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20 giugno - Arti decorative

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179 risultati

Lotto 1 - Bureau-secretaire. Impero russo (1721-1917), fine XVIII-inizio XIX secolo. In mogano e palma di mogano. Supporti e ornamenti in bronzo dorato. Maniglie e serrature in bronzo dorato. Misure: 117 x 71 x 174 cm. Importante bureau-segretaire del periodo dell'Impero russo. Segue i modelli neoclassici dell'ebanista pietroburghese contemporaneo Christian Meyer, che si diffusero alla fine del XVIII secolo nei palazzi reali e nelle case aristocratiche della Russia. Nelle proporzioni (forma architettonica) e nei materiali (palma di mogano, impiallacciature di mogano, applicazioni in bronzo) si può apprezzare la fedeltà ai modelli stabiliti da Meyer, modelli che gli ebanisti al servizio di Caterina la Grande, come David Roentgen, introdussero negli appartamenti imperiali. Questo mobile ha una struttura classica, con le sue parti definite ed enfatizzate dalle rientranze: i sette cassetti, filettati in bronzo dorato, sono ospitati tra gambe a "vanga", decorate a forma di lesene scanalate. Le maniglie in bronzo dorato, i buchi della serratura e le bocche arrotondate combinano geometrie semplici ed eleganti. Il coperchio cilindrico o tamburo, in mogano palmato, presenta anch'esso decorazioni lineari in bronzo dorato e il suo interno rivela una serie di cassetti e scomparti per documenti e materiale d'ufficio. La tavoletta di scrittura scorre verso l'esterno ed è rivestita in pelle marrone. Il periodo più brillante dell'ebanisteria russa è stato tra la fine del XVIII secolo e il primo quarto del XIX secolo. Questo periodo ha prodotto i migliori esempi di mobili dell'Impero russo. La maggior parte dei mobili era realizzata in mogano, pioppo o betulla ed è caratterizzata da linee semplici e pulite. Le superfici lucide erano ornate da bronzi dorati. Questo scrittoio-segretaria è una chiara testimonianza di questa eleganza.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 2 - Orologio da tavolo; manifattura di Meissen, Germania, 1749 circa. "Allegoria del tempo". Porcellana. Presenta segni nella zona inferiore. Misure: 73 x 69 x 23 cm. Orologio da tavolo in porcellana, concepito in modo scultoreo. Il pezzo segue modelli classici per quanto riguarda la creazione della base che lascia il posto alla cassa dell'orologio delimitata da una grande ghirlanda all'interno della quale si trova il quadrante con le ore in numeri romani. Su questa base e sulla cassa dell'orologio è stato creato un complesso gruppo scultoreo con protagonisti angeli bambini, situati nella zona inferiore, e un vecchio alato, che corona il quadrante dell'orologio; questa lancetta punta direttamente alle ore indicando così il tema allegorico dell'insieme che rappresenta lo scorrere del tempo. La Manifattura di Meissen è stata la prima fabbrica europea a produrre vera porcellana. La manifattura fu avviata dallo scienziato Ehrenfried Walther von Tchirnhaus nel 1708 e, dopo la sua prematura scomparsa, il suo lavoro fu continuato da Joahnn Friedrich Böttger, che rimase praticamente imprigionato nei locali della fabbrica per proteggere il segreto della formula della porcellana. La produzione di porcellana di Meissen iniziò nel 1710, un anno dopo la fondazione della fabbrica da parte di Augusto il Forte, e raggiunse presto una grande fama in tutta Europa. Per prevenire le contraffazioni, nel 1720 fu introdotto il suo famoso marchio, due spade incrociate, che divenne uno dei più antichi marchi di ceramica esistenti (è ancora presente sui pezzi dell'azienda erede di Meissen, la Staatliche Porzellan-Manufaktur Meissen GMBH). Inizialmente, la produzione di Meissen imitava quella orientale, in particolare i kakiemon giapponesi ("indianische Blumen"), sebbene venissero prodotti anche pezzi smaltati con temi paesaggistici, floreali e galanti, questi ultimi derivati dalla pittura del francese Antoine Watteau. Venivano prodotti anche pezzi di porcellana smaltata non decorati, che venivano venduti ad altre botteghe, dove venivano decorati con smalti. Tuttavia, nel 1717 un ex operaio di Meissen, Samuel Stöltzel, vendette il segreto della porcellana a una manifattura di Vienna, e nel 1760 c'erano circa trenta produttori di vera porcellana in Europa. Tuttavia, la maggior parte di queste manifatture produceva porcellana a pasta molle, a causa della difficoltà di accesso al caolino, l'ingrediente base della porcellana autentica (a pasta dura). Dopo una prima produzione di stile rococò, che si evolve verso il neoclassico negli anni '50 del XVII secolo, nell'Ottocento si assiste a un nuovo stile noto come "secondo rococò", ispirato alle prime produzioni della manifattura, che convive con altri storicismi, tra cui la scultura in tondo alla rinfusa, prevalentemente in porcellana smaltata, secondo modelli sia rococò che neoclassici.

