Null Der Umkreis von Nicolai Abraham Abildgaard,
Dänisch 1743-1809-

Orpheus und…

Beschreibung

Der Umkreis von Nicolai Abraham Abildgaard, Dänisch 1743-1809- Orpheus und Eurydike; Öl auf Leinwand, 64,8 x 54,9 cm. Provenienz: Eigentum aus einer europäischen Privatsammlung. Anmerkung: Abildgaard stellte häufig Szenen aus der klassischen Mythologie und Literatur dar, mit stark muskulösen Figuren, die von einem dramatischen Hell-Dunkel-Licht beleuchtet werden, typischerweise in einer wirbelnden, runden Komposition. Abilgaards Stil wurde durch seine Reisen nach Rom geprägt, wo er die Werke von Künstlern wie Annibale Carracci (1560-1609) und Michelangelo (1475-1564) studierte und Henry Fuseli (1741-1825) kennenlernte. Der Einfluss von Fuseli auf Abildgaard war immens und zeigt sich vor allem in den grotesken, alptraumhaften Figuren, die viele seiner Szenen zieren und an die die Dämonen auf dem vorliegenden Gemälde stark erinnern. Die Pose der zentralen Figuren, in der Orpheus Eurydike an seine Brust drückt, ist fast identisch mit der in Abilgaards Gemälde "Catullus und Lesbia", das sich heute in der Sammlung Nivaagaard in Dänemark befindet [0194NMK].

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Der Umkreis von Nicolai Abraham Abildgaard, Dänisch 1743-1809- Orpheus und Eurydike; Öl auf Leinwand, 64,8 x 54,9 cm. Provenienz: Eigentum aus einer europäischen Privatsammlung. Anmerkung: Abildgaard stellte häufig Szenen aus der klassischen Mythologie und Literatur dar, mit stark muskulösen Figuren, die von einem dramatischen Hell-Dunkel-Licht beleuchtet werden, typischerweise in einer wirbelnden, runden Komposition. Abilgaards Stil wurde durch seine Reisen nach Rom geprägt, wo er die Werke von Künstlern wie Annibale Carracci (1560-1609) und Michelangelo (1475-1564) studierte und Henry Fuseli (1741-1825) kennenlernte. Der Einfluss von Fuseli auf Abildgaard war immens und zeigt sich vor allem in den grotesken, alptraumhaften Figuren, die viele seiner Szenen zieren und an die die Dämonen auf dem vorliegenden Gemälde stark erinnern. Die Pose der zentralen Figuren, in der Orpheus Eurydike an seine Brust drückt, ist fast identisch mit der in Abilgaards Gemälde "Catullus und Lesbia", das sich heute in der Sammlung Nivaagaard in Dänemark befindet [0194NMK].

