Null Harry Fidler, ROI RBA, zugeschrieben,
Britisch 1856-1935-

Jagdszene, mit F…

Beschreibung

Harry Fidler, ROI RBA, zugeschrieben, Britisch 1856-1935- Jagdszene, mit Figuren zu Pferd und Hunden auf einem Waldweg; Öl auf Leinwand, verso beschriftet, 32 x 26,2 cm. Provenienz: Privatsammlung, Großbritannien. Anmerkung: Das vorliegende Werk erinnert stark an Fidlers Stil, der sich durch eine dicke, mit lockeren, impressionistischen Pinselstrichen aufgetragene Pastellmalerei auszeichnet, während das ländliche Sujet typisch für den Künstler ist, der in seinen Werken häufig Pferde und Hunde darstellte. Fidler studierte an der Kunstschule von Hubert von Herkomer (1849-1914) in Bushey, zusammen mit William Nicholson (1872-1949) und Lucy Kemp-Welch (1869-1958).

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Harry Fidler, ROI RBA, zugeschrieben, Britisch 1856-1935- Jagdszene, mit Figuren zu Pferd und Hunden auf einem Waldweg; Öl auf Leinwand, verso beschriftet, 32 x 26,2 cm. Provenienz: Privatsammlung, Großbritannien. Anmerkung: Das vorliegende Werk erinnert stark an Fidlers Stil, der sich durch eine dicke, mit lockeren, impressionistischen Pinselstrichen aufgetragene Pastellmalerei auszeichnet, während das ländliche Sujet typisch für den Künstler ist, der in seinen Werken häufig Pferde und Hunde darstellte. Fidler studierte an der Kunstschule von Hubert von Herkomer (1849-1914) in Bushey, zusammen mit William Nicholson (1872-1949) und Lucy Kemp-Welch (1869-1958).

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Schätzw. 80 000 - 120 000 GBP

