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15. April - Art Deco-Bronzen & Le Grand Tour

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79 Ergebnisse

Los 1 - ALEXANDRE KÉLÉTY (Budapest, Akt. 1918 - 1940). "Verliebte Pfaue" und "Fasanenpaar". Satz von drei Bronzeskulpturen. Die Pfauen sind aus Silberbronze, der Sockel aus schwarz patinierter Bronze; die Fasane aus Silberbronze. Gestaffelte Sockel aus Portor-Marmor die Basis der Fasane. Signiert. Maße: 41 x 27 x 7 cm (Pfaue) und 34 x 15 x 9 cm (Fasane). Alexandre Kéléty, ungarischer Bildhauer des Art déco, wanderte in seiner Jugend nach Frankreich aus und absolvierte seine Ausbildung in Toulouse. Anschließend zog er nach Paris, um seine Studien zu vervollständigen und seine Kenntnisse zu vertiefen. Er schuf sowohl Skulpturen als auch Objekte und war besonders für seine exotischen und europäischen Tierfiguren bekannt. Er schuf auch schöne und elegante figurative Skulpturen, die Athleten und Tänzer darstellten, aber er näherte sich auch der Porträtmalerei mit einer ganz persönlichen Sprache. Heute ist er hauptsächlich in Privatsammlungen vertreten. Das Art Déco entwickelte sich ab den 1920er Jahren, obwohl es sich dank der Popularität des Kinos, das seine Ästhetik bis in die 1940er Jahre verbreitete, einer langen Lebensdauer erfreute und die Zwischenkriegszeit fast vollständig abdeckte. Die Déco-Ästhetik ist in gewisser Weise ein Amalgam aus vielen verschiedenen Stilen und Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts und wurde im Gegensatz zum Jugendstil von der frühen Avantgarde beeinflusst, vor allem vom Konstruktivismus, Kubismus, Futurismus und sogar vom Bauhaus-Rationalismus. Auch die fortschrittlichen archäologischen Entdeckungen im alten Ägypten haben bestimmte harte Linien und die Solidität der Formen des Art déco geprägt. Da es sich um einen Stil des Maschinenzeitalters handelt, hat er die Innovationen der Zeit für seine Formen genutzt: die aerodynamischen Linien der modernen Luftfahrt, elektrische Beleuchtung, Schiffsverkleidungen, Wolkenkratzer usw. Diese Einflüsse spiegeln sich in Entwürfen mit fraktionierten, symmetrischen und klar geometrisierten Formen wider. Dennoch handelt es sich im Grunde um klassische Kunst, auch wenn sie sich dem Klassizismus aus einer neuen Perspektive nähert, die auf Archäologie und elementaren ästhetischen Prinzipien beruht. So sind die Formen des Art Déco idealisiert, ausgewogen und proportioniert, aber gleichzeitig synthetisch und essenziell, weit entfernt von der direkten Inspiration durch die Natur des späten neunzehnten Jahrhunderts. Jahrhunderts. So werden in diesem Werk die Bewegung und die Spannung der Szene perfekt eingefangen, Elemente, die der Gesamtkomposition untergeordnet sind und die verschiedenen Teile in das Ganze integrieren, um ein harmonisches und schönes Ergebnis von großer visueller Kraft zu erzielen.

Schätzw. 5 000 - 5 500 EUR

Los 2 - PAUL DUBOIS (Frankreich, 1829 - 1905) "Orante", 1899. Bronze. Präsentiert das Siegel der Stiftung F. Barbedienne. Unterzeichnet, datiert und mit ihm von Gießen. Maße: 50 x 18 x 21 cm. Französisch Bildhauer und Maler aktiv in der zweiten Hälfte des XIX Jahrhunderts, Großneffe des Bildhauers Jean-Baptiste Pigalle, Paul Dubois studierte Recht durch Familie Auferlegung, und später wurde er als Künstler in der National Superior School of Fine Arts und in der Werkstatt von Armand Toussaint gebildet. Schließlich erweiterte er seine Studien in Rom. 1860 nahm er zum ersten Mal am Pariser Salon teil, und drei Jahre später wurde er für seine Statuen "Johannes der Täufer" und "Narziss im Bad" ausgezeichnet. Zurück in Paris setzt sich sein Erfolg fort, und 1865 erhält er die Ehrenmedaille des Salons von 1865 für seinen "Florentiner Kantor des 15. Später erhielt er Aufträge von bedeutenden Persönlichkeiten der damaligen Zeit, wie z. B. die Pferdeskulptur der Anne de Montmorency für den Herzog von Aumale, die sich am Eingang des Schlosses von Chantilly befindet. Als sein Meisterwerk gilt heute der Kenotaph von General Lamoricière in der Kathedrale von Nantes, der mit vier prächtigen Bronzestatuen geschmückt ist, die von Michelangelos Grabmal der Medici inspiriert sind und die Nächstenliebe, die Weisheit, den Glauben und den militärischen Mut darstellen. Ebenfalls bemerkenswert in seinem Schaffen ist sein "Denkmal für Jeanne d'Arc" von 1896. Aufgrund seiner italienisch geprägten Sprache wird er zur Gruppe der "Florentiner" genannten Bildhauer gezählt, Anhänger der italienischen Künstler des Quattrocento. Seine Erfolge werden folgen: 1865 und 1876 erhält er Ehrenmedaillen auf dem Pariser Salon, 1873 wird er zum Kurator des Luxemburger Museums ernannt. Einige Jahre später, 1878, wird er als Nachfolger von Guillaume Direktor der Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. Außerdem wurde er mit dem Großkreuz der Ehrenlegion ausgezeichnet. Dubois zählte herausragende junge Bildhauer zu seinen Schülern, darunter Rodin, Camille Claudel und Fabio Stecchi. Seine Werke befinden sich heute im Musée d'Orsay, im Petit Palais und im Musée de la Vie Romantique in Paris, im Musée Fabre in Montpellier sowie in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 2 500 - 2 800 EUR

