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Mi 25 Sep

DIRCK THEODOR HELMBREEKER (1633 - 1696). "Landschaft mit Bauern". Öl auf Leinwand Neu aufgelegt. Signiert "T.H." in der unteren rechten Ecke. Maße: 94 x 125 cm; 115 x 146 cm (Rahmen). Dirck Theodor Helmbreeker entwickelte einen Typus von Genreszenen, in denen die Landschaft eine vorherrschende Stellung einnimmt, so dass die Bauern von der Erhabenheit der Natur in den Schatten gestellt werden. Das vorliegende Gemälde zeugt von diesem Interesse, Menschen in grüne Landschaften zu setzen. Eine Frau trägt ein Bündel Zweige, ihr Mann reitet auf einem Pferd und peitscht die Kühe mit einem Stock, damit sie vorwärts kommen. Begleitet werden sie von einem Kind und zwei Schäferhunden. Die Familie stellt eine bukolische Szene dar, die ihrerseits in eine idealisierte Landschaft eingebettet ist. Dieses Gemälde entspricht dem Genre, das von niederländischen Malern entwickelt wurde, die sich im siebzehnten Jahrhundert in Rom niederließen. Jahrhundert in Rom niederließen. Es handelte sich um die bamboccianti, zu deren Gruppe Dirck Theodor Helmbreeker gehörte. Trotz ihres bescheidenen Sujets fanden die Werke in elitären Sammlerkreisen Anklang, denn die Darstellung der Landschaft war majestätisch. Dirck Theodor Helmbreeker war ein niederländischer Maler des Goldenen Zeitalters, der italienische Landschaften schuf. Er wurde in Haarlem geboren und war ein Schüler von Pieter de Grebber. Schon in jungen Jahren reiste er nach Rom, wo er bis zu seinem Tod blieb. Seine Gemälde gehören zu der Gruppe von Künstlern, die als Bamboccianti oder, wie Houbraken schreibt, Bamboots bekannt sind, eine Spezialisierung nordischer Künstler auf kleinformatige Genreszenen in der Art von Pieter van Laer während seines Aufenthalts in Rom. Helmbreker kam 1654 in Italien an und ließ sich gegen Ende des Jahrzehnts in Rom nieder. Ende der 1670er Jahre gehörten er und der flämische Maler Willem Reuter zu einer Gruppe, die als Congregazione dei Virtuosi al Pantheon" bekannt wurde. Die Congregazione zählte viele bedeutende Künstler zu ihren Mitgliedern, die in Rom ihre Spuren hinterließen. Sie wurde von Sébastien Bourdon beeinflusst. Seine Genreszenen, die zur letzten Generation der Bamboccianti gehörten, waren eher klassisch inspiriert als viele seiner früheren Unterweltszenen. Schließlich waren diese Werke bei italienischen Sammlern sehr erfolgreich. Im Jahr 1695 erhielt er den Auftrag, das Hauptaltarbild der Kirche St. Julian der Flamen in Rom zu malen. Der Historiker Houbraken beschrieb ein Gemälde aus dem Jahr 1681, das sich im Besitz von Pieter Klok befand und ein italienisches Kloster zeigte, in dem im Vordergrund eine Gruppe armer Menschen mit verschiedenen Behinderungen zu sehen war, die von einem Franziskanermönch mit Suppe aus einem großen Kessel versorgt wurden. Helmbreker war sehr religiös und spendete viel für die Armen in Rom.

Schätzw. 6 000 - 8 000 EUR

Mi 25 Sep

ALEXANDER CASTEELS DER ÄLTERE (Antwerpen, ca. 1635-1681-82). "Schlacht". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Signiert mit Monogramm im unteren Rand, in der Mitte der rechten Seite. Maße: 97 x 133 cm; 113 x 148 cm (Rahmen). Diese Schlachtszene des Malers Alexander Casteels versammelt mehrere Elemente der großen Werke des flämischen Barocks: die große Anzahl von Figuren, die die Szenen im Schoß einer szenografischen Landschaft vervielfältigen, die dramatische Choreografie, die die fallenden Körper und die sich aufbäumenden Pferde zeichnen, die expressive Dramatik des stürmischen Himmels? Silberne Lichter glänzen auf dem Metall der Rüstungen und Gewehre, sowie auf dem glatten Fell der verkürzten Pferde. Die Kavallerie könnte, wenn man auf die Kleidung achtet, den Armeen der Zeit Casteels entsprechen. Der Autor lebte in turbulenten Zeiten, als zwischen den Niederlanden und den Truppen von Philipp II. von Spanien endlose Schlachten stattfanden. Casteels behandelte das Kriegsthema jedoch auf abstrakte Weise, ohne historische oder lokale Bezüge, denn seine Absicht war es, das Epos des Krieges selbst zu verherrlichen. Sein großes Interesse bestand darin, den Lärm der Schlacht und die Erhabenheit der bewaldeten Landschaft einzufangen. Beides ist in dieser Szene in hohem Maße gelungen. Alexander Casteels der Ältere war ein flämischer Maler, der vor allem für seine Schlachtszenen und Landschaften mit Jägern bekannt ist. Casteels wurde in Antwerpen ausgebildet, wo er 1658/59 in die St.-Lukas-Gilde eintrat. Er arbeitete mit dem Antwerpener Kunsthändler Forchondt zusammen, der seine Werke in ganz Europa vertrieb. Er war einer der führenden Künstler der Firma Forchondt in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts. Sie verkauften seine Werke vor allem in Mittel- und Osteuropa, wo seine Jagd- und Schlachtszenen bei den dortigen Aristokraten sehr gefragt waren. Er gehörte zu den bestbezahlten Künstlern, die für Forchondt arbeiteten. Seine Reiterschlachten stellen kein erkennbares historisches Ereignis dar, sondern sind imaginär, wie im Fall von "Josua kämpft gegen die Amalekiter" (Nationalgalerie Sloweniens), das eine Geschichte aus der Bibel darstellt. Bei diesem Werk hat sich der Künstler von den Stichen der Gemälde von Antonio Tempesta inspirieren lassen. Dies zeigt sich in der Komposition, in der Behandlung der Landschaft und in der Anordnung der Pferde und Reiter. Oft malte er auch das damals beliebte Thema der Schlacht zwischen Christen und Türken, wovon zwei Beispiele in der Sammlung der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen erhalten sind. Der in Wien lebende Sohn des Firmengründers Forchondt bat ausdrücklich darum, kleine und große Schlachtenszenen von Alexander und einem anderen in Antwerpen tätigen Schlachtenmaler namens Pauwels Casteels, möglicherweise einem Mitglied der Familie, nach Wien zu schicken, da in Mittel- und Osteuropa eine große Nachfrage nach seinen Schlachtenszenen bestand.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Mi 25 Sep

