MONACO QUADRI, collezione di francobolli MONACO PAINTINGS, Briefmarkensammlung.

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MONACO QUADRI, collezione di francobolli

MONACO PAINTINGS, Briefmarkensammlung.

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MONACO QUADRI, collezione di francobolli

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Kein Schätzwert

Franz Reinhardt the Elder, 15 watercolors, German, 1st half of the 20th century Wasserfarbe auf Papier. 15 überwiegend mythologisch inspirierte, dynamische Aquarelle. Jeweils signiert und teilweise datiert (1932 - 1942). Die Heldendarstellung mit Krokodil angerissen und repariert, sonst guter Zustand. Maße ohne Passepartout ca. 17 x 17 cm bis 27 x 27 cm. Franz Reinhardt (1881 - 1946) war ein Münchner Maler des Expressionismus und malte hauptsächlich mythologische und religiöse Bilder. Nach seiner Akademieausbildung (u.a. bei F. v. Stuck) trat er der Münchner Secession bei. Heute befinden sich seine Werke u.a. in der Bayerischen Staatsgemäldesammlung sowie dem Lenbachhaus. Condition: II

Schätzw. 1 200 - 1 800 EUR

ALEX KATZ (Brooklyn, New York, 24. Juli 1927). "Vincent", 1972. Lithographie auf Papier. Exemplar 50/120. Beiliegendes Zertifikat der Composition Gallery, Georgia. Signiert in der linken unteren Ecke. Maße: 38,1 x 53,3 cm; 73,5 x 82,5 cm (Rahmen). In diesem Werk ist das Porträt des Sohnes des Künstlers zu sehen, der bei zahlreichen Gelegenheiten von seinem Vater porträtiert wurde. In der Ausstellung, die das Guggenheim Museum Alex Katz gewidmet hat, sagte sein Sohn, der heute Kunstkritiker ist: "Es ist interessant, ein Kind zu sein und porträtiert zu werden, weil man denkt, dass man etwas tun muss, wie: 'Wie lange muss ich dafür posieren?' Und er malt sehr schnell. Es ist also überhaupt ein schmerzloser Prozess." Alex Katz wurde in eine jüdische Familie in Brooklyn hineingeboren, 1928 zog er mit seiner Familie nach Queens, wo. Von 1946 bis 1949 studierte Katz an der Cooper Union in New York und von 1949 bis 1950 an der Skowhegan School of Painting and Sculpture in Maine. Eine Ausbildung, die sich als entscheidend für seine Entwicklung als Maler erwies und bis heute ein Grundpfeiler seiner Praxis ist. Katz erklärt, dass das Malen im Freien in Skowhegan ihm einen Grund gab, sein Leben der Malerei zu widmen. Katz' Gemälde lassen sich fast zu gleichen Teilen in die Genres Porträt und Landschaft einteilen. Seit den 1960er Jahren malt er Ansichten von New York (insbesondere seiner unmittelbaren Umgebung in Soho), die Landschaften von Maine, wo er jedes Jahr mehrere Monate verbringt, sowie Porträts von Familienmitgliedern, Künstlern, Schriftstellern und führenden Persönlichkeiten der New Yorker Gesellschaft. Seine Gemälde zeichnen sich durch ihre Flächigkeit in Farbe und Form, ihre Sparsamkeit in der Linienführung und ihre erfrischende, aber dennoch aufrüttelnde emotionale Distanziertheit aus. Eine wichtige Inspirationsquelle sind die Farbholzschnitte des japanischen Künstlers Kitagawa Utamaro. Anfang der 1960er Jahre begann Katz, beeinflusst von Film, Fernsehen und Werbeplakaten, großformatige Gemälde zu malen, oft mit dramatisch geschnittenen Gesichtern. Die meisten seiner Werke stellen Nahaufnahmen dar, die Vorder- und Rückansichten des Kopfes derselben Figur oder Figuren zeigen, die sich von gegenüberliegenden Rändern des Bildträgers aus betrachten. Seit 1951 war Alex Katz' Werk Gegenstand von mehr als 200 Einzelausstellungen und fast 500 Gruppenausstellungen in den Vereinigten Staaten und international. Seine erste Einzelausstellung war eine Gemäldeausstellung in der Roko Gallery in New York im Jahr 1954. Im Jahr 1974 zeigte das Whitney Museum of American Art Alex Katz Prints, gefolgt von einer Retrospektive mit Gemälden und Cut-Outs unter dem Titel Alex Katz im Jahr 1986. Katz hatte zahlreiche Retrospektiven in Museen wie dem Whitney Museum of American Art, New York, dem Brooklyn Museum, New York, dem Jewish Museum, New York, dem Irish Museum of Modern Art, Dublin, dem Colby College Museum of Art, Maine, der Staalichen Kunsthalle, Baden-Baden, der Fondazione Bevilacqua La Masa, Venedig, dem Centro de Arte Contemporaneo de Malaga und der Saatchi Gallery, London (1998). Katz' Werke befinden sich in den Sammlungen von mehr als 100 öffentlichen Einrichtungen weltweit, darunter das Honolulu Museum of Art, das Museum of Modern Art, New York, das Metropolitan Museum of Art, New York; das Whitney Museum of American Art, NY; die Smithsonian Institution, Washington, D .C .Carnegie Museum of Art, das Art Institute of Chicago, das Cleveland Museum of Art, die Tate Gallery, London, das Centre Georges Pompidou, Paris, das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, das Metropolitan Museum of Art, Tokio, die Nationalgalerie, Berlin, und das Brandhorst Museum, München, um nur einige zu nennen. Beigefügt ist ein Zertifikat der Composition Gallery, Georgien.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

