischen Experimenten der kinetischen Kunst bis hin zum Erbe des abstrakten Expressionismus und des oneirischen Automatismus. Er scheint mechanische Prozesse mit spontanen malerischen Flecken zu vermischen. Und doch verwendet er nur die Öltechnik. Oehlens aufwendige Oberflächenbehandlung erzeugt eine magnetische Wirkung, indem er die banale Realität durch eine komplexe Darstellung ersetzt. Markus Öehlen ist ein deutscher bildender Künstler, der mit Malerei, Skulptur und Musik arbeitet. In den 1970er und 1980er Jahren war er zusammen mit Martin Kippenberger, Markus Lüpertz und seinem Bruder Albert Oehlen Gründungsmitglied der einflussreichen neoexpressionistischen Kunstbewegung Neue Wilde in Düsseldorf. Oehlen studierte an der Kunstakademie Düsseldorf (Alfonso Hüppi). Er verwendet einen Punk-Stil, der sich gegen den Minimalismus richtet. Ziel war es, das Wesen des Minimalismus mit einem Malstil anzugreifen, der auf dem Instinkt basiert und gestisch das Wilde, Spontane, Obsessive und Sinnliche betont. Oehlen hat sein Werk parallel zu Malerei, Bildhauerei und musikalischen Projekten kontinuierlich weiterentwickelt. Seine neuen Arbeiten sind zunehmend von den Wahrnehmungsexperimenten der Op Art inspiriert, wobei gedruckte Bildinterferenzen in rasterartigen Mustern über und unter den Bildschichten auftreten. Markus Oehlens komplexe, geschichtete Bilder setzen sich aus einer Fülle von gefundenen Bildern, Formen und verzerrten Bildelementen zusammen, die, aus ihrem bisherigen Kontext herausgelöst, eine neue Funktion und Bedeutung erhalten. Indem er die einzelnen kompositorischen Elemente der Leinwände im Kontext der Kunst neu arrangiert, schafft Oehlen surreale Stillleben, die ursprünglich nicht dafür vorgesehen waren, spielt mit dem Begriff der Zufälligkeit und suggeriert seltsame Erzählungen. Die Bilder auf großen Leinwänden überzeugen durch ihren radikalen Ansatz in der Malerei. 1984 nahm er an der Gruppenausstellung Von hier aus - Zwei Monate neue deutsche Kunst in Düsseldorf teil. Im Jahr 1993 stellte er im Museum of Modern Art in New York aus: "Projects 39"- mit Georg Herold. Darüber hinaus war Oehlen Gründungsmitglied der Bands Mittagspause, Fehlfarben, Flying Klassenfeind, Vielleichtors und Van Oehlen. Seit 2002 ist er Professor an der Akademie der Bildenden Künste in München.

Schätzw. 25 000 - 30 000 EUR

Los 19 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Merce Cunningham und die Tanzkompanie, 1966. Für die Aufführung in Sitges am 29. Juli 1966. Avant Lettre-Lithographie, Ausgabe 97/200. In der Platte signiert und mit Bleistift nummeriert. Maße: 73,5 x 50 cm. Joan Miró wird in Barcelona geboren und debütiert 1918 als Einzelkünstler in den Galerien von Dalmau. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht, auf das Visuelle zu übertragen. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 20 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "L'oeil", 1984. Radierung in zwei Platten auf Arches-Papier, Exemplar 4/50. Von Hand signiert und nummeriert. Tàpies Galfetti V, S. 183, Abb. 952. Maße: 12 x 21 cm (Druck 1); 30 x 40 cm (Druck 2); 50 x 65 cm (Papier). Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Er widmet sich immer intensiver dem Zeichnen und der Malerei und gibt schließlich sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. 1948 ist er Mitbegründer von "Dau al Set" und beginnt, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse der menschlichen Existenz bedeutet. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 21 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Le plus beau cadeau", 1975. Radierung und Carborundum-Gravur in Grau und Braun, Exemplar 37/80. Mit Bleistift signiert und nummeriert. Tàpies Galfetti V, S. 90, Abb. 1513. Maße: 63,5 x 45,5 cm. Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Nach und nach widmet er sich immer intensiver dem Zeichnen und der Malerei, und schließlich gibt er sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. 1948 ist er Mitbegründer von "Dau al Set" und beginnt, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse der menschlichen Existenz bedeutet. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 22 - ALEXANDER CALDER (Vereinigte Staaten, 1898 - 1976). "Cercles noir, bleu, rouge", 1975. Lithographie, Kopie H.C. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 65 x 50 cm; 75 x 59 cm (Rahmen). Die vorliegende Lithografie vereint viele der charakteristischen Aspekte von Calders Malerei: die heitere Einfachheit der abstrakten Formen, die vollen und primären Farben und die formale Dynamik. Calder studierte an der Art Students League in New York und hatte 1926 seine erste Ausstellung in der The Artist's Gallery in New York. Noch vor Ende des Jahres beginnt er seine Europareise, die ihm Begegnungen mit den großen Persönlichkeiten seiner Zeit wie Miró, Duchamp und Mondrian ermöglicht. Calder ist einer der bekanntesten Künstler des 20. Jahrhunderts, dessen Werke sich in allen großen Sammlungen der Welt befinden. Jahrhunderts. Seine Werke befinden sich in allen großen Sammlungen der Welt, vom MoMA in New York, wo eine seiner Skulpturen die Haupttreppe schmückt, bis zum UNESCO-Sitz in Paris. Weitere Zentren, in denen er vertreten ist, sind das Guggenheim Museum in New York, die Peggy Guggenheim Collection in Venedig, das Städel in Frankfurt, das Kunstmuseum in Basel, das Reina Sofía in Madrid und die Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 23 - PEPE YAGÜES (Molina de Segura, Murcia, 1968). "Es tocada", 1999. Gemischte Medien auf Papier. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 96 x 172 cm; 125 x 202 cm (Rahmen). Pepe Yagües, Maler, Graveur und Bildhauer, wurde an der Kunstgewerbeschule in Murcia und an der Fakultät für Schöne Künste in Granada ausgebildet. Im Jahr 1991 erhielt er ein Stipendium des Bildungsministeriums, und 1992 schloss er sein Studium an der Fakultät von Valencia ab und erhielt einen Preis der Cañada Blanch Stiftung. In den folgenden Jahren folgten weitere Erfolge und Projekte, und seit 1997 nimmt er fleißig an der Madrider Messe Arco teil. Yagües hatte Ausstellungen in Spanien und im Ausland und ist im Museo del Grabado Español Contemporáneo in Marbella, im Cruz Herrera, im Adra in Almería, im Municipal in Valencia, im Museo del Grabado in Orense, im Post- und Telegrafenmuseum in Madrid, in der Calcografía Nacional und in der Casa Natal de Goya in Zaragoza vertreten.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 24 - CLAUDIO BRAVO CAMUS (Valparaiso 1936 - Taroudant, Marokko 2011). Ohne Titel, 1950. Zeichenkohle und weißer Bleistift auf Papier. Gerahmt mit Museumsglas. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 70 x 125 cm; 95 x 152 cm (Rahmen). Die Sinnlichkeit dieses stimmungsvollen Werks dominiert die Komposition vollständig. Eine nackte Frau in einer komplexen Verkürzung steht vor dem Betrachter, der sie nicht wahrnimmt. Ihre zarte und weibliche Anatomie wird durch ein wahrheitsgetreues Volumen definiert, allerdings nicht ohne einen Mangel an transzendenter Idealisierung in Richtung einer klassischen Schönheit. Die ausgeprägten Volumina verleihen diesem Körper, der in einem hellen Raum zu schweben scheint, durch den Einsatz von Schatten und Licht Dreidimensionalität, wobei das Ideal der Körper der Frau als Konzept ist, nicht die konkrete Frau, da wir nicht ihr Gesicht sehen, sondern das Symbol des Weiblichen. Die Präzision der Zeichnung und die technische Qualität des Werks schaffen ein großartiges Spiel zwischen Realität und Fantasie, das den Betrachter in Erwartung des visuellen Paradoxons des Autors hält, ein wiederkehrendes Merkmal im Werk von Claudio Bravo. Claudio Bravo wurde in eine wohlhabende chilenische Gutsbesitzerfamilie hineingeboren und hatte von klein auf eine klare künstlerische Berufung, die er trotz des Drängens seines Vaters auf seinen ersten Sohn nicht in das Familienunternehmen einbringen wollte. Er besuchte eine religiöse Schule und obwohl er mit zunehmendem Alter alle katholischen Dogmen, die er in seiner Kindheit gelernt hatte, ablehnte, hatte er immer ein gewisses Interesse an den geheimnisvollen Aspekten des religiösen Lebens und eine Faszination für das Leben der Heiligen. Sein Stil ist von der Perfektion des Klassizismus und der Renaissance beeinflusst, wie man an den hier vorgestellten Werken sehen kann. Seine erste Ausstellung findet 1954 im Salon 13 in Santiago de Chile statt, als er 18 Jahre alt ist. Er entdeckt den Surrealismus von Dalí, dessen Einfluss in einigen seiner späteren Werke spürbar sein wird, aber immer mit einer persönlichen Prägung. Er erlangt in Lateinamerika und Europa eine gewisse Berühmtheit als Porträtmaler, ein Genre, das er nie aufgeben wird, da es ihm, obwohl er es allmählich langweilig fand, wirtschaftliche Stabilität und einen wichtigen sozialen Status verschaffte. 1961 verließ er schließlich Chile und kam nach Spanien, wo er sich in der Hauptstadt Madrid niederließ, wo er bis Anfang der 70er Jahre Ruhm und Reichtum erlangte, bis er schließlich nach Tanger ging, wo ihn, wie er erklärte, das unvergleichliche Licht und Klima faszinierten. 1981 hatte er seine erste Ausstellung in der Marlborough Gallery in New York, einer Galerie, die ihn seither international vertritt, und 1994 hatte er eine große Einzelausstellung im National Museum of Fine Arts, die zu einer der meistbesuchten in der Geschichte wurde. Für seine Verdienste und künstlerischen Beiträge wurde ihm am 1. Juli 2002 vom spanischen Ministerrat die spanische Staatsbürgerschaft verliehen.

Schätzw. 45 000 - 50 000 EUR

Los 25 - JOAN MIRÓ I FERRÁ, (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Album 21, 1978. Farblithographie auf Archès-Papier. Exemplar 41/75. Herausgegeben von der Galerie Maeght. Mit Zertifikat von National Art Brokers Inc. Handsigniert und nummeriert. Maße: 64 x 49 cm; 100 x 85 cm (Rahmen). Joan Miró wird in Barcelona, zwischen der Schule des Fischmarktes und der Akademie Galí, ausgebildet. Bereits Anfang 1918 findet seine erste Ausstellung in den Galerien Dalmau in Barcelona statt. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort, unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler, reift sein Stil; er versucht, die surrealistische Poesie auf das Visuelle zu übertragen, basierend auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen. Von diesem Moment an entwickelt sich sein Stil zu ätherischeren Werken, in denen organische Formen und Figuren auf abstrakte Punkte, Linien und Farbflecken reduziert werden. 1924 unterzeichnete er das erste surrealistische Manifest, obwohl die Entwicklung seines Werks zu komplex ist, als dass man ihn einer bestimmten Orthodoxie zuordnen könnte. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 war sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwarb zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Weihe bedeutete. In den fünfziger Jahren experimentiert er mit anderen künstlerischen Medien, wie der Gravur, der Lithografie und der Keramik. Von 1956 bis zu seinem Tod im Jahr 1983 lebte er in Palma de Mallorca in einer Art innerem Exil, während sein internationaler Ruhm wuchs. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen wie die Großen Preise der Biennale von Venedig (1954) und der Guggenheim-Stiftung (1959), den Carnegie-Preis für Malerei (1966), die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya (1978) und der Schönen Künste (1980) und wurde von den Universitäten von Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Heute sind seine Werke in der 1975 eingeweihten Joan-Miró-Stiftung in Barcelona sowie in den wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst in der ganzen Welt zu sehen, darunter das Thyssen-Bornemisza, das MoMA in New York, das Reina Sofia Museum in Madrid, die National Gallery in Washington, das MNAM in Paris und die Albright-Knox Art Gallery in Buffalo. Herausgegeben von der Maeght Gallery. Zertifiziert durch National Art Brokers Inc.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 26 - AGUSTÍN ÚBEDA ROMERO (Herencia, Ciudad Real, 1925 - Madrid, 2007). "Emeraude". Öl auf Leinwand. Signiert in der linken unteren Ecke. Auf der Rückseite signiert, betitelt und lokalisiert. Maße: 131 x 162 cm; 135 x 166 cm (Rahmen). Der surrealistische Maler Agustín Úbeda, der der sogenannten Spanischen Schule von Paris zuzurechnen ist, war ein großer Kenner der Kunstgeschichte und ein Mann von großer Kultur. Er trat 1944 in die Schule der Schönen Künste San Fernando in Madrid ein, wo er Schüler von Vázquez Díaz, Eugenio Hermoso und Joaquín Valverde war und 1948 den Titel eines Professors für Zeichnen erhielt. Sein Einzeldebüt gab er 1949 im Casino von Alcazar de San Juan, und 1952, im Alter von siebenundzwanzig Jahren, hatte er seine erste Einzelausstellung in Madrid, die in der Galerie Xagra stattfand. Im folgenden Jahr ließ er sich dank eines Stipendiums des Institut Français in Paris nieder. Nachdem er zwei aufeinanderfolgende Preise im Wettbewerb für junge französische Malerei gewonnen hatte, einen zweiten Preis im Jahr 1956 und einen ersten Preis im darauffolgenden Jahr, öffneten sich ihm die Türen der renommierten Galerie Drouant-David in Paris, wo er von nun an regelmäßig seine Werke ausstellte. Im Jahr 1960 erhielt er die Goldmedaille der XXI. Manchegan-Ausstellung von Valdepeñas, und drei Jahre später wurde er mit der Bronzemedaille der V. Biennale von Alexandria ausgezeichnet. Kurz zuvor hatte er den Sprung von der Galerie Biosca in Madrid in die Vereinigten Staaten geschafft, dem damaligen Weltzentrum der Kunst. Als emeritierter Professor der Universidad Complutense de Madrid und ordentliches Mitglied der Königlichen Akademie der Ärzte erhielt Ubeda im Laufe seiner langen Karriere immer wieder bedeutende Auszeichnungen, von denen der Große Preis für Malerei des Kreises der Schönen Künste im Jahr 1980 besonders hervorzuheben ist. Ebenfalls 1998 zeigte das Centro Cultural de la Villa de Madrid eine Retrospektive, die sein Werk zwischen 1944 und 1998 umfasste. Im selben Jahr veranstaltete Úbeda in der Caja de San Fernando in Sevilla eine anthologische Ausstellung mit 35 Gemälden, die drei seiner ständigen Themen gewidmet waren: die Landschaft, der weibliche Akt und das Stillleben. Agustín Úbeda hat Einzelausstellungen in mehreren spanischen Städten sowie in Frankreich, der Schweiz und den Vereinigten Staaten durchgeführt. Derzeit ist er in den Museen der Villa in Genf und Paris, im Museum der Schönen Künste in Jaen, im Museum für Zeitgenössische Kunst in Badajoz, im Museum für Moderne Kunst in Valdepeñas, im Kupferstichmuseum in Marbella, im Städtischen Museum in Toledo, im Nationalmuseum für Zeitgenössische Kunst, im Museum Camón Aznar in Zaragoza, im Provinzmuseum in Ciudad Real und in den Vereinigten Staaten in den Museen von New Mexico, San Diego, Phoenix, Lowe in Miami und Evansille in Indiana vertreten.

Schätzw. 4 000 - 4 500 EUR

Los 27 - MIGUEL RASERO (Doña Mencía, Córdoba, 1955). Ohne Titel, 1988. Öl und Collage auf Leinwand. Signiert mit Initialen und datiert auf der Rückseite. Maße: 145 x 112 cm; 164 x 133 cm (Rahmen). Der Maler und Grafiker Rasero entwickelt ein Werk, das über die traditionellen künstlerischen Ansätze hinausgeht und Kompositionen präsentiert, die ein Gleichgewicht zwischen fragilen oder unmöglichen Formen und dem sie umgebenden Raum herstellen wollen. Ebenso stellt der Autor einen Dialog zwischen Innen und Außen her, wie auch mit den Grenzen und Begrenzungen, die die Vorstellungskraft erleichtern und anregen. Sein Werk hat Kurt Schwitters und Malewitsch als Hauptbezugspunkte. Rasero hat seine Karriere in Barcelona entwickelt, wo er 1982 mit dem Stipendium der Generalitat de Catalunya für Kunst ausgezeichnet wurde. Im Jahr 1984 gewann er den zweiten Preis auf der Biennale der Malerei in derselben Stadt und stellte seine Bilder in bedeutenden nationalen und internationalen Galerien aus, wie Gaspar in Barcelona, Trama in Madrid, Pelaires in Palma, Puerta Nueva in Cordoba und Philippe Guimiot in Brüssel und New York. Im Jahr 2001 stellte er seine Werke in einer Gruppenausstellung im Museo Pedro de Osma in Lima (Peru) aus und nahm an mehreren Ausgaben der Kunstmesse Arco in Madrid teil. Er ist im MACBA in Barcelona, in der Fundación La Caixa, in der Sammlung der Bank Rotschild in der Schweiz, in der Travelstead Collection in New York und in der Sammlung der Banco Santander vertreten.

Schätzw. 1 500 - 1 600 EUR

Los 28 - ANDREU ALFARO HERNÁNDEZ, (La Huerta, Valencia, 1929 - 2012). "Calatá Power (B)" 1967. Skulptur aus rostfreiem Stahl polychrom rot, Kopie 87/500. Signiert und nummeriert auf dem Sockel. Referenziert im Werkverzeichnis, Seite 219. Maße: 38 x 10,5 x 10,5 cm. Der Bildhauer, der mit der Gruppe Parpalló (1957) in Verbindung steht und von Jorge Oteiza und den Konstruktivisten wie Brancusi oder Pevsner beeinflusst ist, zeigt schon in seinen ersten bedeutenden Werken sein Bestreben, die Skulptur in einen bestimmten architektonischen Raum zu integrieren. 1961 begann er mit "La Rella" eine zweite Phase, in der er die Verbindung zwischen künstlerischer Tätigkeit und sozialer Gemeinschaft konkretisierte, gefolgt von "La veu d'un poble" (1964-65) und "Monument a l'amor" (1965-66). In diesen Jahren erlangt er internationales Ansehen durch seine Teilnahme an der Biennale von Venedig 1966, wo er "Mein schwarzer Bruder" zeigt. In den letzten Jahren der sechziger Jahre trat Alfaro in eine neue Phase ein, in der er mit metallischen Elementen experimentierte und Werke mit kinetischem Charakter oder räumlicher Forschung schuf. Aus dieser Zeit sind die Werke "Bon dia llibertat" (1975) und "Catalan power" (1976) bekannt. In diesen Jahren begann er sich auch für große Skulpturen zu interessieren, die er im Cervantes-Park in Barcelona (1977) ausstellte. Er entwirft auch mehrere Denkmäler wie das "Monument als Països Catalans" in Tárrega (1981). Diese Periode markiert auch den Beginn seiner internationalen Ausstrahlung und zweifellos den Moment der Reife eines der bedeutendsten katalanischen Bildhauer. Um 1980 versucht er jedoch, eine fast kalligrafische Stilisierung in seinen Werken wiederzufinden, was ihn dazu bringt, mit Draht zu experimentieren. Gleichzeitig beginnt er, Marmor in seine Produktion einzubeziehen, die als eine schöne Kombination aus klaren Elementen und konstruktivem Purismus definiert werden kann. Die geometrische Struktur seiner Werke, die sich je nach Blickwinkel des Betrachters immer wieder verändert, ist stets von großer plastischer Kraft geprägt. 1983 schuf Alfaro eine Skulptur zu Ehren des Malers E. Sempere in Madrid. In dieser Zeit schuf er auch andere Skulpturen für den Außenbereich in Frankfurt (1986), Madrid (1990) und Barcelona (1991). 1996 stellte er in Tarrasa eine Skulptur auf, die der arbeitenden Frau gewidmet ist, 1999 errichtete er die "Columnes de l'Autònoma" in der Universität von Barcelona, und 2001 schuf er ein Denkmal zum Gedenken an die Opfer des Nationalsozialismus in Vilanova i la Geltrú. Anlässlich des Verdaguer-Jahres wurde 2002 eine monumentale Gedenkskulptur des katalanischen Dichters in der Stadt Vic eingeweiht, und 2003 schuf er die Skulptur "Einsen" am Eingang von Barcelona. Im Laufe seiner Karriere hatte Alfaro Einzelausstellungen in Spanien sowie in Deutschland, Italien und den Niederlanden und nahm an wichtigen Gruppenausstellungen in der ganzen Welt teil. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Jaume I Honor Award (1980), den National Plastic Arts Award (1981) und den Alfons Roig Plastic Arts Award der Diputación de Valencia (1991). Derzeit ist er unter anderem im Reina Sofía Museum und im Conde Duque Center in Madrid, im IVAM und im Patio Herreriano in Valladolid vertreten. Nachzulesen im Werkverzeichnis, S. 219.