MATEO GALLARDO (Madrid?, ca. 1600 - Madrid, 1667) "Jael und Sisara". Öl auf Leinwand. Neu gezeichnet. Mit leichten Fehlern auf der Bildoberfläche. Signiert im unteren rechten Bereich. Provenienz: Sammlung Fórum Filatélico, Madrid und Privatsammlung in Madrid. Maße: 145 x 163 cm; 156 x 172 cm (Rahmen). Bibliographie - Angulo Íñiguez, Diego, und Pérez Sánchez, Alfonso E., Historia de la pintura española. Escuela madrileña del segundo tercio del siglo XVII, Madrid, Instituto Diego Velázquez, csic, 1983, S. 67. - Mónica Walker Vadillo, Jael y Sísara, Digitale Datenbank für mittelalterliche Ikonographie, Universidad Complutense de Madrid. Dieses Gemälde von hervorragender Qualität, von dem sich zwei Werke in der Sammlung des Prado-Museums befinden, stellt den biblischen Moment dar, in dem Jael, die Frau von Barak, dem Keniter, Sisera (den Feldherrn Jabins) einlädt, sich nach der Schlacht zwischen den Israeliten und den Untertanen des Königs Jabin von Kanaan in ihrem Zelt auszuruhen. Als er einschläft, stößt Jael einen Pfahl durch seine Schläfe und erfüllt damit die Worte der Prophetin Debora, die vorausgesagt hatte, dass General Sisera durch die Hand einer Frau und nicht durch das Schwert Baraks sterben würde. Diese Stelle des Alten Testaments wird von mittelalterlichen Exegeten als eine Vorwegnahme des Kampfes der Jungfrau gegen den Teufel angesehen. Auch andere Maler wie Artemisia Gentileschi (1593-1656) und Jacopo Vignali (1592-1664) interessierten sich für dieses Thema. Kompositorisch sehen wir General Sisera tot am Boden liegen, während Jael unter dem aufmerksamen Blick ihres Mannes seinen Waffenrock aufhebt. Die Kleidung der verschiedenen Figuren ist reichhaltig koloriert. Der Scheinwerfer auf der linken Seite des Gemäldes zeigt verschiedene Farbtöne auf der Haut der Dargestellten. Diese Hauttöne sind sehr zurückhaltend und, ohne monumental zu sein, sehr detailliert gearbeitet. Ganz links gibt ein Fenster den Blick auf eine Landschaft frei, die der Szene Tiefe verleiht. Die dicken Falten der Kostüme sind sorgfältig verarbeitet und verleihen einer erzählerischen Szene mit tiefem emotionalen Sinn Feierlichkeit. Mateo Gallardo war ein spanischer Barockmaler, der in Madrid lebte. Von seinen Werken ist nur ein signiertes und datiertes Gemälde erhalten: Das Martyrium der Heiligen Katharina (1653, Museo de Bellas Artes de Asturias). Sein Gemälde zeichnet sich durch eine lebhafte Farbgebung und die abgerundeten Formen einer sehr ausgefeilten Zeichnung aus. Er wird daher als Maler der spätmanieristischen Ästhetik angesehen. Zu seinen bekanntesten Werken gehört das Hauptaltarbild der Kathedrale von Plasencia.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Mi 25 Sep

Flämische Schule; Ende des sechzehnten Jahrhunderts. "Die Krönung der Jungfrau". Öl auf Leinwand. Gewiegt. Maße: 54 x 50 cm. In diesem Werk ist Maria in der Mitte dargestellt und bildet die Symmetrieachse der Komposition, die sich durch ihre zentripetale Konzeption auszeichnet. Diese Dynamik wird durch das Erreichen von konzentrischen Kreisen, die die verschiedenen Engel, die die Szene bevölkern, bilden, eingeleitet. Darüber hinaus ist einer der bemerkenswertesten Aspekte des Bildes der weiße Hintergrund. A priori scheint es sich um ein unvollendetes Werk zu handeln, aber die Wolken, die sich unter einigen der Engel befinden, zeigen, dass das Werk so konzipiert wurde. In diesem Gemälde können wir viele der ästhetischen Elemente erkennen, die Teil der malerischen Tradition der flämischen Schule sind, wie zum Beispiel eine ausgewogene und harmonische Komposition. So wird der beschreibende und detaillierte Sinn der flämischen Primitiven beibehalten, der besonders in der sorgfältigen Behandlung der Leinwände und in der strengen Zeichnung zu erkennen ist, sowie in der Hervorhebung des Raums, die auf empirischem Wissen und nicht auf perspektivischen Studien beruht. Auch der Chromatismus erinnert an die Werke der flämischen Meister des vorigen Jahrhunderts. Während im 17. Jahrhundert in den nördlichen Provinzen, dem heutigen Holland, die Nachfrage nach religiöser Kunst für Kirchen radikal versiegte, blühte in Flandern stattdessen eine Monumentalkunst im Dienste der katholischen Kirche auf, was zum Teil auf die notwendige Wiederherstellung der Verwüstungen zurückzuführen war, die die Kriege in Kirchen und Klöstern angerichtet hatten. Außerdem reagierten die religiösen Kräfte des Ortes auf die Spaltung der Kirche und die Reformation, die die Konsolidierung des Protestantismus in den Nachbarländern Flanderns bedeutete, mit einer ikonografischen Darstellung, die der protestantischen Lehre entgegengesetzt war. Aus diesem Grund wuchsen die Heiligenbilder und natürlich die Bilder, die das Leben der Jungfrau Maria darstellten. Aufgrund seiner Ästhetik weist das vorliegende Werk gewisse Ähnlichkeiten mit den Werken von Pedro de Campaña (Brüssel, 1503 - ca. 1580) auf, einem flämischen Maler, der in Italien ausgebildet wurde. Das Thema der Krönung der Jungfrau wurde im zweiten Jahrhundert vom heiligen Meliton, Bischof von Sardes, erzählt und später von Gregor von Tours und Jakobus von Voragine verbreitet, der es in seiner berühmten Legende Aurea sammelte. Die Krönung der Heiligen Jungfrau ist auch ein Gegenstand der Verehrung im gesamten Christentum. Über die Kunst hinaus ist die Krönung ein zentrales Motiv bei Marienprozessionen in der ganzen Welt.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Mi 25 Sep