FERRÁN GARCÍA SEVILLA (Palma de Mallorca, 1949). "Bol 16", 2005. Acryl auf Leinwand. Signiert auf der Rückseite. Provenienz: Galerie Joan Prats in Barcelona. Beiliegend ein Etikett der Galerie Joan Prats. Maße: 152 x 172 cm. In dieser Komposition mit festlichem Charakter, die nicht aufhört, konzeptionell und intellektuell zu sein (wie die meisten seiner bildnerischen Experimente), führt García Sevilla einen Dialog mit dem Erbe des abstrakten Expressionismus und sogar mit dem Pointillismus, um dieses Erbe in chromatischen Supernovas auszubrüten. Ursprünglich mit Kunsttheorie und -kritik verbunden, war García Sevilla Professor für Bildende Kunst an mehreren Universitäten. Sein persönliches Debüt gab er 1972. Nachdem er seine künstlerische Laufbahn in der Konzeptkunst begonnen hatte, landete er in der Malerei und Grafik, die in der so genannten postmodernen Kunst angesiedelt ist. In der Regel arrangiert er klar umrissene, oft anthropomorphe Figuren auf neutralen Hintergründen oder mit sich eindringlich wiederholenden Motiven. Er verwendet reiche, lebendige und kontrastreiche Farbpaletten, mit einer vereinfachten Sprache, die manchmal der primitiven Kunst nahe kommt. García Sevillas riesige Gemälde, seine eindringlichen Bilder, sein oft brutaler Humor, die Texte, die einen Teil der Oberfläche dieser Gemälde einnehmen, seine Ausdruckskraft sind dem spanischen Betrachter ebenso vertraut wie dem in anderen Ländern. Mit einer Vorstellungskraft ausgestattet, die fast so gewaltig ist wie sein Wille, ist García Sevilla eine wahre Maschine zur Herstellung von Bildern, zum Verschlingen und Umwandeln von Bildern. All dies findet seine Übersetzung auf der verbalen Ebene: Seit seinem berühmten Interview mit Kevin Power, das in dessen Buch "Conversations with..." (1985) gesammelt wurde, zweifelt niemand mehr daran, dass García Sevilla zu den spanischen Malern gehört, die mehr zu sagen haben und die unter dem Anschein der Improvisation und, wenn nötig, des Deliriums, mehr Wendungen in der Bedeutung ihrer Arbeit geben. In dieser Hinsicht erinnert sein Fall an den von Miró, den er immer sehr bewundert hat. Er hatte Einzelausstellungen in Europa und den Vereinigten Staaten und nahm an Gruppenausstellungen in Hamburg, Wien, München, St. Petersburg, Lissabon und mehreren spanischen Städten sowie an der Documenta in Kassel (1987) und den Biennalen von Istanbul (1989) und São Paulo (1996) teil. Zu den persönlichen Ausstellungen der letzten Jahre gehören die der Elga Wimmer Gallery in New York (1992), des Thomas Netusil Kunsthandels in Wien (2000) und der Galerie Fúcares in Madrid (2008). García Sevilla ist im Centre Pompidou in Paris - Nationalmuseum für moderne Kunst, im Nationalmuseum Reina Sofía, im MACBA in Barcelona, im Atlantic Center of Modern Art in Las Palmas, im CaixaForum in Barcelona, in der Stiftung Suñol, im Museum Ico Collections, im Es Baluard in Palma de Mallorca, im IVAM in Valencia, in der Stiftung Juan March, im Museum Patio Herreriano in Valladolid, im ARTIUM in Vitoria und im MuHKA in Antwerpen vertreten.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