Schätzw. 2 600 - 2 800 EUR

Los 29 - JOAN RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Der Maler. Gemischte Medien auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren linken Ecke. Maße: 130 x 97 cm. Joan García Ripollés, bekannt unter seinem zweiten Nachnamen oder als "der selige Ripo", entdeckte seine Leidenschaft für die Malerei, als er noch sehr jung war und mitten in der Nachkriegszeit in einer industriellen Malerwerkstatt arbeitete. Von da an widmete er sich nachts der Malerei und nahm später Zeichenunterricht am Ribalta-Gymnasium in Castellón. Nach seinem Debüt in einer Kollektivausstellung, die 1951 in der Caja de Ahorros de Castellón stattfand, kam es 1954 zu einem Wendepunkt in seiner Karriere, der auf eine Reise nach Paris zurückzuführen ist, wo er Kontakt zu den Künstlerkreisen der Stadt aufnahm. 1962 organisiert er seine erste bedeutende Einzelausstellung im MACBA in Barcelona, und 1967 reist er nach New York, wo er seine gesamte Sammlung ausstellt und an die William Haber Art Collection verkauft. Von diesem Moment an begann eine glanzvolle internationale Karriere, die seine Werke in die ganze Welt führte. Er hat Einzelausstellungen nicht nur in Spanien, Paris und New York, sondern auch in Mexiko, Holland, Belgien, Italien, der Schweiz, Schweden, mehreren amerikanischen Städten, Deutschland und Japan organisiert. Im Jahr 2000 wurde er mit dem Kunstpreis der Autonomen Gemeinschaft Valencia ausgezeichnet. Ripollés ist heute einer der internationalsten spanischen Künstler und auch einer der vollständigsten, da er sowohl in der Malerei als auch in der Bildhauerei und der Gravur brillant gearbeitet hat. Er ist im IVAM, im MOMA in New York, im Museum der Universität von Alicante, im Museum der Schönen Künste in Sevilla und im MACBA vertreten.

Schätzw. 3 000 - 4 000 EUR

Los 30 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923-2009). Ohne Titel. 2002. Gemischte Medien und Wachs auf Papier. Signiert und datiert. Maße: 36 x 37 cm; 68,5 x 70 cm (Rahmen). Der Maler, Pädagoge, Schriftsteller und Grafiker Ràfols Casamada genießt heute großes internationales Ansehen. Er begann in der Welt des Zeichnens und Malens bei seinem Vater, Albert Ràfols Cullerés. Der postimpressionistische Einfluss seines Vaters und sein besonderer Cézannismus prägen die Werke seiner ersten Ausstellung, die 1946 in den Galerien Pictòria in Barcelona stattfand, wo er mit der Gruppe Els Vuit ausstellte. In der Folge entwickelt er eine poetische Abstraktion, amorph in ihrer Konfiguration, frei und intelligent, das Ergebnis einer langsamen Entwicklung und basierend auf Umgebungen, Themen, Objekten oder Grafiken des täglichen Lebens. Ràfols Casamada arbeitet mit diesen Fragmenten der Realität, des Lebens, in einem Prozess der Entstellung, spielt mit den Konnotationen, den plastischen Werten und dem visuellen Reichtum der möglichen verschiedenen Lesarten, in einem Versuch, die Vergänglichkeit der Realität zu fixieren. 1950 erhält er ein Stipendium, um nach Frankreich zu reisen, und lässt sich bis 1954 in Paris nieder. Dort lernte er die postkubistische figurative Malerei sowie die Werke von Picasso, Matisse, Braque, Miró und anderen kennen. Diese Einflüsse verbinden sich in seiner Malerei mit dem sich zur gleichen Zeit entwickelnden amerikanischen abstrakten Expressionismus. Als er schließlich nach Barcelona zurückkehrte, schlug er seinen eigenen künstlerischen Weg ein, mit einem Stil, der sich durch kompositorische Eleganz auszeichnet und auf orthogonalen Strukturen in Verbindung mit einer gefühlvollen und leuchtenden Farbgebung beruht. Nachdem er in den sechziger und siebziger Jahren eine interessante Beziehung zum Neo-Dada und zum Neuen Realismus gezeigt hatte, konzentrierte sich sein Werk auf rein malerische Werte: Farbfelder in ausdrucksstarker Harmonie, auf denen sich gestische Kohlestriche abheben. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1980 den Nationalen Preis für plastische Kunst des Kulturministeriums, 1982 den Creu de Sant Jordi und 1991 den CEOE-Kunstpreis. 1985 wurde er zum Ritter des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums ernannt und ist Ehrenmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid. Im Jahr 2003 verlieh ihm die Generalitat den Nationalen Preis für Bildende Kunst von Katalonien, und 2009, nur zwei Monate vor seinem Tod, ehrte ihn die Grup 62 im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien. Seine Werke befinden sich in den wichtigsten Museen der Welt: im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim und im MOMA in New York, im Museum of Modern Art in Los Angeles, im Picasso-Museum in Frankreich, im Georges Pompidou in Paris, im British Museum und in der Tate Gallery in London und in vielen anderen.

Schätzw. 2 400 - 3 000 EUR

Los 31 - CARMEN CALVO (Valencia, 1950). "Ich bin traurig, aber nicht mit einem Ende", 2007. Intervenierte Fotografie auf Papier. Handsigniert und datiert. Maße: 54 x 38 cm; 70 x 54 x 6 cm (Rahmen). Eine der Leidenschaften der Künstlerin Carmen Calvo ist es, auf Flohmärkten zu stöbern und in alten Fotoalben zu blättern, um alte Fotografien zu finden, die sie dann mit einer neuen Vision der alten anonymen Schnappschüsse aus der Vergangenheit verbindet. Unbekannte Personen in Schwarz-Weiß, oft in Gruppenfotos, verwandeln ihre Identität durch die Einbeziehung von Masken und anderen surrealen Elementen. Carmen Calvo studierte an der Kunstgewerbeschule und der Schule der Schönen Künste in Valencia und machte 1970 ihren Abschluss in Werbung. Später erweiterte sie ihre Ausbildung dank Stipendien des Kulturministeriums (1980), der Casa de Velázquez in Madrid (1983-85) und des Außenministeriums für ihren Aufenthalt in Paris (1985-92). In diesen Jahren begann Calvo anerkannt zu werden und erhielt Auszeichnungen wie den I LaSalle Seiko Malereipreis von Barcelona (1985), den Alfons Roig der Diputación Valenciana (1989), ein Stipendium für die I Biennale Martínez Guerricabeitia der Universität Valencia (1989) und die Auswahl für die XLVII Biennale von Venedig (1997). Die Künstlerin begann ihre Ausstellungstätigkeit 1969 mit der Teilnahme an einer Gruppenausstellung im Círculo Universitario de Valencia. Ihr Einzeldebüt gab sie 1976 in der Galerie Temps in ihrer Heimatstadt. Seitdem hat sie ihre Werke in verschiedenen Städten Spaniens und der Vereinigten Staaten sowie in anderen Ländern Europas, Amerikas und Afrikas gezeigt. Werke von Carmen Calvo sind derzeit in Kunstinstitutionen, Museen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt zu sehen, darunter das Guggenheim Museum in New York, das Reina Sofia in Madrid, das Marugame Hirai in Kobe, das MACBA in Barcelona, der Fonds National d'Art Contemporain in Paris, das IVAM in Valencia, die Sammlung der Chase Manhattan Bank in New York, usw.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 32 - ANTONIO LÓPEZ GARCÍA (Tomelloso, Ciudad Real, 1936). Künstlerbuch. "Körper und Blumen", 2017. Exemplar 1546/2998. Herausgegeben von Artika. Signiert und nummeriert. Handgebundenes und handgenähtes Buch. Schuber aus Ahornholz und Glas. Im Schuber ist eine vorbereitende Zeichnung von "La mujer de Coslada" (2009) abgebildet, die im Siebdruckverfahren mit zwei Farben hergestellt wurde. Maße: 77 x 54,5 cm. Kunstbuch von Antonio López. Nummeriertes und signiertes Exemplar. Es umfasst die künstlerische Laufbahn dieses genialen Realisten und ermöglicht es uns, seine Werke auch in den feinsten Details zu genießen, dank der lebensgroßen Reproduktion vieler seiner Werke. Es bringt uns auch seine Empfindungen, seine Leidenschaften und Obsessionen näher, basierend auf Texten von Rafael Argullol und Antonio López selbst, sowie einem Interview zwischen dem Maler und Julio Vaquero. Antonio López, Maler und Bildhauer, studierte in Madrid an der Akademie San Fernando und in Italien, wohin er dank eines Stipendiums reiste. Während seiner Studienzeit bildete er zusammen mit anderen Künstlern wie Enrique Gran, Amalia Avia oder Lucio Muñoz das, was man heute als Madrider Schule bezeichnet. Nach Abschluss seines Studiums gab er 1957 sein Debüt in Madrid. Seitdem war er in Galerien in Europa, den Vereinigten Staaten, China und Korea vertreten. 1993 widmete ihm das Reina-Sofia-Museum in Madrid eine anthologische Ausstellung. Er ist Mitglied der San-Fernando-Akademie und wurde unter anderem mit dem Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst und dem Velázquez-Preis für plastische Kunst ausgezeichnet. 2008 widmete ihm das Museum of Fine Arts in Boston eine monografische Ausstellung, und 2011 werden das Thyssen-Bornemisza und das Museum of Fine Arts in Bilbao dasselbe tun. Er ist u. a. im Museum of Fine Arts in Boston, im ARTIUM in Vitoria, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, in der Juan March Foundation und im Museum der Schönen Künste in Bilbao vertreten.

Schätzw. 2 200 - 3 000 EUR

Los 33 - Nach Modellen von FERNANDO BOTERO (Medellín, Kolumbien, 1932-Monaco, 2023). "Frau und Stier". Bronze. Mit Markierungen auf dem Sockel. Maße: 34,5 x 28 x 20 cm; 4 x 27 x 18,5 cm (Sockel). Bronzeskulptur, die eine nackte Frau mit langem Haar und voluminösem Körper darstellt. Sie sitzt seitlich auf dem Rücken eines Stieres, dessen Anatomie ebenfalls mit den für Botero charakteristischen runden Formen aufgelöst wurde. Wie der kolumbianische Meister verleiht auch der Bronzekünstler der weiblichen Figur eine angenehme Sinnlichkeit, die den Normen der Schönheit fremd ist.

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 34 - EDUARDO NARANJO (Monesterio, Badajoz, 1944). "Die geheimnisvolle Laura", 2007. Kupferstich, Kopie 3/99. Mit Bleistift signiert und begründet. Maße: 41,5 x 31,5 cm (Druck); 60 x 49 cm (Papier); 63,5 x 52 cm (Rahmen). Herausragender zeitgenössischer spanischer Maler, der als einer der großen Vertreter des magischen Traumrealismus gilt. Eduardo Naranjo begann seine künstlerische Ausbildung 1957 bei seinem Lehrer Eduardo Acosta und trat noch im selben Jahr in die Schule für Kunst und Handwerk ein. Im Jahr 1960 setzte er sein Studium an der Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría in Sevilla fort, und ein Jahr später wechselte er an die Escuela de Bellas Artes San Fernando in Madrid, wo er sein Studium abschloss. Nach seiner akademischen Phase beschloss Naranjo, nach Paris zu gehen, wo er sich intensiv mit dem Werk von Picasso und Künstlern wie Matisse auseinandersetzte. Sein Werk ist von der technischen Erforschung der Malerei geprägt, obwohl er auch mit Skulpturen und im Bereich der Szenografie gearbeitet hat. Außerdem fertigte er zwischen 1986 und 1991 eine Reihe von Stichen für das Buch "Poeta en Nueva York" von Federico García Lorca an. In seiner künstlerischen Laufbahn erhielt Eduardo Naranjo wichtige Preise und Auszeichnungen, wie den Luis de Morales de Badajoz-Preis (1974), die Medaille von Extremadura (1991), den Nationalen Gravurpreis María de Salamanca des Museums für zeitgenössische spanische Gravur (1994) und das Militärverdienstkreuz für seinen Beitrag zur Kunst und zum Heer (1995). Im Laufe seiner Karriere hatte er Einzelausstellungen in der ganzen Welt, und heute ist er einer der gefragtesten lebenden spanischen Maler. Er ist sogar international bekannt und wird in so fernen Ländern wie China bewundert, wo er mehrfach ausgestellt hat und zu Meisterkursen an Universitäten des Landes eingeladen wurde. Heute befinden sich seine Werke in internationalen Privatsammlungen und zahlreichen öffentlichen Museen, darunter das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid und das Nagasaki Museum in Japan, sowie in zahlreichen Privatsammlungen, darunter die Sammlung Masaveu in Oviedo.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 35 - ALDO COMAS (Barcelona, 1985). Ohne Titel. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 38 x 46 cm. Maler, Musikproduzent, Filmregisseur, Geschäftsmann..., Aldo Comas ist ein vielseitiger Mensch. Der Ehemann der Schauspielerin Macarena Gómez ist bekannt für seine farbenfrohen und lebendigen Bilder. In einer seiner Serien hat Aldo Comas mit "Dominican Mambo" eine Sammlung von Werken geschaffen, die die dominikanische Kultur und den dominikanischen Geist darstellen. Eine andere besonders gefeierte Serie ist "London Edition". Seine jüngste Ausstellung fand im Februar 2024 im Stierkampfmuseum von Cordoba statt. Auch seine Ausstellung "Hummer und Gitarren" konnte im Hotel Aguas de Ibiza besichtigt werden.

Schätzw. 1 500 - 2 000 EUR

Los 36 - ÉRIC DU BELLAY (Chatenay Malabry, Frankreich, 1980) "Allein. Freiheit, 2021. Digitaldruck auf Hahnemühle Fine Art Baryta FB Papier, 350h. Exemplar 1/7. Echtheitszertifikat beigefügt. Signiert und datiert im unteren Bereich. Maße: 50 x 35 cm; 53 x 68 cm (Rahmen). "Ich male Blumen, damit sie nicht sterben" (Frida Khalo), so definiert Éric du Bellay seine Arbeit als Filmemacher und Fotograf. Éric du Bellay begann im Alter von 15 Jahren mit der Fotografie. Er entwickelte seine eigenen Schwarz-Weiß-Fotos. Von Anfang an konzentrierte sich seine Arbeit auf Gesichter und Körper, als wolle er die Spuren der Lebenden bewahren. Er verließ die Fotografie, um eine Karriere als Filmemacher einzuschlagen. Er drehte sechs Kurzfilme in Frankreich und Island, und sein erster Spielfilm, Menina Casilda, wurde 2021 in Madrid gedreht. 2019 kehrte er mit seinem Projekt Corps Vibrants, Aktaufnahmen im Studio in Paris, zur Fotografie zurück, gefolgt von seinem zweiten Projekt, Libertad, das 2021 in Madrid als Reaktion auf die Pandemie-Beschränkungen entstand. Beeinflusst von den Arbeiten von Marina Abramovic, Ren Hang und Ryan McGinley, erforscht er Darstellungen von nackten Körpern in Bewegung. Ein Echtheitszertifikat liegt bei.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 37 - ÉRIC DU BELLAY (Chatenay Malabry, Frankreich, 1980) "Hommage an Ren Hang". Vibrant Bodies Project (Paris, Frankreich) 2019. Digitaldruck auf Hahnemühle Fine Art Baryta 325gsm Papier. Kopie 1/7. Echtheitszertifikat beigefügt. Signiert und betitelt im unteren Bereich. Maße: 50 x 35 cm; 53 x 68 cm (Rahmen). "Ich male Blumen, damit sie nicht sterben" (Frida Khalo), so definiert Éric du Bellay seine Arbeit als Filmemacher und Fotograf. Éric du Bellay begann im Alter von 15 Jahren mit der Fotografie und entwickelte seine eigenen Schwarz-Weiß-Fotos. Von Anfang an konzentrierte sich seine Arbeit auf Gesichter und Körper, als wolle er die Spuren der Lebenden bewahren. Er verließ die Fotografie, um eine Karriere als Filmemacher einzuschlagen. Er drehte sechs Kurzfilme in Frankreich und Island, und sein erster Spielfilm, Menina Casilda, wurde 2021 in Madrid gedreht. 2019 kehrte er mit seinem Projekt Corps Vibrants, Aktaufnahmen im Studio in Paris, zur Fotografie zurück, gefolgt von seinem zweiten Projekt, Libertad, das 2021 in Madrid als Reaktion auf die Pandemie-Beschränkungen entstand. Beeinflusst von den Arbeiten von Marina Abramovic, Ren Hang und Ryan McGinley, erforscht er Darstellungen von nackten Körpern in Bewegung. Ein Echtheitszertifikat liegt bei.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 38 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, 1904 - 1989). "Mythologischer Krieger" und "Surrealistische Tänzerin", 1990. Mit Feingold veredeltes Porzellan. Exemplare 1259 bzw. 1621 einer Auflage von 5000 Stück. Beiliegend Echtheitszertifikate und notarielle Urkunde des Verlags Galda N. V. Maße: 31 cm (Durchmesser, x2). Paar emaillierte Porzellanteller, deren Design und Ornamente von dem katalanischen Künstler Dalí stammen. Beide wurden anlässlich der Ausstellung des Internationalen Malereifonds in Barcelona am 8. Mai 1990 hergestellt. In seinen jungen Jahren entdeckte Dalí die zeitgenössische Malerei bei einem Familienbesuch in Cadaqués, wo er die Familie von Ramon Pichot kennenlernte, einem Künstler, der regelmäßig nach Paris reiste. Auf Anraten von Pichot begann Dalí, bei Juan Núñez Malerei zu studieren. Im Jahr 1922 wohnte Dalí in der berühmten Residencia de Estudiantes in Madrid, um ein Studium der Schönen Künste an der Akademie San Fernando aufzunehmen. Vor seiner Abschlussprüfung im Jahr 1926 wurde er jedoch von der Schule verwiesen, weil er behauptete, dass es dort niemanden gab, der ihn hätte prüfen können. Im selben Jahr reiste Dalí zum ersten Mal nach Paris. Dort lernte er Picasso kennen und legte einige formale Merkmale fest, die von da an für sein gesamtes Werk charakteristisch sein sollten. Seine Sprache nahm die Einflüsse vieler künstlerischer Stile auf, vom klassischen Akademismus bis hin zur bahnbrechenden Avantgarde. Zu dieser Zeit ließ sich der Maler einen auffälligen Schnurrbart wachsen, der dem von Velázquez nachempfunden war und für den Rest seines Lebens zu seinem persönlichen Markenzeichen werden sollte. 1929 arbeitete Dalí mit Luis Buñuel an dem Film "Ein andalusischer Hund" zusammen, in dem Szenen aus der surrealistischen Fantasie gezeigt wurden. Im August desselben Jahres lernte er seine Muse und zukünftige Frau Gala kennen. Während dieser Zeit stellte Dalí regelmäßig in Barcelona und Paris aus und schloss sich der surrealistischen Gruppe im Pariser Viertel Montparnasse an. Sein Werk beeinflusste die Richtung des Surrealismus in den folgenden zwei Jahren stark und er wurde als Erfinder der paranoisch-kritischen Methode gefeiert, die den Zugang zum Unterbewusstsein erleichtern und kreative künstlerische Energien freisetzen sollte. 1931 malte Dalí eines seiner berühmtesten Werke, "The Persistence of Memory", in dem er einigen Theorien zufolge seine Ablehnung der Zeit als starres oder deterministisches Gebilde zum Ausdruck brachte. Dank des Kunsthändlers Julian Levy landet der Maler 1934 in Amerika. Durch seine erste Einzelausstellung in New York wird sein internationaler Ruf endgültig gefestigt, und von nun an stellt er seine Werke in der ganzen Welt aus und hält Vorträge. Im selben Jahr wurde er einem "surrealistischen Prozess" unterzogen, der zu seinem Ausschluss aus der Bewegung führte, da der Maler der Ansicht war, dass der Surrealismus in einem unpolitischen Kontext existieren könne, und sich weigerte, sich den Ideen von André Breton anzuschließen. Darauf antwortete Dalí mit seiner berühmten Erwiderung: "Ich bin der Surrealismus". Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von der Sammlung des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), dem Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder dem Dalí Universe in London. Das Echtheitszertifikat und die notarielle Urkunde von Galda N. V. sind beigefügt.

