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6月 12日 星期三 ： : 14:30 (CEST)

6 月 12 日 - 私人收藏：20 和 21 世纪前卫艺术的幻想家们

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编号 1 - 尼基-德圣法勒（NIKI DE SAINT PHALLE，1930 年出生于法国塞纳河畔诺伊伊，2002 年出生于加利福尼亚州圣地亚哥）。 "聊天花瓶"，1986 年。 彩绘树脂。复制品 31/50。 底座上有 "R.Haligon Plastiques d'Art "签名、认证和印章。 附盖-皮特斯画廊签名证书。 尺寸：32 x 40 x 22 厘米：32 x 40 x 22 厘米。 雕塑花瓶由尼基-德-圣法勒创作，表现的是一只黑猫，身上有斑斑点点的斑点和色彩鲜艳的图画。五颜六色的尾巴卷曲在腹部。它有一只红色的耳朵和一只黄色的耳朵。与这位法国艺术家的作品一样，树脂被涂上了欢快的色彩，打开了幻想之门，带领我们进入一个全新的兽类世界。圣法勒用这类人物和她的性感曲线女人一样，让我们沉浸在受自身规律支配的大自然中。这些法则是真正的女性法则，同时也是强大、好战和充满爱的法则。同样，猫科动物的特性，尤其是那些与魔法有关的特性，也被重新解读，为她的作品增添了乐观主义色彩。在托斯卡纳的 "塔罗牌花园"，德-圣法尔创作了不朽的猫和其他守护动物及保护神。 尼基-德-圣法尔是二十世纪中期最著名的艺术家之一。1962 年左右，她参加了在纽约现代艺术博物馆举办的 "组合艺术 "展览。1964 年，她开始创作名为 "Nanas "的系列作品，作品中的女性形象体态丰满、色彩鲜艳。这些雕塑作品展现了物体的嬉戏或喜庆维度与更为悲惨、暴力和色情维度之间的对比。这些形象与传统的女性美形成了鲜明对比。20 世纪 60 年代初，艺术家创作了 "射击绘画"。这些作品是用聚乙烯袋装满颜料，画成一个用白色粉笔涂满的人形。画面是在将人物从颜料袋中拍摄出来后形成的。1966 年，他制作了艺术史上最大的女性人体雕塑，这也是 "娜娜 "系列的一部分，其标题为 "Hon"（瑞典语中的 "她"）。这个 "娜娜 "不再是雕塑，而是建筑。这件作品被秘密陈列在斯德哥尔摩现代美术馆，因为考虑到他制作这件作品的年代，这是一个相当革命性的行为，所以在向公众开放几天后，他们就关闭了展览。1979 年，他开始在意大利卡帕尔比奥附近建造一座雕塑公园，西班牙语名为 "El jardín del tarot"。1982 年，她与丈夫让-汀格利（Jean Tinguely）一起在巴黎蓬皮杜艺术中心旁边建造了 "斯特拉文斯基喷泉"（Fontaine Stravinsky）或 "自动喷泉"（Fountain of the Automatons）。圣法勒的许多雕塑作品尺寸都很大，并在公共场所展出。尼基慈善艺术基金会拥有一份在线地图和目录，其中列出了所有现有的公共艺术作品。Le Paradis Fantastique（《梦幻天堂》，1967 年），斯德哥尔摩现代美术馆，瑞士（与丁格利合作）。Golem》（1971 年），耶路撒冷 Kiryat Hayovel。汉诺威纳纳斯》（1973 年），与 Leibnizufer 一起在德国汉诺威展出。La Fontaine Stravinsky（斯特拉文斯基喷泉或自动喷泉，1982 年），巴黎蓬皮杜中心附近（与丁格利合作 太阳神（1983 年），加利福尼亚大学圣地亚哥分校教师俱乐部旁的一个长着翅膀的奇妙生物，作为斯图尔特公共艺术收藏的一部分。

估价 50 000 - 60 000 EUR

编号 2 - 卡里尔-阿佩尔（KAREL APPEL）（荷兰，1921 年 - 瑞士，2006 年）。 无题》，1966 年。 纸上丙烯和油画棒。 右下角有签名和年代。 用博物馆玻璃装裱。 附有盖伊-皮特斯和 Nieuwenhuizen-Segaar 先生签名的证书。 尺寸：49 x 65.5 厘米；64.5 x 80 厘米（框架）：49 x 65.5 厘米；64.5 x 80 厘米（框架）。 这幅作品的突出之处在于姿态和色彩的暴力性、材料的朴素性以及最真实的原始主义诉求。我们看到了一个奇怪的生物，它长着三张爬行动物的脸，用眼睛看着我们，刻意使用的天真表现主义语言掩盖了其可怕的一面。正是这些元素（原始主义、幼稚和天真的艺术、拒绝导致战争的文明理性......）为这位战后艺术家、CoBrA 小组的共同创始人平反。阿佩尔的绘画语言虽有抽象之嫌，但本质上是具象的，其基础是表现主义的侵略性与超现实主义的孩童般单纯性的结合。 卡雷尔-阿佩尔是一位画家、雕塑家和平面艺术家，目前被认为是他的祖国战后一代最具活力的艺术家。1948 年，他与科尔内耶、约恩和阿列钦斯库共同创立了 CoBrA 国际集团，该集团在 20 世纪 40 年代至 50 年代期间对欧洲自动艺术的发展和壮大起到了决定性的作用。在纳粹占领荷兰期间，Apple 为避免被送往德国工作，在荷兰四处流浪。1946 年，他在格罗宁根举办了自己的首次个展，展览中已经可以看到杜布菲的印记，他后来与杜布菲分享了某些理论概念。他的第一批雕塑作品是 1947 年创作的，开创了利用废旧材料进行组合的先河。一些艺术家摒弃了超现实主义组织的严谨性和宗派主义，成立了 CoBrA 小组（哥本哈根、布鲁塞尔和阿姆斯特丹的缩写，阿佩尔、科尔内耶和康斯坦特来自这三个城市，他们与约恩、诺瓦雷特和多特雷蒙一起签署了成立宣言）。CoBrA 画家们的创作更加自发，他们迎合当地的文化传统，收集奇异的图像。该团体很快于 1951 年解散，但其中一些成员，特别是阿佩尔、约恩和阿列钦斯基，在随后的几十年中一直保持着该团体的精神。他们的绘画具有强烈的表现主义色彩，与北欧表现主义大师马克斯-佩希施泰因（Max Pechstein）和爱德华-慕尼黑（Edward Munich）的作品有异曲同工之妙。他的作品采用密集的浮雕和激烈的色彩游戏，体现了北欧表现主义的激动人心的特征。后来，他的绘画语言逐渐趋于柔和，接近手边绘画。阿佩尔是一位孜孜不倦的艺术家，他探索多种语言，包括雕塑、陶瓷、壁画、彩色玻璃或雕刻。在漫长的艺术生涯中，他获得了无数奖项，并与诗人艾伦-金斯堡（Allen Ginsberg）或编舞家田中敏（Min Tanaka）等其他领域的艺术家合作。1953 年，他在布鲁塞尔艺术宫举办了展览，并参加了圣保罗双年展（1959 年，他重返圣保罗，并获得了国际绘画奖），1954 年，他在威尼斯双年展上获得了联合国教科文组织奖，并在巴黎和纽约举办了展览。纽约古根海姆博物馆和纽约现代艺术博物馆、毕尔巴鄂美术馆、伦敦泰特美术馆、维也纳阿尔贝蒂娜美术馆、蒂森-博尔内米萨美术馆、威尼斯佩吉-古根海姆收藏馆和多德雷赫特美术馆等都收藏有阿佩尔的作品。

估价 45 000 - 55 000 EUR

编号 4 - BERNAR VENET（法国，1941 年）。 "三条不定线"，2009 年。 纸上混合媒介。 右下方有签名、年代和标题。 尺寸：137.5 x 110.5 厘米；153 x 125 厘米（框架）：137.5 x 110.5 厘米；153 x 125 厘米（框架）。 70 年代中期，贝尔纳-维内特开始将线条置于其概念研究的中心。在科学语境中，线条是一种定义明确的几何形式，而 Bernar Venet 则用这种简单的几何形式来展示不同的概念。他的雕塑、素描和绘画作品将线条视为不同潜能的载体：有序与无序、确定与不确定？通过移动，线条变成了一个三维的、不稳定的图形，迫使观众跟随它的轨迹寻找起点和终点。在维奈构思的形式混乱的表象背后，隐藏着严谨的数学研究。"三条不确定的线》还有一个雕塑版本。 概念艺术家 Bernar Venet 最为人熟知的是他的精确和数学严谨的雕塑作品，这些作品通常由钢铁制成。绘画、拼贴画和木炭画也是他的表现手法。在艺术实践中，他还不断尝试使用煤炭和沥青等其他工业材料。20 世纪 60 年代，Venet 受到在巴黎工作的阿尔曼和新现实主义者作品的影响，开始制作纸板雕塑。1966 年的一次纽约之行让他更加接近极简主义，随后他与阿尔曼在曼哈顿中城共用一间工作室，并与唐纳德-贾德和索尔-勒维特等艺术家进行交流。在随后的几十年里，这位艺术家逐渐形成了自己的标志性风格，他的作品也反映了他不断进行的正式艺术探索。2005 年，他被授予荣誉军团骑士勋章；2014 年，他成立了 Venet 基金会，这是一座博物馆，也是他的作品档案馆。今年 2023 年是 Venet 的开创性作品《Tas de charbon》（1963 年）问世 60 周年，该作品由木炭制成，预示着他细致研究实践的开始。 Bernar Venet 出生于普罗旺斯阿尔卑斯省，但自 1966 年以来一直在纽约生活和工作。他的作品探索了雕塑、绘画、摄影、电影、表演、音乐和设计等多种媒介，但始终保持着让自己的作品产生问题并为艺术界带来新东西的愿望。2011 年，这位雕塑家在凡尔赛花园1 和马利庄园布置了不朽的作品。Venet 的作品被纽约现代艺术博物馆、纽约所罗门-R-古根海姆博物馆、华盛顿国家美术馆、华盛顿赫什霍恩博物馆和雕塑园以及芝加哥当代艺术博物馆等著名博物馆收藏。迄今为止，他已在巴黎、柏林、东京和丹佛等世界城市安装了 30 多件纪念性作品和公共雕塑。他还参加了第 6 届文献展和第 56 届威尼斯双年展。在他的职业生涯中，他获得了无数奖项，包括巴黎市艺术大奖、荣誉军团骑士勋章和国际雕塑中心 2016 年终身成就奖。 近期活动2021 年夏季在卢浮宫透镜美术馆举办的大型展览 "L'hypothèse de la gravité"，以及在德国图特林根市画廊举办的 "RELIEFS "展览。今年出版了许多出版物，首先是与 Skira 出版的卢浮宫-透镜展览目录，还有关于 Tas de charbon（木炭堆）的书籍、关于 Venet 纸上作品的研究（Dessins）、关于艺术家全部摄影作品的目录，最后是关于 Venet 基金会的书籍。2022 年：在柏林 Tempelhof Kunsthalle 美术馆举办为期 5 个月的回顾展，展出艺术家从 1961 年至 2021 年的职业生涯，重点是表演、绘画和雕塑作品，展览面积达 8000 平方米。展览目录由 éditions Dilecta 出版。出版传记《Bernar Venet.Toute une vie pour l'art, by Catherine Francblin (éditions Gallimard), and a catalog raisonné on the artist's photographic work (éditions Marval-Rue Visconti) accompanied with photographic prints in his gallery.在马赛国际诗歌中心（CIPM）举办的展览 "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier "由馆长 Michaël Batalla 策展，随后还举办了诗歌朗诵会和会议。在 Waddington Custot（伦敦）举办展览，展出 Venet 的角度作品。在 Kasmin（纽约）举办展览，在那里他表演了作品《事故》，并出版了展览目录（由 Maurice Fréchuret 撰文）。2023 年 在佩罗坦的三家巴黎画廊举办展览，维奈在那里展出了新的绘画作品、GRIBS、纸上作品，以及在旺多姆广场（由 Jérôme Sans 策划）举办的拱门双人装置展，随后与 Thierry Raspail、Philippe Piguet、Guy Boyer 和 Catherine Francblin 共同举办了讲座。煤堆

估价 70 000 - 90 000 EUR

编号 5 - 扬-法布尔（JAN FABRE，比利时安特卫普，1958 年）。 "De blikopener》，2017 年。 硅青铜雕塑。样板 8/35。 已签名并编号。 盖有比利时艺术铸造公司印章。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：108 x 45 x 30 厘米；178 厘米（带底座高）。 这件雕塑属于一系列抛光和闪亮处理的写实青铜作品，其中塑造的人物通常具有艺术家本人的特征（如本作品），他们手持的器具隐喻了艺术家的角色特征。人物身穿西装外套，右手拿着开罐器。这件物品似乎暗示了艺术家的角色，他的使命是刺穿现实，"睁开眼睛"，打穿世界，打破成见。"De Blikopener "曾在罗马 Palazzo Merulana 的 "Jan Fabre.大脑的节奏"，由 Achille Bonita Oliva 和 Melania Rossi 策划。 扬-法布尔是一位剧作家、舞台导演、舞蹈编导和视觉艺术家。他曾就读于安特卫普市立装饰艺术学院和皇家美术学院。1976 年至 1980 年间，他创作了第一部戏剧剧本。1978 年，他在个人表演《我的身体、我的血液、我的风景》中用自己的血液作画。1980 年，他制作了 "Bic-Art 房间"，以反对 "大艺术"；他把自己关在一个堆满物品的白色立方体里三天三夜，用蓝色 Bic 笔作画。1986 年，他成立了 Troubleyn/Jan Fabre 剧团，在国际上广泛演出。自 1998 年以来，他一直是比利时弗拉芒皇家科学与艺术学院的成员，还是利奥波德二世骑士勋章获得者。2008 年，《变形天使》在卢浮宫博物馆展出，比利时王后宝拉为展览揭幕。他装饰了布鲁塞尔王宫镜廊的天花板，他称之为 "欢乐天堂"，由 1600,000 只甲虫蜕皮制成，受到广泛赞誉。他还在鲁汶的 Ladeuzeplein 制作了一个巨大的昆虫雕塑 "图腾"（Totem），上面有一个 23 米高的巨大钢尖顶。这座雕塑建于 2005 年，以纪念历史悠久的鲁汶大学图书馆建馆 575 周年。

估价 100 000 - 120 000 EUR

编号 6 - 基思-哈林（KEITH HARING）（宾夕法尼亚州，1958 年--纽约，1990 年）。 "舞蹈》，1988 年 4 月 24 日。 纸上水墨。 独一无二的作品。 背面有签名和日期。 尺寸：77 x 111 厘米；95 x 130 厘米（框架）：77 x 111 厘米；95 x 130 厘米（画框）。 1988 年，凯斯-哈林正值巅峰时期，在这一年里，他笔下的人物以舞蹈家族的形式组合在一起，有时形成有机的塔状外观（在 "生长 "系列中，身体像植物形态一样相互连接），有时人物横向排列，挥舞着手臂和双腿，紧紧抱住肩膀，就像这幅重要的原画 "舞蹈 "一样。哈林经常出入曼哈顿市中心的俱乐部。这些舞蹈人物汲取了当代城市环境的养分，同时又继承了享乐主义和万物有灵论的传统，将舞动的身体与自然融为一体。我们提到了古老的仪式以及女祭司和萨提尔的狄俄尼式舞蹈。不过，哈林也一定想到了马蒂斯和他的裸体舞者合唱团，庆祝神话中黄金时代的回归。事实上，哈林也在某种程度上回到了某种原始的纯粹，他选择了一种合成的、前古典的笔触，用它来扫除一种虚假的进步观念。在这些影响和先例的综合作用下，这位艺术家形成了自己的风格，并使自己成为不朽的艺术家。他用简洁的笔触描绘出欢快的人物形象，在艺术界掀起了一场革命。 哈林被认为是 20 世纪 80 年代城市艺术的代表人物，他在纽约地铁里的作品开始了他不可阻挡的艺术生涯，使他成为沃霍尔的同事和媒体巨星。哈林的城市作品在纽约市民中大受欢迎，立即引起了艺术界的注意。因此，安迪-沃霍尔将他纳入了自己的圈子，而当时新晋的画廊主托尼-沙夫拉齐（Tony Shafrazi）则在 1982 年为他举办了一场声势浩大的个展，这也是他势不可挡的成功的起点。不久，他的作品在颇具影响力的利奥-卡斯泰利画廊展出，并一举成为职业艺术明星。 凯斯-哈林（Keith Haring）是一位美国艺术家，他的波普艺术和涂鸦兴起于 20 世纪 80 年代的纽约街头文化。哈林的作品越来越受欢迎，这要归功于他在纽约地铁上用粉笔在黑白广告空间背景上的即兴绘画。在获得公众认可后，他创作了大型壁画作品。他后来的作品经常通过自己的肖像画来探讨政治和社会问题，尤其是同性恋和艾滋病问题。如今，哈林的作品被主要的私人和公共机构收藏，包括纽约现代艺术博物馆和惠特尼美国艺术博物馆、洛杉矶县艺术博物馆、芝加哥艺术学院、迈阿密巴斯博物馆、巴黎市现代艺术博物馆、科隆路德维希博物馆和阿姆斯特丹 Stedelijk 博物馆。他还创作了大量公共作品，包括纽约多布斯费里儿童村的医务室，以及曼哈顿女同性恋、男同性恋、双性恋和变性者社区中心二楼的男厕所，该房间后来被改造成办公室，被称为凯斯-哈林房间。2019 年 1 月，一场名为 "凯斯-哈林纽约 "的展览在纽约法学院翠贝卡校区主楼开幕。

估价 500 000 - 550 000 EUR

编号 7 - "本》，BEN VAUTIER（那不勒斯，1935 年）。 "J'ose le rose》，2011 年。 丙烯酸画布。 右下角有签名。背面有签名、年代和标题。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：100 x 81 厘米：100 x 81 厘米。 尽管本-沃蒂埃的作品有不同的表现形式和方式（表演、雕塑、绘画......），但最能引起共鸣的还是以书法特色书写的文字信息。它们是以文字为基础的绘画作品，以 "死亡并不存在 "等强烈的挑衅性语句直接吸引观众。在鲜艳的粉色背景上书写的 "Jose le rose"，除其他寓意外，还可能是对杜尚和他的笔名 "Rose Sélavy "的致敬，而 "Rose Sélavy "本身就是 "C'est la vie "的文字游戏。 他被认为是观念艺术的先驱之一，除了是一位视觉艺术家，还是一位煽动者和艺术评论家，对社会平反和多元文化感兴趣。对他来说，所有艺术都必须意味着震撼，产生强烈的情感或反应。本杰明-沃蒂埃出生于那不勒斯，1949 年随母亲移居法国南部。1958 年，沃蒂埃辞去书店的工作，开了一家文具和唱片店。从 1958 年到 1973 年，他一直经营着第 32 实验室（Le Magasin），为人们创造了一个沙龙式的聚会场所，讨论新思想。在此期间，沃蒂埃结识了伊夫-克莱因、约翰-凯奇和乔治-马库尼亚斯，并参与了早期的激浪派艺术运动。20 世纪 60 年代，他前往纽约，参加了激浪派的活动。他的作品还融入了观念主义和极简主义，这对他的艺术观念至关重要，对他来说，艺术不是目的，而是一种载体，一种交流形式。沃蒂埃的 "激浪派 "作品围绕着将艺术定义为一种将生活、物品和哲学统一起来的实践。"什么是文化？文化是我们创造的童话。它可以被操纵，"他解释道。"文化的目的是娱乐穷人和富人。在随后的几十年里，这位艺术家继续创作有关日常生活的作品，同时在法国倡导少数民族权利。他一直在法国尼斯生活和工作。如今，沃蒂埃的作品被纽约现代艺术博物馆、明尼阿波利斯沃克艺术中心、巴黎乔治蓬皮杜艺术中心和墨尔本维多利亚国家美术馆等收藏。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 8 - 维姆-德尔沃耶（WIM DELVOYE）（比利时，1965 年）。 "奖杯》，2011 年。 黑漆鎏金青铜。范例 2/3。 底座上有签名和说明。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：50 x 108 x 32 厘米：50 x 108 x 32 厘米。 维姆-德尔沃伊与动物的亲密关系不仅体现在展示两只鹿交配的竞标作品上，而且早在 1994 年，这位比利时艺术家就在自己在北京附近饲养的七头猪身上进行了纹身（值得一提的是，这一行为引发了一场关于动物待遇和当代艺术伦理限制的根本性辩论。特别是，它激起了动物保护主义者的强烈抗议）。战利品 "的其他复制品（其他材料和尺寸）已在世界各地的博物馆和机构展出，如卢森堡的 MUDAM 或法国艺术馆的 "维姆-德尔沃伊在卢浮宫 "展览。 维姆-德尔沃伊是一位比利时新概念艺术家，以其别出心裁且常常令人震惊的项目而闻名。他的大部分作品都以身体为主题。正如评论家罗伯特-恩莱特（Robert Enright）在艺术杂志《边境交叉》（Border Crossings）上所写的那样，"德尔沃伊参与了一种艺术创作方式，重新调整了我们对如何创造美的理解"。维姆-德尔沃伊的作品不拘一格，展示了他对各种主题的兴趣，从身体机能和粪便学到当今市场经济中艺术的功能，以及介于两者之间的众多主题。他在比利时根特生活和工作。他曾在根特皇家美术学院接受培训。不久之后，德尔沃伊开始在墙纸上重绘，为现有图案着色，挑战当时艺术界自由表达的价值。德尔沃伊认为自己是概念的创造者。1990 年后，由德尔沃伊领导的专家们完成了他的大部分作品。1992 年，他在第九届文献展上展出的 "马赛克 "获得了国际认可，这是一个对称的瓷砖展示，上面铺满了他自己排泄物的照片。第九届文献展的组织者 Jan Hoet 说："维姆-德尔沃伊的长处在于，他能够通过将高雅艺术与通俗艺术相结合，将严肃与讽刺对立起来，从而制造冲突"。他最著名的三个项目是 "Cloaca"、"艺术农场 "和一系列哥特式作品。德尔沃伊最著名的作品可能是他的消化机器 "Cloaca"，这是他在安特卫普艺术博物馆（Museum voor Hedendaagse Kunst）展出的作品，在此之前，他花了八年时间咨询从管道到肠胃病学等领域的专家。2013 年在纽约举办的展览中，德尔沃伊展示了复杂的激光切割作品，这些作品将建筑和形象参考与莫比乌斯带或罗夏墨迹等形式相结合。他曾多次在欧洲各地的博物馆举办个展，包括巴黎蓬皮杜艺术中心和安特卫普 MUHKA（均于 2000 年举办），并且是第 48 届威尼斯双年展（1999 年）和第九届文献展（1997 年）的参展艺术家。

估价 60 000 - 70 000 EUR

编号 9 - PETER HALLEY（纽约，1953 年）。 "橙色监狱》，2013 年。 丙烯酸、日光丙烯酸和 Roll-a-Tex 涂在画布上。 附有艺术家签名证书。 背面有签名和日期。 尺寸：91.4 x 91.4 厘米：91.4 x 91.4 厘米。 彼得-哈雷（Peter Halley）通过 "橙色监狱 "继续他对几何与监狱二元性的研究。这是他毕生的事业，也是他对当代艺术史的伟大贡献：他在概念和形式上对几何抽象艺术进行了巧妙的诠释。八十年代，哈雷开始修正几何抽象艺术（唐纳德-贾德和弗兰克-斯特拉的极简主义传统）。在他的 "管道牢房"（Piped Cells）系列中，他引入了连接监狱牢房的导线的概念，以此来隐喻对生活的制度性管理。这些作品抽象地再现了后工业时代的景象，并揭示了支撑社会世界的无形几何图形。 哈雷从皮特-蒙德里安、约瑟夫-阿尔伯斯和唐纳德-贾德等艺术家那里汲取灵感，但他所关注的问题显然是当代的：他的图表唤起了人们对监狱、城市生活和技术的疏离感。他使用有纹理的工业涂料（Roll-a-Tex）和Day-Glo丙烯酸（波普艺术家已经使用过），这有助于唤起人工照明。Halley 使用滚筒而非刷子涂抹荧光色调，不留任何痕迹。 哈雷的作品曾在拍卖会上拍出六位数的高价，并被芝加哥艺术学院、现代艺术博物馆、泰特美术馆和蓬皮杜艺术中心收藏。 彼得-哈雷是国际舞台上最具影响力的艺术家之一。20 世纪 80 年代初，他以浓烈的日光色几何绘画而闻名。他的绘画活动通常与极简主义、新几何主义和新概念主义联系在一起。哈雷还是著名的作家、编辑和教师。他于 1978 年获得耶鲁大学学士学位和新奥尔良大学艺术硕士学位。哈雷于 1985 年首次在纽约东村的 International with Monument 画廊举办展览，该画廊是他于 1984 年与杰夫-昆斯、阿什利-比克顿和迈耶-瓦伊曼共同创建的。此后，他在玛丽-布恩画廊（Mary Boone Gallery）、桑纳本德画廊（Sonnabend Gallery）、布鲁诺-比绍夫伯格画廊（Galerie Bruno Bischofberger）、雅布隆卡画廊（Jablonka Galerie）、萨德斯-罗帕克画廊（Galerie Thaddeus Ropac）和瓦丁顿画廊（Waddington Galleries）举办过展览。他的首次大型作品展于 1992 年在波尔多 CAPC 博物馆举行。哈雷还是一位著名的讲师，曾在芝加哥艺术学院和罗马美国学院讲学。他还是《索引》杂志的共同创始人和编辑。受法国后结构主义影响，他的艺术论文已出版两卷。自 2001 年以来，他一直担任耶鲁大学艺术学院绘画和版画工作室主任。他的作品曾在纽约现代艺术博物馆、纽约古根海姆美术馆、旧金山现代艺术博物馆和泰特美术馆等地展出。

估价 60 000 - 70 000 EUR

编号 10 - 萨姆-弗朗西斯（SAM FRANCIS）（1923 年生于加利福尼亚州圣马特奥，1994 年卒于加利福尼亚州圣莫尼卡）。 无题》，1974 年。 纸上丙烯。 背面有签名和日期。 附有 Samuel Vanhoegaerden 画廊出具的证书，证明该作品已在 Sam Francis 基金会注册。 尺寸：46 x 46 厘米；59 x 59 厘米（框架）：46 x 46 厘米；59 x 59 厘米（画框）。 七十年代初，加利福尼亚画家山姆-弗朗西斯（Sam Francis）潜心研究荣格的精神分析学说，并将自己的梦境转化为绘画素材。这幅作品就属于这种无意识图像的创作，它将滚筒涂抹的颜料带与点燃的颜料点滴和飞溅结合在一起。一些评论家称这些作品为 "新鲜空气图像"，它们是由重叠的印记和点滴组成的底层矩阵构成的。圣弗朗西斯喜欢为偶然性和手势的自动性留出空间，以表达灵魂的脉搏。 1941 年至 1943 年，圣弗朗西斯在加州大学伯克利分校学习植物学、医学和心理学，1943 年至 1945 年第二次世界大战期间在美国空军服役，后因飞机失事受伤。他在医院住了几年，在此期间，他在朋友、旧金山美术学院教授大卫-帕克斯（David Parks）的劝说下开始画画。出院后，他回到伯克利，这次是为了学习艺术。从 1948 年到 1950 年，他一直在学习绘画和艺术史。弗朗西斯的早期作品直接受到罗斯科、高尔基和斯蒂尔等抽象表现主义画家的影响。20 世纪 50 年代，他旅居巴黎，并于 1952 年在尼达-道塞特画廊举办了首次个展。五六十年代，他举办了重要的个人画展，并参加了在 Ribe Droite 画廊（巴黎，1955 年）、Martha Jackson 画廊（纽约，1956 年）、Gimpel Fils 画廊（伦敦，1957 年）举办的联展、在欧洲八个城市巡回展出的 "美国新绘画 "展（1958 年）、卡塞尔文献展（1959 年和 1964 年）以及伯尔尼和杜塞尔多夫美术馆举办的联展。1963 年，他定居加利福尼亚州圣莫尼卡，六年后被伯克利大学授予荣誉博士学位。正是在这一时期（1960 年至 1963 年），他创作了多个系列的作品，其中包括 "蓝球 "系列。这些作品主要由生物形态的蓝色形状和水滴组成，反映了他 1961 年患肾结核所带来的痛苦。他继续画画，主要在洛杉矶，但也在东京，1973-4 年他主要住在东京。1965 年，弗朗西斯开始创作一系列画作，这些作品以大面积的开放画布、极少的色彩和强烈的线条为特色。1971 年，他开始接受詹姆斯-基尔希博士（Dr. James Kirsch）的荣格分析，之后他的作品有了进一步的发展。1980 年后，形式上的网格结构逐渐从弗朗西斯的作品中消失。1984 年，弗朗西斯成立了青金石出版社，目标是以具有视觉吸引力的形式创作出不同寻常的及时文本。

估价 45 000 - 55 000 EUR

编号 11 - 戴维-霍克尼（英国，1937 年）。 "我的窗户 纸上镌刻。第 217/250 期。 2010 年，大卫-霍克尼推出了一款名为 "无题第 281 号，2010 年 7 月 23 日 "的迷人 iPad 作品。 2019 年版。 尺寸：56 x 43 厘米：56 x 43 厘米。 近几十年来，英国著名艺术家大卫-霍克尼（David Hockney）将 iPad 作为一种新的艺术媒介，将创新进行到底。在他的作品中，窗户占据了重要的位置，无论是像这幅作品中出现的实体窗户，还是他在法国诺曼底的家中画出的窗外风景，即使窗户并没有出现。他甚至将一本收集他用 iPad 画的画的出版物命名为 "窗"。霍克尼利用 iPad 的功能，创作出了生动形象的作品。他采用了粗线条和饱和的色彩，让人想起他早期的绘画作品。最初，霍克尼用 iPad 来绘画和探索色彩。随后，他将这些数字作品转移到大幅画布上，将 iPad 的创作带入了一个新的维度。iPad 为霍克尼提供了方便携带的艺术表达工具。这种自由允许他进行实验，并采用更加自发的方法。这些绘画以当代语言歌颂了生活的乐趣。霍克尼的 iPad 绘画作品不仅展示了他作为艺术家的适应能力，还凸显了数字媒体巨大的创作潜力。 大卫-霍克尼是一位多学科的英国艺术家，是 20 世纪 60 年代英国波普艺术的关键人物，现在被认为是 20 世纪最具影响力的英国波普艺术家之一。他于 1963 年首次举办个人画展，仅仅 7 年后的 1970 年，伦敦白教堂画廊就为他举办了首次大型回顾展。最近，又有一些重要展览专门为他举办，如 2006 年在伦敦国家肖像画廊举办的肖像展。他的作品在世界各地展出，目前被英国皇家收藏、皇家学院、伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆和大英博物馆、马德里索菲亚王后博物馆、根特 SMAK、洛杉矶 J. Paul Getty 和芝加哥艺术学院等收藏。

估价 15 000 - 20 000 EUR

编号 12 - 安迪-沃霍尔（ANDY WARHOL，美国匹兹堡，1928 年-美国纽约，1987 年）。 "罗伯特-梅普尔索普》，1983 年。 莱诺克斯博物馆木板丝网版画。 独一无二的作品。 VF 首字母缩写（文森特-弗里蒙特），安迪-沃霍尔视觉艺术基金会印章，编号 UP41.77，安迪-沃霍尔遗产印章。 带有 Jablonka Maruani Mercier 画廊的标签。 附有 Maruani 画廊出具的证书。 出处：纽约安迪-沃霍尔视觉艺术基金会安迪-沃霍尔视觉艺术基金会，纽约 Ikon/Kay Richards 画廊，圣莫尼卡。 参考书目：Frayda Feldman 和 Jorg Schellmann, Andy Warhol Prints, A Catalog Raisonné 1962-1987, München-NY 1997, p.225, no.IIIA.26，另有两幅彩色插图。 尺寸：102 x 102 厘米；130.5 x 128 厘米（画框）。 与沃霍尔的其他名人丝网版画不同，摄影师罗伯特-梅普尔索普的肖像反映了两位艺术家之间的紧密联系，他们有着共同的环境和兴趣。在某种程度上，这位波普艺术的代表人物影响了这位年轻的摄影师。他们在 70 年代初相识，梅普尔索普还为沃霍尔和围绕 "工厂 "流传的人物（与纽约地下艺术有关的艺术家、作曲家和模特）绘制肖像。此外，与色彩饱和的绢印作品不同，沃霍尔在这幅作品中选择了灰色调，以此向梅普勒索普的黑白情色照片致敬。这是一件独一无二的作品，与艺术家的其他丝网印刷作品不同，它的构思没有机械的序列性。 人们对梅普尔索普的印象主要来自于他颇具争议的照片，他在题材选择和拍摄技巧上都超越了摄影的局限。他在 20 世纪 70 年代和 80 年代拍摄的男性裸体和色情图片使他声名狼藉。梅普尔索普在职业生涯早期就受到沃霍尔的影响，1969 年搬到曼哈顿后，他与沃霍尔的关系更进一步，甚至有可能效仿沃霍尔的生活方式。即使梅普尔索普在纽约艺术界声名鹊起，他仍将沃霍尔视为最重要的在世艺术家之一。两位艺术家都对肖像画有着浓厚的兴趣，沃霍尔创作的是关于名人和魅力的作品，而梅普尔索普则专注于人体美学。他们的艺术创作方式也很相似，两位艺术家都是镜头背后的创作力量，而工作室的工作人员则负责艺术作品的制作。1983 年，梅普尔索普为安迪-沃霍尔创作了四幅肖像画（其中一幅被伦敦泰特现代美术馆收藏），沃霍尔则为这位摄影师创作了一系列丝网印刷作品，梅普尔索普认为这些作品是自己成功的终极象征。本作品就是将这两位美国先锋偶像联系在一起的叙事的一部分。 安迪-沃霍尔是美国视觉艺术家、电影制片人和音乐制作人，在波普艺术的诞生和发展过程中起到了至关重要的作用。沃霍尔在当时被视为现代性大师，是 20 世纪最具影响力的艺术家之一。沃霍尔是斯洛伐克移民的儿子，1945 年至 1949 年在卡内基理工学院开始艺术学习。1949年，已经在纽约站稳脚跟的他开始了自己的广告漫画家生涯，为《Vogue》、《Harper's Bazaar》、《Seventeen》和《The New Yorker》等多家杂志创作广告漫画。与此同时，他还以日常环境、广告或漫画中的某些元素或形象为主题创作油画。不久，他开始在各种画廊展出作品。他逐渐摒弃了作品中的任何表现主义特征，直至将作品简化为对大众文化、消费主义世界或媒体中流行元素的连续重复。这种演变在 1962 年达到了去个性化的极致，当时他开始使用机械丝网印刷工艺作为工作方法，通过这种方法，他系统地再现了当代社会的神话，其中最具代表性的例子是玛丽莲-梦露、猫王、伊丽莎白-泰勒或毛泽东的系列作品，以及他对金宝汤罐头的著名处理，所有这些作品都是在成果丰硕的 20 世纪 60 年代创作的。这种 "挪用主义 "是波普艺术拥护者作品的一贯风格，并延伸到具有普遍性的艺术作品中。通过大规模复制的手段，他成功地剥离了他所使用的媒体迷信的通常所指，将它们变成了仅仅具有装饰目的的刻板图标。1963 年，他创建了一个名为 "工厂"（Factory）的工作室，纽约地下文化的众多人物聚集在他周围。轻浮和奢侈是他生活方式的标志，最终在他的作品和人生轨迹之间建立了一条连贯的界线。目前，世界上最重要的当代艺术博物馆都收藏有他的作品，如纽约现代艺术博物馆（MoMA）、纽约大都会博物馆（Met

估价 200 000 - 240 000 EUR

编号 13 - 汤姆-韦塞尔曼（TOM WESSELMANN，1931 年，俄亥俄州-2004 年，纽约）。 "静物与花》，1988 年。 纸上 Liquitex。 右下方有签名和日期。 附有由克莱尔-韦塞尔曼（Claire Wesselmann）签名的韦塞尔曼遗产证书，证明该作品已存入档案。 背面盖有巴黎 Laurent Strou. 甲基丙烯酸酯保护膜有一些划痕。 尺寸：119 x 140 厘米；133 x 154 厘米（画框）：119 x 140 厘米；133 x 154 厘米（画框）。 正如他的裸体画成为六十年代波普艺术的标志一样，汤姆-韦塞尔曼在他的花卉静物画（主要在八十年代创作）中以一种非常特别的方式重温了艺术史。他在激进地继承波普艺术遗产的同时，也明显向马蒂斯和野兽派艺术致敬。他使用原色将花朵分解为最基本的形式。在经典的静物画中运用轻松天真的风格，对装饰主义和艺术进行了有偏见的评论。 汤姆-韦塞尔曼是一位美国波普艺术画家。他是美国最后几位伟大的波普艺术大师之一，最受欢迎的作品是他大胆而引人注目的女性裸体画。他于 1951 年攻读心理学学位，但第二年就应征入伍参加朝鲜战争。不过，他最终被派驻堪萨斯州莱利堡。他创作了关于军队生活的连环画，后来他的创作题材更加多样化2。1954 年，他离开军队，重新开始心理学生涯，并于 1956 年毕业。就在那时，他搬到了纽约，全身心地投入到漫画创作中。他在库珀联盟艺术与建筑学院学习至 1959 年。在威廉-德-库宁的影响下，他开始尝试成为一名画家，创作了当时流行的抽象表现主义作品。1959 年，他创作了第一批抽象拼贴画，但很快又对马蒂斯、梵高和莫迪里阿尼的具象作品产生了兴趣，次年他创作了第一批具象作品，包括风景画。1961 年，他在纽约 Tanager 画廊举办了首次个展。同年，他开始创作大量的 "伟大的美国裸体画"。最初的作品是小幅拼贴画，后来的作品则是用油画（拉丁油画）和丙烯颜料绘制的大幅作品。在其中一些作品中，他还加入了实物。这一系列中的一幅画作《裸体 1 号》（1970 年）现悬挂在马德里蒂森-博内米萨博物馆。后来，他又创作了吸烟者系列以及巨幅静物画，其中融入了日常生活中的各种元素，如家用电器、瓶子、冰淇淋等。他还尝试使用剪切板进行雕塑创作。他的绘画作品内容广泛，涵盖多种技法（石版画、绢画、水彩画）。1993-94 年，日本专门为他出版了一本重要的选集。1980 年，他用笔名 "斯利姆-斯蒂林沃斯 "写了一本自传。