MANUEL BENEDITO Y VIVES (Valencia, 1875 - Madrid, 1963). "Weintrauben", 1916. Öl auf Leinwand. Beigefügtes Echtheitszertifikat der Stiftung Manuel Benedito. Signiert in der unteren linken Ecke. Maße: 65 x 160 cm. Nach den Worten der Stiftung über dieses Werk: "Seit er "Die Kindheit des Bacchus" während seines Aufenthalts an der Akademie in Rom malte, waren Weintrauben immer ein Motiv, für das sich Benedito interessierte. In diesem Fall, mit einem pflanzlichen Hintergrund aus Zweigen und Weinblättern, die einen Blick auf einen völlig blauen Himmel erlauben, bilden die verschiedenen Obstsorten, ihr unterschiedlicher Reifezustand und das Licht, das sich auf der kugelförmigen Oberfläche der Trauben spiegelt, ein fröhliches Fries aus Farben voller Nuancen. Es wurde in einer der besten Perioden Beneditos gemalt und ist eine vorbereitende Studie für ein Gemälde, das er nicht gemalt hat". Benedito y Vives beginnt 1888 seine Ausbildung an der Schule der Schönen Künste San Carlos in Valencia, wo er unter der Leitung von Salvá y Vilá studiert. 1894 tritt er in die Werkstatt von Joaquín Sorolla ein, der sein wichtigster Lehrer werden sollte. Zwei Jahre später reist er mit ihm nach Madrid, wo er Illustrationen für "La revista moderna" und "Blanco y Negro" anfertigt. Im Jahr 1900 erhält er eine Pension in Rom, und nachdem er vier Jahre dort verbracht hat, reist er durch Frankreich, Belgien und Holland und lässt sich 1909 in Volendam nieder. Er widmete sich dem Porträt, dem Stillleben, den lokalen Typen und der Landschaft, und unter seinen Einzelausstellungen sind die im Saal Amaré 1907 und in den Salons von "Black and White" 1910 hervorzuheben. 1918 wurde er zum künstlerischen Berater der Königlichen Tapisserie-Fabrik ernannt und 1923 zum Akademiker der Königlichen Akademien der Schönen Künste von San Fernando (Madrid) und der Edlen Künste von San Carlos (Valencia). Er arbeitete als Professor an der Schule der Schönen Künste von San Carlos und später für Farbe und Komposition an der Schule von San Fernando, wo er seinen Lehrer Sorolla ablöste. Später wurde er zum Direktor der Schule der Schönen Künste in Madrid ernannt. 1925 wurde er zum korrespondierenden Mitglied der Hispanic Society of America, zum korrespondierenden Mitglied der Nationalen Akademie der Schönen Künste von Lissabon und 1941 zum Vorsitzenden des Kuratoriums des Sorolla-Museums ernannt. Nach seinem Tod im Jahr 1963 wurde das Casa-Museo Benedito in Madrid gegründet. In seiner Reifezeit wandte er sich der Porträtmalerei zu; Alfonso XIII. und Concha Piqué, neben anderen prominenten Persönlichkeiten der damaligen Zeit, standen für ihn Modell. Zu seinen Auszeichnungen gehören die ersten Medaillen der Nationalen Ausstellungen der Schönen Künste von 1904 und 1906 sowie die Goldmedaillen der Hispano-Französischen Ausstellung von 1908 und der Internationalen Ausstellungen von München (1909), Brüssel (1910), Buenos Aires (1910) und Barcelona (1911). Werke von Manuel Benedito befinden sich unter anderem im Prado-Museum, in den Museen der Schönen Künste von Valencia, Santander, Asturien, Havanna und Buenos Aires sowie in der Hispanic Society of America (New York) und in herausragenden Privatsammlungen wie der Jr. Sackar of Sydney. Das von der Stiftung Manuel Benedito ausgestellte Echtheitszertifikat ist beigefügt.

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