Schätzw. 300 - 350 EUR

Los 39 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Friedenssichernde Maßnahmen der Vereinten Nationen, 1980. Lithographie auf Super Alfa Papier. Exemplar 190/1500. Beigefügtes Echtheitszertifikat, ausgestellt vom Weltbund der Vereinten Nationen im Jahr 1980. Gerahmt in Museumsglas. Enthält einen Trockenstempel des Weltbundes der Vereinten Nationen und eine philatelistische Gedenkmarke. Signiert in der Platte und nummeriert. Maße: 28,5 x 21,7 cm. Joan Miró entsteht in Barcelona und debütiert 1918 als Einzelkünstler in den Galerien von Dalmau. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie, die auf Erinnerung, Fantasie und Irrationalität beruht, auf das Visuelle zu übertragen. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen. Diese Lithographie zeigt uns den essentialistischen Miró in seiner Suche nach minimalen und suggestiven Formen. Die auf wenige Farben beschränkte Palette, die auf flache und glänzende Oberflächen aufgetragen wird, evoziert die lyrische Verbindung von Mensch und Umwelt. Echtheitszertifikat, ausgestellt von der World Federation of United Nations im Jahr 1980. Gerahmt in Museumsglas.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 40 - MARK WALLINGER (Chigwell, England, 1959). "Geist". Siebdruck, Exemplar 422/500. Rückseitig handsigniert und nummeriert. Maße: 55 x 47 cm; 60 x 52,5 cm (Rahmen). Das weiße Einhorn, eine Figur, die oft unerreichbare Reinheit symbolisiert, ist in Mark Wallingers Werk mit politischen Konnotationen behaftet, die einen zweideutigen Ansatz nahelegen: Der Titel und das Bild der fotografischen Erscheinung betonen sein geisterhaftes Wesen, das eines Fabelwesens. Aber gleichzeitig deutet es darauf hin, dass die Utopie (die Ideale) uns immer noch innerlich aufwühlt. Der englische Künstler Mark Wallinger ist bekannt für seine Fähigkeit, Kunst als Instrument für soziale und politische Kommentare zu nutzen und dabei intellektuelle Strenge mit einem tiefen Sinn für Geschichte und Kultur zu verbinden. Er gehört zu der Generation britischer Künstler, die sich in den 1980er und 1990er Jahren herausbildete und oft mit den Young British Artists (YBA) in Verbindung gebracht wird. Sein Ansatz ist jedoch konzeptioneller und politischer als der vieler seiner Zeitgenossen. Wallinger befasst sich mit Fragen der Identität, Spiritualität und Macht, wobei er häufig Autoritäten in Frage stellt und die Subjektivität erforscht. Seine Arbeiten können sowohl direkt als auch ironisch sein und kulturelle und religiöse Symbole verwenden, um zum Nachdenken anzuregen. Nachdem er 1995 für den Turner-Preis nominiert worden war, gewann er ihn 2007 für seine Installation State Britain. Sein Werk Ecce Homo (1999-2000) war das erste, das den leeren vierten Sockel am Trafalgar Square besetzte. Er hat Großbritannien unter anderem auf der Biennale von Venedig, der Documenta in Kassel und der Istanbul Biennale vertreten. Labyrinth (2013), eine permanente Auftragsarbeit für Art on the Underground, wurde zur Feier des 150-jährigen Bestehens der Londoner U-Bahn geschaffen. Im Jahr 2018 wurde das permanente Werk Writ in Water für den National Trust geschaffen, um den Ort zu feiern, an dem die Magna Carta in Runnymede unterzeichnet wurde. Er hatte bereits Ausstellungen in bedeutenden Kunstinstitutionen wie der Tate Britain in London, dem Museum für Moderne Kunst in Frankfurt und der Du Mont Foundation in Köln.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 41 - PABLO GENOVÉS (Madrid, 1959). "Die Tänzerin, 2001. Cibachrome zwischen Methacrylat und Aluminium. Kopie 3/3. Signiert, datiert, betitelt und gerechtfertigt auf der Rückseite. Maße: 187 x 121 cm. Die visionären Fotomontagen von Pablo Genovés sind eine Metapher für das Verschwinden der menschlichen Zivilisation auf unserem Planeten. Seine faszinierenden, alptraumhaften Bilder, in denen der Mensch nicht vorkommt, lösen beim Betrachter ein Gefühl der Angst und der Bewunderung aus und vermitteln die Idee, dass es dringend notwendig ist, eine neue Beziehung zwischen dem Menschen und der Erde herzustellen, die nicht auf ihrer Ausbeutung beruht. Pablo Genovés ist ein spanischer Fotograf, der fotografisch-digitale und malerische Techniken verwendet. In seinen Anfängen malte er direkt auf die Fotos und fügte reichlich Farben hinzu; später änderte er seine Kriterien auf Schwarz-Weiß mit sehr sporadischen Farbzusätzen. Sein Werk erforscht die Begriffe Erinnerung, Vergangenheit und Realität; die Kombination von Fotografie und Malerei verleiht seinen Bildern einen eigenen Charakter. In dieser Mischung von Sprachen versucht er, die Vor- und Nachteile der menschlichen Existenz aufzuzeigen. Einige seiner Fotoserien zeigen luxuriöse architektonische Räume (Paläste, Bibliotheken, Theater) unter dem Einfluss von Naturgewalten.3 Diese Fotografien sind aus früheren, anonymen Aufnahmen zusammengesetzt, die der Künstler auf Straßenmärkten gefunden und digital bearbeitet hat.

Schätzw. 5 500 - 6 500 EUR

Los 42 - WIACHESLAW PLOTNIKOW (Russland, 1962). "Träume. Öl auf Leinwand. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Auf der Rückseite ist ein Poster der 3. Ausgabe von Monaco Fine Arts (2006), in dem dieses Gemälde reproduziert wird. Maße: 140 x 140 cm; 164 x 164 cm (Rahmen). Eine Reihe von Ansichten von Monte Carlo und seinem Casino, die in Grisaille gearbeitet sind (in einer Reihe von Sepias, die die Reproduktion alter Fotografien simulieren), umgeben ein zentrales Porträt in lebhaften Farben von einer Frau, die einen überschwänglichen Hut trägt. Mit ungewöhnlicher Virtuosität simuliert der Maler (ausschließlich in Öltechnik) das Nebeneinander von verschiedenen Blättern, als ob es sich um Postkarten oder Fotografien aus den 1920er Jahren handeln würde. Das Porträt zeigt eine junge Frau, deren Schultern von einer prächtigen weißen, mit Federn besetzten Stola bedeckt sind. Ihre Hände sind in lange kastanienbraune Lederhandschuhe gehüllt. Ihre langen Finger fummeln an den Perlen der Halskette, mit der anderen Hand streichelt sie die bunten Federn der Pamela. Das Gesicht der Dame strahlt Eleganz aus: fein umrissene karminrote Lippen, schmachtender honigfarbener Blick, rosige Wangenknochen. Wjatscheslaw Plotnikows plastisches Geschick zeigt sich in jeder der städtischen und küstennahen Ecken sowie in dem rätselhaften Porträt. Die dargestellte Frau verkörpert die Kultiviertheit der glamourösen Stadt Monte Carlo in den 1920er Jahren, die auf einer der Ölfotografien des Casinos zu sehen ist. Wjatscheslaw Plotnikow ist ein in Monaco ansässiger Maler, der mit Preisen und Ausstellungen reichlich ausgezeichnet wurde. Er ist in Sammlungen in Monaco und Frankreich vertreten. Er ist Mitglied des monegassischen Nationalkomitees von L'A.I.A.P., U.N.E.S.C.O. Sous le haut patronage de S.A.S. le Prince Souverain Albert II. Er wurde an der Akademie der Schönen Künste in Rom (1994-1995) und an der Kunstakademie Shtutgardt in Deutschland (1993) ausgebildet. Zuvor am Moskauer Staatlichen Kunstinstitut "Surikov" (Schüler von Professor Ilia Glasunov, Spezialgebiet "Portrait", 1987-1993). Ausgewählte Ausstellungen: 2017 ,Dezember 4-6 - Miami River Art Fair, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2017,Dezember Monaco Auktion, Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2017,Januar Monaco Auktion, Accademia Fine Art Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2016,Dezember- Miami River Art Fair 2016, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA. 2016,Juni- Monte-Carlo Hotel des Ventes Auktion, Monaco 2015,Dezember- Miami River Art Fair 2015, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami, USA 2015,Juni- Monaco Auktion, Accademia Fine Art Gallery, Hotel Metropole, Monte-Carlo, Monaco. 2015- Ausstellung in der Alexander Art Group International Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2015,Mai- Auktion "AmberLoungeFashion", Hotel Meridien, Monte-Carlo, Monaco 2014,Dezember- BDN2014 Christmas Ball Auction, Monte-Carlo, Monaco 2014,Dezember 13- Auktion Hotel des Ventes de Monte-Carlo, Monaco 2014, Dezember 4-7- Miami River Art Fair 2014, Nina Torres Fine Art Gallery, Miami ,USA 2014 ,2. August - Russische Auktion, MC FINE ARTS Gallery, Hotel de Monte-Carlo Bay, Monaco 2014 Ständige Ausstellung, Saint Paul de VenceGallery, Frankreich 2014- Russische Auktion, Hotel de Paris, MC Fine Arts Gallery, Monte-Carlo, Monaco 2013, Dezember Auktion Hotel de Paris, Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco 2013, Oktober Auktion Hotel de Paris,Accademia Fine Arts, Monte-Carlo, Monaco.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 43 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "Der Schlangenbeschwörer", 1986. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der oberen linken Ecke. Maße: 160 x 200 cm. Der Maler, Zeichner, Fotograf und Graveur Lluís Claramunt, der sein Leben zwischen Barcelona, Madrid, Sevilla, Bilbao und Marrakesch verbrachte, entwickelte ein von Isidre Nonell beeinflusstes Werk, das in seinen Anfängen von einem Expressionismus geprägt ist, der nach und nach verschwindet, bis es zu einer minimalen Kalligrafie wird. Seit den siebziger Jahren hatte er Einzelausstellungen in bekannten Galerien wie Dau al Set in Barcelona, Quatre Gats in Palma de Mallorca, Juana de Aizpuru in Sevilla oder Buades in Madrid und nahm auch an Arco (1984, 1988) teil. Außerdem hatte er Einzelausstellungen in New York, Amsterdam, Graz (Österreich) und Lissabon. Im Jahr 2012 wurde sein Werk in der Einzelausstellung "El viatge vertical" im MACBA in Barcelona gezeigt. Derzeit ist er in diesem Museum, der Fundació Vila Casas, der Sammlung La Caixa, dem Museo de Bellas Artes de Álava, der Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, dem Consejo Superior de Deportes und dem Ministerio de Cultura in derselben Stadt sowie in der Colección Caja Madrid vertreten. Kürzlich hat Claramunt in der renommierten Galerie Marc Domenech in Barcelona ausgestellt, der seine Ausstellung "Luis Claramunt. Años 80" ganz dem Werk des Künstlers widmete. Die Ausstellung, die im Mai 2016 stattfand, zeigte mehr als siebzig Werke, die die Vorliebe des Künstlers für urbane Räume demonstrierten, dargestellt durch eine völlig expressionistische Palette, in der eine dynamische und lebendige Farbpalette vorherrscht.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 44 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). Fünf Zeichnungen, 1963. Fünf Tusche-, Wachs- und Aquarellzeichnungen auf Seiten und Doppelseiten von "Album 19". Jede der Zeichnungen wird von einem von ADOM ausgestellten Echtheitszertifikat begleitet. Eine von ihnen ist signiert. Größe: 30,5 x 22 cm (2); 44 x 30,5 cm (3). Set von fünf Zeichnungen von Joan Miró auf Seiten aus "Album 19", ein Portfolio von Lithographien mit einem Essay von Joan Perucho. Es handelt sich um das Begleitheft zur Ausstellung in der Galerie Sala Gaspar in Barcelona, die vom 26. Oktober bis 15. November 1963 stattfand. Joan Miró wurde in Barcelona ausgebildet und debütierte 1918 in den Galeries Dalmau. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Unter dem Einfluss der surrealistischen Dichter und Maler reift sein Stil allmählich; er versucht, die surrealistische Poesie in die bildende Kunst zu übertragen, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 war sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwarb zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine retrospektive Ausstellung, die seine endgültige internationale Weihe sein sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung in Venedig, den Carnegie-Preis für Malerei in Venedig, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste sowie die Ehrendoktorwürde der Universitäten von Harvard und Barcelona. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen.

Schätzw. 30 000 - 35 000 EUR

Los 45 - OKOKUME (Mataró, 1985). 8" Qee vom Künstler handbemalt. Einzigartiges und exklusives Stück. Signiert mit Filzstift und gestempelt. Maße: 22 x 12 x 8 cm. Im Jahr 2012 präsentierte Swab Barcelona das Wohltätigkeitsprojekt gegen AIDS, Swab Toy by FLS, in Zusammenarbeit mit der "Lluita Contra la Sida Fundación Lucha contra el SIDA". An dem Projekt waren 100 Künstler und Designer beteiligt, die eine künstlerische Intervention auf einem 8" DIY QEE vornahmen. Das zu ersteigernde Spielzeug ist also ein personalisiertes, einzigartiges und exklusives Stück, das von Okokume (dem Alter Ego von Lau Mas) handbemalt wurde. Die Künstlerin sieht sich selbst als Teil der Lowbrow Art-Bewegung (Pop-Surrealismus) und Filme wie Studio Ghibli (Hayao Miyazaki) haben ihr geholfen, einen Stil zu finden, der an Naïff erinnert. Sie ist auch von Filmen wie Akira (Katsuhiro Ôtomo) beeinflusst und kreiert Figuren, die denen des Films ähneln. Qee ist eine Reihe von Designerpuppen, die vom Gründer und Präsidenten von Toy2r, Raymond Choy, entworfen wurden. Qee wurde 2002 in Hongkong gegründet und hat die Welt des Designs revolutioniert, indem es zeitgenössische Kunst in den Vinylspielzeugmarkt einführte. Unter dem Motto "Everyone can design" hat Choy die Kreationen bedeutender Künstler aus der ganzen Welt zusammengeführt, von Eugenio Merino, Emilio García, Albert Pinya oder Elenza Monzo bis hin zu Chu Uroz, Manuel Ocampo oder Max Ripo. Auf diese Weise fängt jeder Künstler auf diesen Puppen - einer besonderen "3D-Leinwand" - seine Art, die Welt zu verstehen, ein. Die neugierigen Figuren sind in verschiedenen Größen erhältlich: 1,5", 2,5", 8", 16", 36" und die 60" Qee. Toy2r bietet auch D.I.Y (Do It Yourself) Qees für angehende Designer an. Sie sind beweglich, da sie den Kopf, die Arme und die Beine bewegen. Seit seiner Gründung hat Toy2r zahlreiche international renommierte Auszeichnungen auf der ganzen Welt erhalten und ist damit ein führendes Unternehmen im Bereich Designerspielzeug.

Schätzw. 2 500 - 3 000 EUR

Los 46 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, 1995. Mischtechnik (Öl, Materie, Platte, Kichererbsen, Holzkohle, Wachs) auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 76 x 94 cm; 73 x 83 cm (Rahmen). In der Malerei von Guinovart hatte immer einen unauslöschlichen Eindruck Aspekte seiner Biographie mit den Härten des Bürgerkriegs verbunden. Die Weizenkörner und Kichererbsen, die er nicht nur in seiner informellen Periode, sondern auch in späteren Gemälden wie dem vorliegenden in seine Werke einbaut, sind eine Antwort auf die Erinnerung daran, was es bedeutete, mit seiner Familie in eine kleine Stadt in Lleida auszuwandern, um vor dem Krieg zu fliehen. Die Produkte und Utensilien des Landes werden als Symbole für Widerstandsfähigkeit und Hoffnung in einem ungünstigen Kontext behandelt. Gleichzeitig nimmt er durch das Experimentieren mit diesen außerkünstlerischen Elementen einen wichtigen Platz im Herzen des materiellen Informalismus ein. Josep Guinovart wurde an der Meisterschule für Maler, an der Schule für Kunst und Handwerk und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung fand 1948 in den Galerien Syra in Barcelona statt. Er erwarb sich sofort ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die zusammen mit Miró und Gaudí seine wichtigsten Einflüsse sein sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Objekte (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielfältiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Er ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, im Museo Eusebio Sempere in Alicante, im Museo de Navarra in Tafalla, in der Casa de las Américas in Havanna, im Bocchum-Museum in Deutschland, im Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und im Museo Patio Herreriano in Valladolid vertreten.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Los 47 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, 1997. Gemischte Medien auf Táblex. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Maße: 50 x 60 cm; 73 x 83 cm (Rahmen). In den neunziger Jahren, als Guinovart bereits eine fruchtbare Karriere hinter sich hatte, befreite sich seine Malerei mehr denn je von der Zugehörigkeit zu bestimmten avantgardistischen Bewegungen oder Stilen. In dem hier gezeigten Werk suggerieren die geschickt verteilten Flecken und Texturen ein menschliches Gesicht im Profil, das eher als Abwesenheit denn als Präsenz festgehalten wird: als ob seine spektrale Natur eine unaussprechliche Spur auf dem Material hinterlassen hätte. Letzteres wird wie ein zeichenhaftes Palimpsest behandelt. Josep Guinovart wurde an der Escuela de Maestros Pintores, an der Escuela de Artes y Oficios und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1948 in den Galerien Syra in Barcelona. Er erwarb sich sofort ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die zusammen mit Miró und Gaudí seine wichtigsten Einflüsse sein sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Um 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz, sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Objekte (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Er ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, im Museo Eusebio Sempere in Alicante, im Museo de Navarra in Tafalla, in der Casa de las Américas in Havanna, im Bocchum-Museum in Deutschland, im Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und im Museo Patio Herreriano in Valladolid vertreten.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 48 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcelona, 1941-2023). "L'estany de Natalia", 1981. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 195 x 250 cm; 197 x 252 cm (Rahmen). Arranz Bravo war ein Künstler, Theoretiker und Ausführender, der für die Entwicklung der katalanischen und spanischen Avantgarde in der zweiten Hälfte des 20. Sein Werk und seine Persönlichkeit sind Teil der Geschichte des Kampfes und des Bruchs der spanischen Künstler in den letzten Jahrzehnten des Franco-Regimes. Arranz Bravo war eine Speerspitze dieser Öffnung, dieser Ablehnung des traditionalistischen Manichäismus, die zu einer vollständigen Erneuerung der spanischen Kunst führte und sie wieder in die europäische Avantgarde einreihte. Eduardo Arranz Bravo wurde zwischen 1959 und 1962 an der Schule der Schönen Künste von Sant Jordi in Barcelona ausgebildet. Sein Einzeldebüt gab er 1961 im Universitätsclub von Barcelona, aber die Ausstellung, die ihn bei den Kritikern in Barcelona bekannt machte, war die vom Ateneo von Barcelona 1961 organisierte. Zwischen 1968 und 1970 gehörte er zu der von Gerard Sala, Robert Llimós und Rafael Lozano Bartolozzi gebildeten Gruppe. Mit letzteren arbeitete er bis 1982 zusammen, wobei sich gemeinsame Ausstellungen mit Einzelausstellungen abwechselten. Der Kontakt mit diesen Künstlern beeinflusste seinen anfänglich abstrakten Stil, der sich der neuen Figuration und der Pop Art annäherte. Er hatte Ausstellungen in ganz Spanien, aber auch in Paris, Amsterdam, Venedig, São Paulo und Rio de Janeiro. Im Jahr 1983 veranstaltete er eine anthologische Ausstellung seiner Werke in der Sala Gaspar in Barcelona, und zwischen 1986 und 1988 war er mit der künstlerischen Leitung der Filme "El balcón abierto" und "Luces y sombras" von Jaime Camino betraut. Er nahm am VIII. Salón de Mayo in Barcelona und an den Ausstellungen "Muestra de Arte Nuevo" (Barcelona, 1971), "Picasso 90" (Louvre Museum, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcelona, 1971-72) und anderen teil. Im Jahr 1989 präsentierte er eine Ausstellung seiner Arbeiten der letzten drei Jahre im Museum für Moderne Kunst in São Paulo und eine anthologische Ausstellung im Palau Robert in Barcelona. Zu seinen Auszeichnungen gehören die II. Internationale Sportbiennale, der Figurenpreis der Biennale Estrada Saladich und der Ynglada-Guillot-Zeichenpreis. Seine Werke befinden sich im Reina Sofia Museum in Madrid, in den Museen der Schönen Künste von Vitoria und Sevilla, im Museum von São Paulo und im Museum of Modern Art in New York.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 49 - MANOLO MARTÍN (1946-2005). "Bulldogge und Guernica", ca. 2001-2002. Fiberglas und Acryl. Beigefügtes Zertifikat ausgestellt von Don Manuel Martin, Sohn des Autors. Es hat leichte Schäden. Maße: 37 x 66 x 38 cm. Die Figur eines Hundes dient als Grundlage oder als Leinwand für Picassos Guernica. Die Verwendung von Figuren, die von der städtischen Kultur inspiriert sind, als Protagonisten, in diesem Fall der Hund, bringt uns einer Sprache der klaren Pop-Ästhetik näher, obwohl die ikonische Präsenz der Figuren von Guernica, uns zur Avantgarde des Beginns des Jahrhunderts führt und somit einen Zusammenfluss zwischen den beiden wichtigsten künstlerischen Strömungen des zwanzigsten Jahrhunderts ergibt. Mit diesem Werk bietet der Autor dem Betrachter eine neue Perspektive, da es eine radikal neue Vision bietet, indem es mit Elementen der Hoch- und Niederkultur der Kunstwelt spielt. Manolo Martín war ein Fallas-Künstler, der seine Ausbildung in der Werkstatt von Manuel Guinart begann und seine Lehre in der Fallas-Kunst mit Werbung und Dekoration verband. Im Jahr 1971 begann er seine Solokarriere und 1976 schuf er seine erste großformatige Falla. Nur zwei Jahre später präsentierte er "El circo de la Vida" in den Fallas von Valencia, und 1982 erlangte er mit seinem Werk "Los siete pecados capitales" (Die sieben Todsünden) große Anerkennung. 1985 nahm er am Internationalen Comic-Salon teil und öffnete damit sein künstlerisches Betätigungsfeld für andere Bereiche. Diese neue Erfahrung hatte einen direkten Einfluss auf seinen Stil, der seinen eher klassischen und traditionellen Charakter zugunsten einer größeren Modernität aufgab, unter Mitwirkung von Zeichnern wie Sento LLobell, Antonio Ortiz oder den Designern Francis Montesinos und Valentín Herraiz. Im Laufe seiner Karriere arbeitete er mit Künstlern wie Antonio Miralda, Javier Mariscal, Carmen Calvo, Miguel Navarro, Manolo Valdés, Quino, Daniel Torres, Chema Cobo, Jean Jacques Lebel und Sigfrido Martín Begué zusammen. Beigefügtes Zertifikat ausgestellt von Herrn Manuel Martín, Sohn des Autors. Geringfügig beschädigt.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 50 - CARMEN CALVO (Valencia, 1950). "Zurbarán", 1989. Gemischte Medien, Seil und Leinwand auf Karton. Schenkt Stempel auf der Rückseite der Galerie Nave 10 (Valencia). Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 110 x 60 cm; 120 x 67,5 cm (Rahmen). Der Titel dieses Werks gibt uns einen Schlüssel an die Hand, der es uns als Betrachter ermöglicht, die ästhetischen Einflüsse der Künstlerin und deren Resignation in einer zeitgenössischen Sprache und einem zeitgenössischen Kontext zu verstehen. Carmen Calvo hat zahlreiche Werke geschaffen, die von der spanischen Malerei des Goldenen Zeitalters inspiriert sind: Sánchez Cotán, Zurbarán und später Goyas Schwarze Gemälde". Dieses Konzept wird von Calvo in der Zeitschrift Makma (4. Juli 2022) direkt zum Ausdruck gebracht: "Was ich mache, ist, Objekte zu manipulieren, indem ich sie in einen anderen Kontext und eine andere Art des Sehens einfüge. Schaufensterpuppen zum Beispiel werden seit der Renaissance behandelt, und dann haben auch Picasso oder Breton an ihnen gearbeitet, indem sie sie manipulierten. Alles ist hier erfunden worden. Ich beziehe mich auch auf Zurbarán, auf die alten Stilleben, und das war's, denn ich komme aus einer klassischen Ausbildung". Wenn wir mit dem Namen des Malers Zurbarán (1633-1635) beginnen, können wir einen großen Einfluss der Beherrschung der Farbe Weiß feststellen, die Zurbarán berühmt gemacht hat, sichtbar in Werken wie "Hommage an den Heiligen Hugo im Refektorium der Kartäuser, 1630-1635 (Museum der Schönen Künste von Sevilla) oder Heiliger Serapius (Wadsworth Atheneum, Hartford). Das Seil, das das Werk von Carmen Calvo durchzieht, erinnert an den Gürtel des "Heiligen Franziskus, der einen Schädel betrachtet" (Museo del Prado), wo drei Knoten die drei Gelübde des Ordens darstellen. Carmen Calvo studierte an den Schulen für Kunsthandwerk und Schöne Künste in Valencia und machte 1970 ihren Abschluss in Werbung. Später erweiterte sie ihre Ausbildung dank Stipendien des Kulturministeriums (1980), der Casa de Velázquez in Madrid (1983-85) und des Außenministeriums für ihren Aufenthalt in Paris (1985-92). In diesen Jahren begann Calvo anerkannt zu werden und erhielt Auszeichnungen wie den I LaSalle Seiko Malereipreis von Barcelona (1985), den Alfons Roig der Diputación Valenciana (1989), ein Stipendium für die I Biennale Martínez Guerricabeitia der Universität Valencia (1989) und die Auswahl für die XLVII Biennale von Venedig (1997). Die Künstlerin begann ihre Ausstellungstätigkeit 1969 mit der Teilnahme an einer Gruppenausstellung im Círculo Universitario de Valencia. Ihr Einzeldebüt gab sie 1976 in der Galerie Temps in ihrer Heimatstadt. Seitdem hat sie ihre Werke in verschiedenen Städten Spaniens und der Vereinigten Staaten sowie in anderen Ländern Europas, Amerikas und Afrikas gezeigt. Werke von Carmen Calvo sind derzeit in Kunstinstitutionen, Museen und Privatsammlungen in der ganzen Welt zu sehen, darunter das Guggenheim Museum in New York, das Reina Sofia in Madrid, das Marugame Hirai in Kobe, das MACBA in Barcelona, der Fonds National d'Art Contemporain in Paris, das IVAM in Valencia, die Sammlung der Chase Manhattan Bank in New York, usw.

