Null VERA WALTHER. DECORATIVE GOBLET. GERMANY, 1980'S.
Farbiges Kunstglas. Signi…

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VERA WALTHER. DECORATIVE GOBLET. GERMANY, 1980'S. Farbiges Kunstglas. Signiert auf dem Sockel. Höhe 21 cm; Öffnung 18 cm.

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VERA WALTHER. DECORATIVE GOBLET. GERMANY, 1980'S. Farbiges Kunstglas. Signiert auf dem Sockel. Höhe 21 cm; Öffnung 18 cm.

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Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

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Schätzw. 30 000 - 35 000 EUR

KEITH HARING (Pennsylvania, 1958- New York, 1990) für New York City Skateboards, Inc. Siebdruck auf Holz, 1986. Skateboard. Original Pop Shop. Sehr exklusives Exemplar. Es weist Gebrauchsspuren auf. Abmessungen: 76 x 26 cm. Es handelt sich um ein Original, das 1986 von Keith Haring autorisiert wurde, und nicht um eine spätere Reproduktion, wie das Logo von New York City Skateboards, Inc. bezeugt. Der Pop Shop öffnete seine Türen 1986 in der 292 Lafayette Street im Soho-Viertel von Manhattan, New York. Haring sah den Pop Shop als eine Erweiterung seiner Arbeit, eine Boutique, in der seine Kunst für jedermann zugänglich war. Der Laden verkaufte T-Shirts und Scherzartikel mit Bildern von Keith Haring und einigen seiner Zeitgenossen, wie Kenny Scharf und Jean Michel Basquiat. Später, im Jahr 1987, eröffnete Haring einen Pop Shop in Tokio. In beiden Läden bemalte Haring die Innenwände und schuf so ein umfassendes Erlebnis seiner Ästhetik. Der Pop Shop in Tokio wurde 1988 geschlossen und der New Yorker Pop Shop im September 2005. 2006 untersuchte die Ausstellung Keith Haring: Art and Commerce den Kontext und die Geschichte des Pop Shop, und 2009 rekonstruierte die Tate Modern im Rahmen der Gruppenausstellung Pop Life Aspekte des New Yorker Pop Shop, um die Atmosphäre des Originals wiederherzustellen. Die Originaldecke des Pop Shop wurde der New York Historical Society gespendet und ist im Eingangsbereich installiert. Haring, der als Aushängeschild der Straßenkunst der 1980er Jahre gilt, begann seine unaufhaltsame Karriere, die ihn zu einem Warhol-Kollegen und Medien-Superstar werden ließ, mit seinen Arbeiten in der New Yorker U-Bahn. Die enorme Popularität von Harings urbanen Arbeiten bei der New Yorker Bevölkerung erregte sofort die Aufmerksamkeit des Kunstestablishments. So nahm Andy Warhol ihn in seinen Kreis auf, und der damals aufstrebende Galerist Tony Shafrazi organisierte 1982 eine durchschlagende Einzelausstellung für ihn, die den Grundstein für seinen unaufhaltsamen Erfolg legen sollte. Schon bald stellte er seine Werke in der Galerie des einflussreichen Leo Castelli aus und etablierte sich als professioneller Kunststar. Keith Haring war ein amerikanischer Künstler, dessen Pop Art und Graffiti in den 1980er Jahren aus der Straßenkultur von New York City hervorgingen. Seine Popularität verdankt Haring seinen spontanen Zeichnungen in der New Yorker U-Bahn mit Kreide auf schwarz-weißem Werbeflächenhintergrund. Nachdem er öffentliche Anerkennung erlangt hatte, schuf er großformatige Werke als Wandmalereien, die später oft politische und soziale Themen, insbesondere Homosexualität und AIDS, durch seine eigene Ikonographie aufgriffen. Heute befinden sich Harings Werke in großen privaten und öffentlichen Sammlungen, darunter das Museum of Modern Art und das Whitney Museum of American Art in New York City, das Los Angeles County Museum of Art, das Art Institute of Chicago, das Bass Museum in Miami, das Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, das Ludwig Museum in Köln und das Stedelijk Museum in Amsterdam. Er schuf auch eine Vielzahl öffentlicher Werke, darunter die Krankenstation im Children's Village in Dobbs Ferry, New York, und die Männertoilette im zweiten Stock des Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center in Manhattan, die später in ein Büro umgewandelt wurde und als Keith Haring Room bekannt ist. Im Januar 2019 wurde eine Ausstellung mit dem Titel "Keith Haring New York" an der New York Law School im Hauptgebäude des Tribeca-Campus eröffnet. Sie zeigt Gebrauchsspuren.

Schätzw. 5 500 - 6 500 EUR

JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Ohne Titel, ca. 1980er Jahre. Mischtechnik (Malerei und Collage) auf Papier. Maße: 226 x 116 cm; 236 x 126 cm (Rahmen). Das vorliegende Gemälde stammt wahrscheinlich aus den achtziger Jahren, einer besonders experimentellen Periode in Guinovarts Schaffen. Die Verwendung von Collage und poetischer Abstraktion ist charakteristisch für diese Zeit, ebenso wie die Vorliebe für Siena-, Braun- und Brauntöne. Es enthält subtile synthetische Striche, die eine Hommage an die postkubistischen Kreaturen Picassos zu sein scheinen, und gleichzeitig verweist die Komposition (die den oberen Teil leer lässt) indirekt auf Goyas begrabenen Hund. Josep Guinovart wurde an der Escuela de Maestros Pintores, an der Escuela de Artes y Oficios und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1948 in den Galerien Syra in Barcelona. Er erwarb sofort ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons von October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die zusammen mit Miró und Gaudí seine wichtigsten Einflüsse sein sollten. 1955 bildete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Guinovart ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, das Museo Eusebio Sempere in Alicante, das Museo de Navarra in Tafalla, die Casa de las Américas in Havanna, das Bocchum Museum in Deutschland, das Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und das Museo Patio Herreriano in Valladolid.

Schätzw. 6 000 - 6 500 EUR

SONIA DELAUNAY (Odessa, 1885 - Paris, 1979). "Projet de tissu", ca. 1920er Jahre. Gouache auf Papier. Provenienz: Auktion Doyle, New York. Maße: 42,5 x 31 cm; 57 x 46 cm (Rahmen). Sonia Delaunays "Tissu Project" war ein innovativer Ansatz für Textildesign, bei dem die Prinzipien der orphischen Kunst in Kleidungsstücke integriert wurden. Das Tissu-Projekt stellt eine avantgardistische Verschmelzung von Kunst und Design dar. Zusammen mit Robert Delaunay rief Sonia den Orphismus ins Leben, eine künstlerische Bewegung, die die Verwendung von Farbe und geometrisch-kinetischer Abstraktion erforschte. Auf der Grundlage dieser Forschung erforschte Sonia die plastischen Möglichkeiten, die sich auf Mode und Design anwenden lassen, um dynamische und lebendige Muster zu schaffen. Ein weiterer Schlüsselgedanke war die Idee der Simultaneität: die Überlegung, dass Farben miteinander interagieren, wenn sie nebeneinander platziert werden, wodurch ein Gefühl von Bewegung und Tiefe entsteht. Sonia wandte diese Theorie auf die Malerei und das Textildesign an. Geboren als Sonia Ilínichna Stern, ist Sonia Delaunay besser unter ihrem Ehenamen bekannt, den sie nach ihrer Heirat mit Robert Delaunay annahm. Die französische Malerin und Designerin ukrainischer Herkunft war zusammen mit ihrem Mann eine der Hauptvertreterinnen der abstrakten Kunst und die Begründerin des Simultanismus. Sie wuchs in St. Petersburg auf, wo sie mit der Gemäldesammlung der Schule von Barbizon ihres Onkels und mit dem kulturellen Leben der Stadt in Berührung kam. 1903 zog sie nach Deutschland, um sich weiterzubilden, wo sie die zeitgenössische Malerei entdeckte und bei Schmidt-Reuter Zeichnen studierte. Zwei Jahre später zog er nach Paris und schrieb sich an der Academie de la Palette ein, wo er auch von Grossman in die Gravur eingeführt wurde. In diesen Jahren nähert er sich über den deutschen Expressionismus der europäischen Avantgarde an, mit einem Werk, das auch Anklänge an den Postimpressionismus aufweist. Im Jahr 1908 findet seine erste Ausstellung statt, in der er Werke aus seiner gerade begonnenen fauvistischen Periode zeigt. Zwei Jahre später heiratete er Delaunay, mit der er ästhetische Anliegen teilte. Ihre Kunst erfährt einen Richtungswechsel, hin zur Abstraktion. Die Künstlerin wendet sich dann dem Kunstgewerbe zu, immer mit einer rein abstrakten koloristischen Sprache, die die Aufmerksamkeit ihrer Kollegen und auch der Kritiker auf sich zieht. Obwohl sie sich 1912 wieder der Malerei zuwendet, ist ihr Ruhm als Designerin bereits in ganz Europa begründet. Von nun an nimmt sie häufig an wichtigen europäischen Ausstellungen teil, wie dem Berliner Herbstsalon oder dem Salon des Indépendants in Paris. Während des Ersten Weltkriegs lebte sie in Spanien und Portugal, wo sie eine intensive schöpferische Tätigkeit entfaltete, unter anderem in Zusammenarbeit mit dem Ballett von Diaghilew. 1921 kehrte das Paar nach Paris zurück, wo Sonia Delaunay weiterhin an wichtigen Projekten arbeitete und ihre Werke sowohl in Europa als auch in den Vereinigten Staaten ausstellte. Seit den fünfziger Jahren wurde ihr Werk bereits in vollem Umfang anerkannt, und 1958 wurde ihr in Bielefeld (Deutschland) die erste Retrospektive gewidmet. Darüber hinaus wurde sie 1975 zum Offizier der französischen Ehrenlegion ernannt. Derzeit ist Delaunay in bedeutenden Sammlungen auf der ganzen Welt vertreten, darunter das MoMA in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die Reina Sofia in Madrid, die Albertina in Wien und Haifa in Israel.

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