估价 240 000 - 260 000 EUR

编号 14 - 罗伯特-劳申伯格（ROBERT RAUSCHENBERG，1925 年生于美国得克萨斯州，2008 年卒于美国佛罗里达州）。 "山羊之家（通行证）》，1988 年。 手工纸上的丙烯酸和丝网印刷墨水。 底部中央有签名。 附有 Guy Pieters 画廊出具的证书，证明该作品已在罗伯特-劳森伯格基金会注册。 背面有标签： - 纸上纽约 "展览，1993 年 6 月至 10 月，巴塞尔贝耶勒画廊。 - 运动中的诗歌 "展，2007 年 6 月至 9 月，巴塞尔 Beyeler 画廊。 - M. Knoedler & Co. 尺寸：55 x 77 厘米；63.5 x 85 x 4 厘米（画框）：55 x 77 厘米；63.5 x 85 x 4 厘米（画框）。 20 世纪 80 年代是罗伯特-劳森伯格多产的职业生涯中的转型和实验时期。在新达达主义和波普艺术领域取得成就后，这位艺术家开始探索新的艺术语言，将绘画、版画、摄影和拼贴等多种技法融为一体，打破了人们对他的期望。其结果给人一种视觉和概念上的混杂感，在《山羊之家》等作品中，这种混杂感震撼了我们的潜意识，激发了我们的联想能力。在这些作品中，劳森伯格尝试了摄影转印，将日常现实和新闻中的图像融入作品，质疑真实与想象之间的关系。房子的花架和非洲男人的脸向我们提出了挑战，唤醒了我们的批判意识，但艺术家玩弄的是隐喻和谜团，并没有试图传达一种封闭的观念。同样，标题中 "山羊 "的典故可能是在向他五十年代最具代表性的作品 "Monogram "致敬。 罗伯特-劳森伯格是画家、雕塑家和平面艺术家，早期作品是波普艺术的先驱，他的创作涉及各种媒介，包括摄影、雕刻和表演。他曾获得 1993 年美国国家艺术奖章和 1995 年达芬奇世界艺术奖等杰出奖项。他的职业生涯始于药剂学，后参军，但最终决定投身艺术，在堪萨斯城艺术学院和巴黎朱利安学院接受培训。最后，他在北卡罗来纳州的布莱克山学院继续深造，包豪斯的创始人之一约瑟夫-阿尔伯斯是他的老师。1949 年至 1952 年间，劳申伯格在纽约艺术学生联盟师从瓦茨拉夫-维特拉齐尔和莫里斯-康托尔，并在那里结识了诺克斯-马丁和赛-汤伯利。在整个职业生涯中，劳申伯格的作品受到了包括马塞尔-杜尚在内的各种影响，发生了显著的变化。从 1951 年的首次个展开始，他的作品在美国和欧洲的主要画廊展出。1963 年初，他在纽约犹太博物馆举办了首次回顾展，次年，他成为首位获得威尼斯双年展大奖的美国艺术家。最近，他在纽约所罗门-R-古根海姆博物馆等著名场所举办了回顾展，还在纽约现代艺术博物馆、巴塞尔汀格利博物馆等地举办了展览。目前，他的作品被纽约、柏林和毕尔巴鄂的古根海姆博物馆、芝加哥艺术学院、纽约大都会博物馆和纽约现代艺术博物馆、伦敦泰特美术馆以及世界各地的其他重要收藏机构收藏。

估价 100 000 - 120 000 EUR

编号 15 - 米莫-罗特拉（MIMMO ROTELLA）（意大利卡坦扎罗，1918 年 - 米兰，2006 年）。 "超级蝙蝠侠》，2003 年。 粘贴在画布上的拼贴画。 独一无二的作品。 右下角有签名。背面有日期和标题。 附有 Mimmo Rotella 基金会标签。 蓬皮杜艺术中心保存着同一部影片的另一幅拼贴画。 附有盖伊-皮特斯（Guy Pieters）签署的证书，来自皮特斯画廊。 证书下边有破损。 尺寸：182 x 130 厘米；186 x 134 厘米（画框）：182 x 130 厘米；186 x 134 厘米（画框）。 在《蝙蝠侠》中，米莫-罗特拉再次展示了他作为创作者孜孜不倦的一面，以及他参与二十世纪下半叶新艺术语言实验的情况。这位曾经以几何抽象画起家的意大利人，在这幅 "拼贴画 "中展示了他的艺术进步和与周围世界的不断接触。他利用从墙上撕下的广告海报和旧电影海报，将其粘贴在画布上，创作出半抽象的作品。这次竞拍的拼贴画选用的海报来自威廉-多齐尔制作的电影《蝙蝠侠》，由亚当-韦斯特（饰演蝙蝠侠）和伯特-沃德（饰演蝙蝠侠的助手罗宾）主演。 作为一名多学科艺术家，米姆莫-罗特拉的创作手法多种多样，包括绘画、陶瓷、挂毯、素描、图形和摄影。他曾在罗马美术学院学习，1945 年战争结束后，他前往罗马，在那里接触到了前卫艺术。后来他去了巴黎和美国，回到罗马后，他开始研究广告海报的表现力，创造了一种名为 "拼贴"（décollage）的新技术。在巴黎，他参与了 "新浪漫主义"（Noveau Rèalisme）的创作，他对机械工艺诗学的兴趣还表现在 Mec-art 的创作上，即对图像进行序列转录的工艺。他的作品目前在纽约古根海姆博物馆和巴黎蓬皮杜艺术中心等多家博物馆展出。

估价 140 000 - 160 000 EUR

编号 16 - 卡里尔-阿佩尔（KAREL APPEL）（荷兰，1921 年 - 瑞士，2006 年）。 无题》，1975 年。 粘在画布上的纸板上的丙烯酸。 右下角有签名。 附有盖伊-皮特斯（Guy Pieters）和 Nieuwenhuizen-Segaar 先生签名的证书。 尺寸：57 x 75.5 厘米；84 x 102 厘米（画框）：57 x 75.5 厘米；84 x 102 厘米（画框）。 卡雷尔-阿佩尔的作品以其色调暴力和材料质朴而著称。他经常创作一些伪人类或神话中的生物，就像我们正在处理的这件作品，它们可以被解读为恐惧症的寓言。艺术家和他的团体 CoBrA（成立于五十年代）重新宣扬原始主义和幼稚或天真艺术，反对将欧洲引向毁灭的文明理性。阿佩尔的艺术语言基于表现主义的侵略性和与超现实主义相关的孩童般的单纯性的结合。他的作品始终保持在具象的范围之内。 卡雷尔-阿佩尔是一位画家、雕塑家和平面艺术家，目前被认为是他的祖国战后一代最具活力的艺术家。1948 年，他与科尔内耶、约恩和阿莱钦斯库共同创立了 CoBrA 国际集团，该集团在 20 世纪 40 年代至 50 年代期间对欧洲自动艺术的发展和壮大起到了决定性的作用。在纳粹占领荷兰期间，Apple 为避免被送往德国工作，在荷兰四处流浪。1946 年，他在格罗宁根举办了自己的首次个展，展览中已经可以看到杜布菲的印记，他后来与杜布菲分享了某些理论概念。他的第一批雕塑作品是 1947 年创作的，开创了利用废旧材料进行组合的先河。一些艺术家摒弃了超现实主义组织的严谨性和宗派主义，成立了 CoBrA 小组（哥本哈根、布鲁塞尔和阿姆斯特丹的缩写，阿佩尔、科尔内耶和康斯坦特来自这三个城市，他们与约恩、诺瓦雷特和多特雷蒙一起签署了成立宣言）。CoBrA 画家们的创作更加自发，他们迎合当地的文化传统，收集奇异的图像。该小组很快于 1951 年解散，但其中一些成员，特别是阿佩尔、约恩和阿列钦斯基，在随后的几十年中一直保持着该小组的精神。他们的绘画具有强烈的表现主义色彩，与北欧表现主义大师马克斯-佩希施泰因（Max Pechstein）和爱德华-慕尼黑（Edward Munich）的作品有异曲同工之妙。他的作品采用密集的浮雕和激烈的色彩游戏，体现了北欧表现主义的激动人心的特征。后来，他的绘画语言逐渐趋于柔和，接近手边绘画。阿佩尔是一位孜孜不倦的艺术家，他探索多种语言，包括雕塑、陶瓷、壁画、彩色玻璃或雕刻。在漫长的艺术生涯中，他获得了无数奖项，并与诗人艾伦-金斯堡（Allen Ginsberg）或编舞家田中敏（Min Tanaka）等其他领域的艺术家合作。1953 年，他在布鲁塞尔艺术宫举办了展览，并参加了圣保罗双年展（1959 年，他重返圣保罗，并获得了国际绘画奖），1954 年，他在威尼斯双年展上获得了联合国教科文组织奖，并在巴黎和纽约举办了展览。纽约古根海姆博物馆和纽约现代艺术博物馆、毕尔巴鄂美术馆、伦敦泰特美术馆、维也纳阿尔贝蒂娜美术馆、蒂森-博尔内米萨美术馆、威尼斯佩吉-古根海姆收藏馆和多德雷赫特美术馆等都收藏有阿佩尔的作品。

估价 40 000 - 50 000 EUR

编号 17 - PIERRE ALECHINSKY（布鲁塞尔，1927 年）。 "卑鄙的本能》，1974 年。 纸上丙烯，粘在画布上。 右下角有签名。背面有签名、年代和标题。 附有艺术家和 Guy Pieters 签名的证书。 尺寸：114 x 154 厘米；115,5 x 155,5 厘米（画框）：114 x 154 厘米；115,5 x 155,5 厘米（框架）。 皮埃尔-阿列钦斯基在五十年代与卡雷尔-阿佩尔和其他艺术家共同创建了 CoBrA 小组。阿列钦斯基在随后几十年中创作的作品中始终保持着推翻主导某些前卫潮流的理性主义和纯粹主义的愿望。在这幅 1974 年的画作中，阿列钦斯基始终忠实于他所追求的姿态的侵略性、火热的色调、粗暴的笔触以及对现实主义的拒绝。这位比利时艺术家经常选择一些涉及灵魂状态或抽象概念的标题，并通过色彩、纹理和急躁手势的象征意义，将这些标题转化为具有征服性的构图，比如我们在这里看到的这幅作品。因此，"卑鄙的本能 "被捕捉到，谱写成一曲撕裂的交响乐，从内心深处激荡着我们。 作为一名石版画家、画家和理论家，皮埃尔-阿列钦斯基曾在布鲁塞尔康布尔国立高等建筑与装饰艺术学院接受培训，在插图和排版方面表现出了天赋和兴趣。1945 年，他发现了米肖 (Michaux)、杜布菲 (Dubuffet) 和超现实主义者的作品，并与艺术评论家雅克-普特曼 (Jacques Putman) 成为朋友。1947 年，他开始绘画生涯，并将表现主义的某些特征与超现实主义的其他特征融合在一起，形成了非常个人化的风格。20 世纪 40 年代末，他结识了诗人克里斯蒂安-多特雷蒙（Christian Dotremont），后者是 CoBrA 小组（哥本哈根、布鲁塞尔和阿姆斯特丹的缩写）的创始成员之一。与阿列钦斯基一起加入该团体的还有卡雷尔-阿佩尔（Karel Appel）、克里斯蒂安-多特雷蒙特（Christian Dotremont）和阿斯格-约恩（Asger Jorn）等人。他还参加了该小组在阿姆斯特丹举办的首次国际展览，并与卡雷尔-阿佩尔和其他成员合作创作油画。CoBrA 解散后，阿列钦斯基移居巴黎，在颇受欢迎的 Atelier 17 尝试版画创作。在那里，他结识了贾科梅蒂、布拉姆-凡-维尔德和维克多-布劳纳。1954 年，他在巴黎 Nina Dausset 画廊举办了首次个人画展，并在那里结识了对他产生重要影响的画家丁雄泉。1956 年，他创作了丙烯画 "中央公园"，其中包括 "边缘观察"，这是他大部分作品的主题。1969 年，在布鲁塞尔美术宫举办了他的首次作品回顾展。1966 年，安德烈-布勒东（André Breton）选择这幅作品作为超现实主义运动国际展览的作品。他的作品曾在阿姆斯特丹、伦敦、威尼斯双年展、纽约等地展出，并被一些重要的私人收藏和机构收藏，如洛杉矶的 Marion Lefebre Collection、巴黎的 Galerie Leolong、马德里的 Museo Centro de Arte Reina Sofía、纽约现代艺术博物馆等。

估价 150 000 - 200 000 EUR

编号 18 - PIERRE ALECHINSKY（布鲁塞尔，1927 年）。 "伊朗与里海"，1980-1990 年。 纸上丙烯，粘在画布上。 背面有签名、年代和标题。画框上有签名。 附有艺术家签发的证书。 尺寸：108 x 146 厘米；124 x 162 厘米（框架）：108 x 146 厘米；124 x 162 厘米（画框）。 阿列钦斯基以伊朗和里海地区为中心的地理图为基础，展开他的想象，并以简化的方式介入其中，划定某些区域，并形象地 "淹没 "其他区域。这幅作品属于他的 "边缘观察 "系列，画作边缘的小插图将成为他创作的主要特征。要理解这个系列，就要考虑到它来自与印刷有关的词汇。"必须在铜版上用錾刀或干点绘制的雕刻师在铜版的边缘测试他们的工具；通过放手，他们经常勾勒出一个小图像。就我而言，这有时是对作品中心内容的解释，有时则伴随着作品，具有更重要的意义...... "艺术家自己解释道。他接着说："艺术家当时并没有意识到这一点，但通过用其他较小的素描来衬托中心人物，他建立了一个真实的绘画装置，它承担了绘画的限制并保护了它，吸引了我们的目光并留住了它"。 作为一名石版画家、画家和理论家，皮埃尔-阿列钦斯基曾在布鲁塞尔康布尔国立高等建筑与装饰艺术学院接受培训，在插图和排版方面表现出天赋和兴趣。1945 年，他发现了米肖 (Michaux)、杜布菲 (Dubuffet) 和超现实主义者的作品，并与艺术评论家雅克-普特曼 (Jacques Putman) 成为朋友。1947 年，他开始绘画生涯，并将表现主义的某些特征与超现实主义的其他特征融合在一起，形成了非常个人化的风格。20 世纪 40 年代末，他结识了诗人克里斯蒂安-多特雷蒙（Christian Dotremont），后者是 CoBrA 小组（哥本哈根、布鲁塞尔和阿姆斯特丹的缩写）的创始成员之一。与阿列钦斯基一起加入该团体的还有卡雷尔-阿佩尔（Karel Appel）、克里斯蒂安-多特雷蒙特（Christian Dotremont）和阿斯格-约恩（Asger Jorn）等人。他还参加了该小组在阿姆斯特丹举办的首次国际展览，并与卡雷尔-阿佩尔和其他成员合作创作油画。CoBrA 解散后，阿列钦斯基移居巴黎，在颇受欢迎的 Atelier 17 尝试版画创作。在那里，他结识了贾科梅蒂、布拉姆-凡-维尔德和维克多-布劳纳。1954 年，他在巴黎 Nina Dausset 画廊举办了首次个人画展，并在那里结识了对他产生重要影响的画家丁雄泉。1956 年，他创作了丙烯画《中央公园》，其中包括 "边缘观察"，这是他大部分作品的主题。1969 年，在布鲁塞尔美术宫举办了他的首次作品回顾展。1966 年，安德烈-布勒东（André Breton）选择这幅作品作为超现实主义运动国际展览的作品。他的作品曾在阿姆斯特丹、伦敦、威尼斯双年展、纽约等地展出，并被一些重要的私人收藏和机构收藏，如洛杉矶的 Marion Lefebre Collection、巴黎的 Galerie Leolong、马德里的 Museo Centro de Arte Reina Sofía、纽约现代艺术博物馆等。

估价 100 000 - 150 000 EUR

编号 19 - 让-杜布菲（JEAN DUBUFFET）（法国勒阿弗尔，1901 年 - 法国巴黎，1985 年）。 "Mire G 66（九龙）"，1983 年。 纸上丙烯，粘在画布上。 左上角有首字母签名和日期。 背面有 "佩斯画廊 "的标签。 附盖-皮特斯画廊出具的证书。 尺寸：68 x 100 厘米；92 x 124 厘米（画框）：68 x 100 厘米；92 x 124 厘米（画框）。 在生命的最后阶段，杜布菲摒弃了任何具象的参照物，用手势线条来表达最抽象的思想。在他的 "泥潭 "系列中，他以色彩斑斓的纠结为主题，分析如果头脑不把外部世界组织成先入为主、密不透风的类别，经验会是什么样子，这一主题构成了他整个创作的主线，也是他对 "野蛮艺术"（Art Brut）的承诺。艺术家表示"这些画作应被视为一种新视觉形式的学习实践：一种摆脱了误导性术语的视觉形式，人文主义通过这些术语来分析和编目宇宙中不断变化的流动混沌"。虽然 "米拉 G 132（九龙）"似乎没有可辨认的人物，但仔细观察就会发现，在许多地方都有面孔的影子。事实上，副标题指的就是繁华的香港九龙城。 让-杜布菲（Jean Dubuffet）是法国画家和雕塑家，1918 年来到巴黎定居，本想在朱利安学院学习绘画，但在接受了六个月的培训后，他放弃了学业，开始自学成才。1924 年，他因怀疑艺术的价值而停止绘画，并继承了父亲的生意，成为一名葡萄酒商。然而，到了三十年代，他又重拾画笔，不过他的创作又暂停了，一直持续到 1942 年。1944 年，他举办了首次个人画展，四年后，他开始接触超现实主义，并于 1954 年逐渐转向形而上学。在阅读了汉斯-普林佐恩（Hans Prinzhorn）的《精神病人的艺术》（Artistry of the mentally ill）一书之后，杜布菲创造了 "art brut"（原始艺术）一词，指的是精神病人、囚犯和儿童等非专业人士在审美规范之外创作的艺术作品。事实上，这位艺术家力图创造一种没有知识分子关注的艺术，他的作品有时显得原始而幼稚。杜布菲的作品目前收藏于纽约现代艺术博物馆、古根海姆博物馆和大都会博物馆、芝加哥艺术学院、巴黎蓬皮杜艺术中心、洛桑冬宫基金会、日本福冈博物馆、巴塞尔艺术博物馆、巴塞罗那 MACBA 美术馆、马德里 MNCARS 美术馆、伦敦泰特美术馆和威尼斯佩吉-古根海姆收藏馆等。

估价 350 000 - 400 000 EUR

编号 20 - 萨姆-弗朗西斯（SAM FRANCIS）（1923 年生于加利福尼亚州圣马特奥，1994 年卒于加利福尼亚州圣莫尼卡）。 无题》，1977 年。 纸上丙烯。 背面由萨姆-弗朗西斯庄园密封。 附盖-皮特斯画廊签发的证书。 防反射玻璃。 尺寸：34 x 27 厘米；60 x 51.5 厘米（画框）：34 x 27 厘米；60 x 51.5 厘米（画框）。 加利福尼亚画家萨姆-弗朗西斯（Sam Francis）对荣格心理分析很感兴趣，他在 70 年代发展出一种梦幻般的抽象画。这幅作品就属于这种无意识图像的创作路线，它将用滚筒（此处为刀片形式）涂抹的颜料带与红色和蓝色颜料的点滴和飞溅结合在一起。一些评论家称其为 "新鲜空气图像"，这些图像是由他用印记和点滴铺成的底层基质形成的。圣弗朗西斯喜欢为直觉和手势的自动性留出空间，以表达灵魂的脉搏。 1941 年至 1943 年，圣弗朗西斯在加州大学伯克利分校学习植物学、医学和心理学，1943 年至 1945 年第二次世界大战期间在美国空军服役，后因飞机失事受伤。他在医院住了几年，在此期间，他在朋友、旧金山美术学院教授大卫-帕克斯（David Parks）的劝说下开始画画。出院后，他回到伯克利，这次是为了学习艺术。从 1948 年到 1950 年，他一直在学习绘画和艺术史。弗朗西斯的早期作品直接受到罗斯科、高尔基和斯蒂尔等抽象表现主义画家的影响。20 世纪 50 年代，他旅居巴黎，并于 1952 年在尼达-道塞特画廊举办了首次个展。五六十年代，他举办了重要的个人画展，并参加了在 Ribe Droite 画廊（巴黎，1955 年）、Martha Jackson 画廊（纽约，1956 年）、Gimpel Fils 画廊（伦敦，1957 年）举办的联展、在欧洲八个城市巡回展出的 "美国新绘画 "展（1958 年）、卡塞尔文献展（1959 年和 1964 年）以及伯尔尼和杜塞尔多夫美术馆举办的联展。1963 年，他定居加利福尼亚州圣莫尼卡，六年后被伯克利大学授予荣誉博士学位。正是在这一时期（1960 年至 1963 年），他创作了多个系列的作品，其中包括 "蓝球 "系列。这些作品主要由生物形态的蓝色形状和水滴组成，反映了他 1961 年患肾结核所带来的痛苦。他继续画画，主要在洛杉矶，但也在东京，1973-4 年他主要住在东京。1965 年，弗朗西斯开始创作一系列以大面积开放画布、极少色彩和强烈线条为特色的绘画作品。1971 年，他开始跟随詹姆斯-基尔希（James Kirsch）博士进行深入的荣格分析，之后他的作品有了进一步的发展。1980 年后，形式上的网格结构逐渐从弗朗西斯的作品中消失。1984 年，弗朗西斯成立了青金石出版社，目标是以具有视觉吸引力的形式创作出不同寻常的及时文本。

估价 45 000 - 55 000 EUR

编号 21 - 维克托-瓦萨利（VICTOR VASARELY，匈牙利佩奇，1908 年 - 巴黎，1997 年）。 "Llide-D", 1962-1968. 木板上的丙烯画。 中央边缘下方有签名。背面有签名、年代和标题。 附皮埃尔-瓦萨雷利签发的证书。 尺寸：54 x 54 厘米；80 x 80 厘米（画框）：54 x 54 厘米；80 x 80 厘米（画框）。 油画 "Llide-D "属于维克多-瓦萨雷里的标志性系列作品之一 "Ondulatoires "系列。Ondulatoires "系列的灵感来源于海浪的摇曳和光线在水面上的反射。它是动感艺术的典范，动感艺术是瓦萨雷利所倡导的一种通过视错觉来探索运动感知的艺术风格。它采用抽象的线条构成，线条向外张开，通过对色度变化和线条粗细的研究，当观众走在作品前时，会产生一种起伏的效果。"Llide-D "暗示了在日落时分凝望大海时那种令人沉醉的平静。 维克多-瓦萨雷利（Victor Vasarely）被誉为 "欧普艺术之父"，他的艺术生涯始于包豪斯学生在布达佩斯创办的穆赫里学校（Muheely school）。1930 年，他在巴黎定居，并在那里创作了今天被认为是第一件欧普艺术作品的 "斑马"（1937 年）。在巴黎，他担任广告公司的平面设计师。在此期间，他的艺术风格从具象表现转向了建设性的几何抽象艺术，对没有消失点的透视表现感兴趣。1936 至 1948 年间，他定期参加独立沙龙和新现实沙龙。从 1948 年起，他定期在 Denise René 画廊展出作品。五十年代，他的作品开始使用铝或玻璃等新材料和支架。同样，他开始创作与空间融合的作品，如《向马列维奇致敬》。六十年代，他参加了许多联展，如纽约现代艺术博物馆举办的 "反应之眼"，以及在欧洲和美国举办的个展。在他一生获得的众多奖项中，尤以古根海姆奖（1964 年）、布鲁塞尔艺术评论家奖和米兰三年展金奖最为突出。1970 年，他还被授予荣誉军团骑士勋章。他的作品不仅出现在普罗旺斯地区艾克斯、佩奇和布达佩斯的博物馆中，还出现在世界最重要的当代艺术中心，如伦敦泰特美术馆、纽约现代艺术博物馆、威尼斯古根海姆美术馆或马德里索菲亚王后美术馆。

估价 75 000 - 95 000 EUR

编号 22 - 尼基-德圣法勒（NIKI DE SAINT PHALLE，1930 年出生于法国塞纳河畔诺伊伊，2002 年出生于加利福尼亚州圣地亚哥）。 2000 年，"L'Oiseau Amoureaux"。 树脂彩绘。副本 58/150。 背面有签名、说明理由和印章（背篓）。 附盖-皮特斯（Guy Pieters）签名证书，盖-皮特斯画廊。 尺寸：60 x 48 x 23 厘米：60 x 48 x 23 厘米。 "L'Oiseau Amoureux "是法国艺术家尼基-德-圣法勒的标志性雕塑。它表现的是一只拟人化的鸟，鸟身与一个抱着自己胸部的女人的身体混合在一起。这个像小女孩一样挂在大鸟身上的女人代表着 "娜娜"，是艺术家最具代表性和报复性的作品之一。它由树脂制成，涂有鲜艳明亮的色彩，与圣法勒大部分以女性形象为主题的作品相吻合：她著名的 "娜娜 "形象，身体高大威猛，有时甚至成为可居住的建筑；她的鸟女形象，以及她对大自然的热爱等等。"L'Oiseau Amoureux "颂扬了女性的力量，这也是艺术家从 20 世纪 60 年代开始关注的主题。它代表了飞行的自由、喜悦（以色彩为象征）和爱情（通过融合两个身体的拥抱以及这位雕塑家丰满的女性曲线）。爱情鸟 "唤起了一种解放和乐观的感觉。圣法勒希望通过突出女性曲线来挑战人们对女性美的刻板印象。同样，标题 "L'Oiseau Amoureux "也暗示了激情和变革之爱的理念，它使个人超越世俗的限制。在世界各地，包括博物馆、公共花园和私人收藏馆，都有多个版本的 "L'Oiseau Amoureux"。其中最著名的地点有奥斯陆雕塑公园（Ekebergparken）和巴塞尔汀格利博物馆。该博物馆及其花园专门用于纪念她的丈夫让-汀格利和他们共同创作的作品，收藏了圣法勒的众多雕塑作品，其中包括一件大型作品 "Oiseau"。 尼基-德-圣法勒是 20 世纪最著名的艺术家之一。1964 年，她开始创作名为 "Nanas "的系列作品，作品中的女性形象体态丰满、色彩鲜艳。这些雕塑作品展现了物体的嬉戏或喜庆维度与更为悲惨、暴力和色情维度之间的对比。20 世纪 60 年代初，艺术家创作了《射击画》。1966 年，她创作了艺术史上最大的女性人体雕塑，该作品也是 "娜娜 "系列的一部分，标题为 "Hon"（瑞典语中的 "她"）。这个 "娜娜 "不再是雕塑，而是建筑。这件作品被秘密收藏在斯德哥尔摩现代美术馆，因为考虑到他创作这件作品时的时代背景，这是一个相当革命性的行为，所以在向公众开放几天后，他们就关闭了展览。1979 年，他开始在卡帕尔比奥附近建造雕塑公园 "塔罗花园"。1982 年，她与丈夫让-汀格利（Jean Tinguely）一起，在巴黎蓬皮杜中心旁建造了 "斯特拉文斯基喷泉"（Fontaine Stravinsky）或 "自动喷泉"（Fountain of the Automatons）。圣法勒的许多雕塑作品尺寸都很大，并在公共场所展出。尼基慈善艺术基金会拥有一份在线地图和目录，其中列出了所有现有的公共艺术作品。Le Paradis Fantastique（《梦幻天堂》，1967 年），斯德哥尔摩现代美术馆，瑞士（与丁格利合作）。Golem》（1971 年），耶路撒冷 Kiryat Hayovel。汉诺威纳纳斯》（1973 年），与 Leibnizufer 一起在德国汉诺威展出。La Fontaine Stravinsky（斯特拉文斯基喷泉或自动喷泉，1982 年），巴黎蓬皮杜中心附近；太阳神（1983 年），加利福尼亚大学圣迭戈分校教师俱乐部旁边的一个长着翅膀的奇妙生物，作为斯图尔特公共艺术收藏的一部分。

估价 50 000 - 60 000 EUR

编号 23 - 尼基-德圣法勒（NIKI DE SAINT PHALLE，1930 年出生于法国塞纳河畔诺伊伊，2002 年出生于加利福尼亚州圣地亚哥）。 "狗花瓶"，2000 年。 彩绘树脂，复制品 3/10。 已签名并说明理由。底座刻有 "NA-2012-29 "字样。 附盖-皮特斯（Guy Pieters）签名证书，盖-皮特斯画廊。 尺寸：52.5 x 20 x 36 厘米：52.5 x 20 x 36 厘米。 尼基-德-圣法勒的雕塑花瓶，表现的是一只用后腿站立的狗。与这位法国艺术家的惯常作品一样，树脂被涂上了欢快的色彩，打开了幻想之门，将我们带入想象中的动物世界：在这个作品中，狗的解剖结构被自由地重新塑造。圣法勒用这种人物形象，就像他的性感曲线女人一样，让我们沉浸在受其自身规律支配的大自然中。这些法则是真正的女性法则，既强大、好战，又充满爱意。同样，在这幅标志性的作品中，忠诚和友谊等狗狗的优秀品质也被重新诠释，使她的提案中始终洋溢着乐观精神。 尼基-德-圣法勒是二十世纪中期最著名的艺术家之一。1962 年左右，她参加了在纽约现代艺术博物馆举办的 "组合艺术 "展览。1964 年，她开始创作名为 "Nanas "的系列作品，作品中的女性形象体态丰满、色彩鲜艳。这些雕塑作品展现了物体的嬉戏或喜庆维度与更为悲惨、暴力和色情维度之间的对比。这些形象与传统的女性美形成了鲜明对比。20 世纪 60 年代初，艺术家创作了 "射击绘画"。这些作品是用聚乙烯袋装满颜料，画成一个用白色粉笔涂满的人形。画面是在将人物从颜料袋中拍摄出来后形成的。1966 年，他创作了艺术史上最大的女性人体雕塑，这也是 "娜娜 "系列的一部分，标题为 "Hon"（瑞典语中的 "她"）。这个 "娜娜 "不再是雕塑，而是建筑。这件作品被秘密收藏在斯德哥尔摩现代美术馆，因为考虑到他创作这件作品时的时代背景，这是一个相当具有革命性的行为，所以在向公众开放几天后，他们就关闭了展览。1979 年，他开始在意大利卡帕尔比奥附近建造一座雕塑公园，西班牙语名为 "El jardín del tarot"。1982 年，她与丈夫让-汀格利（Jean Tinguely）一起在巴黎蓬皮杜艺术中心旁边建造了 "斯特拉文斯基喷泉"（Fontaine Stravinsky）或 "自动喷泉"（Fountain of the Automatons）。圣法勒的许多雕塑作品尺寸都很大，并在公共场所展出。尼基慈善艺术基金会拥有一份在线地图和目录，其中列出了所有现有的公共艺术作品。Le Paradis Fantastique（《梦幻天堂》，1967 年），斯德哥尔摩现代美术馆，瑞士（与丁格利合作）。Golem》（1971 年），耶路撒冷 Kiryat Hayovel。汉诺威纳纳斯》（1973 年），与 Leibnizufer 一起在德国汉诺威展出。La Fontaine Stravinsky（斯特拉文斯基喷泉或自动喷泉，1982 年），巴黎蓬皮杜中心附近（与丁格利合作 太阳神（1983 年），加利福尼亚大学圣地亚哥分校教师俱乐部旁的一个长着翅膀的奇妙生物，作为斯图尔特公共艺术收藏的一部分。

估价 55 000 - 65 000 EUR

编号 24 - 伊夫-克莱因（YVES KLEIN）（尼斯，1928 年-巴黎，1962 年）。 "L'esclave mourant d'apres Michel-Ange，1962 年。 IKB 颜料。 副本 299/300。共 350 册。 所有副本的底座下都贴有标签，注明版本号、出版商名称和制作人姓名。我们还设计了一个特殊的展示盒，用于在有机玻璃底座上展示每个版本，无论是否有保护措施。 附有盖伊-皮特斯画廊签署的证书。 尺寸：60 x 16 x 16 厘米：60 x 16 x 16 厘米。 "垂死的奴隶 "灵感来自米开朗基罗的《大卫》，是这位 1962 年去世的艺术家的最后一件作品。米开朗基罗的这尊雕塑创作于 1513 年，最初是为教皇尤利乌斯二世的陵墓准备的，但最终于 1542 年被放弃。伊夫-克莱因被米开朗基罗这件宏伟作品的悲剧力量所吸引。他用自己的 "国际克莱因蓝"（International Klein Blue）将其复制，并赋予其新的含义：将奴隶的噩梦变成解放的乌托邦。 获得专利的群青蓝颜料 "国际克莱因蓝 "是伊夫-克莱因（Yves Klein）于 1955-1960 年经过长期研究后创造出来的："我一直在寻找一种固定介质，它能够将每一粒颜料相互固定，然后再固定到支撑物上，而不会改变其中任何一粒颜料，也不会剥夺其自主辐照的可能性，同时还能与其他颜料和支撑物结合在一起，从而形成彩色的块状物，即绘画表面"。 伊夫-克莱因是新达达主义运动的重要艺术家，出生于一个艺术家家庭，但他的职业生涯是从柔道运动员开始的。他被柔道的哲学和实践深深吸引，曾在东京讲道馆学院学习，该学院的柔道流派深受禅宗哲学的影响。此外，克莱因从小就对玫瑰十字会的基督教宗教信仰感兴趣，将禅宗对空性和完全和谐状态的追求与玫瑰十字会的仪式和非物质性结合在一起。这些方面将在他的个性中留存终生，并在他的艺术中得到体现。克莱因于 20 世纪 50 年代开始绘画，并在 1955 年巴黎新现实主义沙龙上以单色画《米诺橙色的宇宙表达》展示了自己作为视觉艺术家的风采。然而，沙龙拒绝了他的作品，认为单一颜色不足以创作一幅画。在第一阶段，克莱因将使用滚筒而非画笔创作单色作品，以消除艺术家手的痕迹。色彩成为主角，作为物质化的感性，作为感官知觉。尤其是，对他来说最重要的颜色将是蓝色，艺术家将天空和大海等有形大自然中最抽象的图案归于蓝色。在这种情况下，克莱因花了很长时间寻找一种能保持颜料原有光泽的蓝色，直到他找到了 IKB（国际克莱因蓝）。这是一种深群青蓝，由艺术家自己研发并申请了专利。在他的职业生涯中，他曾在米兰、巴黎、杜塞尔多夫和伦敦等城市举办的展览中展出自己的作品，并迅速获得了国际认可。他还进行了绘画以外的探索，提出了用气流取代墙壁的个人建筑理念，并举办了 "Le Vide"（巴黎，1958 年）等展览，在展览中，他展示了一个完全空旷的房间，由他用白色绘画而成。他还创作了一系列杰出的作品，如 "Anthropometries"（蓝色、粉色或金色的人体图案）和 "Cosmogonies"（克莱因捕捉风雨痕迹的作品）。伊夫-克莱因的作品目前在世界各大博物馆展出，包括纽约现代艺术博物馆、古根海姆博物馆和大都会博物馆、巴黎蓬皮杜艺术中心、伦敦泰特美术馆、维也纳 MUMOK 美术馆、毕尔巴鄂古根海姆美术馆、马德里 MNCARS 美术馆、罗马国家现代和当代艺术画廊以及其他公共和私人收藏馆。

估价 100 000 - 120 000 EUR

编号 25 - 伊夫-克莱因（YVES KLEIN）（尼斯，1928 年-巴黎，1962 年）。 "Table d'or". 玻璃、有机玻璃、钢和金色颜料。 附盖-皮特斯画廊颁发的证书。 尺寸：37 x 125,5 x 100 厘米：37 x 125,5 x 100 厘米。 60 年代初，克莱因开始涉足家具设计领域，创作了三张优雅的桌子，桌子上填充了引人注目的材料，由于甲基丙烯酸酯或玻璃的透明性，桌子仿佛悬浮在无限的空间中。1963 年，在克莱因去世后不久，在他的遗孀罗特劳特-克莱因-莫奎的监督下，根据 1961 年克莱因的设计开始制作这些桌子。这三个版本以与艺术家最密切相关的颜色来区分：克莱因蓝"、粉红色 "Monopink "和金黄色 "Monogold"。每张桌子上都有一个塑料标签，作为真品铭牌，上面有参考编号和罗特劳特-克莱因-莫奎的签名摹本。克莱因在《单色冒险》（The Monochrome Adventure）（1960 年）中的几段摘录揭示了他对金色的热情，其中克莱因讲述了在伦敦老布朗普顿路装裱店和萨维奇工作室工作时受到的影响。在这些地方，我将 "物质的光照作为一种深刻的物理特质"。 伊夫-克莱因是新达达主义运动的重要艺术家，出生于一个艺术家家庭，但他的职业生涯是从柔道运动员开始的。他被柔道的哲学和实践深深吸引，曾在东京讲道馆学院学习，该学院的柔道流派深受禅宗哲学的影响。此外，克莱因从小就对玫瑰十字会的基督教宗教信仰感兴趣，将禅宗对空性和完全和谐状态的追求与玫瑰十字会的仪式和非物质性结合在一起。这些方面将在他的个性中留存终生，并在他的艺术中得到体现。克莱因于 20 世纪 50 年代开始绘画，并在 1955 年巴黎新现实主义沙龙上以单色画《宇宙在微橙色中的表达》展示了自己作为视觉艺术家的风采。然而，沙龙拒绝了他的作品，认为单一颜色不足以创作一幅画。在第一阶段，克莱因将使用滚筒而非画笔创作单色作品，以消除艺术家手的痕迹。色彩成为主角，作为物质化的感性，作为感官知觉。尤其是，对他来说最重要的颜色将是蓝色，艺术家将有形自然界中最抽象的图案（如天空和大海）归于蓝色。在这种情况下，克莱因花了很长时间寻找一种能保持颜料原有光泽的蓝色，直到他找到了 IKB（国际克莱因蓝）。这是一种深群青蓝，由艺术家自己研发并申请了专利。在他的职业生涯中，他曾在米兰、巴黎、杜塞尔多夫和伦敦等城市举办的展览中展出自己的作品，并迅速获得了国际认可。他还进行了绘画以外的探索，提出了用气流取代墙壁的个人建筑理念，并举办了 "Le Vide"（巴黎，1958 年）等展览，在展览中，他展示了一个完全空旷的房间，由他用白色绘画而成。他还创作了一系列杰出的作品，如 "Anthropometries"（蓝色、粉色或金色的人体图案）和 "Cosmogonies"（克莱因捕捉风雨痕迹的作品）。伊夫-克莱因的作品目前在世界各大博物馆展出，包括纽约现代艺术博物馆、古根海姆博物馆和大都会博物馆、巴黎蓬皮杜艺术中心、伦敦泰特美术馆、维也纳 MUMOK 美术馆、毕尔巴鄂古根海姆美术馆、马德里 MNCARS 美术馆、罗马国家现代和当代艺术画廊以及其他公共和私人收藏馆。