Los 3 - C. CHARLES (20. Jahrhundert). "Appel" (Der Ruf), ca. 1930. Skulptur aus patiniertem Weißmetall auf Steinsockel. Signiert auf der Rückseite der Beine des Pferdes. Sockel signiert "Marco". Maße: 55 x 49 x 16 cm. C. Charles war für seine Pferdeskulpturen bekannt. In diesem Fall gibt er uns das Bild einer Figur mit einem Horn, die ihre Armee ruft, während sie die Zügel ihrer Jungfrau festhält. Das Werk ist realistisch in der Modellierung, aber streng und geometrisch in der Komposition, die perfekt die ästhetische Basis des Art déco widerspiegelt. Die Figur ist nackt dargestellt, um jeden zeitlichen Bezug zu vermeiden, und sucht ein ideales und absolutes Bild der Bewegung, ohne Zugeständnisse an dekorative oder Zubehör. Das Art Déco entwickelte sich ab den 1920er Jahren, hatte aber dank der Popularität des Kinos, das seine Ästhetik bis in die 1940er Jahre verbreitete, eine lange Lebensdauer, die fast die gesamte Zwischenkriegszeit umfasste. Die Déco-Ästhetik ist gewissermaßen ein Amalgam aus vielen verschiedenen Stilen und Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts und wurde im Gegensatz zum Jugendstil von der frühen Avantgarde beeinflusst, vor allem vom Konstruktivismus, Kubismus, Futurismus und sogar vom Bauhaus-Rationalismus. Auch die fortschrittlichen archäologischen Entdeckungen im alten Ägypten haben bestimmte harte Linien und die Solidität der Formen des Art déco geprägt. Da es sich um einen Stil des Maschinenzeitalters handelt, hat er die Innovationen der Zeit für seine Formen genutzt: die aerodynamischen Linien der modernen Luftfahrt, elektrische Beleuchtung, Schiffsverkleidungen, Wolkenkratzer usw. Diese Einflüsse spiegeln sich in Entwürfen mit gebrochenen, symmetrischen und klar geometrischen Formen wider. Dennoch handelt es sich im Grunde um klassische Kunst, auch wenn sie sich dem Klassizismus aus einer neuen Perspektive nähert, die auf Archäologie und elementaren ästhetischen Prinzipien beruht. So sind die Formen des Art Déco idealisiert, ausgewogen und proportioniert, aber gleichzeitig synthetisch und essenziell, weit entfernt von der direkten Inspiration durch die Natur des späten neunzehnten Jahrhunderts. Jahrhunderts. So werden in diesem Werk die Bewegung und die Spannung der Szene perfekt eingefangen, Elemente, die der Gesamtkomposition untergeordnet sind und die verschiedenen Teile in das Ganze integrieren, um ein harmonisches und schönes Ergebnis von großer visueller Kraft zu erzielen.

Schätzw. 2 200 - 2 500 EUR

Los 6 - Italienische Schule der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. "Mädchen spielen mit einer kleinen Ziege". Weißes Metall. Signiert "Scali". Maße: 49 x 30 x 11 cm. Zwei Mädchen spielen schüchtern mit einem Kind, dem sie Essen anbieten. Das kleinere der beiden Mädchen ist im Art-déco-Stil gekleidet und versteckt sich in einer kindlich-verschmitzten Geste hinter ihrer Schwester. Die Modellierung dieser Skulptur ist typisch für den Art déco. Der Art déco entwickelte sich ab den 1920er Jahren, obwohl er sich dank der Popularität des Kinos, das seine Ästhetik bis in die 1940er Jahre verbreitete, einer langen Lebensdauer erfreute und die Zwischenkriegszeit fast vollständig abdeckte. Die Déco-Ästhetik ist gewissermaßen ein Amalgam aus vielen verschiedenen Stilen und Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts und wurde im Gegensatz zum Jugendstil von der frühen Avantgarde beeinflusst, vor allem vom Konstruktivismus, Kubismus, Futurismus und sogar vom Bauhaus-Rationalismus. Auch die fortschrittlichen archäologischen Entdeckungen im alten Ägypten haben bestimmte harte Linien und die Solidität der Formen des Art déco geprägt. Da es sich um einen Stil des Maschinenzeitalters handelt, hat er die Innovationen der Zeit für seine Formen genutzt: die aerodynamischen Linien der modernen Luftfahrt, elektrische Beleuchtung, Schiffsverkleidungen, Wolkenkratzer usw. Diese Einflüsse spiegeln sich in Entwürfen mit gebrochenen, symmetrischen und klar geometrischen Formen wider. Dennoch handelt es sich im Grunde um klassische Kunst, auch wenn sie sich dem Klassizismus aus einer neuen Perspektive nähert, die auf Archäologie und elementaren ästhetischen Prinzipien beruht. So sind die Formen des Art déco idealisiert, ausgewogen und proportioniert, aber gleichzeitig synthetisch und essenziell, weit entfernt von der direkten Inspiration durch die Natur des späten 19. Jahrhunderts. So werden in diesem Werk die Bewegung und die Spannung der Szene perfekt eingefangen, Elemente, die der Gesamtkomposition untergeordnet sind und die verschiedenen Teile in das Ganze integrieren, um ein harmonisches und schönes Ergebnis von großer visueller Kraft zu erzielen.

Schätzw. 600 - 650 EUR

Los 12 - "DERENNE", "BRIAND"; MARCEL BOURAINE (Frankreich, 1886 - 1948). "Rehkitze". Bronzeskulptur auf Marmorsockel. Signiert. Maße: 15 x 35 x 7 cm. Bouraine bietet uns ein zartes Bild, auf dem zwei miteinander spielende Kitze zu sehen sind. Es handelt sich um eine Bronze, die das reale Vorbild minutiös wiedergibt, wobei der Autor besonderes Augenmerk auf die Erfassung der Bewegung der Anatomie der Tiere legt. Bouraines Kunst ist eine Antwort auf das tierische Thema, das viele Künstler zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts beschäftigte. Es war eine naturalistische Tendenz in der Darstellung, sowohl im Ausdruck der Tiere als auch in den Details ihrer Anatomie, ihres Fells usw. Marcel Bouraine lernte bei J.A.J. Falguiere, der den Realismus in der französischen Bildhauerei des 19. Jahrhunderts wieder eingeführt und betont hatte. Während des Ersten Weltkriegs in Deutschland gefangen genommen und in der Schweiz inhaftiert, nimmt er nach dem Krieg seine künstlerische Tätigkeit wieder auf und stellt 1922 in Paris im Salon des Tuileries aus. Im folgenden Jahr nahm er erstmals am Salon d'Automne teil. Er stellte auch häufig mit den Gruppen La Stele und L'Evolution aus. Er fertigte kleinformatige Figuren für mehrere französische Firmen an, darunter Le Verrier, Susse Freer und Arthur Goldscheider. Zu seinen wichtigsten Werken gehören die für die Pariser Weltausstellung von 1937. Gelegentlich signierte er mit den Pseudonymen "Briand" und "Derenne". Es ist unter anderem im Art Institute of Chicago und im Corning Museum of Glass (New York) sowie in verschiedenen Privatsammlungen vertreten.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 14 - Französische Art-Déco-Schule der 20-30er Jahre. "Mann, der ein Boot zieht". Maße: 31 x 9 x 22 cm. Ornamentale Skulptur in runder Masse, die einen Mann, der ein Boot zieht, von dem wir nur den Bug beobachten können. Es ist ein realistisches Werk in seiner Modellierung, aber streng und geometrisch in seiner Zusammensetzung, die perfekt die ästhetische Basis des Art Deco widerspiegelt. Auf der anderen Seite ist die Figur nackt dargestellt, um jeden zeitlichen Bezug zu vermeiden, auf der Suche nach einem idealen und absoluten Bild der Bewegung, ohne Zugeständnisse an dekorative oder Zubehör. Das Art Déco entwickelte sich ab den 1920er Jahren, obwohl es dank der Popularität des Kinos, das seine Ästhetik bis in die 1940er Jahre verbreitete, eine lange Lebensdauer hatte und fast die gesamte Zwischenkriegszeit abdeckte. Die Déco-Ästhetik ist gewissermaßen ein Amalgam aus vielen verschiedenen Stilen und Bewegungen des frühen 20. Jahrhunderts und wurde im Gegensatz zum Jugendstil von der frühen Avantgarde beeinflusst, vor allem vom Konstruktivismus, Kubismus, Futurismus und sogar vom Bauhaus-Rationalismus. Auch die fortschrittlichen archäologischen Entdeckungen im alten Ägypten haben bestimmte harte Linien und die Solidität der Formen des Art déco geprägt. Da es sich um einen Stil des Maschinenzeitalters handelt, hat er die Innovationen der Zeit für seine Formen genutzt: die aerodynamischen Linien der modernen Luftfahrt, elektrische Beleuchtung, Schiffsverkleidungen, Wolkenkratzer usw. Diese Einflüsse spiegeln sich in Entwürfen mit gebrochenen, symmetrischen und klar geometrischen Formen wider. Dennoch handelt es sich im Grunde um klassische Kunst, auch wenn sie sich dem Klassizismus aus einer neuen Perspektive nähert, die auf Archäologie und elementaren ästhetischen Prinzipien beruht. So sind die Formen des Art Déco idealisiert, ausgewogen und proportioniert, aber gleichzeitig synthetisch und essenziell, weit entfernt von der direkten Inspiration durch die Natur des späten neunzehnten Jahrhunderts. Jahrhunderts. So werden in diesem Werk die Bewegung und die Spannung der Szene perfekt eingefangen, Elemente, die der Gesamtkomposition untergeordnet sind und die verschiedenen Teile in das Ganze integrieren, um ein harmonisches und schönes Ergebnis von großer visueller Kraft zu erzielen.

