Null JOSEP BOFILL (1942). "WOMAN READING".
Bronze auf Marmorsockel.
Signiert.
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Beschreibung

JOSEP BOFILL (1942). "WOMAN READING". Bronze auf Marmorsockel. Signiert. Höhe 28 cm (mit Ständer).

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JOSEP BOFILL (1942). "WOMAN READING". Bronze auf Marmorsockel. Signiert. Höhe 28 cm (mit Ständer).

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Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

VITTORIO DASSI (Italy, 1893-1973). Dining table, 1950s. Calacatta marble and mahogany wood. In good condition according to its age and use. Measurements: 77 x 134 x 91 cm. Spectacular table designed by Vittorio Dassi, prestigious Italian designer active in the middle of the last century. Made of mahogany wood with an oval-shaped calacatta marble top. Simple structure, with a single foot that supports, in the central area, the top. This tulip foot is made of carved and lacquered mahogany, which gives it great sumptuousness. Its shape is flared towards the floor, emphasized by the grooves. It rests on an oval-shaped marble base that matches the top. Underneath the top, the structure is again made of wood. With its unique features and meticulous attention to detail, this table is a testament to Vittorio Dassi's innovative vision and artistic sensibility. Vittorio Dassi's furniture, made in the 1940s and 1950s, is distinguished by the choice of fine woods such as rosewood, cherry, ash and walnut, often decorated with inlaid panels and glass signed by great master glassmakers. Elegant in design without losing functional quality, his furniture can be compared to the refined style of Gio Ponti, to whom Vittorio was linked by important collaborations after taking over from his father at Dassi Mobili Moderni in Lissone. One of the factory's most important projects was the creation of furniture for the rooms of the Hotel Royal in Naples, designed by Ponti in the mid-1950s, a period that marked Dassi's turn towards more schematic forms and teak wood for the production of modular furniture.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Table lamp; Fase President model by GEI (Gabinete de Estudios Industriales), 1960s. Metal and wood. Electrified. In working order. In good condition. With signature on the base. Measurements: 44 x 60 x 30 cm. Spanish lighting manufacturer Fase was founded in Madrid in 1964 by industrial designer Pedro Martín. Martín sold his self-produced lamps first in markets, before successfully establishing a factory in Torrejón de Ardoz, on the outskirts of Madrid. In the 1970s, Fase was a major player in the Spanish manufacturing industry, contributing to an economy struggling with oil crises and a difficult transition to democracy. Fase sold lighting for more than three decades to 32 different countries, with its largest markets being the United Kingdom, France, Italy, Germany, United Arab Emirates, Japan, Canada and the United States. Despite Fase's commercial success, information about the company and its history is scarce and sources often contradictory. Early Fase designs are considered modern, with original combinations of metals such as chrome and steel, with marble and wood, in a range of bright colors. Often, the fixtures could also be moved thanks to a sophisticated swivel system devised by early Fase designers, which soon became a trademark along with their glass diffusers. Important Fase designs include Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro and President, all of which are believed to have been designed in the 1960s. Beginning in the 1970s, Fase introduced modern Italian and Bauhaus-inspired designs to a Spanish public that, emerging from the Franco period, was unfamiliar with the most iconic styles of the 20th century. In addition to combining traditional materials such as wood with a modernist aesthetic, Fase created many lamps in a thoroughly modernist style. Lamps from this period include the Tharsis and the Babylon, both in chrome but with single and double lamps respectively, as well as the Harpoon and the stainless steel Impala (all from the 1970s). Fase's lighting designers and workers remain largely anonymous, resulting in many lamps being falsely advertised as being produced by the Spanish manufacturer, giving rise to a whole genre of "Fase-type" lighting, which can be seen in lamps produced by Madrid-based lighting manufacturers Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) and Ma-Of. Authentic Fase lamps can be identified by the company name or logo, usually found on the lamp base or socket. In the 1980s, Fase began manufacturing halogen lamps. Although these lamps were very popular and novel at the time, the break with tradition was unsuccessful and ultimately contributed to the company's demise.

Schätzw. 1 500 - 1 600 EUR

POUL HENNINGSEN (Denmark, 1894 - 1967) for Louis Poulsen. Table lamp PH 2/2 "The Question mark". Limited edition. Shades in three-layer blown opaline glass, shiny on the outside, sandblasted on the inside. Top plate, base and stand in untreated brushed brass, mounted with brown textile cord. Adjustable with a handle in the center of the arm (can be tilted 45 degrees right and left). Delivered unassembled, in original box. Photos of the final model. In perfect condition. Measurements: 41 x 20 x 20 x 20 cm. The table lamp PH 2/2, with brass shaft in the shape of a question mark, was designed by Poul Henningsen for Louis Poulsen. It is a variant created from his 1958 PH Artichoke and, like the former, is characterized above all by the quality of a design that visibly contributes to beautifying the architectural space in which it is placed. The overlapping sheets of blown glass that make up its screen use the hallmarks of light to avoid glare and create an aesthetic effect of great beauty; they redirect and reflect light, resulting in a unique and distinctive illumination. Danish designer, architect and critic, Poul Henningsen was one of the key figures in the cultural life of Denmark in the interwar period. He studied architecture between 1911 and 1917, but never graduated, as he decided to become an inventor and painter. Nevertheless, he worked as an architect and became one of the most prominent advocates of functionalism. In his career as a designer, his most famous creation was the "PH Artichoke" lamp, a simple lamp that used hallmarks of light to avoid glare and create an aesthetic effect of great beauty. Its success enabled Henningsen to finance his later work. He is currently representing at the Danish Museum of Art and Design, the MoMA in New York and the Victoria & Albert in London, among many others.