Schätzw. 12 000 - 14 000 EUR

Los 51 - PER KIRKEBY (Kopenhagen, 1938-2018). Ohne Titel. Bronze. Exemplar 1/6. Signiert und gerechtfertigt. Maße: 23 x 28 x 15,5 cm. Kirkeby begann Anfang der 1980er Jahre, nach einer Krise in der Malerei, mit der Bildhauerei. Seine bildhauerischen Arbeiten ermöglichten dem Künstler eine Auseinandersetzung mit der Anatomie und der Natur. Das Material wird zu instabilen Formen geformt, die formlos zu sein scheinen. Die Repräsentation wird hier als ein Ort der Linearität erforscht, an dem die Formen aus dem Chaos der Materialität herausgezogen und zurückgezogen werden, um dann wieder in sie hineinzufallen, als ob sie der Bronze befehlen würden, sich zu erheben. Das Thema der Form zieht sich wie ein roter Faden durch das bildhauerische Werk des Künstlers, in dem Türen, Höhlen, Schlitze und ähnliche Öffnungen immer wieder auftauchen. Per Kirkeby war ein dänischer Maler, Dichter, Filmemacher und Bildhauer. Im Jahr 1957 begann Kirkeby ein Studium der Naturgeschichte an der Universität Kopenhagen. Als Forschungsassistent unternahm er 1958, 1959 und 1960 mehrere Reisen nach Grönland. 1962 begann er ein Studium an der Experimental School of Art in Kopenhagen. Während seiner Zeit dort arbeitete er mit verschiedenen Medien: Malerei, Grafik, 8-Millimeter-Film und Performance-Stücke. Als Kirkeby 1964 sein Studium der arktischen Geologie an der Universität Kopenhagen abschloss, war er bereits Teil der bedeutenden experimentellen Kunstschule "eks-skolen". Sein Interesse an der Geologie und anderen Aspekten der natürlichen Welt war grundlegend und charakteristisch für seine Kunst. Kirkeby verband seine Arbeit als Maler, Bildhauer, Schriftsteller und Grafiker mit Theaterproduktionen und entwarf das Bühnenbild für die Produktion von Schwanensee des New York City Ballet im Jahr 1999 sowie das Bühnenbild und die Kostüme für die Produktion von Romeo und Julia im Jahr 2007. Im Jahr 1977 veröffentlichte er Fliegende Blätter. Im Jahr 1988 veröffentlichte er ein Buch mit Essays über die Werke von Delacroix, Manet und Picasso. Kirkeby lehrte ab 1978 als Dozent an der Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe, am Karlsruher Institut für Technologie (1978-1989) und an der Städelschule in Frankfurt (1989-2000). 1996 arbeitete er als Maler an drei Filmen des Filmemachers Lars von Trier mit und schuf die Kapitelüberschriften für Breaking the Waves und Antichrist sowie die visuellen Effekte für die Ouvertüre von Dancer in the Dark. 1990 erhielt er den NORD/LB-Kunstpreis, sechs Jahre später wurde er mit dem Coutts Foundation Prize for Contemporary Art und dem Henrik-Steffens-Preis ausgezeichnet. Im Jahr 1997 wurde er zum Ritter des Dannebrog-Ordens ernannt und 2003 erhielt er den Herbert Boeckl Lifetime Achievement Award. Seine Werke sind in zahlreichen wichtigen öffentlichen Sammlungen vertreten, darunter die Tate, das Metropolitan Museum of Art, das Museum of Modern Art und das Centre Pompidou.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 52 - MANOLO VALDÉS BLASCO (Valencia, 1942). "Iberische Dame", 2003. Keramik auf Polyester und Fasersockel. Exemplar I/II. Beigefügtes, vom Autor ausgestelltes Echtheitszertifikat. Maße: 165 x 130 x 150 cm. Das Originalmodell der "Iberischen Dame" von Valdes ist eine Skulptur, die aus 22.000 blauen, 20 cm großen Keramikköpfen besteht, die auf eine Metallstruktur montiert sind. Die Skulptur, die in der Mitte eines Brunnens steht, ist 18 m hoch und steht auf einem Betonsockel, und die Seitenteile haben einen Durchmesser von 16 m. Sie befindet sich in Valencia, an der Kreuzung der Avenida de Las Cortes Valencianas und der Calle La Safor. Sie wurde im Februar 2007 eingeweiht, und ihre Ausführung wurde dank des von der Stadtverwaltung von Valencia, Manolo Valdés und den Veranstaltern Lladró und Vallehermoso unterzeichneten Mäzenatsvertrags ermöglicht. In den Worten von Rafael Rivera: "La Dama Ibérica von Manolo Valdés ist eine Skulptur von Skulpturen, ein Werk, das sich aus anderen blauen Keramikstücken zusammensetzt, die zwar kleiner, aber von ähnlicher Formgebung sind und in einer versteckten Reihenfolge angeordnet wurden, um das größere Werk zu bilden. Sie sind alle anonym, identisch, aber wesentlich. Das Licht, die Reflexion, die Farbe, die Transparenz, die Leere sind die anderen Elemente, unkörperlich, die viele Skulpturen innerhalb der Skulptur bilden, verschiedene Bilder, die zu uns vom Tag und von der Nacht, von der Sonne und vom Mond, von der Morgendämmerung und vom Sonnenuntergang sprechen. Kein Blick gleicht dem anderen, keine Wahrnehmung kann wiederholt werden, und jedes Mal, wenn wir den Kopf heben, um sie zu betrachten, werden wir den Eindruck haben, sie zum ersten Mal zu sehen". Manolo Valdés führte in Spanien eine künstlerische Ausdrucksform ein, die politisches und soziales Engagement mit Humor und Ironie verbindet. Er begann seine Ausbildung 1957 mit dem Eintritt in die Schule der Schönen Künste San Carlos in Valencia. Zwei Jahre später brach er jedoch sein Studium ab, um sich ganz der Malerei zu widmen. Im Jahr 1964 gründete er zusammen mit Juan Antonio Toledo und Rafael Solbes die Künstlergruppe Equipo Crónica, der er bis zu deren Tod 1981 angehörte, obwohl Toledo die Gruppe zwei Jahre nach ihrer Gründung verlassen hatte. Seitdem hat er sich in New York niedergelassen, wo er heute lebt und weiterhin mit neuen Ausdrucksformen experimentiert, unter anderem mit der Bildhauerei. Zu den zahlreichen Auszeichnungen, die Manolo Valdés erhalten hat, gehören der Lissone und der Biella von Mailand (1965), die Silbermedaille der II. Internationalen Biennale der Gravuren von Tokio (1979), der Preis des Bridgestone Art Museum in Lissabon (1979), der Nationale Preis für plastische Kunst (1983), die Medaille des Internationalen Festivals plastischer Künstler in Bagdad (1986), die Auszeichnung des Ordens von Andres Bello in Venezuela (1993), der Preis des Nationalrats von Monaco (1997), die Goldmedaille für Verdienste in der bildenden Kunst (1998), der Preis des spanischen Verbands der Kunstkritiker (2000) und der Preis für den besten Grafiker (2002), um nur einige zu nennen. Mit Equipo Crónica nutzte Valdés die Figuration als Ausdrucksmittel für seine Ansätze, für seine Kritik an Kunst, Gesellschaft und Politik, wobei er dem reinen Akt des Malens Vorrang vor allen anderen Inhalten einräumte. Thematisch ließ sich Valdés von der Kunst der großen Meister der Malerei inspirieren: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera oder Zurbarán, und er versteckt seine Vorbilder nie, sondern betont sie, sogar in den Titeln seiner Werke. Formal schafft er ein großformatiges Werk, in dem Licht und Farben durch die Behandlung der Materialien taktile Werte ausdrücken. Sein Werk zwingt den Betrachter, sich in die Erinnerung zu vertiefen und nach bedeutenden Bildern der Kunstgeschichte zu suchen. Valdés ist in einigen der bedeutendsten Museen der Welt vertreten, wie dem Reina Sofía in Madrid, dem Metropolitan, dem MoMA und dem Guggenheim in New York, dem Centre Georges Pompidou und dem Fons National d'Arts Plastiques in Paris, der Kusnthalle in Hamburg, dem Kunstmuseum in Berlin und dem Museo de Bellas Artes in Bilbao, neben vielen anderen.

Schätzw. 350 000 - 400 000 EUR

Los 53 - JOSE MARIA MIJARES (Havanna, 1921-2004). "Vogel. Öl auf Leinwand. Beigefügtes Zertifikat María Antonia Cabrera de Mijares. Provenienz Doña María Antonia Cabrera de Mijares, Witwe des Künstlers. Maße: 90 x 121 cm; 117 x 150 cm (Rahmen). In diesem Werk verschmelzen die autochthonen Bezüge mit der in Europa erlernten Formensprache, um Werke zu schaffen, in denen bereits die Figuren des Yoruba-Pantheons auftauchen, die einen Großteil seiner späteren Produktion bevölkern werden. Die kubanische Schule des 20. Jahrhunderts zeichnete sich dadurch aus, dass sie sich die europäische Avantgarde zu eigen machte und auf dieser Grundlage eine eigene Sprache entwickelte. Diese allgemeine Strömung von in Europa ausgebildeten Künstlern, die nach Kuba zurückkehrten, bedeutete einen großen künstlerischen Impuls für das Land. Dank der Maler, die ihre Wurzeln und Erfahrungen miteinander verbanden, entstand eine neue persönliche und eigenständige Sprache, wie sie in der Darstellung dieses Vogels zu sehen ist. Ein Symbol, das von Mijares mehrfach verwendet wurde, der auf die Symbolik des Vogels als Protagonist einiger seiner Kompositionen zurückgriff. Mijares, der als einer der großen kubanischen und lateinamerikanischen Künstler des 20. Jahrhunderts gilt, studierte an der Nationalen Schule der Schönen Künste San Alejandro in Havanna, wo er auch lehrte. Zu seinen Lehrern gehörten Romanach, Menocal, Valderrama, Ramon Loy, Caravia und andere. Mijares selbst erkannte, dass einer seiner einflussreichsten Lehrer Ponce war, der ihm half, seinen eigenen Ausdrucksstil zu entwickeln. Er war Mitglied der Gruppe Diez Pintores Concretos. Zwischen 1968 und 1973 war er Mitglied der Grupo Gala in Miami, wo er sich im Alter von 47 Jahren niederließ, und er leitete die Zeitschrift Alacrán Azul in Miami. Seine erste Ausstellung hatte er im Lyzeum von Havanna (1947). In den achtziger Jahren stellte er in Coral Gables, Florida, aus, wo er seine Präsenz wiederholte. Im Jahr 1994 widmete ihm das Kubanische Museum für Kunst und Kultur in Miami eine Retrospektive. Auch die Alfredo Martinez Gallery in Coral Gables organisierte 1996 eine ontologische Ausstellung. Was Gruppenausstellungen betrifft, so ist seine Teilnahme an der Biennale von Venedig 1952 erwähnenswert. Er ist in der Cintas Foundation in New York, im Loewe Art Museum in Florida, im Museum of Modern Art of Latin America in Washington, D.C., und im Museum of Modern Art in New York vertreten. Mijares' wohlverdiente Anerkennung beruht vor allem darauf, dass er es verstanden hat, seine universelle Berufung mit der Suche nach einer autochthonen kubanischen Sprache in Einklang zu bringen. Seine Werke zeichnen sich durch einen persönlichen, ausdrucksstarken künstlerischen Stil aus, mit einer besonderen Poetik, die gleichzeitig die Vielseitigkeit seiner plastischen Mittel und eine exquisite Sensibilität im Umgang mit verschiedenen Themen schätzt. Manchmal geht er von einem farbenfrohen Postkubismus aus, durch den er praktisch in die Abstraktion eintritt, ohne jedoch den Bezugsfaden zu verlieren. Die Florida International University verlieh Mijares im Dezember 2001 die Ehrendoktorwürde der bildenden Künste. Im Jahr 2002 eröffnete er die Mijares Gallery in Coral Gables, in der seine neuesten Werke ausgestellt wurden. Beigefügtes Zertifikat María Antonia Cabrera de Mijares.

Schätzw. 9 500 - 10 000 EUR

Los 54 - ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). "Dame, 1956. Tinte auf Papier. Präsentiert Etikett der Galerie Van de Loo, München. Gerahmt in Museumsglas. Signiert und datiert in der oberen rechten Ecke. Maße: 75 x 52,5 cm; 95 x 73 cm (Rahmen). Auf der Rückseite dieses Werks ist ein informatives Etikett der Galerie Van de Loo in München zu sehen. Saura kam durch seine Freundschaft mit Rodolphe Stadler in Paris, der den Künstler mit Pierre Matisse in New York und Otto Van de Loo in München bekannt machte, in Kontakt mit diesem wichtigen künstlerischen Umfeld und förderte so die Internationalisierung von Sauras Werk. In diesem Gemälde wird die spanische Bildtradition durch die Verwirklichung eines Porträts gerettet. Dafür verwendet er eine dunkle Farbskala, eine dem Betrachter zugewandte Figur und einen neutralen Hintergrund, der es erlaubt, die Figur des Protagonisten zu monumentalisieren und hervorzuheben; Merkmale, die in der spanischen Kunst durch Maler wie El Greco, Velázquez, Goya oder Solana etabliert wurden. Dennoch versucht Saura nicht, etablierte Muster nachzubilden, sondern darüber hinauszugehen und ein Porträt zum Leben zu erwecken, das aus dem Figürlichen flieht und durch eine ganz persönliche Ästhetik Kontakt zu anderen künstlerischen Strömungen wie der Abstraktion aufnimmt. Ein malerischer Blick, der von der Tradition ausgeht und Sauras Meisterschaft mit derjenigen der großen Meister verbindet. Auf diese Weise gelingt es ihm nicht nur, durch seine Technik ein ausdrucksstarkes, dynamisches und zugespitztes Porträt zu schaffen, sondern auch, sich als einer der großen spanischen Künstler in einen zeitgenössischen Kontext zu stellen. Ein sehr ähnliches Porträt mit dem Titel "Lola" aus demselben Jahr 1956 befindet sich in der Kunstsammlung des Museo Nacional y Centro de Arte Reina Sofía in Madrid. Antonio Saura ist Autodidakt und beginnt 1947 in Madrid zu malen und zu schreiben. Drei Jahre später hatte er seine erste Einzelausstellung in der Buchhandlung Libros in Saragossa, wo er eine Reihe experimenteller Werke ("Constelaciones" und "Rayogramas") zeigte, die während seiner langen Krankheit entstanden, die ihn seit 1943 für fünf Jahre außer Gefecht setzte. 1952 fand seine erste Ausstellung in Madrid in der Buchhandlung Buchholz statt, wo er seine jugendlichen, traumhaften und surrealistischen Werke ausstellte, und im selben Jahr besuchte er zum ersten Mal Paris und ließ sich in der Stadt nieder. Dort wird sein Werk von Künstlern wie Miró und Man Ray beeinflusst, und er widmet sich der Malerei auf Leinwand und Papier mit organischem Charakter, wobei er verschiedene Techniken anwendet. Der Bruch mit der surrealistischen Gruppe ermöglicht es ihm, sich für andere Schaffensweisen zu öffnen, und er beginnt, die Entwicklung seines Werks aufzuzeigen, das sich in Richtung einer unmittelbaren Malerei mit gestischen Strichen und einer reduzierten Palette mit selektivem Charakter bewegt, in der der Informalismus zwischen den suggestiven Ausdrucksformen von Linie und Farbe in die Irre führt. Sein Debüt in Paris gab er 1957 in der Galerie Stadler, im selben Jahr gründete er die Gruppe El Paso. Im folgenden Jahr nahm er zusammen mit Chillida und Tàpies an der Biennale von Venedig teil, 1960 erhielt er den Guggenheim-Preis in New York, und 1963 fanden seine ersten Retrospektiven im Stedelijk Museum in Eindhoven, im Rotterdamschen Kunstring und in den Museen von Buenos Aires und Rio de Janeiro (Arbeiten auf Papier) statt. Sauras Retrospektiven werden im Laufe seiner Karriere immer wieder ausgestellt, sowohl in Spanien als auch in Europa und Amerika. Im Jahr 1966 stellt er im Institute of Contemporary Arts in London aus und nimmt an der Biennale der Gravur "Bianco e Nero" in Lugano teil, wo er den Großen Preis gewinnt. Im darauffolgenden Jahr ließ er sich in Paris nieder, obwohl er jeden Sommer in Cuenca arbeitete und verbrachte, einem Grundpfeiler seiner Produktion seit seinen frühen Jahren. Er ist in den wichtigsten nationalen und internationalen Museen für zeitgenössische Kunst vertreten, darunter die Neue Nationalgalierie in Berlin, das Guggenheim in Bilbao, das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, die Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, das Guggenheim und das Metropolitan in New York, das Centre Georges Pompidou in Paris und die Tate Gallery in London. Gerahmt in Museumsglas.