Schätzw. 650 - 700 EUR

Los 17 - LUCIENNE ANTOINETTE HEUVELMANS(Paris, 1881 - 1944). "Bacchus-Kind", um 1930. Gebläute Bronze. Zeigt Stempel der Gießerei Colin/Paris. Signiert. Maße: 43 x 48 x 23 cm. Dieses Werk wurde nach dem Original in Gips von Heuvelmans aus dem Jahr 1928 bearbeitet. Lucienne Heuvelmans, französische Bildhauerin, Malerin und Illustratorin, die zwischen dem Ende des 19. und der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts tätig war, war die Tochter eines Designers und Kunsttischlers und einer Schneiderin, beide belgischer Herkunft. Sie begann ihre Ausbildung mit Abendkursen in Bildhauerei und besuchte dann die Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, wo Laurent Marqueste, Emmauel Hannaux und Denys Puech ihre Lehrer waren. 1922 erhielt sie als erste Frau den Grand Prix de Rome, der es ihr ermöglichte, ihre Ausbildung in der italienischen Hauptstadt fortzusetzen, wo sie zwischen 1912 und 1914 in der Villa Medici wohnte. Nach ihrer Rückkehr nach Frankreich begann sie ihre Lehrtätigkeit als Zeichenlehrerin an den Écoles de la Ville de Paris. Gleichzeitig begann sie, ihr Werk durch die regelmäßige Teilnahme an den Salons des Artistes Français in Paris bekannt zu machen, wo sie bereits 1907, vor ihrer Italienreise, eine ehrenvolle Erwähnung erhalten hatte. Im Jahr 1921 wurde sie erneut mit einer Bronzemedaille ausgezeichnet. Zwischen 1926 und 1933 nahm sie auch am Salon des Artistes Décorateurs im Grand Palais in Paris teil. Zwischen 1924 und 1926 arbeitete sie auch mit der Manufacture de Sèvres zusammen, und im letzten Jahr wurde sie mit den Insignien des Chevaliers der französischen Ehrenlegion ausgezeichnet. In dieser Zeit führte sie auch einen wichtigen Auftrag für die Villa de Paris für die Gärten ihres Pavillons auf der Internationalen Kunstgewerbeausstellung von 1925 aus, die monumentale Steingruppe "Illusionen und Leid". In den Jahren zuvor hatte er jedoch bereits andere offizielle Aufträge ausgeführt, wie die "Pax Armata", eine Marmorbüste im Auftrag des Staates für das Marinemuseum (1917), oder die Marmorbüste von "Albert de Mun", ebenfalls im Auftrag des Staates, in diesem Fall für die französische Nationalversammlung (1923). Anfang der 1930er Jahre verließ Heuvelmans jedoch das geschäftige Pariser Leben und ließ sich in der bretonischen Stadt Saint-Cast-le-Guildo nieder. Sie ließ die dekorativen Arbeiten hinter sich, um sich auf religiöse und mythologische Themen zu konzentrieren, mit Werken wie "Die Heilige Therese mit offenen Armen unter einem Rosenregen" (1930), für die Kirche von Pleurtuit. Obwohl sie vor allem als Bildhauerin bekannt ist und ihre Werke durch mittelgroße Bronzestücke weite Verbreitung fanden, schuf sie auch Illustrationen für verschiedene poetische Werke. Die Werke von Lucienne Heuvelmans befinden sich heute in der Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris, im Cercle Militaire in derselben Stadt, in der französischen Nationalversammlung und in anderen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Schätzw. 1 400 - 1 500 EUR

Los 22 - JEAN-ALEXANDRE JOSEPH FALGUÈRE (Frankreich 1831-1900). Akt mit Pfau. Braun patinierte Bronzeskulptur. Signiert Falguière. Gießereimarke von Thiebaut Frères Fondeurs, Paris. Maße: 75 x 48 x 25 cm. Bei der Skulptur handelt es sich um ein Porträt der römischen Göttin Juno, die in voller Länge und nackt dargestellt ist. Juno, die auf einem integralen Sockel steht und von einem Pfau, ihrem heiligen Tier, begleitet wird. Der französische Bildhauer und Maler Jean-Alexandre Joseph Falguière wurde 1831 in Toulouse geboren. Er wurde von 1859 bis 1864 an der Akademie der Schönen Künste in Paris ausgebildet und ließ sich vom Idiom der Renaissance inspirieren. Bereits 1859 gewann er den Prix de Rome und wurde von seinen Zeitgenossen in den 1870er Jahren als einer der zehn wichtigsten französischen Bildhauer angesehen. Falguière wurde 1868 auf dem Pariser Salon mit der Ehrenmedaille ausgezeichnet und 1878 zum Offizier der Ehrenlegion ernannt. Im Jahr 1882 wurde Falguière Mitglied des Institut de France (Académie des Beaux-Arts), wo er auch eine Professur innehatte. Von 1863 bis 1899 stellte Falguière häufig in den Pariser Salons aus. Zu seinem Lebenswerk gehören mehr als dreißig Denkmäler, darunter der Auftrag für den Triumph der Revolution, der den Arc de Triomphe überragt, mindestens fünfzig Porträtbüsten sowie eine große Serie von Frauenfiguren. Weitere seiner Skulpturen sind im Musee D'Orsay zu sehen. Der Jugendstil war eine Bewegung, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert die dekorative Kunst und die Architektur erfasste. Der Wunsch, sich von den historischen Stilen des 19. Jahrhunderts zu lösen, war eine wichtige Triebfeder des Jugendstils und begründet den Modernismus der Bewegung. Die industrielle Produktion war zu diesem Zeitpunkt weit verbreitet, doch die dekorativen Künste wurden zunehmend von schlecht gefertigten Objekten dominiert, die frühere Epochen imitierten. Die Vertreter des Jugendstils waren bestrebt, die gute Handwerkskunst wiederzubeleben, das Handwerk aufzuwerten und ein wirklich modernes Design zu schaffen.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 24 - AUGUSTE MOREAU (Frankreich, 1834 - 1917). Minerva. Patinierte Bronzebüste mit vergoldeten Bronzedetails. Signiert Moreau auf dem Sockel. Maße: 46 x 24 x 14 cm. Minerva, eine der wichtigsten Gottheiten des antiken Griechenlands und Roms, war die Göttin der Weisheit, der Künste und des Lernens. Als Tochter des Jupiter und Schwester der Hebe wird sie auch mit dem zivilisierten Krieg und dem Kampf für gerechte Angelegenheiten in Verbindung gebracht. Auguste, Sohn des Malers Jean Baptiste Moreau, begann seine Ausbildung als Schüler seines älteren Bruders Mathurin. Er debütiert auf dem Pariser Salon von 1861, an dem er bis 1913 regelmäßig teilnimmt. Er war auch Mitglied der Société des Artistes Français. Seine Themen - Genreszenen, pastorale Szenen, Allegorien - und sein realistischer und anmutiger Stil verbinden ihn mit anderen Mitgliedern der Moreau-Dynastie. Er fertigte hauptsächlich Bronzen an, arbeitete aber auch mit Marmor und kombinierte gelegentlich Bronze mit Gold ("Victrix enfant", vorgestellt auf dem Salon 1897). Er gab zahlreiche Editionen seiner Werke heraus, die vom Publikum sowohl wegen ihrer damals sehr modischen Themen als auch wegen ihres Naturalismus und ihrer anmutigen Schönheit sehr begehrt waren. Die Werke von Auguste Moreau sind in den Museen der Schönen Künste von Bordeaux, Dijon, Gray und Reims sowie in Privatsammlungen sowohl in Frankreich als auch in anderen Ländern (vor allem in den Vereinigten Staaten) zu bewundern.