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Jean DUNAND (1877-1942) "Stelzenläufer" auch "Vögel" genannt Seltener Paravent mit vier rechteckigen, gegliederten Tafeln aus lackiertem Holz mit feinem Intarsiendekor, das durch Polychromie auf blattvergoldetem Grund gehoben wurde. Signiert unten rechts "JEAN DUNAND". Modell entworfen 1933, Einzelstück H: 180 L: 200 cm Herkunft: Collection privée, sud de France Bibliografie: "Jean Dunand", von Félix und Amélie Marcilhac, Norma Éditions, Paris, 2020, Paravent dokumentiert in Schwarz-Weiß auf Seite 212 unter der Nummer 169. Ausstellung: Galerie Georges Petit in Paris, 1933, Nr. 7 Anmerkung: Es ist ein Entwurf einer Gouache auf Papier für einen vierblättrigen Paravent mit fast identischem Dekor wie dem unseren bekannt, der den Titel La nichée trägt und aus den Jahren 1933-1935 stammt. Dieser war für einen von Valentine Brun in Auftrag gegebenen Paravent-Entwurf angefertigt worden, der anscheinend nicht realisiert wurde. Jean DUNAND Der 1877 in der Schweiz geborene Jean Dunand, der später seinen Vornamen französisierte, spezialisierte sich bereits im Alter von 14 Jahren an der École des Arts Industriels in Genf auf Metallarbeiten. Nach seinem Abschluss zog er 1897 nach Paris, wo er als Ziseleur arbeitete und gleichzeitig an der École Nationale des Arts Décoratifs im Atelier des Bildhauers Jean Dampt studierte. Seine Einführung in die Feinheiten der Kupferschmiedekunst bei einem Genfer Kesselschmied während seiner Ferien in der Schweiz sowie sein Engagement für die Vereinigung der Schweizer Künstler in Paris, die er 1899 gründete, zeugen von seiner tiefen Verbundenheit mit seinem Heimatland. Im Jahr 1900 erhielt Dunand auf der Weltausstellung in Paris eine Goldmedaille für eine Skulptur. Seine erste Ausstellung von Kupferschmiedearbeiten im Salon de la Société nationale des Beaux-Arts im Jahr 1904 veranlasste ihn dazu, sich endgültig der dekorativen Kunst zuzuwenden. Er war entschlossen, Einzelstücke herzustellen, und wandte sich von den Verfahren des Drehens und Prägens ab, um stattdessen manuell zu hämmern und zu ziselieren und Gold- oder Silbereinlagen, Patina, Lacke oder Emaille zu integrieren. Nach einem ersten internationalen Erfolg auf der Internationalen Ausstellung in Mailand 1906 entdeckte Dunand chinesische und japanische Bronzearbeiten, die seinen Stil in Richtung einer realistischeren Ornamentik beeinflussten. Im Jahr 1912 vertiefte er bei dem japanischen Meister Seizo Sugawara seine Kenntnisse der Lackkunst, eine Technik, die in seinem Werk zentral werden sollte. Obwohl der Erste Weltkrieg seine Tätigkeit unterbrach, blieb er in Frankreich, meldete sich als Krankenwagenfahrer und entwarf einen Kampfhelm für die französischen Soldaten. Nach dem Krieg widmete sich Dunand intensiv der Lacktechnik, die ihn faszinierte, und schuf Werke, in denen er Metall und Lack miteinander verband. Seine Arbeit erregte auf der Exposition internationale des Arts Décoratifs et industriels modernes (Internationale Ausstellung für moderne dekorative und industrielle Kunst) 1925 große Aufmerksamkeit, wo er als Meister der Lack- und Metallarbeiten gefeiert wurde. In den 1930er Jahren führte er prestigeträchtige Aufträge aus, unter anderem für die Passagierschiffe l'Atlantique und Normandie. Jean Dunand arbeitete mit seinem Sohn Bernard zusammen und perfektionierte seine Kunst bis zu seinem Tod im Jahr 1942. Seine Arbeit, in der er Technik und Kreativität miteinander verband, machte ihn zu einer Ikone der dekorativen Künste, die den Geist der "Années Folles" (verrückte Jahre) symbolisierte.

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