DROUOT
sabato 13 lug a : 10:30 (CEST)

Arti moderne e contemporanee

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49 rue Saint Sabin 75011 Paris, Francia
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102 risultati

Lotto 3 - Norman Bluhm (1921-1999) - Guitare à la Chaise Cassée 1951 Olio su tela firmato e datato in alto a sinistra 91,5 x 60 cm Provenienza: > Collezione privata, Parigi "Gli anni Cinquanta e Sessanta hanno dato vita a una nuova potente generazione di espressionisti astratti. Tra questi figurano artisti come Norman Bluhm, John Chamberlain, Al Leslie, Joan Mitchell e Mark Di Suvero, che si avvicinarono allo stile con un profondo impegno a portarlo a un livello superiore. Una comprensione sofisticata e comprensiva delle loro radici culturali europee e una maggiore enfasi sulle basi - composizione, disegno, colore, qualità della superficie e struttura - contraddistinguono il loro approccio. " (James Harithas) Norman Bluhm appartiene alla seconda generazione di pittori espressionisti astratti in America, ma il suo stile rimane unico e distintivo. Ha studiato architettura all'Armor Institute of Technology. Anche la sua esperienza di pilota durante la Seconda guerra mondiale ha avuto un'influenza significativa sulla sua arte, dandogli una particolare comprensione dello spazio e un senso di velocità percepibile nella dinamica delle sue opere. Dopo la guerra, Bluhm prosegue gli studi all'Accademia di Belle Arti di Firenze, prima di trasferirsi a Parigi nel 1947, dove frequenta l'Académie de la Grande Chaumière e l'École des Beaux-Arts. Nel 1956 si trasferisce a New York ed espone in prestigiose gallerie (Leo Castelli e Martha Jackson a Manhattan; Galerie Stadler a Parigi). (MLD)

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 17 - Lucien Coutaud (1904-1977) - Composizione surrealista 1968 Olio su tela firmato e datato in basso a sinistra 58 x 70 cm Provenienza: > Collezione privata, Parigi Condition report : Incorniciato "Lucien Coutaud è poco conosciuto. Eppure è stato uno dei pittori più singolari e prolifici del XX secolo. Padroneggiava ogni tecnica ed eccelleva in ogni campo, come testimonia la sua opera, che comprende quasi duemila dipinti e gouaches, altrettanti disegni, ventinove arazzi (come parte della prima generazione di artisti coinvolti nella rinascita dell'arazzo di Aubusson, Coutaud occupa un posto singolare, per la sua produzione volutamente limitata, il rifiuto della numerazione, i cartoni di grandi dimensioni, sempre realizzati a guazzo, la scelta dei soggetti sempre in sintonia con il suo mondo pittorico, ispirato alla musica, al gioco, alla magia), quasi cento acqueforti su rame, ventinove litografie, venticinque scenografie e costumi per il teatro e l'opera (dalla prima collaborazione con Charles Dullin nel 1928 fino al 1972, Coutaud non ha mai smesso di lavorare con i più grandi registi e coreografi del suo tempo, che hanno fatto appello al suo senso del magico e del monumentale, la sua attrazione per il barocco e l'onirico), quarantatré libri illustrati, da André Fraigneau, nel 1925, a Pauline Réage e la sua Histoire d'O, nel 1972, passando per Voltaire, Alfred Jarry, Arthur Rimbaud, Maurice Blanchard, Paul Eluard, Robert Desnos, Gilbert Lely, Jean-Paul Sartre, Paul Claudel, Hemingway, Proust e Jules Laforgue. Lucien Coutaud ha inventato l'erotomagia, una forma di pittura che è il linguaggio diretto della mente, attivando sia la nostra coscienza che le nostre emozioni. Le immagini si presentano a noi cariche di desideri e di ansie, esigono una materializzazione abbagliante dello spazio; infrangono le logore cornici della realtà... (...) Va detto che l'intera produzione creativa di Coutaud è, come le opere surrealiste, una continua esplorazione dello stato onirico, per scoprirne i veri limiti, troppo sfumati in letteratura e in pittura e troppo ristretti in psicologia. Per Coutaud il reale esiste, come sottolineerà Alain Bosquet. Il mare è un mare, la spiaggia è sabbia, il pane è lievito, il toro sanguina, le case assomigliano a quelle di Nîmes; ma il sogno non cessa di svilupparsi contemporaneamente, di impregnarsi, di fondersi con la realtà; il sogno con il suo corteo di adorabili ossessioni: fiori sovrapposti formano esseri tra la donna e l'idolo; specchi e conchiglie cambiano funzione, alcuni conservando un paesaggio amato qualunque sia l'oggetto riflesso, altri esitando tra metamorfosi ed enigma perpetuato. Da questo tipo di sogno si può dedurre una sorta di regola, di cui Coutaud è maestro a pieno titolo. È possibile, ad esempio, negare la gravità, la costituzione della materia, la gravitazione universale, osservando una figura il cui busto è staccato dal resto del corpo. Attraverso i sogni, la realtà viene riabilitata. Non dimentichiamo che Coutaud ha disegnato e dipinto i Dormeur in tutta la sua opera: figure le cui teste senza occhi, nel 1946, assomigliavano a melocactus (cactus a forma di melone), quasi a sottolineare l'onnipotenza dei sogni intesi come realtà assoluta e protetti dal mondo esterno da potenti spine...". (Christophe Dauphin, estratti da Lucien Coutaud, le peintre de l'Eroticomagie, ed. Rafael de Surtis, 2009)

