DROUOT
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Lotto 107 - Claude Viseux (1927-2008) - Composizione astratta 1952 Olio e inchiostro su tela monogrammato e datato in basso a sinistra, controfirmato e datato anche sul retro 27,5 x 46 cm Rapporto di condizione: Inquadratura originale Claude Viseux è nato e cresciuto a Champagne-sur-Oise, vicino a Parigi. Nel 1946 studia architettura all'École des Beaux-Arts di Parigi. Incontra poi Jean Prouvé e Constantin Brancusi e decide infine di dedicarsi alla pittura. Il successo è quasi immediato: nel 1952 espone per la prima volta alla Galerie Vibaud, nel 1955 le sue opere vengono presentate da René Drouin, prima che Daniel Cordier lo scelga - per la sua prima mostra! - nel 1956. Nel 1957 viene premiato da Léo Castelli a New York! Le 4 opere che proponiamo in questa vendita testimoniano questi anni di prosperità. Nel 1959-1960 crea le sue prime sculture utilizzando oggetti trovati in mare, impronte di sassi e alghe fuse in bronzo, poi acciaio industriale tagliato, assemblato e saldato nello stile dei suoi amici surrealisti Max Ernst, Man Ray e Henri Michaux... Nel 1972 rappresenta il padiglione francese alla Biennale di Venezia insieme a Christian Boltanski, Jean le Gac e Gérard Titus-Carmel, dove presenta la famosa serie Instables. Nello stesso anno installa un'enorme scultura in acciaio inossidabile sospesa nella stazione RER di Auber a Parigi. Nel 1977, in occasione del suo 50° anniversario, il Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris organizza da giugno a settembre la mostra "Viseux". Negli anni '80 e '90 viaggia molto in India, i cui miti e tradizioni sono sottilmente riflessi nei suoi disegni e collage, e la loro influenza si riflette nelle sue sculture. Un anno prima della sua morte, mentre viveva ad Anglet - sempre vicino all'acqua - Claude Viseux ha continuato i suoi collage, mescolando il mondo del mare con forme industriali inquietanti, echi delle Expériences automatiques du crabe (Esperimenti automatici del granchio) degli anni '50, e le sculture che segnano la sua carriera. Per dirla con Geneviève Bonnefoi: "Attraverso una ricerca così diversificata, possiamo scoprire nell'opera di Viseux una continuità piuttosto sorprendente, segno indiscutibile della sua personalità e del suo temperamento: è uno di quegli artisti appassionati di tecnica e conoscenza che tendono a un'arte totale, l'unica in grado di esprimere le diverse aspirazioni dell'uomo moderno".

Stima 400 - 600 EUR

Lotto 108 - Claude Viseux (1927-2008) - Composizione astratta 1956 Pittura a smalto su carta firmata e datata sul retro, con annotazione galerie Drouin rue Visconti 65,5 x 100 cm Stato di conservazione: strappi Claude Viseux è nato e cresciuto a Champagne-sur-Oise, vicino a Parigi. Nel 1946 studia architettura all'École des Beaux-Arts di Parigi. Incontra poi Jean Prouvé e Constantin Brancusi e decide infine di dedicarsi alla pittura. Il successo è quasi immediato: nel 1952 espone per la prima volta alla Galerie Vibaud, nel 1955 le sue opere sono esposte da René Drouin, prima che Daniel Cordier lo scelga - per la sua prima mostra! - nel 1956. Nel 1957 viene premiato da Léo Castelli a New York! Le 4 opere che proponiamo in questa vendita testimoniano questi anni di prosperità. Nel 1959-1960 crea le sue prime sculture utilizzando oggetti trovati in mare, impronte di sassi e alghe fuse in bronzo, poi acciaio industriale tagliato, assemblato e saldato nello stile dei suoi amici surrealisti Max Ernst, Man Ray e Henri Michaux... Nel 1972 rappresenta il padiglione francese alla Biennale di Venezia insieme a Christian Boltanski, Jean le Gac e Gérard Titus-Carmel, dove presenta la famosa serie Instables. Nello stesso anno installa un'enorme scultura in acciaio inossidabile sospesa nella stazione RER di Auber a Parigi. Nel 1977, in occasione del suo 50° anniversario, il Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris organizza da giugno a settembre la mostra "Viseux". Negli anni '80 e '90 viaggia molto in India, i cui miti e tradizioni sono sottilmente riflessi nei suoi disegni e collage, e la loro influenza si riflette nelle sue sculture. Un anno prima della sua morte, mentre viveva ad Anglet - sempre vicino all'acqua - Claude Viseux ha continuato i suoi collage, mescolando il mondo del mare con forme industriali inquietanti, echi delle Expériences automatiques du crabe (Esperimenti automatici del granchio) degli anni '50, e le sculture che segnano la sua carriera. Per dirla con Geneviève Bonnefoi: "Attraverso una ricerca così diversificata, possiamo scoprire nell'opera di Viseux una continuità piuttosto sorprendente, segno indiscutibile della sua personalità e del suo temperamento: è uno di quegli artisti appassionati di tecnica e conoscenza che tendono a un'arte totale, l'unica in grado di esprimere le diverse aspirazioni dell'uomo moderno".

Stima 400 - 600 EUR

Lotto 109 - Claude Viseux (1927-2008) - Expérience automatique du crabe 1956 Inchiostro su carta, firmato, titolato, datato e situato a La Baule, in basso a destra 56 x 73 cm L'esperimento "stimolo-segno" consiste nel sostituire il pittore con un granchio che viene spalmato di inchiostro e poi lasciato vagare su un foglio bianco. Le tracce lasciate dai crostacei non vengono né manipolate né modificate, ma semplicemente datate e firmate. Attraverso questa serie, Viseux propone una "seduta di identificazione" tra l'artista e questo granchio, spaventato e stressato dal foglio bianco, in uno stato di intensa emotività. Un film intitolato Faciès fu realizzato nel 1960 da J. Veinat per documentare questa esperienza, ma fu vietato in Inghilterra dalla Lega per la protezione degli animali. Claude Viseux è nato e cresciuto a Champagne-sur-Oise, vicino a Parigi. Nel 1946 studia architettura all'École des Beaux-Arts di Parigi. Incontra poi Jean Prouvé e Constantin Brancusi e decide infine di dedicarsi alla pittura. Il successo è quasi immediato: nel 1952 espone per la prima volta alla Galerie Vibaud, nel 1955 le sue opere sono esposte da René Drouin, prima che Daniel Cordier lo scelga - per la sua prima mostra! - nel 1956. Nel 1957 viene premiato da Léo Castelli a New York! Le 4 opere che proponiamo in questa vendita testimoniano questi anni di prosperità. Nel 1959-1960 crea le sue prime sculture utilizzando oggetti trovati in mare, impronte di sassi e alghe fuse in bronzo, poi acciaio industriale tagliato, assemblato e saldato alla maniera dei suoi amici surrealisti Max Ernst, Man Ray e Henri Michaux... Nel 1972 rappresenta il padiglione francese alla Biennale di Venezia insieme a Christian Boltanski, Jean le Gac e Gérard Titus-Carmel, dove presenta la famosa serie Instables. Nello stesso anno installa un'enorme scultura in acciaio inossidabile sospesa nella stazione RER di Auber a Parigi. Nel 1977, in occasione del suo 50° anniversario, il Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris organizza da giugno a settembre la mostra "Viseux". Negli anni '80 e '90 viaggia molto in India, i cui miti e tradizioni sono sottilmente riflessi nei suoi disegni e collage, e la loro influenza si riflette nelle sue sculture. Un anno prima della sua morte, mentre viveva ad Anglet - sempre vicino all'acqua - Claude Viseux ha continuato i suoi collage, mescolando il mondo del mare con forme industriali inquietanti, echi delle Expériences automatiques du crabe (Esperimenti automatici del granchio) degli anni '50, e le sculture che segnano la sua carriera. Per dirla con Geneviève Bonnefoi: "Attraverso una ricerca così diversificata, possiamo scoprire nell'opera di Viseux una continuità piuttosto sorprendente, segno indiscutibile della sua personalità e del suo temperamento: è uno di quegli artisti appassionati di tecnica e conoscenza che tendono a un'arte totale, l'unica in grado di esprimere le diverse aspirazioni dell'uomo moderno".

Stima 300 - 500 EUR

Lotto 110 - Claude Viseux (1927-2008) - "Risposte automatiche" del granchio 1956 Inchiostro su carta, firmato, titolato, datato e situato a La Baule, in basso a destra 73 x 56 cm L'esperimento "stimolo-segno" consiste nel sostituire il pittore con un granchio che viene spalmato di inchiostro e poi fatto camminare su un foglio bianco. Le tracce lasciate dai crostacei non sono né manipolate né modificate, ma semplicemente datate e firmate. Attraverso questa serie, Viseux propone una "seduta di identificazione" tra l'artista e questo granchio, spaventato e stressato dal foglio bianco, in uno stato di intensa emotività. Un film intitolato Faciès fu realizzato nel 1960 da J. Veinat per documentare questa esperienza, ma fu vietato in Inghilterra dalla Lega per la protezione degli animali. Claude Viseux è nato e cresciuto a Champagne-sur-Oise, vicino a Parigi. Nel 1946 studia architettura all'École des Beaux-Arts di Parigi. Incontra poi Jean Prouvé e Constantin Brancusi e decide infine di dedicarsi alla pittura. Il successo è quasi immediato: nel 1952 espone per la prima volta alla Galerie Vibaud, nel 1955 le sue opere vengono presentate da René Drouin, prima che Daniel Cordier lo scelga - per la sua prima mostra! - nel 1956. Nel 1957 viene premiato da Léo Castelli a New York! Le 4 opere che proponiamo in questa vendita testimoniano questi anni di prosperità. Nel 1959-1960 crea le sue prime sculture utilizzando oggetti trovati in mare, impronte di sassi e alghe fuse in bronzo, poi acciaio industriale tagliato, assemblato e saldato alla maniera dei suoi amici surrealisti Max Ernst, Man Ray e Henri Michaux... Nel 1972 rappresenta il padiglione francese alla Biennale di Venezia insieme a Christian Boltanski, Jean le Gac e Gérard Titus-Carmel, dove presenta la famosa serie Instables. Nello stesso anno installa un'enorme scultura in acciaio inossidabile sospesa nella stazione RER di Auber a Parigi. Nel 1977, in occasione del suo 50° anniversario, il Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris organizza da giugno a settembre la mostra "Viseux". Negli anni '80 e '90 viaggia molto in India, i cui miti e tradizioni sono sottilmente riflessi nei suoi disegni e collage, e la loro influenza si riflette nelle sue sculture. Un anno prima della sua morte, mentre viveva ad Anglet - sempre vicino all'acqua - Claude Viseux ha continuato i suoi collage, mescolando il mondo del mare con forme industriali inquietanti, echi delle Expériences automatiques du crabe (Esperimenti automatici del granchio) degli anni '50, e le sculture che segnano la sua carriera. Per dirla con Geneviève Bonnefoi: "Attraverso una ricerca così diversificata, possiamo scoprire nell'opera di Viseux una continuità piuttosto sorprendente, segno indiscutibile della sua personalità e del suo temperamento: è uno di quegli artisti appassionati di tecnica e conoscenza che tendono a un'arte totale, l'unica in grado di esprimere le diverse aspirazioni dell'uomo moderno".

