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Impressionistische und moderne Gemälde

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Di 10 Sep

JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelona, 1931 - 2005). Ohne Titel, 1956. Öl auf Papier, auf Karton aufgeklebt. Signiert, datiert und gewidmet in der oberen linken Ecke. Maße: 50 x 64 cm; 81 x 97 cm (Rahmen). Dieses Öl auf Papier gehört zu einer frühen Phase des Künstlers, in der er sich für eine formale Vereinfachung interessierte, die sowohl vom avantgardistischen Expressionismus als auch von der romanischen Kunst beeinflusst war. Joan Hernández Pijuan begann seine Ausbildung in Barcelona, wo er die Kunstschulen La Lonja und Sant Jordi besuchte, bevor er sein Studium an der Hochschule der Schönen Künste in Paris abschloss. Hernández Pijuan, der 1981 zum Professor an der Fakultät der Schönen Künste in Barcelona ernannt wurde, nimmt unter den spanischen Künstlern der letzten Jahrzehnte eine einzigartige Stellung ein. Die Stärke seiner schöpferischen Individualität stellt ihn an den Rand der jeweils vorherrschenden Trends und Moden, hindert uns aber nicht daran, in seinem Werk eine tiefe Identifikation mit den ästhetischen Anliegen seiner Zeit zu erkennen. Hernández Pijuan begann seine Karriere mit einem tragischen Expressionismus, der stark sozial geprägt war, und bildete zu dieser Zeit zusammen mit den anderen Mitgliedern der Sílex-Gruppe die so genannte Barcelona-Schule. In den siebziger Jahren vereinfachte er seinen Ausdruck bis hin zur geometrischen Figuration, einen Stil, den er im folgenden Jahrzehnt hinter sich ließ, um sich dem Informalismus zuzuwenden. Das Interesse und die Faszination für den Werdegang dieses Malers sind nach wie vor ungebrochen, und er ist Gegenstand neuer Ausstellungen und öffentlicher Präsentationen seiner Werke. Zu seinen Lebzeiten hatte er Einzelausstellungen in mehreren spanischen Städten sowie unter anderem in Zürich, Mailand, Johannesburg, Köln, Genf, New York, Paris und Osaka. 2003 war er Gegenstand einer großen Retrospektive im MACBA in Barcelona, die anschließend im Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Frankreich), in der Konsthalle de Malmö (Schweden) und in der Galleria Comunale d'Arte Moderna in Bologna (Italien) gezeigt wurde. Auch nach seinem Tod wurde sein Werk international gezeigt, wie die ihm gewidmeten Ausstellungen in der Flowers Gallery in London (2006), in den Cervantes-Instituten in New York, Chicago und Lissabon (2007), im Museo de Arte Abstracto Español in Cuenca (2008), in der Galerie Andres Thalmann in Zürich (2009), in der Baukunst in Köln (2010), in der Altana Kulturstiftung in Bad Homburg (Deutschland, 2011) und im Museum für Moderne Kunst in Moskau (2012) und vielen anderen belegen. Hernández Pijuan war Dekan der Fakultät der Schönen Künste an der Universität von Barcelona und wurde im Jahr 2000 zum Mitglied der Real Academia de San Fernando in Madrid ernannt. Im Jahr 1981 erhielt er den Premio Nacional de Artes Plásticas, 1985 den Cruz de Sant Jordi und 2004 den Preis der Stadt Barcelona. Außerdem erhielt er den Preis der Generaldirektion der Schönen Künste auf der Nationalen Ausstellung in Alicante (1957), den Ersten Preis für Malerei "Peintres Residents" in Paris (1958), den Preis "Malibor" auf der Biennale der Gravur in Ljubljana (1965), die Internationale Biennale der Gravur in Krakau (1966) und den Redaktionspreis "Vijesnik u Srijedu" in Zagreb (1970). Hernández Pijuán ist im MACBA, dem Museum für Abstrakte Spanische Kunst in Cuenca, im Reina Sofía in Madrid, im Patio Herreriano Museum in Valladolid und im Baskischen Museum für Zeitgenössische Kunst sowie in ausländischen Zentren wie dem Guggenheim Museum in New York, dem Liaunig (Österreich), dem Helsinki Museum für Zeitgenössische Kunst in Helsinki, dem Helsinki Museum of Fine Arts in Finnland, das Museum für Zeitgenössische Kunst in Helsinki, das Museum für Schöne Künste in Finnland und das Museum für Zeitgenössische Kunst in Helsinki, die Museen für Zeitgenössische Kunst in Helsinki und Luxemburg, die Kulturstiftung in Bad Homburg (Österreich), die Yamaguchi-Galerie in Osaka (Japan), der Palast der Schönen Künste in Brüssel, die Nationalgalerie in Montreal, das Museum für Moderne Kunst in Buenos Aires und das Sztuki-Museum in Lodz (Polen).