Stima 2 500 - 3 500 EUR

Lotto 18 - Gianni Bertini (1922-2010) - Venus à hydrogène Serigrafia e lumeggiature a olio su tela firmate in basso al centro, controfirmate e titolate sul retro 36 x 30,5 cm Provenienza: > Beaussant Lefèvre Drouot 15 dicembre 2008 lotto 176 Bibliografia: - Gianni Bertini, Cruido Ballo. Opera riprodotta a pagina 121 del libro Condition report: Framed Gianni Bertini è stato un precursore dell'arte informale italiana. Inizia a creare opere astratte nel 1947, nell'ambito del movimento Arte Concreta di Milano. Nel 1951 presenta a Firenze delle opere con il nome di "arte nucleare", che costituiscono la prima dimostrazione di arte informale in Italia. L'anno successivo, Bertini si trasferisce a Parigi e tiene la sua prima mostra personale alla Galerie Arnaud. Nel 1957 entra a far parte del gruppo "Espaces Imaginaires" fondato da Pierre Restany, influente storico e critico d'arte. Le sue opere vengono esposte in tutta Europa e negli Stati Uniti, a testimonianza del suo successo internazionale. Vicino al movimento del Nouveau Réalisme, Bertini innova utilizzando tecniche di trasferimento fotografico su tela emulsionata. Negli anni Sessanta realizza collage che combinano immagini di guerra e fotografie di pin-up, proponendo una critica acuta della società. Utilizza anche processi di riproduzione meccanica e nel 1965 realizza il primo manifesto della Mec'art, un movimento artistico che unisce i media elettronici all'arte. Gianni Bertini è morto a Caen nel 2010. (MLD)

Stima 1 500 - 2 500 EUR

Lotto 27 - Togroul Narimanbekov (1928-2013) (ТОГРУЛ НАРИМАНБЕКО) - Cattedrale di San Basilio (dittico) 1973 Olio su tela firmato e datato in alto a sinistra in cirillico, montato su tavola, controfirmato e titolato in cirillico sul retro 170 x 184 cm Provenienza: > Unione degli artisti dell'URSS, etichetta sul retro > Художественный салон по экспорту ХФ СССР (salone d'arte per l'esportazione della filosofia artistica dell'URSS) etichetta sul retro > Galerie de France, etichetta sul retro Condition report : Incorniciato Togrul Narimanbekov, pittore e cantante azero, è nato a Baku. È il primo artista del suo paese a essere incluso nell'enciclopedia francese dell'arte contemporanea. La sua carriera artistica è intrisa di un'eccezionale diversità culturale. Formatosi alla Scuola d'Arte Azimzade di Baku, Narimanbekov ha poi studiato belle arti all'Accademia delle Arti di Vilnius. Negli anni Sessanta ha introdotto in Azerbaigian forme artistiche innovative, rompendo i canoni delle belle arti imposti dall'ideologia sovietica. Il suo approccio e il suo stile, in totale rottura con i criteri estetici del realismo socialista, gettano le basi della scuola di pittura di Absheron. Insieme ad Ashraf Murad, Javad Mirjavadov, Tofig Javadov, Rasim Babayev, Kamal Akhmedov e Gennady Brijatyuk, contribuì alla nascita di una nuova arte che fiorì dopo la caduta dell'Unione Sovietica. L'opera di Togrul Narimanbekov è caratterizzata da una singolare fusione di tradizioni artistiche azere ed europee, che combina elementi astratti e figurativi. I motivi ornamentali tradizionali si fondono in composizioni vorticose e dai colori vivaci che evocano le tradizioni dell'arte azera. I suoi dipinti a impasto sono spesso impregnati di una dimensione surreale, oscillando tra emozioni gioiose e malinconiche, danze e canti. Narimanbekov è stato nominato Artista del Popolo dell'Azerbaigian nel 1967 e ha ricevuto il Premio di Stato dell'URSS nel 1980. Ha trascorso il resto della sua vita tra Parigi e Baku, morendo nella Città della Luce nel 2013. L'opera qui presentata raffigura la Cattedrale di San Basilio il Beato, un capolavoro del XVI secolo emblematico dell'architettura tradizionale russa. Situato sulla Piazza Rossa di Mosca, questo monumento è famoso per le sue curve colorate, la cui forma e tavolozza ricordano le composizioni vorticose e i colori vivaci di Togrul. (MLD)