Sevillanische Schule; letztes Drittel des 17. Jahrhunderts. "Verkündigung". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Der Rahmen stammt aus dem 18. Jahrhundert. Maße: 37 x 48 cm; 43 x 55 cm (Rahmen). Ästhetisch ist dieses Werk also dem sevillanischen Barock zuzuordnen. Die Hauptszene befindet sich in einem Innenraum, in dem auf der rechten Seite die Jungfrau vor einem Lesepult kniet. Zwischen ihr und dem Erzengel, der ihr die frohe Botschaft bringt, steht eine Vase mit Lilien, ein Symbol der marianischen Reinheit. Der heilige Gabriel weist nach oben, wo Gottvater und der Heilige Geist, die kaum zu erkennen sind, in einem goldenen Glanz auftauchen. Die Verkündigung ist eine Episode, die in der Geschichte der christlichen Kunst weit verbreitet ist, da sie eines der wichtigsten Dogmen der Kirche darstellt, nämlich das der Menschwerdung. Sie ist auch Teil des Zyklus des Lebens Christi und des Lebens der Jungfrau Maria, was ihr eine neue Bedeutung als erzählerische Episode verleiht. Francisco, der Bruder des Malers José Antolínez, war von Beruf Jurist, interessierte sich jedoch aufgrund seiner Neugierde für eine Vielzahl von Themen. Er begann sogar mit der Malerei und hatte Erfolg mit kleinformatigen Werken, die meist kleine Figuren vor einem landschaftlichen oder architektonischen Hintergrund zeigen. Ceán Bermúdez gab an, dass er nach seinem Jurastudium in Sevilla die Malerei in der Schule Murillos erlernte und die in der Casa Lonja in derselben Stadt eingerichtete Akademie besuchte, die er 1672 besucht haben soll. Im selben Jahr muss er nach Madrid gezogen sein, um sich José Antolínez anzuschließen, obwohl es wahrscheinlich ist, dass er nach Antolínez' Tod für einige Zeit in seine Heimatstadt zurückkehrte. Schließlich ließ er sich dauerhaft in Madrid nieder. Francisco Antolínez konnte von der Malerei leben, signierte seine Werke jedoch nicht, da er es vorzog, sich als Anwalt zu präsentieren. In seinen Landschaften knüpft Antolínez an den flämischen Stil von Ignacio de Iriarte und an die architektonischen Hintergründe von Matías de Torres an. Seine Figuren haben einen deutlichen Murillosken Charakter. Francisco Antolínez ist derzeit im Prado-Museum, im Castrelos-Museum in Vigo, im Provinzmuseum in Ciudad Real, im Bischofspalast in Huesca, in der Pfarrkirche Santa Ana in Brea de Aragón, in der Kirche Nuestra Señora de los Remedios in Zamora sowie in anderen religiösen Zentren und öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Mi 25 Sep

CORNELIS JACOBSZ DELFF (1570-1643). "Stilleben einer Speisekammer. Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Beigefügter Bericht von Dr. Fred G. Meijer. Es hat Restaurierungen. Es hat einen Rahmen aus dem 20. Jh. Signiert im oberen rechten Bereich. Maße: 130 x 202 cm; 235 x 164 cm (Rahmen). In diesem überschwänglichen Bild stellt der Künstler seine technische Qualität unter Beweis, die sich im Spiel mit den zahlreichen Elementen zeigt, aus denen das Bild besteht, aber auch in der Mehrdeutigkeit, mit der er die Szene konzipiert. Auf den ersten Blick scheint es sich um ein Stillleben mit Figuren zu handeln, ein in Flandern sehr beliebtes Genre. Betrachtet man jedoch die Figur der Frau, so stellt man fest, dass sie nicht wie eine einfache Ladenbesitzerin gekleidet ist, denn ihre Kleidung und die Perle, die an einem ihrer Ohren hängt, lassen sie weit von der gängigen Vorstellung entfernt erscheinen. Hinter ihr steht ein Mann, der sie belagert, sein Gesicht an ihren Hals lehnt und ihr ein Glas Wein anbietet. Dieses Charakteristikum verleiht dem Werk ein galantes Thema, das sich hinter einem üppigen, reichen und vielfältigen Stillleben verbirgt. Das Stillleben mit großen Figuren der flämischen Schule hat seinen Ursprung im 16. Jahrhundert in den Werken von Pieter Aertsen (1508-1575) und Joachim Beuckelaer (1533-1574). Beide Maler schufen großformatige Gemälde, die durch ihren Naturalismus und ihren szenografischen Wert den Barockstil vorantrieben, obwohl sie noch die für den Manierismus typische Buntheit der Elemente aufweisen. Pieter Aerstsen schuf eine Formel, die darin bestand, die Figur in den Vordergrund zu stellen, umgeben von großformatigen Lebensmitteln, die in flämischer Tradition stets mit besonderer Sorgfalt und Detailtreue dargestellt wurden. Beuckelaer, ein Schüler Aertsens, übernahm dieses von seinem Meister geschaffene Modell und nutzte es für die Darstellung religiöser Szenen, die dem Stillleben stets untergeordnet sind. Im 17. Jahrhundert wurde das Genre des Figurenstilllebens in der flämischen Schule sehr wichtig, mit Kompositionen, die bereits dynamischer und theatralischer waren, ganz im Einklang mit dem Barockstil, wie wir hier sehen. Der Stilllebenmaler war der Sohn und Schüler von Jacob Willemsz Delff: Abgesehen von seinen Geburts- und Sterbedaten sind keine weiteren biografischen Details bekannt. Stilistisch gehört er zu jener Gruppe von niederländischen Malern, die begannen, Stillleben zu malen, die von allen flämischen Markt- und Küchenszenen inspiriert sind, in denen noch Figuren vorkommen. In den wenigen Werken, die ihm zugeschrieben werden, ist eine Vorliebe für die Bemalung der Oberflächen von Kupfer- und Messingplatten zu erkennen, deren Schimmer sich oft im Glas spiegelt. Häufig sind Fische, Vögel (was die weiche Konsistenz der Federn zeigt) und Früchte zu sehen, deren dicker Hintergrund aus Holzplanken und dunklen Tönen besteht. Die Komposition zeigt wenig Nachdruck in der Zusammenstellung der Objekte, mit einer Vorliebe für die Kombination einfacher Formen, mit meist zweidimensionalen Effekten.

