Sculpture en bois sculpté polychrome représentant Die Jungfrau, ein Engel zu ihr…
Beschreibung

Sculpture en bois sculpté polychrome représentant

Die Jungfrau, ein Engel zu ihren Füßen, das Haupt in Elfenbein. (Misses, Unfälle und Risse). Ein trauriger Clownskopf ist angebracht H: 13cm H: 25 cm.

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Russische Ikone des 19. Jahrhunderts. "Auferstehung Christi". Tempera, Gold auf Platte. Maße: 35 x 30 cm. Die Ikone, die uns betrifft, ist trotz ihrer relativ einfachen Komposition mit sechs Szenen im oberen Teil, die das Thema der Passion Christi und der Auferstehung umfassen, einem zentralen Raum, der der Deesis gewidmet ist, und der unteren Hälfte, die der Darstellung der Evangelisten gewidmet ist, sehr attraktiv für die Symbolik der symbolischen Details, die jede der Miniaturen begleitet. Jede der oberen Zellen stellt mit ausgeprägten Details Szenen aus dem Leben Christi dar. Die Fußwaschung, die Kreuzigung, die Erscheinung des Engels bei der Jungfrau oder die Himmelfahrt Christi sind einige der Bilder, die der anonyme Künstler auf der Tafel verewigt hat. Die Hauptszene, die die gesamte untere Hälfte und einen Teil des mittleren Registers einnimmt, stellt zum einen den "Spas" oder Pantokrator, den Erlöser, dar, eine Szene, die in jedem orthodoxen Tempel zu sehen ist. Sie zeigt Christus, der mit der rechten Hand segnet und mit der linken Hand das Evangelium hält, das wie hier geschlossen oder geöffnet sein kann. Zu seinen Seiten stehen die Jungfrau und Johannes der Täufer, eine Ikonographie, die in ihrer Gesamtheit als Deésis bezeichnet wird. Die untere Hälfte ist für die Darstellung der wichtigsten Heiligen bestimmt, mit dem Heiligen Petrus und dem Heiligen Paulus. Anhand der visuellen Merkmale der Ikone lässt sich ihre zeitliche Einordnung in das 18. Jahrhundert ableiten. Jahrhundert zu datieren. Der Hintergrund aus Blattgold, die stilisierte Zeichnung, die jede Figur umreißt, der intensive Chromatismus und die besondere Detailgenauigkeit der Figuren sind Elemente, die der Tradition der orthodoxen Ikonen treu bleiben.

Ikone der russischen Schule der Werkstätten der Altgläubigen, 19. Die "Jungfrau aller Schmerzen". Tempera, Blattgold auf Karton. Präsentiert Chips in der Farbe. Maße: 31 x 26 cm. Die Jungfrau aller Schmerzen ist eine Art von marianischer Ikonographie, die in der russisch-orthodoxen Kirche verehrt wird und als wundertätig gilt. Der Kanon erschien 1688 in Moskau in der Kirche der Jungfrau aller Schmerzen, die auch als Kirche der Verklärung bekannt ist, obwohl andere frühere Versionen bekannt sind, aber mit anderer Ikonographie. Die endgültige Typologie der Ikone wurde in Russland unter starkem westlichem Einfluss geformt. Man kann Ähnlichkeiten mit der Ikonographie der Barmherzigkeit, der Unbefleckten Empfängnis oder der Maestà erkennen. In diesem Sinne entspricht die Ikone dem traditionellen Kanon. Neben der Jungfrau Maria, die in der Mitte des Bildes in einem größeren Format als die anderen Figuren dargestellt ist, enthält die Ikone Darstellungen von Menschen, die von Krankheiten und Schmerzen geplagt sind, sowie von Engeln, die im Namen der Jungfrau gute Taten vollbringen. Die Mutter Gottes ist in voller Größe dargestellt, auf den Wolken stehend, in einer mystischen Mandorla und umgeben von Engeln, mit dem Jesuskind im linken Arm, obwohl sie auch allein mit offenen Armen und mit dem Rosenkranz in der rechten Hand dargestellt werden kann. Im oberen Register, in den Wolken, ist die Sebaoth dargestellt, obwohl auch Versionen mit der Dreifaltigkeit akzeptiert werden. Die Szenen der Ikone werden von zahlreichen Inschriften begleitet, die Gebete und Segnungen für alle Trauernden, Kranken und Leidenden darstellen.

Novo-Hispanische Schule; zweite Hälfte des XVIII Jahrhunderts. "Jungfrau von La Merced". Öl auf Leinwand. Maße: 62 x 45 cm; 79 x 63 cm (Rahmen). Andachtsbild der Jungfrau der Barmherzigkeit, begleitet von zwei Heiligen, die zu ihren Füßen beten. Die Jungfrau ist sitzend auf einem Wolkenpodest dargestellt, begleitet von mehreren Engelskindern, auf deren Knien auch das Jesuskind steht. Die Jungfrau der Barmherzigkeit ist eine marianische Anrufung der Jungfrau Maria, deren Verehrung ihren Ursprung in Katalonien hat. Um sie herum wurde der Orden der Barmherzigkeit gegründet, initiiert vom heiligen Petrus Nolasco zu Beginn des 13. Es waren die Mercedarier-Mönche, die ihren Kult von diesem Zeitpunkt an in ganz Spanien, Frankreich und Italien verbreiteten. Die Ikonographie für die Darstellungen der Jungfrau der Barmherzigkeit erhält ihre endgültige Form im 16. Jahrhundert und besteht aus dem Mercedarierhabit mit Tunika, Skapulier und Umhang, alles in Weiß, mit dem Mercedarierwappen auf der Brust. Sie erscheint gewöhnlich mit einer Königinnenkrone und mit dem Zepter in der rechten Hand. Es ist erwähnenswert, dass sich während der spanischen Kolonialherrschaft eine hauptsächlich religiöse Malerei entwickelte, die auf die Christianisierung der indigenen Völker abzielte. Die einheimischen Maler nahmen sich spanische Werke zum Vorbild und folgten ihnen wortwörtlich in Bezug auf Typen und Ikonographie. Die häufigsten Vorbilder waren die Harquebusier-Engel und die dreieckigen Jungfrauen, doch erst in den ersten Jahren des 19. Jahrhunderts, bereits zu Zeiten der Unabhängigkeit und der politischen Öffnung einiger Kolonien, begannen einige Künstler, ein neues Modell der Malerei mit eigener Identität zu vertreten.