Stima 3 000 - 5 000 EUR

Lotto 44 - Huguette Caland (1931-2019) - Composizione circa 2002-2003 Tecnica mista su tela ritagliata, firmata, titolata e annotata sul retro 11 x 17 cm Provenienza: > Dono dell'artista a Samy Kinge, Galerie Iolas Paris Condition report : Incorniciato Huguette Caland è una pittrice, scultrice e stilista libanese. Nel 1943, all'età di 12 anni, vide suo padre, Béchara el-Khoury, diventare presidente del Libano. Essendo figlia unica, era destinata a diventare una moglie devota secondo le tradizioni libanesi, ma sentiva un profondo desiderio di libertà. Sposò un francese, Paul Caland, nipote di uno dei rivali politici del padre, ed ebbe diverse altre relazioni amorose. All'età di 30 anni, Huguette Caland decise di studiare arte all'Università americana di Beirut. Stringe amicizia con Helen Khal, che fonda la galleria One a Beirut ed espone le opere della Caland e di altri protagonisti del modernismo libanese come Etel Adnan, Simone Fattal e Shafic Abboud. Nel 1970, di fronte alla mancanza di comprensione per i suoi dipinti in Libano, Huguette Caland lascia tutto e si trasferisce a Parigi. Qui inizia la sua famosa serie Bribes de corps e incontra importanti personalità artistiche come André Masson, Pierre Schaeffer e Adalberto Mecarelli. Nel 1979 collabora con il famoso couturier Pierre Cardin per creare caftani unici. Durante il suo soggiorno a Parigi, incontra lo scultore rumeno George Apostu, con il quale si sposa e collabora artisticamente. Alla morte dello scultore, Caland si trasferisce a Los Angeles, dove il suo studio a Venice diventa un luogo di incontro per artisti famosi come Billy Al Bengston, Ed Moses, Ken Price e Nancy Rubins. (MLD)

Stima 7 000 - 10 000 EUR

Lotto 69 - Oksana Mas (née en 1969) - D4 (progetto "Mars - Thousands Kisses Deep") 2020 Acrilico su tela firmato e datato in basso a destra, controfirmato e titolato sul retro 40 x 40 cm > Accompagnato da un certificato di autenticità dell'artista datato 1 luglio 2020 Condition report : Framed Oksana Mas è una rinomata artista ucraina, formatasi alla Scuola d'Arte di Ilyichevsk e alla Scuola d'Arte Grekov di Odessa. Il suo lavoro è caratterizzato da una diversità di mezzi, tra cui la pittura, le installazioni plastiche e la videoarte. Mas si inserisce nella tradizione pittorica ucraina anticonformista, pur sviluppando uno stile altamente personale. Il suo realismo distintivo si manifesta attraverso una tecnica individuale brevettata, che consiste nel sovrapporre e mescolare strati di pittura, matita, vernice e lacca sulla tela. Questo metodo conferisce alle sue opere toni onirici, quasi astratti. Con oltre 300 mostre all'attivo in tutto il mondo, Oksana Mas partecipa a prestigiosi eventi artistici come London Frieze, l'Armory Show di New York, la FIAC di Parigi, Art Basel di Miami, Arco Madrid, le aste di Sotheby's, ecc. Nel 2011, Oksana Mas è stata scelta per rappresentare l'Ucraina alla 54a Biennale di Venezia. Per questo evento ha creato un'installazione monumentale sotto forma di mosaico composto da oltre tre milioni di uova di legno. Nel 2012, l'eminente critico d'arte italiano Achille Bonito Oliva ha dedicato un libro al suo lavoro, intitolato Oksana Mas by Achille Bonito Oliva. (MLD)

