JUAN BARJOLA (Torre de Miguel Sesmero, Badajoz, 1919 - Madrid, 2004). "Stierkampf". Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Das Werk wurde von Juan Antonio Galea, dem Sohn des Künstlers, bestätigt. Maße: 81 x 100 cm; 103 x 122 cm (Rahmen). Barjola verleiht seinen Tauromaquias einen berüchtigten Sinn, indem er die Tragödie der Stierkampfkunst in einer von Goya und Picasso geerbten Sprache wiedergibt, die bereits in ihren Stichen ihre besondere Vision dieses Themas festhielten. Fernando Castro, Experte für die Figur des Barjola, meint: "Die berüchtigten Visionen von Barjola, der eine unglaubliche Fähigkeit besaß, existenzielle Übelkeit einzufangen, haben einen obsessiven Rhythmus und kehren an unwirtliche Orte zurück, sei es die Stierkampfarena, in der es nach dem Stierkampf zu Tumulten kommt, oder das Bordell, in dem die Leichen vor allem Ekel auslösen". Barjola, der es verstand, die Strömungen des Kubismus und des Expressionismus zu synchronisieren, entwickelt in seinen Stierkämpfen die Dislokation der Figuren. Castro bekräftigt: "Barjola verwandelt seine Tauromaquias in seltsam wirbelnde Kompositionen, wobei er dem Drittel der Stäbe große Aufmerksamkeit schenkt. In diesen katastrophalen Tauromaquias spielt das Pferd fast immer die Rolle des Sühneopfers, das durch eine Handlung, an der es unschuldig ist, zu Tode geschleift wird. Deshalb gibt es immer eine höchste Geste des Schmerzes, des Protests, des Flehens". Juan Barjola, der zur Strömung des repräsentativen Expressionismus gehört, ist einer der bedeutendsten spanischen Maler der zweiten Hälfte des 20. Schon als Kind zeigte er seine Liebe zum Zeichnen. Im Alter von fünfzehn Jahren kam er nach Badajoz, um seine Ausbildung an der Escuela de Artes y Oficios der Stadt zu beginnen. Im Jahr 1943 zog er nach Madrid, wo er zunächst an der Escuela de Artes y Oficios und später an der Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando studierte. Gleichzeitig bildete er sich am Prado-Museum weiter. Während dieser Zeit, die 1950 endete, schuf Barjola eine Reihe von akademischen Werken im naturalistischen Stil mit Themen aus dem Familienleben, Vorstadtfiguren und anderen Genreszenen. Um 1950 begann er eine neue Phase des postkubistischen Stils, der in Madrid unter dem Einfluss von Daniel Vázquez Díaz vorherrschte. In diesen Jahren entwickelte Barjola facettenreiche Bilder mit flacher Behandlung und bläulichen, kalten Farben. Gleichzeitig begann er, eine neue, konstruktivere Phase zu entwickeln, die von erdigen Farben geprägt war. 1957 gab Barjola sein Debüt in der Galerie Abril in Madrid, und im selben Jahr hatte er zwei weitere persönliche Ausstellungen in Brüssel. Danach begann er eine glänzende Ausstellungskarriere, die ihn nach Europa, Japan, in die Vereinigten Staaten und nach Lateinamerika führte. Um 1958 begann er eine kurze, aber intensive Periode, in der er mit einer abstrakten Sprache experimentierte. Sein Werk wird nun von dicken und üppigen Impastos aus schmutzigen und dunklen Farben geprägt, die abstrakte und organische Stillleben bilden. Es ist der Höhepunkt der materiellen Abstraktion, die von Tàpies aus Barcelona angeführt wird. Ein Jahr später, ohne dass die dicken Impastos verschwinden, beginnen die organischen Flecken sich in menschlichen Embryos aufzulösen, was zu einer Rückkehr zur Figuration im Einklang mit dem von Francis Bacon initiierten internationalen Trend führt. Barjola wird so zum wichtigsten spanischen Vertreter der Neuen Figuration. Gleichzeitig wurde sein Werk immer mehr anerkannt. Gegen 1964 erfährt sein Werk eine neue Entwicklung, die durch die Gemälde von Velázquez, Goya und El Greco geprägt ist. Damit begann das Goldene Zeitalter des Malers. Der dicke Impasto verschwindet und seine Sprache wird flüssiger, während seine Farben an Helligkeit und Leuchtkraft gewinnen. Zur gleichen Zeit schuf Barjola eine Reihe von Werken mit brutalem Expressionismus und großer visueller Kraft, die mit den Themen Gewalt und Krieg verbunden waren. Ab 1972 beginnt seine Malerei jedoch, diese konzeptionelle Schwere hinter sich zu lassen und sich einem rein plastischen Experimentieren zu öffnen, bei dem Form, Komposition und Farbe die Hauptrolle spielen. Dieser Wandel führt in den achtziger Jahren zu einer Malerei, die von einem dekorativen Sinn und einem leichteren Lyrismus und Optimismus geprägt ist. Die ganze Dramatik seines Werks verschwindet, und die Gemälde werden zu Festen des Lichts, der Farbe und der Bewegung. In dieser Zeit wurde er mit dem Premio Nacional de Artes Plásticas (1985) ausgezeichnet. Im folgenden Jahrzehnt kehrte Barjola jedoch zum dramatischen Ausdruck zurück, ließ die formalen Experimente beiseite und konzentrierte sich auf einen unerbittlichen Pessimismus, der seine Malerei auf das ausrichtete, was schon immer sein künstlerisches Credo gewesen war: den Ausdruck des menschlichen Dramas. Nach seinem Tod im Jahr 2004 wurden ihm wichtige Ausstellungen gewidmet, wie zum Beispiel die Retrospektive im IVAM in Valencia im Jahr 2006. Derzeit ist er in dem nach ihm benannten Museum in Oviedo, dem Reina Sofía in Madrid, dem Museum der Schönen Künste in Bilbao, dem Museum der Schönen Künste in Madrid, dem Museum der Schönen Künste in Madrid und dem Museum der Schönen Künste in Madrid vertreten.