Schätzw. 4 500 - 5 000 EUR

Los 26 - H. Luppens et Cie. Ein Paar "Versailles"-Bronzeurnen, nach einem Modell von Claude Ballin. Gießereimarke von H. Luppens et Cie. Bronzes d'Art, Bruxelles. Ca. 1880. Die Vasen haben Henkel mit Janusköpfen, jeder Henkel wird von einem Eberkopf getragen, der Hals ist mit einem tiefen Basreliefband aus Muscheln und Eicheln geschmückt. Der runde Boden ist mit einem griechischen Schlüssel über Eicheln verziert. Maße: 43 x 32 x 20 cm. Claude Ballin (1615-1678) wurde von Ludwig XIV. beauftragt, dreizehn verschiedene Urnenpaare von großem Format für die Marmorbrüstungen zu entwerfen, die das Parterre du Nord vom Parterre du Midi in Versaille trennen. Die Vasen befinden sich noch immer an dieser Stelle. Sie wurden von Legendre, Magniere, Tuby und Angulier modelliert und nach 1665 von Duval gegossen. Später im 19. Jahrhundert wurden die Versailler Urnen von Gießereien wie Durenne, Dugel, A. Beurdeley, Barbezat et Cie, Barbedienne und - wie in diesem Fall - Luppens in verschiedenen Medien und in verkleinerten Größen kopiert. Luppens & Co war eine renommierte Bronzegießerei mit Werkstätten in Saint-Gilles, 15 rue de Denmark, Brüssel. Sie war spezialisiert auf Kunstbronzen, Möbel, Uhren und Lampen. Das Unternehmen wurde 1850 gegründet und bestand bis zum Ende des 19. Jahrhunderts. Jahrhunderts fort. 1889 gewann Luppens eine Goldmedaille auf der Pariser Weltausstellung, aber seit den 1920er Jahren ging die Produktion stetig zurück, und um 1970 wurde der Handel schließlich eingestellt.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 29 - Nach CLAUDIO MICHEL (CLODION), (Nancy, 1738 - Paris, 1814). Bacchantin mit einer Ziege. Patinierte Bronzeskulptur, auf ovalem Sockel aus grünem Marmor. 19. Jahrhundert. Signiert Clodion. Maße: 44 x 30 x 18 cm. Claude Michel, genannt Clodion, wurde in Nancy geboren, zog aber 1755 nach Paris, um in der Werkstatt seines Onkels, des Bildhauers Lambert Sigisbert Adam, zu lernen, bei dem er vier Jahre lang blieb. Nach dem Tod seines Onkels wurde er Schüler von Jean Baptiste Pigalle, dem Lieblingsbildhauer von Madame de Pompadour. Seine Arbeit wird bald anerkannt und 1759 gewinnt er den großen Preis für Bildhauerei der Académie Royale. Im Jahr 1761 erhielt er die erste Silbermedaille für Studien nach Modellen und ein Jahr später den Grand Prix de l'Académie Royale, der mit einer Pension für die Fortsetzung seiner Ausbildung in Italien verbunden war. Clodion war zwischen 1767 und 1771 in Rom sehr aktiv. Nach seiner Rückkehr nach Paris richtete er sich ein eigenes Atelier ein, in dem er zusammen mit seinen Brüdern mythologische Szenen, Gruppen von Tänzern, Nymphen und Badenden in einer Sprache zwischen Rokoko und Neoklassizismus darstellte. Seine Werke waren sehr gefragt, von den Pariser Salons bis zu Katharina II. von Russland. Clodions Werke befinden sich unter anderem im Louvre (Paris), im Metropolitan Museum of Art (New York), in der Eremitage (Sankt Petersburg), im Victoria & Albert Museum (London), im Art Institute of Chicago, im J. Paul Getty Museum (Los Angeles), in der Frick Collection (New York) und im Kimbell Museum (Forth Worth, Texas).