Stima 300 - 500 EUR

Lotto 114 - Jean Criton (1930-2022) - Composizione astratta in rosso e blu su nero 1958 Olio su carta firmato e datato in basso a destra 49,5 x 64 cm Condition report: Framed Jean Criton nasce a Parigi nel 1930. A soli 17 anni entra all'Accademia Charpentier, dove diventa amico di Bernard Réquichot. Nel 1950, i due si classificano al primo posto all'École des Beaux-Arts di Parigi. Inizialmente influenzato da Jacques Villon e Vieira da Silva, dal 1956 si dedica completamente all'astrazione lirica, con successo! In seguito acquista una casa nel Luberon con la moglie, anch'essa artista, Dominique d'Acher e l'amico Bernard Réquichot... ma il 1961 segna una svolta definitiva: Réquichot si suicida e Jean Criton scopre l'opera di Francis Bacon. Gradualmente incorpora la figurazione nel suo lavoro e non la abbandona più. Pierre Restany lo invita a partecipare alla Biennale di Parigi con Martial Raysse e le sue opere diventano sempre più colorate, con carne, occhi e corpi che fanno la loro comparsa. Negli anni '70 espone accanto ai grandi nomi della figurazione narrativa (Monory, Aillaud, Klasen, Rancillac, Stämpfli ecc.) e parti di corpi mutilati compaiono in contesti architettonici che presto lasciano il posto a una lunga serie di edifici e luoghi immaginari degni dei migliori scenari di fantascienza... ben presto non restano che le linee e il ritorno a una rigorosa astrazione alla fine degli anni Novanta. Ecco un olio del 1958, periodo della sua stretta amicizia con Réquichot, in cui l'artista esplora le potenzialità dell'astrazione: tra il nuagismo di René Laubiès e il nervosismo di Hans Hartung, trova la sua strada...

Stima 500 - 800 EUR

Lotto 124 - Francine Holley (1919-2020) - Composition abstraite [à rapprocher de la série Totem trois clefs] circa 1969 Gouache su carta firmata in basso a destra 28 x 12,5 cm Bibliografia: PERSIN (Patrick-Gilles) & SFINTESCO (Alice). Francine Holley Trasenster, du figuratif à l'abstrait, catalogo delle opere dal 1936 al 2002. Parigi, Art inprogress, 2007. Riprodotto a pagina 232. Francine Holley, pittrice francese, inizia la sua carriera artistica nel 1937 quando entra a far parte dello studio di Mathilde Monceau. Prosegue la sua formazione all'Académie des Beaux-Arts di Liegi, sotto la guida di Robert Crommelynck, durante la quale sviluppa un forte interesse per le opere di pittori come Manessier, Bazaine, Tal Coat e Marchand. Trasferitasi a Parigi, Francine Holley entra nello studio di André Lhote, dove lavora a fianco di importanti figure del mondo dell'arte come Fernand Léger, Jean Deswane e Edgar Pillet. L'influenza di Léger sul suo lavoro si rivela fondamentale: la sua pittura, rimasta figurativa, si evolve gradualmente verso una geometria assertiva e colori vibranti. A partire dal 1950, Francine Holley inizia una svolta significativa verso l'astrazione. Le sue composizioni sono caratterizzate dall'uso di forme geometriche piatte, con linee pulite e colori accostati senza gradazioni. Intorno al 1955, il suo lavoro assume una nuova dimensione con un disegno che diventa più complesso. Le linee si fanno più marcate, le forme più spesse e lei diversifica i materiali utilizzati, sperimentando gouache, collage, pastelli e inchiostri su carta bagnata. Negli anni '60 Francine Holley mostra un crescente interesse per la scultura, creando una serie di disegni e modelli che chiama "Totem". Negli anni '70 Francine Holley adotta un approccio pittorico alla musica. Le sue linee e i suoi disegni divennero più astratti, i colori più calmi e sfumati, rivelando una riflessione interiore più profonda attraverso la sua arte. (MLD)

Stima 1 000 - 1 500 EUR

Lotto 127 - Jean Criton (1930-2022) - La Nuit gonflable 1971 Olio su tela firmato e datato in basso a destra, titolato sul retro 130 x 97 cm Jean Criton nasce a Parigi nel 1930. A soli 17 anni entra all'Accademia Charpentier, dove diventa amico di Bernard Réquichot. Nel 1950, i due si classificano al primo posto all'École des Beaux-Arts di Parigi. Inizialmente influenzato da Jacques Villon e Vieira da Silva, dal 1956 si dedica completamente all'astrazione lirica, con successo! In seguito acquista una casa nel Luberon con la moglie, anch'essa artista, Dominique d'Acher e l'amico Bernard Réquichot... ma il 1961 segna una svolta definitiva: Réquichot si suicida e Jean Criton scopre l'opera di Francis Bacon. Gradualmente incorpora la figurazione nel suo lavoro e non la abbandona più. Pierre Restany lo invita a partecipare alla Biennale di Parigi con Martial Raysse e le sue opere diventano sempre più colorate, con carne, occhi e corpi che fanno la loro comparsa. Negli anni '70 espone accanto ai grandi nomi della figurazione narrativa (Monory, Aillaud, Klasen, Rancillac, Stämpfli ecc.) e parti di corpi mutilati compaiono in contesti architettonici che ben presto lasciano il posto a una lunga serie di edifici e luoghi immaginari degni dei migliori scenari fantascientifici... ben presto non restano che le linee e il ritorno a una rigorosa astrazione alla fine degli anni Novanta. Questo è un dipinto del 1971, parte di una serie di opere iniziate nel 1961, periodo del suo ritorno alla figurazione. In esso, Jean Criton esplora il corpo e i suoi organi in cornici strette dove le cinghie li costringono e le recinzioni li racchiudono. È un mondo distopico, mai visto prima e appartenente solo all'artista, in cui possiamo ammirare la precisione del disegno: le prospettive, i rilievi che evocano rigonfiamenti, le ombre, tutto dà vita a esseri che tuttavia sono inesistenti. Infine, l'uso del colore: verdi quasi fluorescenti, rosa acuti, blu elettrici e viola... Criton osa e prevede, come uno scrittore di fantascienza i cui scritti si avverano, che le sue tele potrebbero essere dipinte oggi e sedere con orgoglio sulle pareti bianche delle gallerie d'arte contemporanea accanto ai giovani artisti più promettenti!

Stima 1 500 - 2 000 EUR

Lotto 128 - Jacques Joos (1945-2021) - Natura morta 1976 Olio su tela firmato e datato in basso a destra, controfirmato e situato a Montmartre sul retro 54 x 73 cm Condition report: Framed Jacques Joos è un pittore francese le cui opere hanno lasciato un segno nel paesaggio contemporaneo grazie alla loro profondità ed espressività. Ha realizzato i suoi primi ritratti nel 1965, facendo emergere l'interiorità e l'intimità di ogni soggetto immortalato. Il suo lavoro rivela la sua profonda comprensione dell'animo umano. Nel 1976, Joos inizia a interessarsi maggiormente al drappeggio. Il velo, inizialmente abbozzato in un angolo delle sue nature morte, diventa gradualmente il fulcro delle sue composizioni. Spesso appoggiato con noncuranza su una struttura, il drappo inizia a occupare la maggior parte dello spazio nelle sue tele. L'artista padroneggia l'arte di dare volume alle superfici piatte giocando con le pieghe, gli effetti di luce e ombra e la trasparenza. All'inizio degli anni Ottanta, appena tornato nella natia Tolosa, contribuisce alla creazione di un laboratorio di restauro di affreschi che diventerà il più grande del sud della Francia: la cattedrale di Cahors, la cappella dell'imperatrice Eugenia a Biarritz, la chiesa di Saint-Pierre a Moissac, ecc. Negli anni '80 e '90 si dedica completamente a questo studio, ma continua ad alimentare la sua creatività attraverso gli affreschi: come Fabio Rieti, dipinge muri di città (Tolosa, Parigi) con trompe-l'œil che fanno rivivere la vita quotidiana dei passanti. A partire dal 2004, Joos ha introdotto nel suo lavoro la tecnica "coulée", esplorando i temi della luce e dello spazio. Le sue ultime creazioni, raggruppate sotto il tema "Nuits tentaculaires" ed esposte nel 2011 alla Galerie Art Sud, mostrano un approccio più espressionista e introspettivo. Questi dipinti più cupi e interiori, spesso ispirati a capolavori della storia dell'arte, ritraggono le profondità della condizione umana. (MLD)

