Null Tableau aborigène
FIRE DREAMING, Adam Reid 2014
Zeitgenössische Malerei der…

Beschreibung

Tableau aborigène FIRE DREAMING, Adam Reid 2014 Zeitgenössische Malerei der Aborigines Acryl auf Canvas Zertifikat 109x88cm

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Tableau aborigène FIRE DREAMING, Adam Reid 2014 Zeitgenössische Malerei der Aborigines Acryl auf Canvas Zertifikat 109x88cm

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Schätzw. 14 000 - 15 000 EUR

Spanische Schule des letzten Drittels des achtzehnten Jahrhunderts. "Unsere Liebe Frau von der Verkündigung". Öl auf Leinwand. Vorhandene Restaurierung. Der Rahmen ist beschädigt. Maße: 35,5 x 29 cm; 43,5 x 37 cm (Rahmen). Auf formaler und kompositorischer Ebene folgt dieses Werk den Spuren des großen Malers Antonio Rafael Mengs, dessen künstlerischer Stil viele Maler der damaligen Zeit und später beeinflusst hat. Auf diesem Gemälde sehen wir eine Jungfrau der Verkündigung, die vor einem Tisch lehnt, auf dem ein aufgeschlagenes Buch liegt, mit gesenktem Kopf als Zeichen der Demut und mit auf der Brust gekreuzten Händen, was ihre unterwürfige Annahme der göttlichen Botschaft anzeigt. Die Figur steht im Vordergrund vor einem neutralen und dunklen Hintergrund, der hinter dem Kopf etwas stärker beleuchtet ist, und folgt einer Komposition, die gleichzeitig typisch für die zeitgenössische Porträt- und Andachtsmalerei ist, die das Bild dem Betrachter noch näher bringt und versucht, die Seele des Gläubigen, der vor dem Bild betet, zu bewegen.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Neapolitanische Schule des 17. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Nach Vorbildern von JOSÉ DE RIBERA (Játiva, 1591 - Neapel, 1652). "Die Aussicht". Öl auf Leinwand. Im 19. Jahrhundert neu koloriert. Es präsentiert Übermalung. Maße: 110,5 x 88,5 cm; 126,5 x 104 cm (Rahmen). In der neapolitanischen Schule war der Einfluss von José Ribera bemerkenswert. Sein vehementer und kraftvoller Naturalismus, gefiltert durch flämische Einflüsse, ist in der neapolitanischen Malerei der Zeitgenossen des sevillanischen Malers stark zu spüren. Hier haben wir ein klares Beispiel für diesen Einfluss. Der Autor hat das Gemälde "Die Aussicht", das Ribera während seines Aufenthalts in Rom malte (heute im Franz-Mayer-Museum), originalgetreu wiedergegeben. Es war Teil einer Serie über die fünf Sinne. In dieser Version ist die doppelte Abstammung von Ribera und Caravaggio in dem heftigen, tenebristischen Licht zu erkennen, das schräg durchbricht. Es ist auch zu bemerken, dass Ribera sich von der ikonografischen Komplexität der Visionen der fünf Sinne, die in den Niederlanden in Anlehnung an Brueghel entstanden, entfernte. Der valencianische Künstler, der die vorliegende Version aufgreift, konzentriert sich auf eine Figur aus dem täglichen Leben. Der Mann hält ein Fernrohr in der Hand, mit dem er durch das Fenster das Universum betrachten kann. Eine Brille und ein Spiegel vervollständigen die Darstellung des Sehens. Die Figur befindet sich in einem Innenraum und wird von dem starken Lichteinfall auf ihren Kopf und ihre Hände getroffen, wobei ihr Körper bis ins kleinste Detail ausgearbeitet ist. Die dunklen Töne werden verwendet, um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf das Gesicht zu lenken, das mit emotionaler Intensität aufgeladen ist.