估价 34 000 - 36 000 EUR

编号 26 - 克里斯蒂安-多特蒙（CHRISTIAN DOTREMONT，比利时，1922 年--布英根市，1979 年）。 "Zyzzling aardvark》，1972 年。 纸张上的印度墨水。 左下角有签名、年代和标题。 附有 Samnuel Vanhoegaerden 签名的证书。 尺寸：98 x 62 厘米；113 x 76.6 厘米（画框）：98 x 62 厘米；113 x 76.6 厘米（画框）。 这幅中国水墨作品的标题很难翻译，就像 Christian Dotremont 的一般作品一样，充满了俏皮和超现实主义色彩。我们可以将其翻译为 "咝咝食蚁兽"，它蕴含着神秘的含义。它还暗示了一种奇特、神奇和虚构的书法。多特雷蒙是一位视觉诗人，与 CoBrA 团体有联系。 克里斯蒂安-多特勒蒙出生于特富伦。他是比利时画家和诗人，也是超现实主义革命小组（1946 年）的创始成员之一。他投身于超现实主义运动，旨在揭示艺术的多面性。他还是 CoBrA 的创始人之一，与丹麦艺术家 Asger Jorn 一起。正是阿斯格-约恩将多特雷蒙介绍给了伯奇画廊，该画廊由魅力十足的艺术品经销商兼创始人伯奇经营。多特雷蒙很快成为比尔奇的私人朋友，多年后，在眼镜蛇小组解散很久之后，他仍与这家哥本哈根画廊保持着密切联系。作为一位自始至终都在进行艺术实验的艺术家，他以绘画诗歌而闻名，法文名为 Peinture mots，他称之为 logogrammes。他将其定义为介于图像和文字之间的东西。多特勒蒙一生都在绘制这些 "文字的图像和图像的文字"。在阿姆斯特丹 Stedelijk 博物馆举办的 CoBrA 画展上，多特勒蒙发表了支持共产主义的长篇政治演说，引起了人们的关注。荷兰观众立刻被这番尖刻的语言激怒了。在这次全面的争吵之后，CoBrA 的几名成员退出了运动。这样的冲突和争执不可避免地导致该组织于 1951 年解散。1979 年 8 月 20 日，多特勒蒙因肺结核在特富伦去世。克里斯蒂安-多特雷蒙的作品被以下丹麦公共收藏机构收藏：锡尔克堡的约恩博物馆、路易斯安那现代艺术博物馆、阿罗斯博物馆、卡斯特鲁普加尔德收藏馆、兰德斯艺术博物馆、伊堡的 KUNSTEN、霍森斯艺术博物馆、富能艺术博物馆。除此之外，多特蒙特还被许多国际公共和私人收藏。

估价 50 000 - 60 000 EUR

编号 27 - 雅克-维勒格莱（JACQUES VILLEGLÉ，昆佩尔，1926 年-巴黎，2022 年）。 "约翰尼-蝎子"，1999 年 帆布拼贴画（撕碎的海报）。 右下角有签名。背面有签名和标题。 附有艺术家和 Guy Pieters 签名的鉴定证书。 尺寸：220 x 170 厘米；229 x 179 厘米（画框）：220 x 170 厘米；229 x 179 厘米（画框）。 Jacques Villeglé 解释说，1969 年在巴黎地铁里，他的 "décollage "语言（拼贴的逆过程，因为它的作用是减法）开始形成。那天，他看到一张抗议尼克松总统来访的海报。这些涂鸦具有政治性的排版，强化了拒绝的理念。从此，他开始发展自己的政治图形。不过，早在五十年代，他就开始采用城市海报。他在自己的作品中模仿了海报在露天下被无名之辈用手撕裂的过程，揭示了背后的层次。"约翰尼-蝎子"（Johnny Scorpions）继续沿着这条路走下去，实践着 "标志游击队 "的理念，将各种信息拼贴在一起，创造出一种新的字母表，既零碎又具有颠覆性。 雅克-维尔格莱是新艺术派艺术团体的杰出成员。他曾就读于雷恩美术学院，并在那里结识了雷蒙德-海因斯（Raymond Hains）。1947 年至 1949 年间，他在南特学习建筑，随后定居巴黎。他开始在海滩上收集物品，尤其是在圣马洛（Saint-Malo）（电线、大西洋墙的残骸......），并利用这些物品构思雕塑，但从 1949 年起，他开始收集撕裂的海报，并以 "游击海报艺术家 "的身份开始了更具个人特色的创作。 五十年代初，这位年轻的艺术家经常接触持不同政见的抒情诗人（牛狗布劳、居伊-德波和吉尔-沃尔曼）。1954 年，Villeglé 遇到了抒情诗人 François Dufrêne。1958 年，他写了一篇关于撕裂海报的宣言，题为 "集体现实"，这是新现实主义宣言的前身。1960 年，在参加了第一届巴黎双年展之后，雅克-维耶格莱加入了新现实主义团体，与 Martial Raysse、Yves Klein、Arman、Tinguely、Hains、Dufrêne、Spoerri......一起成为创始成员之一。）这场运动倡导 "以新的感知方式对待现实"，在 Villeglé 看来，它是建立在一种不追求技巧、贴近街头生活的艺术基础之上的。维尔格莱与他的朋友雷蒙德-海恩斯（Raymond Hains）（他曾与海恩斯合作拍摄了电影《佩内洛普》）一起，挪用城市抽象而抒情的眼泪，在他的作品中注入了一剂政治抗争剂，并通过解构政治和媒体信息的意义来挪用它们。1959 年，他举办了首次个人画展。从那时起，维耶格莱的作品在一百多个个人展览（欧洲和美国）和众多联展（巴黎青年沙龙、比较沙龙、尼卡沙龙......）中展出。一些重要的国家博物馆收藏了他的作品，但是，尽管他的作品具有创新性，雅克-维耶格莱却不得不等到 1970 年才靠自己的艺术谋生，直到 70 年代末才得到公众的认可。直到 1998 年，国家现代艺术博物馆才收藏了他的一幅撕裂海报。1971 年，斯图加特国家美术馆专门为他举办了第一个以 "撕裂的艺术 "为主题的博物馆展览。同年，他参加了斯德哥尔摩现代美术馆和克雷菲尔德博物馆的重展。1976 年和 1977 年，他参加了在近东和北非巡回展出的《1960-1975 年法国艺术全景》。此后五年，他参加了蓬皮杜艺术中心举办的巴黎-纽约和巴黎-巴黎等多个展览。1977 年，第一版《Lacerée anonyme ou Urbi & Orbi》问世。整个 20 世纪 80 年代至今，他在世界各地参加了 200 多次个展和联展，同时编辑出版了自己的作品目录。此外，还出版了多部关于其作品和形象的专著，以及一本由 Odile Felgine 撰写的传记。2000 年至 2010 年间，他推动并参与了各种街头艺术活动；他被巴黎最重要的涂鸦艺术家视为其作品的先锋和先驱。

估价 90 000 - 100 000 EUR

编号 28 - 瓦尔特-勒布朗（WALTER LEBLANC，比利时西里，1932 年-比利时安特卫普，1986 年）。 "扭转移动静态"，1963-1972 年。 装裱在木板上的聚乙烯条。 独一无二的作品。 背面有签名、日期和标题。有题词。 附有 Boon 画廊出具的证书。 参考书目： -Leblanc，N. "Walter Leblanc：图录"，Ludion，根特，1997，n.562/PF 630。 尺寸：27 x 27 厘米；40 x 40 厘米：27 x 27 厘米；40 x 40 厘米（画框）。 沃尔特-勒布朗的 "扭曲 "是他对艺术界的巨大贡献，尤其是在光学和动力学艺术领域。这位比利时艺术家将彩绘棉线和塑料丝带等材料在传统支架上拉伸扭曲，创造出简单的几何形状和闪电般的图案，造成运动的错觉。"扭转 Mobilo-Static "是这种独特技术最成功的范例之一，它通过带来光、运动和振动，将扭转本身变成了一种绘画元素。他在二维和三维作品中发展了扭转技术，拓展了绘画和雕塑的概念。 沃尔特-勒布朗是比利时战后欧洲艺术的重要人物，属于国际新前卫艺术网络中的 "新倾向"（Nouvelle Tendance）。从安特卫普皇家美术学院毕业后，勒布朗成为安特卫普前卫团体 G58 的创始成员之一。他在 G58-Hessenhuis 美术馆策划的展览 "反绘画"（Anti-Peinture）（1962 年）成为了他的宣言。在经历了具象、抽象以及后来的单色画时期后，勒布朗永远地离开了绘画。1959 年，他开始将 "扭曲 "作为重要的绘画元素引入自己的作品中。这些用棉线、塑料线或金属线制作的捻线，使他的浮雕和雕塑作品充满了动感、光线和振动。勒布朗积极参加了一些开创性的国际展览，如《单色图案》（1960 年，勒沃库森）、《反应之眼》（1965 年，纽约现代艺术博物馆）和《Serielle Formationen》（1967 年，美因河畔法兰克福）。1964 年，他获得了著名的比利时青年艺术奖；1970 年，他参加了第 35 届威尼斯双年展。从 1977 年到 1986 年早逝，勒布朗一直担任比利时建筑学院教授。1984 年，勒布朗的作品在多家博物馆展出，包括在 Deurle 的 Dhondt-Dhaenens 博物馆举办的 "Vlamingen in Venetië "展；在比利时当代艺术基金会举办的 "Géométrie de la matière "展；以及在布鲁塞尔 Atelier 340 举办的 "Surface sculpturale "展，该展览将于 1985 年在华沙、1986 年在克拉科夫巡回展出。与弗兰克-尼特维尔德（Frank Nietveld）在布拉沙特举办个展。安特卫普省获得一件作品。1985 年，伦茨收藏首次在萨尔茨堡卡罗琳-奥古斯丁博物馆公开展出。沃尔特和妮可在希腊基克拉迪群岛的纳克索斯岛度过夏天。安特卫普皇家美术馆收藏了他的第三件作品。他为布鲁塞尔 ABN Amro 银行大厅创作了一件建筑装置作品。1986 年 1 月 14 日，沃尔特-勒布朗在前往布鲁塞尔现代艺术博物馆完成群展 Rapports Plan/Espace - Tussen Vlak en Ruimte 灯光设计的途中因车祸去世。1989 年，在勒布朗去世三年后，三家博物馆举办了他的作品回顾展：路德维希港的威廉-哈克博物馆、德国博特罗普的约瑟夫-阿尔伯斯博物馆和奥地利萨尔茨堡博物馆。

估价 50 000 - 60 000 EUR

编号 29 - 克里斯托（保加利亚，1935- 美国，2020）。 "科罗拉多州阿肯色河项目"，2008 年。 素描和拼贴画。 独一无二的作品。 右下角和背面有签名。右下角有标题和日期。 附有 Guy Pieters、Guy Pieters Gallery 颁发的证书，并有艺术家签名。 尺寸：35.5 x 28 厘米；36.5 x 29 厘米（画框）。 1992 年，克里斯托、让娜-克劳德和他们的整个团队为了寻找实现这一目标的最佳地点，行程 22,530 公里（14,000 英里），启动了 "河流之上，科罗拉多州阿肯色河项目"。在这些旅行中，他们共考察了 7 个州的 89 条河流，找到了 6 个适合实现其宏伟目标的潜在地点。1996 年夏天，在重新考察了所有 6 个地点之后，科罗拉多州的阿肯色河被选为建设地点。最终的计划包括在科罗拉多州中南部卡农城和萨利达之间的阿肯色河上，在 8 个不同区域的 67.6 公里河段上悬挂 9.5 公里长的银色发光织物面板。在官僚机构层面，克里斯托于 2011 年获得了所有必要的联邦、州和地方许可证，当时美国内政部公布了 "决定记录"（Record of Decision）。然而，2012 年，一个反对这一临时艺术作品的当地团体在州法院对科罗拉多州公园提起诉讼，并在美国联邦法院对美国联邦政府土地管理局提起诉讼。2017 年 1 月，在追求该项目 20 年并经历了 5 年的法律诉讼之后，克里斯托决定将其搁置，将全部精力、时间和资源投入到阿拉伯联合酋长国 "马斯塔巴 "的实现中。 克里斯托和让娜-克劳德是 20 世纪末一对知名的艺术伉俪，他们的包裹物品是概念艺术最极端的典范。1952 年至 1956 年，克里斯托-瓦尔迪米罗夫-贾瓦切夫在索非亚美术学院学习，之后在布拉格生活了一年。1957 年，克里斯托逃离社会主义国家，在维也纳定居，并从那里前往日内瓦，最后来到巴黎。他在巴黎生活的特点是经济贫困和社会孤立，而学习法语的困难更加剧了这一特点。他靠画肖像画赚钱，他把画肖像画比作卖淫。1958 年 1 月，克里斯托创作了他的第一件 "包裹艺术 "作品；他在一个空油漆罐上盖上了浸透丙烯的画布。1958 年 11 月，克里斯托和让娜-克劳德在巴黎相遇。1961 年，他开始了自己的第一个大型创作项目--在科隆港口包裹木桶。1962 年，克里斯托和让娜-克劳德完成了他们的第一个不朽项目 "Rideau de fer"，作为反对柏林墙的宣言。作品包括用油桶封锁河上的维斯康蒂街。虽然克里斯托同时举办了他的第一个画廊展览，但正是维斯康蒂项目让他在巴黎声名鹊起。1964 年，克里斯托夫妇定居纽约。1968 年，他们参加了在卡塞尔举办的第 4 届文献展。1969 年，他们开展了最著名的项目之一，即澳大利亚悉尼小海湾海滨的包装项目。此后，他们在世界各地完成了许多大型项目，包括美国的 "奔跑的栅栏 "和 "包裹的人行道"、巴黎的 "新桥"、美国和日本的 "雨伞 "以及德国国会大厦。

估价 55 000 - 65 000 EUR

编号 30 - 克里斯托（保加利亚，1935- 美国，2020）。 "马斯塔巴，阿拉伯联合酋长国项目"，2008 年。 纸上混合媒介绘画。 独一无二的作品。 右下角有签名和日期，背面也有签名和日期。 附有克里斯托签名的证书。 尺寸：21.5 x 28 厘米；22.5 x 29 厘米（画框）：21.5 x 28 厘米；22.5 x 29 厘米（画框）。 La Mastaba 项目是克里斯托和让娜-克劳德于 1977 年在阿布扎比以南约 160 公里（100 英里）的利瓦沙漠构思的。虽然该项目在两位艺术家生前未能实现，但计划在死后实施，包括建造世界上最大的 "马斯塔巴 "或当代雕塑（体积），由 410,000 个五颜六色的木桶拼接而成，色彩斑斓，与伊斯兰建筑遥相呼应（需要指出的是，马斯塔巴是一种古埃及坟墓，有长方形的底座、平顶和倾斜的侧墙，用土坯或石块建造）。马斯塔巴高 150 米（492 英尺），垂直墙长 300 米（984 英尺），60 度倾斜墙宽 225 米（738 英尺）。2007 年和 2008 年，克里斯托和让娜-克劳德聘请了苏黎世联邦理工学院（ETH）、美国伊利诺伊大学香槟分校、英国剑桥大学和日本东京法政大学的工程学教授编写可行性研究报告，从而证明了这一庞大项目的可行性。最后，法政大学的概念被认为是技术上最合理、最具创新性的。一旦获得政府批准，建设期将至少持续三年，并将是一个自筹资金的项目，不需要政府资助，这也是艺术团所有项目的情况。 克里斯托和让娜-克劳德是 20 世纪末一对知名的艺术情侣，他们的包裹物品是概念艺术最极端的典范。1952 年至 1956 年，克里斯托-瓦尔迪米罗夫-贾瓦切夫在索非亚美术学院学习，之后在布拉格生活了一年。1957 年，克里斯托逃离社会主义国家，在维也纳定居，并从那里前往日内瓦，最后来到巴黎。他在巴黎生活的特点是经济贫困和社会孤立，而学习法语的困难更加剧了这一特点。他靠画肖像画赚钱，并将其比作卖淫。1958 年 1 月，克里斯托创作了他的第一件 "包裹艺术 "作品；他在一个空油漆罐上盖上了浸透丙烯的画布。1958 年 11 月，克里斯托和让娜-克劳德在巴黎相遇。1961 年，他开始了自己的第一个大型创作项目--在科隆港口包裹木桶。1962 年，克里斯托和让娜-克劳德完成了他们的第一个不朽项目 "Rideau de fer"，作为反对柏林墙的宣言。作品包括用油桶封锁河上的维斯康蒂街。虽然克里斯托同时举办了他的第一个画廊展览，但正是维斯康蒂项目让他在巴黎声名鹊起。1964 年，克里斯托夫妇定居纽约。1968 年，他们参加了在卡塞尔举办的第 4 届文献展。1969 年，他们开展了最著名的项目之一，即澳大利亚悉尼小海湾海滨的包装项目。此后，他们在世界各地完成了许多大型项目，包括美国的 "奔跑的栅栏 "和 "包裹的人行道"、巴黎的 "新桥"、美国和日本的 "雨伞 "以及德国国会大厦。

估价 100 000 - 110 000 EUR

编号 31 - 克里斯托（保加利亚，1935- 美国，2020）。 "巴黎新桥包装项目"，1985 年。 纸上混合媒介。 左下角和背面有签名和日期。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：28 x 35 厘米；29 x 36 厘米（画框）：28 x 35 厘米；29 x 36 厘米（画框）。 克里斯托和让娜-克劳德的 "包裹 "作品对当代艺术史产生了特殊的影响。克里斯托和让娜-克劳德这对概念艺术家构想出包裹公共纪念碑的想法，是为了通过隐藏的做法让人们看到某些东西：雕像和标志性建筑通常不被人注意，因此克里斯托从七十年代起就计划放弃它们（它们中的大多数只保留在项目中，有计划、图纸等），选择一种既宏大又短暂的艺术类型。1985 年 9 月 22 日，300 名工人在巴黎著名的新桥（Pont Neuf）上展开了 41 800 平方米（450 000 平方英尺）的丝绸外观、金色砂岩色的聚酰胺织物，并将其覆盖了 14 天。 克里斯托和让娜-克劳德是 20 世纪末一对知名的艺术情侣，他们的包裹物品是概念艺术最极端的典范。1952 年至 1956 年，克里斯托-瓦尔迪米罗夫-贾瓦切夫在索非亚美术学院学习，之后在布拉格生活了一年。1957 年，克里斯托逃离社会主义国家，在维也纳定居，并从那里前往日内瓦，最后来到巴黎。他在巴黎生活的特点是经济贫困和社会孤立，而学习法语的困难更加剧了这一特点。他靠画肖像画赚钱，他把画肖像画比作卖淫。1958 年 1 月，克里斯托创作了他的第一件 "包裹艺术 "作品；他在一个空油漆罐上盖上了浸透丙烯的画布。1958 年 11 月，克里斯托和让娜-克劳德在巴黎相遇。1961 年，他开始了自己的第一个大型创作项目--在科隆港口包裹木桶。1962 年，克里斯托和让娜-克劳德完成了他们的第一个不朽项目 "Rideau de fer"，作为反对柏林墙的宣言。作品包括用油桶封锁河上的维斯康蒂街。虽然克里斯托同时举办了他的第一个画廊展览，但正是维斯康蒂项目让他在巴黎声名鹊起。1964 年，克里斯托夫妇定居纽约。1968 年，他们参加了在卡塞尔举办的第 4 届文献展。1969 年，他们开展了最著名的项目之一，即澳大利亚悉尼小湾海滨的包装项目。此后，他们在世界各地完成了许多大型项目，包括美国的 "奔跑的栅栏 "和 "包裹的人行道"、巴黎的 "新桥"、美国和日本的 "雨伞 "以及德国国会大厦。

估价 90 000 - 100 000 EUR

编号 32 - 克里斯托（保加利亚，1935- 美国，2020）。 "包裹的国会大厦，柏林项目"，1995 年。 拼贴画。 右下角有签名和日期。背面有签名和日期。 所附证书由 Guy Pieters 画廊签发，克里斯托签名。 尺寸：22 x 28.5 厘米：22 x 28.5 厘米。 克里斯托和让娜-克劳德的 "包装纸 "对当代艺术史产生了特殊的影响。克里斯托和让娜-克劳德这对概念艺术家构想出包裹公共纪念碑的想法，是为了通过隐藏的做法让人们看到某些东西：雕像和标志性建筑通常不被人注意，因此克里斯托从七十年代起就计划放弃它们（只在项目中留下大部分计划、图纸等），选择了一种既宏大又短暂的艺术类型。1995 年，在经过长达 70 年的斗争之后，柏林市见证了这一艺术组合中最令人震惊的项目之一：国会大厦被 10 万平方米的铝制聚丙烯表面和 15.6 千米的蓝色聚丙烯绳包裹起来。外墙、塔楼和屋顶上覆盖了 70 块特制的织物板，是大楼面积的两倍。整个施工过程持续了 14 天，项目完成后所有材料都被回收利用。 克里斯托和让娜-克劳德是 20 世纪末一对知名的艺术情侣，他们的包裹物品是概念艺术最极端的典范。1952 年至 1956 年，克里斯托-瓦尔迪米罗夫-贾瓦切夫在索非亚美术学院学习，之后在布拉格生活了一年。1957 年，克里斯托逃离社会主义国家，在维也纳定居，并从那里前往日内瓦，最后来到巴黎。他在巴黎生活的特点是经济贫困和社会孤立，而学习法语的困难更加剧了这一特点。他靠画肖像画赚钱，并将其比作卖淫。1958 年 1 月，克里斯托创作了他的第一件 "包裹艺术 "作品；他在一个空油漆罐上盖上了浸透丙烯的画布。1958 年 11 月，克里斯托和让娜-克劳德在巴黎相遇。1961 年，他开始了自己的第一个大型创作项目--在科隆港口包裹木桶。1962 年，克里斯托和让娜-克劳德完成了他们的第一个不朽项目 "Rideau de fer"，作为反对柏林墙的宣言。作品包括用油桶封锁河上的维斯康蒂街。虽然克里斯托同时举办了他的第一个画廊展览，但正是维斯康蒂项目让他在巴黎声名鹊起。1964 年，克里斯托夫妇定居纽约。1968 年，他们参加了在卡塞尔举办的第 4 届文献展。1969 年，他们开展了最著名的项目之一，即澳大利亚悉尼小海湾海滨的包装项目。此后，他们在世界各地完成了许多大型项目，包括美国的 "奔跑的栅栏 "和 "包裹的人行道"、巴黎的 "新桥"、美国和日本的 "雨伞 "以及德国国会大厦。

估价 85 000 - 95 000 EUR

编号 33 - 克里斯托（保加利亚，1935- 美国，2020）。 "戴高乐凯旋门，包裹（巴黎戴高乐广场）"。 拼贴画。 右下角有签名和日期。背面有签名和日期。 所附文件由克里斯托于 2019 年签署。 尺寸：28 x 22 厘米；29 x 23 厘米（画框）：28 x 22 厘米；29 x 23 厘米（画框）。 2021 年 9 月底 10 月初，有幸漫步巴黎凯旋门的游客很可能会大吃一惊：克里斯托和让娜-克劳德用 25000 平方米的银蓝色可回收聚丙烯织物和 3000 米长的红绳将这座标志性建筑包裹起来。这个项目的历史可以追溯到 1961 年，克里斯托和让娜-克劳德在巴黎相遇三年后，开始在公共场所创作艺术作品。他们的其中一个项目是包裹一座公共建筑。克里斯托和让娜-克劳德基金会自己说："克里斯托来到巴黎后，在凯旋门附近租了一个小房间，从此就被这座纪念碑吸引住了。1962 年，他将从福煦大道看到的被包裹的凯旋门拍成了一幅拼贴画，1988 年又拍了一幅拼贴画。60 年后，这个项目终于实现了"。 克里斯托和让娜-克劳德的 "包裹 "对当代艺术史产生了特殊的影响。克里斯托和让娜-克劳德的 "包裹 "对当代艺术史产生了特殊的影响。这对概念艺术家构想出包裹公共纪念碑的想法，是为了产生一种双重游戏，即通过隐藏的做法让人们看到某些东西：雕像和标志性建筑通常不被人注意，因此克里斯托从七十年代起就计划将它们废弃（其中大部分只留下项目、计划、图纸等），选择一种既宏大又短暂的艺术类型。 克里斯托和让娜-克劳德是 20 世纪末一对著名的艺术情侣，他们的包裹物品是观念艺术最极端的例子。克里斯托-瓦尔迪米罗夫-贾瓦切夫于 1952 年至 1956 年在索非亚美术学院学习，之后在布拉格生活了一年。1957 年，克里斯托逃离社会主义国家，在维也纳定居，并从那里前往日内瓦，最后来到巴黎。他在巴黎生活的特点是经济贫困和社会孤立，而学习法语的困难更加剧了这一特点。他靠画肖像画赚钱，并将其比作卖淫。1958 年 1 月，克里斯托创作了他的第一件 "包裹艺术 "作品；他在一个空油漆罐上盖上了浸透丙烯的画布。1958 年 11 月，克里斯托和让娜-克劳德在巴黎相遇。1961 年，他开始了自己的第一个大型创作项目--在科隆港口包裹木桶。1962 年，克里斯托和让娜-克劳德完成了他们的第一个不朽项目 "Rideau de fer"，作为反对柏林墙的宣言。作品包括用油桶封锁河上的维斯康蒂街。虽然克里斯托同时举办了他的第一个画廊展览，但正是维斯康蒂项目让他在巴黎声名鹊起。1964 年，克里斯托夫妇定居纽约。1968 年，他们参加了在卡塞尔举办的第 4 届文献展。1969 年，他们开展了最著名的项目之一，即澳大利亚悉尼小湾海滨的包装项目。此后，他们在世界各地完成了许多大型项目，包括美国的 "奔跑的栅栏 "和 "包裹的人行道"、巴黎的 "新桥"、美国和日本的 "雨伞 "以及德国国会大厦。

估价 120 000 - 140 000 EUR

编号 34 - 克里斯托（保加利亚，1935- 美国，2020）。 "马斯塔巴，伦敦项目"，2018 年。 拼贴画。 独一无二的作品。 右下角有签名和日期。背面有签名和日期。 尺寸：22.5 x 29 x 3 厘米：22.5 x 29 x 3 厘米。 伦敦海德公园蛇形湖上的浮动平台上横向堆放着 7506 个木桶。该项目于 2018 年进行，属于临时性质，之所以命名为 "马斯塔巴"，是因为这个超级结构采用了马斯塔巴（古埃及用土坯块或石头建造的墓穴，底座呈长方形，屋顶平坦，侧墙倾斜）的形式。这座巨大的雕塑总重 600 吨，用 32 个锚固定在湖床上。它的占地面积约占湖面总面积的 1%。与这对艺术组合的所有项目一样，它的资金全部来自克里斯托的原创艺术品销售，就像我们现在竞拍的这件作品一样。 克里斯托和让娜-克劳德是 20 世纪末一对知名的艺术情侣，他们的包裹物品是概念艺术最极端的典范。1952 年至 1956 年，克里斯托-瓦尔迪米罗夫-贾瓦切夫在索非亚美术学院学习，之后在布拉格生活了一年。1957 年，克里斯托逃离社会主义国家，在维也纳定居，之后前往日内瓦，最后来到巴黎。他在巴黎生活的特点是经济贫困和社会孤立，而学习法语的困难更加剧了这一特点。他靠画肖像画赚钱，并将其比作卖淫。1958 年 1 月，克里斯托创作了他的第一件 "包裹艺术 "作品；他在一个空油漆罐上盖上了浸透丙烯的画布。1958 年 11 月，克里斯托和让娜-克劳德在巴黎相遇。1961 年，他开始了自己的第一个大型创作项目--在科隆港口包裹木桶。1962 年，克里斯托和让娜-克劳德完成了他们的第一个不朽项目 "Rideau de fer"，作为反对柏林墙的宣言。作品包括用油桶封锁河上的维斯康蒂街。虽然克里斯托同时举办了他的第一个画廊展览，但正是维斯康蒂项目让他在巴黎声名鹊起。1964 年，克里斯托夫妇定居纽约。1968 年，他们参加了在卡塞尔举办的第 4 届文献展。1969 年，他们开展了最著名的项目之一，即澳大利亚悉尼小湾海滨的包装项目。此后，他们在世界各地完成了许多大型项目，包括美国的 "奔跑的栅栏 "和 "包裹的人行道"、巴黎的 "新桥"、美国和日本的 "雨伞 "以及德国国会大厦。

估价 110 000 - 120 000 EUR

编号 35 - 克里斯托（保加利亚，1935- 美国，2020）。 "浮动码头，意大利伊塞奥湖项目"，2016 年。 拼贴画。 独一无二的作品。 左下角有签名和日期。背面有签名和日期。 附有 Guy Pieters 画廊出具的证书，上面有艺术家的签名。 尺寸：29.5 x 22 x 3 厘米：29.5 x 22 x 3 厘米。 克里斯托和让娜-克劳德在意大利最引人注目的项目之一是在伊塞奥湖（米兰以东约 100 公里）上实施的项目，他们在湖上铺设了 10 万平方米的亮黄色织物，这些织物随着波浪的摇摆而漂浮移动。该项目名为 "漂浮的码头"，由这对艺术组合自筹资金，完全免费并向公众开放。"克里斯托说："那些体验过《漂浮的码头》的人感觉就像是在水上行走，或许是在鲸鱼的背上。"在 16 天的时间里，光和水将明黄色的织物变成了红色和金色。浮动码头》最初由克里斯托和让娜-克劳德于 1970 年构思。这是自 2005 年克里斯托和让娜-克劳德完成《门》之后，以及让娜-克劳德于 2009 年去世之后，克里斯托的第一个大型项目。 克里斯托和让娜-克劳德是 20 世纪末一对公认的艺术伉俪，他们的包裹物品是概念艺术最极端的典范。克里斯托-瓦尔迪米罗夫-贾瓦切夫于 1952 年至 1956 年在索非亚美术学院学习，之后在布拉格生活了一年。1957 年，克里斯托逃离社会主义国家，在维也纳定居，并从那里前往日内瓦，最后来到巴黎。他在巴黎生活的特点是经济贫困和社会孤立，而学习法语的困难更加剧了这一特点。他靠画肖像画赚钱，他把画肖像画比作卖淫。1958 年 1 月，克里斯托创作了他的第一件 "包裹艺术 "作品；他在一个空油漆罐上盖上了浸透丙烯的画布。1958 年 11 月，克里斯托和让娜-克劳德在巴黎相遇。1961 年，他开始了自己的第一个大型创作项目--在科隆港口包裹木桶。1962 年，克里斯托和让娜-克劳德完成了他们的第一个不朽项目 "Rideau de fer"，作为反对柏林墙的宣言。作品包括用油桶封锁河上的维斯康蒂街。虽然克里斯托同时举办了他的第一个画廊展览，但正是维斯康蒂项目让他在巴黎声名鹊起。1964 年，克里斯托夫妇定居纽约。1968 年，他们参加了在卡塞尔举办的第 4 届文献展。1969 年，他们开展了最著名的项目之一，即澳大利亚悉尼小湾海滨的包装项目。此后，他们在世界各地完成了许多大型项目，包括美国的 "奔跑的栅栏 "和 "包裹的人行道"、巴黎的 "新桥"、美国和日本的 "雨伞 "以及德国国会大厦。

估价 130 000 - 150 000 EUR

编号 36 - 克里斯托（保加利亚，1935- 美国，2020）。 纽约市中央公园项目 "大门"，2001 年。 纸上拼贴画。 右下角有签名和日期。背面有签名和日期。 附有克里斯托 2012 年签署的证书。 尺寸：36 x 56 厘米；36 x 57 x 3 厘米（画框）：36 x 56 厘米；36 x 57 x 3 厘米（画框）。 中央公园是安装 "门 "的绝佳场所，克里斯托和让娜-克劳德设计了这个项目，将 7,503 块藏红花色的板材放置在钢制底座上，沿着公园的部分地理区域铺设。安装时没有在地面上钻孔，整个项目由这对艺术组合自己出资（就像克里斯托和让娜-克劳德的每一件设计作品一样）。对于沿着人行道穿过 "大门 "的纽约人来说，"藏红花色的织物就像金色的天花板，营造出温暖的阴影。从中央公园周围的建筑看过去，'大门'就像一条金色的河流，在光秃秃的树枝间忽隐忽现，突出了蜿蜒小路的形状"，基金会自己如是说。 克里斯托和让娜-克劳德是 20 世纪末一对知名的艺术情侣，他们的包裹物品是概念艺术最极端的典范。克里斯托-瓦尔迪米罗夫-贾瓦切夫于 1952 年至 1956 年在索非亚美术学院学习，之后在布拉格生活了一年。1957 年，克里斯托逃离社会主义国家，在维也纳定居，并从那里前往日内瓦，最后来到巴黎。他在巴黎生活的特点是经济贫困和社会孤立，而学习法语的困难更加剧了这一特点。他靠画肖像画赚钱，并将其比作卖淫。1958 年 1 月，克里斯托创作了他的第一件 "包裹艺术 "作品；他在一个空油漆罐上盖上了浸透丙烯的画布。1958 年 11 月，克里斯托和让娜-克劳德在巴黎相遇。1961 年，他开始了自己的第一个大型创作项目--在科隆港口包裹木桶。1962 年，克里斯托和让娜-克劳德完成了他们的第一个不朽项目 "Rideau de fer"，作为反对柏林墙的宣言。作品包括用油桶封锁河上的维斯康蒂街。虽然克里斯托同时举办了他的第一个画廊展览，但正是维斯康蒂项目让他在巴黎声名鹊起。1964 年，克里斯托夫妇定居纽约。1968 年，他们参加了在卡塞尔举办的第 4 届文献展。1969 年，他们开展了最著名的项目之一，即澳大利亚悉尼小海湾海滨的包装项目。此后，他们在世界各地完成了许多大型项目，包括美国的 "奔跑的栅栏 "和 "包裹的人行道"、巴黎的 "新桥"、美国和日本的 "雨伞 "以及德国国会大厦。

估价 130 000 - 150 000 EUR

编号 37 - 克里斯托（保加利亚，1935- 美国，2020）。 "科罗拉多州阿肯色河项目"，2011 年。 一套两幅拼贴画（参考编号 80A 和 80B）。 被视为单幅作品。独一无二的作品。背面附有说明。 上部右下角有签名（编号 80A）和日期。 附盖伊-皮特斯（Guy Pieters）、盖伊-皮特斯画廊出具的证书，并有艺术家签名。 尺寸：39.5 x 244 厘米（上部或编号 80A）和 108 x 244 厘米（下部或编号 80B）。 1992 年，克里斯托、让娜-克劳德和他们的整个团队为了寻找完美的创作地点，行程 22,530 公里（14,000 英里），启动了 "河流之上，科罗拉多州阿肯色河项目"。在这些旅行中，他们共考察了 7 个州的 89 条河流，找到了 6 个适合实现其宏伟目标的潜在地点。1996 年夏天，在重新考察了所有 6 个地点之后，科罗拉多州的阿肯色河被选为建设地点。最终的计划包括在科罗拉多州中南部卡农城和萨利达之间的阿肯色河上，在 8 个不同区域的 67.6 公里河段上悬挂 9.5 公里长的银色发光织物面板。在官僚机构层面，克里斯托于 2011 年获得了所有必要的联邦、州和地方许可证，当时美国内政部公布了 "决定记录"（Record of Decision）。然而，2012 年，反对这一临时艺术作品的当地团体在州法院对科罗拉多州公园提起诉讼，并在美国联邦法院对美国联邦政府土地管理局提起诉讼。2017 年 1 月，在追求该项目 20 年并经历了 5 年的法律诉讼之后，克里斯托决定将其搁置，将全部精力、时间和资源投入到阿拉伯联合酋长国 "马斯塔巴 "的实现中。 克里斯托和让娜-克劳德是 20 世纪末一对知名的艺术伉俪，他们的包裹物品是概念艺术最极端的典范。1952 年至 1956 年，克里斯托-瓦尔迪米罗夫-贾瓦切夫在索非亚美术学院学习，之后在布拉格生活了一年。1957 年，克里斯托逃离社会主义国家，在维也纳定居，并从那里前往日内瓦，最后来到巴黎。他在巴黎生活的特点是经济贫困和社会孤立，而学习法语的困难更加剧了这一特点。他靠画肖像画赚钱，并将其比作卖淫。1958 年 1 月，克里斯托创作了他的第一件 "包裹艺术 "作品；他在一个空油漆罐上盖上了浸透丙烯的画布。1958 年 11 月，克里斯托和让娜-克劳德在巴黎相遇。1961 年，他开始了自己的第一个大型创作项目--在科隆港口包裹木桶。1962 年，克里斯托和让娜-克劳德完成了他们的第一个不朽项目 "Rideau de fer"，作为反对柏林墙的宣言。作品包括用油桶封锁河上的维斯康蒂街。虽然克里斯托同时举办了他的第一个画廊展览，但正是维斯康蒂项目让他在巴黎声名鹊起。1964 年，克里斯托夫妇定居纽约。1968 年，他们参加了在卡塞尔举办的第 4 届文献展。1969 年，他们开展了最著名的项目之一，即澳大利亚悉尼小海湾海滨的包装项目。此后，他们在世界各地完成了许多大型项目，包括美国的 "奔跑的栅栏 "和 "包裹的人行道"、巴黎的 "新桥"、美国和日本的 "雨伞 "以及德国国会大厦。