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"SPADINO"; GIOVANNI PAOLO CASTELLI (Rom, 1659 - 1730). "Stilleben mit Vögeln und Früchten". Öl auf Leinwand. Bibliographie: Europ. Art, II. n.6. Juni 1991, S. 57, Bild S. 59. Größe: 92 x 130 cm; 125 x 164 cm (Rahmen). Die Kombination von saftigen Früchten und exotischen Vögeln wurde von Spadino, einem Maler, in dessen Stillleben die sinnlichste und üppigste Seite des Barocks zum Ausdruck kommt, immer wieder aufgegriffen. Die Reife der Früchte hat den höchsten Grad an Saftigkeit erreicht (einige beginnen sich sogar zu öffnen und verkünden die Vergänglichkeit ihrer Pracht). Auch die Blüten sind auf dem Höhepunkt ihres Duftes und bereit zu verwelken. Im Hintergrund bilden römische Aquädukte die perfekte Kulisse für die szenografische Komposition der Natur. Diese sorgfältig gewählte, deutlich barocke Szenografie wird durch die sorgfältige Untersuchung des Lichts verstärkt, das auf einem rhythmischen Wechselspiel von abwechselnden Pflanzenschatten und Schimmern basiert, die den Blick auf Feigen und Trauben lenken. Das flämische Erbe zeigt sich in der vollendeten Perlmutteigenschaft der Fruchtschalen und den fleischigen Herzen der gespaltenen Melonen. Giovanni Paolo Castelli, genannt "Spadino", war ein italienischer Maler des Barock, der vor allem in Rom tätig war und sich auf die Stilllebenmalerei, insbesondere Blumen und Früchte, spezialisiert hatte. Er stammte aus einer Künstlerfamilie, deren Mäzen Jan Herinans war, ein flämischer Maler, der mit der Familie Pamphili verbunden und auf Blumenkompositionen spezialisiert war. Castelli wuchs also in direktem Kontakt mit den damaligen Künstlerkreisen Roms auf und begann seine Ausbildung bei seinem älteren Bruder Bartolomeo Castelli (1641-1686), der zu dieser Zeit ein bekannter Stilllebenmaler war. Ab 1674 arbeitete er als selbständiger Meister und übernahm nach dem Tod von Bartolomeo 1686 die Familienwerkstatt. Die Sprache von Giovanni Paolo Castelli zeigt auch den Einfluss des in Italien tätigen flämischen Malers Abraham Brueghel. Tatsächlich scheint es, dass Castelli zwischen 1671 und 1674 seine Ausbildung in der Werkstatt Brueghels fortsetzte. Castelli malte vor allem reiche Becher und Vasen mit Blumen und Früchten, mit einem persönlichen Stil, der sich durch eine leuchtende Palette auszeichnet, die die Konturen der Objekte hervorhebt, die er mit großer Sorgfalt und Qualität wiedergibt. Seine Sprache zeigt die flämischen Formen, die er möglicherweise von seinem Paten Herinans und später auch von Brueghel lernte, als dieser vor seiner endgültigen Abreise nach Neapel in Rom weilte. Seine Sprache wurde von seinem Sohn, Bartolomeo Spadino (1696-1738), weitergeführt. Der Ursprung des von seinem Sohn übernommenen Spitznamens "Spadino" ist ungewiss; er bedeutet wörtlich "der Mann mit dem Schwert" und wurde bereits von seinem Vater getragen, so wie er ihn auch an seinen Sohn weitergeben würde. Gelehrte werfen die Frage auf, warum er den Spitznamen geerbt hat und nicht sein älterer Bruder, und vermuten, dass die Antwort in der Form seiner Unterschrift liegt, die sehr kantig ist, wie die Klinge eines Messers. Andere Historiker vermuten, dass es daran liegen könnte, dass der Künstler eine lange, schmale Palette benutzte, deren Form an ein Schwert erinnerte. Es ist jedoch belegt, dass Giovanni Paolo zwischen 1680 und 1683 wegen Mordes inhaftiert war, was darauf hinweisen könnte, dass er seinen Spitznamen durch die Tötung seines Gegners in einem Duell erhielt. Giovanni Paolo Castelli gilt heute als einer der bedeutendsten Stilllebenmaler der römischen Schule des späten 17. und frühen 18. Jahrhunderts und ist derzeit unter anderem in der Pinacoteca Civica Fortunato Duranti in Montefortino, im Museum of Fine Arts in Boston, im Fesch in Ajaccio und in der Pinacoteca in Rieti vertreten.

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JUAN RUIZ SORIANO (Higuera de la Sierra, Huelva, 1701 - Sevilla, 1763). "Der Tod des Heiligen Franziskus", 1743. Öl auf Leinwand. Neu gefasst. Übermalt und restauriert. Präsentiert Inschrift mit Datum. Maße. 139 x 275 cm. Das halbrunde Format dieses Werks deutet darauf hin, dass es sich um ein Gemälde handelt, das als dekoratives Element gedacht ist, vielleicht mit der Absicht, die oberen Bereiche einer Öffnung oder eines anderen architektonischen Raums zu schmücken. Der Künstler hat den Tod des Heiligen Franziskus dargestellt, der in der Mitte der Komposition mit geschlossenen Augen und den Händen mit den Stigmata auf der Brust liegt. Franziskus, der Protagonist der Szene, ist von zahlreichen Ordensleuten umgeben, die über seinen Leichnam wachen, wobei jeder von ihnen eine andere Haltung einnimmt und unterschiedliche körperliche Merkmale aufweist, was von der Meisterschaft des Künstlers zeugt. Das zentrale Bild, das einen nüchternen und strengen Charakter hat, wird vom Künstler durch drei Elemente aufgelockert: die Gloriole im oberen Bereich, die Familie auf der linken Seite, die vielleicht einige Spender darstellt, deren Kleidung sich von dem strengen Schwarz der Ordensbrüder abhebt, und schließlich die Präsenz eines kleinen Raums auf der rechten Seite, in dem die offizielle Beisetzung des Heiligen Franziskus bereits in seinem Sarg zu sehen ist. Juan Ruiz Soriano wurde in Higuera de Aracena, dem heutigen Higuera de la Sierra, geboren und erhielt seine Ausbildung in Sevilla bei seinem Cousin Alonso Miguel de Tovar (Higuera de la Sierra, 1678 - Madrid, 1752). 1725 begann er zu malen. Als Schüler von Tovar ist es logisch, dass Ruiz Sorianos Kunst gleichzeitig von derjenigen Murillos abstammt, weshalb seine Bildproduktion von einer weichen, sanften Zeichnung geprägt ist. Wir wissen, dass er für zahlreiche religiöse Orden tätig war, die ihn baten, eine Reihe von Gemälden zur Dekoration ihrer Klosterwände anzufertigen. Auch für Privatpersonen muss er in großem Umfang gearbeitet haben. Das vorliegende Gemälde zeigt direkte Einflüsse sowohl von Ruiz Soriano als auch von Tovar, so dass man davon ausgehen kann, dass der Künstler ein Maler aus dem Umkreis des ersteren und ein Anhänger des letzteren ist. Wie bei den sevillanischen Malern des 18. Jahrhunderts üblich, haben beide Meister ihre Vorbilder in Murillo gefunden, und dieser Einfluss ist auch auf diesem Gemälde deutlich zu erkennen, sowohl in der skizzenhaften Behandlung mit ihren ausgefeilten klassischen Tönen als auch in den Figuren selbst, die mit einem ausgeprägten Sinn für ausdrucksvolle Freundlichkeit und Heiterkeit gemalt sind. In der Produktion von Alonso Miguel de Tovar finden wir häufig das gleiche Thema wie das vorliegende Gemälde, das in einem sehr ähnlichen Kompositionsmodell dargestellt ist. In den "Divinas Pastoras" in der Pfarrkirche von Cortelazor, in der Kirche von Higuera de la Sierra und im Museo del Prado, die alle typisch für Tovars Stil sind, sitzt Maria auf einem Felsen vor einem links eingeschlossenen Landschaftshintergrund, bekleidet mit einer rosafarbenen Tunika, einem blauen Mantel und einem Sack aus Schafsfell, wobei sie in der linken Hand eine Rose hält und mit der rechten den Kopf eines Schafes streichelt. Auf allen Bildern halten die Tiere, die sich der Figur nähern, Rosen als Opfergabe für Maria im Maul. Die übrigen Elemente der Komposition sind mit denen von Tovar identisch, einschließlich der sekundären Szene im Hintergrund, in der ein Erzengel einen Dämon bekämpft, der ein Lamm angreifen will, das ein Phylakterium mit dem Text "Ave Maria" im Mund hält. Die einzigen ikonografischen Unterschiede zum Werk von Tovar sind die Krone der Jungfrau und der Erzengel, der in dem Werk des Meisters aus Higueras de la Sierra ein Flammenschwert trägt, während er hier unbewaffnet erscheint. Ein weiteres Unterscheidungsmerkmal, wenn auch in Bezug auf die Ikonographie zweitrangig, ist die Tatsache, dass in diesem Werk ein Engel erscheint, der den Stab Marias hält, während der Stab bei Tovar an den Felsen gelehnt erscheint.

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