Schätzw. 30 000 - 35 000 EUR

Los 55 - B. PRABHA (Indien, 1933-2001). "Indische Frau". 1987. Öl auf Leinwand (ohne Keilrahmen). Signiert am linken Rand. Beigefügtes Echtheitszertifikat, ausgestellt von Nayana Salmalkar. Maße: 90 x 60,5 cm. Die eleganten und stilisierten nachdenklichen Frauen wie die hier gezeigte bevölkerten einen großen Teil der Gemälde von B. Prabha. Indische Frauen in ländlicher Umgebung, an kaum angedeuteten Orten (hier sitzend auf dem rauen Sims eines tausendjährigen Baumes) und mit einer fast monochromen Palette mit Vorherrschaft von Erd- und Sienatönen. B. Prabha war ein produktiver indischer Künstler. Er nahm an mehr als 50 Ausstellungen teil. Seine Werke sind Teil wichtiger Kunstsammlungen, wie der National Gallery of Modern Art of India, der TIFR Art Collection und der Air India Art Collection. Prabha begann zu einer Zeit zu arbeiten, als es nur wenige Künstlerinnen in Indien gab. Inspiriert wurde sie von der Arbeit von Amrita Sher-Gil. Wie Sher-Gil sind auch die Protagonisten von Prabhas Werken oft Frauen. Die Notlage der Frauen auf dem Lande bewegte sie, und sie wurde schließlich zum Hauptthema ihrer Arbeit. In einem Interview mit Youngbuzz India sagte er: "Ich habe noch keine einzige glückliche Frau gesehen". Auch seine Gemälde decken ein breites Themenspektrum ab, das von Landschaften bis hin zu sozialen Themen wie Dürre, Hungersnot und Obdachlosigkeit reicht. B. Prabha wuchs in dem kleinen Dorf Bela in der Nähe von Nagpur in Maharashtra auf. Sie studierte an der Nagpur School of Art, bevor sie mit einem Stipendium nach Bombay zog, wo sie 1954 ihr Diplom in Malerei und Wandmalerei an der Sir J. J. J. School of Art abschloss. Dort lernte sie ihren Mann, den Künstler und Bildhauer B. Vithal, den sie 1956 heiratete. Bei ihrer ersten Ausstellung, die noch während ihres Studiums an der Kunstschule stattfand, erwarb Homi J. Bhabha, ein bedeutender Atomwissenschaftler und Kunstmäzen, drei Gemälde von Prabha für die vorbildliche Kunstsammlung des Tata Institute of Fundamental Research. Prabhas charakteristischer formaler Stil sollte sich bald von der modernen Abstraktion hin zu einer eher dekorativen Figuration entwickeln. "Air India kaufte 1956 von B. Prabha, damals noch ein junger Kunststudent, seinen ersten Posten von sechs Gemälden für 87,50 Rupien. Prabha kam in die Kunstabteilung von Air India und fragte, ob das Unternehmen einige ihrer Bilder von indischen Frauen kaufen würde. Die Beamten stimmten zu, und eine neue Kunstsammlung war geboren. Die "Maharaja Collection", wie sie später genannt wurde, wuchs im Laufe der nächsten sechs Jahrzehnte auf 4.000 Werke an und wurde zu einer der wichtigsten Kunstsammlungen Indiens. Die Sammlung, die mit Prabha begann, sollte ein kleines Stück Indien, sowohl aus der Vergangenheit als auch aus der modernen Gegenwart, in die Büros und Räumlichkeiten der Fluggesellschaft in aller Welt bringen. Das von Nayana Salmalkar ausgestellte Echtheitszertifikat ist beigefügt.

Schätzw. 20 000 - 22 000 EUR

Los 56 - TANIA FONT (Palamós, Katalonien, 1978). "In Dekonstruktion XV". Zement, Eisen, Holz, Papier und verschiedene Patinas. Signiert auf der Rückseite. Maße: 70 x 64 x 40 cm. Tania Font erforscht mit ihrem Werk den Mangel an Kommunikation. Die Auswirkungen der Realität (Geräusche, klimatische Phänomene, gefühlsmäßige oder lebenswichtige Auswirkungen) im Kopf des Einzelnen durch den subjektiven Blick, die persönliche Erfahrung, die mit Volumen anstelle von Text oder Worten erzählt wird. Tania Font hat an der Fakultät der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona ein Studium der Schönen Künste mit Schwerpunkt Zeichnung absolviert, das sie mit zahlreichen Kursen in digitaler Gestaltung, Schmuck und Keramiktechniken vervollständigte. Sie hat unter anderem auch bei dem Maler Manel Alcántara und dem Bildhauer Rodrigo Gordo gelernt. Mit der Kunst kam sie am Círculo Artístico de Palamós in Berührung, wo sie als Schülerin von Eduard de Cabrera begann, sich mit dem Zeichnen zu beschäftigen. Sie war eine Schülerin des Landschaftsmalers Isidre Vilaseca. Ihre erste Gemeinschaftsausstellung hatte sie in der Galerie Patrick Domken in Cadaqués. Sie war Residentin der Fabrik der Kreation Nau Bostik. Er hat an der monografischen Ausstellung von Josep Clarà im Museum Can Mario der Stiftung Vila Casas im Jahr 2020 mitgewirkt. Er hat auch an Messen wie Estampa, Volta Art Fair Basel, Art Montpellier teilgenommen.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 57 - ANDY WARHOL (Pittsburgh, USA, 1928 - New York, USA, 1987). "Lillian Carter, 1977. Graphit auf Papier. Signiert auf der Rückseite. Provenienz: Christie's: American Pastimes-Sports & Politics. Dieses Werk stammt aus dem Nachlass von Andy Warhol und von dort aus der Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Christie's wird eine Datenbank zu diesem Werk unterhalten, die in Zukunft zur Bestätigung der Provenienz verwendet wird, um relevante Informationen für den Andy-Wahol-Raissoné-Katalog bereitzustellen. Im Anhang befindet sich ein von der Andy Warhol Foundation for the Visual Arts ausgestelltes Echtheitszertifikat. Maße: 103,8 x 51,4 cm; 125 x 92 cm (Rahmen). Warhol war fasziniert von der unklaren Grenze zwischen Politik und dem Konzept des Ruhms. Er brachte seine eigene Interpretation des Themas ein, indem er die beiden scheinbar nicht so unterschiedlichen Welten miteinander verschmolz. Er projizierte und beeinflusste die Idee der Berühmtheit in seinen Porträts, einschließlich der Porträts von Politikern wie Lillian Carters Sohn, Jimmy Carter, Präsident der Vereinigten Staaten, und auch von sich selbst. Amerikanischer bildender Künstler, der zum bekanntesten Vertreter der Pop Art wurde, einer künstlerischen Strömung, die in den 1950er und 1960er Jahren in Mode war und sich an der Massenkultur orientierte. Der Sohn slowakischer Einwanderer begann sein Kunststudium am Carnegie Institute of Technology zwischen 1945 und 1949. Im letztgenannten Jahr begann er seine Karriere als Werbecartoonist für verschiedene Zeitschriften wie Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen und The New Yorker. Gleichzeitig malte er Leinwände mit Alltags-, Werbe- und Comicmotiven. Schon bald beginnt er in verschiedenen Galerien auszustellen. Nach und nach entfernte er alle expressionistischen Züge aus seinem Werk, bis er es auf eine serielle Wiederholung eines populären Elements aus der Massenkultur, der Welt des Konsums oder der Medien reduzierte. Diese Entwicklung erreichte 1962 ihren Höhepunkt, als er begann, ein mechanisches Siebdruckverfahren als Arbeitsmethode zu verwenden, mit dem er systematisch Mythen der zeitgenössischen Gesellschaft reproduzierte. Die repräsentativsten Beispiele dafür sind die Serien, die Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor und Mao Tse-tung gewidmet sind, sowie seine berühmte Behandlung von Campbell's Suppendosen, alles Werke, die während des fruchtbaren Jahrzehnts der 1960er Jahre entstanden. Die Verwendung von massenhaft verbreiteten Bildern, die für jedes Publikum leicht erkennbar sind, wie die bereits erwähnten Suppendosen oder Coca-Cola-Flaschen, wurde zu einem der interessantesten und beständigsten Merkmale seines gesamten Schaffens. Bei anderen Gelegenheiten stellte er grob reale Situationen dar, wie Unfälle, Straßenkämpfe, Beerdigungen oder Selbstmorde; innerhalb dieses Themas ist der elektrische Stuhl eines seiner bedeutendsten Werke. Dieser Appropriationismus, eine Konstante im Werk der Anhänger der Pop Art, erstreckte sich auf universelle Kunstwerke von Autoren wie Raphael Sanzio, Giorgio de Chirico, Edvard Munch und Leonardo da Vinci. Durch die massenhafte Reproduktion gelingt es ihm, die von ihm verwendeten Medienfetische von ihren üblichen Bezügen zu befreien und sie in stereotype Ikonen mit dekorativer Bedeutung zu verwandeln. 1963 gründete er die Factory, eine Werkstatt, in der er zahlreiche Persönlichkeiten der New Yorker Underground-Kultur versammelte. Die Frivolität und Extravaganz, die seinen Lebensstil kennzeichneten, schufen eine kohärente Linie zwischen seinem Werk und seinem Lebensweg; seine eigentümliche Erscheinung, androgyn und ständig mit einem charakteristischen blonden Pony gekrönt, definierte schließlich eine neue Ikone: den Künstler selbst. Er war einer der ersten Künstler, der sein Image bewusst zu Zwecken der Eigenwerbung nutzte; durch einen Prozess der Identifikation erlangte er in den Augen der Öffentlichkeit die Bedeutung eines weiteren Werbeprodukts. 1963 begann er eine Filmkarriere, die auf den gleichen Grundsätzen wie sein plastisches Werk beruht (z. B. visuelle Wiederholung), manchmal mit starkem sexuellem und erotischem Inhalt.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Los 58 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Le visage volé", 2021 Radierung, Exemplar 24/50. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 21 x 15 cm (Druck); 41 x 32 cm (Rahmen). Jaume Plensa studierte an der Schule von La Llotja und an der Hochschule der Schönen Künste von Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt heute in Paris und wurde kürzlich von der School of the Art Institute of Chicago mit der Ehrendoktorwürde ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen mit der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich schrittweise weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallschrott, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren arbeitete er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen aus und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle zu geben. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein eine zeitgenössische Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun aufführte. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 weihte er in London am Hauptsitz der BBC sein Werk Breathing" ein, ein Denkmal für Journalisten, die bei der Ausübung ihres Berufs ums Leben kamen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritters der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, oder 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus und seine Werke sind in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen Europas und der Vereinigten Staaten ausgestellt, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA oder dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 1 400 - 1 600 EUR

Los 59 - EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Vizcaya, 1938 - Madrid, 2003). "Umarmung", 1997. Siebdruck auf Papier, Exemplar 74/75. Von Hand signiert, datiert und gerechtfertigt. Maße: 76 x 57 cm; 94 x 75 cm (Rahmen). Seiner besonderen Ästhetik folgend, komponiert Úrculo seine Werke aus rätselhaften Objekten und unbestimmten, anonymen Figuren, die, entfernt inspiriert von Modeillustrationen und Art-déco-Plakaten, ein ganzes Spektrum der zeitgenössischen populären Vorstellungswelt evozieren. Der Maler und Bildhauer Eduardo Úrculo, einer der besten Vertreter der Pop Art in Spanien, begann schon als Kind ohne künstlerische Ausbildung zu malen und veröffentlichte 1957 seine ersten illustrierten Strips in der Zeitung "La Nueva España" aus Oviedo. Kurze Zeit später zog er nach Madrid und begann, am Círculo de Bellas Artes zu studieren. In diesen Jahren verdiente er seinen Lebensunterhalt als Illustrator und Bühnenbildner und pflegte eine vom sozialen Expressionismus geprägte Malerei. Im Jahr 1959 ging er nach Paris, wo er seine Ausbildung an der Académie de la Grande Chaumière fortsetzte. In der französischen Hauptstadt arbeitet er als Grafikdesigner und lernt Eduardo Westerdahl kennen, unter dessen Einfluss sich seine Malerei in Richtung Abstraktion entwickelt. Vier Jahre später kehrte er jedoch zur Figuration und Sozialkritik zurück. 1967 unternahm er eine Reise nach Nordeuropa, wo er erstmals mit der amerikanischen Popmusik in Berührung kam. Von da an ist das Werk von Úrculo von einem Realismus geprägt, der auf einer sehr lebhaften Farbgebung basiert, und bis weit in die siebziger Jahre hinein von erotischen, satirischen und kritischen Themen. In den achtziger Jahren lebte er in New York, wo er wichtige Projekte verwirklichte. Im Jahr 1992 kehrte er nach Paris zurück. In dieser letzten Periode fügte er seinem Repertoire das Thema des Reisenden hinzu, der mit der großen modernen Stadt konfrontiert wird, eine ironische Variante der Figur des von der Landschaft überwältigten Romantikers. Diese formale Entwicklung wurde in den zahlreichen Einzelausstellungen, die er seit 1959 in der ganzen Welt veranstaltete, sowie in Sammelbänden (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, und Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000) deutlich. Úrculo ist derzeit in zahlreichen Museen und Sammlungen für moderne Kunst vertreten, darunter das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, die Galleria Nazionale d'Arte Moderno in Rom, die Biblioteca Nacional de Madrid, das Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, die Sammlungen AENA, Testimoni und Fundesco, das Museo del Dibujo Castillo de Larrés, das Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés und andere.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 60 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Pied el lettres", 1976. Radierung und Aquatinta auf Papier, Exemplar 46/50. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 40 x 50 cm (Druck); 56 x 76 cm (Papier); 77,50 x 97 cm (Rahmen). Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt Tàpies, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Bemerkenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Daseins bedeutet. Das Werk von Tàpies wird international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 61 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Masque mobile", 1962. Bronze. P.A. Aktuelle Auflage von sechs Stück. Signiert und gerechtfertigt. Maße: 28 x 15 x 4 cm; 10 x 6 x 6 x 6 x 6 x 6 cm (Sockel). Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Gebildet in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona, widmet sich Clavé zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges ins Exil nach Frankreich geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genießt bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wird. Gleichzeitig fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, wodurch er sich mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machte. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 1 900 - 2 000 EUR

Los 62 - VICTOR VASARELY (Pécs, Ungarn 1906 - Paris, Frankreich 1997) "Plural", 1985. Lithographie auf Arches-Papier. Exemplar 190/1500. Gerahmt in Museumsglas. Präsentiert Trockenstempel des Weltbundes der Vereinten Nationen. Signiert und nummeriert. Maße: 28,5 x 21,7 cm. Victor Vasarely, der als Vater der Op Art gilt, begann seine künstlerische Ausbildung in der Schule von Muheely, die in Budapest von einem Bauhaus-Schüler gegründet wurde. Er ließ sich 1930 in Paris nieder, wo er das erste Werk der Op Art schuf, das heute als "Zebra" (1937) gilt. In Paris arbeitete er als Grafiker für Werbeagenturen. In dieser Zeit wandelte sich sein künstlerischer Stil vom figurativen Ausdruck hin zu einer Art konstruktiver und geometrischer abstrakter Kunst, die sich für die Darstellung der Perspektive ohne Fluchtpunkte interessierte. Zwischen 1936 und 1948 nahm er regelmäßig am Salon des Surindependents und am Salon des Nouvelles Réalités teil. Ab 1948 stellte er regelmäßig in der Galerie Denise René aus. In den fünfziger Jahren näherte sich sein Werk der Verwendung neuer Materialien und Träger wie Aluminium oder Glas. Ebenso begann er, Werke zu schaffen, die den Raum mit einbeziehen, wie z. B. die Hommage an Malewitsch. In den sechziger Jahren nahm er an zahlreichen Gruppenausstellungen teil, wie z. B. The Responsive Eye im Museum of Modern Art in New York, sowie an Einzelausstellungen in Europa und Amerika. Unter den zahlreichen Auszeichnungen, die er im Laufe seines Lebens erhielt, sind der Guggenheim-Preis (1964), der Preis der Brüsseler Kunstkritiker und die Goldmedaille der Mailänder Triennale hervorzuheben. Im Jahr 1970 wurde er außerdem zum Ritter des Ordens der Ehrenlegion ernannt. Er ist in den ihm gewidmeten Museen in Aix-en-Provence, Pécs und Budapest vertreten, aber auch in den wichtigsten Zentren der zeitgenössischen Kunst in der Welt, wie der Tate Gallery in London, dem MoMA in New York, dem Guggenheim in Venedig oder dem Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 350 - 400 EUR

Los 63 - FRÉDÉRIC BRULY (Zéprégüé, Elfenbeinküste, 1923 - Abidjan, Elfenbeinküste 2014). "Un bel homme courant vers son amant, 2008. Kugelschreiber und Buntstifte auf Karton. Signiert und datiert auf der Rückseite. Provenienz: Privatsammlung / Familie des Künstlers. Maße: 25,5 x 18 cm. Während des Zweiten Weltkriegs arbeitete Bruly als Matrose bei der französischen Marine auf den Antillen. Am Ende des Krieges war er bei der Eisenbahnlinie Dakar-Niger in Rufisque (Senegal) beschäftigt. Nachdem er im Dezember 1945 aus dem Eisenbahndienst ausgeschieden war, begann er als Angestellter im "Justizidentitätsdienst der "Allgemeinen Sicherheit in Westafrika" in Dakar. Von dort aus wurde er 1958 der Leitung der Polizeisicherheit in der Elfenbeinküste zugewiesen. Das Ministerium für den öffentlichen Dienst übertrug ihn dem Innenministerium, der Direktion für politische Angelegenheiten in Abidjan, und die Direktion des Französischen Instituts für Schwarzafrika (IFAN) bat das Innenministerium, ihn 1958 an das IFAN in Abidjan zu versetzen, nachdem sie erfahren hatte, dass er der Erfinder eines afrikanischen Alphabets war. Die Leitung der Fakultät für Literatur der Nationalen Universität der Republik Elfenbeinküste, die den wissenschaftlichen Charakter und den klassischen Sinn seiner Manuskripte, in deren Besitz er gekommen war, anerkannt hatte, bat 1973 ihrerseits um ihre Überführung in die Universität: in den Dienst des Instituts für Ethnosoziologie. Der Ursprung des gesamten Werks von Frédéric Bruly Bouabré geht auf eine aufschlussreiche Erfahrung zurück: Am 11. März 1948 "öffnete sich der Himmel vor meinen Augen und sieben farbige Sonnen beschrieben einen Kreis der Schönheit um ihre Mutter-Sonne, ich wurde Cheik Nadro: Derjenige, der nicht vergisst. Seitdem hat Bouabré seine Forschungen in Manuskripten über Kunst, Traditionen, Poesie, Märchen, Religion, Ästhetik und Philosophie zusammengetragen und sich als erstaunlicher Denker, Dichter, Enzyklopädist und Schöpfer erwiesen. Auf der Suche nach einer Möglichkeit, das Wissen des Volkes der Bété und der Welt zu bewahren und weiterzugeben, erfand er ein einzigartiges Alphabet mit 448 einsilbigen Piktogrammen, ein Inventar von Lauten, mit dem sich alle Sprachen der Welt transkribieren lassen... Dieses Unterfangen brachte Bouabré den legendären Ruf ein, ein zweiter Champollion zu sein, und übersetzt den universellen Gedanken von Frederic Bruly Bouabré, der mit seiner Vision die Menschheit vereinen und befrieden will. In den 1970er Jahren begann er, seine Gedanken in Hunderten von kleinen Zeichnungen im Postkartenformat mit Kugelschreiber und Buntstiften umzusetzen. Diese Zeichnungen, die unter dem Titel Connaissance du Monde (Wissen über die Welt) zusammengefasst sind, bilden eine Enzyklopädie des universellen Wissens und der Erfahrung. Seine Werke befinden sich derzeit in wichtigen Kunstsammlungen, darunter; Sammlung zeitgenössischer afrikanischer Kunst, Sammlung Jean PIGOZZI, Genf, Schweiz, Nationalmuseum von Abidjan, Abidjan, Elfenbeinküste, Nationalmuseum für moderne Kunst, Centre Georges Pompidou, Paris, Frankreich, Stiftungsfonds, Sammlung Agnès b, Paris, Frankreich, Fondation François Pinault, Palazzo Grassi, Venedig, Italien, MNAM, Centre Georges Pompidou als Depositum im Musée des Arts d'Afrique et d'Océanie, Paris, Frankreich, dem Groninger Museum, Groningen, Niederlande, dem Centro de Arte Contemporáneo, Mexiko-Stadt, Mexiko, der Galerie Tanya RUMPFF, Haarlem, Niederlande, der Tate Modern, London, Vereinigtes Königreich, dem Musée d'Art Brut, Lausanne, Schweiz, der Sammlung Lambert (LAC), Genf, Schweiz, der Sammlung Madame und Monsieur David-Weill, Paris, Frankreich und der Sammlung Gervane und Matthias Leridon, Paris, Frankreich.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 64 - JORGE GALLEGO GARCÍA (Sevilla, 1980). "Im Nachglühen des Lichts", 2010. Öl auf Leinwand. Beigefügtes Echtheitszertifikat des Autors. Präsentiert informative Etikett auf der Rückseite. Signiert in der unteren zentralen Bereich. Maße: 114 x 114 cm; 119 x 119 cm (Rahmen). Universität von Sevilla. 2007 beendete er die Lehrtätigkeit im Rahmen des Doktoratsstudiums "Malerei und Konservierung-Restaurierung" am Fachbereich für Malerei der Fakultät für Schöne Künste der Universität Sevilla. Im Jahr 2009 nahm er am Lehrstuhl Francisco de Goya der Caja Ávila teil, der von Antonio López García geleitet wird. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise gewonnen, darunter den Ersten Preis der Real Maestranza de Sevilla in der IV. Herbstausstellung der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Santa Isabel de Hungría im Jahr 2005, den Finalisten und das von der Fundació de les Arts i els Artistes erworbene Werk im Ersten Wettbewerb für figürliche Malerei in Barcelona im Jahr 2005 oder den Nationalen Preis der Schönen Künste des Ateneo de Sevilla in den Jahren 2005 und 2012. Ein vom Autor ausgestelltes Echtheitszertifikat ist beigefügt.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 65 - Satz mit 6 Schlittschuhen. Holz im Siebdruckverfahren. Maße: 80 x 20 cm. Sechs siebbedruckte Skateboards, Marken Calvin Klein, Louis Vuitton, Gucci, Chanel, Rolex und Ralph Lauren.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 66 - CHARLES FRÉGER (Bourges, Frankreich, 1975) "Legionäre, 2000-2001. Mappe II. "Fotografische Porträts und Uniformen". Mappe mit 12 Fotografien. Kopie 2/5. Signiert und nummeriert von der Künstlerin. Maße: 42 x 33 x 6,5 cm (Mappe); 50,7 x 24 cm (Fotos). Charles Fréger ist bekannt für seine Serien von Fotoporträts von Menschen in Uniform (Nationalgarde, Legionäre, Sumos, Schlittschuhläufer, Majoretten ...), die mit dem Verhältnis zwischen den Zeichen der Zugehörigkeit zu einer Gruppe und der Individualität der Im Fall der "Legionäre" hatte Fréger die Idee, alle Arten von Uniformen zu fotografieren, die es in der französischen Fremdenlegion gibt. Sie besteht aus drei Serien. Die erste ist die der Freiwilligen, die zweite die des Pionierkorps, auch Sappeure genannt, und die dritte die der Uniformen. Die Fotos der Freiwilligen sind halblang und mit freiem Oberkörper. Die Idee war, die besondere Stellung der Freiwilligen zu verdeutlichen. Sie sind noch keine Legionäre und müssen ein intensives Training absolvieren, wobei sie oft bis zur Taille entkleidet sind. Die Nacktheit drückt das Machtverhältnis aus, das die Legion über den Körper des Freiwilligen ausübt, der sich allein und ohne seine alte Identität wiederfindet und eine neue erhalten soll. Die Pioniere tragen Reihen von Medaillen auf ihren ledernen Pionierschürzen als Beweis für ihre Abstammung. Der Fotograf hat die funktionalsten Uniformen ausgewählt: Bombenentschärfer, Panzerfahrer mit Infrarotvisier und Fallschirmjäger mit Signalgerät. Die Uniformen spiegeln den Geist der Legion wider, die auf dem absoluten Vorrang der Gruppe vor dem Individuum besteht, dem sie sich nach und nach anpasst. Die Fotografie von Charles Fréger zeichnet sich durch ihren anthropologischen und soziologischen Ansatz aus. Sein besonderes Interesse gilt der Art und Weise, wie Gruppen Uniformen, Kostüme und Trachten verwenden, um Identität und Zusammenhalt auszudrücken. Fréger begann seine Karriere mit Porträts von Sportlern, Soldaten und Studenten und untersuchte die Idee der Uniformität und Individualität innerhalb dieser Gruppen. Andere Serien: "Wilder Mann" (2010-2011): Diese Serie erforscht europäische heidnische Rituale und die damit verbundenen Kostüme. Fréger reiste durch 19 Länder und fotografierte Teilnehmer, die als "Wilde Männer" gekleidet waren, eine Figur, die in vielen europäischen Volkstraditionen vorkommt. "Yokainoshima" (2013-2015): Im Mittelpunkt stehen traditionelle Kostüme und Masken, die bei japanischen Ritualen und Festen verwendet werden. Die Serie beleuchtet die Verbindung zwischen diesen Kostümen und dem kulturellen Erbe, das sie repräsentieren. "Empire" (2010-2012): Eine Serie von Porträts junger Männer an Militärakademien in Europa und den Vereinigten Staaten, die sich mit den visuellen Codes und Traditionen dieser Institutionen auseinandersetzen. Frégers Arbeiten wurden in zahlreichen Galerien und Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter das Maison Européenne de la Photographie in Paris, das Yokohama Museum of Art in Japan und das Musée de l'Elysée in Lausanne, Schweiz. Er hat mehrere Fotobücher veröffentlicht, die seine verschiedenen Serien zusammenfassen, wie "Wilder Mann", "Yokainoshima" und "Bleus de travail".