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 33 - EMMANUEL HANNAUX (Metz, 1885 - Paris, 1934). "Merkur oder der junge Krieger", 1894. Patinierte Bronzebüste auf gestuftem Sockel aus rotem Marmor. Auf der linken Schulter signiert E. Hannaux 1894. Gießereimarke von Colin & Cie, Paris. Maße: 57 cm (gesamt) x 44 x 25 cm. In der römischen Mythologie war Merkur, Sohn von Jupiter und Maia Maiestas, ein wichtiger Gott des Handels. In seinen frühesten Formen ist er mit der etruskischen Gottheit Turms verwandt, aber seine Eigenschaften und seine Mythologie sind von dem entsprechenden griechischen Gott Hermes entlehnt. Er hatte im Wesentlichen die gleichen Aspekte wie Hermes, trug den Thalarias und den geflügelten Petassus und trug den Caduceus, einen Heroldsstab mit zwei ineinander verschlungenen Schlangen, den Apollo dem Hermes gab. Bei dieser Gelegenheit stellt Emmanuel Hannaux ihn als stattlichen jungen Mann dar, der seinen Kopf ganz dreht, ohne auf seine Stirn zu schauen. Er trägt einen Metallhelm, der mit Pflanzenmotiven verziert ist. Emmanuel Hannaux beginnt sein Studium an der Industrieschule in Straßburg, kehrt aber bei Ausbruch des französisch-preußischen Krieges 1870 nach Metz zurück. Er setzt seine Studien an der Schule für Modellieren und Bildhauerei fort. Im Jahr 1876 zieht er nach Paris, wo er an der Ecole des Beaux-Arts aufgenommen wird und bei Dumont, Thomas und Bonassieux unterrichtet. Auf dem Salon von 1889 erhielt Hannaux die dritte Medaille für "Le Bûcheron", im selben Jahr die zweite Medaille für seine patriotische Gruppe "Le Drapeau", die sich heute im Musée de Draguignan befindet, und 1894 die erste Medaille für seine "Orphée Mourant", die sich heute im Musée de Luxembourg befindet. Sein Werk befindet sich heute im Musée de Puy. Er fertigt Büsten für zahlreiche Persönlichkeiten an. Auf dem Salon von 1903 wird Hannaux mit der Ehrenmedaille ausgezeichnet.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 38 - Italienische Grand Tour patinierte Bronze eines Fauns mit einem Weinschlauch, nach der Antike. Signiert vom Gießer Sabatino, Neapel, 1884. Maße: 56 x 44 x 22 cm. Der betrunkene Faun ist mit einem konzentrierten Blick dargestellt, während er versucht, einen Weinbecher aus dem über den Arm gehangenen Weinschlauch zu füllen. Sabatino de Angelis (Italien, 1838-1915) gründete seinen Verlag für Bronzen 1840 in Neapel. Das Unternehmen war bekannt für seine im Wachsausschmelzverfahren gegossenen Bronzen (genau wie die ursprünglichen römischen Statuen) und erhielt die Exklusivität, direkt von den Skulpturen des Archäologischen Nationalmuseums von Neapel zu gießen. Außerdem arbeitete er lange Zeit mit dem Haus Chiurazzi zusammen, für das er zahlreiche Modelle herstellte. Der Begriff "Grand Tour", der erstmals in Richard Lassels "Le Voyage d'Italie" auftauchte, bezeichnete die lange Reise durch Europa und insbesondere Italien, die ab dem 17. Jahrhundert, vor allem aber im 18. und 19. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur vor allem Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken, mit denen sie ihre eigenen Kunstsammlungen aufbauen konnten, um sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitzunehmen. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke aus Bronze und Marmor spezialisierten und von denen einige einen guten Ruf erlangten.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 41 - JULIEN DILLENS (Antwerpen, 1849-Brüssel, 1904). Junge Frau mit Kopftuch. Patinierte Bronzebüste auf gestuftem Sockel aus rotem Marmor. Signiert J. Dillens auf ihrem Schal. Maße: 61 cm. (gesamt) x 36 x 28 cm. Julien Dillens war ein belgischer Bildhauer, der 1887 mit dem Prix de Rome für Chef gaulois fait prisonnier des Romains ausgezeichnet wurde. Von ihm stammen unter anderem das Denkmal für Everard t'Serclaes und La Porteuse d'eau. Sein Onkel Adolphe-Alexandre Dillens und sein Vater, ein Maler, weckten sein Interesse an der Kunst. Er studierte bei Eugène Simonis an der Académie Royale des beaux-arts de Bruxelles. Eines seiner ersten Werke, die plastische Dekoration der Brüsseler Börse, entstand 1870 in Zusammenarbeit mit dem jungen Rodin und seinem Lehrer Carrier-Belleuse. Er erhält wichtige Auszeichnungen, wie den Prix de Rome 1877, die Ehrenmedaille der Pariser Weltausstellungen von 1889 und 1900. Während seines Aufenthalts in Italien, der ihm den Prix de Rome einbrachte, erhielt er den Einfluss der Renaissance-Skulptur. Zu seinen bekanntesten Werken gehören die Statue des Rechtsanwalts Hipólito Metdepenning vor dem Justizpalast in Gent, der Lorbeer im Botanischen Garten von Brüssel und die Vier Jahreszeiten vor dem Maison du Renard auf dem symbolträchtigen Grande-Place in derselben Stadt. Lagae, der Dillens sehr bewunderte, schuf 1911 auf Initiative seiner Freunde und Kollegen, zu denen natürlich auch unser Bildhauer gehörte, ein Denkmal zu seinem Gedenken. Dieses Werk befindet sich auf dem Meeus-Platz in Brüssel.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 42 - JEAN-ALEXANDRE JOSEPH FALGUÈRE (Frankreich 1831-1900). Diana. Jugendstil-Büste aus patinierter Bronze. Signiert A. Falguiére. Auf einem Sockel aus rotem Grottenmarmor. Gießereimarke von Thiebault Freres. Maße: 58 x 38 x 28 cm. Diana ist mit einem abnehmenden Mond dargestellt, der ihr Haupt ziert. Zusammen mit Pfeil und Bogen ist der Mond ein Attribut der römischen Göttin (der griechischen Artemis), denn die Göttin der Jagd ist eine Mondgottheit. Der Mond ist auch ein Symbol der Keuschheit. Der französische Bildhauer und Maler Jean-Alexandre Joseph Falguière wurde 1831 in Toulouse geboren. Er wurde von 1859 bis 1864 an der Akademie der Schönen Künste in Paris ausgebildet und ließ sich vom Idiom der Renaissance inspirieren. Bereits 1859 gewann er den Prix de Rome und wurde von seinen Zeitgenossen in den 1870er Jahren als einer der zehn wichtigsten französischen Bildhauer angesehen. Falguière wurde 1868 auf dem Pariser Salon mit der Ehrenmedaille ausgezeichnet und 1878 zum Offizier der Ehrenlegion ernannt. Im Jahr 1882 wurde Falguière Mitglied des Institut de France (Académie des Beaux-Arts), wo er auch eine Professur innehatte. Von 1863 bis 1899 stellte Falguière häufig in den Pariser Salons aus. Zu seinem Lebenswerk gehören mehr als dreißig Denkmäler, darunter der Auftrag für den Triumph der Revolution, der den Arc de Triomphe überragt, mindestens fünfzig Porträtbüsten sowie eine große Serie von Frauenfiguren. Weitere seiner Skulpturen sind im Musee D'Orsay zu sehen. Der Jugendstil war eine Bewegung, die im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert die dekorative Kunst und die Architektur erfasste. Der Wunsch, sich von den historischen Stilen des 19. Jahrhunderts zu lösen, war eine wichtige Triebfeder des Jugendstils und begründet den Modernismus der Bewegung. Die industrielle Produktion war zu diesem Zeitpunkt weit verbreitet, doch die dekorativen Künste wurden zunehmend von schlecht gefertigten Objekten dominiert, die frühere Epochen imitierten. Die Vertreter des Jugendstils waren bestrebt, die gute Handwerkskunst wiederzubeleben, das Handwerk aufzuwerten und ein wirklich modernes Design zu schaffen.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

