Null Gasparo Bombaci
Bologna - Bombaci, Gasparo - Unvergessliche Geschichten der…

Beschreibung

Gasparo Bombaci Bologna - Bombaci, Gasparo - Unvergessliche Geschichten der Stadt Bologna Bologna, per Gio. Battista Ferroni, 1666. In 4° klein. Coeval Bindung in floscia Pergament, mit kleinen Fehlern auf dem Rücken und Platten aufgrund von Holzwurm Arbeit. Holzschnitt Kopfbedeckungen und Endpapieren. Vereinzelte Rötung und einige Bräunung.

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Gasparo Bombaci Bologna - Bombaci, Gasparo - Unvergessliche Geschichten der Stadt Bologna Bologna, per Gio. Battista Ferroni, 1666. In 4° klein. Coeval Bindung in floscia Pergament, mit kleinen Fehlern auf dem Rücken und Platten aufgrund von Holzwurm Arbeit. Holzschnitt Kopfbedeckungen und Endpapieren. Vereinzelte Rötung und einige Bräunung.

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Startpreis 95 EUR

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Schätzw. 2 200 - 2 500 EUR

Flämische Schule des 17. Jahrhunderts. "Anbetung der Könige". Öl auf Kupfer. Maße: 72 x 55 cm; 92 x 75 cm (Rahmen). Dieses Werk gehört zur flämischen Schule des siebzehnten Jahrhunderts und stellt die religiöse Szene der Anbetung der Könige dar. Das Werk stellt den Moment dar, in dem die drei Könige in Begleitung ihres Gefolges ihre Gaben dem Jesuskind überreichen, das in den Armen seiner Mutter mit dem Weihrauch zu spielen scheint, den ihm der vor ihm kniende Gaspar überreicht. Die Szene spielt sich im Freien ab, mit einem Hinweis auf die Krippe auf der rechten Seite, die durch einen Rundbogen und eine Säule in eine klassische Architektur verwandelt wurde. Die Kleidung der Könige, mit bestickten Umhängen von reicher Farbe und großem Reichtum, wie die Verzierungen aus Edelsteinen und Juwelen von Balthasar, zeigen den Luxus dieser Prozession. Die Szene spielt sich fast im Halbdunkel ab, da wir in der letzten Einstellung die Öffnung zur Landschaft sehen können. Die Helligkeit ist jedoch deutlich und der Fokus geht von der Figur des Jesuskindes aus, das das Licht ausstrahlt, das auf die übrigen Figuren fällt. Die Großartigkeit des Werks zeigt sich in der Vielzahl der Figuren. Es handelt sich um eine Komposition voller Bewegung und Dynamik, bei der jede der Figuren einzeln und als Ganzes betrachtet wird und verschiedene Haltungen und Ebenen aufweist.

Schätzw. 7 500 - 8 000 EUR

Spanische oder novo-spanische Schule; zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts. "Jungfrau des Tabernakels von Toledo". Öl auf Leinwand. Neu gezeichnet. Es stellt Schäden durch xylophagous verursacht. Es hat einen Rahmen aus dem 17. Jahrhundert. Maße: 220 x 163 cm; 258 x 202 cm (Rahmen). Das Werk zeigt auf einem unbestimmten Hintergrund das Bild der Jungfrau Maria mit dem Kind im Arm. Ihr Blick nach vorne, die Geste ihrer Hände und die Stellung Jesu zu seiner Mutter lassen vermuten, dass es sich um eine Darstellung handelt, die von einer Schnitzerei vor der Entstehungszeit des Bildes inspiriert wurde. Im 17. Jahrhundert war es üblich, die am meisten verehrten Bilder auf diese Weise zu kleiden, um sie zu respektieren und gleichzeitig zu aktualisieren, sie hervorzuheben und ihnen den Reichtum zu verleihen, den ihr "Rang" als heilige Figuren erforderte. Die Elemente, die sowohl von Maria als auch vom Kind getragen werden, und die Gesten der beiden, spielen direkt auf die Darstellung der so genannten Virgen del Sagrario in der Kathedrale von Toledo an. Es wird gewöhnlich auf die Zeit um 1200 datiert, ist aus Holz gefertigt und vollständig mit Silber überzogen (mit Ausnahme des Kopfes und der Hände). Bereits zur Zeit Alfons X. des Weisen berühmt, wurde es um 1226 inthronisiert, wobei Isabella die Katholische noch mehr in den Vordergrund trat. In der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts wurde für sie eine Kapelle gebaut, die von Don Gaspar de Quiroga begonnen und von D. Bernardo de Sandoval fertiggestellt wurde und deren Einweihung unter dem Vorsitz von Philipp III. stattfand (1616). Wie bereits erwähnt, ähnelt die Position der Hände Marias in diesem Werk sehr stark derjenigen der Schnitzerei von Toledo, ebenso wie die Gesichter der beiden Figuren, obwohl die "Aktualisierung" des Stils und der Modellierung der Volumen deutlich ist. Es stimmt zwar, dass das Werk einen archaischen, dem Mittelalter verwandten Stil aufweist. Das heißt, dass die Ästhetik (Komposition, Stil, Zeichnung, Palette...) verwendet wird. Aus Texten ist bekannt, dass die erwähnte Jungfrau des Tabernakels in Toledo im 17. Jahrhundert in einen reichen Mantel aus Perlen und Juwelen gekleidet war. Außerdem wäre die auf dem Ölgemälde gezeigte Krone die ältere der beiden wichtigen, die sich heute in "seinem Schatz" befinden (sie scheint eine Basis aus dem 15. Jahrhundert zu sein und der Rest ein Werk von Alonso de Montoya aus dem Jahr 1568 oder aus der Zeit zwischen 1574 und 1586), und sie ist wirklich besonders in ihrer Form und den Bändern und Vertiefungen, die sie vorne bildet. Der "rostrillo" mit den Perlen Marias ist auch ein übliches Element, um die mittelalterlichen Schnitzereien, die in der Barockzeit und später sehr beliebt waren, mit einer Reihe von Juwelen und Elementen zu "schmücken", die möglicherweise von prominenten Persönlichkeiten der Zeit gestiftet wurden.