Stima 8 500 - 9 000 EUR

Lotto 6 - LOUIS MAJORELLE (Francia, 1859 - 1926) Tavolino da tè Art Noveau, 1900 circa. Legno. Misure: 83 x 92 x 57 cm. Struttura e tipologia di grande eleganza, è realizzata in legno. I piani sono segnati da una combinazione di legni diversi ed esprimono un amore quasi ossessivo per le piante e gli animali, una vera e propria scena simbolica in cui la natura riappare nelle venature, nella morbidezza della materia e nei diversi legni che rappresentano foglie, steli, fiori di nocciolo... in realtà, la natura liberamente evocata dalla ricchezza e dalla varietà delle forme viventi. Ebanista e designer, membro della Scuola di Nancy, di cui fu addirittura vicepresidente, Louis Majorelle era figlio di un designer e produttore di mobili di Toul, da cui si trasferì a Nancy con la famiglia. Qui Majorelle ricevette la sua prima formazione artistica per poi recarsi a Parigi nel 1877, dove studiò per due anni all'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, dove il suo insegnante era Jean-François Millet. Tuttavia, la morte del padre lo costrinse a tornare a Nancy per dirigere la fabbrica di terracotta e mobili di famiglia, un compito che avrebbe affiancato alla pratica artistica per il resto della sua vita. Negli anni Ottanta e fino ai primi anni Novanta, Majorelle produsse nell'azienda di famiglia mobili in stile Luigi XV, che portò all'Esposizione delle Arti Decorative e Industriali di Nancy del 1894. Lì, però, ebbe modo di vedere da vicino le opere di Émile Gallé, la cui influenza avrebbe determinato un cambiamento radicale nella produzione di Majorelle. Da quel momento in poi, il suo lavoro fu caratterizzato dall'uso di elementi naturalistici nelle forme e nell'intarsio. A partire dagli anni Novanta, i suoi mobili diventano pienamente Art Nouveau, con forme intrecciate e una chiara ispirazione diretta alla natura, con motivi come piante, ninfee, il tipico cardo di Nancy e la libellula, icona del modernismo francese. Nel 1900 fece un ulteriore passo avanti e allestì un'officina di forgia nella sua fabbrica, per poter realizzare accessori in ferro secondo i suoi progetti. Con il passare del tempo, questa attività divenne sempre più importante e fu responsabile dei corrimano delle scale e dei dettagli esterni di molti edifici di Nancy.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 7 - RIGALT, GRANELL i CIA. Coppia di vetrate moderniste, 1920 circa. Una di esse è firmata. Misure: 161 x 50 cm. ciascuna. Coppia di vetrate realizzate nel prestigioso laboratorio di Barcellona fondato da Antonio Rigalt e dalla famiglia Granell. L'estetica e la qualità delle vetrate fin-de-siglo si apprezzano nella lavorazione del vetro piombato, nello spessore e nella vivacità dei colori dei cristalli, nonché nelle attraenti forme in cui sono combinati, tutti prodotti di un laborioso processo artigianale. Il laboratorio di vetrate, formato da membri delle famiglie Rigalt e Granell di Barcellona, è stato attivo dal 1890 al 1984. I suoi precedenti si trovano nel disegnatore e vetraio Antoni Rigalt i Blanch (1850-1914), cresciuto in un ambiente artistico, essendo nipote del pittore e disegnatore Lluís Rigalt i Farriols (1814-1894). Si forma come disegnatore presso la scuola Llotja di Barcellona, insegnando disegno fino al 1901. Il suo passaggio a vetraio non seguì lo schema tradizionale, iniziando come apprendista in un laboratorio, ma lo fece dopo la sua formazione artistica e teorica. Legato ai più importanti artisti e architetti dell'epoca, collaborò regolarmente alle opere dell'architetto Lluís Domènech i Montaner. Dal laboratorio di Rigalt e Granell uscirono alcune delle più importanti opere di vetrate del modernismo catalano, come quelle realizzate per il Palau de la Música Catalana, la Casa Lleó Morera a Barcellona o la Casa Navàs a Reus. Hanno lavorato alle opere degli architetti Lluís Domènech i Montaner, Enric Sagnier, August Font i Carreras, tra gli altri. Hanno inoltre realizzato un gran numero di restauri di vetrate medievali, come quelle della Cattedrale di León o del monastero di Santes Creus. Il laboratorio partecipò a numerose esposizioni, soprattutto nel periodo sotto la direzione di Antoni Rigalt, in molte delle quali fu premiato: l'Esposizione Universale di Barcellona del 1888; l'Esposizione delle Belle Arti e delle Industrie Artistiche di Barcellona, nel 1892, 1896 e 1898; l'Esposizione delle Belle Arti di Madrid del 1899; l'Esposizione Nazionale d'Arte del 1900; l'Esposizione Internazionale d'Arte di Barcellona del 1907 e 1911; l'Esposizione Universale di Barcellona del 1929; l'Esposizione Nazionale delle Arti Decorative del 1947.