Los 47 - Grand Tour patinierte Bronzeskulptur eines tanzenden Fauns mit Klappern, nach der Antike. 19. Jahrhundert. Jh. Auf dem Sockel bezeichnet Duchemin. Maße: 58 x 25 x 18 cm. Die Skulptur stellt einen Faun, genauer gesagt einen Satyr, mit spitzen Ohren, Schwanz und Hörnern dar. Er begleitet seinen Tanz mit zwei Instrumenten: einem Paar Zimbeln und einem Klöppel - einem hölzernen Schlaginstrument in Form einer Sandale mit einem Metallklöppel, um den Klang lauter und deutlicher zu machen - den er mit seinem rechten Fuß spielt. Sein linkes Bein stützt sich auf die baumstammförmige Stütze, während er einen freudigen Gesichtsausdruck hat. Auf integralem, rundem Sockel. Der Satyr ist eine Figur aus der griechischen Mythologie, die in Wäldern und Bergen lebt. Er ist die Personifikation der Fruchtbarkeit und der Lebenskraft der Natur und steht in Verbindung mit dem Dionysos-Kult. Sie werden als lüsterne Wesen dargestellt, die sich oft dem Wein hingeben, mit Nymphen tanzen und Flöte spielen. Die Skulptur ist dem berühmten hellenistischen Marmor aus dem 1. Jahrhundert n. Chr. nachempfunden, der Teil der Medici-Sammlung war. 1688 wurde die Statue in der Tribuna der Uffizien aufgestellt. Versionen dieser ikonischen Statue zieren die großen Sammlungen und Museen der Welt. Der Begriff "Grand Tour", der erstmals in Richard Lassels "Le Voyage d'Italie" auftauchte, bezeichnete eine lange Reise durch Europa und insbesondere Italien, die ab dem 17. Jahrhundert, vor allem aber im 18. und 19. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur vor allem Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken, mit denen sie ihre eigenen Kunstsammlungen aufbauen konnten, um sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitzunehmen. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke aus Bronze und Marmor spezialisierten und von denen einige einen guten Ruf erlangten.

Schätzw. 2 500 - 2 800 EUR

Los 49 - Die verwundete Amazone, große braun und grün patinierte Bronzeskulptur nach antikem Vorbild. 19. Jahrhundert. Signiert F. Barbedienne Founders und mit Reduction Mecanique Stempel. Maße: 60 x 22 x 16 cm. Die Amazone ist mit einer kurzen, drapierten Tunika bekleidet, die in der Taille von einem Kopos gehalten wird, und hat die linke Brust gebrüstet. Ihr rechtes Bein und ihr Pelta - der Schild der Amazonen - lehnen an einem Baumstamm. Der Helm ist auf den Boden gelegt. Ihr rechter Arm ist über den Kopf erhoben. Diese patinierte Bronze ist der Antike nachempfunden. Ein Beispiel aus römischem Marmor aus dem 1. bis 2. Jahrhundert n. Chr. kann im Metropolitan Museum besichtigt werden. Ein weiteres Exemplar von Luigi Valadier um 1780 in Rom befindet sich in den Vatikanischen Museen und ist als "Amazone Mattei" bekannt. Die Gießerei F. Barbedienne wurde 1838 in Paris von Ferdinand Barbedienne und Achille Collas gegründet. Letzterer erfand eine Maschine zur mechanischen Verkleinerung der Skulpturen. Zunächst widmeten sie sich der Herstellung von Bronzereproduktionen von Skulpturen aus der römischen und griechischen Antike, wie die hier vorgestellte. Der erste Vertrag über die Veröffentlichung von Werken eines lebenden Künstlers wurde 1843 mit dem Bildhauer François Rude unterzeichnet. In den folgenden Jahren, nachdem sie den wirtschaftlichen Zusammenbruch von 1848 überstanden hatte, schloss das Haus Barbedienne Verträge mit vielen der damals in Paris tätigen Bildhauer ab, darunter David d'Angers, Jean-Baptiste Clesinger, Antoine Louis Barye und andere. Nach dem Tod von Achille Collas im Jahr 1859 blieb Ferdinand Barbedienne alleiniger Teilhaber eines Unternehmens, das auf etwa dreihundert Mitarbeiter angewachsen war. Im Jahr 1865 wurde er zum Präsidenten der Vereinigung der Bronzisten ernannt, ein Amt, das er bis 1885 innehatte. Der Ausbruch des Deutsch-Französischen Krieges im Jahr 1870 und der damit einhergehende Mangel an Rohmetallen zwang Barbedienne jedoch, seine künstlerische Produktion zu unterbrechen, obwohl er mit der französischen Regierung einen Vertrag über die Herstellung von Kanonen unterzeichnete, der es ihm ermöglichte, die Gießerei weiterzuführen. Nach dem Krieg nahm er seine bildhauerische Produktion wieder auf und bemühte sich noch mehr, Verträge mit verschiedenen Bildhauern abzuschließen. Bei seinem Tod 1891 wurde er als bester Gießer Frankreichs gepriesen und von Albert Susse als "Quelle des Stolzes für die Nation" bezeichnet. Die Leitung der Gießerei ging dann auf Barbediennes Neffen Gustave Leblanc über, der die hohe Qualität der Produktion fortsetzte und Niederlassungen in Deutschland, England und den Vereinigten Staaten eröffnete.

