Null Lony Wing. Twenter Landschaft mit Bauernhof (Boerskotten in Oldenzaal). Acr…

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Lony Wing. Twenter Landschaft mit Bauernhof (Boerskotten in Oldenzaal). Acryl auf Leinen. Abmessungen: H 40 x B 40 cm. In gutem Zustand.

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Lony Wing. Twenter Landschaft mit Bauernhof (Boerskotten in Oldenzaal). Acryl auf Leinen. Abmessungen: H 40 x B 40 cm. In gutem Zustand.

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Taller RIGALT, GRANELL i CIA. Modernistische Glasmalerei, ca. 1910. "Der Heilige Georg, die Prinzessin und der Drache". Gebildet aus 9 Bleiverglasungen. Handbemalt mit Feuer. Gestell aus Eisen. Signiert "Graell i Cia" auf der rechten Seite. Es hat zwei beschädigte Glasscheiben. Maße: 206 x 150 cm. Modernistische Glasmalerei aus der renommierten Werkstatt in Barcelona, die von Antonio Rigalt und der Familie Granell gegründet wurde. Die Ästhetik und Qualität der Glasmalerei von Rigalt & Granell zeigt sich in der Dicke und Farbintensität der Kristalle, in der filigranen Verarbeitung der Bleiverglasung und in den attraktiven Formen, die in mühevoller handwerklicher Arbeit entstanden sind. Dieses prächtige Glasfenster besteht aus einzelnen farbigen Glasstücken, die sorgfältig geschnitten und geformt wurden, um eine ausgewogene und gleichzeitig dynamische Komposition zu schaffen. Im Zentrum der Komposition steht der Heilige Georg auf einem weißen, sich aufbäumenden Pferd. In seiner Rüstung sticht er mit seiner Lanze auf den sterbenden Drachen ein: Flügel, schuppiger Körper und Kopf sind in verschiedenen Farben gehalten, was ihm mehr Ausdruckskraft verleiht. Die Prinzessin mit idealisierten Zügen kniet und betet auf einem Felsvorsprung. Die felsige Landschaft wird von der Burg gekrönt. Das smaragdfarbene Blattwerk kontrastiert mit dem Kobaltblau des Himmels und den Bernsteintönen der Felsen. Die Glasmalereiwerkstatt, die von Mitgliedern der Familien Rigalt und Granell aus Barcelona gegründet wurde, war von 1890 bis 1984 in Betrieb. Ihre Vorläufer sind der Zeichner und Glaser Antoni Rigalt i Blanch (1850-1914), der in einem künstlerischen Umfeld aufwuchs, denn er war der Neffe des Malers und Zeichners Lluís Rigalt i Farriols (1814-1894). Er ließ sich an der Schule Llotja in Barcelona zum Zeichner ausbilden und unterrichtete bis 1901 Zeichnen. Sein Wechsel zum Glasmacher erfolgte nicht nach dem traditionellen Muster, indem er als Lehrling in einer Werkstatt begann, sondern nach seiner künstlerischen und theoretischen Ausbildung. Er war mit den wichtigsten Künstlern und Architekten seiner Zeit verbunden und arbeitete regelmäßig an den Werken des Architekten Lluís Domènech i Montaner mit. Aufgrund des Umfangs seiner Arbeiten und der hohen technischen Qualität seiner Werke ist die Werkstatt Rigalt, Granell & Cía. mit den großen Glasmalereiwerkstätten vergleichbar, die zu jener Zeit in Frankreich, England und Deutschland existierten. Das Unternehmen nahm seine Tätigkeit 1890 unter dem Namen Antoni Rigalt y Cía auf. Später, von 1903 bis 1923, wurde sie in Rigalt, Granell y Cía umbenannt. Jeroni F. Granell y Manresa war Architekt und verband seine berufliche Laufbahn mit dem Glasmalerei-Unternehmen, an dem er zunächst als Teilhaber beteiligt war, sich aber nach und nach immer stärker engagierte, bis er 1914, als Rigalt starb, die Leitung des Unternehmens übernahm und sogar seine Tätigkeit als Architekt aufgab. Obwohl die meisten Arbeiten dieser Werkstatt für Gebäude in der Stadt Barcelona bestimmt waren, erhielt sie auch Aufträge für das übrige Katalonien, einige für verschiedene Teile Spaniens und sogar für das Ausland, insbesondere für Südamerika. Aus der Werkstatt von Rigalt und Granell stammen einige der bedeutendsten Glasmalereien des katalanischen Modernismus, wie die für den Palau de la Música Catalana, die Casa Lleó Morera in Barcelona oder die Casa Navàs in Reus. Sie arbeiteten an den Werken der Architekten Lluís Domènech i Montaner, Enric Sagnier, August Font i Carreras und anderen. Sie führten auch zahlreiche Restaurierungen mittelalterlicher Glasmalereien durch, wie die der Kathedrale von León oder des Klosters von Santes Creus. Die Werkstatt nahm an zahlreichen Ausstellungen teil und wurde vielfach ausgezeichnet: 1888 an der Weltausstellung in Barcelona, 1892, 1896 und 1898 an der Ausstellung der Schönen Künste und der Kunstindustrie in Barcelona, 1899 an der Ausstellung der Schönen Künste in Madrid, 1900 an der Nationalen Kunstausstellung, 1907 und 1911 an der Internationalen Kunstausstellung in Barcelona, 1929 an der Weltausstellung in Barcelona und 1947 an der Nationalen Ausstellung für dekorative Kunst.