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 10 - Orologio da tavolo; Francia, periodo della restaurazione, 1820 circa. Bronzo dorato al mercurio con quadrante in smalto porcellanato. Non ha chiave, non ha pendolo ed è mancante. Misure: 45 x 19,5 x 10,5 cm. Orologio da tavolo in bronzo dorato. Il pezzo poggia su quattro gambe a sfera smussate che lasciano il posto a una base prismatica dai lati lucidi. Su di essa emerge un piedistallo sul cui fronte è visibile un rilievo con la rappresentazione di Amore e Psiche. Questo rilievo segue i modelli dell'opera dipinta nel 1798 da François Gérard nota come "Psiche che riceve il primo bacio di Cupido". Questo dipinto appartiene alla collezione del Museo del Louvre di Parigi. La zona superiore ospita la cassa dell'orologio ornata da due grandi foglie d'acanto che corrono lungo il perimetro. Il quadrante presenta lancette di tipo Bruguet con numeri romani in nero. Non ha chiave, non ha pendolo e non presenta difetti. Nella descrizione degli orologi, quando viene indicato "in working order" significa che l'orologio è funzionante. Poiché gli orologi da collezione hanno spesso meccanismi delicati e complessi, l'acquirente è responsabile di qualsiasi manutenzione generale, revisione, cambio della batteria, regolazione o riparazione che si renda necessaria. Non garantiamo il perfetto funzionamento di nessun orologio. Tutte le fotografie dei nostri orologi sono originali e sono state scattate dai nostri fotografi, vale a dire che non lavoriamo con fotografie di stock ed è per questo che le fotografie sono considerate parte della catalogazione.

Stima 800 - 900 EUR

Lotto 14 - Sei sedie da tavolo americane in stile Chippendale, XIX secolo. Legno di mogano. Rivestimento in finta pelle di boa. Misure: 99 x 53 x 50 cm. Set di sei sedie ispirate all'opera dell'ebanista inglese Thomas Chippendale (1718-1779), il principale rappresentante dello stile rococò britannico. Le sedie ripropongono modelli tipici del rococò inglese, anche se con un gusto per l'ornamento che indica che si tratta di un design americano. Thomas Chippendale creò un nuovo stile di mobili di lusso che ebbe un'ampia diffusione e che rappresentava perfettamente la personalità del rococò inglese. I suoi disegni furono molto popolari anche a metà e alla fine del XIX secolo, dando il nome a un nuovo stile che fu coltivato anche nel XX secolo. Questo nuovo stile Chippendale diede origine a sottogeneri come il Chippendale cinese, il Chippendale gotico e il Chippendale irlandese. Lo stile Chippendale si sviluppò a partire dal 1750 circa e, sebbene a Londra cominciasse a declinare intorno al 1765, fu solo allora che iniziò a diffondersi al di fuori della capitale e, per il resto del secolo, ebbe un grande sviluppo nei centri periferici. Lo stile Chippendale è composto da elementi rococò di origine francese, gotica e cinese, mescolati separatamente, tutti insieme o solo due di essi. Sarà quindi uno stile molto vario ed eterogeneo, ma comunque, con il passare del tempo, nelle ricostruzioni del XIX e XX secolo, sarà chiaramente identificabile da elementi come le tipiche palette traforate delle sedie, che vediamo qui. Chippendale fu infatti il creatore del modello "new pattern", un nuovo modello di sedia che diventerà la sedia da pranzo per eccellenza e che si caratterizza soprattutto per la paletta basata sullo schienale a nastro.