Henry MORET (1856-1913) Der Averse, Küste der Bretagne, 1902 Öl auf Leinwand, unten links signiert. Ausstellungsetiketten auf der Rückseite. 65 x 92 cm PROVENTIONEN: Privatsammlung aus dem Finistère (Nachlass) AUSSTELLUNGEN : 1966, Parie, Galerie Durand-Ruel, 5. bis 29. Januar 1966, Henry Moret, Nr. 28. 1994, Paris, Galerie l'Ergastère, 6. Mai - 13. Juli 1994, Henry Moret, Seite 26, Reproduktion Seite 27. 2021, Quimper, Musée des beaux-arts, 24. Juni - 4. Oktober 2021, Henry Moret 1856-1913, De Pont-Aven à l'impressionnisme en Bretagne, Nr. 65 Reproduktion auf Seite 133. BIBLIOGRAFIE : Jean-Yves Rolland und Marie-Bénédicte Baranger, Henry Moret, Plomelin, Éditions Palantines, 2002, Reproduktion Seite 96. "Das Werk von Henry Moret (1850-1913), dem wichtigsten Maler der Schule von Pont-Aven, ist heute gut bekannt. Sein Leben als Künstler bewahrt jedoch einen Teil des Geheimnisses. Er war ein Einzelgänger und Meister seiner Zeit. Als Wladislaw Slewinski 1894 ein Abendessen zur Feier von Paul Gauguins Rückkehr nach Le Pouldu organisierte, lehnte Moret die Einladung ab und zog es vor, in Groix zu arbeiten. Man bleibt immer erstaunt über sein Leben als Landschaftsmaler, der ständig auf dem Motiv von Houat bis Ouessant unterwegs war. 1894 wählte er Doëlan als Heimathafen, das lebendiger als Le Pouldu war, und kehrte nach seinen langen Wanderungen dorthin zurück, um in seinem Atelier die Zeichnungen und Gouachen, die er auf der Straße gemacht hatte, zu übermalen. Das bringt ihm eine gewisse Stabilität und passt zu einem Zeitpunkt, an dem die berühmte Galerie Durand-Ruel, die Galerie aus den heroischen Zeiten des Impressionismus, beschlossen hat, seine Gemälde zu kaufen und seine Arbeit in Ausstellungen zu würdigen. Moret, der damals 44 Jahre alt war, konnte ein Leben führen, das ihm entsprach: Doëlan bedeutet auch - und vielleicht vor allem - Jagen, Fischen und Kartenspielen im Bistro mit seinen Freunden aus der Gegend. Wir wissen fast nichts über sein Wanderleben und seine Entscheidungen, die dazu führen, dass man ihn im Laufe der Jahre eine Zeit lang auf Ouessant und im nächsten Monat in Douarnenez oder Groix wiederfindet. Er kennt die bretonische Küste sehr gut und wählt vielleicht je nach Jahreszeit und Aktivitäten, wie dem Verbrennen von Tang, aus. Es hängt wahrscheinlich auch von den Unterkunftsmöglichkeiten und den Beziehungen vor Ort ab. So gibt es "bevorzugte" Orte, an denen er zum Arbeiten ein- und ausgeht. Raguénez en Névez gehört dazu, zumindest seit 1896. Der Ort in der Nähe von Port-Manech ist leicht mit dem Boot von Doëlan aus zu erreichen, um den langen Umweg über Pont-Aven zu vermeiden. Von der Insel Raguénez aus zu malen, ist für den Maler interessant, da die Insel im Vordergrund steht, dann das Meer und schließlich im Hintergrund die nahe Küste. L'averse, côte de Bretagne ist Teil einer Serie von vier Gemälden, die das Haus der Familie Marrec, der Bauern auf der Insel, zeigen. Vielleicht hat Moret auf diesem Bauernhof gewohnt, denn in seinen Gemälden stellt er dieses Haus, das zum Hauptelement der Komposition wird, aus verschiedenen Blickwinkeln dar. Und er scheint mit den Menschen vertraut zu sein, wie die Sujets zweier Gemälde zeigen. In L'averse côte de Bretagne sehen wir einen Mann und zwei Frauen, eine mit roter, die andere mit weißer Kopfbedeckung, die den Zustand des Meeres und einen großen Regenschauer am Himmel beobachten. Der Fischer wartet darauf, dass sich das Wetter beruhigt, und hat seine beiden Reusen, seine Ruder und seine Takelage vorübergehend zurückgelassen, in der Erwartung, dass er sein Boot in einem geschützten Bereich unterhalb des Wassers erreichen und zum Fischfang ausfahren kann. Diese drei Personen, der Mann und die beiden Frauen mit ihren verschiedenfarbigen Kopfbedeckungen, sind auch in einem anderen Gemälde Gros temps à Raguénez (Verkauf Sotheby's, London, 29. Juni 1994, Los 148) zu sehen, wo sie die brechenden Wellen aus nächster Nähe beobachten, wahrscheinlich in Erwartung der Ankunft des Wracktangers. Im Gegensatz zu dem Gemälde L'Île de Raguénez, Bretagne (Washington, National Gallery of Art), auf dem das Haus bei strahlendem Sonnenschein mit einem ruhigen Meer in einer fast idyllischen Umgebung gezeigt wird, drückt Moret in L'averse côte de Bretagne eine große Spannung aus, die symbolisch dazu beiträgt, die Erwartung dieser Menschen angesichts der Gewalt der Elemente zum Ausdruck zu bringen. Der Vordergrund des Gemäldes ist aus einer Beziehung zwischen einem recht kräftigen Grün und einem Rosa aufgebaut. Dies ist charakteristisch für Morets Kunst, seit er sich im Kontakt mit Gauguin die Prinzipien des Pontavianischen Synthetismus zu eigen gemacht hat. Die starken Linien des Bodens in der Mitte links und des Hauses fixieren den Blick des Betrachters. Der gesamte obere Teil und nach rechts hin sind unterschiedlich bemalt, um die vergänglichen atmosphärischen Effekte wiederzugeben. 