估价 400 000 - 450 000 EUR

编号 39 - 罗伯特-康巴斯（ROBERT COMBAS）（里昂，1957 年）。 2011 年，"Maxi 尺寸的吻"。 丙烯酸画布。 右下角有签名和日期。背面有签名和题字。 附有罗伯特-康巴斯签发的鉴定证书。 尺寸：139 x 193 厘米；143 x 197 厘米（框架）：139 x 193 厘米；143 x 197 厘米（画框）。 罗伯特-康巴斯在 "A kiss in maxi size "中表明了他与自由具象运动的明确联系，康巴斯本人认为，"这种绘画既不否认其原始本能，也不否认其文化意志"，它植根于野兽派和表现主义，并与新表现主义运动和涂鸦艺术建立了联系，与极简主义和观念艺术对立。粗线条和鲜艳色彩的结合让我们想到了布鲁特艺术（Art Brut）和 CoBrA 小组，也想到了凯斯-哈林（Keith Haring）的语言、地下文化和漫画。这是一幅狂热而具有革命性的画作，咄咄逼人而又富有洞察力，能够改变观察者的感官。 法国画家兼雕塑家罗伯特-康巴斯曾在法国东南部塞特市的美术学校接受培训，并于 1980 年举办了首次个人画展。他被认为是 "自由具象 "的创始人之一。"自由具象 "运动始于 1980 年的巴黎，是对当时在法国首都兴起的极简主义和概念艺术的反动。因此，Combas 的作品通过强烈的风格成为对整个社会的批判，这种风格的基础是使用强烈、生动和热情的色彩，在画布上不留一厘米空白，用黑色勾勒出他所表现的人物。自由形象运动的其他创始人包括雷米-布兰查德（Rémy Blanchard）、弗朗索瓦-布瓦隆德（François Boisrond）和埃尔韦-迪罗莎（Hervé Di Rosa）。1983 年，Combas 与 Keith Haring 一起在纽约 Leo Castelli 画廊展出。此后，他的作品在法国和国外多次举办回顾展：马赛 ARCA（1984 年）、波尔多 CAPC、阿姆斯特丹 Stedelijk 博物馆（1987 年）、台湾台北市立美术馆（1990 年）、巴黎市立现代艺术博物馆（1993 年）、塞特 Paul-Valéry 博物馆（2000 年）、首尔艺术博物馆（2006 年）、米兰 Mudima 基金会（2009 年）、里昂 MAC（2012 年）和摩纳哥格里马尔迪论坛（2016 年）。自 1981 年以来，艺术家目前在巴黎生活和工作。

估价 60 000 - 70 000 EUR

编号 40 - 罗伯特-康巴斯（ROBERT COMBAS）（里昂，1957 年）。 "人龙不朽"，2011 年。 丙烯酸画布。 背面有签名和日期。背面有签名和题字。 附有罗伯特-康巴斯签发的鉴定证书。 尺寸：139 x 193 厘米；143 x 198 厘米（框架）：139 x 193 厘米；143 x 198 厘米（画框）。 在《不朽的人龙》中，罗伯特-康巴斯明确地表明了他与自由具象运动的关系。康巴斯本人认为，"这种绘画既不否认其原始本能，也不否认其文化意志"，它植根于野兽派和表现主义，并与新表现主义运动和涂鸦艺术建立了联系，与极简主义和观念艺术对立。粗线条和鲜艳色彩的结合让我们联想到布鲁特艺术（Art Brut）和 CoBrA 小组，也联想到凯斯-哈林（Keith Haring）的语言、地下文化和漫画。这是一幅狂热的革命性画作，具有侵略性和洞察力，能够改变观察者的感官。 法国画家兼雕塑家罗伯特-康巴斯曾在法国东南部塞特市的美术学校接受培训，并于 1980 年举办了首次个人画展。他被认为是 "自由具象 "的创始人之一。"自由具象 "运动始于 1980 年的巴黎，是对当时在法国首都兴起的极简主义和概念艺术的反动。因此，Combas 的作品通过强烈的风格成为对整个社会的批判，这种风格的基础是使用强烈、生动和热情的色彩，在画布上不留一厘米空白，用黑色勾勒出他所表现的人物。自由形象运动的其他创始人包括雷米-布兰查德（Rémy Blanchard）、弗朗索瓦-布瓦隆德（François Boisrond）和埃尔韦-迪罗莎（Hervé Di Rosa）。1983 年，Combas 与 Keith Haring 一起在纽约 Leo Castelli 画廊展出。此后，他的作品在法国和国外多次举办回顾展：马赛 ARCA（1984 年）、波尔多 CAPC、阿姆斯特丹 Stedelijk 博物馆（1987 年）、台湾台北市立美术馆（1990 年）、巴黎市立现代艺术博物馆（1993 年）、塞特 Paul-Valéry 博物馆（2000 年）、首尔艺术博物馆（2006 年）、米兰 Mudima 基金会（2009 年）、里昂 MAC（2012 年）和摩纳哥格里马尔迪论坛（2016 年）。自 1981 年起，艺术家目前在巴黎生活和工作。

估价 60 000 - 70 000 EUR

编号 41 - PETER HALLEY（纽约，1953 年）。 "复兴》，2012 年。 丙烯、Day-Glo 丙烯和 Roll-a-Tex 涂在画布上。 附有艺术家签名证书。 背面有签名和日期。 尺寸：170 x 141 厘米；174 x 145 x 13.5 厘米（画框）：170 x 141 厘米；174 x 145 x 13.5 厘米（框架）。 在 "复兴 "中，彼得-哈雷（Peter Halley）将他在八十年代开始的反思（作为新几何运动最杰出的人物）推向了最高点。他完善了自己对几何图形的研究，将其视为权力结构和胁迫性社会动态的隐藏和批判意义的载体。带状、矩形营造出秩序和刚性的感觉，而荧光色（强烈的黄色、红色带状）则试图营造出某种潜在的暴力感和视觉能量。彼得-哈雷的 "复兴 "是对几何抽象、色彩理论以及艺术与社会关系的大胆而富有煽动性的探索。这是他毕生的事业，也是他对当代艺术史的伟大贡献：他在概念和形式上对几何抽象进行了巧妙的转折。八十年代，哈雷开始修正几何抽象艺术（唐纳德-贾德和弗兰克-斯特拉的极简主义传统）。在他的水管牢房系列作品中，他引入了导线连接监狱牢房的概念，以此隐喻对生活的制度性管理。这些作品抽象地再现了后工业时代的景象，并揭示了支撑社会世界的无形几何图形。 哈雷从皮特-蒙德里安、约瑟夫-阿尔伯斯和唐纳德-贾德等艺术家那里汲取灵感，但他关注的问题显然是当代的：他的图表唤起了人们对消费主义、城市生活和技术的疏离感。他使用有纹理的工业油漆（Roll-a-Tex）和 Day-Glo 丙烯颜料（已被波普艺术家使用），这有助于让人联想到人工照明。Halley 使用滚筒而非刷子涂抹荧光色调，不留任何痕迹。 哈雷的作品曾在拍卖会上拍出六位数的高价，并被芝加哥艺术学院、现代艺术博物馆、泰特美术馆和蓬皮杜艺术中心收藏。 彼得-哈雷是国际舞台上最具影响力的艺术家之一。20 世纪 80 年代初，他以浓烈的日光色几何绘画而闻名。他的绘画活动通常与极简主义、新几何主义和新概念主义联系在一起。哈雷还是著名的作家、编辑和教师。他于 1978 年获得耶鲁大学学士学位和新奥尔良大学艺术硕士学位。哈雷于 1985 年首次在纽约东村的 International with Monument 画廊举办展览，该画廊是他于 1984 年与杰夫-昆斯、阿什利-比克顿和迈耶-瓦伊曼共同创建的。此后，他在玛丽-布恩画廊（Mary Boone Gallery）、桑纳本德画廊（Sonnabend Gallery）、布鲁诺-比绍夫伯格画廊（Galerie Bruno Bischofberger）、雅布隆卡画廊（Jablonka Galerie）、萨德斯-罗帕克画廊（Galerie Thaddeus Ropac）和瓦丁顿画廊（Waddington Galleries）举办过展览。他的首次大型作品展于 1992 年在波尔多 CAPC 博物馆举行。哈雷还是一位著名的讲师，曾在芝加哥艺术学院和罗马美国学院讲学。他还是《索引》杂志的共同创始人和编辑。受法国后结构主义影响，他的艺术论文已出版两卷。自 2001 年以来，他一直担任耶鲁大学艺术学院绘画和版画工作室主任。他的作品曾在纽约现代艺术博物馆、纽约古根海姆博物馆、旧金山现代艺术博物馆和泰特美术馆等地展出。

估价 120 000 - 140 000 EUR

编号 42 - PETER HALLEY（纽约，1953 年）。 "史诗》，2013 年。 布面丙烯、Day-Glo 丙烯和 Roll-a-Tex。 背面有签名和日期。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：170 x 141 厘米；174 x 145 x 13.5 厘米（画框）：170 x 141 厘米；174 x 145 x 13.5 厘米（画框）。 在 "史诗 "中，彼得-哈雷继续研究几何图形作为与权力结构和强制性社会动态有关的隐含意义的载体。带状、矩形营造出一种秩序感和刚性，而荧光色则试图营造出一种潜在的暴力感和视觉能量。彼得-哈雷的 "史诗 "系列是对几何抽象、色彩理论以及艺术与社会关系的大胆而富有煽动性的探索。这是他毕生的事业，也是他对当代艺术史的伟大贡献：他在概念和形式上对几何抽象进行了巧妙的转折。八十年代，哈雷开始修正几何抽象艺术（唐纳德-贾德和弗兰克-斯特拉的极简主义传统）。在他的水管牢房系列作品中，他引入了导线连接监狱牢房的概念，以此隐喻对生活的制度性管理。这些作品抽象地再现了后工业时代的景象，并揭示了支撑社会世界的无形几何图形。 哈雷从皮特-蒙德里安、约瑟夫-阿尔伯斯和唐纳德-贾德等艺术家那里汲取灵感，但他所关注的问题显然是当代的：他的图表唤起了人们对消费主义、城市生活和技术的疏离感。他使用有纹理的工业油漆（Roll-a-Tex）和 Day-Glo 丙烯颜料（已被波普艺术家使用），这有助于让人联想到人工照明。Halley 使用滚筒而非刷子涂抹荧光色调，不留任何痕迹。 哈雷的作品曾在拍卖会上拍出六位数的高价，并被芝加哥艺术学院、现代艺术博物馆、泰特美术馆和蓬皮杜艺术中心收藏。 彼得-哈雷是国际舞台上最具影响力的艺术家之一。20 世纪 80 年代初，他以浓烈的日光色几何绘画而闻名。他的绘画活动通常与极简主义、新几何主义和新概念主义联系在一起。哈雷还是著名的作家、编辑和教师。他于 1978 年获得耶鲁大学学士学位和新奥尔良大学艺术硕士学位。哈雷于 1985 年首次在纽约东村的 International with Monument 画廊举办展览，该画廊是他于 1984 年与杰夫-昆斯、阿什利-比克顿和迈耶-瓦伊曼共同创建的。此后，他在玛丽-布恩画廊（Mary Boone Gallery）、桑纳本德画廊（Sonnabend Gallery）、布鲁诺-比绍夫伯格画廊（Galerie Bruno Bischofberger）、雅布隆卡画廊（Jablonka Galerie）、萨德斯-罗帕克画廊（Galerie Thaddeus Ropac）和瓦丁顿画廊（Waddington Galleries）举办过展览。他的首次大型作品展于 1992 年在波尔多 CAPC 博物馆举行。哈雷还是一位著名的讲师，曾在芝加哥艺术学院和罗马美国学院讲学。他还是《索引》杂志的共同创始人和编辑。受法国后结构主义影响，他的艺术论文已出版两卷。自 2001 年以来，他一直担任耶鲁大学艺术学院绘画和版画工作室主任。他的作品曾在纽约现代艺术博物馆、纽约古根海姆博物馆、旧金山现代艺术博物馆和泰特美术馆等地展出。

估价 120 000 - 140 000 EUR

编号 43 - 何塞-玛丽亚-西西里亚（JOSE MARIA SICILIA）（马德里，1954 年）。 "瞬间》，2013 年。 日本纸上的水墨。 附有艺术家签名的鉴定证书。 右下角有首字母签名和日期。 尺寸：210 x 151 厘米；224 x 163.5 x 163.5 x 5.5 厘米（框架）。 马德里索菲亚王妃博物馆收藏了一幅名为 "瞬间 "的三联画，这幅画的创作时间仅比这幅画早一年。使用相同的标题揭示了西西莉亚对时间的兴趣，以及在理解和居住时间时时间的短暂性和多变性。Sicilia 将这一概念转化为视觉诗歌，表面上看是随机和任意的，但却通过严格的规则加以巩固，有时甚至是肉眼无法察觉的。在这幅作品中，运动是随着悬浮在一片白茫茫中的多种形状和颜色而发生的。事实上，如果引用艺术家本人为索菲亚王后博物馆三联画所写的一段话，我们就能理解艺术家提出的这一抒情景观："这件作品是通过计算机程序翻译鸟鸣而创作的。鸟鸣是瞬间，是一个没有人返回的地方，在那里没有过去，也没有未来。这一瞬间是我们知道自己存在的充实感，它养育着我们，同时也吞噬着我们。瞬间就是在时间中触摸不是时间的东西"。 西西利亚开始在马德里美术学院学习，但 1980 年他放弃了学业，搬到巴黎居住。两年后，他举办了首次个人画展，其风格与当时欧洲流行的新表现主义一脉相承。随后，日常生活中的各种物品成为了他作品的主角。吸尘器、熨斗、剪刀、水桶等，将成为西西里亚新语言的中心，在这种新语言中，质感的处理将具有更大的进步意义。他的作品有静物系列、风景系列，以及最著名的巴士底狱和阿里格尔街区系列，他本人就在那里生活和工作。八十年代中期，他的作品在国内和国际上大放异彩。1986 年，他在纽约的 Blum Helman 画廊展出了一组作品，这组作品显示出他对以往风格的强烈净化，他逐渐摒弃了任何形式上的参照，转向抽象绘画。郁金香 "和 "花朵 "系列体现了这种新风格。九十年代，这种还原主义美学将影响色度范围，留下光在表面反射所暗示的形式。一种具有微妙诗意共鸣的新材料处理方法，以蜡为基础，让花卉主题略微透明，将色彩重新带回已经完全凝固的作品中。何塞-玛丽亚-西西莉亚曾荣获国家造型艺术奖（1989 年），其作品被收藏于马德里索菲亚王后博物馆、纽约现代艺术博物馆和古根海姆博物馆、波尔多 CAPC 美术馆以及其他许多中心。

估价 30 000 - 35 000 EUR

编号 44 - BERNAR VENET（法国，1941 年）。 "随机组合点"，2013 年。 纸上拼贴画和石墨。 右下角有签名、年代和标题。 附盖-皮特斯画廊出具的证书。 尺寸：105 x 75 厘米；117 x 86.5 厘米（画框）：105 x 75 厘米；117 x 86.5 厘米（画框）。 线和点一直是 Bernar Venet 最具代表性的提案的主干。这件作品标题中提到的 "随机性 "指的是艺术家对数学和社会决定论的质疑，引入了不可预测性和创造性的混乱。然而，她的作品背后是一个有条理的计划，她希望通过这个计划来强调两个原则之间无法解决的悖论：偶然性和决定性，秩序和无序。宇宙与混沌是创造的阴阳。这幅特别的作品与约翰-凯奇的实验和无符号音乐有关。 概念艺术家 Bernar Venet 最为人熟知的是他的精确和数学严谨的雕塑作品，这些作品通常由钢铁制成。绘画、拼贴画和木炭画也是他的表现手法。在艺术实践中，他还不断尝试使用煤炭和沥青等其他工业材料。20 世纪 60 年代，Venet 受到在巴黎工作的阿尔曼和新现实主义者作品的影响，开始制作纸板雕塑。1966 年的一次纽约之行让他更加接近极简主义，随后他与阿尔曼在曼哈顿中城共用一间工作室，并与唐纳德-贾德和索尔-勒维特等艺术家进行交流。在随后的几十年里，这位艺术家逐渐形成了自己的标志性风格，他的作品也反映了他不断进行的正式艺术探索。2005 年，他被授予荣誉军团骑士勋章；2014 年，他成立了 Venet 基金会，这是一座博物馆，也是他的作品档案馆。今年 2023 年是 Venet 的开创性作品《Tas de charbon》（1963 年）问世 60 周年，该作品由木炭制成，预示着他细致研究实践的开始。 Bernar Venet 出生于普罗旺斯阿尔卑斯省，但自 1966 年以来一直在纽约生活和工作。他的作品探索了雕塑、绘画、摄影、电影、表演、音乐和设计等多种媒介，但始终保持着让自己的作品产生问题并为艺术界带来新东西的愿望。2011 年，这位雕塑家在凡尔赛花园1 和马利庄园布置了不朽的作品。Venet 的作品被纽约现代艺术博物馆、纽约所罗门-R-古根海姆博物馆、华盛顿国家美术馆、华盛顿赫什霍恩博物馆和雕塑园以及芝加哥当代艺术博物馆等著名博物馆收藏。迄今为止，他已在巴黎、柏林、东京和丹佛等世界城市安装了 30 多件纪念性作品和公共雕塑。他还参加了第 6 届文献展和第 56 届威尼斯双年展。在他的职业生涯中，他获得了无数奖项，包括巴黎市艺术大奖、荣誉军团骑士勋章和国际雕塑中心 2016 年终身成就奖。 近期活动2021 年夏季在卢浮宫透镜美术馆举办的大型展览 "L'hypothèse de la gravité"，以及在德国图特林根市画廊举办的 "RELIEFS "展览。今年出版了许多出版物，首先是与 Skira 出版的卢浮宫-透镜展览目录，还有关于 Tas de charbon（木炭堆）的书籍、关于 Venet 纸上作品的研究（Dessins）、关于艺术家全部摄影作品的目录，最后是关于 Venet 基金会的书籍。2022 年：在柏林 Tempelhof Kunsthalle 美术馆举办为期 5 个月的回顾展，展出艺术家从 1961 年至 2021 年的职业生涯，重点是表演、绘画和雕塑作品，展览面积达 8000 平方米。展览目录由 éditions Dilecta 出版。出版传记《Bernar Venet.Toute une vie pour l'art, by Catherine Francblin (éditions Gallimard), and a catalog raisonné on the artist's photographic work (éditions Marval-Rue Visconti) accompanied with photographic prints in his gallery.在马赛国际诗歌中心（CIPM）举办的展览 "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier "由馆长 Michaël Batalla 策展，随后还举办了诗歌朗诵会和会议。在 Waddington Custot（伦敦）举办展览，展出 Venet 的角度作品。在 Kasmin（纽约）举办展览，在那里他表演了作品《事故》，并出版了展览目录（由 Maurice Fréchuret 撰文）。2023 年 在佩罗坦（Perrotin）的三家巴黎画廊举办展览，Venet 展出了新绘画、GRIBS、纸上作品，以及旺多姆广场的双拱门装置（由 Jérôme Sans 策展），随后与 Thierry Raspail、Philippe Piguet、Guy Boyer 和 Catherine Francblin 共同举办了讲座。煤堆》（1963 年）以四场展览庆祝其 60 周年。

估价 35 000 - 45 000 EUR

编号 45 - BERNAR VENET（法国，1941 年）。 "80,5º ARC x15"，2003 年。 镀黑钢。 一面正面有标题。 附有艺术家签名的证书 尺寸：31 x 121 x 41 厘米；41 厘米（带底座高）。 Venet 的作品被公认为具有自我指涉性，其线条、角度和曲线没有任何象征性的暗示或装饰元素。相反，这些作品就像不可复制的巨石，影响着人们对其所在位置的感知。这些特点在这件钢制作品（他最喜欢的材料之一）中体现得淋漓尽致。我们面前的这件雕塑作品外观不拘一格，但却是对材料进行精确而严谨的研究的结果，也是通过线束的视觉平衡达到平衡的结果。他的雕塑、素描和绘画将线条视为不同潜能的载体：有序与无序、确定与不确定？在他的作品中，线条变成了一个三维的、不稳定的形象，迫使观者沿着它的轨迹寻找起点和终点。 概念艺术家贝尔纳-维内特（Bernar Venet）最著名的作品是他的数学精确雕塑，这些雕塑通常由钢铁制成。在他的艺术实践中，他还不断尝试使用煤炭和沥青等其他工业材料。20 世纪 60 年代，Venet 受到在巴黎工作的阿尔曼和新现实主义者作品的影响，开始制作纸板雕塑。1966 年的一次纽约之行让他更加接近极简主义，随后他与阿尔曼在曼哈顿中城共用一间工作室，并与唐纳德-贾德和索尔-勒维特等艺术家进行交流。在随后的几十年里，这位艺术家逐渐形成了自己的标志性风格，他的作品也反映了他不断进行的正式艺术探索。2005 年，他被授予荣誉军团骑士勋章；2014 年，他成立了 Venet 基金会，这是一座博物馆，也是他的作品档案馆。今年 2023 年是 Venet 的开创性作品《Tas de charbon》（1963 年）问世 60 周年，该作品由木炭制成，预示着他细致研究实践的开始。 Bernar Venet 出生于普罗旺斯阿尔卑斯省，但自 1966 年以来一直在纽约生活和工作。他的作品探索了雕塑、绘画、摄影、电影、表演、音乐和设计等多种媒介，但始终保持着让自己的作品产生问题并为艺术界带来新东西的愿望。2011 年，这位雕塑家在凡尔赛花园1 和马利庄园布置了不朽的作品。Venet 的作品被纽约现代艺术博物馆、纽约所罗门-R-古根海姆博物馆、华盛顿国家美术馆、华盛顿赫什霍恩博物馆和雕塑园以及芝加哥当代艺术博物馆等著名博物馆收藏。迄今为止，他已在巴黎、柏林、东京和丹佛等世界城市安装了 30 多件纪念性作品和公共雕塑。他还参加了第 6 届文献展和第 56 届威尼斯双年展。在他的职业生涯中，他获得了无数奖项，包括巴黎市艺术大奖、荣誉军团骑士勋章和国际雕塑中心 2016 年终身成就奖。 近期活动2021 年夏季在卢浮宫透镜美术馆举办的大型展览 "L'hypothèse de la gravité"，以及在德国图特林根市画廊举办的 "RELIEFS "展览。今年出版了许多出版物，首先是与 Skira 出版的卢浮宫-透镜展览目录，还有关于 Tas de charbon（木炭堆）的书籍、关于 Venet 纸上作品的研究（Dessins）、关于艺术家全部摄影作品的目录，最后是关于 Venet 基金会的书籍。2022 年：在柏林 Tempelhof Kunsthalle 美术馆举办为期 5 个月的回顾展，展出艺术家从 1961 年至 2021 年的职业生涯，重点是表演、绘画和雕塑作品，展览面积达 8000 平方米。展览目录由 éditions Dilecta 出版。出版传记《Bernar Venet.Toute une vie pour l'art, by Catherine Francblin (éditions Gallimard), and a catalog raisonné on the artist's photographic work (éditions Marval-Rue Visconti) accompanied with photographic prints in his gallery.在马赛国际诗歌中心（CIPM）举办的展览 "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier "由馆长 Michaël Batalla 策展，随后还举办了诗歌朗诵会和会议。在 Waddington Custot（伦敦）举办展览，展出 Venet 的角度作品。在 Kasmin（纽约）举办展览，在那里他表演了作品《事故》，并出版了展览目录（由 Maurice Fréchuret 撰文）。2023 年 在佩罗坦（Perrotin）的三家巴黎画廊举办展览，展出 Venet 的新画作、GRIBS、纸上作品，以及在旺多姆广场（Place Vendôme）的双拱门装置（由 Jérôme Sans 策划），随后与 Thierry Raspail、Philippe Pigu 共同举办讲座。

估价 65 000 - 70 000 EUR

编号 46 - BERNAR VENET（法国，1941 年）。 "8 个不等边的锐角》，2015 年。 锈蚀钢。 其中一条腿上有标题。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：107 x 35 x 20 厘米：107 x 35 x 20 厘米。 在 "不相等的锐角 "中，贝尔纳-维纳特将他与极简主义传统的不间断对话推向了一个新的高度。他通过钢条形成各种锐角（小于 90 度），探索线条（他自七十年代以来的主要主题）在空间中的移动。钢是他最喜欢的材料，因为它具有工业特性和坚固性。随机性干预了角度的结果，并引入了不可预知的元素，对潜在的秩序观念提出了挑战。这件雕塑邀请观者思考部分与整体之间的关系，以及稳定与运动、充实与空虚、自发性与确定性之间的相互作用。70 年代中期，维奈开始将线条置于其概念研究的中心。在科学语境中，线是一种定义明确的几何形式，而贝尔纳-维纳特则用这种简单的几何形式来展示不同的概念。 概念艺术家贝尔纳尔-维内特最著名的作品是他的精确和数学严谨的雕塑，通常由钢铁制成。绘画、拼贴画和木炭画也是他的表现手法。在艺术实践中，他还不断尝试使用煤炭和沥青等其他工业材料。20 世纪 60 年代，Venet 受到在巴黎工作的阿尔曼和新现实主义者作品的影响，开始制作纸板雕塑。1966 年的一次纽约之行让他更加接近极简主义，随后他与阿尔曼在曼哈顿中城共用一间工作室，并与唐纳德-贾德和索尔-勒维特等艺术家进行交流。在随后的几十年里，这位艺术家逐渐形成了自己的标志性风格，他的作品也反映了他不断进行的正式艺术探索。2005 年，他被授予荣誉军团骑士勋章；2014 年，他成立了 Venet 基金会，这是一座博物馆，也是他的作品档案馆。今年 2023 年是 Venet 的开创性作品《Tas de charbon》（1963 年）问世 60 周年，该作品由木炭制成，预示着他细致研究实践的开始。 Bernar Venet 出生于普罗旺斯阿尔卑斯省，但自 1966 年以来一直在纽约生活和工作。他的作品探索了雕塑、绘画、摄影、电影、表演、音乐和设计等多种媒介，但始终保持着让自己的作品产生问题并为艺术界带来新东西的愿望。2011 年，这位雕塑家在凡尔赛花园1 和马利庄园布置了不朽的作品。Venet 的作品被纽约现代艺术博物馆、纽约所罗门-R-古根海姆博物馆、华盛顿国家美术馆、华盛顿赫什霍恩博物馆和雕塑园以及芝加哥当代艺术博物馆等著名博物馆收藏。迄今为止，他已在巴黎、柏林、东京和丹佛等世界城市安装了 30 多件纪念性作品和公共雕塑。他还参加了第 6 届文献展和第 56 届威尼斯双年展。在他的职业生涯中，他获得了无数奖项，包括巴黎市艺术大奖、荣誉军团骑士勋章和国际雕塑中心 2016 年终身成就奖。 近期活动2021 年夏季在卢浮宫透镜美术馆举办的大型展览 "L'hypothèse de la gravité"，以及在德国图特林根市画廊举办的 "RELIEFS "展览。今年出版了许多出版物，首先是与 Skira 出版的卢浮宫-透镜展览目录，还有关于 Tas de charbon（木炭堆）的书籍、关于 Venet 纸上作品的研究（Dessins）、关于艺术家全部摄影作品的目录，最后是关于 Venet 基金会的书籍。2022 年：在柏林 Tempelhof Kunsthalle 美术馆举办为期 5 个月的回顾展，展出艺术家从 1961 年至 2021 年的职业生涯，重点是表演、绘画和雕塑作品，展览面积达 8000 平方米。展览目录由 éditions Dilecta 出版。出版传记《Bernar Venet.Toute une vie pour l'art》（凯瑟琳-弗朗克布林著）（盖利马尔出版社），以及关于该艺术家摄影作品的目录（Marval-Rue Visconti 出版社），并附有其画廊中的摄影版画。在马赛国际诗歌中心（CIPM）举办的展览 "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier "由馆长 Michaël Batalla 策展，随后还举办了诗歌朗诵会和会议。在 Waddington Custot（伦敦）举办展览，展出 Venet 的角度作品。在 Kasmin（纽约）举办展览，在那里他表演了作品《事故》，并出版了展览目录（由 Maurice Fréchuret 撰文）。2023 年 在佩罗坦的三家巴黎画廊举办展览，Venet 在那里展示了新作品。

估价 120 000 - 140 000 EUR

编号 47 - BERNAR VENET（法国，1941 年）。 "223.5º Arc x 4"，2005 年。 钢。 独一无二的作品。 右下方有标题。 附有 Bernar Venet 工作室出具的证书，上面有艺术家的签名。 尺寸：219 x 222 x 32 厘米：219 x 222 x 32 厘米。 Bernar Venet 的纪念碑式雕塑，属于他著名的 "弧线 "系列。Venet 的作品被公认为具有自我指涉性，其线条、角度和曲线没有任何象征性的暗示或装饰元素。相反，这些作品就像不可还原的巨石，影响着人们对其所在位置的感知。这些特点在这件钢制作品（他最喜欢的材料之一）中体现得淋漓尽致。我们面前的这件雕塑作品外观不拘一格，但却是对材料进行精确而严谨的研究的结果，也是通过线束的视觉平衡达到平衡的结果。他的雕塑、素描和绘画将线条视为不同潜能的载体：有序与无序、确定与不确定？在他的作品中，线条变成了一个三维的、不稳定的形象，迫使观者沿着它的轨迹寻找起点和终点。 概念艺术家贝尔纳-维内特最著名的作品是他通常用钢材制作的精确而严谨的数学雕塑。绘画、拼贴画和木炭画也是他的表现手法。在艺术实践中，他还不断尝试使用煤炭和沥青等其他工业材料。20 世纪 60 年代，Venet 受到在巴黎工作的阿尔曼和新现实主义者作品的影响，开始制作纸板雕塑。1966 年的一次纽约之行让他更加接近极简主义，随后他与阿尔曼在曼哈顿中城共用一间工作室，并与唐纳德-贾德和索尔-勒维特等艺术家进行交流。在随后的几十年里，这位艺术家逐渐形成了自己的标志性风格，他的作品也反映了他不断进行的正式艺术探索。2005 年，他被授予荣誉军团骑士勋章；2014 年，他成立了 Venet 基金会，这是一座博物馆，也是他的作品档案馆。今年 2023 年是 Venet 的开创性作品《Tas de charbon》（1963 年）问世 60 周年，该作品由木炭制成，预示着他细致研究实践的开始。 Bernar Venet 出生于普罗旺斯阿尔卑斯省，但自 1966 年以来一直在纽约生活和工作。他的作品探索了雕塑、绘画、摄影、电影、表演、音乐和设计等多种媒介，但始终保持着让自己的作品产生问题并为艺术界带来新东西的愿望。2011 年，这位雕塑家在凡尔赛花园1 和马利庄园布置了不朽的作品。Venet 的作品被纽约现代艺术博物馆、纽约所罗门-R-古根海姆博物馆、华盛顿国家美术馆、华盛顿赫什霍恩博物馆和雕塑园以及芝加哥当代艺术博物馆等著名博物馆收藏。迄今为止，他已在巴黎、柏林、东京和丹佛等世界城市安装了 30 多件纪念性作品和公共雕塑。他还参加了第 6 届文献展和第 56 届威尼斯双年展。在他的职业生涯中，他获得了无数奖项，包括巴黎市艺术大奖、荣誉军团骑士勋章和国际雕塑中心 2016 年终身成就奖。 近期活动2021 年夏季在卢浮宫透镜美术馆举办的大型展览 "L'hypothèse de la gravité"，以及在德国图特林根市画廊举办的 "RELIEFS "展览。今年出版了许多出版物，首先是与 Skira 出版的卢浮宫-透镜展览目录，还有关于 Tas de charbon（木炭堆）的书籍、关于 Venet 纸上作品的研究（Dessins）、关于艺术家全部摄影作品的目录，最后是关于 Venet 基金会的书籍。2022 年：在柏林 Tempelhof Kunsthalle 美术馆举办为期 5 个月的回顾展，展出艺术家从 1961 年至 2021 年的职业生涯，重点是表演、绘画和雕塑作品，展览面积达 8000 平方米。展览目录由 éditions Dilecta 出版。出版传记《Bernar Venet.Toute une vie pour l'art, by Catherine Francblin (éditions Gallimard), and a catalog raisonné on the artist's photographic work (éditions Marval-Rue Visconti) accompanied with photographic prints in his gallery.在马赛国际诗歌中心（CIPM）举办的展览 "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier "由馆长 Michaël Batalla 策展，随后还举办了诗歌朗诵会和会议。在 Waddington Custot（伦敦）举办展览，展出 Venet 的角度作品。在 Kasmin（纽约）举办展览，在那里他表演了作品《事故》，并出版了展览目录（由 Maurice Fréchuret 撰文）。2023 年 在佩罗坦（Perrotin）的三家巴黎画廊举办展览，维奈展出了新画作、GRIB

估价 350 000 - 400 000 EUR

编号 48 - BERNAR VENET（法国，1941 年）。 "6 厘米点"，1994-2009 年。 一套三件蜡钢作品，用喷灯切割。 所附证书由 Bernar Venet 工作室档案馆颁发，艺术家签名。 尺寸：3.5 x 6 x 6 厘米：3.5 x 6 x 6 厘米。 Bernar Venet 通过这组由三块独立的蜡钢板组成的雕塑作品，对偶然性原则提出了质疑，同时定义了异质空间，既可以被解读为三维雕塑，也可以被解读为无限维度的正面平面。点 "是贝尔纳-维内的展览 "L'hypothèse du point "的目录插图，该展览于 2014 年春季在圣格拉蒂昂的 Jacques Villeglé 空间举行。由此可见，这件作品与其艺术生涯的概念发展息息相关。在这件特殊的作品中，艺术家不仅通过形式，还通过文字创造了一种双重肯定或重申。正如马格里特通过告诉观众这不是烟斗来玩弄观众一样，Venet 也让观众对作品的形式和 "点 "的概念没有任何怀疑的余地。维内操纵着他的作品的物理和物质方面，将观众的思维引向非物质的精神概念。维纳避免了复杂的意义层次和象征意义，而是在作品中追求单一性。 Bernar Venet 出生于普罗旺斯阿尔卑斯省，但自 1966 年以来一直在纽约生活和工作。他的作品探索了雕塑、绘画、摄影、电影、表演、音乐和设计等多种媒介，但始终保持着让自己的作品产生问题并为艺术界带来新东西的愿望。2011 年，这位雕塑家在凡尔赛花园1 和马利庄园布置了不朽的作品。Venet 的作品被纽约现代艺术博物馆、纽约所罗门-R-古根海姆博物馆、华盛顿国家美术馆、华盛顿赫什霍恩博物馆和雕塑园以及芝加哥当代艺术博物馆等著名博物馆收藏。迄今为止，他已在巴黎、柏林、东京和丹佛等世界城市安装了 30 多件纪念性作品和公共雕塑。他还参加了第 6 届文献展和第 56 届威尼斯双年展。在他的职业生涯中，他获得了无数奖项，包括巴黎市艺术大奖、荣誉军团骑士勋章和国际雕塑中心 2016 年终身成就奖。 近期活动2021 年夏季在卢浮宫透镜美术馆举办的大型展览 "L'hypothèse de la gravité"，以及在德国图特林根市画廊举办的 "RELIEFS "展览。今年出版了许多出版物，首先是与 Skira 出版的卢浮宫-透镜展览目录，还有关于 Tas de charbon（木炭堆）的书籍、关于 Venet 纸上作品的研究（Dessins）、关于艺术家全部摄影作品的目录，最后是关于 Venet 基金会的书籍。2022 年：在柏林 Tempelhof Kunsthalle 美术馆举办为期 5 个月的回顾展，展出艺术家从 1961 年至 2021 年的职业生涯，重点是表演、绘画和雕塑作品，展览面积达 8000 平方米。展览目录由 éditions Dilecta 出版。出版传记《Bernar Venet.Toute une vie pour l'art, by Catherine Francblin (éditions Gallimard), and a catalog raisonné on the artist's photographic work (éditions Marval-Rue Visconti) accompanied with photographic prints in his gallery.在马赛国际诗歌中心（CIPM）举办的展览 "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier "由馆长 Michaël Batalla 策展，随后还举办了诗歌朗诵会和会议。在 Waddington Custot（伦敦）举办展览，展出 Venet 的角度作品。在 Kasmin（纽约）举办展览，在那里他表演了作品《事故》，并出版了展览目录（由 Maurice Fréchuret 撰文）。2023 年 在佩罗坦（Perrotin）的三家巴黎画廊举办展览，Venet 展出了新绘画、GRIBS、纸上作品，以及旺多姆广场的双拱门装置（由 Jérôme Sans 策展），随后与 Thierry Raspail、Philippe Piguet、Guy Boyer 和 Catherine Francblin 共同举办了讲座。为庆祝《煤堆》（1963 年）问世 60 周年，将在法国举办四次展览，分别在尼斯 109 美术馆（展出艺术家 1963 年以后的作品）、蒙彼利埃法布尔美术馆、卢瓦尔河谷蒙特索罗城堡（展出艺术家概念时期的作品）、梅森塔尔美术馆（展出两件气势恢宏的雕塑）以及卢森堡 Ceysson & Bénétière 美术馆。在威尼基金会（Fondation Venet），一个令人印象深刻的装置迎接着夏季的参观者：一个带有 6 米地铁结构的大型雕塑（与建筑师 Charles Berthier 合作）。