Schätzw. 30 000 - 35 000 EUR

Mi 25 Sep

Mallorquinische Schule, Kreis um MIQUEL BESTARD (Palma de Mallorca, 1592 - 1633); zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts. "Das Martyrium des seligen Ramon Llull". Öl auf Leinwand. Es bewahrt seinen zeitgenössischen Rahmen. Maße: 85 x 210 cm. In dieser Landschaftsszene präsentiert uns der Autor eine zahlreiche Gruppe von Figuren, die seitlich von einem Heiligen in der Mitte der Szene angeordnet sind, dessen schwarze Kleidung auf den vom Maler verwendeten helleren Tönen die Vorherrschaft dieser Figur zeigt. Der Künstler unterstreicht die Dramatik und die Aufregung der Szene, die eindeutig flämischen Ursprungs ist, mit einer großen Anzahl von Figuren, die jede für sich festgehalten sind, wobei einige von ihnen eine forcierte Verkürzung und übertriebene Gegensätze aufweisen. Außerdem trägt die Konstruktion des Raums in der Tiefe dazu bei, die Dynamik zu verstärken, die der Autor in den Vordergründen erzielt. Die Szene im Allgemeinen wird mit einer für Bestard typischen beschreibenden und sehr erzählerischen Sprache behandelt. Ikonografisch stellt das Werk das Martyrium von Ramon Llull (um 1232 - 1315/1316) dar, einem Philosophen, Theologen, Dichter, Missionar und christlichen Apologeten aus dem Königreich Mallorca. Er erfand ein philosophisches System, das als Kunst bekannt ist und als eine Art universelle Logik konzipiert wurde, um die Wahrheit der christlichen Lehre gegenüber Gesprächspartnern aller Religionen und Nationalitäten zu beweisen. Die Kunst besteht aus einer Reihe von allgemeinen Prinzipien und kombinatorischen Operationen. Im Jahr 1314, im Alter von 82 Jahren, reiste Llull erneut nach Tunis, möglicherweise motiviert durch die Korrespondenz zwischen König Jakob II. von Aragon und al-Lihyani, dem Kalifen von Hafsid, aus der hervorging, dass der Kalif zum Christentum übertreten wollte. Obwohl Llull bei seinen früheren Besuchen in Nordafrika auf Schwierigkeiten gestoßen war, konnte er dieses Mal aufgrund der verbesserten Beziehungen zwischen Tunesien und Aragonien ohne Einmischung der Behörden arbeiten. Die Umstände seines Todes bleiben unbekannt. Wahrscheinlich starb er irgendwann zwischen diesem Zeitpunkt und März 1316, entweder in Tunis, auf dem Schiff auf der Rückreise oder auf Mallorca nach seiner Rückkehr. Aufgrund seiner formalen Merkmale können wir dieses Werk Miquel Bestard zuschreiben, einem mallorquinischen Maler, der in der Tradition des Manierismus ausgebildet und im Frühbarock tätig war. Sein Schaffen lässt sich in zwei verschiedene Blöcke einteilen: einerseits die religiöse Malerei, die für verschiedene mallorquinische Kirchen und Klöster ausgeführt wurde, und andererseits profane Motive wie Ansichten Mallorcas vom Hafen aus, das Feuer von Troja und Seeschlachten. Letztere sind großformatige Werke, die dem Künstler aufgrund der Fantasie und Extravaganz seiner Landschaften den Spitznamen "der verrückte Maler" einbrachten. Er schuf auch Werke, die sich auf die Figur des Ramon Llull beziehen, wie "Szenen aus dem Leben von Ramon Llull" (Privatsammlung), "Steinigung von Ramon Llull" (Kirche Sant Francesc, Palma), "Ramon Llull beim Konzil von Vienne" (idem) und "Ramon Llull" (Col-legi de la Sapiència, Palma). In seinem religiösen Schaffen sind seine Gemälde zu Ehren der Inmaculada de Can Vivot und der Kirchen Monti-Sion, Sant Francesc und San Alonso Rodríguez (Palma) besonders hervorzuheben. Gelegentlich kombinierte Bestard religiöse Themen mit Landschaftsmalerei, im Allgemeinen in Werken von beträchtlichem Umfang, darunter Gemälde wie "Martyrium der Heiligen" (Privatsammlung, Palma) und "Mythologische Fabel" (idem). Bestard war trotz seines frühen Todes ein erfolgreicher Maler, der zahlreiche und ehrgeizige Aufträge erhielt, wie sich aus der Verwendung von Monumentalformaten ableiten lässt. Daher konnte er sich frei einer so vielfältigen Thematik widmen, die neben den für die damalige Zeit typischen religiösen Themen auch Landschaft und Mythologie umfasste. Er war sogar außerhalb Mallorcas bekannt, wie mehrere Aufträge aus Katalonien belegen. Immobilieninventare aus jener Zeit bestätigen, dass es auf Mallorca zahlreiche Werke von seiner Hand gab, die wahrscheinlich zu einer Serienproduktion gehörten, die der Maler leicht verkaufen konnte.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Mi 25 Sep