Stima 1 500 - 2 500 EUR

Lotto 73 - Zemba Luzamba (né en 1973) - Dice pro Acrilico su tela firmato e datato in basso a destra, controfirmato, titolato e datato sul retro 60 x 49,5 cm "C'è un po' di politica nel mio lavoro, ma ci gioco, quindi non è troppo serio. Se guardate i miei dipinti, vedrete che ho giocato con l'eleganza e lo stile di vita, con alcuni riferimenti alla politica e al commento sociale. In Congo, alcuni uomini, noti come Sapeurs, tendono a fingere di essere più ricchi di quanto non siano, seguendo una cultura dell'eleganza nel modo di vestire. Si tratta di una gestione superficiale dell'immagine personale, ma anche di un'espressione di aspirazione. Nella società congolese ci sono cose di cui non si parla mai, grandi problemi nascosti sotto una facciata. Ho seguito questa tendenza e il senso di ciò che si vede solo in superficie ha influenzato alcuni dei miei lavori recenti. Le mie immagini includono anche eventi politici in Sudafrica. Non parlo a voce troppo alta, ma a modo mio, con dolcezza. Tuttavia, non tutti i miei lavori mirano a mostrare i movimenti politici; alcuni cercano semplicemente di mettere in evidenza la politica della vita in cui viviamo". Zemba Luzamba, pittore originario della Repubblica Democratica del Congo, vive e pratica la sua arte in Sudafrica. Il suo lavoro è profondamente segnato dalla sua esperienza di migrante africano. I suoi dipinti narrativi, in cui le persone raffigurate spesso non sono reali, sono intriganti per la mancanza di specificità conferita ai soggetti e per la scarsa profondità dello spazio pittorico. Le sue composizioni raccontano storie di vita ordinaria, con personaggi quasi sempre vestiti all'occidentale. (MLD)

Stima 1 500 - 2 500 EUR

Lotto 88 - JonOne (né en 1963) - Untitled (ephemeral hospital period) 1990 Acrilico su tela firmato e datato sul retro 80 x 80 cm Condition report: Framed John Perello ha iniziato a taggare le metropolitane della natia New York con il nome di Jon156. Ben presto si ribattezza JonOne. Con due amici graffitari, Rac7 e Kyle, fonda il collettivo 156 All Starz. Ora che vive a Parigi, con un forte attaccamento all'arte urbana, traspone la libertà, i colori, la vitalità e le tecniche dei graffiti sulla tela, esplorando le pratiche dell'action painting americana e dell'astrazione lirica europea. Questo quadro fa parte del progetto Hôpital éphémère, iniziato a Parigi nel 1990 sotto l'impulso di Caroline Andrieux e Christophe Pasquet. L'ospedale Bretonneau, allora abbandonato, nel 18° arrondissement, è stato trasformato in un centro artistico, con studi di artisti, sale espositive, laboratori, studi di registrazione, sale da concerto, sale da ballo, teatri e altro ancora. Il progetto è durato 7 anni e ha permesso a 200 artisti di esprimere e mostrare la propria arte. Tra questi c'era JonOne, che vi dipinse le sue prime tele. "Non ho avuto una formazione artistica. Quando taggavo i treni a New York, non potevo immaginare che un giorno mi sarei espresso su tela. Ciò che mi ha spinto a fare tagging è stato vedere altre persone che dipingevano graffiti in tutta la città. La scuola che ho frequentato era molto severa. E così noiosa! Ricordo che a quei tempi la gente di strada aveva molta libertà. Non volevo quello che mi offriva l'America: un lavoro, un bel vestito e una bella casa. Ho conosciuto A-One (Anthony Clark 1964-2001). Frequentava Jean-Michel Basquiat (Brooklyn, New York, 22 dicembre 1960 - 12 agosto 1988). A-One era il collegamento tra la strada e il mondo dell'arte. Viaggiava in Europa e tornava con un sacco di soldi, semplicemente grazie alla sua arte. Ascoltavo i suoi racconti di viaggio e mi brillavano gli occhi per l'invidia. A quel tempo, a New York, ero come molte persone di oggi: giravo fuori dal mio palazzo. A quei tempi, non lasciavo nemmeno il mio quartiere. Grazie ad A-One, ho iniziato a prendere sul serio il mio lavoro, a non vederlo come vandalismo ma semplicemente come arte".

Stima 8 000 - 12 000 EUR