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 67 - Set bestehend aus drei Zelluloiden; Transformers und Dragon Ball, 20. Jahrhundert. Celluloids (x3) und eine Zeichnung. Zwei der Zelluloidfiguren entsprechen der Transformers-Serie und die andere der Dragon Ball-Serie. Maße: 23 x 27 cm (x3). Dragon Ball ist eine japanische Manga-Zeichentrickserie, die 1984 von Akira Toriyama geschaffen wurde. Der ursprüngliche Manga, der von Toriyama geschrieben und illustriert wurde, erschien von 1984 bis 1995 in der Zeitschrift Weekly Shonen Jump und umfasste 519 Einzelkapitel. Dragon Ball wurde ursprünglich von dem chinesischen Romanklassiker Die Reise nach Westen aus dem 16. Jahrhundert inspiriert und mit Elementen aus Hongkong-Kampfsportfilmen kombiniert. Die Serie folgt den Abenteuern des Protagonisten Son Goku von seiner Kindheit bis ins Erwachsenenalter, wo er seine Kampfkünste trainiert. Seine Kindheit verbringt er fernab der Zivilisation, bis er ein Mädchen namens Bulma kennenlernt, das ihn ermutigt, sich ihr auf der Suche nach den sieben Kugeln anzuschließen, die als Dragon Balls bekannt sind und einen wunscherfüllenden Drachen herbeirufen, wenn sie gesammelt werden. Auf seiner Reise findet Goku weitere Freunde, wird zum Familienvater, entdeckt seine außerirdische Herkunft und kämpft gegen eine Vielzahl von Schurken, von denen viele ebenfalls auf der Suche nach den Dragon Balls sind.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 68 - Satz, bestehend aus sieben Zelluloiden; 20. Jahrhundert. Sieben Acetate und sechs Zeichnungen. Einige von ihnen sind aus der Zeichentrickserie "Transformers". Maße: 27 x 40 cm (größer); 23 x 17 cm (kleiner). Set mit sieben Zelluloidfiguren, von denen einige aus der Zeichentrickserie "Transformers" stammen. Transformers ist ein audiovisuelles Franchise, das von der amerikanischen Spielzeugfirma Hasbro und der japanischen Firma Takara Tomy produziert wird. Im Mittelpunkt stehen die heldenhaften Autobots und die schurkischen Decepticons, zwei sich bekriegende Fraktionen von außerirdischen Robotern, die sich in andere Formen wie Fahrzeuge und Tiere verwandeln können. Das Franchise umfasst Spielzeug, Zeichentrickfilme, Comics, Videospiele und Filme.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 69 - "Play Camo" aus der "Bape Play"-Serie für Medicom Toy. Satz von vier 400% Be@rbrick. Vinyl in verschiedenen Farben lackiert. In ihren ursprünglichen Boxen. Versiegelt. In gutem Zustand. Maße: 27 cm (Höhe); 19 x 16 x 11 cm (Boxen). Die Revolution der Art Toys erreicht mit dem Be@rbrick einen ihrer größten Vertreter. Sein einfaches, aber attraktives Erscheinungsbild in Form eines gelenkigen Bären (ähnlich einem Ziegelstein, daher der Name) und seine unerschöpfliche Vielfalt an Motiven verschiedener und berühmter Künstler machen ihn zu einem Objekt der Begierde für neue und etablierte Sammler. Der von der japanischen Firma MediCom Toy Incomporated entworfene und produzierte Be@rbrick, der 2001 als Geschenk für die Besucher der World Character Convention 12 in Tokio auf den Markt kam, besteht aus neun verschiedenen Teilen (in der Spielzeugindustrie als "Werkzeuge" bezeichnet), die acht verschiedene Gelenkpunkte ermöglichen: einen drehbaren Kopf, eine drehbare Taille, kugelgelagerte Arme, drehbare Handgelenke und kugelgelagerte Beine. Die Größen reichen von 7 cm Höhe (bekannt als 100% Be@rbrick, Standardgröße), gefolgt von 400% Be@rbrick (28 cm hoch) oder 1000% Be@rbrick (70 cm hoch). Andere Größen sind kleiner als die Standardgröße, wie z. B. 50% Be@rbrick (4 cm) oder 70% Be@rbrick (5 cm). Zu den bekanntesten Kooperationen gehören die mit Kaws, der Andy Warhol Foundation, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics und sogar dem Louvre Museum und Chanel. Auch viele Prominente sammeln Be@rbrick, vom Musikproduzenten Pharrell Williams bis zur ehemaligen Kreativdirektorin von Vogue, Grace Coddington. In gutem Zustand.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR

Los 70 - EMILIO GARCÍA (Barcelona, 1981). "Schädelgehirn", 2012. Exemplarisch A.P. 2/2. Gelbes Harz. Signiert und gerechtfertigt. In gutem Zustand. Maße: 13 x 14 x 8 cm. Nach dem Erfolg von "Jumping Brain", einer Kombination aus Gehirn und hüpfendem Frosch, präsentierte Emilio García "Skull Brain" auf der "CONTEXT Art Miami 2012" und dessen großformatige Version auf der "Pulse Miami 2013" und wurde von der Lluís Coromina Foundation als bester katalanischer Künstler des Jahres ausgezeichnet. In Skull Brain legt er Hirnmaterial über die Form eines Schädels und erzielt so ein explosives und faszinierendes Ergebnis. Zu dieser Zeit begann Garcia, sich mit allen Arten von neuro-urbanem Merchandising zu befassen, indem er unter anderem Art Toys oder Skateboards für den täglichen Gebrauch entwarf. Emilio García kann auf eine lange berufliche Laufbahn als bildender Künstler und unabhängiger Art Director zurückblicken. Seit 1999 hat er mit bekannten internationalen Unternehmen wie Berlitz Kids, Hitachi, Diesel, Inditex, Metro, Vans oder The North Face zusammengearbeitet und sich dabei auf bewegte Bilder und Multimedia-Inhalte spezialisiert. Seine Arbeiten wurden in Taschen, Favorite Websites und Web Design Index Books veröffentlicht. Sein erstes unabhängiges Projekt, Jumping Brain, wurde zu einer Sensation, ebenso wie die nachfolgenden Serien. Bemerkenswerte Ausstellungen: "Block Mickey" von Disney. Times Square, Hongkong, 2009. "Swab Barcelona Contemporary Art Fair", Stand der Galerie Iguapop. Barcelona, Spanien, 2010. "Street Anatomy", Internationales Museum für chirurgische Wissenschaft. Chicago, USA, 2010. "PULSE Miami", Stand der Black Square Gallery. Miami, USA, 2013 "HOCA Foundation Benefiz-Auktion", Paddle8, Hongkong, 2015 "Art Fair Tokyo". Stand der JPS Gallery. Tokio, Japan, 2016 "Brain Being" Einzelausstellung. JPS Gallery. Hongkong, 2017. Emilio Garcias Arbeiten wurden in zahlreichen Kunst-, Design- und Kulturmagazinen wie Clutter, Neo2 oder Juxtapoz sowie in Ausstellungskatalogen veröffentlicht, und er hat in verschiedenen Büchern wie "We are Indie Toys" von HarperCollins, "Resin Toys" von Lemo oder "Skullture: Skulls in Contemporary Visual Culture" von Gingko Press mitgewirkt. Er hat auch an dem Dokumentarfilm "Un Designer Toy Artesanal" von Jose M. Cuñat und Victor M. Mezquida im Jahr 2014 teilgenommen. In gutem Zustand.

Schätzw. 1 500 - 1 600 EUR

Los 71 - MILK Magazine x NBA für Medicom Toy. Satz von sechs 400% Be@rbrick der NBA 70th Anniversary Edition. Kunststoff. Versiegelt. In Originalkartons. Produziert von Medicom Toy. In gutem Zustand. Maße: 28 cm (Toy Höhe); 29 x 15 x 11 cm (Boxen). Anlässlich des 70-jährigen Jubiläums der NBA fand 2016 eine Zusammenarbeit mit Milk & Medicom Toy statt. Dabei trug der bereits kultige Be@rbrick die Trikots der besten und einflussreichsten NBA-Teams: die Chicago Bulls (BULLS), die Los Angeles Lakers (LAKERS), die San Antonio Spurs (SPURS), die Boston Celtics (CELTICS), die Cleveland Cavaliers (CAVALIERS) und die Golden State Warriors (WARRIORS). Die Revolution von Art Toys erreicht mit dem Be@rbrick einen ihrer größten Vertreter. Sein einfaches, aber attraktives Erscheinungsbild in Form eines gelenkigen Bären (ähnlich einem Ziegelstein, daher der Name) und seine unerschöpfliche Vielfalt an Motiven verschiedener und berühmter Künstler machen ihn zu einem Objekt der Begierde für neue und alteingesessene Sammler. Der von der japanischen Firma MediCom Toy Incomporated entworfene und produzierte Be@rbrick, der 2001 als Geschenk für die Besucher der World Character Convention 12 in Tokio auf den Markt kam, besteht aus neun verschiedenen Teilen (in der Spielzeugindustrie als "Werkzeuge" bezeichnet), die acht verschiedene Gelenkpunkte ermöglichen: einen drehbaren Kopf, eine drehbare Taille, kugelgelagerte Arme, drehbare Handgelenke und kugelgelagerte Beine. Die Größen reichen von 7 cm Höhe (bekannt als 100% Be@rbrick, Standardgröße), gefolgt von 400% Be@rbrick (28 cm hoch) oder 1000% Be@rbrick (70 cm hoch). Andere Größen sind kleiner als die Standardgröße, wie z. B. 50% Be@rbrick (4 cm) oder 70% Be@rbrick (5 cm). Zu den bekanntesten Kooperationen gehören die mit Kaws, der Andy Warhol Foundation, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics und sogar dem Louvre Museum und Chanel. Auch viele Prominente sammeln Be@rbrick, vom Musikproduzenten Pharrell Williams bis zur ehemaligen Kreativdirektorin der Vogue, Grace Coddington. In gutem Zustand.

Schätzw. 2 000 - 2 200 EUR

Los 72 - RON ENGLISH (Chicago, 1959) für Made by Monsters Toys. "Rodent Grin" aus der Serie "Pop Art". 2 bemalte Vinyl-Figuren. JPS Special Edition limitiert auf 400 Exemplare. Signiert, nummeriert und versiegelt. Mit Originaltaschen. In gutem Zustand. Maße: 22 cm (Höhe). Die berühmteste Maus der Welt unterscheidet sich vom Rest der konventionellen Versionen durch das schon klassische schädelförmige Lächeln von Ron English. Die Art Toys in Ausschreibung entsprechen der JPS Veröffentlichung von Rodent Grin von Ron English x Made by Monsters. Ron Englishs Art Toys sind eine Mischung aus Pop Art und Propaganda, die dem Konzept des "Culture Jamming" folgt, was mit kultureller Sabotage oder Ablenkung übersetzt werden kann, in dem er Ikonographie aus Superhelden-Comics, Kunstgeschichte, Werbung oder Politik integriert. So spielt English mit der Ikonografie multinationaler Unternehmen, der Populärkultur oder der Kunstgeschichte, wie Joe Camel, McDonalds, Vincent vanGogh oder Mickey Mouse, indem er sie versioniert und persifliert, um das Gegenteil der Werte zu symbolisieren, die sie repräsentieren. Englishs Name ist in den wichtigsten Magazinen der Welt erschienen (The New York Times, The Wall Street Journal, USA Today, The Miami Herald, The Washington Post, The Los Angeles Times, LA Weekly, Art News, Time Magazine, Rolling Stone, Creem, Juxtapoz Magazine, Hi Fructosa, Mad Magazine, u.a.). Zu seinen Auftritten in Film und Fernsehen gehören Exit Through the Gift Shop, Supersize Me, The Simpsons, Work of Art, Street Art Throwdown, CNN, BBC, Sky TV und viele andere. Neben seiner Kunstpraxis und seinen Wandmalereien hat English auch Albumcover für Musiker wie Dandy Warhols und Slash, Kunst für den Dokumentarfilm Super Size Me und verschiedene Art Toys produziert. In gutem Zustand.

Schätzw. 3 500 - 3 800 EUR

Los 73 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009). Ohne Titel, 1990. Tinte auf Seidenpapier. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Provenienz: Privatsammlung. Größe: 60 x 90 cm; 79 x 109 cm (Rahmen). Nach einer kurzen figurativen Phase wandelt sich das Werk in den 1950er Jahren zu einer schematischeren und strukturierteren Auffassung der Realität mit einer deutlich abstrakten Tendenz, die er für den Rest seines Lebens kultivieren wird. In den 1990er Jahren, bis zum Ende seiner Karriere, wird seine Produktion als eine Studie seines eigenen Werks interpretiert. Seine stabilen und ruhigen Kompositionen zeigen eine bis zum Äußersten getriebene strukturelle Reinheit, in der Symmetrie, Ordnung und Gleichgewicht die Nutzung des von der Geometrie dominierten Raums und die Komplementarität der Farben bestimmen. Als Maler, Lehrer, Schriftsteller und Grafiker genießt Ràfols Casamada heute großes internationales Ansehen. Seine ersten Schritte in der Welt des Zeichnens und Malens machte er bei seinem Vater, Albert Ràfols Cullerés. Der postimpressionistische Einfluss seines Vaters und sein besonderer Cézannismus prägen die Werke seiner ersten Ausstellung, die 1946 in den Galerien Pictòria in Barcelona stattfand, wo er mit der Gruppe Els Vuit ausstellte. In der Folgezeit entwickelte er nach und nach eine poetische Abstraktion, amorph in ihrer Konfiguration, frei und intelligent, das Ergebnis einer langsamen Entwicklung und basierend auf Atmosphären, Themen, Objekten oder Grafiken aus dem Alltag. Ràfols Casamada arbeitete mit diesen Fragmenten der Realität, des Lebens, in einem Prozess der Entstellung, spielte mit Konnotationen, plastischen Werten und dem visuellen Reichtum der möglichen verschiedenen Lesarten, in einem Versuch, die Vergänglichkeit der Realität zu fixieren. 1950 erhält er ein Stipendium, um nach Frankreich zu reisen, und lässt sich bis 1954 in Paris nieder. Dort lernte er die postkubistische figurative Malerei sowie die Werke von Picasso, Matisse, Braque, Miró und anderen kennen. Diese Einflüsse verbanden sich in seiner Malerei mit dem sich zur gleichen Zeit entwickelnden amerikanischen abstrakten Expressionismus. Als er schließlich nach Barcelona zurückkehrte, schlug er seinen eigenen künstlerischen Weg ein, mit einem Stil, der sich durch kompositorische Eleganz auszeichnet, die auf orthogonalen Strukturen in Verbindung mit einer gefühlvollen und leuchtenden Farbigkeit beruht. Nachdem er in den sechziger und siebziger Jahren eine interessante Beziehung zum Neo-Dada und zum Neuen Realismus gezeigt hatte, konzentrierte sich sein Werk auf rein malerische Werte: Farbfelder in ausdrucksstarker Harmonie, auf denen sich gestische Kohlestriche abheben. Er hat zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1980 den Nationalen Preis für plastische Kunst des Kulturministeriums, 1982 den Creu de Sant Jordi und 1991 den CEOE-Preis für Kunst. 1985 wurde er zum Ritter des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums ernannt und ist Ehrenmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando in Madrid. Im Jahr 2003 verlieh ihm die Generalitat den Nationalen Preis für Bildende Kunst von Katalonien, und 2009, nur zwei Monate vor seinem Tod, ehrte ihn die Grup 62 im Museu Nacional d'Art de Catalunya. Seine Werke befinden sich in den wichtigsten Museen der Welt: im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim und im MOMA in New York, im Museum of Modern Art in Los Angeles, im Picasso-Museum in Frankreich, im Georges Pompidou in Paris, im British Museum und in der Tate Gallery in London und in vielen anderen.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 74 - JUAN MANUEL LÓPEZ-REINA COSO (Cuenca, 1953). "Sonnenuntergang. Gemischte Medien auf Holz. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 120 x 140 cm. Juan Manuel López Reina zeichnet sich durch seine multidisziplinäre Ausbildung aus, in der er das Studium verschiedener künstlerischer Techniken wie Gravur oder Aquarell entwickelt hat. Er studierte Grafik und spezialisierte sich auf Fotokomposition, Buch- und Zeitschriftendesign. Seine künstlerische Ausbildung vervollständigte er mit verschiedenen Kursen, unter denen der Gravur-Workshop an der Schule der Schönen Künste in Madrid und die Prado-Workshops mit Francisco Molina, Jorge Pedraza oder Salvador Antúnez hervorzuheben sind. Seine umfassenden Kenntnisse in verschiedenen Techniken haben zur Entwicklung eines sehr persönlichen Stils geführt, in dem er verschiedene Techniken kombiniert und der zwischen Abstraktion und Figuration schwankt. Der Künstler selbst sagt: "Ein Musiker komponiert eine Melodie, indem er Noten nach bestimmten Beziehungen kombiniert; ein Dichter komponiert ein Gedicht, indem er Gedanken und Worte in eine gute Reihenfolge bringt; und ein Maler schafft ein Gemälde, indem er Gedanken, Formen und Farben in die beste Reihenfolge bringt". Er wurde auch mit mehreren Preisen ausgezeichnet, darunter der erste Preis des Prado-Workshops 2013, der erste Preis des XXVIII. minimalistischen Kunstwettbewerbs San Antón 2012, der von der freien Akademie der Künste und Buchstaben von San Antón verliehen wurde, und der erste Preis mira Madrid, der von der Vereinigung der Maler und Bildhauer 2012 verliehen wurde.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 75 - ALEX KATZ (Brooklyn, New York, 24. Juli 1927). "Vincent", 1972. Lithographie auf Papier. Exemplar 50/120. Beiliegendes Zertifikat der Composition Gallery, Georgia. Signiert in der linken unteren Ecke. Maße: 38,1 x 53,3 cm; 73,5 x 82,5 cm (Rahmen). In diesem Werk ist das Porträt des Sohnes des Künstlers zu sehen, der bei zahlreichen Gelegenheiten von seinem Vater porträtiert wurde. In der Ausstellung, die das Guggenheim Museum Alex Katz gewidmet hat, sagte sein Sohn, der heute Kunstkritiker ist: "Es ist interessant, ein Kind zu sein und porträtiert zu werden, weil man denkt, dass man etwas tun muss, wie: 'Wie lange muss ich dafür posieren?' Und er malt sehr schnell. Es ist also überhaupt ein schmerzloser Prozess." Alex Katz wurde in eine jüdische Familie in Brooklyn hineingeboren, 1928 zog er mit seiner Familie nach Queens, wo. Von 1946 bis 1949 studierte Katz an der Cooper Union in New York und von 1949 bis 1950 an der Skowhegan School of Painting and Sculpture in Maine. Eine Ausbildung, die sich als entscheidend für seine Entwicklung als Maler erwies und bis heute ein Grundpfeiler seiner Praxis ist. Katz erklärt, dass das Malen im Freien in Skowhegan ihm einen Grund gab, sein Leben der Malerei zu widmen. Katz' Gemälde lassen sich fast zu gleichen Teilen in die Genres Porträt und Landschaft einteilen. Seit den 1960er Jahren malt er Ansichten von New York (insbesondere seiner unmittelbaren Umgebung in Soho), die Landschaften von Maine, wo er jedes Jahr mehrere Monate verbringt, sowie Porträts von Familienmitgliedern, Künstlern, Schriftstellern und führenden Persönlichkeiten der New Yorker Gesellschaft. Seine Gemälde zeichnen sich durch ihre Flächigkeit in Farbe und Form, ihre Sparsamkeit in der Linienführung und ihre erfrischende, aber dennoch aufrüttelnde emotionale Distanziertheit aus. Eine wichtige Inspirationsquelle sind die Farbholzschnitte des japanischen Künstlers Kitagawa Utamaro. Anfang der 1960er Jahre begann Katz, beeinflusst von Film, Fernsehen und Werbeplakaten, großformatige Gemälde zu malen, oft mit dramatisch geschnittenen Gesichtern. Die meisten seiner Werke stellen Nahaufnahmen dar, die Vorder- und Rückansichten des Kopfes derselben Figur oder Figuren zeigen, die sich von gegenüberliegenden Rändern des Bildträgers aus betrachten. Seit 1951 war Alex Katz' Werk Gegenstand von mehr als 200 Einzelausstellungen und fast 500 Gruppenausstellungen in den Vereinigten Staaten und international. Seine erste Einzelausstellung war eine Gemäldeausstellung in der Roko Gallery in New York im Jahr 1954. Im Jahr 1974 zeigte das Whitney Museum of American Art Alex Katz Prints, gefolgt von einer Retrospektive mit Gemälden und Cut-Outs unter dem Titel Alex Katz im Jahr 1986. Katz hatte zahlreiche Retrospektiven in Museen wie dem Whitney Museum of American Art, New York, dem Brooklyn Museum, New York, dem Jewish Museum, New York, dem Irish Museum of Modern Art, Dublin, dem Colby College Museum of Art, Maine, der Staalichen Kunsthalle, Baden-Baden, der Fondazione Bevilacqua La Masa, Venedig, dem Centro de Arte Contemporaneo de Malaga und der Saatchi Gallery, London (1998). Katz' Werke befinden sich in den Sammlungen von mehr als 100 öffentlichen Einrichtungen weltweit, darunter das Honolulu Museum of Art, das Museum of Modern Art, New York, das Metropolitan Museum of Art, New York; das Whitney Museum of American Art, NY; die Smithsonian Institution, Washington, D .C .Carnegie Museum of Art, das Art Institute of Chicago, das Cleveland Museum of Art, die Tate Gallery, London, das Centre Georges Pompidou, Paris, das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, das Metropolitan Museum of Art, Tokio, die Nationalgalerie, Berlin, und das Brandhorst Museum, München, um nur einige zu nennen. Beigefügt ist ein Zertifikat der Composition Gallery, Georgien.