JUAN DE LA ABADÍA (in Aragonien im letzten Drittel des 15. Jahrhunderts nachgewiesen). "Der heilige Johannes der Täufer wird ins Gefängnis geführt. Öl auf Holz. Maße: 111 x 69 cm. In dieser Szene wird Johannes der Täufer beim Betreten des Gefängnisses dargestellt, ein wenig dargestelltes Thema, das manchmal eine ähnliche Komposition wie das Gefängnis Christi aufweist. Johannes der Täufer wird mit seinen üblichen Attributen dargestellt: Er ist barfuß und bedeckt seinen Körper mit dem charakteristischen Kamelfell. Er betritt das Gefängnis, in dem er von König Herodes Antipas inhaftiert wurde. Die Soldaten tauschen untereinander ihre Eindrücke aus und zeigen so die unterschiedlichen Haltungen zu diesem Ereignis. Spanischer Maler des hispano-flämischen Stils in Aragonien. Dokumentiert in Huesca, wo er seine Werkstatt zwischen 1469 und 1498, dem Datum seines Todes, eröffnete. Ab 1489 arbeitete sein Sohn Juan de la Abadía "el Joven" mit ihm in der Werkstatt zusammen und die beiden gaben sogar die Altarbilder von Lastanosa (1490) und San Pedro de Biescas (1493) in Auftrag. Gudiol stellt die Hypothese auf, dass Juan de la Abadía "der Ältere" in Katalonien ausgebildet wurde und dass er an einigen Altarbildern in Barcelona mit Pedro García de Benabarre zusammenarbeitete, mit dem der Stil von Juan de la Abadía "dem Älteren" Berührungspunkte aufweist, sowie mit dem von Jaume Huguet. Die bekannteste Periode seiner Tätigkeit entspricht den letzten beiden Jahrzehnten seines Lebens, aus denen eine größere Anzahl dokumentierter Werke erhalten ist, darunter die "Altarbilder von Sorripas", von El Salvador de Broto, Huesca (Museum von Zaragoza) oder von "Santa Catalina" der Kirche La Magdalena in Huesca (sehr verstreut). Aus diesen letzten Jahren stammt auch das "Retablo de Santo Domingo" aus der Einsiedelei von Almudévar in Huesca (1490), das Post 1941 als Ausgangspunkt diente, um diesen Maler als Meister von Almudévar zu bezeichnen, einige Jahre bevor Ricardo del Arco 1945 seine Identität bekannt machte. Aus den frühesten dokumentierten Werken in Huesca, wie dem "Altarbild der Santa Quiteria" in der Kirche der Burg von Alquézar, können wir Juan de la Abadías Interesse an der Darstellung der kantigen Falten der Leinwände erkennen, die in seinen späteren Werken viel härter sind, ebenso wie die intensivere Modellierung. Der Maler zeigt die Figuren mit einem etwas rauen Charakter, isoliert und stark modelliert, mit ihren realistischen Gesichtern, die mit großer Ausdruckskraft ausgestattet sind. Seine Werke befinden sich im Museo del Prado.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

Mi 25 Sep

JUAN DE LA ABADÍA (in Aragonien im letzten Drittel des 15. Jahrhunderts nachgewiesen). "Johannes der Täufer predigt". Öl auf Holz. Maße: 111 x 69 cm. Diese Szene stellt den heiligen Johannes den Täufer dar, der in der palästinensischen Wüste predigt. Nach der Legende des Evangeliums gingen die Einwohner Judäas zu ihm, um ihn zu hören und sich taufen zu lassen. Johannes der Täufer ist mit seinen üblichen Attributen dargestellt: Er ist barfuß und bedeckt seinen Körper mit dem charakteristischen Kamelfell. Die Jünger und Zuhörer tauschen untereinander ihre Eindrücke aus und zeigen so die unterschiedlichen Haltungen gegenüber den Worten des Johannes. Spanischer Maler des hispano-flämischen Stils in Aragonien. Dokumentiert in Huesca, wo er seine Werkstatt zwischen 1469 und 1498, dem Datum seines Todes, eröffnete. Ab 1489 arbeitete sein Sohn Juan de la Abadía "el Joven" mit ihm in der Werkstatt zusammen und die beiden gaben sogar die Altarbilder von Lastanosa (1490) und San Pedro de Biescas (1493) in Auftrag. Gudiol stellt die Hypothese auf, dass Juan de la Abadía "der Ältere" in Katalonien ausgebildet wurde und dass er an einigen Altarbildern in Barcelona mit Pedro García de Benabarre zusammenarbeitete, mit dem der Stil von Juan de la Abadía "dem Älteren" Berührungspunkte aufweist, sowie mit dem von Jaume Huguet. Die bekannteste Periode seiner Tätigkeit entspricht den letzten beiden Jahrzehnten seines Lebens, aus denen eine größere Anzahl dokumentierter Werke erhalten ist, darunter die "Sorripas Altarbilder" von El Salvador de Broto, Huesca (Museum von Zaragoza) oder die "Santa Catalina" der Kirche La Magdalena in Huesca (sehr verstreut). Aus diesen letzten Jahren stammt auch das "Retablo de Santo Domingo" aus der Einsiedelei von Almudévar in Huesca (1490), das Post 1941 als Ausgangspunkt diente, um diesen Maler als Meister von Almudévar zu bezeichnen, einige Jahre bevor Ricardo del Arco 1945 seine Identität bekannt machte. Aus den frühesten dokumentierten Werken in Huesca, wie dem "Altarbild der Santa Quiteria" in der Kirche der Burg von Alquézar, können wir Juan de la Abadías Interesse an der Darstellung der kantigen Falten der Leinwände erkennen, die in seinen späteren Werken viel härter sind, ebenso wie die intensivere Modellierung. Der Maler zeigt die Figuren mit einem etwas rauen Charakter, isoliert und stark modelliert, mit ihren realistischen Gesichtern, die mit großer Ausdruckskraft ausgestattet sind. Seine Werke befinden sich im Museo del Prado.