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HELMUT NEWTON (Deutschland, 1920- Kalifornien, 2004). "Schuh, Monte Carlo, 1983. Gelatinesilber. Späterer Druck. Verso mit Bleistift signiert, betitelt, datiert und mit Copyright-Stempel versehen. Keine Auflagennummer. Provenienz: Sammlung McCord, New York. Maße: 36 x 24,6 cm (Bild); 40 x 31 cm (Rahmen). In diesem ikonischen Bild von Helmut Newton nimmt ein Knöchel, der in einem hochhackigen Schuh steckt, die gesamte fotografische Fläche ein. Als Ort, der mit Glamour und Luxus assoziiert wird, bietet Monte Carlo eine perfekte Kulisse für Newtons Erforschung von Mode und Erotik. Der Fetischismus von Stöckelschuhen und weiblichen Knöcheln wird von dem Künstler in verschiedenen Kontexten erforscht. In all diesen Bildern definiert er durch gewagte und sorgfältig ausgearbeitete Kompositionen die Parameter der Modefotografie und der Erotik, die Rolle der Frau und die Machtverhältnisse neu. Provokation, Anti-Voyeurismus und weibliches Empowerment sind oft Attribute ihrer Fotos. Newton wurde in Berlin geboren, besuchte das Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium und die American School in Berlin. Seit seinem 12. Lebensjahr, als er seine erste Kamera kaufte, interessierte er sich für Fotografie und arbeitete ab 1936 für die deutsche Fotografin Yva (Elsie Neuländer Simon). Die zunehmend repressiven Einschränkungen, die den Juden durch die Nürnberger Gesetze auferlegt wurden, führten dazu, dass sein Vater die Kontrolle über die Fabrik verlor; in der Kristallnacht wurde er kurzzeitig in einem Konzentrationslager interniert, was die Familie schließlich zwang, Deutschland zu verlassen. Newtons Eltern flohen nach Argentinien. Als er schließlich in Singapur ankam, konnte er dort bleiben, zunächst für kurze Zeit als Fotograf für die Straits Times und dann als Porträtfotograf. Newton wurde von den britischen Behörden in Singapur interniert und an Bord der Queen Mary nach Australien geschickt, wo er am 27. September 1940 in Sydney ankam. Er wurde 1942 aus der Internierung entlassen und arbeitete kurzzeitig als Obstpflücker in Nord-Victoria. Im April 1942 meldete er sich bei der australischen Armee und arbeitete als Lastwagenfahrer. Nach dem Krieg, 1945, wurde er britischer Staatsbürger und änderte 1946 seinen Namen in Newton. Im selben Jahr eröffnete Newton ein Studio in der Flinders Lane in Melbourne und arbeitete in der Nachkriegszeit in den Bereichen Mode-, Theater- und Industriefotografie. Seine erste gemeinsame Ausstellung fand im Mai 1953 mit Wolfgang Sievers statt. Die Ausstellung "New Visions in Photography" wurde im Federal Hotel in der Collins Street gezeigt und war wahrscheinlich der erste Einblick in die Fotografie der Neuen Sachlichkeit in Australien. Newton schloss sich mit Henry Talbot zusammen, einem deutschen Juden, der ebenfalls in Tatura interniert war, und seine Verbindung mit dem Studio blieb auch nach 1957 bestehen, als er Australien in Richtung London verließ. Das Studio wurde in "Helmut Newton und Henry Talbot" umbenannt. Newtons wachsender Ruf als Modefotograf wurde belohnt, als er den Auftrag erhielt, die Mode in einer australischen Sonderbeilage der Zeitschrift Vogue zu illustrieren, die im Januar 1956 erschien. Er erhielt einen 12-monatigen Vertrag mit der britischen Vogue und reiste im Februar 1957 nach London, wo er Talbot die Leitung des Unternehmens überließ. Newton verließ die Zeitschrift noch vor Ablauf seines Vertrags und ging nach Paris, wo er für französische und deutsche Zeitschriften arbeitete. Im März 1959 kehrte er nach Melbourne zurück, um für die Australian Vogue zu arbeiten. 1961 ließen sich Newton und seine Frau schließlich in Paris nieder. Seine Bilder erschienen in Zeitschriften wie der französischen Ausgabe der Vogue und Harper's Bazaar. Er entwickelte einen besonderen Stil, der von erotischen und stilisierten Szenen geprägt ist, oft mit fetischistischem Unterton. Im Jahr 1980 schuf er die Serie "Big Nudes". Es folgten die Mappe "Nude and Clothed" und 1992 "Domestic Nudes", die den Höhepunkt seines erotisch-urbanen Stils markierten. Newton arbeitete auch an fantastischeren Porträts und Studien. Er fertigte eine Reihe von Illustrationen für den Playboy an, darunter Illustrationen von Nastassja Kinski und Kristine DeBell.