Schätzw. 2 000 - 2 400 EUR

Los 50 - Nach PIERRE LEPAUTRE (Frankreich, 1659-1744) und GUILLAUME COUSTOU (Frankreich, 1677-1746). Atalanta und Hippomenes. Ein Paar Bronzeskulpturen auf rougefarbenem Marmorsockel. 19. Jahrhundert. signiert F. Barbedienne Fondeur und gestempelt "Reduction Mecanique A Collas". Maße: 30 x 11 x 18 cm. und 30 x 11 x 20 cm. Die Legende besagt, dass Atalanta, die griechische Göttin des Laufens, von ihrem Vater Iasion, der enttäuscht war, dass sie kein Junge war, in einem Wald auf einem Berggipfel ausgesetzt wurde. Die Göttin Artemis schickte eine Bärin, um sie aufzuziehen. Atalanta legte ein Jungfrauengelübde ab und erklärte, der einzige Mann, den sie heiraten würde, müsse sie in einem Wettlauf schlagen oder sein Leben lassen. Hippomenes fordert das junge Mädchen heraus und hinterlässt während des Rennens drei goldene Äpfel, die ihm die Liebesgöttin Aphrodite geschenkt hat. Atalanta wird langsamer und hebt sie auf, wodurch Hippomenes das Rennen gewinnt. Der Bildhauer Lepautre stellt Atalanta dar, wie sie sich vorwärts bewegt und vom Schwung ihres Schritts erfasst wird, während Hipponemes im Begriff ist, ihre goldenen Äpfel wegzuwerfen, um sie zu verlangsamen. Der französische Bildhauer Pierre Lepautre stammte aus einer produktiven Künstlerfamilie, ging nach Italien und studierte an der französischen Akademie in Rom. 1701 kehrte er nach Frankreich zurück und beschäftigte sich mit dekorativen Flachreliefs und Skulpturen für die königliche Kapelle von Versailles sowie mit Denkmälern und Skulpturen für das Chateau de Marly, unter anderem 1704 mit der Marmorskulptur Atalanta. Guillaume Coustou war der königliche Bildhauer für Ludwig XIV. und Ludwig XV. Coustou stammte aus einer erfolgreichen Künstlerfamilie und wurde 1735 Direktor der Königlichen Akademie für Malerei und Bildhauerei. Er schuf auch Skulpturen und Denkmäler für das Chateau de Marly, die neue Residenz von Ludwig XV. außerhalb von Versailles. Im Jahr 1715 erhielt Coustou den Auftrag, Hippomenes als Ergänzung zur Atalanta-Skulptur von Lepautre zu schaffen.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 51 - Große Grand-Tour-Skulptur der Jägerin Diana, 19. Jahrhundert. Patinierte Bronze. Unsigniert. Maße: 62 x 40 x 21 cm. Diana trägt eine drapierte Tunika, Sandalen und ein Diadem. Mit der linken Hand hält sie einen Hirsch an den Antiern und fängt einen Pfeil aus ihrem Köcher, den sie auf dem Rücken trägt. Das Original aus griechischer Bronze stammt aus dem 4. Jahrhundert v. Chr. Die Statue wurde in Italien entdeckt, angeblich in Hadrians Villa in Tivoli, und 1556 von Papst Paul IV. an Heinrich II. von Frankreich verschenkt. Eine Kopie der Diane Chasseresse oder Diane de Versailles aus römischem Marmor aus dem 2. Jahrhundert befindet sich im Musée du Louvre. Der Begriff "Grand Tour", der erstmals in Richard Lassels "Le Voyage d'Italie" auftauchte, bezeichnete die lange Reise durch Europa und insbesondere Italien, die ab dem 17. Jahrhundert, vor allem aber im 18. und 19. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur vor allem Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken, mit denen sie ihre eigenen Kunstsammlungen aufbauen konnten, um sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitzunehmen. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke aus Bronze und Marmor spezialisierten und von denen einige einen guten Ruf erlangten.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 56 - Venus Callipigia. Eine patinierte Bronzeskulptur der Grand Tour. Nach der Antike. Italien. Spätes 19. Jahrhundert. Unsigniert. Gießereimarke der Fonderia Sommer, Napoli. Maße: 64 x 25 x 25 cm. Es handelt sich um eine römische Adaption eines griechischen Werks aus dem 4. oder 3. Jahrhundert v. Chr. Die Bronze wurde 1758 in Herculaneum entdeckt, nachdem sie durch den Ausbruch des Vesuvs in der Stadt verschüttet worden war. Das Original der Venus Callipigia ist heute im Museo Archeologico Nazionale in Neapel ausgestellt. Die angesehene neapolitanische Gießerei von Giorgio Sommer (1834-1914) wurde 1885 gegründet und stellte hochwertige Bronzen und Souvenirs klassischer Skulpturen her, die an wohlhabende "Grand Tourists" verkauft wurden, die die klassischen Stätten und Sehenswürdigkeiten Italiens und Europas besuchten. Der Begriff "Grand Tour", der zum ersten Mal in Richard Lassels "The Voyage d'Italie" auftauchte, bezeichnete eine lange Reise durch Europa und insbesondere Italien, die ab dem 17. Jahrhundert, vor allem aber im 18. und 19. Jahrhundert, in der Regel von jungen britischen Aristokraten unternommen wurde. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken für ihre eigenen Kunstsammlungen, die sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitnehmen wollten. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke, sowohl aus Bronze als auch aus Marmor, spezialisierten und von denen einige einen großen Ruf erlangten.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 59 - Ein Paar patinierte Bronzebüsten von Apollo und Diana aus der Grand Tour. Frankreich ot Itay, 19. Jahrhundert. Sockel mit rotem Samt bezogen. Unsigniert. Maße: 32 x 16 x 10 cm. Die beiden Büsten nach der Antike stellen die Geschwister aus der römischen Mythologie, Diana und Apollo, dar. Die Göttin Diana war die Schutzherrin des Landes, der Jäger, der Straßenkreuzungen und des Mondes. Ihre griechische Entsprechung war Artemis. Ihr Bruder Apollo war der Gott des Bogenschießens, der Musik und des Tanzes, der Wahrheit und der Prophezeiung, der Heilung und der Krankheiten, des Bogenschießens, der Sonne und des Lichts sowie der Poesie. Der Begriff "Grand Tour", der erstmals in Richard Lassels "Le Voyage d'Italie" auftauchte, bezeichnete die lange Reise durch Europa, insbesondere Italien, die ab dem 17. Jahrhundert, vor allem aber im 18. und 19. Jahrhundert meist von jungen britischen Aristokraten unternommen wurde. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur vor allem Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken, mit denen sie ihre eigenen Kunstsammlungen aufbauen konnten, um sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitzunehmen. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke aus Bronze und Marmor spezialisierten und von denen einige einen guten Ruf erlangten.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 62 - Italienische Schule. Grand Tour, XIX. Jahrhundert. "Narziss von Pompeji". Aus vergoldeter Bronze. Sockel aus Marmor. Maße: 34 cm; 3,5 cm. Sockel. Skulptur aus vergoldeter Bronze. Hochwertige Reproduktion einer berühmten römischen Skulptur, die Dionysos darstellt. Sie wurde bei den Ausgrabungen von 1862 in Pompeji gefunden und befindet sich heute im Archäologischen Nationalmuseum von Neapel. Das klassische Original zeigte den Gott des Weines beim Spiel mit einem unsichtbaren Panther. Im 19. Jahrhundert begann man, es "Narziss" zu nennen, weil es fälschlicherweise als ein junger Mann interpretiert wurde, der sein Spiegelbild im Wasser betrachtet. Die Versionen des neunzehnten Jahrhunderts, wie die hier gezeigte, zeigen zusätzlich ein Feigenblatt, das die Genitalien bedeckt. Der Begriff "Grand Tour", der erstmals in Richard Lassels "The Voyage d'Italie" auftaucht, bezeichnete die lange Reise durch Europa, insbesondere Italien, die junge britische Aristokraten in der Regel ab dem siebzehnten Jahrhundert, vor allem aber im achtzehnten und neunzehnten Jahrhundert unternahmen. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken für ihre eigenen Kunstsammlungen, die sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitnehmen wollten. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke, sowohl aus Bronze als auch aus Marmor, spezialisierten und von denen einige einen großen Ruf erlangten.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 63 - FRANCISQUE JOSEPH DURET (Frankreich, 1804-1865). Die komische Improvisation des Weinlesers. Patinierte Bronzeskulptur. Signiert Duret auf dem Fass. Der Sockel ist mit der Gießereimarke von Auguste Delafontaine gestempelt. Maße: 43 x 14 x 14 cm. Die Skulptur stellt einen singenden Bacchant dar, der neben einem mit Trauben überfüllten Fass steht. Er hat einen heiteren, lebensfrohen Gesichtsausdruck, während er auf seiner Mandoline spielt. Der Sockel ist mit der Gießereimarke von Auguste Delafontaine, einem Stern über "A.D.", gestempelt. Die Bronzefabrik Delafontaine wurde im späten 18. Jahrhundert von Jean-Baptiste-Maximilien Delafontaine (geb. 1750) gegründet. Der Sohn Auguste-Maximilien Delafontaine (französisch 1813-1892) übernahm die Firma und führte die Produktion von dekorativen Kunstwerken höchster Qualität fort. Delafontaine war ein Hauptkonkurrent der Gießerei Barbedienne. Francisque Joseph Duret wurde 1804 in Paris geboren und war der Sohn und Schüler von Francois Joseph Duret dem Älteren (1732-1816). Im Jahr 1818 trat er in die Ecole des Beaux Art ein, wo er bei Bosio studierte. Im Jahr 1824 reiste er nach Italien und schickte 1831 seine ersten Werke an den Salon. Er stellte von 1831 bis 1863 im Salon aus und gewann 1855 eine Medaille erster Klasse. Er ist vor allem für seine charakteristischen und lebendigen Bronzen bekannt, die das neapolitanische Leben darstellen. Dieses Modell wurde 1839 im Salon ausgestellt. Eine Verkleinerung des Modells wurde 1858 vom Louvre für seine ständige Sammlung erworben, das Modell wurde ebenfalls von der Gießerei Delafontaine hergestellt.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 66 - Grand Tour Verdegris patinierte Bronzeskulptur des Silenus mit einer Schlange, nach der Antike; Ende 19. Maße: 62 x 26 x 26 cm. Silenius ist in ein Lendentuch gehüllt und trägt Wein in seinem Kopf, in seinem linken Arm hält er eine Schlange. Der gestützte Ring diente dazu, das ursprüngliche Ölreservoir zu halten, wenn es als Lampe verwendet wurde. Silenus war der Gefährte von Dionysos, dem Gott des Weines aus dem antiken Griechenland. Er wird in der Literatur als der älteste, weiseste und trunkenste seiner Anhänger beschrieben. Wenn er betrunken war, besaß er angeblich besondere Kenntnisse und prophetische Kräfte. Die ursprüngliche Bronzestatue wurde 1964 an der verschlungenen Stätte von Pompeji ausgegraben und befindet sich heute im Archäologischen Museum von Neapel. Der Begriff "Grand Tour", der erstmals in Richard Lassels "Le Voyage d'Italie" auftauchte, bezeichnete eine lange Reise durch Europa und insbesondere Italien, die ab dem 17. Jahrhundert, vor allem aber im 18. und 19. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur vor allem Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken, mit denen sie ihre eigenen Kunstsammlungen aufbauen konnten, um sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitzunehmen. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke aus Bronze und Marmor spezialisierten und von denen einige einen guten Ruf erlangten.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 68 - Europäische Schule; Ende des 19. Jahrhunderts. Porträtbüste von Dante Alighieri. Patinierte Bronze, auf späterem Sockel aus bemaltem Holz. Maße: 33 x 18 x 13 cm. Dante wird gewöhnlich mit einem Lorbeerkranz auf dem Kopf dargestellt, einer traditionellen Krone für Dichter, die auf das antike Griechenland zurückgeht. Dante Alighieri war ein italienischer Dichter, Schriftsteller und Philosoph. Er ist bekannt für sein Werk Die Göttliche Komödie, ursprünglich Comedìa genannt und später von Giovanni Boccaccio auf den Namen Divina getauft, das als eines der wichtigsten Gedichte des Mittelalters und als das größte literarische Werk in italienischer Sprache gilt. Dante ist dafür bekannt, dass er die Verwendung der Volkssprache in der Literatur zu einer Zeit eingeführt hat, als die meisten Gedichte in Latein verfasst wurden und nur für gebildete Leser zugänglich waren. Sein Werk De vulgari eloquentia (Über die Beredsamkeit in der Volkssprache) war eine der ersten wissenschaftlichen Verteidigungen der Volkssprache. Seine Verwendung des florentinischen Dialekts in Werken wie Das neue Leben (1295) und Die göttliche Komödie trug zur Etablierung der modernen standardisierten italienischen Sprache bei. Indem er seine Gedichte in der italienischen Volkssprache und nicht in Latein schrieb, beeinflusste Dante die literarische Entwicklung und machte das Italienische für mehrere Jahrhunderte zur Literatursprache Westeuropas. Mit seinem Werk schuf er einen Präzedenzfall, der später von bedeutenden italienischen Schriftstellern wie Petrarca und Boccaccio übernommen wurde.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 73 - Ein Paar Grand Tour Warwick Vasen aus patinierter Bronze. 19. Jahrhundert. Maße: 13 x 21 x 15 cm. Die Vasen haben einen bärtigen oberen Rand, der von einem nach außen geschwungenen Ei-und-Abnäher-Rand umgeben ist, Korpus mit acht bacchantischen Masken, Henkel mit Seilwindung. Die Warwick-Vase ist eine antike römische Marmorvase, die 1771 von dem schottischen Antiquitätenhändler Gavin Hamilton in der Hadriansvilla in Rom entdeckt wurde. Die Vase war eine von vielen schönen Skulpturen, mit denen der Kaiser Hadrian die Gärten seiner Palastvilla schmückte. Die in Fragmenten gefundene Vase wurde von Piranesi für Sir William Hamilton, den britischen Gesandten am Hof von Neapel, rekonstruiert. Aus Hamiltons Sammlung ging sie an seinen Neffen George Greville, 2. Earl of Warwick, über, von dem sich ihr Titel ableitet. Der Begriff "Grand Tour", der erstmals in Richard Lassels "Le Voyage d'Italie" auftauchte, bezeichnete die lange Reise durch Europa, insbesondere Italien, die ab dem 17. Jahrhundert, vor allem aber im 18. und 19. Jahrhundert, in der Regel von jungen britischen Aristokraten unternommen wurde. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur vor allem Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken, mit denen sie ihre eigenen Kunstsammlungen aufbauen konnten, um sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitzunehmen. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke aus Bronze und Marmor spezialisierten und von denen einige einen guten Ruf erlangten.