Schätzw. 20 000 - 22 000 EUR

Mi 25 Sep

Flämische Schule; erste Hälfte des 17. Jahrhunderts. "Marineszene". Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Es hat leichte Übermalungen. Maße: 58 x 93 cm; 69 x 104 cm (Rahmen). In dieser Leinwand ist im Detail wiedergegeben, eine Marine-Szene mit vier großen Schiffen in verschiedenen Ebenen befindet. Zwei der Schiffe sind parallel angeordnet, das dritte befindet sich in der Mitte und das größte auf der linken Seite der Komposition. Um die Dramatik der Szene zu unterstreichen, taucht der Maler den Vordergrund in Dunkelheit und verleiht dem Wasser des Meeres einen dunklen und bedrohlichen Ton, der sich im Hintergrund aufhellt und die Konstruktion des Raums in der Tiefe in einer Szene verstärkt, der es an räumlichen Bezügen fehlt, da es sich um das offene Meer handelt, das von der Küste begrenzt wird. Die Masten, Segel und Flaggen der Schiffe im Vordergrund tragen ebenfalls zu dieser Konstruktion der Szenerie bei, die sich in der Tiefe aneinander reiht und in einem präzisen, zeichnerischen Stil ausgeführt ist. In der Tat wird die Szene im Allgemeinen mit einer beschreibenden und sehr erzählerischen Sprache behandelt. Das liegt an der Gattung selbst, denn der Hauptzweck dieses Gemäldes ist die Schilderung einer historischen Tatsache und nicht die Darstellung der Schönheit der Natur. Das Werk folgt den Vorbildern des Künstlers Matthieu Van Plattenberg (1608 - 1660), der sich auf die Darstellung farbenprächtiger Stürme mit stürmischer, schäumender See spezialisiert hat. Van Plattenberg hat seine Werke selten signiert oder datiert. Van Plattenberg beeinflusste den Marinemaler Allessandro Grevenbroeck, einen Maler niederländischer Abstammung, der zwischen 1717 und 1747 in Norditalien tätig war. Er gilt auch als wichtiger Vorläufer von Pieter Mulier, der in Italien, wo er die meiste Zeit seines Lebens tätig war, als "Cavalier Pietro Tempesta" bekannt ist. Mulier war besonders für die stürmischen Himmel seiner Seestücke bekannt, und es wird angenommen, dass Plattenbergs Gemälde Tempestas frühe Seestürme vorwegnehmen. Tempesta muss van Plattenbergs Werke in Italien gesehen haben. Einige der Werke Matthieu van Plattenbergs wurden in der Vergangenheit Mulier zugeschrieben. Van Plattenberg muss auch von Montagne von Venedig (oder Rinaldo della Montagna) unterschieden werden, der ebenfalls ein Marinemaler war, der von Cesare Malvasia in seiner Biographie von Guido Reni erwähnt wird. Er weist leichte Übermalungen auf.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Mi 25 Sep

