Neapolitan school; late 17th century.

Neapolitanische Schule; Ende des 17. Jahrhunderts. "Unbefleckte Empfängnis". Öl auf Leinwand. Überarbeitet. Es präsentiert Fehler und Übermalung. Maße: 67 x 52 cm. In diesem Werk fängt der Autor ein typisch barockes Bild der Unbefleckten Empfängnis ein. Maria erscheint stehend, bekleidet mit einer weißen Tunika, obwohl der Mantel von dem üblichen Himmelblau zu einer fast schwarzen Farbe wechselt. Ein sehr zarter Heiligenschein, bestehend aus den zwölf Sternen, die die Stämme Israels repräsentieren, bedeckt ihr Haupt, auf das sie hoch blickt. Sie steht auf einem Wolkensockel mit einem Halbmond, der in der immakulistischen Ikonographie die Keuschheit der Diana und den Sieg der Christen über die Muslime symbolisiert. Es ist ein Bild von großer Klarheit, das auf den Sieg Marias über die Erbsünde anspielt. Die Figur hebt sich von einem goldenen Hintergrund ab, einem Bruch in der Herrlichkeit, der von Wolken umgeben ist, die mit großem Illusionismus gearbeitet sind und zwischen denen zahlreiche Engelskinder erscheinen, von denen die meisten in Goldtönen gearbeitet sind und das göttliche Licht reflektieren. Das Dogma der Unbefleckten Empfängnis besagt, dass die Jungfrau ohne Erbsünde gezeugt wurde, und wurde vom Vatikan in der Bulle Ineffabilis Deus vom 8. Dezember 1854 definiert und angenommen. Spanien und alle Königreiche unter seiner politischen Herrschaft haben diesen Glauben jedoch schon früher verteidigt. Die ikonografische Darstellung übernimmt Texte aus der Apokalypse (12: "Es erschien ein großes Zeichen am Himmel, eine Frau, eingehüllt in die Sonne, mit dem Mond unter ihren Füßen und auf ihrem Haupt eine Krone aus zwölf Sternen") und aus der Lauretanischen Litanei, die nach dem Rosenkranz gebetet wird und Marienworte aus dem Hohelied des Königs David enthält. Kombiniert man die beiden Texte und folgt einer Entwicklung, die bereits am Ende der Gotik begann, kommt man zu einer sehr einfachen und erkennbaren Typologie, die die Jungfrau im Mondviertel, mit den Sternen auf dem Haupt und in Licht gekleidet (mit einem Heiligenschein nur auf dem Kopf oder auf dem ganzen Körper) darstellt. Das Erkennungszeichen der neapolitanischen Schule ist seit jeher ihr starker naturalistischer Charakter, ihre warme Farbgebung, in der Rottöne und Kastanien dominieren, und die Kultivierung einer Art von realistischer Malerei zusammen mit dem Altarbild als deren bester Vertreter. In Neapel war der Einfluss von Ribera gleich groß oder größer als der von Caravaggio. Sein Naturalismus, der sinnlicher und materieller, kräftiger und vehementer, weniger intellektuell als der Caravaggios war, wurde schließlich durchlässig für venezianische und flämische Einflüsse, wurde reicher in den Farben und leichter in der Technik, besonders ab 1635. Seine treuesten Schüler waren die Fracanzano-Familie, Cesare (1600-51) und Francesco (1612-56), Bartolomeo Bassante (1614-56), Paolo Domenico Finoglia (1590-1645) und einige andere, die später spezielle Genres pflegten, wie Aniello Falcone (1607-56), Salvatore Rosa (1615-73) und Luca Giordano. Ab der Barockzeit wurden die Farben jedoch weicher und nuancierter, wobei man sich nicht mehr für den Tenebrismus entschied, sondern eine große Theatralik in den Darstellungen beibehielt.