估价 8 000 - 10 000 EUR

编号 49 - BERNAR VENET（法国，1941 年）。 "12 厘米点"，1994-2009 年。 用喷灯切割的上蜡钢材。 所附证书由 Bernar Venet 工作室档案馆颁发，艺术家签名。 尺寸：7 x 12 x 12 厘米：7 x 12 x 12 厘米。 这件作品的上部区域写着 "点"，是贝尔纳-维纳特（Bernar Venet）"L'hypothèse du point "展览目录的插图作品，该展览于 2014 年春季在圣格拉蒂昂（Saint-Gratien）的雅克-维勒格莱空间（Espace Jacques Villeglé）举行。贝尔纳-维纳特为此次展览创作了一系列大型雕塑，这些点乍看之下似乎不成比例，但它们对比例提出了质疑，并提醒我们，从空中俯瞰，它们又是空间中可以想象的最小部分。线和点一直是贝尔纳-维纳最具代表性的提案的支柱。这件作品标题中提到的随机性指的是艺术家对数学和社会决定论的质疑，引入了不可预测性和创造性的混乱。然而，她的作品背后是一个有条理的计划，她希望通过这个计划来强调两个原则之间无法解决的悖论：偶然性和决定性，秩序和无序。宇宙与混沌是创造的阴阳。 Bernar Venet 出生于普罗旺斯阿尔卑斯省，但自 1966 年以来一直在纽约生活和工作。他的作品探索了雕塑、绘画、摄影、电影、表演、音乐和设计等多种媒介，但始终希望自己的作品能产生问题，并为艺术界带来新的东西。2011 年，这位雕塑家在凡尔赛花园1 和马利庄园布置了不朽的作品。Venet 的作品被纽约现代艺术博物馆、纽约所罗门-R-古根海姆博物馆、华盛顿国家美术馆、华盛顿赫什霍恩博物馆和雕塑园以及芝加哥当代艺术博物馆等著名博物馆收藏。迄今为止，他已在巴黎、柏林、东京和丹佛等世界城市安装了 30 多件纪念性作品和公共雕塑。他还参加了第 6 届文献展和第 56 届威尼斯双年展。在他的职业生涯中，他获得了无数奖项，包括巴黎市艺术大奖、荣誉军团骑士勋章和国际雕塑中心 2016 年终身成就奖。 近期活动2021 年夏季在卢浮宫透镜美术馆举办的大型展览 "L'hypothèse de la gravité"，以及在德国图特林根市画廊举办的 "RELIEFS "展览。今年出版了许多出版物，首先是与 Skira 出版的卢浮宫-透镜展览目录，还有关于 Tas de charbon（木炭堆）的书籍、关于 Venet 纸上作品的研究（Dessins）、关于艺术家全部摄影作品的目录，最后是关于 Venet 基金会的书籍。2022 年：在柏林 Tempelhof Kunsthalle 美术馆举办为期 5 个月的回顾展，展出艺术家从 1961 年至 2021 年的职业生涯，重点是表演、绘画和雕塑作品，展览面积达 8000 平方米。展览目录由 éditions Dilecta 出版。出版传记《Bernar Venet.Toute une vie pour l'art》（凯瑟琳-弗朗克布林著）（盖利马尔出版社），以及关于该艺术家摄影作品的目录（Marval-Rue Visconti 出版社），并附有其画廊中的摄影版画。在马赛国际诗歌中心（CIPM）举办的展览 "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier "由馆长 Michaël Batalla 策展，随后还举办了诗歌朗诵会和会议。在 Waddington Custot（伦敦）举办展览，展出 Venet 的角度作品。在 Kasmin（纽约）举办展览，在那里他表演了作品《事故》，并出版了展览目录（由 Maurice Fréchuret 撰文）。2023 年 在佩罗坦（Perrotin）的三家巴黎画廊举办展览，Venet 展出了新绘画、GRIBS、纸上作品，以及在旺多姆广场（Place Vendôme，由 Jérôme Sans 策划）展出的双拱门装置，随后还与 Thierry Raspail、Philippe Piguet、Guy Boyer 和 Catherine Francblin 共同举办了讲座。为庆祝《煤堆》（1963 年）问世 60 周年，将在法国举办四次展览，分别在尼斯 109 美术馆（展出艺术家 1963 年以后的作品）、蒙彼利埃法布尔美术馆、卢瓦尔河谷蒙特索罗城堡（展出艺术家概念时期的作品）、梅森塔尔美术馆（展出两件气势恢宏的雕塑）以及卢森堡 Ceysson & Bénétière 美术馆。在威尼基金会（Fondation Venet），一个令人印象深刻的装置迎接着夏季的参观者：一个带有 6 米地铁结构的大型雕塑（与建筑师 Charles Berthier 合作）。

估价 8 000 - 10 000 EUR

编号 50 - BERNAR VENET（法国，1941 年）。 "18 厘米点"，1994-2009 年。 用喷灯切割的蜡钢作品，一套两件。 所附证书由 Bernar Venet 工作室档案馆颁发，艺术家签名。 尺寸：10 x 18 厘米：10 x 18 厘米。 这件作品由两件上了蜡的钢制雕塑组成，在雕塑的上半部分可以看到 "点 "字样，这件作品被选为贝尔纳-维纳特展览 "L'hypothèse du point "的目录插图，该展览于 2014 年春季在圣格拉蒂昂的 Jacques Villeglé 空间举行。贝尔纳-维纳特为此次展览创作了一系列大型雕塑，这些点乍看之下似乎不成比例，但它们对比例提出了质疑，并提醒我们，从空中俯瞰，它们又是空间中可以想象的最小部分。这是第一次有展览和目录专门介绍点及其变体，它们是贝尔纳-维内特创作中最重要的作品。在这件特殊的作品中，艺术家不仅通过形式，还通过文字创造了一种双重肯定或重申。就像马格利特通过告诉观众这不是烟斗来玩弄观众一样，维纳特也让观众对点的形式和概念没有任何怀疑的余地。 Bernar Venet 出生于普罗旺斯阿尔卑斯省，但自 1966 年以来一直在纽约生活和工作。他的作品探索了雕塑、绘画、摄影、电影、表演、音乐和设计等多种媒介，但始终保持着让自己的作品产生问题并为艺术界带来新东西的愿望。2011 年，这位雕塑家在凡尔赛花园1 和马利庄园布置了不朽的作品。Venet 的作品被纽约现代艺术博物馆、纽约所罗门-R-古根海姆博物馆、华盛顿国家美术馆、华盛顿赫什霍恩博物馆和雕塑园以及芝加哥当代艺术博物馆等著名博物馆收藏。迄今为止，他已在巴黎、柏林、东京和丹佛等世界城市安装了 30 多件纪念性作品和公共雕塑。他还参加了第 6 届文献展和第 56 届威尼斯双年展。在他的职业生涯中，他获得了无数奖项，包括巴黎市艺术大奖、荣誉军团骑士勋章和国际雕塑中心 2016 年终身成就奖。 近期活动2021 年夏季在卢浮宫透镜美术馆举办的大型展览 "L'hypothèse de la gravité"，以及在德国图特林根市画廊举办的 "RELIEFS "展览。今年出版了许多出版物，首先是与 Skira 出版的卢浮宫-透镜展览目录，还有关于 Tas de charbon（木炭堆）的书籍、关于 Venet 纸上作品的研究（Dessins）、关于艺术家全部摄影作品的目录，最后是关于 Venet 基金会的书籍。2022 年：在柏林 Tempelhof Kunsthalle 美术馆举办为期 5 个月的回顾展，展出艺术家从 1961 年至 2021 年的职业生涯，重点是表演、绘画和雕塑作品，展览面积达 8000 平方米。展览目录由 éditions Dilecta 出版。出版传记《Bernar Venet.Toute une vie pour l'art, by Catherine Francblin (éditions Gallimard), and a catalog raisonné on the artist's photographic work (éditions Marval-Rue Visconti) accompanied with photographic prints in his gallery.在马赛国际诗歌中心（CIPM）举办的展览 "Si les canards pataugent alors 5 est un nombre premier "由馆长 Michaël Batalla 策展，随后还举办了诗歌朗诵会和会议。在 Waddington Custot（伦敦）举办展览，展出 Venet 的角度作品。在 Kasmin（纽约）举办展览，在那里他表演了作品《事故》，并出版了展览目录（由 Maurice Fréchuret 撰文）。2023 年 在佩罗坦（Perrotin）的三家巴黎画廊举办展览，Venet 展出了新绘画、GRIBS、纸上作品，以及旺多姆广场的双拱门装置（由 Jérôme Sans 策展），随后与 Thierry Raspail、Philippe Piguet、Guy Boyer 和 Catherine Francblin 共同举办了讲座。为庆祝《煤堆》（1963 年）问世 60 周年，将在法国举办四次展览，分别在尼斯 109 美术馆（展出艺术家 1963 年以后的作品）、蒙彼利埃法布尔美术馆、卢瓦尔河谷蒙特索罗城堡（展出艺术家概念时期的作品）、梅森塔尔美术馆（展出两件气势恢宏的雕塑）以及卢森堡 Ceysson & Bénétière 美术馆。在威尼基金会（Fondation Venet），一个令人印象深刻的装置迎接着夏季的参观者：一个带有 6 米地铁结构的大型雕塑（与建筑师 Charles Berthier 合作）。

估价 25 000 - 30 000 EUR

编号 51 - 达米安-赫斯特（DAMIEN HIRST）（英国布里斯托尔，1965 年）。 "红豆酸"，2011-2012 年。 木刻，副本 26/55。 右下角有签名。背面有说明。 背面有装裱标签。 尺寸：16 x 15.5 厘米；22 x 22 厘米（画框）：16 x 15.5 厘米；22 x 22 厘米（画框）。 蚀刻版画 "Rhodotorulic Acid "属于达明-赫斯特著名的 "斑点版画 "系列。它的特点是在白色背景上精心放置一个色点。作品的本质主义外观体现了赫斯特艺术手法的主要方面：科学参考、极简主义、序列性和随机性。圆形令人联想到无限和永恒，生与死是同一个循环的一部分。同时，它们还指代细胞及其变异。此外，标题还提到了一种真实的有机化合物，一种由真菌产生的红色色素。这种与科学和自然的联系是赫斯特作品的一大特色，他经常探索艺术与自然世界、微观与宏观之间的关系，以及不朽的梦想。 1965 年 6 月 7 日，达米安-赫斯特出生于布里斯托尔一个经济困难的郊区。他从未见过自己的生父，母亲嫁给了一位汽车销售员，在赫斯特 13 岁时离开了他们。他的母亲是一位业余艺术家和虔诚的基督徒，一直照顾着他，但由于父亲的遗弃，他不得不接受自下而上的教育，这也许是达米恩-赫斯特认为艺术没有阶级之分的主要原因。他在利德大学接受培训，同时在当地的殡仪馆工作，后来他放弃了这份工作，搬到了伦敦。在此期间，他一边从事建筑工作，一边向圣马丁或威尔士学院等多所艺术院校提出申请。最终，他被 Golsdmiths 学院录取。当时，由于英国经济衰退，这所学校吸引了很多聪明的学生和富有创造力的导师。在学习期间，赫斯特通过从事电话调查来获得生活费，这也是他能够在电话中伪装任何情绪的直接原因。在学习期间，他还在麦当劳工作过，并在安东尼-达夫雷画廊兼职，在那里他学到了艺术市场的机制。在学习的第二年，赫斯特就担任起了艺术家和策展人的角色，并成功举办了一场改变英国艺术进程的展览，这是他年仅 26 岁就举办的首次个展。四年后的 1995 年，他凭借《母与子》赢得了他的第二个特纳奖提名。32 岁时，拉里-高古轩画廊（Larry Gagosian Gallery）为他举办了一次大型回顾展，之后他宣称自己已经没有地方可以展出了，他已经做了一切，而且做得太快了。于是，媒体很快给他冠上了 "流氓天才 "的称号。虽然赫斯特在 40 岁时就成了百万富翁，但他的过敏性让人怀疑；在浪漫主义光环的包裹下，他让艺术界的革命看起来轻而易举。达米安-赫斯特的作品被纽约现代艺术博物馆、泰特美术馆、伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆、威尼斯格拉斯宫、沃尔夫斯堡艺术博物馆（德国）、华盛顿特区赫什霍恩美术馆、格拉茨新画廊（奥地利）等重要的公共和私人收藏。

估价 6 000 - 8 000 EUR

编号 52 - 达米安-赫斯特（DAMIEN HIRST）（英国布里斯托尔，1965 年）。 "阿拉美特"，2011-2012 年。 木刻，样本 44/55。 右下角有签名。背面有说明。 背面有装裱标签。 尺寸：79 x 73 厘米；87 x 70 厘米（画框）：79 x 73 厘米；87 x 70 厘米（画框）。 "Ala-Met "是达明-赫斯特创作于 2011 年的木刻版画，属于他的 "40 个木刻斑点 "系列。它的特点是极简主义以及重复和色彩的视觉效果。从概念上讲，它是对制药业的讽刺，也是对大量使用各种颜色的药片来拯救我们的疾病等的深刻评论。科学与极简抽象画之间的这种联系是赫斯特作品的一大特色，他经常探讨与人类虚荣心和长生不老的苍白梦想有关的主题。在最初的药物绘画系列中，赫斯特发明了一个网格，其中只有一条规则：在每幅作品中，所有颜色只能使用一次。 1965 年 6 月 7 日，达米安-赫斯特出生于布里斯托尔一个经济困难的郊区。他从未见过自己的生父，母亲嫁给了一位汽车销售员，在赫斯特 13 岁时离开了他们。他的母亲是一位业余艺术家和虔诚的基督徒，一直照顾着他，但由于父亲的遗弃，他不得不接受自下而上的教育，这也许就是达米安-赫斯特认为艺术是无阶级的主要原因。他在利德大学接受培训，同时在当地的殡仪馆工作，后来他放弃了这份工作，搬到了伦敦。在此期间，他一边从事建筑工作，一边向圣马丁或威尔士学院等多所艺术院校提出申请。最终，他被 Golsdmiths 学院录取。当时，由于英国经济衰退，这所学校吸引了很多聪明的学生和富有创造力的导师。在学习期间，赫斯特通过从事电话调查来筹集生活费，这也是他能够在电话中伪装任何情绪的直接原因。在学习期间，他还在麦当劳打工，并在安东尼-达夫雷画廊兼职，在那里他学到了艺术市场的机制。在学习的第二年，赫斯特就担任起了艺术家和策展人的角色，并成功举办了一场改变英国艺术进程的展览，这是他年仅 26 岁就举办的首次个展。四年后的 1995 年，他凭借《母与子》赢得了他的第二个特纳奖提名。32 岁时，拉里-高古轩画廊（Larry Gagosian Gallery）为他举办了一次大型回顾展，之后他宣称自己已经没有地方可以展出了，他已经做了一切，而且做得太快了。于是，媒体很快给他冠上了 "流氓天才 "的称号。虽然赫斯特在 40 岁时就成了百万富翁，但他的过敏性让人怀疑；在浪漫主义光环的包裹下，他让艺术界的革命看起来轻而易举。达米安-赫斯特的作品被纽约现代艺术博物馆、泰特美术馆、伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆、威尼斯格拉斯宫、沃尔夫斯堡艺术博物馆（德国）、华盛顿特区赫什霍恩美术馆、格拉茨新画廊（奥地利）等重要的公共和私人收藏。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 53 - 达米安-赫斯特（DAMIEN HIRST）（英国布里斯托尔，1965 年）。 "乙胺"，2011-2012 年。 木刻，副本 26/55。 右下角有签名。背面有说明。 尺寸：29 x 43 厘米；36 x 50 厘米（框架）：29 x 43 厘米；36 x 50 厘米（画框）。 赫斯特在其艺术生涯之初就对版画和多重成像的可能性产生了浓厚的兴趣，他希望超越极简主义的传统，将当代最热门的问题置于聚光灯下。他于 1988 年首次推出的污渍画为版画创作提供了天然的题材。在最初的药品绘画系列中，赫斯特发明了一种网格，其规则只有一条：在每件作品中，所有颜色只能使用一次。作为蚀刻版画，这些斑点以其绚丽的色彩引人入胜，但其制作过程本身对技术要求很高，而且十分费力，因为在印刷之前，必须为每一个斑点单独上墨。每个斑点的标题都来自制药业使用的化学物质。这一系列作品的基本思想是对科学所扮演的新上帝角色的批判性评论，科学向我们承诺永葆青春和健康。 斑点版画 "系列版画的本质主义外观体现了赫斯特艺术手法的关键方面：科学参考、极简主义、序列性和随机性。圆形唤起了无限和永恒，生与死是同一个循环的一部分。 1965 年 6 月 7 日，达米安-赫斯特出生于布里斯托尔一个经济困难的郊区。他从未见过自己的亲生父亲，母亲嫁给了一个汽车销售员，在赫斯特 13 岁时离开了他们。他的母亲是一位业余艺术家和虔诚的基督徒，一直照顾着他，但由于父亲的遗弃，他不得不接受自下而上的教育，这也许是达米恩-赫斯特认为艺术是无阶级的主要原因。他在利德大学接受培训，同时在当地的殡仪馆工作，后来他放弃了这份工作，搬到了伦敦。在此期间，他一边从事建筑工作，一边向圣马丁或威尔士学院等多所艺术院校提出申请。最终，他被 Golsdmiths 学院录取。当时，由于英国经济衰退，这所学校吸引了很多聪明的学生和富有创造力的导师。在学习期间，赫斯特通过从事电话调查来筹集生活费，这也是他能够在电话中伪装任何情绪的直接原因。在学习期间，他还在麦当劳工作过，并在安东尼-达夫雷画廊兼职，在那里他学会了艺术市场的运作。在学习的第二年，赫斯特就担任起了艺术家和策展人的角色，并成功举办了一场改变英国艺术进程的展览，这是他年仅 26 岁就举办的首次个展。四年后的 1995 年，他凭借《母与子》赢得了他的第二个特纳奖提名。32 岁时，拉里-高古轩画廊（Larry Gagosian Gallery）为他举办了一次大型回顾展，之后他宣称自己已经没有地方可以展出了，他已经做了一切，而且做得太快了。于是，媒体很快给他冠上了 "流氓天才 "的称号。虽然赫斯特在 40 岁时就成了百万富翁，但他的过敏性让人怀疑；在浪漫主义光环的包裹下，他让艺术界的革命看起来轻而易举。达米安-赫斯特的作品被纽约现代艺术博物馆、泰特美术馆、伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆、威尼斯格拉斯宫、沃尔夫斯堡艺术博物馆（德国）、华盛顿特区赫什霍恩美术馆、格拉茨新画廊（奥地利）等重要的公共和私人收藏。

估价 20 000 - 22 000 EUR

编号 54 - 克里斯托弗-马科斯（CHRISTOPHER MAKOS）（美国马萨诸塞州洛厄尔，1948 年）。 "巴斯奇亚 照片，副本 38/250。 亲笔签名，有理有据。 尺寸：48 x 37.5 厘米；60 x 50 厘米（相框）：48 x 37.5 厘米；60 x 50 厘米（相框）。 克里斯托弗-马科斯在 20 世纪 80 年代初通过沃霍尔认识了巴斯奇亚。马科斯经常出入当时纽约最另类、最先进的圈子。通过这幅肖像画，马科斯为后人留下了这位伟大的纽约涂鸦艺术家短暂一生中最辉煌时刻的不朽形象。 马科斯能够捕捉到他所描绘的人物的精髓，这些人物大多是当时社会的重要人物，如杜鲁门-卡波特、丽兹-泰勒、约翰-列侬和米克-贾格尔。他通常在自己的工作室里拍摄照片，但非常突出人物，捕捉他们的精髓。 克里斯托弗-马科斯因为将沃霍尔引入宝丽来世界而被人们记住。他是纽约的传奇人物。虽然出生于马萨诸塞州，但他在加利福尼亚长大，20 世纪 60 年代定居纽约。他曾前往欧洲巴黎学习建筑，但与曼-雷的接触让他走上了摄影之路。回到美国后，他在纽约西村定居。他与安迪-沃霍尔（Andy Warhol）密切合作，教他使用自己的第一台相机。他还让沃霍尔接触到让-米歇尔-巴斯奎特和基思-哈林的作品。沃霍尔称马科斯为 "美国最现代的摄影师"。马科斯与沃霍尔的深厚友谊以及他们一起进行的广泛旅行在马科斯的著作《沃霍尔：摄影回忆录》（New American Library）中有所体现。马科斯的作品被一百多家博物馆永久收藏，在美国、欧洲和日本的画廊和博物馆展出，并出现在世界各地的众多出版物上，包括《采访》、《滚石》、《House & Garden》、《鉴赏家》、《纽约杂志》、《Esquire》、《Genre》和《People》。马尔科姆-福布斯、佩德罗-阿尔莫多瓦或詹尼-范思哲等收藏家都拥有他的作品。

估价 1 500 - 1 800 EUR

编号 55 - GILBERT & GEORGE；GILBERT PROESCH（意大利，1943 年）和 GEORGE PASSMORE（英国，1942 年）。 "小偷"，2011 年，"伦敦图片 "系列。 4 件作品安装在一块木板上，木板上的导轨是布景的一部分。 独一无二的作品。 背面贴有标签，注明标题、日期、位置和保养说明。 4 号板右下角有签名和日期。 附有 Jean Bernier 和 Marina Eliades 签发的证书，证明该作品曾于 2012 年在雅典 Bernier/Eliades 画廊展出。 尺寸：76 x 73.5 厘米（每幅）；151 x 127 厘米（总计）。 小偷、性、炸弹、银行、刺伤......这些都是吉尔伯特和乔治这对天才组合在 "伦敦图片 "的不同系列中用血红色突出的关键词，并按主题进行分组。小报表情的醒目色彩构成了一种重复的设计，在其空白处出现了两位艺术家的肖像，作为毫无头绪的见证。它们构成了一幅零碎新闻的壁画，是我们社会丑闻和悲伤的马赛克。这一系列作品是艺术家们在数年时间里偷来的近 4000 张报纸头条海报按主题分类整理而成的。迈克尔-布拉斯韦尔（Michael Bracewell）撰文介绍了 "伦敦图片"："伦敦图片》直接取材于大城市的日常生活，让当代社会用自己的语言讲述自己的故事。在这一道德审计的城市景观中，吉尔伯特和乔治似乎是幽灵和先知，时而警惕，时而分神，仿佛他们的灵魂萦绕在这些图片所描绘的街道和建筑中。它们似乎是一部伟大的视觉小说，不加评判地揭示了城市戏剧的无情接力，以及希望与苦难的所有层次"。 吉尔伯特和乔治是一对英国艺术家夫妇，由吉尔伯特-普罗埃施和乔治-帕斯莫尔组成，他们的作品涉及概念艺术、行为艺术和人体艺术，主要以 "活雕塑 "而闻名。他们是在伦敦圣马丁艺术学院的学生时代相识的，自 1968 年以来，他们一直生活在一起，并以双人艺术组合的形式进行专业创作。他们的第一件作品是《会唱歌的雕塑》（1969 年），在这件作品中，这对艺术家载歌载舞，演唱了一首 20 世纪 30 年代的流行歌曲《拱门下》。从那时起，他们就以 "活雕塑 "的形象赢得了良好的声誉，他们将自己变成艺术品，在不同的时间段内展出，供公众观赏。他们通常身着西装、打着领带，姿态各异，一动不动，但有时也会移动或朗读一些文字，有时也会出现在各种集会或装置中。除了 "雕塑 "之外，吉尔伯特和乔治还创作了绘画作品、拼贴画和照片蒙太奇，他们经常表现自己以及周围环境中的各种元素，参考城市文化并带有强烈的报复性成分，涉及性、种族、死亡和艾滋病、宗教或政治等问题，经常抨击英国政府和既有权力。从这个意义上说，他们最多产、最雄心勃勃的系列作品是《杰克怪人》（Jack Freak Pictures），在这些作品中，英国国旗的红白蓝三色始终存在。吉尔伯特和乔治的作品曾在世界上最好的博物馆和美术馆展出，如埃因霍温的 Stedelijk van Abbemuseum（1980 年）、伦敦的 Hayward Gallery（1987 年）、泰特现代美术馆（2007 年）等。他们多次参加卡塞尔文献展（第 5、6 和 7 届），并于 2005 年代表本国参加威尼斯双年展。1986 年，他们获得了特纳奖。

估价 65 000 - 75 000 EUR

编号 56 - 让-米歇尔-福隆（JEAN MICHEL FOLON，比利时，1934 年-摩纳哥，2005 年）。 "Quarante et unième pensée"，2002 年，帝国大厦。 青铜雕塑。典范 1/8。 底座顶部有签名。 附有 Folon 基金会颁发的证书。 尺寸：200 x 40 x 35 厘米：200 x 40 x 35 厘米。 在这件雕塑作品中，福隆塑造了一个似乎迷失在一个不确定的荒诞世界中的无名人物。他的头部被一座美国摩天大楼（特别是帝国大厦）所遮挡，使这位疏离的主人公无法观察和理解周围发生的一切。 让-米歇尔-福隆是比利时画家、插图画家和雕塑家，曾在布鲁塞尔圣卢克学院学习建筑，1969 年在纽约 Lefebre 画廊举办了首次水彩画个展。次年，他在东京和米兰举办了画展，并参加了威尼斯双年展。他已经在国际上得到充分认可，并将参加一些杰出的比赛，如 1973 年的圣保罗双年展，他将在该展上获得绘画大奖。在他的职业生涯中，福隆使用了各种插图技术，以及雕刻、丝网印刷、马赛克和珐琅玻璃。他还创作了大量海报，其中许多是为人道主义事业创作的。一些重要的博物馆专门为他举办了展览，包括巴黎装饰艺术博物馆（1971 年）、鹿特丹 Boymans van Beuningen 博物馆（1976 年）、伦敦当代艺术学院（1977 年）、纽约大都会博物馆（1990 年）和东京文化村博物馆（1995 年）等。目前，他的作品被世界各地的公共和私人收藏。

估价 90 000 - 100 000 EUR

编号 57 - 威廉-斯韦特洛夫（WILLIAM SWEETLOVE，比利时奥斯坦德，1949 年）。 "带背包的克隆浅蓝色野兔"，2010 年。 合成树脂漆成蓝色。 典范的 1/33。 其中一条腿上有签名。 附有证书。 尺寸：140 x 100 x 65 厘米：140 x 100 x 65 厘米。 圆雕是一只巨大的兔子，背上背着一个背包，最后镀上蓝色铜锈。这件作品的表现力是通过一种媚俗的语言展现给观众的，这种语言在后波普美学中非常常见。为此，艺术家从一个可识别的图像出发，以个人风格重新诠释了这个图像，从而创造了一个重新定义的作品。无论是色彩、纪念碑式还是材料合成树脂，都让我们更接近大规模生产、工业化和商品化的概念，从而模糊了艺术与大规模生产之间的界限。高雅文化与低俗文化之间的界限，以及日益增长的社会消费主义如何模糊了这一界限。威廉-斯威特洛夫（William Sweetlove）从表面入手，通过对同一主题的一系列变奏，成功地在人工和实质之间制造了摩擦，完全模糊了玩具和艺术品之间的界限。 来自比利时的 William Sweetlove 以其接近达达主义和超现实主义的作品而闻名。他的作品被归类为波普艺术、幽默雕塑，乍一看似乎很 "土"。然而，仔细观察他的艺术作品，就会发现它是我们社会过度生产和过度消费的一种创造性解毒剂。威廉-斯威特洛夫试图通过他的克隆动物唤醒人们对生态环境的关注，并敦促我们反思气候变化给人类带来的后果。由于对化石的痴迷，Sweetlove 产生了通过艺术进行研究的需求。William Sweetlove 曾在世界各地的艺术博览会、画廊和博物馆展出过作品。他的作品被多家私人艺术机构收藏。他还与意大利的 "裂缝艺术 "小组一起参加了世界各地不同的艺术表现形式，"裂缝艺术 "的名称是指炼油用的塔。该团体以大型塑料雕塑而闻名，其创作是对当今社会消费的批判。聚酯的发现和商业化激发了 Sweetlove 创作各种日常用品的灵感，以便为未来保存这些物品。他用面包、蔬菜和时髦的衣服制作艺术品，所有这些都象征着短暂。他还为自己拍照，尤其是为祖母拍照，祖母就像每个演员一样，描绘了她一生中第一次演绎的各种场景。后来，这些照片被涂上塑料树脂，埋在木箱里。十年后，它们被考古学家发掘出来。

估价 8 000 - 10 000 EUR

编号 58 - 威廉-斯韦特洛夫（WILLIAM SWEETLOVE，比利时奥斯坦德，1949 年）。 蓝兔 合成树脂漆成蓝色。 尺寸：2.20 x 2 x 1 米：2.20 x 2 x 1 米。 圆雕是一只巨大的兔子，最后锈蚀成明亮的蓝色。这件作品的表现力是通过一种媚俗的语言展现给观众的，这种语言在后波普美学中非常常见。为此，艺术家从一个可识别的图像出发，以个人风格重新诠释了这个图像，从而创造了一个重新定义的作品。无论是色彩、纪念碑式还是材料合成树脂，都让我们更接近大规模生产、工业化和商品化的概念，从而模糊了艺术与大规模生产之间的界限。高雅文化与低俗文化之间的界限，以及日益增长的社会消费主义如何模糊了这一界限。威廉-斯威特洛夫（William Sweetlove）从表面入手，通过对同一主题的一系列变奏，成功地在人工和实质之间制造了摩擦，完全模糊了玩具和艺术品之间的界限。 来自比利时的 William Sweetlove 以其接近达达主义和超现实主义的作品而闻名。他的作品被归类为波普艺术、幽默雕塑，乍一看似乎很 "土"。然而，仔细观察他的艺术作品，就会发现它是我们社会过度生产和过度消费的一种创造性解毒剂。威廉-斯威特洛夫试图通过他的克隆动物唤醒人们对生态环境的关注，并敦促我们反思气候变化给人类带来的后果。由于对化石的痴迷，Sweetlove 产生了通过艺术进行研究的需求。William Sweetlove 曾在世界各地的艺术博览会、画廊和博物馆展出过作品。他的作品被多家私人艺术机构收藏。他还与意大利的 "裂缝艺术 "小组一起参加了世界各地不同的艺术表现形式，"裂缝艺术 "的名称是指炼油用的塔。该团体以大型塑料雕塑而闻名，其创作是对当今社会消费的批判。聚酯的发现和商业化激发了 Sweetlove 创作各种日常用品的灵感，以便为未来保存这些物品。他用面包、蔬菜和时髦的衣服制作艺术品，所有这些都象征着短暂。他还为自己拍照，尤其是为祖母拍照，祖母就像每个演员一样，描绘了她一生中第一次演绎的各种场景。后来，这些照片被涂上塑料树脂，埋在木箱里。十年后，它们被考古学家发掘出来。

估价 8 000 - 10 000 EUR

编号 59 - 威廉-斯韦特洛夫（WILLIAM SWEETLOVE，比利时奥斯坦德，1949 年）。 "小红兔 合成树脂漆成红色。 尺寸： 2 x 2,30 x 1 米：2 x 2,30 x 1 米。 圆雕是一只不朽的兔子，最后呈现出鲜红色的铜锈。这件作品的表现力是通过一种媚俗的语言展现给观众的，这种语言在后波普美学中非常常见。为此，艺术家从一个可识别的图像出发，以个人风格重新诠释了这个图像，从而创造了一个重新定义的作品。无论是色彩、纪念碑式还是材料合成树脂，都让我们更接近大规模生产、工业化和商品化的概念，从而模糊了艺术与大规模生产之间的界限。高雅文化与低俗文化之间的界限，以及日益增长的社会消费主义如何模糊了这一界限。威廉-斯威特洛夫（William Sweetlove）从表面入手，通过对同一主题的一系列变奏，成功地在人工和实质之间制造了摩擦，完全模糊了玩具和艺术品之间的界限。 来自比利时的 William Sweetlove 以其接近达达主义和超现实主义的作品而闻名。他的作品被归类为波普艺术、幽默雕塑，乍一看似乎很 "土"。然而，仔细观察他的艺术作品，就会发现它是我们社会过度生产和过度消费的一种创造性解毒剂。威廉-斯威特洛夫试图通过他的克隆动物唤醒人们对生态环境的关注，并敦促我们反思气候变化给人类带来的后果。由于对化石的痴迷，Sweetlove 产生了通过艺术进行研究的需求。William Sweetlove 曾在世界各地的艺术博览会、画廊和博物馆展出过作品。他的作品被多家私人艺术机构收藏。他还与意大利的 "裂缝艺术 "小组一起参加了世界各地不同的艺术表现形式，"裂缝艺术 "的名称是指炼油用的塔。该团体以大型塑料雕塑而闻名，其创作是对当今社会消费的批判。聚酯的发现和商业化激发了 Sweetlove 创作各种日常用品的灵感，以便为未来保存这些物品。他用面包、蔬菜和时髦的衣服制作艺术品，所有这些都象征着短暂。他还为自己拍照，尤其是为祖母拍照，祖母就像每个演员一样，描绘了她一生中第一次演绎的各种场景。后来，这些照片被涂上塑料树脂，埋在木箱里。十年后，它们被考古学家发掘出来。

估价 8 000 - 10 000 EUR

编号 60 - 丹麦（比利时，1950 年）。 "假图书馆 8.01.14.工作标题：镜子"，2014 年。 有书的镜子。 附盖-皮特斯签名证书。 尺寸：95 x 43 x 2.5 厘米：95 x 43 x 2.5 厘米。 丹麦通过他的组合雕塑作品（如这里展示的作品），从视觉和概念上探讨了信息过载以及新闻的短暂性和易变性。艺术家自己写道："人们每天扔掉多少报纸和杂志？书架上有多少未读的名著？有多少旧考试卷和试卷被尘封在学校的阁楼上？在过去的 50 年里，比利时艺术家丹麦--笔名马克-罗布鲁贝克克斯--将成吨的印刷纸张变成了艺术品。他用书籍、报纸和杂志创作雕塑和装置艺术。他的主要材料总是纸张，经过裁剪、压制、堆叠或折叠。丹麦声称，他的每一页作品都被折叠成尽可能小的体积。这种表面积的缩小隐喻了艺术家对本质的探寻。 Denmark 的笔名是 Marc Robbroeckx，他是一位比利时艺术家，以绘画、雕塑和装置作品著称，作品经常使用报纸和其他媒体。他于 1968 年首次进入艺术界。七十年代末和八十年代，他的艺术生涯开始发力。他构思的 "Denmark "这个名字是 "Pan American Airlines and Company"（泛美航空公司）的缩写，反映了他早期对旅行和媒体的迷恋。丹麦对回收材料的创新使用和对当代社会的挑衅性评论，使他成为当今比利时艺术界的著名人物。丹麦的作品曾在包括布鲁塞尔设计博物馆在内的众多国际画廊和博物馆展出。2022 年，丹麦作品 "Dead Letters (B.13.78) "创下了 73,958 美元的拍卖纪录。

估价 9 000 - 10 000 EUR

编号 61 - 丹麦（比利时，1950 年）。 "假图书馆 7.01.14.工作标题：镜子"，2014 年。 有书的镜子。 附盖-皮特斯签名证书。 尺寸：95 x 43 x 2.5 厘米：95 x 43 x 2.5 厘米。 丹麦通过他的组合雕塑作品（如这里展示的作品），从视觉和概念上探讨了信息过载以及新闻的短暂性和易变性。艺术家自己写道："人们每天扔掉多少报纸和杂志？书架上有多少未读的名著？有多少旧考试卷和试卷被尘封在学校的阁楼上？在过去的 50 年里，比利时艺术家丹麦--笔名马克-罗布鲁贝克克斯--将成吨的印刷纸张变成了艺术品。他用书籍、报纸和杂志创作雕塑和装置艺术。他的主要材料总是纸张，经过裁剪、压制、堆叠或折叠。丹麦声称，他的每一页作品都被折叠成尽可能小的体积。这种表面积的缩小隐喻了艺术家对本质的探寻。 Denmark 的笔名是 Marc Robbroeckx，他是一位比利时艺术家，以绘画、雕塑和装置作品著称，作品经常使用报纸和其他媒体。他于 1968 年首次进入艺术界。七十年代末和八十年代，他的艺术生涯开始发力。他构思的 "Denmark "这个名字是 "Pan American Airlines and Company"（泛美航空公司）的缩写，反映了他早期对旅行和媒体的迷恋。丹麦对回收材料的创新使用和对当代社会的挑衅性评论，使他成为当今比利时艺术界的著名人物。丹麦的作品曾在包括布鲁塞尔设计博物馆在内的众多国际画廊和博物馆展出。2022 年，丹麦作品 "Dead Letters (B.13.78) "创下了 73,958 美元的拍卖纪录。

估价 10 000 - 12 000 EUR

编号 62 - 丹麦（比利时，1950 年）。 "Horizontaal versneden boeken ingewerkt in stukken plank》，1998 年。 木材和纸张。一套 9 件。 其中一件背面有签名和日期。 每件作品都有编号。 尺寸：45 厘米（高）。14 厘米（宽 1）；9.5 厘米（宽 2）；16 厘米（宽 3）；12.5 厘米（宽 4）；17 厘米（宽 5）；17.5 厘米（宽 6）；18 厘米（宽 7）；15.5 厘米（宽 8）和 16.5 厘米（宽 9）。 丹麦 "的作品象征着我们的浪费文化所造成的后果，提出了一种应对不断涌入的信息的方法。通过将印刷品变为艺术品，他将传统的保护方式与喷涂、切割和焚烧等处理方式相结合。自 20 世纪 70 年代初以来，"Denmark "就开始对书籍、杂志和报纸进行切割、解剖和（重新）组装。他的 "档案装置 "是对我们每天面对的信息过载的批判性反应。艺术家自己写道："人们每天扔掉多少报纸和杂志？书架上有多少未读的名著？有多少旧的考试卷和试卷在学校的阁楼上积满灰尘？在过去的 50 年里，比利时艺术家丹麦--笔名马克-罗布鲁贝克克斯--将成吨的印刷纸变成了艺术品。他用书籍、报纸和杂志创作雕塑和装置艺术。他的主要材料总是纸张，经过裁剪、压制、堆叠或折叠。丹麦声称，他的每一页作品都被折叠成尽可能小的体积。这种表面积的缩小隐喻了艺术家对本质的探索。 马克-罗布克鲁克斯（Marc Robbroeckx）笔名丹麦，比利时艺术家，以绘画、雕塑和装置作品著称，作品经常使用报纸和其他媒体。1972 年，他在根特大学完成了艺术史和考古学的学业。1968 年，他首次进入艺术界，1977 年，他的剪报作品为他赢得了比利时青年绘画比赛奖（布鲁塞尔，美术宫）。七十年代末和八十年代，他的艺术生涯开始发力。他构思的 "Denmark "是 "Pan American Airlines and Company "的缩写，反映了他早期对旅行和媒体的迷恋。丹麦对回收材料的创新使用和对当代社会的挑衅性评论，使他成为当今比利时艺术界的著名人物。丹麦的作品曾在包括布鲁塞尔设计博物馆在内的众多国际画廊和博物馆展出。2022 年，丹麦作品 "Dead Letters (B.13.78) "在拍卖会上创下了 73 958 美元的成交价纪录。目前，他的作品被众多具有重要艺术价值的机构收藏，其中包括：阿伦艺术博物馆、安特卫普 M HKA、当代艺术博物馆、比利时菲利普-英格里德艺术中心、不来梅韦瑟堡博物馆、布鲁塞尔皇家美术博物馆、欧彭欧彭当代艺术博物馆、根克图书馆、根特博物馆 Dr. Guislain、根特市立博物馆。Guislain, Museum Municipal de Gent Dr. Guislain, Museum Municipal de Gent Dr.Guislain, Municipal Museum of Contemporary Art of Ghent, Museum of Ixelles, the Central Library of Leuven, the Madrid ARCO Foundation Contemporary Art Collection and the Bibliothèque Nationale de Paris, among others.