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 29 - Vetrina; Madrid, seconda metà del XVII secolo. Legno di ribera ebanizzato con applicazioni in osso. Presenta difetti. Misure: 105 x 74 x 38,5 cm. Vetrina in legno ripariale ebanizzato, con dettagli decorativi di intarsio e applicazioni in osso. La struttura, di ispirazione architettonica, è rettangolare, con cornici intagliate alla base che poggiano su quattro gambe. Il corpo superiore è sormontato da una galleria traforata che funge da balaustra. La scuola di Madrid nacque intorno alla corte di Filippo IV prima e di Carlo II poi, e si sviluppò per tutto il XVII secolo. Gli analisti di questa scuola hanno insistito nel considerare il suo sviluppo come il risultato del potere agglutinante della corte; ciò che è veramente decisivo non è il luogo di nascita dei diversi artisti, ma il fatto che essi siano stati educati e abbiano lavorato intorno e per una clientela nobiliare e religiosa situata accanto ai reali. Questo permette e favorisce un'unità stilistica, anche se si possono apprezzare le logiche divergenze dovute alla personalità dei membri. Nella sua origine, la scuola madrilena è legata all'ascesa al trono di Filippo IV, un monarca che fece di Madrid, per la prima volta, un centro artistico. Ciò significò un risveglio della coscienza nazionalista permettendo una liberazione dai precedenti stampi italianizzanti per saltare dagli ultimi echi del manierismo al tenebrismo. Questo sarà il primo passo della scuola, che in senso graduale camminerà successivamente fino al raggiungimento di un linguaggio barocco più autoctono e legato alle concezioni politiche, religiose e culturali della monarchia degli Austrias, per andare a morire con i primi focolai di rococò che si manifestano nella produzione dell'ultimo dei suoi rappresentanti.

Stima 1 500 - 1 300 EUR

Lotto 31 - Commode William & Mary. Inghilterra, 1680 circa. Radice di noce e palissandro. Intarsio raffigurante bordi e uccelli. Maniglie e buchi per le chiavi in metallo. Con segni d'uso. Misure: 90 x 110 x 58 cm. Cassettone inglese in radica di noce e palissandro, che poggia su gambe arrotondate ed è composto da cinque cassetti, gli ultimi due uniti in un unico registro. Il design, sobrio ed elegante nello stile del periodo William & Mary, ha come unico elemento decorativo un raffinato lavoro di intarsio basato su bordi e uccelli sintetizzati. Lo stile William & Mary è un design di mobili diffuso tra il 1700 e il 1725 nei Paesi Bassi, in Inghilterra, in Scozia e, più tardi, nelle colonie americane dell'Inghilterra. Era uno stile di transizione tra i mobili manieristi e quelli della Regina Anna. Si trattava di un mobile robusto il cui design enfatizzava sia le linee rette che le curve, con elaborati intagli e torniture del legno, e fu uno dei primi a imitare elementi del design asiatico, come quello giapponese. Nel 1688, Giacomo II d'Inghilterra fu deposto dalla figlia Maria e dal marito Guglielmo d'Orange, in quella che divenne nota come la "Gloriosa Rivoluzione". Guglielmo e Maria portarono al loro regno il gusto per gli stili di arredamento olandesi, così come molti dei produttori di mobili olandesi. Anche se il movimento verso quello che sarebbe diventato noto come stile Guglielmo e Maria era iniziato durante il regno di Carlo II d'Inghilterra, soprattutto grazie all'influenza della sua regina di origine portoghese, Caterina di Braganza.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 33 - Cornice. Francia, Limoges, 1880 circa. Smalti cloisonné e placca d'osso dipinta. Misure: 20 x 9 cm. Il pezzo in asta è notevole sia per la cornice neogotica decorata con smalti champlevé sia per l'immagine della Vergine all'interno. La bottega di Limoges apparve nell'ultimo quarto del XII secolo e continuò la sua attività fino al XIV secolo. Nel XV secolo fiorì nuovamente con la nuova tecnica dello smalto dipinto. Divenne la più importante bottega di smalto, prima di quelle della Renania e della Mosa, scomparse nel XII secolo e dedicate alla produzione di singole placche su commissione, che venivano poi montate su un oggetto o unite per formare paliotti d'altare. A Limoges, invece, iniziò la produzione di oggetti, non più solo placche, decorati con smalti, soprattutto per uso religioso ma anche per uso profano. Si trattava di pezzi più economici, a base di rame, e molto attraenti grazie alla decorazione a smalto, che ne decretò un successo enorme e immediato in tutta Europa. Limoges è citata anche nei documenti, a indicare che era un centro importante conosciuto in tutta l'Europa occidentale. Una delle caratteristiche che contraddistinguono Limoges è il trascinamento del fondo molto superficiale, che non va oltre i due o tre millimetri. Per raffigurare i dettagli, viene utilizzata una suddivisione così fine che può essere distinta da quella scavata solo con un'osservazione ravvicinata attraverso una lente d'ingrandimento. A Limoges, gli smalti venivano applicati secondo il gusto del committente, riempiendo solo lo sfondo, solo le figure o entrambi. Per quanto riguarda la gamma di colori, egli si rifece a quella delle botteghe della Mosa, che era molto varia, ma aggiunse nuovi colori, come il verde oliva, un azzurro grigiastro o il bianco per gli incarnati. Nella lunga storia di queste botteghe, uno dei loro principali successi fu proprio quello di non produrre solo placchette, ma anche pezzi completi.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 35 - BUSQUETS BROTHERS BUSQUETS I CIA, fine Ottocento. Tavolino da toilette, 1877 ca. Legno dipinto di nero e marmo. Segni e usura sul marmo. Esiste un modello simile pubblicato in Estand Busquets, Hermanos y Cia. nella "Manifestació Catalana de 1877", Biblioteca del Taller Busquets, fig. 9. Misure: 178 x 104 x 52 cm. Comò realizzato nel laboratorio di Barcellona dei fratelli Busquets alla fine del XIX secolo. Il comò è composto da cinque cassetti, tre grandi cassetti inferiori e due superiori. Il frontale è decorato con vegetali incisi e cesellati alternati a forme romboidali. Il piano è in marmo e la specchiera è incorniciata in una cornice rettangolare con elementi intagliati a forma di volute e di volute. Il laboratorio di ebanisteria Busquets fu creato a Barcellona nel 1840 da Josep Busquets i Cornet. Negli anni Sessanta del XIX secolo i suoi fratelli Miguel, Marco Antonio e Juan si unirono all'attività. Nel 1878, dopo la morte di Josep nel 1875, il laboratorio fu ribattezzato "Busquets Hermanos". L'anno successivo la partecipazione all'azienda di famiglia si ampliò con Francesca Cornet e Maria Busquets i Minguell, figlia di Josep Busquets i Cornet, cambiando nuovamente il nome in "Busquets, Hermanos y Compañía". Joan Busquets i Cornet ebbe un ruolo di primo piano nell'officina di famiglia fin dall'inizio e nel 1880 compare come socio di maggioranza nelle fonti contabili, con il 47% del capitale. Nel 1888 divenne capo del laboratorio, con il titolo di ebanista-tagliatore, e l'azienda fu ribattezzata "Casa Juan Busquets". Nello stesso anno, all'Esposizione Universale di Barcellona, Joan Busquets i Cornet vinse una medaglia d'oro per la buona installazione e per essersi distinto nel lavoro di tappezzeria. Dopo l'Esposizione delle Belle Arti e delle Industrie Artistiche di Barcellona del 1898, il nome "Joan Busquets e Figlio" inizia a comparire sulla stampa. Il nome si riferisce a Joan Busquets i Jané, che si era formato alla Scuola Llotja di Barcellona come ebanista e tecnico di progettazione di mobili, e già dall'inizio degli anni Novanta collaborava alla Casa Busquets realizzando disegni per progetti di mobili. Nell'anno accademico 1895-96 terminò gli studi e la Scuola gli assegnò una borsa di viaggio per visitare i musei spagnoli. Nel 1896 Joan Busquets i Jané riceve una menzione d'onore per i progetti di mobili all'Esposizione di Belle Arti e Industrie Artistiche di Barcellona. Il suo lavoro come designer per l'azienda diventa più importante nel 1898, quando Busquets i Jané realizza il suo primo disegno ad acquerello di tendenza modernista.