Stima 400 - 600 EUR

Lotto 129 - Jacques Joos (1945-2021) - Francia Arnaud 1976/77 Olio su tela firmato e datato in basso a destra, controfirmato, titolato e datato sul retro 100 x 65 cm Jacques Joos è un pittore francese le cui opere hanno lasciato un segno nel paesaggio contemporaneo grazie alla loro profondità ed espressività. Ha dipinto i suoi primi ritratti nel 1965, mettendo in evidenza l'interiorità e l'intimità di ogni soggetto immortalato. Il suo lavoro rivela la sua profonda comprensione dell'animo umano. Nel 1976, Joos inizia a interessarsi maggiormente al drappeggio. Il velo, inizialmente abbozzato in un angolo delle sue nature morte, diventa gradualmente il fulcro delle sue composizioni. Spesso appoggiato con noncuranza su una struttura, il drappo inizia a occupare la maggior parte dello spazio nelle sue tele. L'artista padroneggia l'arte di dare volume alle superfici piatte giocando con le pieghe, gli effetti di luce e ombra e la trasparenza. All'inizio degli anni Ottanta, appena tornato nella natia Tolosa, contribuisce alla creazione di un laboratorio di restauro di affreschi che diventerà il più grande del sud della Francia: la cattedrale di Cahors, la cappella dell'imperatrice Eugenia a Biarritz, la chiesa di Saint-Pierre a Moissac, ecc. Negli anni '80 e '90 si dedica completamente a questo studio, ma continua ad alimentare la sua creatività attraverso gli affreschi: come Fabio Rieti, dipinge muri di città (Tolosa, Parigi) con trompe-l'œil che fanno rivivere la vita quotidiana dei passanti. A partire dal 2004, Joos ha introdotto nel suo lavoro la tecnica "coulée", esplorando i temi della luce e dello spazio. Le sue ultime creazioni, raggruppate sotto il tema "Nuits tentaculaires" ed esposte nel 2011 alla Galerie Art Sud, mostrano un approccio più espressionista e introspettivo. Questi dipinti più cupi e interiori, spesso ispirati a capolavori della storia dell'arte, ritraggono le profondità della condizione umana. (MLD)

Stima 500 - 800 EUR

Lotto 130 - Jacques Joos (1945-2021) - La Nuit 1977 Olio su tela firmato in basso a destra, controfirmato, disegnato, datato e situato a Montmartre sul retro 81 x 100 cm Condition report: Framed Jacques Joos è un pittore francese le cui opere hanno lasciato un segno nel paesaggio contemporaneo grazie alla loro profondità ed espressività. Ha dipinto i suoi primi ritratti nel 1965, mettendo in evidenza l'interiorità e l'intimità di ogni soggetto immortalato. Il suo lavoro rivela la sua profonda comprensione dell'animo umano. Nel 1976, Joos inizia a interessarsi maggiormente al drappeggio. Il velo, inizialmente abbozzato in un angolo delle sue nature morte, diventa gradualmente il fulcro delle sue composizioni. Spesso appoggiato con noncuranza su una struttura, il drappo inizia a occupare la maggior parte dello spazio nelle sue tele. L'artista padroneggia l'arte di dare volume alle superfici piatte giocando con le pieghe, gli effetti di luce e ombra e la trasparenza. All'inizio degli anni Ottanta, appena tornato nella natia Tolosa, contribuisce alla creazione di un laboratorio di restauro di affreschi che diventerà il più grande del sud della Francia: la cattedrale di Cahors, la cappella dell'imperatrice Eugenia a Biarritz, la chiesa di Saint-Pierre a Moissac, ecc. Negli anni '80 e '90 si dedica completamente a questo studio, ma continua ad alimentare la sua creatività attraverso gli affreschi: come Fabio Rieti, dipinge muri di città (Tolosa, Parigi) con trompe-l'œil che fanno rivivere la vita quotidiana dei passanti. A partire dal 2004, Joos ha introdotto nel suo lavoro la tecnica "coulée", esplorando i temi della luce e dello spazio. Le sue ultime creazioni, raggruppate sotto il tema "Nuits tentaculaires" ed esposte nel 2011 alla Galerie Art Sud, mostrano un approccio più espressionista e introspettivo. Questi dipinti più cupi e interiori, spesso ispirati a capolavori della storia dell'arte, ritraggono le profondità della condizione umana. (MLD)

Stima 500 - 800 EUR

Lotto 132 - Jacques Brissot (1929-2020) - Descente de croisement, dopo Petrus Christus 1976 Tecnica mista (strati successivi di collage, lumeggiature, verniciatura, carteggiatura) su tavola in una cornice dipinta firmata sul retro, con titolo in basso al centro su un'etichetta Dopo Petrus Christus, Lamentation ou Pietà, 1455-1460 circa, nel Musée Royal des Beaux-Arts, Bruxelles 54 x 85 cm Jacques Brissot è nato a Parigi nel 1929. Grande ammiratore dei primitivi fiamminghi (Dierick Bouts, Petrus Christus, Hieronymus Bosch, Bruegel il Vecchio, ecc.), coltiva il sogno di diventare un artista, pur ammettendo di "non saper dipingere". La sua prima carriera è stata quella di cineasta e regista. Negli anni Sessanta realizza film sperimentali, collabora con Pierre Schaeffer, il pioniere francese della musique concrète, nell'innovativo dipartimento di ricerca della RTF (Radiotelevisione Francese), monta e dirige film per la televisione, forgiando così una solida cultura mediatica in un momento di forte espansione del settore dei media. Il fermento della fine degli anni '60 risveglia i suoi desideri pittorici. All'inizio degli anni '70, all'età di 40 anni, ha posato la macchina fotografica, ma non ha abbandonato i media e le sue capacità. Da quel momento in poi, si esprime attraverso immagini fisse, accuratamente ritagliate e assemblate da innumerevoli riviste; sceglie la tecnica che utilizzerà per il resto della sua vita: il collage. Con umorismo e acerbità, reinterpreta i capolavori della pittura fiamminga, prendendone in prestito il realismo e l'abbondanza, e ritrae la società che aveva precedentemente osservato attraverso una lente. La sua "Descente de croisement" (lotto n. 32), eseguita nel 1976, lo avvicina alla figurazione narrativa e ricorda l'estetica di Alain Jacquet e il "métier" di Guðmundur Guðmundsson, detto Erró, unito alla malizia di Gérard Schlosser... Lungi dall'accontentarsi di associare pezzi di riviste, Jacques Brissot è un maestro nell'arte del collage. La sua attenzione ai dettagli, gli innumerevoli e precisi ritagli e i molteplici strati che compongono le sue opere confondono l'occhio: si potrebbe pensare di trovarsi di fronte a una pittura! E gli strati si accumulano anche quando si tratta di interpretare i suoi soggetti: il suo Saint-Jean dans le désert (lotto n. 37) sembra un'icona futuristica superata dalla tecnologia, un Sébastien Tellier in tacchi alti in cerca di ispirazione. Accecato dagli occhiali per la realtà virtuale, assordato dal rumore delle auto e degli aerei, con l'agnello mistico sostituito da una valigia, il viaggiatore si perde nel deserto del consumo di massa. Lo stesso vale per il suo impressionante trittico (lotto n. 36), in cui il viaggiatore, macchina fotografica in spalla (forse il giovane Brissot?), si perde in sentieri inondati di cavi... quando i pannelli si aprono, il carro di fieno di Bosch è sostituito da un'immensa televisione in cui si affollano cittadini e giornalisti. Le figure umane di Adamo ed Eva, cacciati dal paradiso tecnologico - il pannello di sinistra - sono sostituite da esseri chimerici, robot della cultura popolare (Star Wars, Spyro the Dragon, Kermit...) e un uomo che sembra collegato ai cavi nel pannello di destra... una distopia che riecheggia le domande che la società di oggi si pone sui social network, sull'essere umano e sull'intelligenza artificiale. Come potete vedere, queste opere saranno oggetto di infinite discussioni una volta tornati a casa.

Stima 1 000 - 1 500 EUR

Lotto 136 - Jacques Brissot (1929-2020) - Le Chariot de fioul, dopo Jérôme Bosch Tecnica mista (strati successivi di collage, lumeggiature, verniciatura, carteggiatura) su un assemblaggio di 3 pannelli incernierati, i pannelli laterali illustrati su ogni lato Dimensioni chiuso 86 x 66,5 Dimensioni aperto 86 x 134 cm Dopo Jérôme Bosch, Il carro di fieno, 1501-1502 circa, conservato al Museo del Prado di Madrid Jacques Brissot è nato a Parigi nel 1929. Grande ammiratore dei primitivi fiamminghi (Dierick Bouts, Petrus Christus, Hieronymus Bosch, Bruegel il Vecchio, ecc.), coltiva il sogno di diventare un artista, pur ammettendo di "non saper dipingere". La sua prima carriera è stata quella di cineasta e regista. Negli anni Sessanta realizza film sperimentali, collabora con Pierre Schaeffer, il pioniere francese della musique concrète, nell'innovativo dipartimento di ricerca della RTF (Radiotelevisione Francese), monta e dirige film per la televisione, forgiando così una solida cultura mediatica in un momento di forte espansione del settore dei media. Il fermento della fine degli anni '60 risveglia i suoi desideri pittorici. All'inizio degli anni '70, all'età di 40 anni, ha posato la macchina fotografica, ma non ha abbandonato i media e le sue capacità. Da quel momento in poi, si esprime attraverso immagini fisse, accuratamente ritagliate e assemblate da innumerevoli riviste; sceglie la tecnica che utilizzerà per il resto della sua vita: il collage. Con umorismo e acerbità, reinterpreta i capolavori della pittura fiamminga, prendendone in prestito il realismo e l'abbondanza, e ritrae la società che aveva precedentemente osservato attraverso una lente. La sua "Descente de croisement" (lotto n. 32), eseguita nel 1976, lo avvicina alla figurazione narrativa e ricorda l'estetica di Alain Jacquet e il "métier" di Guðmundur Guðmundsson, detto Erró, unito alla malizia di Gérard Schlosser... Lungi dall'accontentarsi di associare pezzi di riviste, Jacques Brissot è un maestro nell'arte del collage. La sua attenzione ai dettagli, gli innumerevoli e precisi ritagli e i molteplici strati che compongono le sue opere confondono l'occhio: si potrebbe pensare di trovarsi di fronte a una pittura! E gli strati si accumulano anche quando si tratta di interpretare i suoi soggetti: il suo Saint-Jean dans le désert (lotto n. 37) sembra un'icona futuristica superata dalla tecnologia, un Sébastien Tellier in tacchi alti in cerca di ispirazione. Accecato dagli occhiali per la realtà virtuale, assordato dal rumore delle auto e degli aerei, con l'agnello mistico sostituito da una valigia, il viaggiatore si perde nel deserto del consumo di massa. Lo stesso vale per il suo impressionante trittico (lotto n. 36), in cui il viaggiatore, macchina fotografica in spalla (forse il giovane Brissot?), si perde in sentieri inondati di cavi... quando i pannelli si aprono, il carro di fieno di Bosch è sostituito da un'immensa televisione in cui si affollano cittadini e giornalisti. Le figure umane di Adamo ed Eva, cacciati dal paradiso tecnologico - il pannello di sinistra - sono sostituite da esseri chimerici, robot della cultura popolare (Star Wars, Spyro the Dragon, Kermit...) e un uomo che sembra collegato ai cavi nel pannello di destra... una distopia che riecheggia le domande che la società di oggi si pone sui social network, sull'essere umano e sull'intelligenza artificiale. Come potete vedere, queste opere saranno oggetto di infinite discussioni una volta tornati a casa.

Stima 3 000 - 5 000 EUR

Lotto 137 - Jacques Brissot (1929-2020) - San Giovanni nel deserto, dopo Jérôme Bosch Tecnica mista (strati successivi di collage, lumeggiature, verniciatura, carteggiatura) su tavola in una cornice dipinta con titolo in basso al centro su cartello 84 x 66 cm Jacques Brissot è nato a Parigi nel 1929. Grande ammiratore dei primitivi fiamminghi (Dierick Bouts, Petrus Christus, Hieronymus Bosch, Bruegel il Vecchio, ecc.), coltiva il sogno di diventare un artista, pur ammettendo di "non saper dipingere". La sua prima carriera è stata quella di cineasta e regista. Negli anni Sessanta realizza film sperimentali, collabora con Pierre Schaeffer, il pioniere francese della musique concrète, nell'innovativo dipartimento di ricerca della RTF (Radiotelevisione Francese), monta e dirige film per la televisione, forgiando così una solida cultura mediatica in un momento di forte espansione del settore dei media. Il fermento della fine degli anni '60 risveglia i suoi desideri pittorici. All'inizio degli anni '70, all'età di 40 anni, ha posato la macchina fotografica, ma non ha abbandonato i media e le sue capacità. Da quel momento in poi, si esprime attraverso immagini fisse, accuratamente ritagliate e assemblate da innumerevoli riviste; sceglie la tecnica che utilizzerà per il resto della sua vita: il collage. Con umorismo e acerbità, reinterpreta i capolavori della pittura fiamminga, prendendone in prestito il realismo e l'abbondanza, e ritrae la società che aveva precedentemente osservato attraverso una lente. La sua "Descente de croisement" (lotto n. 32), eseguita nel 1976, lo avvicina alla figurazione narrativa e ricorda l'estetica di Alain Jacquet e il "métier" di Guðmundur Guðmundsson, detto Erró, unito alla malizia di Gérard Schlosser... Lungi dall'accontentarsi di associare pezzi di riviste, Jacques Brissot è un maestro nell'arte del collage. La sua attenzione ai dettagli, gli innumerevoli e precisi ritagli e i molteplici strati che compongono le sue opere confondono l'occhio: si potrebbe pensare di trovarsi di fronte a una pittura! E gli strati si accumulano anche quando si tratta di interpretare i suoi soggetti: il suo Saint-Jean dans le désert (lotto n. 37) sembra un'icona futuristica superata dalla tecnologia, un Sébastien Tellier in tacchi alti in cerca di ispirazione. Accecato dagli occhiali per la realtà virtuale, assordato dal rumore delle auto e degli aerei, con l'agnello mistico sostituito da una valigia, il viaggiatore si perde nel deserto del consumo di massa. Lo stesso vale per il suo impressionante trittico (lotto n. 36), in cui il viaggiatore, macchina fotografica in spalla (forse il giovane Brissot?), si perde in sentieri inondati di cavi... quando i pannelli si aprono, il carro di fieno di Bosch è sostituito da un'immensa televisione in cui si affollano cittadini e giornalisti. Le figure umane di Adamo ed Eva, cacciati dal paradiso tecnologico - il pannello di sinistra - sono sostituite da esseri chimerici, robot della cultura popolare (Star Wars, Spyro the Dragon, Kermit...) e un uomo che sembra collegato ai cavi nel pannello di destra... una distopia che riecheggia le domande che la società di oggi si pone sui social network, sull'essere umano e sull'intelligenza artificiale. Come potete vedere, queste opere saranno oggetto di infinite discussioni una volta tornati a casa.

Stima 1 000 - 1 500 EUR

Lotto 151 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Ciondolo Labirinto In bronzo lucido, monogrammato H. 11,8 cm L. 5 cm Parte delle "città nuove" (la Papasquare di Évry), della politica dell'"1% artistico" (molte strutture pubbliche presentano i suoi affreschi, arazzi, ecc.), spesso monumentale ma senza pretese se non quella di rendere accessibile l'arte a tutti, l'opera di Yvette Vincent-Alleaume ha tutte le carte in regola per essere evitata dal mercato dell'arte.Eppure, a pensarci bene, non è forse il frutto di una riflessione che ossessiona gli artisti dalla fine del XIX secolo? Arte in tutto, Arte per tutti. L'arte di Yvette Vincent-Alleaume è visibile nelle strade, accessibile a tutti: nel quartiere degli Amandiers di Parigi, nelle Julliotes di Maison-Alfort, nel foro scolpito di Orléans... L'artista utilizza i materiali del suo tempo: Mattoni, mosaici, ceramiche e ardesia sono utilizzati per dare un tocco di fantasia e di colore alla donna che si guarda intorno durante la pausa panino nel patio dell'Università di Pau, o all'uomo che alza lo sguardo e sorride attraversando Place de la Mandallaz ad Annecy... E quest'arte, con cui molti sono in disaccordo, riflette un'intera epoca in cui la "convivenza" non aveva le connotazioni ingenue che le attribuiamo oggi, in cui l'utopia era permessa. Questa utopia è accessibile a voi, perché Yvette Vincent-Alleaume è anche una scultrice (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) e una brillante cartonaia: dapprima nella tradizione di Lurçat e Picart le Doux, poi innovando a immagine di una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con arazzi in altorilievo dai colori vivaci, tessuti nei laboratori di Angers e ribattezzati "arazzi scolpiti"; e persino designer di gioielli, riprendendo i motivi utilizzati per le sue architetture (Main, Labyrinthe pendant...). Con le sue installazioni pubbliche spesso trascurate, la sfida è quella di preservare l'opera di un'artista fondamentale.

Stima 500 - 700 EUR

Lotto 152 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Ciondolo a forma di balena In bronzo lucido, con monogramma Questo ciondolo riprende la "sol-baleine" creata per la città di Le Havre. H. 5,5 cm L. 3,1 cm P. 1,8 cm Parte integrante delle "città nuove" (la Papasquare di Évry), la politica dell'"1% artistico" (molte strutture pubbliche sono ricoperte di affreschi, arazzi, ecc.), spesso monumentale ma senza alcuna pretesa se non quella di dare accesso all'arte a tutti.Eppure, a pensarci bene, non è forse il frutto di una riflessione che ossessiona gli artisti dalla fine del XIX secolo? L'arte in tutto, l'arte per tutti. L'arte di Yvette Vincent-Alleaume è visibile nelle strade, accessibile a tutti: nel quartiere degli Amandiers di Parigi, nelle Julliotes di Maison-Alfort, nel foro scolpito di Orléans... L'artista utilizza i materiali del suo tempo: Mattoni, mosaici, ceramiche e ardesia sono utilizzati per dare un tocco di fantasia e di colore alla donna che si guarda intorno durante la pausa panino nel patio dell'Università di Pau, o all'uomo che alza lo sguardo e sorride attraversando Place de la Mandallaz ad Annecy... E quest'arte, con cui molti sono in disaccordo, riflette un'intera epoca in cui la "convivenza" non aveva le connotazioni ingenue che le attribuiamo oggi, in cui l'utopia era permessa. Questa utopia è accessibile a voi, perché Yvette Vincent-Alleaume è anche una scultrice (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) e una brillante cartonaia: dapprima nella tradizione di Lurçat e Picart le Doux, poi innovando a immagine di una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con arazzi in altorilievo dai colori vivaci, tessuti nei laboratori di Angers e ribattezzati "arazzi scolpiti"; e persino designer di gioielli, riprendendo i motivi utilizzati per le sue architetture (Main, Labyrinthe pendant...). Con le sue installazioni pubbliche spesso trascurate, la sfida è quella di preservare l'opera di un'artista fondamentale.

Stima 300 - 500 EUR

Lotto 153 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Sphère ouverte 1997 In bronzo lucidato, composto da 2 pezzi, uno monogrammato, datato, numerato 4/8 e recante il timbro della fonderia Landowski H. 6 cm L. 7,5 cm P. 6 cm Parte delle "città nuove" (la Papasquare di Évry), della politica dell'"1% artistico" (molte strutture pubbliche sono ricoperte dai suoi affreschi, arazzi, ecc.), spesso monumentale ma senza alcuna pretesa se non quella di garantire a tutti l'accesso all'arte, l'opera di Yvette Vincent-Alleaume ha tutte le carte in regola per essere evitata dagli attori del mercato dell'arte.Eppure, a pensarci bene, non è forse il frutto di una riflessione che ossessiona gli artisti dalla fine del XIX secolo? L'arte in tutto, l'arte per tutti. L'arte di Yvette Vincent-Alleaume è visibile nelle strade, accessibile a tutti: nel quartiere degli Amandiers di Parigi, nelle Julliotes di Maison-Alfort, nel foro scolpito di Orléans... L'artista utilizza i materiali del suo tempo: Mattoni, mosaici, ceramiche e ardesia sono utilizzati per dare un tocco di fantasia e di colore alla donna che si guarda intorno durante la pausa panino nel patio dell'Università di Pau, o all'uomo che alza lo sguardo e sorride attraversando Place de la Mandallaz ad Annecy... E quest'arte, con cui molti sono in disaccordo, riflette un'intera epoca in cui la "convivenza" non aveva le connotazioni ingenue che le attribuiamo oggi, in cui l'utopia era permessa. Questa utopia è accessibile a voi, perché Yvette Vincent-Alleaume è anche una scultrice (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) e una brillante fumettista: dapprima nella tradizione di Lurçat e Picart le Doux, poi innovando a immagine di una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con arazzi in altorilievo dai colori vivaci, tessuti nei laboratori di Angers e ribattezzati "arazzi scolpiti"; e ancora designer di gioielli, riprendendo i motivi utilizzati per le sue architetture (Main, Labyrinthe pendant...). Con le sue installazioni pubbliche spesso trascurate, la sfida è quella di preservare l'opera di un'artista fondamentale.

Stima 400 - 600 EUR

Lotto 154 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - L'Homme au ballon 1997 In bronzo monogrammato, datato, numerato 3/8 e recante il timbro della fonderia Landowski Base in plexiglas H. 13 cm L. 11,5 cm P. 8 cm Condition report: Dimensions with base Una caratteristica delle "città nuove" (la Papasquare di Évry), la politica dell'"1% artistico" (molte strutture pubbliche sono ricoperte di affreschi, arazzi, ecc.), spesso monumentale ma senza alcuna pretesa se non quella di garantire a tutti l'accesso all'arte.Eppure, a pensarci bene, non è forse il frutto di una riflessione che ossessiona gli artisti dalla fine del XIX secolo? L'arte in tutto, l'arte per tutti. L'arte di Yvette Vincent-Alleaume è visibile nelle strade, accessibile a tutti: nel quartiere degli Amandiers di Parigi, nelle Julliotes di Maison-Alfort, nel foro scolpito di Orléans... L'artista utilizza i materiali del suo tempo: Mattoni, mosaici, ceramiche e ardesia sono utilizzati per dare un tocco di fantasia e di colore alla donna che si guarda intorno durante la pausa panino nel patio dell'Università di Pau, o all'uomo che alza lo sguardo e sorride attraversando Place de la Mandallaz ad Annecy... E quest'arte, con cui molti sono in disaccordo, riflette un'intera epoca in cui la "convivenza" non aveva le connotazioni ingenue che le attribuiamo oggi, in cui l'utopia era permessa. Questa utopia è accessibile a voi, perché Yvette Vincent-Alleaume è anche una scultrice (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) e una brillante fumettista: dapprima nella tradizione di Lurçat e Picart le Doux, poi innovando a immagine di una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con arazzi in altorilievo dai colori vivaci, tessuti nei laboratori di Angers e ribattezzati "arazzi scolpiti"; e ancora designer di gioielli, riprendendo i motivi utilizzati per le sue architetture (Main, Labyrinthe pendant...). Con le sue installazioni pubbliche spesso trascurate, la sfida è quella di preservare l'opera di un'artista fondamentale.

Stima 600 - 800 EUR

Lotto 155 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Ciondolo a mano In bronzo lucidato, leggermente traforato, con monogramma H. 4,5 cm L. 3,5 cm Parte delle "città nuove" (la Papasquare di Évry), della politica dell'"1% artistico" (molte strutture pubbliche presentano i suoi affreschi, arazzi...), spesso monumentale ma senza pretese se non quella di accedere all'arte per tutti, l'opera di Yvette Vincent-Alleaume ha tutto per essere evitata dal mercato dell'arte.Eppure, a pensarci bene, non è forse il frutto di una riflessione che ossessiona gli artisti dalla fine del XIX secolo? L'arte in tutto, l'arte per tutti. L'arte di Yvette Vincent-Alleaume è visibile nelle strade, accessibile a tutti: nel quartiere degli Amandiers di Parigi, nelle Julliotes di Maison-Alfort, nel foro scolpito di Orléans... L'artista utilizza i materiali del suo tempo: Mattoni, mosaici, ceramiche e ardesia sono utilizzati per dare un tocco di fantasia e di colore alla donna che si guarda intorno durante la pausa panino nel patio dell'Università di Pau, o all'uomo che alza lo sguardo e sorride attraversando Place de la Mandallaz ad Annecy... E quest'arte, con cui molti sono in disaccordo, riflette un'intera epoca in cui la "convivenza" non aveva le connotazioni ingenue che le attribuiamo oggi, in cui l'utopia era permessa. Questa utopia è accessibile a voi, perché Yvette Vincent-Alleaume è anche una scultrice (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) e una brillante fumettista: dapprima nella tradizione di Lurçat e Picart le Doux, poi innovando a immagine di una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con arazzi in altorilievo dai colori vivaci, tessuti nei laboratori di Angers e ribattezzati "arazzi scolpiti"; e ancora designer di gioielli, riprendendo i motivi utilizzati per le sue architetture (Main, Labyrinthe pendant...). Con le sue installazioni pubbliche spesso trascurate, la sfida è quella di preservare l'opera di un'artista fondamentale.

Stima 250 - 400 EUR

Lotto 156 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Cubo giocoso Composto da 3 pezzi in bronzo, uno monogrammato, numerato E.A. II/IV Questa scultura si ispira alla fontana di Place de la Mandallaz, creata per la città di Annecy nel 1991. H. 4 cm L. 4 cm P. 4 cm Parte integrante delle "città nuove" (la Papasquare di Évry), della politica dell'"1% artistico" (molte strutture pubbliche sono ricoperte di affreschi, arazzi, ecc.), spesso monumentali ma senza alcun altro scopo.Eppure, a pensarci bene, non è forse il frutto di una riflessione che ossessiona gli artisti dalla fine del XIX secolo? Arte in tutto, Arte per tutti. L'arte di Yvette Vincent-Alleaume è visibile nelle strade, accessibile a tutti: nel quartiere degli Amandiers di Parigi, nelle Julliotes di Maison-Alfort, nel foro scolpito di Orléans... L'artista utilizza i materiali del suo tempo: Mattoni, mosaici, ceramiche e ardesia sono utilizzati per dare un tocco di fantasia e di colore alla donna che si guarda intorno durante la pausa panino nel patio dell'Università di Pau, o all'uomo che alza lo sguardo e sorride attraversando Place de la Mandallaz ad Annecy... E quest'arte, con cui molti sono in disaccordo, riflette un'intera epoca in cui la "convivenza" non aveva le connotazioni ingenue che le attribuiamo oggi, in cui l'utopia era permessa. Questa utopia è accessibile a voi, perché Yvette Vincent-Alleaume è anche una scultrice (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) e una brillante cartonaia: dapprima nella tradizione di Lurçat e Picart le Doux, poi innovando a immagine di una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con arazzi in altorilievo dai colori vivaci, tessuti nei laboratori di Angers e ribattezzati "arazzi scolpiti"; e persino designer di gioielli, riprendendo i motivi utilizzati per le sue architetture (Main, Labyrinthe pendant...). Con le sue installazioni pubbliche spesso trascurate, la sfida è quella di preservare l'opera di un'artista fondamentale.

Stima 400 - 600 EUR

Lotto 157 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - Atelier d’Angers - Arazzo a strappo in lana, spago e sisal firmato in basso a destra, controfirmato, titolato e datato sul bolduc al retro 133 x 130 cm Parte delle "città nuove" (la Papasquare di Évry), della politica dell'"1% artistico" (molte strutture pubbliche sono ricoperte dai suoi affreschi, arazzi...), spesso monumentale ma senza pretese se non quella di accedere all'arte per tutti, l'opera di Yvette Vincent-Alleaume ha tutto per essere evitata dal mercato dell'arte.Eppure, a pensarci bene, non è forse il frutto di una riflessione che ossessiona gli artisti dalla fine del XIX secolo? L'arte in tutto, l'arte per tutti. L'arte di Yvette Vincent-Alleaume è visibile nelle strade, accessibile a tutti: nel quartiere degli Amandiers di Parigi, nelle Julliotes di Maison-Alfort, nel foro scolpito di Orléans... L'artista utilizza i materiali del suo tempo: Mattoni, mosaici, ceramiche e ardesia sono utilizzati per dare un tocco di fantasia e di colore alla donna che si guarda intorno durante la pausa panino nel patio dell'Università di Pau, o all'uomo che alza lo sguardo e sorride attraversando Place de la Mandallaz ad Annecy... E quest'arte, con cui molti sono in disaccordo, riflette un'intera epoca in cui la "convivenza" non aveva le connotazioni ingenue che le attribuiamo oggi, in cui l'utopia era permessa. Questa utopia è accessibile a voi, perché Yvette Vincent-Alleaume è anche una scultrice (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) e una brillante fumettista: dapprima nella tradizione di Lurçat e Picart le Doux, poi innovando a immagine di una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con arazzi in altorilievo dai colori vivaci, tessuti nei laboratori di Angers e ribattezzati "arazzi scolpiti"; e ancora designer di gioielli, riprendendo i motivi utilizzati per le sue architetture (Main, Labyrinthe pendant...). Con le sue installazioni pubbliche spesso trascurate, la sfida è quella di preservare l'opera di un'artista fondamentale.

Stima 3 000 - 5 000 EUR

Lotto 158 - Yvette Vincent-Alleaume (1927-2011) - La Dame aux Oiseaux 2005 Struttura in legno lamellare decorata con quattro elementi in bronzo con patina marrone dorata, la testa monogrammata, datata e numerata 1/1 sulla nuca. Pezzo unico H. 133 cm L. 90 cm P. 70 cm Parte integrante delle "città nuove" (la Papasquare di Evry), della politica dell'"1% artistico" (molte strutture pubbliche sono ricoperte di affreschi, arazzi, ecc.), spesso monumentali ma senza alcun altro scopo.Eppure, a pensarci bene, non è forse il frutto di una riflessione che ossessiona gli artisti dalla fine del XIX secolo? Arte in tutto, Arte per tutti. L'arte di Yvette Vincent-Alleaume è visibile nelle strade, accessibile a tutti: nel quartiere degli Amandiers di Parigi, nelle Julliotes di Maison-Alfort, nel foro scolpito di Orléans... L'artista utilizza i materiali del suo tempo: Mattoni, mosaici, ceramiche e ardesia sono utilizzati per dare un tocco di fantasia e di colore alla donna che si guarda intorno durante la pausa panino nel patio dell'Università di Pau, o all'uomo che alza lo sguardo e sorride attraversando Place de la Mandallaz ad Annecy... E quest'arte, con cui molti sono in disaccordo, riflette un'intera epoca in cui la "convivenza" non aveva le connotazioni ingenue che le attribuiamo oggi, in cui l'utopia era permessa. Questa utopia è accessibile a voi, perché Yvette Vincent-Alleaume è anche una scultrice (Cube ludique, La Dame aux oiseaux, L'Homme au ballon...) e una brillante cartonaia: dapprima nella tradizione di Lurçat e Picart le Doux, poi innovando a immagine di una Sheila Hicks figurativa (Déchirure), con arazzi in altorilievo dai colori vivaci, tessuti nei laboratori di Angers e ribattezzati "arazzi scolpiti"; e persino designer di gioielli, riprendendo i motivi utilizzati per le sue architetture (Main, Labyrinthe pendant...). Con le sue installazioni pubbliche spesso trascurate, la sfida è quella di preservare l'opera di un'artista fondamentale.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 159 - Denyse Denisselle (1920-2019) - L'Animalerie Diorama miniature 12 H. 35 cm L. 50 cm P. 36,5 cm Rapporto sulle condizioni: Elettricità non testata Non si apre "Ogni bambino è un artista. Il problema è rimanere un artista quando si cresce". (Pablo Picasso) All'età di 60 anni, negli anni '80, Denyse Denisselle scoprì una passione consumata per le miniature. A volte passa notti insonni assorbita dalla meticolosità delle sue creazioni. Tornando alla sua infanzia, si immergeva con piacere nella riproduzione di negozi e scene di vita riportate in vita in scatole di dimensioni comprese tra i 40 e gli 80 centimetri. "Cerco di riprodurre un mondo che ho amato. E faccio il mio piccolo cinema". In questa ricerca della nostalgia, Denyse Denisselle ha trasformato i suoi due appartamenti parigini in veri e propri musei, pieni di diorami. La sua specialità: le torte in miniatura. Utilizzava il gesso, che lasciava riposare nella sua cucina come una vera e propria pasticceria. "Una volta ho sorpreso dei bambini a leccarli", raccontava, divertita dal realismo delle sue creazioni. La maggior parte dei suoi diorami è dotata anche di collegamenti elettrici che li rendono vivi. Ricreando scene del passato con tanta precisione, Denyse Denisselle offre una finestra su un mondo passato. Le sue miniature sono più che semplici oggetti: sono narrazioni viventi e, soprattutto, testimonianze della sua passione e del suo talento. L'arte della miniatura, che cattura l'essenza di soggetti complessi in piccoli formati, ha una lunga storia. In Cina, ad esempio, la scultura in miniatura Hao Mang è praticata da 3.000 anni. Quest'arte singolare, come le opere di Denyse Denisselle, attinge all'immaginazione e ai sogni, offrendo agli spettatori una prospettiva unica e poetica, come Alice immersa nel Paese delle Meraviglie. Oggi l'arte in miniatura occupa un posto importante nella cultura popolare, sostenuta da mostre e società come la World Federation of Miniaturists e la Royal Miniature Society. Gallerie come la Seaside Art Gallery e la Snowgoose Gallery organizzano mostre annuali. Anche i diorami, dispositivi di presentazione e messa in scena nati nel XIX secolo, illustrano l'evoluzione dell'arte in miniatura. Inizialmente grandi dipinti animati da effetti di luce, si sono evoluti in dettagliate scene tridimensionali, spesso utilizzate a scopo didattico e artistico. Con l'avvento dei social network, l'arte in miniatura ha trovato nuova vitalità. L'hashtag #MiniatureArt riunisce artisti e appassionati di tutto il mondo, trasformando le piattaforme in gallerie virtuali. Mostre come "Piccolo è bello" evidenziano la meraviglia di queste creazioni di artisti rinomati come Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz e Lorraine Loots, combinando umorismo e precisione tecnica. (MLD)

Stima 1 000 - 1 500 EUR

Lotto 160 - Denyse Denisselle (1920-2019) - Lo speziale / La farmacia Diorama in miniatura Tecnica mista H. 34,5 cm L. 60 cm P. 26 cm Stato di conservazione: Elettricità non testata Apre "Ogni bambino è un artista. Il problema è rimanere un artista quando si cresce". (Pablo Picasso) All'età di 60 anni, negli anni '80, Denyse Denisselle scoprì una passione consumata per le miniature. A volte passa notti insonni assorbita dalla meticolosità delle sue creazioni. Tornando alla sua infanzia, si immergeva con piacere nella riproduzione di negozi e scene di vita riportate in vita in scatole di dimensioni comprese tra i 40 e gli 80 centimetri. "Cerco di riprodurre un mondo che ho amato. E faccio il mio piccolo cinema". In questa ricerca della nostalgia, Denyse Denisselle ha trasformato i suoi due appartamenti parigini in veri e propri musei, pieni di diorami. La sua specialità: le torte in miniatura. Utilizzava il gesso, che lasciava riposare nella sua cucina come una vera e propria pasticceria. "Una volta ho sorpreso dei bambini a leccarli", raccontava, divertita dal realismo delle sue creazioni. La maggior parte dei suoi diorami è dotata di collegamenti elettrici che li rendono vivi. Ricreando scene del passato con tanta precisione, Denyse Denisselle offre una finestra su un mondo passato. Le sue miniature sono più che semplici oggetti: sono narrazioni viventi e, soprattutto, testimonianze della sua passione e del suo talento. L'arte della miniatura, che cattura l'essenza di soggetti complessi in piccoli formati, ha una lunga storia. In Cina, ad esempio, la scultura in miniatura Hao Mang è praticata da 3.000 anni. Quest'arte singolare, come le opere di Denyse Denisselle, attinge all'immaginazione e ai sogni, offrendo agli spettatori una prospettiva unica e poetica, come Alice immersa nel Paese delle Meraviglie. Oggi l'arte in miniatura occupa un posto importante nella cultura popolare, sostenuta da mostre e società come la World Federation of Miniaturists e la Royal Miniature Society. Gallerie come la Seaside Art Gallery e la Snowgoose Gallery organizzano mostre annuali. Lo sviluppo dell'arte in miniatura è illustrato anche dai diorami, nati nel XIX secolo. Inizialmente grandi dipinti animati da effetti di luce, si sono evoluti in dettagliate scene tridimensionali, spesso utilizzate a scopo didattico e artistico. Con l'avvento dei social network, l'arte in miniatura ha trovato nuova vitalità. L'hashtag #MiniatureArt riunisce artisti e appassionati di tutto il mondo, trasformando le piattaforme in gallerie virtuali. Mostre come "Piccolo è bello" evidenziano la meraviglia di queste creazioni di artisti rinomati come Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz e Lorraine Loots, combinando umorismo e precisione tecnica. (MLD)

Stima 1 000 - 1 500 EUR

Lotto 161 - Denyse Denisselle (1920-2019) - À la botte d'or Diorama in miniatura Tecnica mista H. 31 cm L. 49,7 cm P. 23,3 cm Stato di conservazione: Elettricità non testata Si apre + porta Lastra sinistra della vetrina allentata Porta da riparare Ringhiera superiore destra allentata "Ogni bambino è un artista. Il problema è rimanere un artista quando si cresce". (Pablo Picasso) All'età di 60 anni, negli anni '80, Denyse Denisselle scoprì una passione consumata per le miniature. A volte passa notti insonni assorbita dalla meticolosità delle sue creazioni. Tornando alla sua infanzia, si immergeva con piacere nella riproduzione di negozi e scene di vita riportate in vita in scatole di dimensioni comprese tra i 40 e gli 80 centimetri. "Cerco di riprodurre un mondo che ho amato. E faccio il mio piccolo cinema". In questa ricerca della nostalgia, Denyse Denisselle ha trasformato i suoi due appartamenti parigini in veri e propri musei, pieni di diorami. La sua specialità: le torte in miniatura. Utilizzava il gesso, che lasciava riposare nella sua cucina come una vera e propria pasticceria. "Una volta ho sorpreso dei bambini a leccarli", raccontava, divertita dal realismo delle sue creazioni. La maggior parte dei suoi diorami è dotata anche di collegamenti elettrici che li rendono vivi. Ricreando scene del passato con tanta precisione, Denyse Denisselle offre una finestra su un mondo passato. Le sue miniature sono più che semplici oggetti: sono narrazioni viventi e, soprattutto, testimonianze della sua passione e del suo talento. L'arte della miniatura, che cattura l'essenza di soggetti complessi in piccoli formati, ha una lunga storia. In Cina, ad esempio, la scultura in miniatura Hao Mang è praticata da 3.000 anni. Quest'arte singolare, come le opere di Denyse Denisselle, attinge all'immaginazione e ai sogni, offrendo agli spettatori una prospettiva unica e poetica, come Alice immersa nel Paese delle Meraviglie. Oggi l'arte in miniatura occupa un posto importante nella cultura popolare, sostenuta da mostre e società come la World Federation of Miniaturists e la Royal Miniature Society. Gallerie come la Seaside Art Gallery e la Snowgoose Gallery organizzano mostre annuali. Anche i diorami, dispositivi di presentazione e messa in scena nati nel XIX secolo, illustrano l'evoluzione dell'arte in miniatura. Inizialmente grandi dipinti animati da effetti di luce, si sono evoluti in dettagliate scene tridimensionali, spesso utilizzate a scopo didattico e artistico. Con l'avvento dei social network, l'arte in miniatura ha trovato nuova vitalità. L'hashtag #MiniatureArt riunisce artisti e appassionati di tutto il mondo, trasformando le piattaforme in gallerie virtuali. Mostre come "Piccolo è bello" evidenziano la meraviglia di queste creazioni di artisti rinomati come Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz e Lorraine Loots, combinando umorismo e precisione tecnica. (MLD)

Stima 1 000 - 1 500 EUR

Lotto 162 - Denyse Denisselle (1920-2019) - Il negozio di fiori / Fleuriste Diorama in miniatura Tecnica mista H. 35 cm L. 60 cm P. 34,5 cm Rapporto sulle condizioni: Elettricità non testata Non si apre "Ogni bambino è un artista. Il problema è rimanere un artista quando si cresce". (Pablo Picasso) All'età di 60 anni, negli anni '80, Denyse Denisselle scoprì una passione consumata per le miniature. A volte passa notti insonni assorbita dalla meticolosità delle sue creazioni. Tornando alla sua infanzia, si immergeva con piacere nella riproduzione di negozi e scene di vita riportate in vita in scatole di dimensioni comprese tra i 40 e gli 80 centimetri. "Cerco di riprodurre un mondo che ho amato. E faccio il mio piccolo cinema". In questa ricerca della nostalgia, Denyse Denisselle ha trasformato i suoi due appartamenti parigini in veri e propri musei, pieni di diorami. La sua specialità: le torte in miniatura. Utilizzava il gesso, che lasciava riposare nella sua cucina come una vera e propria pasticceria. "Una volta ho sorpreso dei bambini a leccarli", raccontava, divertita dal realismo delle sue creazioni. La maggior parte dei suoi diorami è dotata anche di collegamenti elettrici che li rendono vivi. Ricreando scene del passato con tanta precisione, Denyse Denisselle offre una finestra su un mondo passato. Le sue miniature sono più che semplici oggetti: sono narrazioni viventi e, soprattutto, testimonianze della sua passione e del suo talento. L'arte della miniatura, che cattura l'essenza di soggetti complessi in piccoli formati, ha una lunga storia. In Cina, ad esempio, la scultura in miniatura Hao Mang è praticata da 3.000 anni. Quest'arte singolare, come le opere di Denyse Denisselle, attinge all'immaginazione e ai sogni, offrendo agli spettatori una prospettiva unica e poetica, come Alice immersa nel Paese delle Meraviglie. Oggi l'arte in miniatura occupa un posto importante nella cultura popolare, sostenuta da mostre e società come la World Federation of Miniaturists e la Royal Miniature Society. Gallerie come la Seaside Art Gallery e la Snowgoose Gallery organizzano mostre annuali. Anche i diorami, dispositivi di presentazione e messa in scena nati nel XIX secolo, illustrano l'evoluzione dell'arte in miniatura. Inizialmente grandi dipinti animati da effetti di luce, si sono evoluti in dettagliate scene tridimensionali, spesso utilizzate a scopo didattico e artistico. Con l'avvento dei social network, l'arte in miniatura ha trovato nuova vitalità. L'hashtag #MiniatureArt riunisce artisti e appassionati di tutto il mondo, trasformando le piattaforme in gallerie virtuali. Mostre come "Piccolo è bello" evidenziano la meraviglia di queste creazioni di artisti rinomati come Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz e Lorraine Loots, combinando umorismo e precisione tecnica. (MLD)

Stima 1 000 - 1 500 EUR

Lotto 163 - Denyse Denisselle (1920-2019) - La Quincaillerie Diorama in miniatura Tecnica mista H. 45,5 cm L. 60 cm P. 41,5 cm Rapporto di condizione: Elettricità non testata Apre + porta "Ogni bambino è un artista. Il problema è rimanere un artista quando si cresce". (Pablo Picasso) All'età di 60 anni, negli anni '80, Denyse Denisselle scopre una passione consumata per le miniature. A volte passa notti insonni assorbita dalla meticolosità delle sue creazioni. Tornando alla sua infanzia, si immergeva con piacere nella riproduzione di negozi e scene di vita riportate in vita in scatole di dimensioni comprese tra 40 e 80 centimetri. "Cerco di riprodurre un mondo che ho amato. E faccio il mio piccolo cinema". In questa ricerca della nostalgia, Denyse Denisselle ha trasformato i suoi due appartamenti parigini in veri e propri musei, pieni di diorami. La sua specialità: le torte in miniatura. Utilizzava il gesso, che lasciava riposare nella sua cucina come una vera e propria pasticceria. "Una volta ho sorpreso dei bambini a leccarli", raccontava, divertita dal realismo delle sue creazioni. La maggior parte dei suoi diorami è dotata anche di collegamenti elettrici che li rendono vivi. Ricreando scene del passato con tanta precisione, Denyse Denisselle offre una finestra su un mondo passato. Le sue miniature sono più che semplici oggetti: sono narrazioni viventi e, soprattutto, testimonianze della sua passione e del suo talento. L'arte della miniatura, che cattura l'essenza di soggetti complessi in piccoli formati, ha una lunga storia. In Cina, ad esempio, la scultura in miniatura Hao Mang è praticata da 3.000 anni. Quest'arte singolare, come le opere di Denyse Denisselle, attinge all'immaginazione e ai sogni, offrendo agli spettatori una prospettiva unica e poetica, come Alice immersa nel Paese delle Meraviglie. Oggi l'arte in miniatura occupa un posto importante nella cultura popolare, sostenuta da mostre e società come la World Federation of Miniaturists e la Royal Miniature Society. Gallerie come la Seaside Art Gallery e la Snowgoose Gallery organizzano mostre annuali. Anche i diorami, dispositivi di presentazione e messa in scena nati nel XIX secolo, illustrano l'evoluzione dell'arte in miniatura. Inizialmente grandi dipinti animati da effetti di luce, si sono evoluti in dettagliate scene tridimensionali, spesso utilizzate a scopo didattico e artistico. Con l'avvento dei social network, l'arte in miniatura ha trovato nuova vitalità. L'hashtag #MiniatureArt riunisce artisti e appassionati di tutto il mondo, trasformando le piattaforme in gallerie virtuali. Mostre come "Piccolo è bello" evidenziano la meraviglia di queste creazioni di artisti rinomati come Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz e Lorraine Loots, combinando umorismo e precisione tecnica. (MLD)

Stima 1 000 - 1 500 EUR

Lotto 164 - Denyse Denisselle (1920-2019) - Diorama in miniatura del panificio Tecnica mista H. 29,5 cm L. 70 cm P. 28,5 cm Stato di conservazione: Elettricità non testata Aperture + porta 1 cane rotto - incollato "Ogni bambino è un artista. Il problema è rimanere un artista quando si cresce". (Pablo Picasso) All'età di 60 anni, negli anni '80, Denyse Denisselle scopre una passione consumata per le miniature. A volte passa notti insonni assorbita dalla meticolosità delle sue creazioni. Tornando alla sua infanzia, si immergeva con piacere nella riproduzione di negozi e scene di vita riportate in vita in scatole di dimensioni comprese tra 40 e 80 centimetri. "Cerco di riprodurre un mondo che ho amato. E faccio il mio piccolo cinema". In questa ricerca della nostalgia, Denyse Denisselle ha trasformato i suoi due appartamenti parigini in veri e propri musei, pieni di diorami. La sua specialità: le torte in miniatura. Utilizzava il gesso, che lasciava riposare nella sua cucina come una vera e propria pasticceria. "Una volta ho sorpreso dei bambini a leccarli", raccontava, divertita dal realismo delle sue creazioni. La maggior parte dei suoi diorami è dotata anche di collegamenti elettrici che li rendono vivi. Ricreando scene del passato con tanta precisione, Denyse Denisselle offre una finestra su un mondo passato. Le sue miniature sono più che semplici oggetti: sono narrazioni viventi e, soprattutto, testimonianze della sua passione e del suo talento. L'arte della miniatura, che cattura l'essenza di soggetti complessi in piccoli formati, ha una lunga storia. In Cina, ad esempio, la scultura in miniatura Hao Mang è praticata da 3.000 anni. Quest'arte singolare, come le opere di Denyse Denisselle, attinge all'immaginazione e ai sogni, offrendo agli spettatori una prospettiva unica e poetica, come Alice immersa nel Paese delle Meraviglie. Oggi l'arte in miniatura occupa un posto importante nella cultura popolare, sostenuta da mostre e società come la World Federation of Miniaturists e la Royal Miniature Society. Gallerie come la Seaside Art Gallery e la Snowgoose Gallery organizzano mostre annuali. Anche i diorami, dispositivi di presentazione e messa in scena nati nel XIX secolo, illustrano l'evoluzione dell'arte in miniatura. Inizialmente grandi dipinti animati da effetti di luce, si sono evoluti in dettagliate scene tridimensionali, spesso utilizzate a scopo didattico e artistico. Con l'avvento dei social network, l'arte in miniatura ha trovato nuova vitalità. L'hashtag #MiniatureArt riunisce artisti e appassionati di tutto il mondo, trasformando le piattaforme in gallerie virtuali. Mostre come "Piccolo è bello" evidenziano la meraviglia di queste creazioni di artisti rinomati come Christopher Boffoli, Pablo Delgado, Ronan-Jim Sevellec, Julia Cissel, Slinkachu, Isaac Cordal, Joshua Smith, Petros Chrisostomou, Gaspard Mitz e Lorraine Loots, combinando umorismo e precisione tecnica. (MLD)

Stima 1 000 - 1 500 EUR

Lotto 178 - Michel Potage (1949-2020) - Coupe de fruits 1999 Olio su tela spillato su pannello, monogrammato, datato e firmato sul retro 18 x 29 cm "Gli andirivieni tra il salone e lo studio si fanno sempre più numerosi, invano. Non posso. Non a posto Allora diventa più raro. Ci si fissa nel nostro sguardo Qualche giorno in cui sembra scorrere Poi tutto va storto. Continuo a ripetermi di lasciarmi andare, ma non funziona. Provo qualsiasi cosa, fino al disgusto di me stesso". Michel Potage (in Michel Potage Greenyard Pieces, pubblicato da Henry Bussière Art's, Parigi, 1996) In un articolo del 17 maggio 2015 pubblicato su Télérama, Olivier Cena si chiede: "Che ne è stato di Michel Potage? L'opera di questo pittore francese, oggi sessantacinquenne, è scomparsa dai binari dell'immagine circa dieci anni fa". L'artista ci ha lasciati nel 2020 e la cronaca non lo ha ancora raggiunto. Artista romantico e figurativo a partire dalla fine degli anni '70, ammiratore della pittura di Francis Bacon, Michel Potage è un anacronismo: mentre Warhol ci vendeva i suoi 15 minuti di fama, lui proclamava nella trasmissione di Thierry Ardisson "Cerco di non essere nessuno, non sono nessuno". Questo spiega perché il suo lavoro non ha eguali. Michel Potage è un pittore in tutto e per tutto: dipinge nella solitudine di quel luogo sacro che è il suo studio, dopo aver atteso a lungo l'ispirazione... e quando questa arriva, diventa frenetico, implacabile, virtuoso. Dipinge il soggetto fino a esaurirlo, da qui il suo lavoro seriale: gli Aborigeni, la corrispondenza tra Van Gogh e suo fratello Theo, gli Zingari, la mitica serie degli Alberi... In una poesia scritta per la sua mostra alla Galerie Guigon nel novembre 1997, scrive: "Mi lacrimano gli occhi Ogni giorno voglio dipingere Il quadro che manca Nella mia concezione della pittura In questo momento". In un'intervista rilasciata a Thierry Ardisson su Lunettes noires pour Nuits blanches il 28 ottobre 1989, Michel Potage affermava: "Dipingo per me stesso e per alcuni amici...". Scommettiamo che con il passare del tempo i suoi amici diventeranno sempre più numerosi.

Stima 600 - 800 EUR

Lotto 179 - Michel Potage (1949-2020) - Natura morta nello studio Olio, acquerello e carboncino su carta, monogrammato e datato in basso a sinistra 42,5 x 75 cm "Gli andirivieni tra il soggiorno e lo studio si fanno sempre più numerosi, invano. Non ci riesco. Non a posto Allora diventa più raro. Ci sistemiamo nel nostro sguardo Qualche giorno in cui sembra scorrere Poi tutto va storto. Continuo a ripetermi di lasciarmi andare, ma non funziona. Provo qualsiasi cosa, fino al disgusto di me stesso". Michel Potage (in Michel Potage Greenyard Pieces, pubblicato da Henry Bussière Art's, Parigi, 1996) In un articolo del 17 maggio 2015 pubblicato su Télérama, Olivier Cena si chiede: "Che ne è stato di Michel Potage? L'opera di questo pittore francese, oggi sessantacinquenne, è scomparsa dai binari dell'immagine circa dieci anni fa". L'artista ci ha lasciati nel 2020 e la cronaca non lo ha ancora raggiunto. Artista romantico e figurativo a partire dalla fine degli anni '70, ammiratore della pittura di Francis Bacon, Michel Potage è un anacronismo: mentre Warhol ci vendeva i suoi 15 minuti di fama, lui proclamava nella trasmissione di Thierry Ardisson "Cerco di non essere nessuno, non sono nessuno". Questo spiega perché il suo lavoro non ha eguali. Michel Potage è un pittore in tutto e per tutto: dipinge nella solitudine di quel luogo sacro che è il suo studio, dopo aver atteso a lungo l'ispirazione... e quando questa arriva, diventa frenetico, implacabile, virtuoso. Dipinge il soggetto fino a esaurirlo, da qui il suo lavoro seriale: gli Aborigeni, la corrispondenza tra Van Gogh e suo fratello Theo, gli Zingari, la mitica serie degli Alberi... In una poesia scritta per la sua mostra alla Galerie Guigon nel novembre 1997, scrive: "Mi lacrimano gli occhi Ogni giorno voglio dipingere Il quadro che manca Nella mia concezione della pittura In questo momento". In un'intervista rilasciata a Thierry Ardisson su Lunettes noires pour Nuits blanches il 28 ottobre 1989, Michel Potage affermava: "Dipingo per me stesso e per alcuni amici...". Scommettiamo che con il passare del tempo i suoi amici diventeranno sempre più numerosi.

Stima 400 - 600 EUR

Lotto 180 - Michel Potage (1949-2020) - Natura morta nello studio 2010 Olio, acquerello e carboncino su carta monogrammata e datata in basso al centro 52,5 x 75 cm "Gli andirivieni tra il soggiorno e lo studio si fanno sempre più numerosi, invano. Non ci riesco. Non a posto Allora diventa più raro. Ci sistemiamo nel nostro sguardo Qualche giorno in cui sembra scorrere Poi tutto va storto. Continuo a ripetermi di lasciarmi andare, ma non funziona. Provo qualsiasi cosa, fino al disgusto di me stesso". Michel Potage (in Michel Potage Greenyard Pieces, pubblicato da Henry Bussière Art's, Parigi, 1996) In un articolo del 17 maggio 2015 pubblicato su Télérama, Olivier Cena si chiede: "Che ne è stato di Michel Potage? L'opera di questo pittore francese, oggi sessantacinquenne, è scomparsa dai binari dell'immagine circa dieci anni fa". L'artista ci ha lasciati nel 2020 e la cronaca non lo ha ancora raggiunto. Artista romantico e figurativo a partire dalla fine degli anni '70, ammiratore della pittura di Francis Bacon, Michel Potage è un anacronismo: mentre Warhol ci vendeva i suoi 15 minuti di fama, lui proclamava nella trasmissione di Thierry Ardisson "Cerco di non essere nessuno, non sono nessuno". Questo spiega perché il suo lavoro non ha eguali. Michel Potage è un pittore in tutto e per tutto: dipinge nella solitudine di quel luogo sacro che è il suo studio, dopo aver atteso a lungo l'ispirazione... e quando questa arriva, diventa frenetico, implacabile, virtuoso. Dipinge il soggetto fino a esaurirlo, da qui il suo lavoro seriale: gli Aborigeni, la corrispondenza tra Van Gogh e suo fratello Theo, gli Zingari, la mitica serie degli Alberi... In una poesia scritta per la sua mostra alla Galerie Guigon nel novembre 1997, scrive: "Mi lacrimano gli occhi Ogni giorno voglio dipingere Il quadro che manca Nella mia concezione della pittura In questo momento". In un'intervista rilasciata a Thierry Ardisson su Lunettes noires pour Nuits blanches il 28 ottobre 1989, Michel Potage affermava: "Dipingo per me stesso e per alcuni amici...". Scommettiamo che con il passare del tempo i suoi amici diventeranno sempre più numerosi.

Stima 400 - 600 EUR

Lotto 181 - Jacques Joos (1945-2021) - L'Appel 2012 Tecnica mista su tela Firmato, titolato e datato sul retro 116 x 89 cm Condition report: Framed Jacques Joos è un pittore francese le cui opere hanno lasciato un segno nel paesaggio contemporaneo grazie alla loro profondità ed espressività. Ha realizzato i suoi primi ritratti nel 1965, mettendo in evidenza l'interiorità e l'intimità di ogni soggetto immortalato. Il suo lavoro rivela la sua profonda comprensione dell'animo umano. Nel 1976, Joos inizia a interessarsi maggiormente al drappeggio. Il velo, inizialmente abbozzato in un angolo delle sue nature morte, diventa gradualmente il fulcro delle sue composizioni. Spesso appoggiato con noncuranza su una struttura, il drappo inizia a occupare la maggior parte dello spazio nelle sue tele. L'artista padroneggia l'arte di dare volume alle superfici piatte giocando con le pieghe, gli effetti di luce e ombra e la trasparenza. All'inizio degli anni Ottanta, appena tornato nella natia Tolosa, contribuisce alla creazione di un laboratorio di restauro di affreschi che diventerà il più grande del sud della Francia: la cattedrale di Cahors, la cappella dell'imperatrice Eugenia a Biarritz, la chiesa di Saint-Pierre a Moissac, ecc. Negli anni '80 e '90 si dedica completamente a questo studio, ma continua ad alimentare la sua creatività attraverso gli affreschi: come Fabio Rieti, dipinge muri di città (Tolosa, Parigi) con trompe-l'œil che fanno rivivere la vita quotidiana dei passanti. A partire dal 2004, Joos ha introdotto nel suo lavoro la tecnica "coulée", esplorando i temi della luce e dello spazio. Le sue ultime creazioni, raggruppate sotto il tema "Nuits tentaculaires" ed esposte nel 2011 alla Galerie Art Sud, mostrano un approccio più espressionista e introspettivo. Questi dipinti più cupi e interiori, spesso ispirati a capolavori della storia dell'arte, ritraggono le profondità della condizione umana. (MLD)

Stima 800 - 1 200 EUR

Lotto 182 - Jacques Joos (1945-2021) - Souvenir du Louvre 2014 Tecnica mista su tela Firmato, titolato e datato sul retro 100 x 81 cm Condition report: Framed Jacques Joos è un pittore francese le cui opere hanno lasciato un segno nel paesaggio contemporaneo grazie alla loro profondità ed espressività. Ha dipinto i suoi primi ritratti nel 1965, evidenziando l'interiorità e l'intimità di ogni soggetto immortalato. Il suo lavoro rivela la sua profonda comprensione dell'animo umano. Nel 1976, Joos inizia a interessarsi maggiormente al drappeggio. Il velo, inizialmente abbozzato in un angolo delle sue nature morte, diventa gradualmente il fulcro delle sue composizioni. Spesso appoggiato con noncuranza su una struttura, il drappo inizia a occupare la maggior parte dello spazio nelle sue tele. L'artista padroneggia l'arte di dare volume alle superfici piatte giocando con le pieghe, gli effetti di luce e ombra e la trasparenza. All'inizio degli anni Ottanta, appena tornato nella natia Tolosa, contribuisce alla creazione di un laboratorio di restauro di affreschi che diventerà il più grande del sud della Francia: la cattedrale di Cahors, la cappella dell'imperatrice Eugenia a Biarritz, la chiesa di Saint-Pierre a Moissac, ecc. Negli anni '80 e '90 si dedica completamente a questo studio, ma continua ad alimentare la sua creatività attraverso gli affreschi: come Fabio Rieti, dipinge muri di città (Tolosa, Parigi) con trompe-l'œil che fanno rivivere la vita quotidiana dei passanti. A partire dal 2004, Joos ha introdotto nel suo lavoro la tecnica "coulée", esplorando i temi della luce e dello spazio. Le sue ultime creazioni, raggruppate sotto il tema "Nuits tentaculaires" ed esposte nel 2011 alla Galerie Art Sud, mostrano un approccio più espressionista e introspettivo. Questi dipinti più cupi e interiori, spesso ispirati a capolavori della storia dell'arte, ritraggono le profondità della condizione umana. (MLD) Qui possiamo vedere una delle figure centrali del dipinto di Eugène Delacroix al Louvre: La morte di Sardanapalo, 1827.

Stima 700 - 1 000 EUR