估价 26 000 - 28 000 EUR

编号 63 - 扬-法布尔（JAN FABRE，比利时安特卫普，1958 年）。 "C'ôte D'Ôr，向贝吉安-刚果致敬》，2010 年。 木板拼贴画（宝石甲虫翅膀）。 附盖-皮特斯签名证书。 尺寸：218 x 165 厘米；228 x 175 x 8 厘米（画框）：218 x 165 厘米；228 x 175 x 8 厘米（框架）。 "黄金海岸 "指的是一个由大象守护的伊甸园般的虚幻之地，在所有文化中，大象都是一种与好运相连的动物。扬-法布尔用甲虫翅膀创作了一幅征服挂毯。甲虫翅膀是法布尔作品中反复出现的主题。它们象征着蜕变、精神转变、美和生命的短暂性。至于伊甸园主题，艺术家经常用各种语言提出乌托邦的可能性。 扬-法布尔是一位剧作家、舞台导演、舞蹈编导和视觉艺术家。他曾就读于安特卫普市立装饰艺术学院和皇家美术学院。1976 年至 1980 年间，他创作了第一部戏剧剧本。1978 年，他在个人表演《我的身体、我的血液、我的风景》中用自己的血液作画。1980 年，他制作了 "Bic-Art 房间"，以反对 "大艺术"；他把自己关在一个堆满物品的白色立方体里三天三夜，用蓝色 Bic 笔作画。1986 年，他成立了 Troubleyn/Jan Fabre 剧团，在国际上广泛演出。自 1998 年以来，他一直是比利时弗拉芒皇家科学与艺术学院的成员，还是利奥波德二世骑士勋章获得者。2008 年，《变形天使》在卢浮宫博物馆展出，比利时王后保拉为展览揭幕。他装饰了布鲁塞尔王宫镜廊的天花板，他称之为 "欢乐天堂"，由 1600,000 只甲虫蜕皮制成，受到广泛赞誉。他还在鲁汶的 Ladeuzeplein 制作了一个巨大的昆虫雕塑 "图腾"（Totem），上面有一个 23 米高的巨大钢尖顶。这座雕塑建于 2005 年，以纪念历史悠久的鲁汶大学图书馆建馆 575 周年。

估价 180 000 - 200 000 EUR

编号 64 - 扬-法布尔（JAN FABRE，比利时安特卫普，1958 年）。 "与狼相遇的人》，1998 年。 青铜雕塑。模范 M. P. 7/8。 标尺上有签名和编号。 盖有比利时艺术铸造印章。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：298 x 120 x 80 厘米：298 x 120 x 80 厘米。 "测量云朵的人 "是一件充满诗意的不朽作品。它还引发了对艺术家本人传记的思考。量云者"（坚持不可能完成的任务）的灵感来自艺术家早逝的弟弟。其特征与艺术家的特征不谋而合，因此在某种程度上，自画像与其兄弟的身份合二为一。这件雕塑作品在 2019 年威尼斯双年展上展出。从大运河旁的阿卡德米亚桥上可以看到它。他在 1998 年创作了第一件作品，这是一件真人大小的写实雕塑，用抛光闪亮的青铜制成，一个人站在梯子上，手里拿着一把尺子在测量云层。除了向他哥哥梦幻般的性格致敬之外，它还表达了每个艺术家与生俱来的想要驾驭不可言喻事物的情感。正如 Fabre 在一次采访中所说："这个人物象征着我的技艺。艺术家试图控制一切，但总是事与愿违。艺术家测量：他建立联系--精神、身体、政治和哲学关系。我不断地测量这些关系，这是我作为艺术家的职责"。最后，这个标题还指的是恶魔岛鸟人，在根据他的生平改编的电影中，伯特-兰开斯特扮演的鸟人在出狱时宣布："现在我要测量我的生命："现在我要去测量云朵"。 扬-法布尔是一位剧作家、舞台导演、舞蹈编导和视觉艺术家。他曾就读于安特卫普市立装饰艺术学院和皇家美术学院。1976 年至 1980 年间，他创作了第一部戏剧剧本。1978 年，他在个人表演《我的身体、我的血液、我的风景》中用自己的血液作画。1980 年，他制作了 "Bic-Art 房间"，以反对 "大艺术"；他把自己关在一个堆满物品的白色立方体里三天三夜，用蓝色 Bic 笔作画。1986 年，他成立了 Troubleyn/Jan Fabre 剧团，在国际上广泛演出。自 1998 年以来，他一直是比利时弗拉芒皇家科学与艺术学院的成员，还是利奥波德二世骑士勋章获得者。2008 年，《变形天使》在卢浮宫博物馆展出，比利时王后保拉为展览揭幕。他装饰了布鲁塞尔王宫镜廊的天花板，他称之为 "欢乐天堂"，由 1600,000 只甲虫蜕皮制成，受到广泛赞誉。他还在鲁汶的 Ladeuzeplein 制作了一个巨大的昆虫雕塑 "图腾"（Totem），上面有一个 23 米高的巨大钢尖顶。这座雕塑建于 2005 年，以纪念历史悠久的鲁汶大学图书馆建馆 575 周年。

估价 400 000 - 450 000 EUR

编号 65 - 戴维-拉夏佩尔（DAVID LACHAPELLE）（康涅狄格州哈特福德，1963 年）。 "维纳斯的重生》，2009 年。 喷墨打印，dibond。版本 3/3 + 2 A.P. 背面贴有 David Lachapelle Studio 和 Maruani Mercier Gallery 的标签。 附有 Maruani Mercier 画廊颁发的证书。 尺寸：153 x 118 厘米；164 x 128,5 x 6.5 厘米：153 x 118 厘米；164 x 128,5 x 6,5 厘米（画框）。 大卫-拉夏贝尔（David LaChapelle）的 "维纳斯的文艺复兴 "以现代和讽刺的手法重新诠释了波提切利的《维纳斯的诞生》。作品保留了一些元素，但以幽默和机智的方式重新组合，以方便其他解读。文艺复兴时期的阿佛洛狄忒漂浮在上面的大贝壳被矮化了，由一个较低级的女神（"耐克"，鞋印印在性别不固定的仙女脚上）用左手拿着，她拿起贝壳盖住维纳斯的阴部。这模仿了裸体维纳斯的姿态。在爱神的右侧，异国风情的泽菲尔（Zephyr）用海螺壳吹出微风，开启了神奇的创世时刻。他们聚集在一片绿意盎然、色彩鲜艳的风景中。拉夏贝尔与文艺复兴时期的伟大画家一样被美所吸引，他毕生致力于重新定义美与欲望的理想，使其变得多重而多态。 1982 年，安迪-沃霍尔促使他出版了自己的 "访谈 "摄影作品，拉夏贝尔的职业生涯由此拉开了帷幕。"安迪-沃霍尔完全符合他的时代，"这位摄影师说，"毫无疑问，他是 20 世纪最伟大的艺术家。他非常慷慨，我从他身上学到了很多东西，但我们属于两个不同的时代，有着不同的观念。当今最有价值的艺术是能够阐明我们所处时代的艺术，而这正是我努力要做的。大卫-拉夏贝尔古怪、奇异和梦幻般的图像曾出现在《Vogue》、《Rolling Stone》、《i-D》、《Vibe》、《Interview》、《The Face》和《GQ》等杂志的页面和封面上。他的作品风格独特，极具辨识度，镜头开阔，场景清新，色彩极为丰富，展现了他的流行艺术风格。他的摄影作品细致入微，对人物的形体刻画近乎漫画。"拉夏贝尔说："我尝试拍摄我从未见过的照片。拉夏贝尔极富创造力，他的作品以虚构和怪诞的场景为主，大部分都是人造的，而且制作精良，图片一般都是拍摄时的，几乎没有后期制作。在他的作品中，我们还可以看到他对我们所生活的这个充斥着过度和虚荣的社会的批判。在时尚、电影和广告界，他对原创的无条件追求堪称传奇。拉夏贝尔参与了众多客户的广告宣传活动，包括欧莱雅、Iceberg、MTV、Ecko、Diesel Jeans、Sirius、福特、Sky Vodka、Cervecería Cuahtemoc Moctezuma 和 Got Milk?大卫为梅西-格雷（Macy Gray）、莫比（Moby）、No Doubt、惠特尼-休斯顿（Whitney Houston）、埃尔顿-约翰（Elton John）、克里斯蒂娜-阿奎莱拉（Christina Aguilera）、麦当娜（Madonna）和凯莉-米洛（Kylie Minogue）等艺术家拍摄了大量专辑封面。他的第一本书《LaChapelle Land》于 1996 年由 Collaway Publishing 出版社成功出版，该书包装奢华，汇集了大量名人和模特的肖像作品，包括 Lady Gaga、麦当娜、夏奇拉、莱昂纳多-迪卡普里奥、帕梅拉-安德森、乌玛-瑟曼、玛丽莲-曼森、马克-沃尔伯格、德鲁-巴里摩尔和埃尔顿-约翰。这本处女作的后续作品是《拉夏贝尔酒店》（Hotel LaChapelle）一书，该书也于 1999 年由 Collaway 出版社出版，书中展示了色彩鲜明、令人难忘的图片。拉夏贝尔不断创作出挑战我们视觉品味的摄影作品，以全新的视角审视当今的风景。

估价 80 000 - 90 000 EUR

编号 66 - 戴维-拉夏佩尔（DAVID LACHAPELLE）（康涅狄格州哈特福德，1963 年）。 "地震转移》，2012 年。 双胶纸铬化印刷，副本 4/5。 附大卫-拉夏贝尔工作室签名证书。 尺寸：90 x 220 厘米；100 x 230 x 6 厘米（画框）。 "地震转变 "是对艺术界和艺术市场现状的腐蚀性审视，引用了短暂、颓废和消费主义等主题。照片描绘的是一座部分被毁的当代艺术博物馆，里面陈列着杰夫-昆斯、安迪-沃霍尔、达米恩-赫斯特和村上隆等艺术家严重受损的标志性作品。这些艺术家代表了当今艺术市场的高昂价格，与全球亿万富翁买家的需求相对应，对他们来说，艺术就是一个品牌。"地震移动 "提出了关于艺术品有限生命周期的关键问题。它被认为是拉夏贝尔最杰出的作品之一。 1982 年，安迪-沃霍尔促使拉夏贝尔发表了他的 "访谈 "摄影作品，拉夏贝尔的职业生涯由此开始。"这位摄影师说："安迪-沃霍尔完全符合他所处的时代，他无疑是 20 世纪最伟大的艺术家。他非常慷慨，我从他身上学到了很多东西，但我们属于两个不同的时代，有着不同的想法。当今最有价值的艺术是能够阐明我们所处时代的艺术，而这正是我努力要做的。大卫-拉夏贝尔古怪、奇异和梦幻般的图像曾出现在《Vogue》、《Rolling Stone》、《i-D》、《Vibe》、《Interview》、《The Face》和《GQ》等杂志的页面和封面上。他的作品风格独特，极具辨识度，镜头开阔，场景清新，色彩极为丰富，展现了他的流行艺术风格。他的摄影作品细致入微，对人物的形体刻画近乎漫画。"拉夏贝尔说："我尝试拍摄我从未见过的照片。拉夏贝尔极富创造力，他的作品以虚构和怪诞的场景为主，大部分都是人造的，而且制作精良，图片一般都是拍摄时的，几乎没有后期制作。在他的作品中，我们还可以看到他对我们所生活的这个充斥着过度和虚荣的社会的批判。在时尚、电影和广告界，他对原创的无条件追求堪称传奇。拉夏贝尔参与了众多客户的广告宣传活动，包括欧莱雅、Iceberg、MTV、Ecko、Diesel Jeans、Sirius、福特、Sky Vodka、Cervecería Cuahtemoc Moctezuma 和 Got Milk?大卫为梅西-格雷（Macy Gray）、莫比（Moby）、No Doubt、惠特尼-休斯顿（Whitney Houston）、埃尔顿-约翰（Elton John）、克里斯蒂娜-阿奎莱拉（Christina Aguilera）、麦当娜（Madonna）和凯莉-米洛（Kylie Minogue）等艺术家拍摄了大量专辑封面。他的第一本书《LaChapelle Land》于 1996 年由 Collaway Publishing 出版社成功出版，该书包装奢华，汇集了大量名人和模特的肖像作品，包括 Lady Gaga、麦当娜、夏奇拉、莱昂纳多-迪卡普里奥、帕梅拉-安德森、乌玛-瑟曼、玛丽莲-曼森、马克-沃尔伯格、德鲁-巴里摩尔和埃尔顿-约翰。这本处女作的后续作品是《拉夏贝尔酒店》（Hotel LaChapelle）一书，该书也于 1999 年由 Collaway 出版社出版，书中展示了色彩鲜明、令人难忘的图片。拉夏贝尔不断拍摄出挑战我们视觉品味的照片，以全新的视角审视当今的风景。

估价 40 000 - 45 000 EUR

编号 67 - 马特-亨利（英格兰，1978 年）。 "阿拉巴马的这里--双棕榈树》，2017 年。 档案颜料打印，样本 1/6。 博物馆玻璃。 尺寸：50 x 76 厘米；55.5 x 81 厘米（框架）。 马特-亨利（Matt Henry）从一系列受 20 世纪 60 年代美国启发而拍摄的照片中，用色彩演绎了电影美学的叙事。用艺术家自己的话说，"在我的记忆中，这个时代是一个充满好奇心的神奇时代，在我放学的日子里，电视重播中的神奇生物翩翩起舞，光芒四射......"。......上演摄影叙事非常像心理剧；是探索美德与希望、缺陷与恐惧的一种方式，这些美德与希望、缺陷与恐惧将我们带向乌托邦的彼岸，然后又残酷地将我们拉回。重新想象就是走出历史，进入潜能，而我的摄影作品正是在这里存在，不是作为失落时代的死亡面具，而是作为通向新时代的叙事桥梁。 英国摄影师，在布莱顿生活和工作。他毕业于诺丁汉大学政治学专业，之后转向摄影艺术。2014 年，他完成了布莱顿大学的摄影硕士学位。近期个展精选：2025 年《棕榈》，波尔卡画廊，法国巴黎 2018 年《南方哥特和其他故事》，波尔卡画廊，法国巴黎 2016 年《旅程》，波尔卡画廊，法国巴黎。近期群展2023 年 "摄影：2023 年 "Esprit Pop es-tu là？"，Franciscaines de Deauville，法国。我们是人民"，广告牌创意，美国加利福尼亚州洛杉矶。艺术家开放日"，布莱顿和霍夫，英国。2020年 "没有死去的艺术家"，乔纳森-费拉拉画廊，新奥尔良，美国 "接下来的日子"，波尔卡画廊，巴黎，法国 2017年 "金光闪闪的宝贝！"，北威州论坛，杜塞尔多夫，德国。巴黎照片》，大皇宫，法国巴黎。伦敦摄影展，萨默塞特宫，伦敦，英国。收藏：维多利亚国家美术馆（NGV），澳大利亚墨尔本。Sondra Gilman 和 Celso Gonzalez-Falla 收藏馆，美国纽约。

估价 2 000 - 2 500 EUR

编号 68 - DIDIER FIÚZA FAUSTINO（法国马恩河畔舍纳维耶尔，1968 年）。 "童话"，2012 年。 白色三聚氰胺板和丙烯酸盒，副本 2/3。 出处：米歇尔-莱恩画廊：米歇尔-莱恩画廊。 尺寸：170 x 130 x 12.5 厘米：170 x 130 x 12.5 厘米。 在这幅 2012 年的作品中，我们可以领略到这位法国艺术家的多学科训练，他的作品往往无法归类于雕塑、绘画、装置或设计领域。Fairy Tale"（童话）的字母被切割出来，并在白色表面上勾勒出轮廓，留下一个视觉不确定性的洞。作品中的人物策略性地倒在地上，腐朽不堪，仿佛让我们理解了在成熟过程中保持童年幻觉的困难。 Didier Fiúza Faustino 是一位法裔葡萄牙艺术家兼建筑师，他的作品涉及身体与空间之间的关系。在艺术与建筑的十字路口，他的实践是多方面的，从装置到实验，从创造颠覆性的视觉艺术作品到多感官空间。她的项目具有批判性视角，能够为个人和集体提供新的体验。通过巴黎的 Mésarchitecture（2002 年）和里斯本的办公室（2018 年），他开发了多种规模的项目：公共空间干预、移动建筑以及室内和建筑设计，包括法国艺术家 Jean-Luc Moulène 的工作室。多个项目和作品被重要机构收藏：纽约现代艺术博物馆（MoMA）、卡洛斯特-古尔班基安基金会（Fondation Calouste Gulbenkian）、塞拉尔韦斯基金会（Fundação Serralves）、国家当代艺术基金会（Fonds National d'Art Contemporain）、蓬皮杜国家现代艺术博物馆（Musée National d'Art Moderne / Centre Georges Pompidou）、巴黎现代艺术博物馆（MAXXI）、巴黎艺术博物馆（MAAT）、卢瓦尔河谷和上法兰西大区 FRACs 中心。他的代理画廊有巴黎/布鲁塞尔的 Michel Rein 画廊和里斯本的 Filomena Soares 画廊。

估价 10 000 - 15 000 EUR

编号 69 - 卢克-德拉特瓦（LUC DRATWA）（比利时，1958 年）。 "一号门"、"地铁系列"。 照片。 尺寸： 210 x 150 厘米：210 x 150 厘米。 窗户和玻璃门（此处指地铁）是吕克-德拉特瓦最喜欢的主题，这些照片带有重要的绘画主义印记，将技术可能性发挥到了极致。德拉瓦还将文艺复兴时期的经典隐喻 "绘画是一扇窗 "引入摄影领域。 比利时摄影师吕克-德拉特瓦自学成才。他的艺术作品经常参加国际博览会和展览。他目前在布鲁塞尔生活和工作。他曾担任设计和建筑杂志《Domino》的主编；从很小的时候起，他就表现出了对艺术的热情；起初，他被绘画所吸引，但后来他转向了摄影，而摄影很快就被证明是他最喜欢的艺术媒介。绘画教会了他色彩的重要性和构图的画面感。对他来说，摄影作品揭示了摄影师的身份。因此，吕克-德拉特瓦等待了很多年，当他终于觉得自己接近达到他长期以来所追求的必要的严谨和完美时，才开始投身摄影。从那时起，他开始了自己的摄影师生涯。他探索的所有主题首先是在相纸上转录的叙事。自 2009 年以来，城市，尤其是纽约，一直是他最喜爱的主题。城市的方方面面为他提供了无限的可能性，让他可以自由发挥创造性的想象力。吕克-德拉特瓦的摄影视野并不局限于按下快门；他非常重视对作品的整体思考。从拍摄到印刷，从相框到纸张，每一个细节都经过摄影师的精心考虑和规划。在他的每一幅作品中，都能感受到一种完美主义，没有任何偶然性。从巴黎到曼谷，途经纽约、阿姆斯特丹甚至新加坡，吕克-德拉特瓦的作品遍布世界各地，他还参加了巴黎艺术博览会、里尔艺术博览会和印度艺术博览会等著名的当代艺术博览会，并取得了巨大成功。

估价 14 000 - 16 000 EUR

编号 70 - 帕纳马连科（比利时安特卫普，1940 年-比利时布拉凯尔，2019 年）。 "Prova car》，2004 年。 胶印彩色拼贴画，P.A. 复制品。 右下角有签名和对齐。 附有温伍德画廊的销售文件。 尺寸：94 x 71 厘米；95 x 72 x 4.5 厘米（画框）：94 x 71 厘米；95 x 72 x 4.5 厘米（画框）。 "Prova-car" 是 Panamarenko 2004 年制作的一级方程式赛车的诗意版本。就像当代的达芬奇一样，比利时著名艺术家 Panamarenko 设计出了奇妙的飞行和地面工程装置。 帕纳马连科曾就读于安特卫普学院。1968 年之前，他的艺术灵感来自波普艺术，他很早就对载人飞行产生了兴趣。这种兴趣也反映在他的名字中。这应该是 "泛美航空公司 "的缩写。从 1970 年起，他开始制作第一批想象中的飞行器、飞机、气球或直升机模型。他的许多雕塑作品都是伊卡洛斯神话的现代版本。1965 年，帕纳马连科在安特卫普组织了首次活动。作为艺术家出道两年后的 1967 年，帕纳马连科在安特卫普的宽白空间画廊举办了他的首次展览，并开始制造他的第一架飞机。1990 年，作为一名雕塑家，他的作品Archaeopterix（智能母鸡）问世，该作品以史前鸟类为模型。1972 年，他参加了卡塞尔文献展。1973 年和 1978 年，他分别在巴黎市立现代艺术博物馆和柏林新国家美术馆举办了大型个展。他在西班牙米罗基金会的首次展览（1984 年）展出了他的飞机模型，诗意地引用了构成达芬奇美学视野的艺术和科学。2005 年，他收到安特卫普市长的邀请，参加市政厅为他 65 岁生日举办的沙龙。2006:比利时官方报纸发表了一篇关于帕纳马连科集体的文章，该集体是一个非营利性协会，旨在推广艺术家的作品。2007:艺术家向安特卫普当代艺术博物馆（M HKA）捐赠了其历史悠久的家庭住宅、工作室以及其中的所有物品和作品。博物馆与 Panamarenko Collective 合作，将其改造为博物馆或可参观的艺术空间，为当代佛兰德文化注入活力。2009 年 4 月 24 日，VLM 航空公司将其一架福克 50 飞机命名为帕纳马连科，以纪念他。

估价 3 500 - 4 000 EUR

编号 71 - DELPHINE BOËL; Delfina of Saxe-Coburg（比利时，Uccle，1968 年）。 "永不放弃-黑与红》，2020 年。 印度墨水和闪光纸。 右下角有签名和日期。 附有艺术家签名的鉴定证书。 尺寸：75.5 x 39.5 厘米；87.5 x 52 厘米（画框）：75.5 x 39.5 厘米；87.5 x 52 厘米（画框）。 "永不放弃 "是博埃尔作品中反复出现的一句话。事实上，2017 年，比利时首都伊克塞尔博物馆（Musee d'Ixelles）专门为她举办了一场名为 "德尔菲娜永不放弃 "的回顾展，表明了这句话对作者的意义。德尔菲娜-波尔在接受《先锋报》采访时说："我不像其他人那样看待文字和字母。我把它们看作图画，我意识到它们对人的潜在影响。文字可以让人快乐，也可以让人毁灭，它们是最有力量的东西"。 德尔菲娜-波尔（Delphine Boël）在她的绘画和拼贴作品中，与在她的装置和雕塑作品中一样，探索色调和构图公式，以获得观众最喜庆和最享乐的部分。她希望传递一种积极的信息，恢复六十年代的和平呼声，从而拯救昔日的乐观和纯真。德尔菲娜-波尔（Delphine Boël）是比利时公主和雕塑家。她是比利时国王阿尔贝二世与西比拉-德-塞勒斯-朗尚男爵夫人的婚外女儿。她曾在伦敦切尔西艺术学院接受培训（1991 年）。曾多次参加国际展览和活动。近期个展精选：2023 年 "爱的不完美" 比斯特收藏展，比利时 Maasmechelen 村 2022 年 "未来比过去更好" 琳达和盖伊-皮特斯基金会，法国圣特罗佩。2021 年 "我爱你。不再废话"。盖-皮特斯画廊，比利时克诺克 2020 年 "态度" 盖-皮特斯画廊，比利时克诺克 2017 年 "永不放弃"Ixelles 博物馆，布鲁塞尔，比利时 "为爱痴狂" WM 画廊，安特卫普，比利时。德尔菲娜的创作手法多种多样，她将自己定义为色彩艺术家。在绘画、录像、雕塑和霓虹灯方面，她的作品充满活力、俏皮而奢华。群展和博览会：2023 年 ORNAMENTUM - Diane Venet 艺术家珠宝收藏展，布鲁塞尔 Boghossian 基金会，2022 年 "如果布会说话 "Markiezenhof 博物馆，荷兰 Bergen Op Zoom。阿登堡双年展特邀艺术家，阿登堡，荷兰。2021 年 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Diane Venet Collection，摩纳哥格里马尔迪论坛 "Come What May" Aeroplastics，布鲁塞尔。2020 "Claire-Obscure" Paul Janssen 画廊，法国圣特罗佩 2019 "Habiter L'intime" Thalie 基金会，比利时布鲁塞尔。巴黎大皇宫艺术展，比利时画廊代理。

估价 14 000 - 16 000 EUR

编号 72 - DELPHINE BOËL; Delfina of Saxe-Coburg（比利时，Uccle，1968 年）。 "世界经济-特别报告-利益消退》，2013 年。 新闻纸上的混合媒介。 独一无二的作品。 右下角有签名和日期。背面有标题、签名和日期。 背面有 Espace-art22 标签。 尺寸：52 x 31 厘米；67 x 44 厘米（画框）：52 x 31 厘米；67 x 44 厘米（画框）。 在德尔菲娜-伯尔（Delhphine Böel）的语言中，标题、文字和词语都是非常重要和具有启发性的。对于这位因比利时国王阿尔贝二世婚外情而出名的比利时艺术家来说，"bla-bla-bla "这个拟声词最初暗指人们的流言蜚语。然而，到了 2020 年，它又有了新的含义：在起诉父亲之前，他画了一幅写有 "叭、叭、叭、叭、叭 "的作品，题为 "我有责任保持沉默"。从那时起，"叭、叭、叭、叭 "这个连词就成了她作品中的常客。 德尔菲娜-波尔（Delphine Boël）自 2020 年起成为官方承认的公主，同时也是比利时雕塑家。她是比利时国王阿尔贝二世与 Sibylle de Selys Longchamps 男爵夫人的婚外女儿。她曾在伦敦切尔西艺术学院接受培训（1991 年）。他曾多次参加国际展览和活动。近期个展精选2023 年 "爱的不完美" 比斯特收藏展，比利时 Maasmechelen 村 2022 年 "未来比过去更好" 琳达和盖伊-皮特斯基金会，法国圣特罗佩。2021 年 "我爱你。不再废话"。盖-皮特斯画廊，比利时克诺克 2020 年 "态度" 盖-皮特斯画廊，比利时克诺克 2017 年 "永不放弃"Ixelles 博物馆，布鲁塞尔，比利时 "为爱痴狂" WM 画廊，安特卫普，比利时。德尔菲娜的创作手法多种多样，她将自己定义为色彩艺术家。在绘画、录像、雕塑和霓虹灯方面，她的作品充满活力、俏皮而奢华。群展和博览会：2023 年 ORNAMENTUM - Diane Venet 艺术家珠宝收藏展，布鲁塞尔 Boghossian 基金会，2022 年 "如果布会说话 "Markiezenhof 博物馆，荷兰 Bergen Op Zoom。阿登堡双年展特邀艺术家，阿登堡，荷兰。2021 年 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Diane Venet Collection，摩纳哥格里马尔迪论坛 "Come What May" Aeroplastics，布鲁塞尔。2020 "Claire-Obscure" Paul Janssen 画廊，法国圣特罗佩 2019 "Habiter L'intime" Thalie 基金会，比利时布鲁塞尔。巴黎大皇宫艺术展，比利时画廊代理。

估价 4 000 - 5 000 EUR

编号 73 - DELPHINE BOËL；Delphine of Saxe-Coburg（比利时，Uccle，1968 年）。 "世界新闻美化第 6 页"，2013 年。 新闻纸上的混合媒介。 独一无二的作品。 右下角有签名和日期。背面有标题、签名和日期。 背面有 Espace-art22 标签。 尺寸：55 x 35.5 厘米；67 x 47 厘米（画框）：55 x 35.5 厘米；67 x 47 厘米（画框）。 在德尔菲娜-伯尔（Delhphine Böel）的语言中，标题、文字和词语都是非常重要和具有启发性的。对于这位与比利时国王阿尔贝二世有婚外情的比利时艺术家来说，"bla-bla-bla "这个拟声词最初指的是人们的闲言碎语。然而，到了 2020 年，它又有了新的含义：在起诉父亲之前，他画了一幅写有 "叭、叭、叭、叭、叭 "的作品，题为 "我有责任保持沉默"。从那时起，"叭、叭、叭、叭 "这个连词就成了她作品中的常客。 德尔菲娜-波尔（Delphine Boël）自 2020 年起成为官方承认的公主，同时也是比利时雕塑家。她是比利时国王阿尔贝二世与 Sibylle de Selys Longchamps 男爵夫人的婚外女儿。她曾在伦敦切尔西艺术学院接受培训（1991 年）。他曾多次参加国际展览和活动。近期个展精选2023 年 "爱的不完美" 比斯特收藏展，比利时 Maasmechelen 村 2022 年 "未来比过去更好" 琳达和盖伊-皮特斯基金会，法国圣特罗佩。2021 年 "我爱你。不再废话"。盖-皮特斯画廊，比利时克诺克 2020 年 "态度" 盖-皮特斯画廊，比利时克诺克 2017 年 "永不放弃"Ixelles 博物馆，布鲁塞尔，比利时 "为爱痴狂" WM 画廊，安特卫普，比利时。德尔菲娜的创作手法多种多样，她将自己定义为色彩艺术家。在绘画、录像、雕塑和霓虹灯方面，她的作品充满活力、俏皮而奢华。群展和博览会：2023 年 ORNAMENTUM - Diane Venet 艺术家珠宝收藏展，布鲁塞尔 Boghossian 基金会，2022 年 "如果布会说话 "Markiezenhof 博物馆，荷兰 Bergen Op Zoom。阿登堡双年展特邀艺术家，阿登堡，荷兰。2021 年 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Diane Venet Collection，摩纳哥格里马尔迪论坛 "Come What May" Aeroplastics，布鲁塞尔。2020 "Claire-Obscure" Paul Janssen 画廊，法国圣特罗佩 2019 "Habiter L'intime" Thalie 基金会，比利时布鲁塞尔。巴黎大皇宫艺术展，比利时画廊代理。

估价 4 000 - 5 000 EUR

编号 74 - DELPHINE BOËL; Delfina of Saxe-Coburg（比利时，Uccle，1968 年）。 "Bla Bla Bla"，2013 年。 霓虹灯。 示范性 1/7。 尺寸：18 x 60 x 14.4 厘米：18 x 60 x 14.4 厘米。 在德尔菲娜-伯尔（Delhphine Böel）的语言中，标题、文字和词语都是非常重要和具有启发性的。对于这位因比利时荣誉国王阿尔贝二世的婚外情而诞生的比利时艺术家来说，"bla-bla-bla "这个拟声词起初暗指人们的闲言碎语。然而，到了 2020 年，它又有了新的含义：在起诉父亲之前，他画了一幅写有 "叭、叭、叭、叭、叭 "的作品，题为 "我有责任保持沉默"。从那时起，"叭、叭、叭、叭 "这个连词就成了她作品中的常客。 德尔菲娜-波尔（Delphine Boël）自 2020 年起成为官方承认的公主，同时也是比利时雕塑家。她是比利时国王阿尔贝二世与 Sibylle de Selys Longchamps 男爵夫人的婚外女儿。她曾在伦敦切尔西艺术学院接受培训（1991 年）。曾多次参加国际展览和活动。近期个展精选2023 年 "爱的不完美" 比斯特收藏展，比利时 Maasmechelen 村 2022 年 "未来比过去更好" 琳达和盖伊-皮特斯基金会，法国圣特罗佩。2021 年 "我爱你。不再废话"。盖-皮特斯画廊，比利时克诺克 2020 年 "态度" 盖-皮特斯画廊，比利时克诺克 2017 年 "永不放弃"Ixelles 博物馆，布鲁塞尔，比利时 "为爱痴狂" WM 画廊，安特卫普，比利时。德尔菲娜的创作手法多种多样，她将自己定义为色彩艺术家。在绘画、录像、雕塑和霓虹灯方面，她的作品充满活力、俏皮而奢华。群展和博览会：2023 年 ORNAMENTUM - Diane Venet 艺术家珠宝收藏展，布鲁塞尔 Boghossian 基金会，2022 年 "如果布会说话 "Markiezenhof 博物馆，荷兰 Bergen Op Zoom。阿登堡双年展特邀艺术家，阿登堡，荷兰。2021 年 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Diane Venet Collection，摩纳哥格里马尔迪论坛 "Come What May" Aeroplastics，布鲁塞尔。2020 "Claire-Obscure" Paul Janssen 画廊，法国圣特罗佩 2019 "Habiter L'intime" Thalie 基金会，比利时布鲁塞尔。巴黎大皇宫艺术展，比利时画廊代理。

估价 6 000 - 8 000 EUR

编号 75 - DELPHINE BOËL；Delphine of Saxe-Coburg（比利时，Uccle，1968 年）。 "纽约时报-爱战胜仇恨》，2018 年。 新闻纸上的混合媒介。 独一无二的作品。 右下角有签名和日期。 背面有 Art22 画廊标签。 尺寸：67 x 45 厘米；69 x 47 厘米（画框）：67 x 45 厘米；69 x 47 厘米（画框）。 在德尔菲娜-伯尔（Delhphine Böel）的语言中，标题、文字和词语都是非常重要和具有启发性的。对于这位因与比利时国王阿尔贝二世的婚外情而诞生的比利时艺术家来说，爱是世界通用的语言。 德尔菲娜-波尔（Delphine Boël）自 2020 年起成为官方承认的王妃，同时也是一位比利时雕塑家。她是比利时国王阿尔贝二世与 Sibylle de Selys Longchamps 男爵夫人的婚外女儿。她曾在伦敦切尔西艺术学院接受培训（1991 年）。曾多次参加国际展览和活动。近期个展精选2023 年 "爱的不完美" 比斯特收藏展，比利时 Maasmechelen 村 2022 年 "未来比过去更好" 琳达和盖伊-皮特斯基金会，法国圣特罗佩。2021 年 "我爱你。不再废话"。盖-皮特斯画廊，比利时克诺克 2020 年 "态度" 盖-皮特斯画廊，比利时克诺克 2017 年 "永不放弃"Ixelles 博物馆，布鲁塞尔，比利时 "为爱痴狂" WM 画廊，安特卫普，比利时。德尔菲娜的创作手法多种多样，她将自己定义为色彩艺术家。在绘画、录像、雕塑和霓虹灯方面，她的作品充满活力、俏皮而奢华。群展和博览会：2023 年 ORNAMENTUM - Diane Venet 艺术家珠宝收藏展，布鲁塞尔 Boghossian 基金会，2022 年 "如果布会说话 "Markiezenhof 博物馆，荷兰 Bergen Op Zoom。阿登堡双年展特邀艺术家，阿登堡，荷兰。2021 年 "Bijoux D'Artistes - De Picasso a Koons" Diane Venet Collection，摩纳哥格里马尔迪论坛 "Come What May" Aeroplastics，布鲁塞尔。2020 "Claire-Obscure" Paul Janssen 画廊，法国圣特罗佩 2019 "Habiter L'intime" Thalie 基金会，比利时布鲁塞尔。巴黎大皇宫艺术展，比利时画廊代理。

估价 7 000 - 8 000 EUR

编号 76 - KOEN VANMECHELEN（比利时 Sint-Truiden，1965 年）。 "面对面》，2013 年。 大理石雕塑。独一无二的作品。 附盖-皮特斯签名证书。 尺寸：120 x 45 x 45 厘米：120 x 45 x 45 厘米。 在 "Face off "中，比利时艺术家科恩-范梅切伦（Koen Vanmechelen）在诉诸古典艺术的同时，为我们呈现了一幅寓言式的现代图像。一个头部长满蛇和变异鸡头骨的大理石高冈（希腊神话中的美杜莎女神）通过照镜子来复制自己。这是 "面对面 "的怪物，它的目光使人石化。就像美杜莎和她的蛇的毒液一样，在神话中，毒液具有起死回生的力量。因此，美杜莎隐喻着杀戮和赋予生命的能力。 科恩-范梅切伦是一位比利时裔概念艺术家。他于 20 世纪 90 年代初开始创作。他的作品以生物文化多样性为主题。围绕这一主题，范梅切伦还与不同学科的科学家进行了合作。这些跨界项目为他赢得了 2010 年哈瑟尔特大学的荣誉博士学位，以及 2013 年的金尼卡混合艺术奖（Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica）。该项目以鸡为主题，更具体地说，是将各国的鸡种杂交成 "世界鸡"。2018 年，这个全球项目的第 22 代产品在芬兰的塞拉奇乌斯博物馆诞生：丹麦马力诺斯鸡（Danish Malinois），由芬兰品种和一年前在丹麦双年展上孵化的丹麦马力诺斯鸡（CCP21）杂交而成。与此同时，各种世界鸡身上的基因来自比利时、法国、英国、美国、德国、荷兰、墨西哥、泰国、巴西、土耳其、古巴、意大利、俄罗斯、中国、埃及、塞内加尔、斯洛文尼亚、奥地利、印度尼西亚和丹麦。生物文化多样性以及由此产生的艺术与科学之间的互动是他作品的主题。Vanmechelen 经常与不同学科的科学家和专家合作，如 Jean-Jacques Cassiman、Willem Ombelet、Maarten Larmuseau、Rik Pinxten 和 Marleen Temmerman。他使用创新技术，如三维扫描、形态测量、三维打印和交互式可视化技术。他的作品是多媒体的，从富有表现力的绘画和素描到摄影、视频、装置、玻璃制品和木雕。鸡和蛋是经常出现的共同线索。多年来，这些物品已成为连接科学、政治、哲学和伦理问题的象征。在他多产的职业生涯中，他曾在国家美术馆（伦敦）、维多利亚和阿尔伯特博物馆（伦敦）、Museum Kunstpalast（杜塞尔多夫）、Muziekgebouw aan 't IJ（阿姆斯特丹）、Macro（罗马）、MAD 博物馆（纽约）、Slot Belvedere（维也纳）、ZKM（卡尔斯鲁厄）和普希金博物馆（莫斯科）等地举办个展和联展。除威尼斯双年展外，他的作品还曾在莫斯科、达喀尔、哈瓦那和波兹南双年展、2010 年上海世博会、广州三年展、Manifesta 9 和 dOCUMENTA (13) 展出。