Schätzw. 3 000 - 3 500 EUR

GEORGES ROUSSE (Paris, 1947). Ohne Titel. Barcelona, 2003. Fotopapier, Kopie 12/30. Handsigniert, nummeriert, abgepaust und datiert. Ausgestellt in der Galerie Carles Taché, Barcelona, 2003. Größe: 52 x 41 cm; 75 x 63 cm (Rahmen). Seit den frühen 1980er Jahren ist das Werk von Georges Rousse durch die Beziehungen gekennzeichnet, die er zwischen Fotografie, Malerei, Skulptur und Architektur herstellt. Die fotografische Sprache ist jedoch das Rückgrat der anderen, sie steht im Dialog mit ihnen und spielt mit räumlichen Effekten. Dies war in der Ausstellung in der Galerie Carles Taché in Barcelona zu sehen, zu der auch dieses Werk gehörte. Seit er im Alter von 9 Jahren zu Weihnachten eine Kodak Brownie Flash geschenkt bekam, hat Georges Rousse die Kamera nicht mehr aus der Hand gelegt. Während seines Medizinstudiums in Nizza beschloss er, die Techniken der Fotografie und des Druckens von einem Profi zu erlernen, und gründete dann sein eigenes Studio für Architekturfotografie. Seine Leidenschaft führte ihn immer mehr dazu, sich ganz der künstlerischen Praxis dieses Mediums zu widmen und in die Fußstapfen der großen amerikanischen Meister Edward Steichen, Alfred Stieglitz und Ansel Adams zu treten. Mit der Entdeckung der Werke der Land Art und des Schwarzen Quadrats auf weißem Grund von Kasimir Malevitch beschließt Georges Rousse, in den Bereich der Fotografie einzugreifen und eine Beziehung zwischen Malerei und Raum herzustellen. Er eignet sich verlassene Orte an, die ihm schon immer gefallen haben, verwandelt sie in Bildräume und schafft dort ein einzigartiges und flüchtiges Werk, das nur die Fotografie wiedergeben kann. Um den Betrachter an seiner Erfahrung des Raums teilhaben zu lassen, präsentiert er seine Bilder seit Anfang der 1980er Jahre in großformatigen Abzügen. Dieses starke und einzigartige Werk, das die Grenzen zwischen den traditionellen Medien verschiebt, hat sich sofort in der zeitgenössischen Kunstszene durchgesetzt. Seit seiner ersten Ausstellung in der Galerie de France in Paris 1981 hat Georges Rousse seine Installationen und Fotografien in der ganzen Welt ausgestellt, in Europa, Asien (Japan, Korea, China, Nepal), den Vereinigten Staaten, Quebec und Lateinamerika. Er hat an zahlreichen Biennalen (Paris, Venedig, Sydney) teilgenommen und zahlreiche renommierte Preise erhalten: 1983: Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987: Villa Medicis, Rom 1988: International Center of Photography Award, New York 1989: Salon de Montrouge Drawing Award 1992: Romain-Roland-Stipendium, Kalkutta 1993: Grand Prix National de Photographie 2008: Nachfolger von Sol LeWitt als assoziiertes Mitglied der Königlichen Belgischen Akademie. Er wird von mehreren europäischen Galerien vertreten und seine Werke befinden sich in zahlreichen bedeutenden Sammlungen in der ganzen Welt.