SIMON VOUET (Paris, 1590 - 1649) "Die heilige Katharina und der Engel Öl auf Leinwand. Provenienz: Möglicherweise Kardinal de la Valette, Rom, 1625. Kurfürstliche Galerie in Düsseldorf (1752-1805). Größe: 109 x 73 cm; 123 x 95 cm (Rahmen). Ausstellungen: New York, Finch College, "Vouet bis Rigaud: Französische Meister des siebzehnten Jahrhunderts", 1967 (Kat. Nr. 3). Jacksonville, Florida, The Cummer Gallery of Art, "The Age of Louis XIII", 1969 (Kat. Nr. 48, Abb.); Florida, Museum of Fine Arts, 1970; College Park, University of Maryland Art Gallery, "Die Werke von Simon Vouet", 1971. Bibliographie: LIONI, Ottavio und AMIDEI, Fausto, "Ritratti di alcuni celebri Pittori del secolo XVII...", S. 55; DEZAILLIER D'ARGENTVILLE, "Abrégé de la vie des plus fameux peintres", 1752, Bd. IV, S. 14; PIGAGE, Nicolas, "La Galerie Electorale de Düsseldorf.Catalogue raisoné e figuré de ses tableaux...", pl. IV, no. 56; FRANC, Charles, "Histoire des peintres de toutes les ecoles...", Bd. 8; DUSSIEUX, "Les artistes francaise a l'etranger", 1876, S. 428.; L. DEMONTS, "Essai sur la formation de Simon Vouet en Italie" in "Bulletin de la Société d'Histoire d'Art Francais" 1913, S. 315 und 341; CRELLY, "Les artistes francaises a l'étranger", 1876, S. 428. 315 und 341; CRELLY, William "The Paintings of Simon Vouet", 1962, S. 238-239, Nr. 187 (als verlorenes Werk); DARGENT, G. und THUILLIER, J. WSimone Vouet en Italie" in "Saggi et Momorie di Storia dell'Arte,", 1965, Bd. IV, S. 45, Nr. A23 (als verschollenes Werk). A23 (als verschollenes Werk). Das Werk wurde 1625 von Claude Mellan gestochen, mit dem Wappen des Kardinals de la Valette und einer Widmung an ihn. Sowohl in Crellys Buch als auch in dem von Dargent und Thullier wird das vorliegende Werk als dasjenige identifiziert, das Mellan seinem Stich zugrunde gelegt hat. In beiden Studien wird es als verlorenes Werk aufgeführt und als dasjenige betrachtet, das 1752 von Dezaiilier d'ARgenville in der Sammlung der Kurfürstlichen Galerie in Düsseldorf erwähnt wurde. Das Gemälde wurde in einem Stich von 1775 in einem Katalog der Düsseldorfer Sammlung aus dem 18. Jahrhundert wiedergegeben. Es ist möglich, leichte Abweichungen zwischen den Stichen von Mellan und Mechel zu erkennen. Desmonts kommt jedoch zu dem Schluss, dass das Düsseldorfer Gemälde nicht mit dem Stich von Mellan identisch ist, obwohl Crelly behauptet, dass diese Abweichungen geringfügig sind. Das Gemälde befand sich in der Düsseldorfer Sammlung und verschwand bei ihrer Überführung nach München. Simon Vouet, ein französischer Barockmaler, begann seine Ausbildung wahrscheinlich bei seinem Vater, dem Maler Laurent Vouet, und wird von André Félibien in England im Alter von vierzehn Jahren als professioneller Porträtist erwähnt. Seine Beherrschung dieses Genres führte ihn 1611 in Begleitung des französischen Botschafters nach Konstantinopel und im darauf folgenden Jahr nach Venedig. Zwei Jahre später ließ er sich schließlich in Rom nieder, wo er von der Familie Barberini und der französischen Krone geschützt wurde. Er blieb bis 1627 in der italienischen Hauptstadt, wo er großen Erfolg bei dem mit Frankreich sympathisierenden Adel und Klerus hatte. So wurde er 1624 zum Direktor der Akademie von Sankt Lukas ernannt. In Rom bewunderte Vouet vor allem die Werke Caravaggios, dessen Sprache den jugendlichen Stil des französischen Meisters prägen sollte. Unter dem Einfluss der neovenezianischen Strömung, die sich in Rom durch Künstler wie Lanfranco ausbreitete, entwickelte sich seine Malerei jedoch rasch zu Formen, die dem Klassizismus näher kamen. Er war auch empfänglich für den Einfluss des römisch-bolognesischen Klassizismus der Carracci, Guercino und Reni, insbesondere in seiner Farbgebung, die sich zu größerer Klarheit entwickelte, und auch in seinen zunehmend harmonischen Kompositionen. 1627 kehrte er nach Frankreich zurück und wurde von Ludwig XIII. zum Hofmaler berufen. In Paris wurde Vouet zum einflussreichsten Maler seiner Zeit und brachte den Einfluss des italienischen Barocks nach Frankreich, insbesondere die Tendenzen, die sich aus dem Werk Veroneses ergaben. Der Einfluss von Veronese zeigt sich in den großformatigen Dekorationen, die Vouet während der Herrschaft von Ludwig XIII. und Kardinal Richelie ausführte.

Schätzw. 400 000 - 450 000 EUR

Mi 25 Sep

Nachfolger von PIETER PAUL RUBENS (Siegen, Deutschland, 1577 - Antwerpen, Belgien, 1640). "Der Triumph der göttlichen Liebe". Öl auf Kupfer. Es präsentiert Restaurierungen auf der Bildoberfläche. Es hat einen XIX Jahrhundert Rahmen mit Fehlern. Abmessungen: 69 x 87 cm; 77 x 94 cm (Rahmen). In diesem Kupfer zeigt der Autor eine Komposition, die auf dem Triumph der göttlichen Liebe basiert, obwohl sie in einigen Details variiert. Nach den Worten des Prado-Museums "beauftragte die Erzherzogin Isabel Clara Eugenia Rubens 1625 mit dem Entwurf einer Serie von zwanzig Wandteppichen für das Kloster der Descalzas in Madrid. Sie befassen sich mit dem Thema der Eucharistie, dem wichtigsten Dogma des Katholizismus, das die Prinzessin als souveräne Fürstin der südlichen Niederlande verteidigte. Die Szenen wurden von Rubens als Triumphzüge konzipiert, die vorgaben, Leinwände zu sein, die an barocken Architekturen hingen, was einen dramatischen Zweifel zwischen Realität und künstlerischem Bild hervorrief. Bei diesem Gemälde steht eine Frau, die die göttliche Liebe darstellt, auf einem Triumphwagen. Sie ist von Engelskindern umgeben. Der Vogel, der seine Kinder mit dem Blut aus seiner eigenen Brust füttert, wurde seit dem Mittelalter als Symbol für das Opfer Christi und auch für die Eucharistie verwendet. Einer der Engel versucht, zwei ineinander verschlungene Schlangen zu verbrennen, die wahrscheinlich die Sünde symbolisieren. Das leuchtende Reich, das wir in diesem Bild betrachten, ist ein Spiegelbild der Liebe Christi, die durch das Geheimnis der Eucharistie vermittelt wird." Peter Paul Rubens war ein Maler der flämischen Schule, der jedoch mit den zeitgenössischen italienischen Künstlern auf Augenhöhe konkurrierte und eine bedeutende internationale Ausstrahlung besaß, da sein Einfluss auch in anderen Schulen von entscheidender Bedeutung war, wie im Fall des Übergangs zum vollständigen Barock in Spanien. Rubens wurde zwar in Westfalen geboren, wuchs aber in Antwerpen auf, wo seine Familie ursprünglich herkam. Rubens hatte drei Lehrer, von denen der erste Tobias Verhaecht war, ein Maler mit präziser und akribischer Technik, der nach Italien gereist war und dem jungen Maler die ersten künstlerischen Grundlagen vermittelte. Es ist auch möglich, dass Rubens unter dem Einfluss dieses ersten Meisters nach Italien reiste. Der zweite war Adam van Noort, ein romanistischer Maler, der sich ebenfalls an den italienischen Einflüssen orientierte und dessen Sprache noch manieristisch war. Sein dritter Lehrer schließlich war Otto van Veen, der herausragendste und letzte unter ihnen. Nach seiner Ausbildung trat Rubens 1598 in die Antwerpener Malergilde ein. Nur zwei Jahre später unternahm er eine Reise nach Italien, wo er sich von 1600 bis 1608 aufhielt. 1609 kehrte er in die Niederlande zurück und trat in den Dienst der Statthalter von Flandern, Erzherzog Albert und der Infantin Isabella Clara Eugenia. Neben seiner Tätigkeit als Kammermaler wird Rubens diplomatische Aufgaben für den Hof wahrnehmen, die ihn nach Spanien, London und Paris führen. 1609 heiratet er Isabel Brant in Antwerpen und organisiert seine Werkstatt, indem er hervorragende Mitarbeiter einstellt, mit denen er Seite an Seite arbeitet, darunter viele spezialisierte Maler (Frans Snyders, Jan Brueghel de Velours...). Er stellt auch Schüler ein und gründet eine hervorragende Werkstatt von Kupferstechern, die nach Zeichnungen von seiner Hand und unter seiner Aufsicht arbeiten. Es weist Restaurierungen auf der Bildoberfläche auf. Es hat einen Rahmen aus dem 19. Jahrhundert mit Mängeln.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR

Fr 04 Okt

Umkreis von Jean Marc NATTIER (1685-1766) Porträt von Louis François Armand de Vignerot du Plessis, Herzog von Richelieu (1696-1788), Marschall von Frankreich, in Rüstung. Öl auf Leinwand 149,4 x 117,2 cm Wichtiger geschnitzter und vergoldeter Holzrahmen mit Stempel Infroit JME Provenienzen: - 1784 an Monsieur de Montillet verschenkt. Maréchal de camps des armées du Roi, premier enseigne de la première compagnie des mousquetaires de la garde du Roi, war Ritter des königlichen und militärischen Ordens von Saint Louis. - Sammlung Paul Berttholle, Paris. - Verkauf Sotheby's 8. Juni 2007, Los 373. - Eine Wohnung auf der Isle Saint Louis - Paris Ausstellung : - Paris, Exposition Restrospective des Colonies Françaises de l'Amérique du Nord, April Juni 1929, Nr. 30, S.58, Rep. S.61 Literatur : - Louis Réau, "Carle van Loo, Jean Restout, les lithographies de paysages en France à l'époque romantique", in Archives de l'art français , tome XIX, Paris, 1938, no. 138; - N. Jeffares, Dictionary of Pastellists before 1800, London 2006, S. 534; - MH Trope, Jean Valade: peintre ordinaire du roi, 1710-1787 , Ausstellungskatalog, Poitiers 1993, zitiert in Eintrag 112. Der Herzog von Richelieu ist im Stil der Militärporträts des 18. Jahrhunderts gemalt und in Rüstung mit einem blauen Gürtel mit dem Symbol des Heilig-Geist-Ordens dargestellt. Der Hintergrund erinnert an die Festung Port-Mahon, die Richelieu 1756 eroberte. Die Kartusche am oberen Rand des Rahmens deutet darauf hin, dass das Porträt 1784 dem Marquis de Montillet geschenkt wurde. Louis-François-Armand de Vignerot du Plessis, Herzog von Richelieu, war ein Enkel Ludwigs XIV. (1638-1715) und Großneffe des einflussreichen Kardinals Richelieu (1585-1642). 1748 wurde er zum Marschall von Frankreich ernannt, eine hohe militärische Auszeichnung für herausragende Generäle. Berühmt für sein ausschweifendes Leben, setzte er sich dennoch als mutiger und geachteter Kriegsmann durch, wie das vorliegende Gemälde zeigt. Dieses Porträt reiht sich in die Reihe der Militärporträts des 18. Jahrhunderts ein. Im Dreiviertelformat ist der Herzog von Richelieu in Rüstung dargestellt und hält in seiner linken Hand ein Schwert. Ein blauer Gürtel auf der Brust mit dem Symbol des Heilig-Geist-Ordens erinnert daran, dass er 1729 die höchste französische Auszeichnung erhalten hatte. Das Dekor erinnert an die britische Festung Port-Mahon, die 1756 von Richelieu eingenommen wurde. Der Marschall von Frankreich errang zwar viele bedeutende militärische Erfolge, doch dieses besondere Ereignis, eine große Schlacht im Siebenjährigen Krieg , ist zweifellos sein glanzvollster Sieg. Daher war es für den Künstler naheliegend, Richelieu mit einem Dekor darzustellen, das an diese spezielle Festung erinnert, die ein Symbol für seine militärischen Leistungen und seine politische Bedeutung war. Über den militärischen Aspekt hinaus strahlt dieses Porträt ein gewisses Gefühl von Mitgefühl und Milde aus. Als ewiger Frauenliebhaber - er heiratete seine vierte Frau im Alter von 84 Jahren - führten seine zahlreichen Eskapaden und wiederholten Duelle dazu, dass er in der Bastille inhaftiert wurde. Glücklicherweise konnte er 14 Monate später dank der Hilfe seiner treuen und einflussreichen Freundin Madame de Maintenon (1635-1719) aus dem Gefängnis entkommen. Sein Umgang mit dem königlichen Kreis sowie seine bemerkenswerte Freundschaft mit dem französischen Philosophen und Schriftsteller Voltaire machten ihn zu einer der markantesten und attraktivsten Persönlichkeiten der Aufklärung. Laut der Plakette am oberen Rand des Rahmens wurde das vorliegende Porträt 1784 Louis-Honoré de Montillet zum Geschenk gemacht. Louis-Honoré, Marquis de Montillet, wurde 1733 geboren und gehörte der Familie Montillet an, die im 18. Jahrhundert das Schloss Champdor in der Region Bugey im Osten Frankreichs errichten ließ. Das hier gezeigte Porträt ist einem Ölgemälde sehr ähnlich, das als einfach aus der französischen Schule des 18. Jahrhunderts beschrieben wird und im Musée de l'Armée, Invalides, Paris, aufbewahrt wird. Es gibt auch ein Pastellporträt des Marschalls von Richelieu von Jean Valade (1710-1787) (oval, 85 x 65 cm), dessen derzeitiger Standort unbekannt ist.

Schätzw. 10 000 - 15 000 EUR
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