估价 70 000 - 80 000 EUR

编号 77 - KOEN VANMECHELEN（比利时 Sint-Truiden，1965 年）。 "Therianthropy"，2018 年。 用薮猫标本、火鸡翅膀标本、玻璃和钢制作的雕塑。 独特的作品 . 附有艺术家签名的证书。 尺寸：105 x 115 x 106 厘米：105 x 115 x 106 厘米。 在他的 "Therianthropy "系列中，Vanmechelen 解决了人工杂交的问题，展现了两个令人着迷的躯体纠缠在一起，承载着生命的透明度。这是在时间的意外中诞生的混血儿，在过去形成的巢穴中长大。这件作品的灵感来源于十六世纪的古董柜，古董柜是了解世界和自然布局的博学之源，也是展示收藏家最珍贵宝物的尊贵空间。当时，人们的想象力十分丰富，传统上会根据物品的性质对其进行分类。2021 年，策展人埃尔斯-伍伊茨（Els Wuyts）为 "轻柔的微风 "展览挑选了三件凡梅切伦的作品，其中包括《泰瑞安托普》，它们共同组成了所谓的生命之环。 科恩-范梅切伦是一位比利时裔概念艺术家。他的艺术生涯始于 20 世纪 90 年代初。他的作品以生物文化多样性为主题。围绕这一主题，范梅切伦还与不同学科的科学家进行了合作。这些跨界项目为他赢得了 2010 年哈瑟尔特大学的荣誉博士学位，以及 2013 年的金尼卡混合艺术奖（Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica）。该项目以鸡为主题，更具体地说，是将各国的鸡种杂交成 "世界鸡"。2018 年，这个全球项目的第 22 代产品在芬兰的塞拉奇乌斯博物馆诞生：丹麦马力诺犬，它是芬兰品种与一年前在丹麦双年展上孵化的丹麦马力诺犬（CCP21）杂交而成。与此同时，各种世界鸡身上的基因来自比利时、法国、英国、美国、德国、荷兰、墨西哥、泰国、巴西、土耳其、古巴、意大利、俄罗斯、中国、埃及、塞内加尔、斯洛文尼亚、奥地利、印度尼西亚和丹麦。生物文化多样性以及由此产生的艺术与科学之间的互动是他作品的主题。Vanmechelen 经常与不同学科的科学家和专家合作，如 Jean-Jacques Cassiman、Willem Ombelet、Maarten Larmuseau、Rik Pinxten 和 Marleen Temmerman。他使用创新技术，如三维扫描、形态测量、三维打印和交互式可视化技术。他的作品是多媒体的，从富有表现力的绘画和素描到摄影、视频、装置、玻璃制品和木雕。鸡和蛋是经常出现的共同线索。多年来，这些物品已成为连接科学、政治、哲学和伦理问题的象征。在他多产的职业生涯中，他曾在国家美术馆（伦敦）、维多利亚和阿尔伯特博物馆（伦敦）、Museum Kunstpalast（杜塞尔多夫）、Muziekgebouw aan 't IJ（阿姆斯特丹）、Macro（罗马）、MAD 博物馆（纽约）、Slot Belvedere（维也纳）、ZKM（卡尔斯鲁厄）和普希金博物馆（莫斯科）等地举办个展和联展。除威尼斯双年展外，他的作品还曾在莫斯科、达喀尔、哈瓦那和波兹南双年展、2010 年上海世博会、广州三年展、Manifesta 9 和 dOCUMENTA (13) 展出。

估价 90 000 - 100 000 EUR

编号 78 - KOEN VANMECHELEN（比利时 Sint-Truiden，1965 年）。 "Mechelse Bresse C.C.P."，2012 年。 母鸡标本雕塑、木质底座和两张照片（公鸡和母鸡，雕塑中母鸡的父亲和母亲）。 独一无二的作品。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：52 x 48 x 22 厘米（母鸡）；62 x 56,5 x 36,5 厘米（母鸡瓮）；30 x 30 厘米（两张照片各）。 艺术家科恩-范梅切伦一生都对鸡和蛋着迷。早在孩提时代，他就建造了鸡笼和鸟舍，并在自己的房间里放了一个孵化器。后来他意识到，家鸡的体内也有笼子。鸡蛋就是它的监狱。冲破蛋壳的小鸡象征着解放。这件作品属于 "世界鸡项目（CCP，1999 年）"，该项目是一项全球性、跨学科和跨时空的研究，通过艺术、科学和美的相互作用，探讨生物文化多样性和身份认同的主题。在 CCP 项目中，艺术家 Koen Vanmechelen 将不同国家的鸡种进行杂交。他的最终目标是创造出一只携带地球上所有鸡种基因的 "世界鸡"。鸡不仅仅是一种简单的家畜，它本身就是一种艺术。它是人类动物及其与地球生物和文化多样性关系的隐喻。从原始鸡（红丛林鸡）繁衍而来的本地鸡种是进化的死胡同（其形状反映了其社区的典型文化特征），而范梅切伦杂交鸡则是解决方案。多年的杂交结果表明，每一代鸡都更加坚韧，寿命更长，不易生病，攻击性更弱。研究各种世界性鸡的世界性鸡研究项目（CC®P）表明，遗传多样性至关重要。2000 年，Vanmechelen 推出了第一个 "杂交品种"--梅切尔斯布雷斯鸡（Mechelse Bresse），这是由比利时梅切尔斯科克鸡（Mechelse Koekoek）和法国布雷斯鸡（Poulet de Bresse）"杂交 "而成。迄今为止，已有 21 个纯种品种被纳入 CCP。 科恩-范梅切伦是一位比利时裔概念艺术家。他于 20 世纪 90 年代初开始创作。他的作品以生物文化多样性为主题。围绕这一主题，范梅切伦还与不同学科的科学家进行了合作。这些跨界项目为他赢得了 2010 年哈瑟尔特大学荣誉博士学位和 2013 年金尼卡混合艺术奖（Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica）。科恩-范梅切伦最著名的作品是《世界鸡项目》（The Cosmopolitan Chicken Project or (CCP)），范梅切伦经常与让-雅克-卡西曼（Jean-Jacques Cassiman）、威廉-翁贝莱（Willem Ombelet）、马腾-拉穆索（Maarten Larmuseau）、里克-平克斯滕（Rik Pinxten）和玛琳-滕默曼（Marleen Temmerman）等不同学科的科学家和专家合作。他使用创新技术，如三维扫描、形态测量、三维打印和交互式可视化技术。他的作品是多媒体的，从富有表现力的绘画和素描到摄影、视频、装置、玻璃制品和木雕。鸡和蛋是经常出现的共同线索。多年来，这些物品已成为连接科学、政治、哲学和伦理问题的象征。在他多产的职业生涯中，他曾在国家美术馆（伦敦）、维多利亚和阿尔伯特博物馆（伦敦）、Museum Kunstpalast（杜塞尔多夫）、Muziekgebouw aan 't IJ（阿姆斯特丹）、Macro（罗马）、MAD 博物馆（纽约）、Slot Belvedere（维也纳）、ZKM（卡尔斯鲁厄）和普希金博物馆（莫斯科）等地举办过个展和联展。除威尼斯双年展外，他的作品还曾在莫斯科、达喀尔、哈瓦那和波兹南双年展、2010 年上海世博会、广州三年展、Manifesta 9 和 dOCUMENTA (13) 展出。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 79 - KOEN VANMECHELEN（比利时 Sint-Truiden，1965 年）。 "基托武》，2016 年。 有机玻璃瓮中的混合媒介（霓虹灯、牛角、牛皮、绳索和其他材料）。 独一无二的作品。 附有艺术家签发的证书。 尺寸：64 x 76 x 33 厘米（瓮64 x 76 x 33 厘米（瓮）。 Osotwa（Kitovu）在马赛语中的意思是 "脐带"。这件名为 Osotwa 的作品与 Koen Vanmechelen 和 Labiomista 的联合项目有关。它是艺术家与根克市合作的成果。一个实验性的想法诞生于对身份和多样性潜力的共同认识。作为跨学科团队的一员，科恩-范梅切伦将几个主题分配给一群人和一件艺术品，作为反思和重组的工具，以及灵感的源泉。该作品是第二工作组所得出结论的不可分割的一部分，其讨论围绕自由展开。 科恩-范梅切伦是比利时籍概念艺术家。他的艺术生涯始于 20 世纪 90 年代初。他的作品以生物文化多样性为主题。围绕这一主题，范梅切伦还与不同学科的科学家进行了合作。这些跨界项目为他赢得了 2010 年哈瑟尔特大学的荣誉博士学位，以及 2013 年的金尼卡混合艺术奖（Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica）。该项目以鸡为主题，更具体地说，是将各国的鸡种杂交成 "世界鸡"。2018 年，这个全球项目的第 22 代产品在芬兰的塞拉奇乌斯博物馆诞生：丹麦马力诺斯鸡（Danish Malinois），由芬兰品种和一年前在丹麦双年展上孵化的丹麦马力诺斯鸡（CCP21）杂交而成。与此同时，各种世界鸡身上的基因来自比利时、法国、英国、美国、德国、荷兰、墨西哥、泰国、巴西、土耳其、古巴、意大利、俄罗斯、中国、埃及、塞内加尔、斯洛文尼亚、奥地利、印度尼西亚和丹麦。生物文化多样性以及由此产生的艺术与科学之间的互动是他作品的主题。Vanmechelen 经常与不同学科的科学家和专家合作，如 Jean-Jacques Cassiman、Willem Ombelet、Maarten Larmuseau、Rik Pinxten 和 Marleen Temmerman。他使用创新技术，如三维扫描、形态测量、三维打印和交互式可视化技术。他的作品是多媒体的，从富有表现力的绘画和素描到摄影、视频、装置、玻璃制品和木雕。鸡和蛋是经常出现的共同线索。多年来，这些物品已成为连接科学、政治、哲学和伦理问题的象征。在他多产的职业生涯中，他曾在国家美术馆（伦敦）、维多利亚和阿尔伯特博物馆（伦敦）、Museum Kunstpalast（杜塞尔多夫）、Muziekgebouw aan 't IJ（阿姆斯特丹）、Macro（罗马）、MAD 博物馆（纽约）、Slot Belvedere（维也纳）、ZKM（卡尔斯鲁厄）和普希金博物馆（莫斯科）等地举办个展和联展。除威尼斯双年展外，他的作品还曾在莫斯科、达喀尔、哈瓦那和波兹南双年展、2010 年上海世博会、广州三年展、Manifesta 9 和 dOCUMENTA (13) 展出。

估价 35 000 - 40 000 EUR

编号 80 - KOEN VANMECHELEN（比利时 Sint-Truiden，1965 年）。 "Mechelse Silky C.C.P."，2012 年。 日本母鸡标本雕塑，木质底座和两张照片（公鸡和母鸡，雕塑中母鸡的父亲和母亲）。 独一无二的作品。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：34 x 30 x 16 厘米（母鸡）；47 x 36,5 x 29 厘米（母鸡骨灰盒）；30 x 30 厘米（两张照片各一张）。 艺术家科恩-范梅切伦一生都对鸡和蛋着迷。早在孩提时代，他就建造了鸡笼和鸟舍，并在自己的房间里放了一个孵化器。后来他意识到，家鸡的体内也有笼子。鸡蛋就是它的监狱。冲破蛋壳的小鸡象征着解放。这件作品属于 "世界鸡项目（CCP，1999 年）"，该项目是一项全球性、跨学科和跨时空的研究，通过艺术、科学和美的相互作用，探讨生物文化多样性和身份认同的主题。在 CCP 项目中，艺术家 Koen Vanmechelen 将不同国家的鸡种进行杂交。他的最终目标是创造出一只携带地球上所有鸡种基因的 "世界鸡"。鸡不仅仅是一种简单的家畜，它本身就是一种艺术。它是人类动物及其与地球生物和文化多样性关系的隐喻。从原始鸡（红丛林鸡）繁衍而来的本地鸡种是进化的死胡同（其形状反映了其社区的典型文化特征），而范梅切伦杂交鸡则是解决方案。多年的杂交结果表明，每一代鸡都更坚韧、寿命更长、更不易生病、攻击性更弱。研究各种世界性鸡的世界性鸡研究项目（CC®P）表明，遗传多样性至关重要。2000 年，Vanmechelen 推出了第一个 "杂交品种"--梅切尔斯布雷斯鸡（Mechelse Bresse），这是由比利时梅切尔斯科克鸡（Mechelse Koekoek）和法国布雷斯鸡（Poulet de Bresse）"杂交 "而成。迄今为止，已有 21 个纯种品种被纳入 CCP。 科恩-范梅切伦是一位比利时裔概念艺术家。他于 20 世纪 90 年代初开始创作。他的作品以生物文化多样性为主题。围绕这一主题，范梅切伦还与不同学科的科学家进行了合作。这些跨界项目为他赢得了 2010 年哈瑟尔特大学荣誉博士学位和 2013 年金尼卡混合艺术奖（Golden Nica Hybrid Art Prix Ars Electronica）。科恩-范梅切伦最著名的作品是《世界鸡项目》（The Cosmopolitan Chicken Project or (CCP)），范梅切伦经常与让-雅克-卡西曼（Jean-Jacques Cassiman）、威廉-翁贝莱（Willem Ombelet）、马腾-拉穆索（Maarten Larmuseau）、里克-平克斯滕（Rik Pinxten）和玛琳-滕默曼（Marleen Temmerman）等不同学科的科学家和专家合作。他使用创新技术，如三维扫描、形态测量、三维打印和交互式可视化技术。他的作品是多媒体的，从富有表现力的绘画和素描到摄影、视频、装置、玻璃制品和木雕。鸡和蛋是经常出现的共同线索。多年来，这些物品已成为连接科学、政治、哲学和伦理问题的象征。在他多产的职业生涯中，他曾在国家美术馆（伦敦）、维多利亚和阿尔伯特博物馆（伦敦）、Museum Kunstpalast（杜塞尔多夫）、Muziekgebouw aan 't IJ（阿姆斯特丹）、Macro（罗马）、MAD 博物馆（纽约）、Slot Belvedere（维也纳）、ZKM（卡尔斯鲁厄）和普希金博物馆（莫斯科）等地举办过个展和联展。除威尼斯双年展外，他的作品还曾在莫斯科、达喀尔、哈瓦那和波兹南双年展、2010 年上海世博会、广州三年展、Manifesta 9 和 dOCUMENTA (13) 展出。

估价 20 000 - 25 000 EUR

编号 81 - FRANCO DEFRANCESCA（多伦多，1967 年）。 “Mauvemind-Targets”, 2016-2017. 面板和胶合板上的颜料印花，环氧树脂涂层。 独一无二的作品。 背面有签名、日期和标题。 尺寸：76.5 x 76.5 x 6 厘米：76.5 x 76.5 x 6 厘米。 DeFrancesca 的极简主义作品沿袭了 20 世纪最后三分之一的几何运动。抛光的表面和鲜艳的色彩，这些近乎催眠的目标参考了工业设计，并暗指城市。他研究艺术、记忆、历史和技术之间的联系，将数字图像作为介于摄影和绘画之间的媒介。这些多媒体艺术作品混合了摄影和绘画，是对极简主义、现代主义、技术和未来主义所吸引的当代视觉文化的反思。DeFrancesca 的作品突出视觉、时间和空间特质，并与物理和触觉相结合。他运用敏锐的工艺感以及对材料和工艺的敬畏之心，将抽象图像与外露的多层胶合板支架融为一体，然后将其封装在结晶树脂中，创造出一种 "欲望之物"。DeFrancesca 出生于多伦多，毕业于加拿大艺术与设计学院（OCAD）和圭尔夫大学，他的作品曾在加拿大和美国展出，并被世界各地的企业和公共机构收藏，如 Cenovus Energy Inc.近期个展2021 Franco DeFrancesca：Re-Evolver, Newzones.加拿大卡尔加里当代艺术画廊 2018 Franco DeFrancesca，加拿大安大略省多伦多 Bellefeuille 画廊 2017 Sunscreen - Group Show，加拿大卡尔加里 Newzones " Spin Cycle Matrix"，加拿大卡尔加里 Newzones 。Newzones, Calgary, AB, Galerie de Bellefeuille, Montreal, QC Colour Break, Oeno Gallery, Bloomfield, ON. 感知，Newzones, Calgary, AB。"新作品，Oeno 画廊，布卢姆菲尔德，安大略省。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 82 - FRANCO DEFRANCESCA（多伦多，1967 年）。 "Neostrata-Targets"，2016 年。 面板和胶合板上的颜料印花，环氧树脂涂层。 背面有签名、年代和标题。 尺寸：76.5 x 76.5 x 6 厘米：76.5 x 76.5 x 6 厘米。 DeFrancesca 的极简主义作品沿袭了 20 世纪最后三分之一的几何运动。抛光的表面和鲜艳的色彩，这些近乎催眠的目标参考了工业设计，并暗指城市。他研究艺术、记忆、历史和技术之间的联系，将数字图像作为介于摄影和绘画之间的媒介。这些多媒体艺术作品混合了摄影和绘画，是对极简主义、现代主义、技术和未来主义所吸引的当代视觉文化的反思。DeFrancesca 的作品突出视觉、时间和空间特质，并与物理和触觉相结合。他运用敏锐的工艺感以及对材料和工艺的敬畏之心，将抽象图像与外露的多层胶合板支架融为一体，然后将其封装在结晶树脂中，创造出一种 "欲望之物"。DeFrancesca 出生于多伦多，毕业于加拿大艺术与设计学院（OCAD）和圭尔夫大学，他的作品曾在加拿大和美国展出，并被世界各地的企业和公共机构收藏，如 Cenovus Energy Inc.近期个展2021 Franco DeFrancesca：Re-Evolver, Newzones.加拿大卡尔加里当代艺术画廊 2018 Franco DeFrancesca，加拿大安大略省多伦多 Bellefeuille 画廊 2017 Sunscreen - Group Show，加拿大卡尔加里 Newzones " Spin Cycle Matrix"，加拿大卡尔加里 Newzones 。Newzones, Calgary, AB, Galerie de Bellefeuille, Montreal, QC Colour Break, Oeno Gallery, Bloomfield, ON. 感知，Newzones, Calgary, AB。"新作品，Oeno 画廊，布卢姆菲尔德，安大略省。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 83 - 洛里-赫斯伯格（LORI HERSBERGER）（瑞士巴塞尔，1964 年）。 "瞬时因果 nº26"，2013 年。 镜面抛光不锈钢雕塑。 独一无二的作品。 背面（底部）有签名、日期和标题。 所附证书由工作室 Lori Hersberger 签发，艺术家签名。 尺寸：80 x 60 x 20 厘米：80 x 60 x 20 厘米。 Lori Hersberger 的优雅作品突出了虚幻世界与现实世界之间的对立，同时暗指它们共享的共同空间。镜面钢的使用激发了她探索介于两者之间的可塑性的兴趣：在幻觉与现实之间，在绘画与雕塑之间，在工业加工与手工制作之间......她对材料和表现手法的非教条式选择已成为其作品的标志。其作品中的一个永恒元素是对战后前卫艺术、硬边缘、极简主义、大地艺术和波普趋势的探索，这一点在这件反思性雕塑作品中显而易见。 瑞士艺术家 Lori Hersberger 在苏黎世生活和工作。她出生于巴塞尔，曾在巴塞尔艺术与设计学院学习录像艺术和雕塑。九十年代初，她开始创作环境和装置作品，起初与录像相结合，后来又使用不同类型的媒介，如镜面玻璃、荧光涂料、霓虹灯和镀铬钢。他很快涉足各种看似不相容的媒体和主题。他的作品以直接的艺术语言为特征，尽管许多作品给人以强烈的肯定印象，但也具有颠覆性的潜力。在各种装置以及绘画和雕塑作品中，她探讨了一系列主题，如混合情感主义和幻象等现象的双重语义性质。从 2000 年开始，洛丽-赫斯伯格将自己的艺术创作扩展到抽象绘画领域，从那时起，她就认为自己完全是一名画家和雕塑家。称她为装置艺术家与仅将她归类为画家一样不恰当，因为从她的职业生涯一开始，她就从事一种透视主义，表现为对多种类型的实验性探索。 洛丽-赫斯伯格曾多次获奖，包括瑞士艺术奖（1999 年和 2000 年）和巴塞尔庄园艺术奖（2001 年）。她的作品曾在许多机构和博物馆展出，其中包括里昂 MAC 当代艺术博物馆，2008 年，她在那里举办了迄今为止规模最大的个展，名为 "Lori Hersberger - Phantom Studies"，展出了变形钢雕塑以及大量使用霓虹灯和镜面玻璃的装置作品；2003 年，她还在苏黎世美术馆等地举办了其他个展。此外，他还在巴塞尔当代艺术博物馆（Museum für Gegenwartskunst）、克拉根福卡林西亚 MMKK 现代艺术博物馆（MMKK Museum of Modern Art Carinthia in Klagenfurt）、吉森美术馆（Kunsthalle Giessen）、巴塞尔美术馆（Kunsthalle Basel）和纽约瑞士学院（Swiss Institute in New York）等地举办过展览。在第 48 届威尼斯双年展、维也纳艺术馆、卡尔斯鲁厄 ZKM 当代艺术博物馆、根特 SMAK Stedelijk 当代艺术博物馆、卢塞恩艺术博物馆和圣加仑艺术博物馆。他的作品被瑞士、欧洲和美国的众多收藏机构收藏，并成为多个公共场所装置艺术的一部分。

估价 30 000 - 40 000 EUR

编号 84 - 洛里-赫斯伯格（LORI HERSBERGER）（瑞士巴塞尔，1964 年）。 "瞬时因果 nº25"，2013 年。 镜面抛光不锈钢雕塑，红色涂层。 独一无二的作品。 背面有签名、日期和标题。 附有由艺术家签名的工作室 Lori Hersberger 签发的证书。 尺寸：80 x 60 x 20 厘米：80 x 60 x 20 厘米。 Lori Hersberger 的优雅作品突出了虚幻世界与现实世界之间的对立，同时暗指它们共享的共同空间。镜面钢的使用激发了她探索介于两者之间的可塑性的兴趣：在幻觉与现实之间，在绘画与雕塑之间，在工业加工与手工制作之间......她对材料和表现手法的非教条式选择已成为其作品的标志。其作品中的一个永恒元素是对战后前卫艺术、硬边缘、极简主义、大地艺术和波普趋势的探索，这一点在这件反思性雕塑作品中显而易见。 瑞士艺术家 Lori Hersberger 在苏黎世生活和工作。她出生于巴塞尔，曾在巴塞尔艺术与设计学院学习录像艺术和雕塑。九十年代初，她开始创作环境和装置作品，起初与录像相结合，后来又使用不同类型的媒介，如镜面玻璃、荧光涂料、霓虹灯和镀铬钢。他很快涉足各种看似不相容的媒体和主题。他的作品以直接的艺术语言为特征，尽管许多作品给人以强烈的肯定印象，但也具有颠覆性的潜力。在各种装置以及绘画和雕塑作品中，她探讨了一系列主题，如混合情感主义和幻象等现象的双重语义性质。从 2000 年开始，洛丽-赫斯伯格将自己的艺术创作扩展到抽象绘画领域，从那时起，她就认为自己完全是一名画家和雕塑家。称她为装置艺术家与仅将她归类为画家一样不恰当，因为从她的职业生涯一开始，她就从事一种透视主义，表现为对多种类型的实验性探索。 洛丽-赫斯伯格曾多次获奖，包括瑞士艺术奖（1999 年和 2000 年）和巴塞尔庄园艺术奖（2001 年）。她的作品曾在许多机构和博物馆展出，其中包括里昂 MAC 当代艺术博物馆，2008 年，她在那里举办了迄今为止规模最大的个展，名为 "Lori Hersberger - Phantom Studies"，展出了变形钢雕塑以及大量使用霓虹灯和镜面玻璃的装置作品；2003 年，她还在苏黎世美术馆等地举办了其他个展。此外，他还在巴塞尔当代艺术博物馆（Museum für Gegenwartskunst）、克拉根福卡林西亚 MMKK 现代艺术博物馆（MMKK Museum of Modern Art Carinthia in Klagenfurt）、吉森美术馆（Kunsthalle Giessen）、巴塞尔美术馆（Kunsthalle Basel）和纽约瑞士学院（Swiss Institute in New York）等地举办过展览。在第 48 届威尼斯双年展、维也纳艺术馆、卡尔斯鲁厄 ZKM 当代艺术博物馆、根特 SMAK Stedelijk 当代艺术博物馆、卢塞恩艺术博物馆和圣加仑艺术博物馆。他的作品被瑞士、欧洲和美国的众多收藏机构收藏，并成为多个公共场所装置艺术的一部分。

估价 30 000 - 40 000 EUR

编号 85 - SLATER BRADLEY（加利福尼亚州旧金山，1975 年）。 "完美的共鸣（Alina Melancholina）"，2012 年。 皱巴巴的黑白纤维印刷品和银色记号笔。 独一无二的作品。 附有艺术家签名证书。 尺寸：200 x 145 x 11 厘米：200 x 145 x 11 厘米。 斯莱特-布拉德利（Slater Bradley）从亲身经历中汲取灵感，在以阿丽娜（Alina）为主角的摄影和录像作品中探索失恋的普遍叙事。在现实与虚构之间的精彩镜像游戏中，阿丽娜与克里斯-马克（Chris Marker）的《La Jetée》中的梦中女人或希区柯克（Hitchcock）的《迷魂记》中的神秘主角等电影人物同化。布拉德利通过煞费苦心的技术处理背景，塑造了她们理想化的、遥不可及的女性形象，实现了永恒的特质。 斯莱特-布拉德利于 1998 年毕业于加州大学洛杉矶分校。布拉德利的摄影系列作品《别让我消失》（Don't Let Me Disappear，1997-2003 年）以霍尔登-考尔菲德（Holden Caulfield）的《麦田守望者》中的一句话命名，作品中充满了自传式的引用、个人符号以及艺术和音乐影响。在《JFK Jr.》（1999 年）中，镜头窥视着一位等待献花悼念小约翰-肯尼迪和卡罗琳-贝塞特-肯尼迪的年轻女性；直到最后一帧，悼念者才注意到拍摄者的目光。布拉德利在录像作品《我为你加油（家中的捕蝶人）》（2000 年）中将自己的艺术比作蝴蝶采集。在《月桂树（海滩）》（2000 年）中，女演员 Chloë Sevigny 朗诵了托马斯-曼的小说《Tonio Krögor》中关于艺术的一段话。Female Gargoyle》（2000 年）表现了一位站在建筑物窗台附近岌岌可危的女性。录像作品《理论与观察》（2002 年）通过圣母院大教堂唱诗班的歌声和斯蒂芬-霍金《时间简史》的节选，反映了理性与信仰之间的关系。在 "二重身三部曲"（2001-04 年）中，布拉德利上演了三位陨落的流行乐坛英雄--"快乐小分队 "的伊恩-柯蒂斯、"涅槃 "的科特-科本和迈克尔-杰克逊--的音乐会，由他现实生活中的二重身本杰明-布洛克演唱。自 1999 年在一家夜总会与布洛克相识以来，艺术家多次在自己的照片、视频和绘画作品中以不同的身份使用布洛克，对复制和抹去身份的复杂概念进行反思。在录像作品《二重身之年》（The Year of the Doppelganger，2005 年）中，布拉德利让布洛克扮演一个瘦弱的摇滚音乐家，他打鼓打得非常投入，以至于他没有意识到自己的足球场已经空了，被篡改成了球队训练场。在《未知的定居点》（2005 年）中，布拉德利、布洛克和众多影迷在星球大战的服装下面目全非，这种情况的特点是匿名性和群体性。影片《我的结论/我的必要》（2005-06）在巴黎拉夏伊兹（Père-Lachaise）公墓巡回拍摄，拍摄到一位年轻女子在奥斯卡-王尔德的墓碑上涂上口红亲吻。在《灵魂暗夜》（2005-06）中，布洛克身着宇航服，在贝多芬的《月光奏鸣曲》声中漫步纽约自然历史博物馆，让人想起斯坦利-库布里克的《2001：太空漫游》。布拉德利曾在纽约 P.S.1 当代艺术中心（2000 年）、纽约所罗门-R-古根海姆博物馆（2005 年）、伯克利艺术博物馆和太平洋电影资料馆（2005 年）以及圣路易斯当代艺术博物馆（2007 年）等地举办个展。他的作品还参加了一些重要的联展，如惠特尼双年展（2004 年）、马德里索菲亚王后博物馆的视频-音乐-视频展（2005 年）和 "对魔鬼的同情 "展：自 1967 年以来的艺术与摇滚乐》（芝加哥当代艺术博物馆，2007 年）。2005 年，他获得路易斯-康福特-蒂芙尼基金会录像奖。布拉德利在纽约生活和工作。

估价 45 000 - 50 000 EUR

编号 86 - 维姆-德尔沃耶（WIM DELVOYE）（比利时，1965 年）。 "超级气雾研究--第 126 号研究"，2002 年。 纸上混合媒介。 独一无二的作品。 右下角有签名和日期。印有 "Super Cloaca "字样。 附盖-皮特斯（Guy Pieters）颁发的证书，盖-皮特斯画廊。 尺寸：50 x 54 厘米；69 x 72.5 厘米（画框）：50 x 54 厘米；69 x 72.5 厘米（画框）。 "泄殖腔 "是威尔-德尔沃伊最具争议性和革命性的项目，是他与安特卫普大学科学家历时三年合作的成果。该项目由化学烧杯、电动泵和塑料管组成的一台大型机器组成，它排列在七个不锈钢台子上，能够将食物转化为粪便。该装置作为 "维姆-德尔沃伊 - 2000-2007 年 Cloaca "回顾展的一部分在卢森堡赌场--当代艺术论坛展出。这台巨大的机器于 10 月 13 日（博物馆之夜）启动，每天两次从一个大型漏斗中排出粪便，人们需要爬上梯子才能进入漏斗。在作品开幕式上，德尔沃伊亲自爬上梯子，第一次将多汁的、完全真实的食物倒入漏斗。从内部看，这台机器的功能就像一个胃：食物先被一个垃圾处理装置咀嚼，然后经过 27 小时的消化旅程，在六个玻璃大桶中通过管道、泵和各种电子元件连接起来，这些管道、泵和电子元件就是下水道的胃、胰腺和大小肠。被 "消化 "的食物始终保持在 37.2 摄氏度的精确温度下，Cloaca 的每个 "器官 "都充满了酶、细菌和酸。通过《Cloaca》，威尔-德尔沃伊迫使观众意识到，我们的社会对这些被视为排泄物的功能感到不适，而我们却坚持不让它们出现在人们的视线中，不让它们进入社会。 维姆-德尔沃伊是一位比利时新概念艺术家，以其别出心裁且常常令人震惊的项目而闻名。他的大部分作品都以身体为主题。正如评论家罗伯特-恩莱特（Robert Enright）在艺术杂志《边境交叉》（Border Crossings）上所写的那样，"德尔沃伊的艺术创作方式重新调整了我们对如何创造美的理解"。维姆-德尔沃伊的作品不拘一格，展示了他对各种主题的兴趣，从身体机能和排泄物学到当今市场经济中艺术的功能，以及介于两者之间的众多主题。他在比利时根特生活和工作。他曾在根特皇家美术学院接受培训。不久之后，德尔沃伊开始在墙纸上重绘，为现有图案着色，挑战当时艺术界自由表达的价值。德尔沃伊认为自己是概念的创造者。1990 年后，由德尔沃伊领导的专家们完成了他的大部分作品。1992 年，他在第九届文献展上展出的 "马赛克 "获得了国际认可，这是一个对称的瓷砖展示，上面铺满了他自己排泄物的照片。第九届文献展的组织者 Jan Hoet 说："维姆-德尔沃伊的长处在于，他能够通过将高雅艺术与通俗艺术相结合，将严肃与讽刺对立起来，从而制造冲突"。他最著名的三个项目是 "Cloaca"、"艺术农场 "和一系列哥特式作品。德尔沃伊最著名的作品可能是他的消化机器 "Cloaca"，这是他在安特卫普艺术博物馆（Museum voor Hedendaagse Kunst）展出的作品，在此之前，他花了八年时间咨询从管道到肠胃病学等领域的专家。2013 年在纽约举办的展览上，德尔沃伊展示了复杂的激光切割作品，这些作品将建筑和形象参考与莫比乌斯带或罗夏墨迹等形式相结合。他曾多次在欧洲各地的博物馆举办个展，包括巴黎蓬皮杜艺术中心和安特卫普 MUHKA（均于 2000 年举办），还是第 48 届威尼斯双年展（1999 年）和第九届文献展（1997 年）的参展艺术家。

估价 9 000 - 10 000 EUR

编号 87 - 维姆-德尔沃耶（WIM DELVOYE）（比利时，1965 年）。 "管道 3》，2000 年。 C-print ，副本 3/6。 背面有签名、标题、序列号和日期。 配有独家艺术展示画框。 附盖-皮特斯（Guy Pieters）颁发的证书，盖-皮特斯画廊。 尺寸：125 x 100 厘米；135 x 109.5 厘米（画框）。 维姆-德尔沃伊于 1998 年制作了第一批 X 光片，但他对科学、医学、人体和 X 光机的兴趣促使这位比利时艺术家在 2001 年完成其著名作品 "Cloaca "后立即再次制作 X 光片。在他所有的 X 射线系列作品中，最著名的是以性为主题的作品。为了完成这些作品，德尔沃伊召集了一群朋友，要求他们在身体上涂上少量的钡（一种能提高 X 射线能见度的液体），并在允许他使用必要的 X 射线设备的医院里进行性行为，尤其是口交。 维姆-德尔沃伊是一位比利时新概念艺术家，以其别出心裁且常常令人震惊的项目而闻名。他的大部分作品都以身体为主题。正如评论家罗伯特-恩莱特（Robert Enright）在艺术杂志《边境交叉》（Border Crossings）上所写的那样，"德尔沃伊的艺术创作方式重新调整了我们对如何创造美的理解"。维姆-德尔沃伊的作品不拘一格，展示了他对各种主题的兴趣，从身体机能和排泄物学到当今市场经济中艺术的功能，以及介于两者之间的众多主题。他在比利时根特生活和工作。他曾在根特皇家美术学院接受培训。不久之后，德尔沃伊开始在墙纸上重绘，为现有图案着色，挑战当时艺术界自由表达的价值。德尔沃伊认为自己是概念的创造者。1990 年后，由德尔沃伊领导的专家们完成了他的大部分作品。1992 年，他在第九届文献展上展出的 "马赛克 "获得了国际认可，这是一个对称的瓷砖展示，上面铺满了他自己排泄物的照片。第九届文献展的组织者 Jan Hoet 说："维姆-德尔沃伊的长处在于，他能够通过将高雅艺术与通俗艺术相结合，将严肃与讽刺对立起来，从而制造冲突"。他最著名的三个项目是 "Cloaca"、"艺术农场 "和一系列哥特式作品。德尔沃伊最著名的作品可能是他的消化机器 "Cloaca"，这是他在安特卫普艺术博物馆（Museum voor Hedendaagse Kunst）展出的作品，在此之前，他花了八年时间咨询从管道到肠胃病学等领域的专家。2013 年在纽约举办的展览中，德尔沃伊展示了复杂的激光切割作品，这些作品将建筑和形象参考与莫比乌斯带或罗夏墨迹等形式相结合。他曾多次在欧洲各地的博物馆举办个展，包括巴黎蓬皮杜艺术中心和安特卫普 MUHKA（均于 2000 年举办），还是第 48 届威尼斯双年展（1999 年）和第九届文献展（1997 年）的参展艺术家。

估价 20 000 - 24 000 EUR

编号 88 - 维姆-德尔沃耶（WIM DELVOYE）（比利时，1965 年）。 "Cloaca Original 的研究--研究 #50》，2001 年。 纸上混合媒介。 独一无二的作品。 右下角有签名、日期和标题。右下角有 "Cloaca "印章。 附盖-皮特斯（Guy Pieters）颁发的证书，盖-皮特斯画廊。 尺寸：23.5 x 46 厘米；40.5 x 63.5 厘米（画框）。 "泄殖腔 "是威尔-德尔沃伊最具争议性和革命性的项目，是他与安特卫普大学科学家三年合作的成果。该项目由化学烧杯、电动泵和塑料管组成的一台大型机器组成，它排列在七个不锈钢台子上，能够将食物转化为粪便。该装置作为 "维姆-德尔沃伊 - 2000-2007 年 Cloaca "回顾展的一部分在卢森堡赌场--当代艺术论坛展出。这台巨大的机器于 10 月 13 日（博物馆之夜）启动，每天两次从一个大型漏斗中排出粪便，人们需要爬上梯子才能进入漏斗。在作品开幕式上，德尔沃伊亲自爬上梯子，第一次将多汁的、完全真实的食物倒入漏斗。从内部看，这台机器的功能就像一个胃：食物先被一个垃圾处理装置咀嚼，然后经过 27 小时的消化旅程，在六个玻璃大桶中通过管道、泵和各种电子元件连接起来，这些管道、泵和电子元件就是下水道的胃、胰腺和大小肠。被 "消化 "的食物始终保持在 37.2 摄氏度的精确温度下，Cloaca 的每个 "器官 "都充满了酶、细菌和酸。通过《Cloaca》，威尔-德尔沃伊迫使观众意识到，我们的社会对这些被视为排泄物的功能感到不适，而我们却坚持不让它们出现在人们的视线中，不让它们进入社会。 维姆-德尔沃伊（Wim Delvoye）是一位比利时新概念艺术家，以其别出心裁且常常令人震惊的项目而闻名。他的大部分作品都以身体为主题。正如评论家罗伯特-恩莱特（Robert Enright）在艺术杂志《边境交叉》（Border Crossings）上所写的那样，"德尔沃伊的艺术创作方式重新调整了我们对如何创造美的理解"。维姆-德尔沃伊的作品不拘一格，展示了他对各种主题的兴趣，从身体机能和排泄物学到当今市场经济中艺术的功能，以及介于两者之间的众多主题。他在比利时根特生活和工作。他曾在根特皇家美术学院接受培训。不久之后，德尔沃伊开始在墙纸上重绘，为现有图案着色，挑战当时艺术界自由表达的价值。德尔沃伊认为自己是概念的创造者。1990 年后，由德尔沃伊领导的专家们完成了他的大部分作品。1992 年，他在第九届文献展上展出的 "马赛克 "获得了国际认可，这是一个对称的瓷砖展示，上面铺满了他自己排泄物的照片。第九届文献展的组织者 Jan Hoet 说："维姆-德尔沃伊的长处在于，他能够通过将高雅艺术与通俗艺术相结合，将严肃与讽刺对立起来，从而制造冲突"。他最著名的三个项目是 "Cloaca"、"艺术农场 "和一系列哥特式作品。德尔沃伊最著名的作品可能是他的消化机器 "Cloaca"，这是他在安特卫普艺术博物馆（Museum voor Hedendaagse Kunst）展出的作品，在此之前，他花了八年时间咨询从管道到肠胃病学等领域的专家。2013 年在纽约举办的展览上，德尔沃伊展示了复杂的激光切割作品，这些作品将建筑和形象参考与莫比乌斯带或罗夏墨迹等形式相结合。他曾多次在欧洲各地的博物馆举办个展，包括巴黎蓬皮杜艺术中心和安特卫普 MUHKA（均于 2000 年举办），还是第 48 届威尼斯双年展（1999 年）和第九届文献展（1997 年）的参展艺术家。