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Andalusische oder novo-hispanische Schule; zweite Hälfte des XVII Jahrhunderts. "Der heilige Erzengel Raphael". Öl auf Leinwand. Es präsentiert Mängel und Restaurierungen in der Bildoberfläche und dem Rahmen. Maße: 178 x 101 cm; 187 x 110 cm (Rahmen). Andachtsbild, das uns den Erzengel San Rafael mit ausgebreiteten großen Flügeln präsentiert, reich gekleidet mit Kleidung nach der Mode der Zeit, Reflexion seiner hohen Position im himmlischen Hof. Besonders bemerkenswert ist die sorgfältige Behandlung der Kleidung, Details wie die Stickerei auf dem Hemd oder die Verzierungen an den Stiefeln, die das Überleben der spanischen Sitten des 16. Jahrhunderts in der kolonialen Schule des Barocks widerspiegeln. Der Engel erscheint in einer einfachen, klaren und didaktisch perfekten Komposition, die wahrscheinlich von einem aus Europa mitgebrachten Stich stammt. Er erscheint frontal, in voller Länge und im Vordergrund, auf einem mit Mohnblumen bewachsenen Felsvorsprung stehend, vor einer tiefer gelegenen Landschaft, die sich in der Tiefe entwickelt, wiederum nach Vorbildern, die aus dem manieristischen Spanien stammen. Der Fisch, der an einer seiner Hände hängt, und die Teelichtscheibe in einer anderen Hand deuten darauf hin, dass es sich um eine Darstellung des Erzengels Raphael handeln könnte. Dieser Erzengel ist einer der sieben Erzengel, die sich vor dem Thron Gottes befinden. Er ist als der heilende Erzengel bekannt, weil er bei der Figur des Tobias, den er von einer Blindheit heilte, göttlich eingriff. Er wird gewöhnlich mit einer Angelrute dargestellt, neben einem Fisch oder mit der Rute der Pilger, ein Attribut, das ihn als Schutzpatron der Reisenden ausweist, da er mit seiner Hilfe auf spirituellen Reisen auf der Suche nach Wahrheit und Wissen führt. Das Werk erinnert weitgehend an die ästhetischen Muster, die zu dieser Zeit populär wurden und die Harquebusier-Engel oder Fackelträger darstellten. Als unverzichtbar in der Darstellung von skulpturalen Gruppen von religiösen Charakter, mit der Figur des Heiligen, Jesus, oder die Jungfrau. Es präsentiert Fehler und Restaurierungen in der Bildfläche und dem Rahmen.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