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Di 10 Sep

JAVIER MARISCAL (Almazora, Castellón, 1950). Palo Alto, Barcelona. Mai 2006. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert am rechten Rand; signiert, lokalisiert und datiert auf der Rückseite. Provenienz; Privatsammlung Maße: 180 x 160 cm. Javier Mariscal beherrscht es meisterhaft, belebte Szenen zu komponieren, Menschenmengen, die von der Magie der Nacht erhellt werden, sind konkurrenzlos. Mit einem unbekümmerten Stil ordnet er die Figuren auf dieser Leinwand scheinbar wahllos an, aber unter dem scheinbaren Chaos von Scheinwerfern, Trinksprüchen, Lächeln, Körpern und Tischen verbirgt sich eine kompositorische Strenge, die das Ergebnis echter Begabung ist. Mariscal bedient sich bei den Comics, verwandelt sie aber in eine soziologische und plastische Betrachtung. Wir erkennen seine Handschrift in jeder seiner Figuren, diesen synthetischen Gesichtern und einigen von ihnen, die leicht hundeähnlich sind und an eines der berühmtesten Maskottchen der letzten Jahrzehnte erinnern. Javier Mariscal ist ein renommierter Industriedesigner, Cartoonist und Comiczeichner, der seit 1970 in Barcelona lebt und arbeitet. Er studierte Design an der Elisava-Schule in Barcelona, brach sein Studium jedoch bald ab, um direkt von seiner Umgebung zu lernen und seinen eigenen kreativen Impulsen zu folgen. Er begann seine Karriere in der Welt der Underground-Comics in Publikationen wie "El Rrollo Enmascarado" oder "Star", zusammen mit Farry, Nazario und Pepichek. Nachdem er Mitte der siebziger Jahre seine ersten eigenen Comics gezeichnet hatte, entwarf er 1979 das Logo der Bar Cel Ona, ein Werk, mit dem er in der Öffentlichkeit bekannt wurde. Im darauffolgenden Jahr eröffnete das Dúplex in Valencia, die erste Bar, die Mariscal zusammen mit Fernando Salas entwarf. Für diese Bar entwarf er eines seiner berühmtesten Stücke, den Dúplex-Hocker, eine wahre Ikone des Designs in den achtziger Jahren, sowohl innerhalb als auch außerhalb unserer Grenzen. Seine Arbeit als Möbeldesigner führte ihn 1981 zur Teilnahme an der Ausstellung der Memphis-Gruppe in Mailand. Im Jahr 1987 stellte er im Centre Georges Pompidou in Paris aus und nahm an der Documenta in Kassel teil. Zwei Jahre später wurde sein Entwurf Cobi als Maskottchen für die Olympischen Spiele 1992 in Barcelona ausgewählt, was zunächst umstritten war, heute aber als das profitabelste Maskottchen in der Geschichte der modernen Spiele anerkannt wird. 1989 gründete er das Estudio Mariscal und arbeitete an verschiedenen Projekten mit Designern und Architekten wie Arata Isozaki, Alfredo Arribas, Fernando Salas, Fernando Amat und Pepe Cortés zusammen. Zu seinen herausragendsten Arbeiten gehören die visuellen Identitäten für die Sozialistische Partei Schwedens, den Radiosender Onda Cero, den Zoo von Barcelona, die Universität von Valencia, das Design- und Architekturzentrum Lighthouse in Glasgow, das Kulturzentrum GranShip in Japan und das Londoner Postproduktionsunternehmen Framestore. Im Jahr 1999 erhielt er den Nationalen Designpreis, der vom spanischen Industrieministerium und der BCD-Stiftung in Anerkennung seiner gesamten beruflichen Laufbahn verliehen wurde.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Di 10 Sep

ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Rote und schwarze Komposition", um 1962. Öl und Gouache auf lithographiertem Papier, auf Leinwand aufgezogen. Beigefügt ist ein Zertifikat des Antoni Clavé-Archivs. Das Werk ist im Archiv Antoni Clavé, Paris, registriert. Nr.: 62TMPMT18. Signiert in der unteren rechten Ecke. Größe: 57 x 77 cm; 67 x 87 cm (Rahmen). Auf einem dunklen Hintergrund hebt sich die Intensität des Rots hervor und erreicht einen Farbkontrast, der der Komposition Lebendigkeit verleiht und den Blick des Betrachters weckt. Durch das Spiel zwischen Rot und Schwarz, ein von Antoni Clave häufig verwendetes Mittel, setzt der Künstler eine ganze Reihe von scheinbar zufälligen Elementen ein, die sich zu einer barocken Komposition zusammenfügen. Antoni Clavé ist eine der wichtigsten Figuren der zeitgenössischen spanischen Kunst. Ausgebildet an der Schule der Schönen Künste San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. Im Jahr 1936 nahm er aktiv am Bürgerkrieg teil und schloss sich den Republikanern an, woraufhin er nach Kriegsende nach Frankreich ins Exil ging. Noch im selben Jahr, 1939, stellt er seine Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Von dieser Zeit an entwickelt Clavé ein Werk, das von einem anderen, weniger klassischen Stil geprägt ist. In dieser Zeit verlieren seine Figuren allmählich ihre Präzision und Form und weichen den Linien und einer persönlichen Palette von Farben und Texturen, die von da an die Hauptmerkmale seiner Werke sein sollten. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Sala Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. In den 1960er Jahren huldigte er El Greco, und in seiner Malerei dieser Zeit sind die Einflüsse dieses Meisters ebenso wie die der Barockmaler zu erkennen. Das Motiv des Ritters mit der Hand auf der Brust ist von besonderer Bedeutung, ein Bezug, der sich in Clavés weiteren Werken wiederfinden wird. Diese Periode ist durch den endgültigen Übergang zur Abstraktion gekennzeichnet. In den 1970er Jahren entwickelt sich Clavés Werk weiter, er verwendet verschiedene Techniken wie die Collage und erfindet neue, wie das "papier froissé", das aus der zufälligen Verwendung von Aerosol auf zerknülltem Papier entsteht. 1978 widmet ihm das Musée National d'Art Moderne in Paris, das heutige Centre Georges Pompidou, eine Retrospektive, die ihn zu einem der renommiertesten Künstler seiner Generation macht. Seine letzten Werke zeichnen sich durch die Wiederherstellung von Texturen innerhalb der Abstraktion aus, wobei er reichlich Papier-Froissé verwendet. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale von Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale von Tokio mit Preisen ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris und Tokio, im British Museum und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Estim. 12 000 - 13 000 EUR