Schätzw. 1 200 - 1 800 EUR

Los 76 - MANUEL BARBADILLO (Cazalla de la Sierra, Sevilla, 1929 - Malaga, 2003). Ohne Titel, 1979- 1984. Tinte auf Papier. Gerahmt in Museumsglas. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 21 x 30 cm; 29 x 38 cm (Rahmen). Auf dem Millimeterpapier befindet sich eine Studie, Reflexionen des Künstlers, die uns die vorherige und konzeptionelle Arbeit zeigt. In der Tat gibt es in der Sammlung des Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía mehrere Werke mit größeren Abmessungen, die das ästhetische Konzept widerspiegeln, das der Künstler in diesem Werk verkörpert. Beispiele hierfür sind die Werke Coraina, Dione und Merata. Manuel Barbadillo begann seine Ausbildung im Atelier von José Arpa (1941) und wechselte später in die Werkstatt des Bildhauers Emilio García Ortiz, wo er zwischen 1944 und 1947 blieb. Schließlich schloss er seine Ausbildung an der Schule für Kunst und Handwerk zwischen 1951 und 1953 ab. Gleichzeitig studierte er Jura, und als er 1954 sein Studium abschloss, stellte er zum ersten Mal im Ateneo de Sevilla aus. Anschließend reiste er nach Marokko, wo er bis 1957 blieb und sich endgültig von der Figuration abwandte, um sich auf abstrakte Experimente zu konzentrieren. Als er 1959 nach New York übersiedelt, wo er bis 1962 bleibt, ist sein Werk von der informellen Abstraktion geprägt und zeigt zunächst Einflüsse des abstrakten Expressionismus. Seine Sprache wird sich jedoch bald in Richtung der Farbreduktion entwickeln, bis sie in nüchterne, monochrome Werke mündet, die eine hohe Bilddichte und einen betont experimentellen Charakter aufweisen. Gegen 1960 tritt sein Werk in eine neue Phase ein, die durch Strukturierung und die Suche nach einer zunehmend rationalen und ausgewogenen Sprache gekennzeichnet ist. Um 1963 schließlich erreicht seine Malerei durch die kompositorische Schematisierung, die Eliminierung der Materie, die Symmetrie und die Verwendung von sich wiederholenden Formen ihre Reife. Diese Vereinfachung führt ihn schließlich zur binären Sprache, und ab 1964 ersetzt er das Konzept der Form durch das des Moduls, womit die längste und fruchtbarste Periode seines Schaffens beginnt. 1968 wird er eingeladen, an einem Kurs am Centro de Cálculo de la Complutense teilzunehmen, und im selben Jahr nimmt er am Seminar über die automatische Erzeugung plastischer Formen am selben Zentrum teil, was für seine Karriere entscheidend sein wird. Von da an wird Barbadillo eine enge Beziehung zum Computer aufbauen, den er als Arbeitsmittel versteht. Während seiner gesamten Laufbahn war Barbadillo Mitglied der Computer Arts Society und des Künstlerischen Beirats der Gesellschaft für Computer Grafik und Computer Kunst in München und hat seine Arbeiten in Ausstellungen in Spanien, Marokko, Argentinien, Venezuela, den Vereinigten Staaten und Deutschland gezeigt sowie an Gruppenausstellungen in der ganzen Welt teilgenommen. Derzeit ist er im MNCA Reina Sofía, im Centro Andaluz de Arte Contemporáneo und in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen in Europa und Amerika vertreten. Gerahmt in Museumsglas.

Schätzw. 2 000 - 3 000 EUR

Los 77 - MANOLO VALDÉS, (Valencia, 1942). "Die Frau von Elche". Glasierte Keramik mit Holzsockel. Maße: 22,50 x 18,50 x 21 cm, 26,50 x 18,50 x 21 cm (mit Sockel). Manolo Valdés wurde am 8. März 1942 in Valencia geboren. Im Jahr 1957 schrieb er sich an der Schule der Schönen Künste von San Carlos ein, wo er zwei Jahre verbrachte, bevor er sein Studium abbrach, um sich der Malerei zu widmen. Im Jahr 1964 gründete er zusammen mit Juan Antonio Toledo und Rafael Solbes die Künstlergruppe Equipo Crónica, in der er bis zum Tod von Solbes im Jahr 1981 blieb, obwohl Toledo die Gruppe zwei Jahre nach ihrer Gründung verließ. Nach dem Tod von Rafael Solbes arbeitete er einige Jahre lang allein in Valencia weiter, bis er 1989 nach New York ging, wo er sein Atelier einrichtete und weiter mit neuen Ausdrucksformen experimentierte. Er ist Mitglied der Marlborough Gallery und der Freites Gallery. Er richtete auch ein Atelier in Madrid ein, um große Skulpturen zu realisieren, wobei er abwechselnd in beiden Städten arbeitet. Beeinflusst von Velázquez, Rembrandt, Rubens und Matisse, schafft Manolo Valdés ein großformatiges Werk, in dem Licht und Farben durch die Behandlung der Materialien ein Gefühl der Taktilität ausdrücken. Sein Werk zwingt den Betrachter, sich in die Erinnerung zu vertiefen und nach bedeutenden Bildern aus der Kunstgeschichte zu suchen. Neben den Werken, die im Rahmen der Equipo Crónica ausgestellt wurden, hatte Valdés zwischen 1965 und 1981 mehr als 70 Einzel- und Gruppenausstellungen. Als Bildhauer ist er der Autor von La Dama del Manzanares (2003), einem 13 Meter hohen Werk im Parque Lineal del Manzanares (Madrid). Im Jahr 2005 schuf er die Skulpturengruppe Asturcones für die Stadt Oviedo. Valdés hat mehrere Auszeichnungen erhalten, unter denen besonders hervorzuheben sind: 1965 die Preise von Lissone und Biella in Mailand (Italien), 1979 die Silbermedaille der II. Internationalen Biennale der Gravuren in Tokio (Japan) und den Preis des Bridgestone-Kunstmuseums in Lis'79 in Lissabon (Portugal); 1983 den Nationalpreis für plastische Kunst; den Alfons-Roig-Preis in Valencia; den Nationalen Preis der Schönen Künste Spaniens; 1986 die Medaille der Biennale des Internationalen Festivals der Plastischen Künstler in Bagdad (Irak) und 1993 die Auszeichnung mit dem Orden Andres Bello in der Klasse des Ehrenbands in Venezuela. Im Jahr 2012 war er mit der Gestaltung des Plakats für die Stierkampfsaison in der Real Maestranza de Caballería in Sevilla beauftragt.

Schätzw. 2 400 - 2 600 EUR

Los 78 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). Lithographie, Exemplar 59/99. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 85 x 67 cm; 87 x 69 cm (Rahmen). Das Papier hat Flecken. Tàpies beginnt mit der Kunst während der langen Rekonvaleszenz einer Lungenkrankheit. Nach und nach widmet er sich immer intensiver dem Zeichnen und der Malerei, und schließlich gibt er sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. 1948 ist er Mitbegründer von "Dau al Set" und beginnt, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. Durch seine Einzelausstellung 1953 in der New Yorker Galerie von Martha Jackson wird seine internationale Ausstrahlung verstärkt. Er erhält Preise wie den Prinz-von-Asturien-Preis, den Praemium Imperiale der Japanischen Kunstvereinigung, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis der Malerei Frankreichs usw., und ihm werden Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Er ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 700 - 900 EUR

Los 79 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Suite Berlin". Lithographie auf Arches-Papier, Exemplar 144/150. Von Hand signiert und nummeriert. Tàpies Galfetti II, S. 109, Abb. 484. Maße: 56 x 76 cm. Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Nach und nach widmet er sich immer intensiver dem Zeichnen und der Malerei, und schließlich gibt er sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. 1948 ist er Mitbegründer von "Dau al Set" und beginnt, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse der menschlichen Existenz bedeutet. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 80 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). Ohne Titel. Kupferstich mit Collage und Wachs, Exemplar 32/130. Von Hand signiert, gewidmet und gerechtfertigt. Maße: 90 x 61 cm; 97 x 69 cm (Rahmen). Clavé hat diesen Stich mit Wachs und verschiedenen Papieren bearbeitet, um mit der Überlagerung von Texturen und Materialien zu experimentieren, was zu einer für sein Werk charakteristischen ästhetischen Décollage führt. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Ausgebildet an der Escuela de Bellas Artes de San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nahm er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was ihn dazu veranlasste, nach Kriegsende nach Frankreich ins Exil zu gehen. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genießt bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wird. Gleichzeitig fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, wodurch er sich mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machte. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 2 400 - 3 000 EUR

Los 81 - ANTONIO LÓPEZ GARCÍA (Tomelloso, Ciudad Real, 1936). "Quitten, Granatapfel und Kaninchenkopf", Werk nach einer Bleistiftzeichnung des Künstlers auf Karton aus dem Jahr 1988. Radierung und Aquatinta-Gravur, Exemplar 52/60. Von Hand signiert und gerechtfertigt. Maße: 46 x 53 cm (Druck); 66 x 72 cm (Papier). Der Maler und Bildhauer Antonio López studierte in Madrid an der Akademie von San Fernando und in Italien, wohin er dank eines Stipendiums reiste. Während seiner Studienzeit bildete er zusammen mit anderen Künstlern wie Enrique Gran, Amalia Avia oder Lucio Muñoz das, was man heute als Madrider Schule bezeichnet. Nach Abschluss seines Studiums gab er 1957 sein Debüt in Madrid. Seitdem war er in Galerien in Europa, den Vereinigten Staaten, China und Korea vertreten. 1993 widmete ihm das Reina-Sofia-Museum in Madrid eine anthologische Ausstellung. Er ist Mitglied der San-Fernando-Akademie und wurde unter anderem mit dem Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst und dem Velázquez-Preis für plastische Kunst ausgezeichnet. 2008 widmete ihm das Museum of Fine Arts in Boston eine monografische Ausstellung, und 2011 werden das Thyssen-Bornemisza und das Museum of Fine Arts in Bilbao dasselbe tun. Er ist u. a. im Museum of Fine Arts in Boston, im ARTIUM in Vitoria, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, in der Juan March Foundation und im Museum der Schönen Künste in Bilbao vertreten.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 82 - MANUEL CASTRO (Cordoba, 1944 - Barcelona, 2020). "Metropolis" 2002. Öl auf Platte. Signiert in der unteren rechten Ecke, signiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 162 x 114 cm. Manuel Castro war ein einzigartiger Künstler, der von der Galerie Barnadas in Barcelona vertreten wurde. Diese schrieb über den Künstler: "Von seiner Generation her hätte er ein abstrakter Maler sein müssen, aber er folgte hartnäckig seinem Weg zu einer persönlichen und erzählerischen Figuration". Manuel Castro ist seit den Anfängen der Galerie Barnadas präsent, angefangen mit einer Ausstellung von Stichen im Jahr 1993, gefolgt von zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen sowie erfolgreichen Auftritten auf internationalen Messen wie Miart (Mailand) oder Start (Straßburg). Mit einem nostalgischen und verträumten Blick erzählt Castro in seinem Werk, dass es wichtig ist, die Realität mit Kriterien zu betrachten, mit einem bestimmten Prisma, in dem die Schönheit, sei es eine Landschaft, ein Wandteppich oder eine Bibliothek, den Lauf der Zeit überdauert. Bereits in den 1960er Jahren war seine Sprache figurativ und entfernte sich vom vorherrschenden abstrakten Expressionismus. Castro verkörpert das Modell des freien Künstlers, nicht um ein mehr oder weniger bahnbrechendes Werk zu schaffen, sondern um mit Mut und Talent seinem eigenen Rhythmus zu folgen und ohne Einflüsse sein beständiges Vermächtnis zu schaffen. Sein Werk befindet sich in der Stiftung Vilacasas.

Schätzw. 5 500 - 6 000 EUR

Los 83 - JACQUES VILLON (Damville, Frankreich, 1875- Puteaux, Frankreich, 1963). "En Colère", 1952. Originalzeichnung für Lithographie auf Papier. Veröffentlicht 1959 von der Edition d'Art du Lion. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Größe: 45,5 x 33 cm; 75 x 67 cm (Rahmen). Jacques Villon war ein französischer kubistischer Maler, der eigentlich Gaston Émile Duchamp hieß. Unter dem Pseudonym "Jacques Villon" begann er, Illustrationen in humoristischen Pariser Zeitungen anzufertigen, in denen er das Thema der Religion oder der Armee sowie andere grundlegende Aspekte der konventionellen Moral des 19. Villon stellte 1911 auf dem Salon des Indépendants in Paris und 1917 auf der ersten Ausstellung der Society of Independent Artists in New York aus. Auch für die Ausstellung der Societé Anonyme, die 1926 im Brooklyn Museum stattfand und an der unter anderem Picabia und Marcel Duchamp (sein Bruder) teilnahmen, schuf er Werke. Er stellte seine Werke in verschiedenen Galerien in Europa und den Vereinigten Staaten aus, unter anderem in der Brummer Gallery in New York und in der Galerie Louis Carré in Paris und New York.

Schätzw. 4 500 - 4 700 EUR

Los 84 - MIGUEL MACAYA (Santander, 1964). "Stierkämpfer, 1992. Gemischte Medien auf Papier. Signiert. Größe: 58 x 50 cm; 86 x 79 cm (Rahmen). Miguel Macaya, ein national und international anerkannter Maler, debütierte 1986 in seiner Heimatstadt mit einer Ausstellung in der Galerie Pancho Cossío. Zwei Jahre später stellte er seine Werke in der Galerie Cartoon in Barcelona aus, und in den neunziger Jahren begann er, in Madrid auszustellen: 1994 und 1997 in der Galerie Jorge Albero, 1996 und 1999 in der Galerie Nolde, usw. Den Sprung ins Ausland schaffte er 1999 mit einer Einzelausstellung in der Galerie Arcturus in Paris, und im Jahr darauf präsentierte er seine Werke in der renommierten Galerie Sala Parés in Barcelona, mit der er seither zusammenarbeitet. Er stellt weiterhin regelmäßig als Einzelkünstler in Spanien und Frankreich sowie in den Niederlanden, Deutschland und dem Vereinigten Königreich aus. Er hat auch an Messen wie der Antica Namur in Belgien und Straßburg (beide 2014), der Arco in Madrid (2001), der Art London in der britischen Hauptstadt (2008) und der Art Madrid (2011-2015) teilgenommen, um nur einige zu nennen. Parallel dazu hat er seit 1992 an wichtigen nationalen und internationalen Gruppenausstellungen teilgenommen. Die erste wurde 1992 vom Delfina Studio Trust in London veranstaltet, und in der Folge hat er an weiteren wichtigen Ausstellungen teilgenommen, wie etwa im Design Center de la Recoleta in Buenos Aires (1998), in der Fundació Vila Casas in Barcelona (1999), in der Galerie Vieleers in Amsterdam (2003) usw. Macayas Werk besitzt eine intensive und dunkle Ausdruckskraft sowie eine Goyaeske Ader, die besonders in seinen Stierkampfbildern deutlich wird. In diesem Sinne schrieb der Kritiker Enrique Lynch, dass seine Malerei "den Blick auf das Erhabene lenkt, gerade weil sie, ohne auf das Licht zu verzichten, den Blick auf die dunkle Seite des Sehens lenkt: auf das, was wir nicht sehen können (oder wollen), auf den unbekannten Hintergrund, dem seine Figuren den Rücken zukehren". In jedem Fall handelt es sich um ein Werk, das mit dem Geheimnis spielt, mit dem Spiel, nur einen Teil des Helldunkels zu enthüllen und dem Betrachter Fragen zu stellen. Miguel Macaya ist derzeit in der Fundació Vila Casas vertreten und wurde mit dem Ersten Preis für junge Malerei der Fundació Banc de Sabadell-Sala Parés (2001) ausgezeichnet.