估价 9 000 - 11 000 EUR

编号 89 - 维姆-德尔沃耶（WIM DELVOYE）（比利时，1965 年）。 "操 1》，2000-2001 年。 C 版 , copy E.A. 背面附有艺术家签名的证书。 附有 Guy Pieters、Guy Pieters Gallery 颁发的证书。 尺寸：125 x 100 厘米；135 x 110 厘米：125 x 100 厘米；135 x 110 厘米。 维姆-德尔沃伊于 1998 年制作了第一批 X 光片，但他对科学、医学、人体和 X 光机的兴趣促使这位比利时艺术家在 2001 年完成其著名作品 "Cloaca "后立即再次制作 X 光片。在他所有的 X 光系列作品中，最著名的是以性为主题的作品。为了完成这些作品，德尔沃伊召集了一群朋友，要求他们在身体上涂上少量的钡（一种液体，在 X 射线中会更加明显），并在允许他使用必要设备拍摄 X 射线的医院里进行性行为，他最喜欢口交。 维姆-德尔沃伊是比利时的新概念艺术家，以其别出心裁且常常令人震惊的项目而闻名。他的大部分作品都以身体为主题。正如评论家罗伯特-恩莱特（Robert Enright）在艺术杂志《边境交叉》（Border Crossings）上所写的那样，"德尔沃伊的艺术创作方式重新调整了我们对如何创造美的理解"。维姆-德尔沃伊的作品不拘一格，展示了他对各种主题的兴趣，从身体机能和排泄物学到当今市场经济中艺术的功能，以及介于两者之间的众多主题。他在比利时根特生活和工作。他曾在根特皇家美术学院接受培训。不久之后，德尔沃伊开始在墙纸上重绘，为现有图案着色，挑战当时艺术界自由表达的价值。德尔沃伊认为自己是概念的创造者。1990 年后，由德尔沃伊领导的专家们完成了他的大部分作品。1992 年，他在第九届文献展上展出的 "马赛克 "获得了国际认可，这是一个对称的瓷砖展示，上面铺满了他自己排泄物的照片。第九届文献展的组织者 Jan Hoet 说："维姆-德尔沃伊的长处在于，他能够通过将高雅艺术与通俗艺术相结合，将严肃与讽刺对立起来，从而制造冲突"。他最著名的三个项目是 "Cloaca"、"艺术农场 "和一系列哥特式作品。德尔沃伊最著名的作品可能是他的消化机器 "Cloaca"，这是他在安特卫普艺术博物馆（Museum voor Hedendaagse Kunst）展出的作品，在此之前，他花了八年时间咨询从管道到肠胃病学等领域的专家。2013 年在纽约举办的展览中，德尔沃伊展示了复杂的激光切割作品，这些作品将建筑和形象参考与莫比乌斯带或罗夏墨迹等形式相结合。他曾多次在欧洲各地的博物馆举办个展，包括巴黎蓬皮杜艺术中心和安特卫普 MUHKA（均于 2000 年举办），还是第 48 届威尼斯双年展（1999 年）和第九届文献展（1997 年）的参展艺术家。

估价 20 000 - 24 000 EUR

编号 90 - 维姆-德尔沃耶（WIM DELVOYE）（比利时，1965 年）。 "Cloaca 原创研究第 32 号"，1997-2001 年。 纸上混合媒介。 右下角有签名。 附有盖伊-皮特斯签名的证书。 尺寸：62 x 43 厘米；78.5 x 61 厘米（画框）：62 x 43 厘米；78.5 x 61 厘米（画框）。 "泄殖腔 "是威尔-德尔沃伊最具争议性和革命性的项目，是他与安特卫普大学科学家三年合作的成果。该项目由化学烧杯、电动泵和塑料管组成的一台大型机器组成，它排列在七个不锈钢台子上，能够将食物转化为粪便。该装置作为 "维姆-德尔沃伊 - 2000-2007 年 Cloaca "回顾展的一部分在卢森堡赌场--当代艺术论坛展出。这台巨大的机器于 10 月 13 日（博物馆之夜）启动，每天两次从一个大型漏斗中排出粪便，人们需要爬上梯子才能进入漏斗。在作品开幕式上，德尔沃伊亲自爬上梯子，第一次将多汁的、完全真实的食物倒入漏斗。从内部看，这台机器的功能就像一个胃：食物先被一个垃圾处理装置咀嚼，然后经过 27 小时的消化旅程，在六个玻璃大桶中通过管道、泵和各种电子元件连接起来，这些管道、泵和电子元件就是下水道的胃、胰腺、小肠和大肠。被 "消化 "的食物始终保持在 37.2 摄氏度的精确温度下，Cloaca 的每个 "器官 "都充满了酶、细菌和酸。 通过《Cloaca》，威尔-德尔沃伊迫使观众意识到，我们的社会对这些被视为排泄物的功能感到不适，而我们却坚持不让它们出现在人们的视线中，不让它们进入社会。同样，《下水道》也可以解读为对消费社会的评论。这台将有营养的食物变成废物的机器，代表了资本主义经济的周期性和往往荒谬的本质。 维姆-德尔沃伊是一位比利时新概念艺术家，以其别出心裁且常常令人震惊的项目而闻名。他的大部分作品都以身体为主题。正如评论家罗伯特-恩莱特（Robert Enright）在艺术杂志《边境交叉》（Border Crossings）上所写的那样，"德尔沃伊的艺术创作方式重新调整了我们对如何创造美的理解"。维姆-德尔沃伊的作品不拘一格，展示了他对各种主题的兴趣，从身体机能和排泄物学到当今市场经济中艺术的功能，以及介于两者之间的众多主题。他在比利时根特生活和工作。他曾在根特皇家美术学院接受培训。不久之后，德尔沃伊开始在墙纸上重绘，为现有图案着色，挑战当时艺术界自由表达的价值。德尔沃伊认为自己是概念的创造者。1990 年后，由德尔沃伊领导的专家们完成了他的大部分作品。1992 年，他在第九届文献展上展出的 "马赛克 "获得了国际认可，这是一个对称的瓷砖展示，上面铺满了他自己排泄物的照片。第九届文献展的组织者 Jan Hoet 说："维姆-德尔沃伊的长处在于，他能够通过将高雅艺术与通俗艺术相结合，将严肃与讽刺对立起来，从而制造冲突"。他最著名的三个项目是 "Cloaca"、"艺术农场 "和一系列哥特式作品。德尔沃伊最著名的作品可能是他的消化机器 "Cloaca"，这是他在安特卫普艺术博物馆（Museum voor Hedendaagse Kunst）展出的作品，在此之前，他花了八年时间咨询从管道到肠胃病学等领域的专家。2013 年在纽约举办的展览上，德尔沃伊展示了复杂的激光切割作品，这些作品将建筑和形象参考与莫比乌斯带或罗夏墨迹等形式相结合。他曾多次在欧洲各地的博物馆举办个展，包括巴黎蓬皮杜艺术中心和安特卫普 MUHKA（均于 2000 年举办），还是第 48 届威尼斯双年展（1999 年）和第九届文献展（1997 年）的参展艺术家。

估价 9 000 - 10 000 EUR

编号 91 - 维姆-德尔沃耶（WIM DELVOYE）（比利时，1965 年）。 "Cloaca nº5 研究--第 161 号研究》，2001 年。 纸上混合媒介。 独一无二的作品。 右下角有 "Cloaca "印章。 附盖-皮特斯（Guy Pieters）颁发的证书，盖-皮特斯画廊。 尺寸：24 x 46 厘米；40,5 x 63,5 厘米（画框）：24 x 46 厘米；40.5 x 63.5 厘米（画框）。 "泄殖腔 "是威尔-德尔沃伊最具争议性和革命性的项目，是他与安特卫普大学科学家三年合作的成果。该项目由化学烧杯、电动泵和塑料管组成的一台大型机器组成，它排列在七个不锈钢台子上，能够将食物转化为粪便。该装置作为 "维姆-德尔沃伊 - 2000-2007 年 Cloaca "回顾展的一部分在卢森堡赌场--当代艺术论坛展出。这台巨大的机器于 10 月 13 日（博物馆之夜）启动，每天两次从一个大型漏斗中排出粪便，人们需要爬上梯子才能进入漏斗。在作品开幕式上，德尔沃伊亲自爬上梯子，第一次将多汁的、完全真实的食物倒入漏斗。从内部看，这台机器的功能就像一个胃：食物先被一个垃圾处理装置咀嚼，然后经过 27 小时的消化旅程，在六个玻璃大桶中通过管道、泵和各种电子元件连接起来，这些管道、泵和电子元件就是下水道的胃、胰腺和大小肠。被 "消化 "的食物始终保持在 37.2 摄氏度的精确温度下，Cloaca 的每个 "器官 "都充满了酶、细菌和酸。通过《Cloaca》，威尔-德尔沃伊迫使观众意识到，我们的社会对这些被视为排泄物的功能感到不适，而我们却坚持不让它们出现在人们的视线中，不让它们进入社会。 维姆-德尔沃伊（Wim Delvoye）是一位比利时新概念艺术家，以其别出心裁且常常令人震惊的项目而闻名。他的大部分作品都以身体为主题。正如评论家罗伯特-恩莱特（Robert Enright）在艺术杂志《边境交叉》（Border Crossings）上所写的那样，"德尔沃伊的艺术创作方式重新调整了我们对如何创造美的理解"。维姆-德尔沃伊的作品不拘一格，展示了他对各种主题的兴趣，从身体机能和排泄物学到当今市场经济中艺术的功能，以及介于两者之间的众多主题。他在比利时根特生活和工作。他曾在根特皇家美术学院接受培训。不久之后，德尔沃伊开始在墙纸上重绘，为现有图案着色，挑战当时艺术界自由表达的价值。德尔沃伊认为自己是概念的创造者。1990 年后，由德尔沃伊领导的专家们完成了他的大部分作品。1992 年，他在第九届文献展上展出的 "马赛克 "获得了国际认可，这是一个对称的瓷砖展示，上面铺满了他自己排泄物的照片。第九届文献展的组织者 Jan Hoet 说："维姆-德尔沃伊的长处在于，他能够通过将高雅艺术与通俗艺术相结合，将严肃与讽刺对立起来，从而制造冲突"。他最著名的三个项目是 "Cloaca"、"艺术农场 "和一系列哥特式作品。德尔沃伊最著名的作品可能是他的消化机器 "Cloaca"，这是他在安特卫普艺术博物馆（Museum voor Hedendaagse Kunst）展出的作品，在此之前，他花了八年时间咨询从管道到肠胃病学等领域的专家。2013 年在纽约举办的展览上，德尔沃伊展示了复杂的激光切割作品，这些作品将建筑和形象参考与莫比乌斯带或罗夏墨迹等形式相结合。他曾多次在欧洲各地的博物馆举办个展，包括巴黎蓬皮杜艺术中心和安特卫普 MUHKA（均于 2000 年举办），还是第 48 届威尼斯双年展（1999 年）和第九届文献展（1997 年）的参展艺术家。

估价 9 000 - 11 000 EUR

编号 92 - 维姆-德尔沃耶（WIM DELVOYE）（比利时，1965 年）。 "鸟巢 nº8》，1997 年。 拼装（木头和铆钉皮套）。 独一无二的作品。 附有艺术家签名证书。 尺寸：36 x 30 x 28 厘米：36 x 30 x 28 厘米。 鹿、猪和纹身鸡是维姆-德尔沃伊想象的一部分。在这种情况下，它不是关于动物，而是关于动物生活的空间。人类将动物世界的习性按照自己的形象和模样加以改造，使之非自然化，并将其强加于人。用艺术家本人在与保罗-拉斯特（Paul Laster）的对话中的话来说，"鸟舍比摩天大楼更容易，但它仍然反映了建筑的本质"。在 "捆绑 "风格的基础上，用缀有铆钉的皮革外壳对产品的性质进行了干预。通过这种方式，艺术家不仅对物品进行了破坏，还赋予其新的性解读，使其重新焕发生机。 维姆-德尔沃伊是一位比利时新概念艺术家，以其别出心裁且常常令人震惊的项目而闻名。他的大部分作品都以身体为主题。正如评论家罗伯特-恩莱特（Robert Enright）在艺术杂志《边境交汇》（Border Crossings）上写道："德尔沃伊参与了一种艺术创作方式，重新调整了我们对如何创造美的理解"。维姆-德尔沃伊的作品不拘一格，展现了他对各种主题的兴趣，从身体机能和排泄物学到当今市场经济中艺术的功能，以及介于两者之间的众多主题。他在比利时根特生活和工作。他曾在根特皇家美术学院接受培训。不久之后，德尔沃伊开始在墙纸上重绘，为现有图案着色，挑战当时艺术界自由表达的价值。德尔沃伊认为自己是概念的创造者。1990 年后，德尔沃耶领导的专家们完成了他的大部分作品。1992 年，德尔沃伊在第九届文献展上展出了他的 "马赛克 "作品，这是一幅对称的瓷砖作品，上面铺满了他自己排泄物的照片，从而获得了国际认可。第九届文献展的组织者 Jan Hoet 说："维姆-德尔沃伊的长处在于，他能够通过将高雅艺术与通俗艺术相结合，将严肃与讽刺对立起来，从而制造冲突"。他最著名的三个项目是 "Cloaca"、"艺术农场 "和一系列哥特式作品。德尔沃伊最著名的作品可能是他的消化机器 "Cloaca"，这是他在安特卫普艺术博物馆（Museum voor Hedendaagse Kunst）展出的作品，在此之前，他花了八年时间咨询从管道到肠胃病学等领域的专家。在 2013 年于纽约举办的展览上，德尔沃伊展示了复杂的激光切割作品，这些作品将建筑和形象参考与莫比乌斯带或罗夏墨迹等形式相结合。

估价 45 000 - 50 000 EUR

编号 93 - 维姆-德尔沃耶（WIM DELVOYE）（比利时，1965 年）。 "Cloaca 原创研究第 21 号"，1997 年。 纸上混合媒介。 右下角有签名。 附有盖伊-皮特斯签名的证书。 尺寸：59 x 43 厘米；77 x 60 厘米（画框）：59 x 43 厘米；77 x 60 厘米（画框）。 "Cloaca "是维姆-德尔沃伊最具争议性和革命性的项目，是他与安特卫普大学科学家三年合作的成果。该项目由化学烧杯、电动泵和塑料管组成的一台大型机器组成，它排列在七个不锈钢台子上，能够将食物转化为粪便。该装置作为 "维姆-德尔沃伊 - 2000-2007 年 Cloaca "回顾展的一部分在卢森堡赌场--当代艺术论坛展出。这台巨大的机器于 10 月 13 日（博物馆之夜）启动，每天两次从一个大型漏斗中排出粪便，人们需要爬上梯子才能进入漏斗。在作品开幕式上，德尔沃伊亲自爬上梯子，第一次将多汁的、完全真实的食物倒入漏斗。从内部看，这台机器的功能就像一个胃：食物先被一个垃圾处理装置咀嚼，然后经过 27 小时的消化旅程，在六个玻璃大桶中通过管道、泵和各种电子元件连接起来，这些管道、泵和电子元件就是下水道的胃、胰腺和大小肠。被 "消化 "的食物始终保持在 37.2 摄氏度的精确温度下，Cloaca 的每个 "器官 "都充满了酶、细菌和酸。通过《Cloaca》，威尔-德尔沃伊迫使观众意识到，我们的社会对这些被视为排泄物的功能感到不适，而我们却坚持不让它们出现在人们的视线中，不让它们进入社会。同样，《下水道》也可以解读为对消费社会的评论。这台将有营养的食物变成废物的机器，代表了资本主义经济的周期性和往往荒谬的本质。 维姆-德尔沃伊是一位比利时新概念艺术家，以其别出心裁且常常令人震惊的项目而闻名。他的大部分作品都以身体为主题。正如评论家罗伯特-恩莱特（Robert Enright）在艺术杂志《边境交叉》（Border Crossings）上所写的那样，"德尔沃伊的艺术创作方式重新调整了我们对如何创造美的理解"。维姆-德尔沃伊的作品不拘一格，展示了他对各种主题的兴趣，从身体机能和排泄物学到当今市场经济中艺术的功能，以及介于两者之间的众多主题。他在比利时根特生活和工作。他曾在根特皇家美术学院接受培训。不久之后，德尔沃伊开始在墙纸上重绘，为现有图案着色，挑战当时艺术界自由表达的价值。德尔沃伊认为自己是概念的创造者。1990 年后，由德尔沃伊领导的专家们完成了他的大部分作品。1992 年，他在第九届文献展上展出的 "马赛克 "获得了国际认可，这是一个对称的瓷砖展示，上面铺满了他自己排泄物的照片。第九届文献展的组织者 Jan Hoet 说："维姆-德尔沃伊的长处在于，他能够通过将高雅艺术与通俗艺术相结合，将严肃与讽刺对立起来，从而制造冲突"。他最著名的三个项目是 "Cloaca"、"艺术农场 "和一系列哥特式作品。德尔沃伊最著名的作品可能是他的消化机器 "Cloaca"，这是他在安特卫普艺术博物馆（Museum voor Hedendaagse Kunst）展出的作品，在此之前，他花了八年时间咨询从管道到肠胃病学等领域的专家。2013 年在纽约举办的展览上，德尔沃伊展示了复杂的激光切割作品，这些作品将建筑和形象参考与莫比乌斯带或罗夏墨迹等形式相结合。他曾多次在欧洲各地的博物馆举办个展，包括巴黎蓬皮杜艺术中心和安特卫普 MUHKA（均于 2000 年举办），还是第 48 届威尼斯双年展（1999 年）和第九届文献展（1997 年）的参展艺术家。

估价 9 000 - 10 000 EUR

编号 94 - 理查德-希普斯（英国，1965 年）。 "惊险 A13》，2017 年。 双面胶上的普里翁特墨水，副本 4/10。 背面有签名和说明。 背面有证书。 尺寸：73 x 93 厘米；96 x 115 厘米（框架）：73 x 93 厘米；96 x 115 厘米（画框）。 理查德-希普斯（Richard Heeps）是英国当代摄影师，现居剑桥。他的作品具有鲜明的饱和风格，摒弃了数码处理，突破了摄影的界限。理查德-希普斯的艺术是写给摄影艺术和无忧无虑的美国生活方式的一封真正的情书。Heeps 的摄影作品以诱人的色调和轻松的主题为特色。Heeps 谈到他对美国的迷恋时说："速度、生活方式和科技色彩都反映在我的照片中。在我的作品中，'美国'色彩是一个重要的方面，它推动着我对设备和材料的选择"。我们喜欢 Heeps 决心创造一个既能与当代观众联系起来，又能接受传统镜头摄影方法的艺术作品组合。Heeps 曾就读于剑桥大学并获得机械工程学徒资格，之后又获得了摄影和电影两个专业的资格证书。在接受正规教育之前，Heeps 对艺术、绘画和摄影有着长期的兴趣，从十岁起就在展览中展示自己的早期作品。这位艺术家年轻时对纽约的迷恋是他痴迷于所有美国事物的起点，而他后来对美国的访问更加剧了这种迷恋。自 20 世纪 80 年代起，Heeps 就开始展出自己的作品，此后他不断发展壮大，在国际博物馆和公共画廊展出，如米兰的 Affordable Art Fair、伦敦的 The Photographer's Gallery 和皇家艺术学院的夏季展览。

估价 2 000 - 2 500 EUR

编号 96 - ARNE QUINZE（比利时，1971 年）。 "我的家 我的房子 我的故居 180910》，2010 年。 混合媒介（木头、马克笔、彩色铅笔、纸张、油漆），有机盒。 右下角有签名和日期。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：60.5 x 90.5 x 16.5 厘米：60.5 x 90.5 x 16.5 厘米。 这件作品的标题是这位比利时艺术家在世界各地开展的一系列雕塑、装置和绘画项目的总称。因此，在丹麦胡姆莱贝克和路易斯安那现代艺术博物馆展出的同名装置作品 "我的家，我的房子，我的棚屋"（2011 年）向参观者展示了一种全新的住房和生活方式。他以 "Stilthouses "为名，意指我们既脆弱又坚强的暧昧本性。在他的三维作品和绘画作品中，Quinze 将不同类型的木材（包括回收木材）和荧光颜料结合在一起。这些雕塑作品呈现出强烈的橙色，与周围的自然环境形成鲜明对比，给人一种陌生感。Quinze 的作品注重通过线条、印记和矛盾来重构社会互动和交流。在这幅画作中，艺术家在二维平面上抽象了所有这些探索和关注。 Arne Quinze 是比利时的一位概念艺术家，最著名的作品是他的非常规和有争议的公共艺术装置。Quinze 还创作雕塑、绘画和素描。他十几岁时就开始在布鲁塞尔从事涂鸦创作，从未接受过正规的艺术教育。他以独具特色的木板雕塑而闻名。他的装置作品旨在激起人们的反应，并干预面对其雕塑作品的路人的日常生活。2006 年，他的作品 "Uchronia "引起了人们的注意：来自未来的信息"（Uchronia: A Message from the Future）引起了人们的注意，这是内华达沙漠 "火人节 "上的一个大型木质雕塑。Cityscape》（2007 年）和《The Sequence》（2008 年）是他在比利时布鲁塞尔市中心创作的两件巨型木制公共艺术装置。这是第一次，雕塑给人的感觉是触及了市中心的两座建筑，而车流仍在雕塑下穿行。在德国慕尼黑，他为法国奢侈时装和皮具品牌路易威登设计了 "旅行者"（Traveller，2008 年）。阿纳-昆兹的其他公共艺术装置分别在法国巴黎市中心（Rebirth，2008 年）、黎巴嫩贝鲁特（The Visitor，2009 年）和肯塔基州路易斯维尔（Big Four Bridge）亮相。 Quinze 创作了许多引人注目的装置作品，他将这些作品视为旧集市广场的替代品，如位于静安雕塑公园的《红色灯塔》（2010 年）。他的其他作品关注的是这样一个公理：人们倾向于寻求一个安全的环境，一个消除意外的子宫。7 月 4 日，他与 Beck's 合作，在纽约自由女神像实现了虚拟装置《摇滚陌生人》（2011 年），用于他的 "绿盒子项目"。在 2015 年欧洲文化之都蒙斯的背景下，他建造了一个名为 "乘客 "的木制装置。 2009 年，Quinze 在黎巴嫩贝鲁特新开发的 Souk 建筑群附近安装了一个名为 "游客 "的 "跷跷板"，拍卖行 Phillips de Pury & Company 邀请艺术家在其伦敦画廊展示其作品。由于展览在 2010 年初取得了成功，该展览在伦敦萨奇画廊（Saatchi Gallery）国王大道上的约克公爵府邸（Duke of York's Seat）举行。在汉堡艺术周（2011 年）期间，他展出了新作品，展示了材料使用的变化，包括象征家庭传统毁灭的破碎旧瓷器。2014 年 6 月，Quinze 与 Veridor 合作创作了一件独特的艺术品：45 公斤的贵金属变成了 "自然混沌"。这件艺术品主要由 18K 玫瑰金、18K 钯白金的棒状和管状以及金丝和金箔制成。这件作品名为 "自然混沌"。黄金版 1 号》在在线奢侈品市场 JamesEdition 上以 180 万欧元的价格出售。

估价 16 000 - 18 000 EUR

编号 97 - ARNE QUINZE（比利时，1971 年）。 "皮洛斯》，2019 年。 铝、丙烯酸和大理石底座。 独特的作品 . 尺寸：153 x 40 x 29 厘米：153 x 40 x 29 厘米。 在这件不朽的作品中，Quinze 试图通过强烈的艺术实践来捕捉自然的力量、脆弱性和多样性，使材料的形式和色彩的表现力达到一种紧张的平衡，似乎有机地融化在结构上。艺术家由此捕捉到了对进化的反思，在艺术和科学之间建立了联系。Arne Quinze 是比利时的一位概念艺术家，最著名的作品是他的非传统和有争议的公共艺术装置。Quinze 还创作雕塑、绘画和素描。他十几岁时就开始在布鲁塞尔从事涂鸦创作，从未接受过正规的艺术教育。他以独具特色的木板雕塑而闻名。他的装置作品旨在激起人们的反应，并干预面对其雕塑作品的路人的日常生活。2006 年，他的作品 "Uchronia "引起了人们的注意：来自未来的信息"（Uchronia: A Message from the Future）引起了人们的注意，这是内华达沙漠 "火人节 "上的一个大型木质雕塑。Cityscape》（2007 年）和《The Sequence》（2008 年）是他在比利时布鲁塞尔市中心创作的两件巨型木制公共艺术装置。这是第一次，雕塑给人的感觉是触及了市中心的两座建筑，而车流仍在雕塑下穿行。在德国慕尼黑，他为法国奢侈时装和皮具品牌路易威登设计了 "旅行者"（Traveller，2008 年）。阿纳-昆兹的其他公共艺术装置分别在法国巴黎市中心（《重生》，2008 年）、黎巴嫩贝鲁特（《访客》，2009 年）和肯塔基州路易斯维尔（《Big Four Bridge》）亮相。 Quinze 创作了许多引人注目的装置，他认为这些装置可以替代旧时的集市广场，例如位于静安雕塑公园的《红色灯塔》（2010 年）。他的其他作品关注的是这样一个公理：人们倾向于寻求一个安全的环境，一个消除意外的子宫。7 月 4 日，他与 Beck's 合作，在纽约自由女神像实现了虚拟装置《摇滚陌生人》（2011 年），用于他的 "绿盒子项目"。在 2015 年欧洲文化之都蒙斯的背景下，他建造了一个名为 "乘客 "的木制装置。 2009 年，Quinze 在黎巴嫩贝鲁特新开发的 Souk 建筑群附近安装了一个名为 "游客 "的 "跷跷板"，拍卖行 Phillips de Pury & Company 邀请艺术家在其伦敦画廊展示其作品。由于 2010 年初的成功，展览在伦敦国王大道约克公爵府邸的萨奇画廊（Saatchi Gallery）延长。在汉堡艺术周（2011 年）期间，他展出了新作品，展示了材料使用的变化，包括象征家庭传统毁灭的破碎旧瓷器。2014 年 6 月，Quinze 与 Veridor 合作创作了一件独特的艺术品：45 公斤的贵金属变成了 "自然混沌"。这件艺术品主要由 18K 玫瑰金、18K 钯白金的棒状和管状以及金丝和金箔制成。这件作品名为 "自然混沌"。黄金版 1 号》在在线奢侈品市场 JamesEdition 上以 180 万欧元的价格出售。

估价 40 000 - 50 000 EUR

编号 98 - ARNE QUINZE（比利时，1971 年）。 "比东维尔塔 8-10-2012》。 混合媒介（木材、聚氨酯、颜料和记号笔）。 独特的作品 . 底座上有签名。 附有艺术家签名的证书。 尺寸：85 x 20 x 20 厘米：85 x 20 x 20 厘米。 为了完成这件作品，Quinze 从巴西贫民窟的建筑中获得了灵感。该艺术家的网站上写道："《Bidonvilles》深入研究了当前环境下的可居住性。不同的摩天大楼和住宅体现了不同的形式和形状，但仍然是同一建筑环境中固有的。Bidonvilles 是对当今生活方式的模仿。城市以不竭的热情发展着。在没有考虑到可持续发展或可持续发展愿景的情况下，房屋很快就建在了一起；在城市环境中，建筑物、街道和公园的整体功能没有得到充分考虑。比东凡尔有意保证或加快这一进程，并在人际交往的社会中促进开放式交流。以这种方式将不同的社会联系在一起，符合昆兹关于人人平等的信念。人与人之间的文化和金钱差异不会改变这种平等，也不会削弱我们的基本平等。昆兹的建筑既是棚户区，也是工业化的摩天大楼。不同的线条和节奏代表了不同的文化，但它们又统一在同一个结构中，反映了我们周围和彼此间的日常生活。他的所有比东维尔塔楼似乎都采用了相同的形式和相似的结构，但仔细观察，它们又因所处的文化、大陆或城市而具有不同的细节"。 Quinze 制作了一些引人注目的装置，他认为这些装置是旧集市的替代品，例如位于静安雕塑公园的《红色灯塔》（2010 年）。他的其他作品关注的是这样一个公理：人们倾向于寻求一个安全的环境，一个消除意外的子宫。7 月 4 日，他与 Beck's 合作，在纽约自由女神像实现了虚拟装置《摇滚陌生人》（2011 年），用于他的 "绿盒子项目"。在 2015 年欧洲文化之都蒙斯的背景下，他建造了一个名为 "乘客 "的木制装置。 2009 年，Quinze 在黎巴嫩贝鲁特新开发的 Souk 建筑群附近安装了一个名为 "游客 "的 "跷跷板"，拍卖行 Phillips de Pury & Company 邀请艺术家在其伦敦画廊展示其作品。由于展览在 2010 年初取得了成功，该展览在伦敦萨奇画廊（Saatchi Gallery）国王大道上的约克公爵府邸（Duke of York's Seat）举行。在汉堡艺术周（2011 年）期间，他展出了新作品，展示了材料使用的变化，包括象征家庭传统毁灭的破碎旧瓷器。2014 年 6 月，Quinze 与 Veridor 合作创作了一件独特的艺术品：45 公斤的贵金属变成了 "自然混沌"。这件艺术品主要由 18K 玫瑰金、18K 钯白金的棒状和管状以及金丝和金箔制成。这件作品名为 "自然混沌"。黄金版 1 号》在在线奢侈品市场 JamesEdition 上以 180 万欧元的价格出售。

估价 12 000 - 14 000 EUR

编号 99 - ARNE QUINZE（比利时，1971 年）。 "木制玻璃装置研究 03-02-13》，2013 年。 纸上混合媒介。 附有艺术家签名的鉴定证书。 尺寸：58 x 42 厘米；62,5 x 46,5 厘米（框架）：58 x 42 厘米；62.5 x 46.5 厘米（框架）。 这份研究报告捕捉到了阿纳-昆兹著名装置艺术的精髓。通过草图，艺术家能够确定其橙色木质和玻璃作品的日常混沌和巨大形态，这些作品引人注目，并激发观众的兴趣。乍一看，这项研究似乎是不同元素的混乱混合；但仔细观察就会发现，所有作品都是以特定的方式摆放的，并具有精确的功能。通过捕捉和研究完美的角度和曲线，Quinze 得以凝固运动的维度。为此，艺术家从文化中汲取灵感：无论他走到哪里，他都会研究人与人之间的互动、城市运动以及人类在环境中的表现。这一心理过程引导他将多面的雕塑作品付诸实践。 Arne Quinze 是比利时的一位概念艺术家，以其非常规和有争议的公共艺术装置而闻名。Quinze 还创作雕塑、绘画和素描。他十几岁时就开始在布鲁塞尔从事涂鸦创作，从未接受过正规的艺术教育。他以独具特色的木板雕塑而闻名。他的装置作品旨在激起人们的反应，并干预面对其雕塑作品的路人的日常生活。2006 年，他的作品 "Uchronia "引起了人们的注意：来自未来的信息"（Uchronia: A Message from the Future）引起了人们的注意，这是内华达沙漠 "火人节 "上的一个大型木质雕塑。Cityscape》（2007 年）和《The Sequence》（2008 年）是他在比利时布鲁塞尔市中心创作的两件巨型木制公共艺术装置。这是第一次，雕塑给人的感觉是触及了市中心的两座建筑，而车流仍在雕塑下穿行。在德国慕尼黑，他为法国奢侈时装和皮具品牌路易威登设计了 "旅行者"（Traveller，2008 年）。阿纳-昆兹的其他公共艺术装置分别在法国巴黎市中心（《重生》，2008 年）、黎巴嫩贝鲁特（《访客》，2009 年）和肯塔基州路易斯维尔（《Big Four Bridge》）亮相。 Quinze 创作了许多引人注目的装置，他认为这些装置可以替代旧时的集市广场，例如位于静安雕塑公园的《红色灯塔》（2010 年）。他的其他作品关注的是这样一个公理：人们倾向于寻求一个安全的环境，一个消除意外的子宫。7 月 4 日，他与 Beck's 合作，在纽约自由女神像实现了虚拟装置《摇滚陌生人》（2011 年），用于他的 "绿盒子项目"。在 2015 年欧洲文化之都蒙斯的背景下，他建造了一个名为 "乘客 "的木制装置。 2009 年，Quinze 在黎巴嫩贝鲁特新开发的 Souk 建筑群附近安装了一个名为 "游客 "的 "跷跷板"，拍卖行 Phillips de Pury & Company 邀请艺术家在其伦敦画廊展示其作品。由于展览在 2010 年初取得了成功，该展览在伦敦萨奇画廊（Saatchi Gallery）国王大道上的约克公爵府邸（Duke of York's Seat）举行。在汉堡艺术周（2011 年）期间，他展出了新作品，展示了材料使用的变化，包括象征家庭传统毁灭的破碎旧瓷器。2014 年 6 月，Quinze 与 Veridor 合作创作了一件独特的艺术品：45 公斤的贵金属变成了 "自然混沌"。这件艺术品主要由 18K 玫瑰金、18K 钯白金的棒状和管状以及金丝和金箔制成。这件作品名为 "自然混沌"。黄金版 1 号》在在线奢侈品市场 JamesEdition 上以 180 万欧元的价格出售。

估价 7 000 - 9 000 EUR

编号 100 - ARNE QUINZE（比利时，1971 年）。 "Arcticus"，2019 年。 铝、丙烯酸和大理石底座。 独特的作品 . 尺寸：185 x 90 x 72 厘米：185 x 90 x 72 厘米。 在这件不朽的作品中，Quinze 试图通过强烈的艺术实践来捕捉自然的力量、脆弱性和多样性，使材料的形式和色彩的表现力达到一种紧张的平衡，似乎有机地融化在结构上。艺术家由此捕捉到了对进化的反思，在艺术和科学之间建立了联系。事实上，他在自己的网站上将 "Articus "概念描述为 "自然建筑"。Quinze 的这类作品是他在西班牙多个城市举办的巡回展览 "我的秘密花园 "的一部分。这次展览试图反映艺术、科学和我们共同生活的空间之间的互动，并在这些不朽的雕塑作品中得到体现。 Arne Quinze 是一位比利时概念艺术家，主要以其非常规和有争议的公共艺术装置而闻名。Quinze 还创作雕塑、绘画和素描。他十几岁时就开始在布鲁塞尔从事涂鸦创作，从未接受过正规的艺术教育。他以独具特色的木板雕塑而闻名。他的装置作品旨在激起人们的反应，并干预面对其雕塑作品的路人的日常生活。2006 年，他的作品 "Uchronia "引起了人们的注意：来自未来的信息"（Uchronia: A Message from the Future）引起了人们的注意，这是内华达沙漠 "火人节 "上的一个大型木质雕塑。Cityscape》（2007 年）和《The Sequence》（2008 年）是他在比利时布鲁塞尔市中心创作的两件巨型木制公共艺术装置。这是第一次，雕塑给人的感觉是触及了市中心的两座建筑，而车流仍在雕塑下穿行。在德国慕尼黑，他为法国奢侈时装和皮具品牌路易威登设计了 "旅行者"（Traveller，2008 年）。阿纳-昆兹的其他公共艺术装置分别在法国巴黎市中心（《重生》，2008 年）、黎巴嫩贝鲁特（《访客》，2009 年）和肯塔基州路易斯维尔（《Big Four Bridge》）亮相。 Quinze 创作了许多引人注目的装置，他认为这些装置可以替代旧时的集市广场，例如位于静安雕塑公园的《红色灯塔》（2010 年）。他的其他作品关注的是这样一个公理：人们倾向于寻求一个安全的环境，一个消除意外的子宫。7 月 4 日，他与 Beck's 合作，在纽约自由女神像实现了虚拟装置《摇滚陌生人》（2011 年），用于他的 "绿盒子项目"。在 2015 年欧洲文化之都蒙斯的背景下，他建造了一个名为 "乘客 "的木制装置。 2009 年，Quinze 在黎巴嫩贝鲁特新开发的 Souk 建筑群附近安装了一个名为 "游客 "的 "跷跷板"，拍卖行 Phillips de Pury & Company 邀请艺术家在其伦敦画廊展示其作品。由于 2010 年初的成功，展览在伦敦国王大道约克公爵府邸的萨奇画廊（Saatchi Gallery）延长。在汉堡艺术周（2011 年）期间，他展出了新作品，展示了材料使用的变化，包括象征家庭传统毁灭的破碎旧瓷器。2014 年 6 月，Quinze 与 Veridor 合作创作了一件独特的艺术品：45 公斤的贵金属变成了 "自然混沌"。这件艺术品主要由 18K 玫瑰金、18K 钯白金的棒状和管状以及金丝和金箔制成。这件作品名为 "自然混沌"。黄金版 1 号》在在线奢侈品市场 JamesEdition 上以 180 万欧元的价格出售。

估价 50 000 - 55 000 EUR
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