Nachfolger von REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN (Leiden, 1606 - Amsterdam, 1669). "Die Entschlafung der Jungfrau". Öl auf Tafel. Wiege. Es präsentiert Restaurierungen und Fehler auf der Bildoberfläche. Maße: 79 x 63 cm; 100 x 84 cm (Rahmen). Dieses Gemälde folgt dem Kompositionsmodell, das Rembrandt in seinem 1639 entstandenen Stich der Mariä Entschlafung geschaffen hat. Die Hispanic Digital Library besitzt ein Exemplar in ihrer Sammlung, das sie wie folgt beschreibt: "Eine seiner berühmtesten religiösen Radierungen ist Der Tod der Jungfrau, 1639. Es ist die erste Radierung, in der er die Kaltnadelradierung in allgemeiner Form verwendet, und die größte nach Hundert Gulden. Es gibt drei Zustände dieses Stichs, und die Biblioteca Nacional besitzt zwei ausgezeichnete Kopien des zweiten Zustands. Die Szene kann mit Dürers Der Tod der Jungfrau in Verbindung gebracht werden, den Rembrandt 1638 ersteigerte, und auch mit mehreren Zeichnungen dieser Zeit, wie Der Tod Jakobs oder die der kranken Saskia im Bett. In Der Tod der Jungfrau umringen die Apostel in Trauer das Totenbett der Jungfrau, während die Engel um sie kreisen, um ihre Seele zu empfangen. Es handelt sich um eine vielgestaltige Komposition, in der jede Person ihren Kummer auf andere Weise zum Ausdruck bringt. Der Raum ist mit großen Vorhängen, Teppichen und einem überdachten Bett geschmückt. Das Spiel von Licht und Schatten ist so gestaltet, dass sich die Aufmerksamkeit auf die tote Jungfrau und den Ausschnitt der Herrlichkeit konzentriert, der den gesamten oberen Teil des Bildes einnimmt, wo Rembrandt sehr lange und gekreuzte Linien verwendet. In diesem Blatt verwendet er zum ersten Mal die Kaltnadelradierung auf der reinen Platte, bevor er sie mit der Radierung vervollständigt. Von diesem Moment an wird diese Technik für Rembrandt zu einem echten künstlerischen Ausdrucksmittel". Die Figur der Jungfrau mit geschlossenen Augen, die auf einem Bett liegt, ist aus dem Zentrum der Szene gerückt. Die Anwesenheit der bedrängten Apostel zu Füßen der Jungfrau und das Erscheinen der Engel weisen darauf hin, dass es sich um die Darstellung der Passage der Jungfrau handelt. Ein Thema, das in der Barockzeit und später aufgrund der Gegenreformation populär wurde, die die christliche Religion dazu brachte, auf verschiedene Passagen aus dem Leben der Jungfrau zurückzugreifen. In dem Werk sticht vor allem die große Pracht der Architektur hervor, mit der die Szene gestaltet ist. Nach den apokryphen Evangelien rief die Jungfrau nach der Ankündigung ihres irdischen Endes durch den Heiligen Michael die Apostel zusammen, die ihrem Ruf folgten, mit Ausnahme des Heiligen Thomas, der in Indien predigte. Wir können nachvollziehen, wie der Autor dieses Gemäldes die Lektion des unbestrittenen Meisters des Helldunkels, der monochromen Tonalitäten mit spektakulären Merkmalen, verinnerlicht hat. Wir können auch den Abdruck von Rembrandts vielfältigen Impastos erkennen, dessen Pinselstriche von zarten Lasuren bis hin zu einem an Materie reichen Pinselstrich reichen. Rembrandt war nicht nur ein meisterhafter Maler, sondern auch ein außergewöhnlicher Kupferstecher. Er arbeitete sowohl mit dem Stichel als auch mit der Kaltnadel, wobei er stets auf eine vorherige Zeichnung verzichtete, die Platte direkt angriff und die Ausdrucksmöglichkeiten der Radiertechnik voll ausschöpfte. Er machte viele Versuche, entfernte und fügte Elemente ein und retuschierte, daher der große Sinn für Unmittelbarkeit seiner Stiche. Er fertigte bis zu zehn verschiedene Zustände an, und es dauerte sogar Jahre, bis er einige seiner Werke fertig stellte. Sein Lieblingsthema war das Selbstporträt: Er nahm sich selbst als Modell, um seine Zuneigung zu studieren, und hinterließ gleichzeitig eine Aufzeichnung seiner Persönlichkeit und des Laufs der Zeit. Es zeigt Restaurierungen und Fehler auf der Bildoberfläche.