Schätzw. 20 000 - 25 000 EUR

FRANCIS BACON (Dublin, 1909- Madrid, 1992). "Drei Studien für ein Selbstporträt". Lithographie auf Arches-Papier, E.A. Kopie. Handsigniert und gerechtfertigt. Das Werk wurde 2008 in der Coskun Gallery in London erworben. Größe: 52 x 94 cm; 79 x 121 cm (Rahmen). Francis Bacon ist der Autor einiger der eindrucksvollsten und beispiellosesten Gemälde der zeitgenössischen Kunst. Sein obsessiver, gequälter und herzzerreißender Stil ist ein klares Dokument der Not in Europa nach dem Zweiten Weltkrieg. Seine Werke erzielen derzeit auf internationalen Auktionen stratosphärische Summen und machen ihn zu einem der begehrtesten Künstler auf dem heutigen Kunstmarkt. Ein Beispiel dafür ist das Triptychon "Three Studies by Lucian Freud (1969)", das 2013 bei einer öffentlichen Versteigerung einen Rekordpreis von 142 Millionen Dollar erzielte und damit zu den drei teuersten Werken der Geschichte gehört. Einige seiner Werke sind in den wichtigsten Kunstgalerien der Welt zu sehen, wie der Tate Britain in London (die eine der umfangreichsten Sammlungen des Künstlers besitzt), der MET und dem Moma in New York, dem Museo Thyssen-Bornemisza und dem Museo Reina Sofía. "Drei Studien für ein Selbstporträt" definiert nachdrücklich, worum es in Bacons Kunst ging. Dekomponierte, isolierte, beunruhigende und spirituelle Figuren, die weit davon entfernt sind, eine spezifische Ähnlichkeit mit der dargestellten Person zu suchen, und die sich mit der Spiritualität des Dargestellten auseinandersetzen. Hier sehen wir die Abstraktion, Fragmentierung und Verzerrung des Gesichts des Malers, ein Schlüsselaspekt in Bacons künstlerischer Entwicklung, eine Folge der Lebensereignisse, die seine Existenz zu einer glühenden Zeitbombe machten, die kurz vor der Explosion stand. Durch sein Werk drückt er seinen vitalen Zustand aus, der auch mit seiner selbstzerstörerischen Seite verbunden ist, und schafft es so, Einsamkeit, Gewalt und Erniedrigung auszudrücken. Francis Bacon wurde in Dublin geboren, obwohl er englische Eltern hatte, und begann als Autodidakt zu malen. Im Alter von 17 Jahren, 1927, öffnete die Galerie Paul Rosemberg dem Maler ihre Türen. Dort lernte er die Werke von Pablo Picasso kennen, einem Künstler, den er während seiner gesamten Karriere bewunderte. Wie Picasso haben auch andere Maler Bacons Werk beeinflusst: Velázquez (dessen Version von Papst Innozenz X. er malte und dabei mindestens 40 "Päpste" schuf) und Nicolas Poussin, dessen "Massaker an den Unschuldigen", das sich heute im Musée Condé befindet, in ihm starke Emotionen auslöste. 1945 stellte er in London zusammen mit den englischen Künstlern Henry Moore und Graham Sutherland sein Gemälde Three Studies for Figures at the Foot of a Crucifixion (um 1944) aus, ein Triptychon, das nach Bacons eigener Aussage den Beginn seiner Karriere markierte. Bis 1945 hatte Bacon seinen eigenen, unverwechselbaren Stil entwickelt. Im Jahr 1949 kaufte das Museum of Modern Art in New York (MOMA) ein beeindruckendes Werk von Bacon mit dem Titel Painting 1946. Im Jahr 1956 wurde er eingeladen, Großbritannien auf der Biennale von Venedig neben Ben Nicholson und Lucian Freud zu vertreten. Bacon beschloss, dass das Thema seiner Gemälde sowohl das Leben im Tod als auch der Tod im Leben sein sollte. Er versuchte, seinen vitalen Zustand auszudrücken, der auch mit seiner selbstzerstörerischen Seite verbunden war. Michel Leiris schlug ihm vor, dass Masochismus, Sadismus und ähnliche Manifestationen in Wirklichkeit nur Wege sind, sich menschlicher zu fühlen. Porträts und Selbstporträts machen einen wichtigen Teil von Bacons Gemälden aus, darunter George Dyer in a Mirror von 1968, ein Werk, in dem der Maler die Verletzlichkeit und Zerbrechlichkeit des Selbst andeutet. Bacon fertigte Porträts ohne Posen nach dem Leben an, die er aus Fotografien entwickelte. Er porträtierte sowohl seine vertrauten Begleiter und Freunde als auch berühmte Persönlichkeiten: Peter Lacy, George Dyer und John Edwards, Henrietta Moraes, Isabel Rawsthorne, Muriel Belcher, Lucian Freud, Peter Beard und Michel Leiris, aber auch Hitler, Pius XII. und Mick Jagger. Einige seiner Werke sind in den wichtigsten Kunstgalerien der Welt zu sehen, wie der Tate Britain in London (die eine der umfangreichsten Sammlungen des Künstlers besitzt), der MET und dem Moma in New York, dem Museo Thyssen-Bornemisza und dem Muse

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