DAVID HAMILTON (London, 1933-Paris, 2016). "Junge Frau schlafend", 1974. Fotografie auf Gelatinesilber. Signiert und datiert. Maße: 17 x 23,5 cm. Auf dieser Fotografie konzentriert sich der Autor auf das Modell aus einer hohen Perspektive. Er vermeidet es, das Gesicht darzustellen, nicht nur, weil die junge Frau mit dem Gesicht nach unten liegt, sondern auch, weil er den Kopf des Modells aus dem Rahmen lässt. Durch die Position und die explizite Erotik bietet uns der Autor eine Revision von Coulberts "Der Ursprung der Welt". David Hamilton war ein britischer Fotograf und Filmregisseur, der für seine Fotografien von jungen Frauen und Mädchen bekannt war, die er hauptsächlich nackt ablichtete. Sein Stil wurde als "Hamilton Blur" bezeichnet, Hamiltons Bilder wurden Teil einer Debatte über "Kunst oder Pornografie". Ihre künstlerischen Fähigkeiten begannen sich während eines Jobs in einem Architekturbüro zu entwickeln. Im Alter von 20 Jahren ging er nach Paris, wo er als Grafikdesigner für Peter Knapp von der Zeitschrift Elle arbeitete. Nachdem er Anerkennung gefunden hatte, wurde er von der Zeitschrift Queen in London als Art Director eingestellt. Hamilton entdeckte jedoch bald seine Liebe zu Paris, und nach seiner Rückkehr wurde er Art Director bei Printemps, dem größten Kaufhaus der Stadt. Noch während seiner Tätigkeit bei Printemps begann Hamilton mit der Werbefotografie, und der verträumte, körnige Stil seiner Bilder wurde von der Kritik gelobt. Seine Fotografien wurden auch von anderen Zeitschriften wie Réalités, Twen und Photo nachgefragt. Zu seinen weiteren Erfolgen zählen Dutzende von Fotobüchern, fünf Spielfilme, unzählige Ausstellungen in Zeitschriften sowie Ausstellungen in Museen und Galerien. Im Dezember 1977 zeigte die Images Gallery, ein Studio im Besitz von Bob Persky in der East 57th Street 11 in Manhattan, seine Fotografien zeitgleich mit der Veröffentlichung von Bilitis. Der Kunstkritiker Gene Thornton schrieb damals in der New York Times, dass sie "die Art von Ideal enthüllen, die regelmäßig in den großen Gemälden der Vergangenheit zum Ausdruck kommt". In seinem Buch Contemporary Photographers schrieb der Kurator Christian Caujolle, dass Hamilton nur mit zwei festen Mitteln arbeitete: "eine klare Bildabsicht und eine latente Erotik, die scheinbar romantisch ist, aber zu Problemen führen kann". Neben jungen Frauen fotografierte Hamilton auch Blumen, Männer, Landschaften, Nutztiere, Tauben und Früchtestillleben. Einige seiner Fotografien ähneln Ölgemälden. Die meisten seiner Werke erwecken den Eindruck von Zeitlosigkeit, da sie keine Autos, modernen Gebäude und Werbung zeigen. Denise Couttès erklärte 1976 Hamiltons Erfolg mit den Worten: "(Seine Fotografien) sind Ausdruck von Eskapismus. Die Menschen können der Gewalt und Grausamkeit der modernen Welt nur durch Träume und Nostalgie entkommen". Sein Weichzeichner-Stil kam ab 2003 in der Vogue, Elle und anderen Modemagazinen wieder in Mode. Die Fotobücher debütierten auf der Leinwand in Bilitis. Später heiratete er Gertrude, die The Age of Innocence mitgestaltete, aber sie ließen sich einvernehmlich scheiden.Hamilton lebte zwischen Saint-Tropez und Paris. Seit 2005 erfährt er eine Renaissance seiner Popularität. Im Jahr 2006 wurden David Hamilton, eine Sammlung von Fotografien mit Bildunterschriften, und Erotic Tales, die fiktive Kurzgeschichten Hamiltons enthalten, veröffentlicht. Zum Zeitpunkt seines Todes arbeitete Hamilton an einem weiteren Buch, Monograph of Montenegro.

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