Schätzw. 13 000 - 14 000 EUR

Neapolitanische Schule; ca. 1700. "Stillleben". Öl auf Leinwand. Nachkoloriert. Es präsentiert Übermalungen und Restaurierungen. Maße: 91 x 166 cm; 110 x 185 cm (Rahmen). Neapolitanisches Stillleben von Blumen und Früchten prächtig gearbeitet, mit Detail und Aufmerksamkeit auf die Qualitäten. Trotz der Fülle der Elemente, aus denen sich die Komposition zusammensetzt, findet das Stillleben in einem Innenraum statt, der durch die Möbel, die Teil der Szene sind, erahnt wird, und dass in der letzten Ebene eine kleine Öffnung zu erkennen ist, die den Blick auf eine äußere Landschaft freigibt. Die Elemente, aus denen sich das Stillleben zusammensetzt, sind im Vordergrund platziert, in einer typisch klassischen Komposition, die trotz der relativ einfachen Struktur des Raumes dynamisch ist. Die Dynamik wird durch die Verwendung von leuchtenden, metallischen Farben verstärkt, wie das Orange des Stoffes oder der Polsterung des Stuhls und das Rosa der Blumen. Diese Farben bilden wiederum einen starken Kontrast zu den übrigen, für das neapolitanische Stillleben typischen Tönen der Leinwand. Aufgrund seiner technischen Merkmale ist es wahrscheinlich, dass das Werk zum Umkreis des Künstlers Andrea Belvedere (Italien, 1652-1732) gehört, der von Luca Giordano an den spanischen Hof gerufen wurde. Belvedere ließ sich von 1694 bis 1700 in Madrid nieder und hinterließ in der Hauptstadt mehrere Beispiele seines Schaffens als Stilllebenmaler, die sich heute in der Sammlung des Museo del Prado befinden. Die neapolitanische Stilllebenschule des Barocks, die auf dem Antiquitätenmarkt, bei Sammlern und Kunsthistorikern sehr geschätzt wird, erlebte eine spektakuläre Entwicklung, indem sie den Glanz des 16. Jahrhunderts hinter sich ließ und sich zu einem vollständig barocken und klar erkennbaren Stil entwickelte. Künstler wie Tommaso Realfonso, Nicola Casissa, Gaspare Lopez, Giacomo Nani und Baldassare de Caro setzten die lokale Tradition fort, indem sie sich auf die Malerei von Blumen, Früchten, Fischen und Wild spezialisierten und so die Nachfrage einer breiten Kundschaft befriedigten, die von einem neuen Geschmack des 17. Jahrhunderts geprägt war. Neben diesen Künstlern gibt es auch die kleinen Figuren, die langsam aus der ungerechten Vergessenheit auftauchen, und einige Künstler, die zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert arbeiteten, wie Francesco della Questa, Aniello Ascione, Nicola Malinconico, Gaetano Cusati, Onofrio Loth, Elena und Nicola Maria Recco, Giuseppe Ruoppolo und Andrea Belvedere. Diese neapolitanischen Stilllebenmaler, die im 17. und frühen 18. Jahrhundert tätig waren, werden als "i generisti" bezeichnet und waren nicht nur in ihrem eigenen Umfeld von Bedeutung, sondern auch und vor allem in Spanien, wo die Entwicklung des Genres deutlich vom italienischen Einfluss und insbesondere vom Beitrag der neapolitanischen Schule geprägt war. Heute gilt diese Schule als eine der bedeutendsten innerhalb des barocken Stilllebengenres. Die neapolitanischen Barockmaler zeichneten sich stets durch ihren starken naturalistischen Charakter und ihre warme Farbigkeit aus, wobei rötliche und erdige Töne dominierten.

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