Schätzw. 2 500 - 2 800 EUR

Los 85 - VICTOR MIRA (Zaragoza, 1949 - München, 2003). "Nackte Frauen in einer Landschaft aus kantabrischen Artischocken". 1973 Gemischte Medien auf Papier Signiert und datiert im unteren Bereich. Echtheitszertifikat ausgestellt von Esther Romero Fajardo beigefügt. Maße: 36 x 55 cm; 55 x 75 cm (Rahmen). Der Maler, Bildhauer, Graveur und Schriftsteller hat sich seine Ausbildung im Wesentlichen selbst beigebracht. Im Alter von achtzehn Jahren hatte er seine erste Einzelausstellung in der Galerie N'Art in Zaragoza, die zugleich die erste Skulpturenausstellung unter freiem Himmel in dieser Stadt war. Kurze Zeit später zog er nach Madrid, wo er 1973 in der Galerie Pol Verdié ausstellte. Während seiner Zeit in der Hauptstadt nahm er an den Encuentros de Pamplona teil, wo er John Cage kennenlernte. Zwei Jahre später, 1974, veröffentlicht Ana María Canales ihr Buch "Víctor Mira, eres mi pintor preferido" (Victor Mira, du bist mein Lieblingsmaler). 1975 reiste sie nach Heidelberg, wo sie fünf Monate lang lebte, und veröffentlichte im selben Jahr "El libro de las dos hojas". 1976 begann er in Deutschland an seinen Serien "Spanische Haltung" und "Manos" zu arbeiten. Nachdem er einige Zeit zwischen Madrid und Deutschland verbracht hatte, ließ er sich 1977 in Barcelona nieder. Dort begann er seinen Gemäldezyklus "Interiores catalanes con tomate", und 1979 veröffentlichte er seinen ersten Gedichtband "El bienestar de los demonios". Im selben Jahr hatte er seine erste Einzelausstellung in München, in der Galerie Tanit, und im folgenden Jahr stellte er seine Werke in den Vereinigten Staaten aus, in der Galerie George Staempfli in New York. Von da an begann seine internationale Karriere mit Ausstellungen in Deutschland, den Vereinigten Staaten, den Niederlanden, der Schweiz, Schweden, Norwegen, Kolumbien, Frankreich, Belgien und Österreich, während er weiterhin regelmäßig in Spanien ausstellte. 1983 reiste er auf Einladung des Meadows Museum in Dallas zum ersten Mal in die Vereinigten Staaten, und im selben Jahr arbeitete er in den Druckwerkstätten der Southern Methodist University in Dallas und verbrachte fünf Monate in New York. Ebenfalls 1983 schuf er in Barcelona seine ersten Serien von Eisenskulpturen, "Cultura del arco" und "Mediodías". 1997 wurde er von Amy Chaiklin zur Teilnahme an der Kunstbiennale in New York eingeladen, und sechs Jahre später, kurz vor seinem Tod, wurde er auf der ARCO-Messe mit dem Preis für den besten lebenden spanischen Künstler ausgezeichnet. Die letzte Retrospektive, die dem Künstler gewidmet war, fand in Düsseldorf (Deutschland) in der Galerie Beck & Eggeling statt. Werke von Mira befinden sich in Museen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, das MACBA in Barcelona, die Museen der Schönen Künste von Vitoria und Zaragoza, die Beulas-Stiftung in Huesca und das Museo Colecciones ICO in Madrid.

Schätzw. 1 500 - 1 600 EUR

Los 86 - Zelluloid von DRAGON BALL Zelluloid und aufgeklebte Zeichnung. Maße: 23 x 26,5 cm; 24,5 x 27 cm. Dragon Ball ist eine japanische Manga-Zeichentrickserie, die 1984 von Akira Toriyama geschaffen wurde. Der ursprüngliche Manga, der von Toriyama geschrieben und illustriert wurde, erschien von 1984 bis 1995 in der Zeitschrift Weekly Sh?nen Jump und umfasste 519 Einzelkapitel. Dragon Ball wurde ursprünglich von dem chinesischen Romanklassiker Die Reise nach Westen aus dem 16. Jahrhundert inspiriert und mit Elementen aus Hongkong-Kampfsportfilmen kombiniert. Die Serie folgt den Abenteuern des Protagonisten Son Goku von seiner Kindheit bis ins Erwachsenenalter, wo er seine Kampfkünste trainiert. Seine Kindheit verbringt er fernab der Zivilisation, bis er ein Mädchen namens Bulma kennenlernt, die ihn ermutigt, sich ihr auf der Suche nach den sieben Kugeln anzuschließen, die als Dragon Balls bekannt sind und einen wunscherfüllenden Drachen herbeirufen, wenn sie gesammelt werden. Auf seiner Reise findet Goku weitere Freunde, wird zum Familienvater, entdeckt seine außerirdische Herkunft und kämpft gegen eine Vielzahl von Schurken, von denen viele ebenfalls auf der Suche nach den Dragon Balls sind.

Schätzw. 200 - 300 EUR

Los 87 - Zelluloide von CARDCAPTOR SAKURA Satz von zwei Zelluloiden und zwei Zeichnungen. Eine der Zeichnungen ist auf das Zelluloid geklebt. Maße: 23 x 26,5 cm (x2); 24,5 x 27,5 cm. Cardcaptor Sakura, abgekürzt CCS, ist eine japanische Manga-Serie, die von der Manga-Gruppe Clamp geschrieben und illustriert wurde. Die Serie erschien monatlich im Sh?jo-Manga-Magazin Nakayoshi von Juni 1996 bis August 2000 und wurde zwischen November 1996 und Juli 2000 in 12 Tank?bon-Bänden von Kodansha veröffentlicht. Im Mittelpunkt der Geschichte steht Sakura Kinomoto, eine Grundschülerin, die magische Kräfte entdeckt, nachdem sie versehentlich einen Satz magischer Karten in die Welt entlassen hat; sie muss die Karten zurückholen, um eine Katastrophe zu verhindern. Jede dieser Karten verleiht unterschiedliche magische Kräfte und kann nur von jemandem mit angeborenen magischen Fähigkeiten aktiviert werden. Eine Fortsetzung von Clamp, Cardcaptor Sakura.

Schätzw. 200 - 300 EUR

Los 88 - HEIDI Zelluloid. Zelluloid und Zeichnung geklebt. Maße: 23 x 27 cm. Heidi gilt als Klassiker der Animation und wurde durch die japanische Verfilmung von 1974 bekannt, die auf dem gleichnamigen Buch der Schweizer Schriftstellerin Johanna Spyri basiert. Heidi ist ein Waisenmädchen, das bei seiner Tante in einem Dorf in der Nähe der Schweizer Alpen lebt. Als ihre Tante einen neuen Job in Frankfurt bekommt, muss das kleine Mädchen zum Haus ihres Großvaters mitten in den Bergen ziehen. Dort lernt sie Peter kennen, ihren Freund, einen Hirten.

Schätzw. 200 - 300 EUR

Los 89 - Zelluloid von INUYASHA Zelluloid, Zeichnung und Hintergrund. Maße: 23 x 26,5 cm; 24,5 x 27 cm (Zeichnung); 26 x 36 cm (Hintergrund). Inuyasha ist eine japanische Manga-Serie, geschrieben und illustriert von Rumiko Takahashi. Sie wurde von November 1996 bis Juni 2008 in Shogakukans Weekly Sh?nen Sunday Sh?nen Manga-Magazin fortlaufend veröffentlicht, wobei die Kapitel in 56 Tank?bon-Bänden gesammelt wurden. Die Serie beginnt mit Kagome Higurashi, einer fünfzehnjährigen Highschool-Schülerin im heutigen Tokio, die in die Sengoku-Zeit versetzt wird, nachdem sie am Schrein ihrer Familie in einen Brunnen gefallen ist, wo sie den halb-hündischen, halb-menschlichen Dämon Inuyasha trifft. Als das heilige Shikon-Juwel aus den Tiefen von Kagomes Körper wieder auftaucht, zerbricht sie es versehentlich in Dutzende von Scherben, die in ganz Japan verstreut werden. Inuyasha und Kagome machen sich auf den Weg, um die Bruchstücke des Juwels zu bergen, und werden bei ihrer Suche von dem lüsternen Mönch Miroku, der Dämonenjägerin Sango und dem Fuchsdämon Shipp? unterstützt. Gemeinsam machen sie sich auf den Weg, um das Shikon-Juwel zurückzuholen, bevor es in die Hände des bösen Halbdämons Naraku fällt.

Schätzw. 700 - 1 000 EUR

Los 90 - Zelluloid von THE KNIGHTS OF THE ZODIAC. Zelluloid und Zeichnung. Maße: 22,5 x 25,5 cm (Zelluloid); 24,5 x 27 cm (Zeichnung). 1986 begann der Mangaka (japanische Bezeichnung für den Schöpfer eines Comics) Masaki Kuramada mit seinem endgültigen und erfolgreichsten Werk: Saint Seiya, das aus 28 Manga-Bänden, 114 Anime-Kapiteln, 5 Filmen und der anschließenden Animation der letzten Saga des Mangas (Hades) mit 31 OVAs bestand. Heute hält der Erfolg der Serie an.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 91 - CARDCAPTOR SAKURA Zelluloide Satz von zwei Zelluloiden und Zeichnungen. Maße: 23 x 26,5 cm (x2); 24,5 x 27,5 cm. Cardcaptor Sakura, abgekürzt CCS, ist eine japanische Manga-Serie, die von der Manga-Gruppe Clamp geschrieben und illustriert wurde. Die Serie erschien monatlich im Sh?jo-Manga-Magazin Nakayoshi von Juni 1996 bis August 2000 und wurde zwischen November 1996 und Juli 2000 in 12 Tank?bon-Bänden von Kodansha veröffentlicht. Im Mittelpunkt der Geschichte steht Sakura Kinomoto, eine Grundschülerin, die magische Kräfte entdeckt, nachdem sie versehentlich einen Satz magischer Karten in die Welt entlassen hat; sie muss die Karten zurückholen, um eine Katastrophe zu verhindern. Jede dieser Karten verleiht unterschiedliche magische Kräfte und kann nur von jemandem mit angeborenen magischen Fähigkeiten aktiviert werden. Eine Fortsetzung von Clamp, Cardcaptor Sakura.

Schätzw. 200 - 300 EUR

Los 92 - Zelluloid von THE KNIGHTS OF THE ZODIAC. Zelluloid und Zeichnung. Maße: 23 x 26,5 cm (Zelluloid); 24,5 x 27 cm (Zeichnung). 1986 begann der Mangaka (japanische Bezeichnung für den Schöpfer eines Comics) Masaki Kuramada mit seinem endgültigen und erfolgreichsten Werk: Saint Seiya, das aus 28 Manga-Bänden, 114 Anime-Kapiteln, 5 Filmen und der anschließenden Animation der letzten Saga des Mangas (Hades) mit 31 OVAs bestand. Heute hält der Erfolg der Serie an.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 93 - Zelluloid. "Herbst. Acetat und Zeichnung auf der Rückseite. Maße: 23 x 36 cm; 40,5 x 51 cm (Rahmen). Acetat mit einer Zeichnung, die einen Sturz zeigt. Die meisten Manga entsprechen einem Stil, der in Japan im späten 19. Jahrhundert entwickelt wurde und eine lange Geschichte in der früheren japanischen Kunst hat. Der Begriff Manga wird in Japan sowohl für Comics als auch für Cartoons verwendet. Außerhalb Japans wird der Begriff gewöhnlich für Comics verwendet, die ursprünglich in Japan veröffentlicht wurden. Das Medium umfasst Werke in einer Vielzahl von Genres: Action, Abenteuer, Wirtschaft und Handel, Komödie, Detektiv, Drama, Historisches, Horror, Mystery, Romantik, Science Fiction und Fantasy, Erotik (Hentai und Ecchi), Sport und Spiele sowie Spannung, um nur einige zu nennen.

Schätzw. 200 - 300 EUR

Los 94 - JOSE MARIA YTURRALDE, (Cuenca, 1942). "Postlude, 1998. Acryl auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 30 x 30 cm; 35 x 35 cm (Rahmen). Die Serie "Horizonte", die Yturralde 2009 begann, ist ein Beispiel für die Erforschung und Suche nach Farbe, Licht und Sinnlichkeit. Dieser horizontale Horizont markiert den Ausgangspunkt der menschlichen Sinneserfahrung, ein Konzept, das mit der Kultur der Tuareg und sogar mit dem japanischen "Haiku" (Gedicht) verbunden ist. Auf diese Weise hebt der Künstler die Unendlichkeit des Horizonts hervor, die mit der unendlichen Vision der Wüste verbunden ist. In den darauffolgenden Jahren formt Jose María Yturralde weiterhin das Konzept von Grenze und Anfang, auch in Verbindung mit wissenschaftlichen Bereichen wie Raum-Zeit-Verzerrungen. Im Jahr 2014 fügt er weitere Aspekte hinzu, die sich auf die Behandlung und Gestaltung dieser Grenzen beziehen, die die Form von vertikalen und horizontalen schwarzen Linien inmitten von ausgewogenen und farbenfrohen Strukturen annehmen. Yturralde, der an der Polytechnischen Universität von Valencia in Kunst promovierte, ist Vollmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Carlos. Sein Einzeldebüt gab er 1969 mit einer Ausstellung im Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. Schon bald erhielt er herausragende Auszeichnungen, darunter ein Stipendium für ein Studium am Massachusetts Institute of Technology. Yturralde hat in der ganzen Welt ausgestellt und Vorträge gehalten und seit Beginn seiner Karriere an wichtigen internationalen Gruppenausstellungen teilgenommen: Biennale von São Paulo (1967), Museum of Fun in Tokio (1979), Spanish Institute in New York (1996) usw. Besonders erwähnenswert sind seine Einzelausstellungen im M.I.T. und im Reina Sofia Museum in Madrid sowie in verschiedenen Pariser, Moskauer, spanischen, amerikanischen und japanischen Galerien. Yturralde ist in nationalen und internationalen Museen wie dem Museum für Abstrakte Kunst in Cuenca, dem Brooklyn Museum, dem Harvard Museum, der Asahi Shimbun in Tokio, dem Staatlichen Museum Nowgorod in Russland, dem Patio Herreriano in Valladolid und dem Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía vertreten.

Schätzw. 2 200 - 2 400 EUR

Los 95 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "Madrid", 1984. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der oberen linken Ecke. Maße: 81 x 100 cm. Der Maler, Zeichner, Fotograf und Graveur Lluís Claramunt, der sein Leben zwischen Barcelona, Madrid, Sevilla, Bilbao und Marrakesch verbrachte, entwickelte ein von Isidre Nonell beeinflusstes Werk, das in seinen Anfängen von einem Expressionismus geprägt ist, der nach und nach verschwindet, bis es zu einer minimalen Kalligrafie wird. Seit den siebziger Jahren hatte er Einzelausstellungen in bekannten Galerien wie Dau al Set in Barcelona, Quatre Gats in Palma de Mallorca, Juana de Aizpuru in Sevilla oder Buades in Madrid und nahm auch an Arco (1984, 1988) teil. Außerdem hatte er Einzelausstellungen in New York, Amsterdam, Graz (Österreich) und Lissabon. Im Jahr 2012 wurde sein Werk in der Einzelausstellung "El viatge vertical" im MACBA in Barcelona gezeigt. Derzeit ist er in diesem Museum, der Fundació Vila Casas, der Sammlung La Caixa, dem Museo de Bellas Artes de Álava, der Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, dem Consejo Superior de Deportes und dem Ministerio de Cultura in derselben Stadt sowie in der Colección Caja Madrid vertreten. Kürzlich hat Claramunt in der renommierten Galerie Marc Domenech in Barcelona ausgestellt, der seine Ausstellung "Luis Claramunt. Años 80" ganz dem Werk des Künstlers widmete. Die Ausstellung, die im Mai 2016 stattfand, zeigte mehr als siebzig Werke, die die Vorliebe des Künstlers für urbane Räume demonstrierten, dargestellt durch eine völlig expressionistische Palette, in der eine dynamische und lebendige Farbpalette vorherrscht.

Schätzw. 2 000 - 2 400 EUR

Los 96 - ISABEL ESTEVA ORTIGA (Barcelona, 1958) "Badewanne", 1983. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 110 x 205 cm; 115 x 210 cm (Rahmen). Maler und Fotograf, der das Wesentliche in der Darstellung der Natur und ihrer Zustände sowie in der mediterranen Kultur findet. Rhythmen, Schatten, Farben und Lichter, die Bilder umhüllen, die uns in ihrer scheinbaren Strenge an die Ursprünge unserer Existenz erinnern. Seine Produktion verzichtet auf jedes überflüssige Element, um die Ausdruckskraft von Linien und Farben in einer Annäherung an Primitivismus und Einfachheit zu veredeln.

Schätzw. 700 - 900 EUR

Los 97 - FREDERIC AMAT NOGUERA (Barcelona, 1952). Ohne Titel, 2002. Gemischte Medien (Collage, Öl) auf Holz. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 70 x 100 cm; 83 x 114 cm (Rahmen). Der Maler, Graveur und Szenograf Amat entwickelt ein Werk, das den experimentellen und konzeptionellen Tendenzen der siebziger Jahre zuzuordnen ist. Seine Themen kreisen um Tod, Gewalt, Sex und reale oder imaginäre Architekturen. Ausgebildet in Barcelona, reiste er zwischen 1975 und 1982 durch Nordafrika, Mexiko und die Vereinigten Staaten. Er hat in Frankreich, Deutschland, Italien und den Vereinigten Staaten ausgestellt und war zwischen 1993 und 1994 Gegenstand einer großen Retrospektive im Museo Rufino Tamayo in Mexiko, in der Fundación Joan Miró und im Instituto de América in Granada. Amat ist im Museum für zeitgenössische Kunst in Barcelona vertreten.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 98 - JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcelona, 1997). "Von Lucas Cranach, 1953. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, betitelt und datiert auf der Rückseite. Mit Etikett der Oriol Galeria d'Art auf der Rückseite. Maße: 100 x 80 cm; 105 x 86 cm (Rahmen). Bei dem nun zur Versteigerung stehenden Gemälde handelt es sich um ein Frühwerk des Malers Josep Roca Sastre, das einer Phase vor der Realisierung seiner intimen Innenraumszenen entspricht. Die Leinwand ist eine metaphysische Version des Werks "Die drei Grazien" von Lucas Cranach dem Älteren, einer Tafel, die der Meister 1531 malte und die heute im Louvre-Museum in Paris aufbewahrt wird. Ausgebildet in Barcelona, begann Roca in den sechziger Jahren einen persönlichen, unabhängigen Stil zu entwickeln und schuf seine eigene Sprache. Sein Vorschlag konzentrierte sich darauf, den Blick für das Naheliegende und Alltägliche, das Vertraute wiederzugewinnen. Er stellte vierzig Jahre lang in der Sala Parés in Barcelona aus und zeigte seine Werke auch in anderen spanischen Städten und in den Vereinigten Staaten. 1966 erhielt er den Sant-Jordi-Preis der Diputació de Barcelona und zwei Jahre später die Ehrenmedaille des Salon des Artistes Français in Paris. Im Jahr 1980 wurde er Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Sant Jordi, und 1993 erhielt er den Quadern-Preis der Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre entwickelte einen figurativen Stil mit intimen Themen und wandte einen persönlichen und subjektiven Blick auf seine Innenszenen sowie auf seine Stadt- und Naturlandschaften an. Seit seinem Tod wurden Retrospektiven des Werks von Josep Roca in der La Pedrera und den Galerien Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcelona) und Juan Oliver Maneu (Palma de Mallorca) veranstaltet. Sein Werk wird im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien aufbewahrt.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 99 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Retour du Japon, 1975-1986. Gemischte Medien (Öl und Collage) auf Leinwand. Rückseitig betitelt und datiert. Signiert. Maße: 77 x 46 cm; 100 x 70 cm (Rahmen). Die Serie "Retour du Japon" offenbart Clavés enge Beziehung zur japanischen Kultur. Sie entstand zwischen 1986 und 1987 und besteht aus einer Reihe von Werken, in denen der Autor die Eindrücke festhält, die er während seines Aufenthalts in dem Land gewonnen hat. Die kontrastreichen Farben und der Einfluss des Zen-Geistes und des Taoismus sind die charakteristischen Merkmale der Serie. Clavé präsentierte seine ersten Bilder dieser Serie 1986 in der Galerie Chozo Yoshii in Paris. Im selben Jahr hatte er vier Ausstellungen in vier japanischen Museen: im Metropolitan Teien in Tokio, im Nationalen Kunstmuseum in Osaka, im Kiyoaru Shirakaba und im Yamanashi-Ken in Hakone. Im darauf folgenden Jahr, 1987, wird er die Serie in der Sala Gaspar in Barcelona präsentieren. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Ausgebildet an der Escuela de Bellas Artes de San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nahm er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führte, dass er nach Kriegsende nach Frankreich ins Exil ging. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genießt bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wird. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut werden ließen. Im selben Jahrzehnt der fünfziger Jahre begann er seine intensive Arbeit in der Welt des Balletts und des Theaters und erlangte großen Ruhm in der Welt der internationalen Szenografie. Im Jahr 1952 entwirft er die Kulissen für den Film "Hans Christian Andersen" von Charles Vidor und wird für einen Oscar nominiert. 1954 gab er das Bühnenbild auf, um sich der Malerei zu widmen. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 100 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Vanitas blau", Barcelona, 1991. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert, lokalisiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 130 x 130 cm; 132 x 132 cm (Rahmen). Llimós wurde 1964 mit einer gemeinsamen Ausstellung mit u. a. Arranz Bravo, Bartolozzi und Gerard Sala bekannt, mit denen er bis 1969 zusammenarbeitete. Seine Werke befinden sich in herausragenden Sammlungen wie dem Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, dem Espirito Santo Museum für Moderne Kunst in Brasilien, der Sammlung für Zeitgenössische Kunst in Madrid, den Museen der Schönen Künste von Alava und Sevilla, der Fondazione Lucio Amelio in Neapel, dem Salvador Allende International Museum of Resistance in Santiago de Chile, der Peter Stuyvesant Foundation in Amsterdam, dem Palau Solleric in Palma de Mallorca und dem MACBA in Barcelona, um nur einige zu nennen. Sein Werk, das sich durch einen ausdrucksstarken und intensiven Strich auszeichnet, schwankt zwischen Figuration und symbolischer Abstraktion, mit einer starken Anziehungskraft für die Tierwelt, die oft Gegenstand seiner Arbeit ist, wie in dem Gemälde, das wir jetzt vorstellen, zu sehen ist.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

9. Juli - Zeitgenössische Kunst und neueste Trends

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