Schätzw. 1 000 - 1 500 EUR

Los 75 - Eine italienische Grand Tour Warwick Vase aus patinierter und vergoldeter Bronze. Spätes 19. Jahrhundert. Maße: 18,5 x 31 x 21 cm. Die Vase hat einen vergoldeten Bronzekopf und -fuß, einen bärtigen oberen Rand, umgeben von einem nach außen geschwungenen Ei- und Abnäher-Rand, verziert mit Blättern und bacchantischen Masken, Henkel mit Seilwindung, auf rundem Sockel. Die Warwick-Vase ist eine antike römische Marmorvase, die 1771 von dem schottischen Antiquitätenhändler Gavin Hamilton in der Hadriansvilla in Rom entdeckt wurde. Die Vase war eine von vielen schönen Skulpturen, mit denen der Kaiser Hadrian die Gärten seiner Palastvilla schmückte. Die in Fragmenten gefundene Vase wurde von Piranesi für Sir William Hamilton, den britischen Gesandten am Hof von Neapel, rekonstruiert. Aus Hamiltons Sammlung ging sie an seinen Neffen George Greville, 2. Earl of Warwick, über, von dem sich ihr Titel ableitet. Der Begriff "Grand Tour", der erstmals in Richard Lassels "Le Voyage d'Italie" auftauchte, bezeichnete die lange Reise durch Europa, insbesondere Italien, die ab dem 17. Jahrhundert, vor allem aber im 18. und 19. Jahrhundert, in der Regel von jungen britischen Aristokraten unternommen wurde. Ziel der Reise war es, die Kunst und Kultur vor allem Frankreichs und Italiens kennenzulernen, klassische Kunst aus erster Hand zu bewundern, Sprachkenntnisse zu erlernen oder zu verbessern und Kontakte und Beziehungen zu den kulturellen und politischen Eliten dieser Länder zu knüpfen. Die Reisenden waren oft auf der Suche nach Stücken, mit denen sie ihre eigenen Kunstsammlungen aufbauen konnten, um sie als Souvenirs in ihre Heimatländer mitzunehmen. Aus diesem Grund entstanden Werkstätten, die sich auf die Nachbildung römischer Stücke aus Bronze und Marmor spezialisierten und von denen einige einen guten Ruf erlangten.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR