Null Controller: TOSHIBA-Laptop, HP-Heimdrucker, CANON-Kamera, ALCATEL-Schnurlos…

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Controller: TOSHIBA-Laptop, HP-Heimdrucker, CANON-Kamera, ALCATEL-Schnurlostelefone und verschiedene Gegenstände

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Controller: TOSHIBA-Laptop, HP-Heimdrucker, CANON-Kamera, ALCATEL-Schnurlostelefone und verschiedene Gegenstände

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Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

LAURIE SIMMONS (Long Island, New York, 1949). "Kariertes Wohnzimmer". The instant decorator Series, 2004. Flexdruck. Auflage 3/5. Das Werk ist auf der Website des Künstlers abgebildet. Enthält Echtheitszertifikat, Ausstellungsetiketten und Unterschrift auf der Rückseite. Provenienz: Galerie Distrito Cuatro (Madrid). Maße: 76,2 x 96,5 cm; 84,1 x 104,1 cm (Rahmen). "Plaid living Room" (2004) gehört zu der Serie Instant Decorator, die Simmons 2001 mit der Absicht begann, seine Recherchen zu einem 1976 veröffentlichten Buch über Inneneinrichtung zu materialisieren. Diese Publikation enthielt verschiedene Vorlagen für häusliche Innenräume, die es dem Leser ermöglichten, Räume mit Stoffmustern und verschiedenen Gemälden zu dekorieren. Indem er diese "Do it by yourself"-Idee wieder aufgriff, konstruierte der Autor ein Bild, das die Ästhetik der Collage widerspiegelt, in der verschiedene unabhängige Elemente nebeneinander bestehen und ein Ensemble von großer visueller Ausdruckskraft bilden. Durch ein häusliches Interieur, in dem eine elegant gekleidete Frau auf dem Teppich liegt, stellt der Autor den Betrachter vor die Frage, wer diese Figur ist und was sie darstellt. Die Protagonistin ist von Luxus umgeben und blickt den Betrachter suggestiv an, aber sie ist allein, und ihre Pose und ihr Kleid laden dazu ein, sie als ein weiteres Möbelstück, als ein Konsumobjekt darzustellen. Diese Darstellung der Frau, die ihre Rolle im sozialen Umfeld reflektiert, war eines der ersten Themen, mit denen sich Laurie Simmons in ihren Werken beschäftigte. Wie andere Künstlerinnen wie Martha Rosler oder Barbara Kruger, die ähnliche Themen und Techniken wie die hier vorgestellten verwendeten, setzte sie den Raum des Hauses mit dem Weiblichen in Beziehung. Laurie Simmons wuchs in Long Island auf, in einer Ära des wirtschaftlichen Aufschwungs, die den Beginn des materiellen Wohlstands markierte, aber auch zu einem Zustand der Konformität führte, Merkmale, die sich in den von der Künstlerin erforschten Themen stark wiederholen. Ihre Karriere zeichnet sich durch ihre Vielseitigkeit aus, da sie als Künstlerin, Fotografin und Filmemacherin arbeitet. Nachdem sie Ende der 1960er Jahre ihren Abschluss an der Tyler School of Art gemacht und sich in New York City niedergelassen hatte, begann Simmons, ihre künstlerische Seite zu entwickeln. 1972 entdeckte Simmons auf dem Dachboden eines Spielzeugladens in Liberty, New York, ein altes Puppenhaus, woraufhin sie begann, Kompositionen mit Puppen zu machen, die sie anschließend fotografierte und intervenierte. Die meisten seiner Werke nehmen Stellung zu traditionellen Geschlechterrollen, stellen sie in Frage und kritisieren die Objektivierung der Person, insbesondere der Frau. Simmons gehört zu der bedeutenden Künstlergruppe The Pictures Generation, einer Gruppe von Künstlern, die in den 1970er Jahren berühmt wurde und zu der weltbekannte Künstler wie Cindy Sherman, Barbara Kruger und Louise Lawler gehören. Ein großer Teil von Simmons' Werk ist, wie das der genannten Künstler, in der Rolle der Frau und ihrer Einbindung in ihre Umwelt und Gesellschaft verwurzelt. In einem Interview vom März 2014 erklärte Simmons: "Als ich mit einer Gruppe anderer Frauen eine Kamera in die Hand nahm, will ich nicht sagen, dass es ein radikaler Akt war, aber wir taten es sicherlich aus einer Art Trotz oder als Reaktion auf eine von Männern dominierte Welt der Malerei." Heute befinden sich ihre Werke in bedeutenden privaten und öffentlichen Sammlungen, darunter das Queen Sofia Art Center, das Art Institute of Chicago, das MoMA in New York, die National Gallery of Art in Washington, D.C., und das Los Angeles County Museum of Art. Das Werk ist auf der Website des Künstlers abgebildet. Mit Echtheitszertifikat, Ausstellungsetiketten und Unterschrift auf der Rückseite. Provenienz: Galerie Distrito Cuatro (Madrid). Galerie Distrito Cuatro (Madrid).

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) "Selbstporträt", N3017.1. New York, 1979-80. Gelatinesilberdruck. Später gedruckt von Igor Bakht, Stempel auf der Rückseite. Signiert von George und Betty Woodman, mit Bleistift vermerkt "I B" "N3017.1". Verso PE/FW-Kreditstempel. Provenienz: Privatsammlung Foster Glasgow. Maße: 13,7 x 13,7 cm (Bild); 26 x 21 cm (Papier). Diese Fotografie, auf der Francesca Woodman verkürzt und geviertelt dargestellt ist, gehört zum letzten Abschnitt des kurzen Lebens der Künstlerin. Zu dieser Zeit lebte sie in New York. Woodman hatte den Sommer 1979 in Stanwood, Washington, verbracht, um ihren Partner Benjamin Moore zu besuchen. Dort schuf sie eine Fotoserie über häusliche Motive. Nach ihrer Rückkehr nach New York versuchte sie, ihre Arbeit bekannt zu machen, und es gelang ihr, Ausstellungen in der Daniel Wolf Gallery zu bekommen. In der Werbe- und Modeindustrie entdeckte sie die Arbeit von Deborah Turbeville, die sich dadurch auszeichnete, dass sie Modelle in gotisch-melodramatischen Kulissen, z. B. in verlassenen oder dunklen Gebäuden oder Gängen, platzierte. Woodman eignete sich diesen Stil an, den sie dann in ihren zukünftigen Fotografien widerspiegelte. Im Sommer 1980 experimentierte er mit seinem eigenen Körper, um sich mit Themen von höherer Natur zu beschäftigen, wie er in einem Brief an seine in Rom lebende Freundin Suzanne Santoro schreibt. Zu dieser Zeit wurde sein künstlerisches Schaffen akribischer, und er arbeitete die Komposition methodischer aus, indem er von zuvor erstellten Skizzen ausging, um die Erzählung seiner Bilder auszuarbeiten. Obwohl sie sich sehr um ihre künstlerische Arbeit bemühte, war sie nie von ihr überzeugt. Was sie wirklich in den Selbstmord trieb, war die mittelmäßige öffentliche Resonanz auf ihre Fotografie und eine zerbrochene Romanze. Ihr Vater vermutete, dass der Grund für den Selbstmord ein gescheiterter Antrag auf Förderung durch das National Endowment for the Arts war. Sie war ihrer Zeit zu weit voraus. All dies führte dazu, dass Francesca Woodman in eine Depression verfiel, und schließlich beschloss sie am 19. Januar 1981, nur wenige Tage nach der Veröffentlichung ihres Buches, sich im Alter von nur 22 Jahren das Leben zu nehmen, indem sie aus dem Fenster eines Lofts in der Lower East Side von Manhattan, New York, sprang. Francesca Woodman war eine amerikanische Fotografin, die für ihre intimen Schwarz-Weiß-Selbstporträts bekannt war. Sie machte ihren Abschluss an der Rhode Island School of Design, der University of Fine Arts in Providence. Ihre Fotografien zeichnen sich in erster Linie durch die Verwendung eines einzigen Modells aus, das in der Regel nackt ist. In der Regel war es sie selbst, aber in verschiedenen Fotografien porträtierte sie auch mehrere ihrer Freunde. Der von der Kamera erfasste Körper war in der Regel in Bewegung, was auf lange Belichtungszeiten zurückzuführen ist, oder das Bild war unscharf. Er wandte auch andere Techniken an, wie die Maskierung seiner selbst oder den Versuch, mit den Gegenständen oder der Umgebung zu verschmelzen. Sie wurde in eine Künstlerfamilie hineingeboren. Zusammen mit ihrem Bruder Charles Woodman wurde sie schon früh von ihren Eltern, George Woodman und Betty Woodman, die beide bildende Künstler waren, in die Kunstwelt eingeführt. Heute verwalten sie ein Archiv mit mehr als 800 Bildern ihrer Tochter, von denen 120 ausgestellt oder veröffentlicht wurden. Sie gehört zur Generation der Avantgarde-Frauen der 1970er Jahre, die ihren Beitrag und ihre Vision von der Welt einforderten, zu der auch aktivistische Künstlerinnen wie Cindy Sherman, Martha Rosler oder Ana Mendieta gehören.

Schätzw. 10 000 - 15 000 EUR

HELMUT NEWTON (Deutschland, 1920- Kalifornien, 2004). "Domestic Nude 7", Los Angeles, 1992. Gelatinesilber, Kopie 9/15. Mit Bleistift signiert, betitelt, datiert und nummeriert. Provenienz: Galerie Maurizio Siniscaldo, Neapel, Italien. Maße: 45,2 x 36,2 cm (Abbildung). Die Serie "Domestic Nude", die Helmut Newton 1992 in Los Angeles durchführte, stellte eine weitere Wende in der Kunst- und Modefotografie dar. Darin inszeniert er Frauen in provokanten Posen und in ungewöhnlichen häuslichen Räumen: in der Hundehütte, an den Kühlschrank gelehnt.... Sie werden nicht als schmachtende Odalisken gezeigt, sondern ermächtigt und trotzig, ohne Bescheidenheit und ohne leichten Voyeurismus zuzulassen. In "Domestic Nude" erkundet sie die Grenzen zwischen dem Privaten und dem Öffentlichen, zwischen Frauen als Subjekt und Objekt. Newton plant auch ihre Kompositionen sorgfältig, um die visuelle Wirkung zu maximieren. Newton wurde in Berlin geboren, besuchte das Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium und die American School in Berlin. Seit seinem 12. Lebensjahr, als er seine erste Kamera kaufte, interessierte er sich für Fotografie und arbeitete ab 1936 für die deutsche Fotografin Yva (Elsie Neuländer Simon). Die zunehmend repressiven Einschränkungen, die den Juden durch die Nürnberger Gesetze auferlegt wurden, führten dazu, dass sein Vater die Kontrolle über die Fabrik verlor; in der Kristallnacht wurde er kurzzeitig in einem Konzentrationslager interniert, was die Familie schließlich zwang, Deutschland zu verlassen. Newtons Eltern flohen nach Argentinien. Als er schließlich in Singapur ankam, konnte er dort bleiben, zunächst für kurze Zeit als Fotograf für die Straits Times und dann als Porträtfotograf. Newton wurde von den britischen Behörden in Singapur interniert und an Bord der Queen Mary nach Australien geschickt, wo er am 27. September 1940 in Sydney ankam. Er wurde 1942 aus der Internierung entlassen und arbeitete kurzzeitig als Obstpflücker in Nord-Victoria. Im April 1942 meldete er sich bei der australischen Armee und arbeitete als Lastwagenfahrer. Nach dem Krieg, 1945, wurde er britischer Staatsbürger und änderte 1946 seinen Namen in Newton. Im selben Jahr eröffnete Newton ein Studio in der Flinders Lane in Melbourne und arbeitete in der Nachkriegszeit in den Bereichen Mode-, Theater- und Industriefotografie. Seine erste gemeinsame Ausstellung fand im Mai 1953 mit Wolfgang Sievers statt. Die Ausstellung "New Visions in Photography" wurde im Federal Hotel in der Collins Street gezeigt und war wahrscheinlich der erste Einblick in die Fotografie der Neuen Sachlichkeit in Australien. Newton schloss sich mit Henry Talbot zusammen, einem deutschen Juden, der ebenfalls in Tatura interniert war, und seine Verbindung mit dem Studio blieb auch nach 1957 bestehen, als er Australien in Richtung London verließ. Das Studio wurde in "Helmut Newton und Henry Talbot" umbenannt. Newtons wachsender Ruf als Modefotograf wurde belohnt, als er den Auftrag erhielt, die Mode in einer australischen Sonderbeilage der Zeitschrift Vogue zu illustrieren, die im Januar 1956 erschien. Er erhielt einen 12-monatigen Vertrag mit der britischen Vogue und reiste im Februar 1957 nach London, wo er Talbot die Leitung des Unternehmens überließ. Newton verließ die Zeitschrift noch vor Ablauf seines Vertrags und ging nach Paris, wo er für französische und deutsche Zeitschriften arbeitete. Im März 1959 kehrte er nach Melbourne zurück, um für die Australian Vogue zu arbeiten. 1961 ließen sich Newton und seine Frau schließlich in Paris nieder. Seine Bilder erschienen in Zeitschriften wie der französischen Ausgabe der Vogue und Harper's Bazaar. Er entwickelte einen besonderen Stil, der von erotischen und stilisierten Szenen geprägt ist, oft mit fetischistischem Unterton. Im Jahr 1980 schuf er die Serie "Big Nudes". Es folgten die Mappe "Nude and Clothed" und 1992 "Domestic Nudes", die den Höhepunkt seines erotisch-urbanen Stils markierten. Newton arbeitete auch an fantastischeren Porträts und Studien. Er fertigte eine Reihe von Illustrationen für den Playboy an, darunter Illustrationen von Nastassja Kinski und Kristine DeBell.

Schätzw. 10 - 15 EUR

Manette de projecteurs Eumig, trépied, plat en métal argenté, caméra Nizo 148, appareils photo Minolta et Nikon, et trois téléphones.

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