Schätzw. 9 000 - 12 000 GBP

HELMUT NEWTON (Deutschland, 1920- Kalifornien, 2004). "Sylvia untersucht ihre hochhackigen Schuhe in meinem Atelier", Paris, 1981. Gelatinesilber. Mit Bleistift signiert, betitelt, datiert und mit Anmerkungen versehen. Provenienz: Galerie Maurizio Siniscaldo, Neapel, Italien. Maße: 54,6 x 40 cm (Abbildung). "Sylvia, die in meinem Atelier ihre Stöckelschuhe untersucht" ist eine Fotografie, die viele der Themen widerspiegelt, die Helmut Newtons Arbeitsweise bestimmen: die sorgfältig ausgearbeitete Komposition (das Licht einer Straßenlaterne, das aus der Dunkelheit der Stadtnacht hereinfällt, kontrastiert mit der Klarheit des Aktes und des Fensterrahmens), das fetischistische Element der Stöckelschuhe, die Sylvia ohne Manierismus hält.... Newton beschäftigt sich in ihrem Werk häufig mit Themen wie Macht, Kontrolle und Fetischismus. In diesem Bild wird die Frau durch ihren in sich gekehrten Blick (der den Blicken der männlichen Begierde nicht standhält) und die Natürlichkeit ihrer Körperhaltung gestärkt, anstatt sie auf das stereotype weibliche Objekt zu reduzieren. Auf diese Weise definiert Newton die Parameter der Erotik- und Modefotografie neu: Provokation, Anti-Voyeurismus und weibliche Ermächtigung sind seine Attribute. Seine Frauen erscheinen nicht schmachtend wie Odalisken, sondern trotzig, ungeniert und ohne leichten Voyeurismus zuzulassen. In Fotografien wie dieser lotet sie die Grenzen zwischen dem Intimen und dem Öffentlichen aus, wobei sie ihre Kompositionen sorgfältig plant, um die visuelle Wirkung zu maximieren. Newton wurde in Berlin geboren, besuchte das Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium und die American School in Berlin. Seit seinem 12. Lebensjahr, als er seine erste Kamera kaufte, interessierte er sich für Fotografie und arbeitete ab 1936 für die deutsche Fotografin Yva (Elsie Neuländer Simon). Die zunehmend repressiven Einschränkungen, die den Juden durch die Nürnberger Gesetze auferlegt wurden, führten dazu, dass sein Vater die Kontrolle über die Fabrik verlor; in der Kristallnacht wurde er kurzzeitig in einem Konzentrationslager interniert, was die Familie schließlich zwang, Deutschland zu verlassen. Newtons Eltern flohen nach Argentinien. Als er schließlich in Singapur ankam, konnte er dort bleiben, zunächst für kurze Zeit als Fotograf für die Straits Times und dann als Porträtfotograf. Newton wurde von den britischen Behörden in Singapur interniert und an Bord der Queen Mary nach Australien geschickt, wo er am 27. September 1940 in Sydney ankam. Er wurde 1942 aus der Internierung entlassen und arbeitete kurzzeitig als Obstpflücker in Nord-Victoria. Im April 1942 meldete er sich bei der australischen Armee und arbeitete als Lastwagenfahrer. Nach dem Krieg, 1945, wurde er britischer Staatsbürger und änderte 1946 seinen Namen in Newton. Im selben Jahr eröffnete Newton ein Studio in der Flinders Lane in Melbourne und arbeitete in der Nachkriegszeit in den Bereichen Mode-, Theater- und Industriefotografie. Seine erste gemeinsame Ausstellung fand im Mai 1953 mit Wolfgang Sievers statt. Die Ausstellung "New Visions in Photography" wurde im Federal Hotel in der Collins Street gezeigt und war wahrscheinlich der erste Einblick in die Fotografie der Neuen Sachlichkeit in Australien. Newton schloss sich mit Henry Talbot zusammen, einem deutschen Juden, der ebenfalls in Tatura interniert war, und seine Verbindung mit dem Studio blieb auch nach 1957 bestehen, als er Australien in Richtung London verließ. Das Studio wurde in "Helmut Newton und Henry Talbot" umbenannt. Newtons wachsender Ruf als Modefotograf wurde belohnt, als er den Auftrag erhielt, die Mode in einer australischen Sonderbeilage der Zeitschrift Vogue zu illustrieren, die im Januar 1956 erschien. Er erhielt einen 12-monatigen Vertrag mit der britischen Vogue und reiste im Februar 1957 nach London, wo er Talbot die Leitung des Unternehmens überließ. Newton verließ die Zeitschrift noch vor Ablauf seines Vertrags und ging nach Paris, wo er für französische und deutsche Zeitschriften arbeitete. Im März 1959 kehrte er nach Melbourne zurück, um für die Australian Vogue zu arbeiten. 1961 ließen sich Newton und seine Frau schließlich in Paris nieder. Seine Bilder erschienen in Zeitschriften wie der französischen Ausgabe der Vogue und Harper's Bazaar. Er entwickelte einen besonderen Stil, der von erotischen und stilisierten Szenen geprägt ist, oft mit fetischistischem Unterton. Im Jahr 1980 schuf er die Serie "Big Nudes". Es folgten die Mappe "Nude and Clothed" und 1992 "Domestic Nudes", die den Höhepunkt seines erotisch-urbanen Stils markierten. Newton arbeitete auch an fantastischeren Porträts und Studien. Er fertigte eine Reihe von Illustrationen für den Playboy an, darunter Illustrationen von Nastassja Kinski und Kristine DeBell.

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