Di 10 Sep

FERNANDO GARCIA PONCE (Mérida, Yucatán, 1933 - Mexiko-Stadt, 1987) Unbetitelt. Öl und Collage auf Leinwand. Maße: 76 x 115 cm. Provenienz: Sammlung Maria Lluisa Borrás, Barcelona. Fernando García Ponce gehört zu der Generation der späten fünfziger Jahre, die als "Generation des Bruchs" bezeichnet wird, da sein Werk eine völlige Abkehr von der so genannten mexikanischen Schule darstellt. So begannen Ausdrücke wie Geometrismus, Abstraktion, Informalismus und Neofigurativität, die in den 60er Jahren fast verboten waren, die Kunstszene zu dominieren. Er wurde am 25. August 1933 in Merida, Yucatan, geboren. Als er 11 Jahre alt war, zog seine Familie in die Hauptstadt des Landes. Im Jahr 1952 trat er in die Nationale Autonome Universität von Mexiko ein, um Architektur zu studieren; außerdem besuchte er das Atelier des valencianischen Malers Enrique Climent, der sein Talent erkannte und, obwohl er sich nicht dem Unterrichten widmete, beschloss, sein Lehrer zu werden. Seine ersten Gemälde stammen aus dem Jahr 1954, es sind Familienporträts, aber zwei Jahre später nimmt die Geometrie in seinen Werken deutlich zu. 1957 unternimmt er mehrere Reisen nach Europa und beschließt, die Architektur aufzugeben, um sich ganz der Malerei zu widmen. Seine erste Einzelausstellung findet in der Galería de Arte Mexicano (1959) statt, mit 26 Ölgemälden von Stilleben; 1960 entsteht eine abstrakte Komposition mit dem Titel Nr. 1, ein Wendepunkt, der sein Werk eindeutig kennzeichnet. Mit einer Serie von Collagen erhält er eine ehrenvolle Erwähnung im Salón de la Plástica Mexicana. In den sechziger Jahren taucht der Begriff Ruptura auf, der eine Generation von Künstlern definiert, zu der Fernando García Ponce gehört und die die neue mexikanische Malerei prägt. García Ponce beteiligt sich erneut an der Galería de Arte Mexicano und an der Colectiva de Pintura Contemporánea de México y América del Sur (1961). Zwei Jahre später ist seine Malerei bereits völlig abstrakt und er stellt 14 Werke in der Galerie Juan Martin aus. Er nimmt auch an der Colectiva de Arte Actual de América y España in Madrid teil. 1974 zeigt seine Malerei den Willen, die kalte geometrische Ordnung zu synthetisieren. Im Sommer 1976 reist García Ponce mit seiner Frau Denise und seinem Sohn Esteban nach Paris und verbringt dann eine Saison in Barcelona, wo er zwei Grafikmappen mit 10 Serigraphien und 12 Lithographien anfertigt. Nach seiner Rückkehr nach Mexiko organisiert das Museum für Moderne Kunst (1978) eine große Ausstellung mit 40 Werken, die zwischen 1977 und 1978 entstanden sind. Ein Jahr nach diesem Ereignis stirbt seine Frau Denise auf tragische Weise, doch Garcia Ponce bleibt konzentriert und seine Kreativität ist ungebrochen; die Malerei jener Jahre ist kraftvoll und äußerst inspirierend. Er präsentiert regelmäßig seine Jahresausstellung in der Galerie Ponce und nimmt an Gruppenausstellungen teil, unter anderem in der Casa de las Americas (Kuba), im Picasso-Museum (Antibes, Frankreich), bei den Jornadas Culturales de Colombia, im Carnegie Institute in Pittsburg (USA) und im National Art Center in Ottawa (Kanada). Im Alter von 54 Jahren starb García Ponce, der als einer der wichtigsten Künstler der nationalen bildenden Kunst galt, in seinem Atelier (11. Juli 1987) an einem Herzinfarkt.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR
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