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 36 - Secondo i modelli di FRANCESC VIDAL JEVELLÍ (Barcellona, 1848-1914). Sedia modernista, 1900 ca. Struttura in legno, rivestimento in velluto rosso. In buone condizioni. Misure: 112 x 47,5 x 47 cm. Sedia modernista il cui design si ispira ai modelli dell'ebanista Francesc Vidal. La qualità dell'intaglio si apprezza in ogni dettaglio: nei coup-de-fuet, nei bouquet e nelle foglie lanceolate dello schienale, nei trafori della vita e nella tornitura delle gambe, unite con chambrana. Il design risponde a uno stile storicista o sincretico, che riprende diversi stili del passato e li incanala nella corrente del modernismo catalano, di cui Vidal era un esponente di spicco. Ebanista e decoratore, Francesc Vidal si recò a Parigi per dirigere l'esposizione dei campioni di legatoria del padre all'Esposizione Universale del 1867, dove ebbe l'opportunità di conoscere altri giovani artisti, di studiare alla Scuola di Arti Decorative e di viaggiare ripetutamente in Europa. Nel 1878 si afferma come mercante d'arte e nel 1883 inaugura un edificio progettato da Vilaseca, un insolito complesso politecnico, dove da quel momento in poi lavorerà intensamente alla produzione di mobili di qualità, oltre che ai loro complementi in vetro, metallo e fonderia. Nel suo studio collaborano Rigalt e Masriera nella fonderia, e come designer Joan González, Gaspar Homar e Santiago Marco. La clientela di Vidal comprendeva l'alta borghesia e le corporazioni ufficiali, e realizzò i mobili progettati da Gaudí per il Palacio Güell. Esercitò una grande influenza sulla società del suo tempo e praticò il mecenatismo con giovani artisti di talento come Pau Casals, Isaac Albéniz, C. G. Vidiella, ecc. Simón Gómez, ritraendo questo eccezionale ebanista, ha realizzato forse il miglior ritratto della pittura catalana del suo tempo. Opere di Francesc Vidal sono attualmente conservate nel Museo Nazionale d'Arte della Catalogna e nel Museo Nazionale delle Arti Decorative, oltre che in importanti collezioni private. Buono stato

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 37 - JOAN BUSQUETS I JANÉ (Barcellona, 1874 - 1949). Coppia di sedie moderniste, 1900 ca. Legno, rivestimento in tessuto. Rivestimento non originale. In perfette condizioni. Misure: 92 x 40 x 41 cm. Coppia di sedie moderniste disegnate da Joan Busquets. Insieme alla leggerezza del disegno, che evita i profili spigolosi ma senza rinunciare alla stilizzazione sintetica. Una linea di fiori è incisa nel traforo dello schienale. Le gambe posteriori a sciabola si combinano con quelle anteriori scanalate. Designer e decoratore di mobili, Juan Busquets è attualmente considerato una delle figure più rappresentative del modernismo catalano. Iniziò la sua formazione nel laboratorio di famiglia, per poi studiare alla Escuela de La Lonja di Barcellona, dove i suoi insegnanti furono Guitart e Lostaló. Nell'anno accademico 1895-96 ottiene una borsa di studio che gli permette di viaggiare per la Spagna, ottenuta grazie al progetto di una libreria-armadio in stile rinascimentale. Espone per la prima volta progetti di mobili all'Esposizione di Barcellona del 1896. Il laboratorio di Joan Busquets fu uno dei più importanti della Catalogna modernista ed è attualmente, insieme alla produzione di Gaspar Homar, la testimonianza più rappresentativa dell'arredamento e della decorazione del modernismo catalano. Fu presidente del Fomento de las Artes Decorativas tra il 1918 e il 1921 e supervisionò la produzione di mobili per la Casa Calvet di Gaudí. Opere di Busquets si trovano attualmente, tra l'altro, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, al Palazzo Güell di Barcellona, al Museo Nazionale delle Arti Decorative e al Museo del Modernismo Catalano di Barcellona, oltre che in diverse importanti collezioni private. In perfette condizioni.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 39 - JOAN BUSQUETS I JANÉ (Barcellona, 1874 - 1949). Sedia a dondolo modernista, 1895 circa. Struttura in legno di noce, rivestimento in tessuto e velluto. In perfette condizioni. Misure: 104 x 57 x 86 cm. Sedia a dondolo modernista disegnata da Joan Busquets. L'intaglio integra elementi floreali con motivi sintetici. Designer di mobili e decoratore, Juan Busquets è attualmente considerato una delle figure più rappresentative del modernismo catalano. Iniziò la sua formazione nel laboratorio di famiglia, per poi studiare alla Escuela de La Lonja di Barcellona, dove i suoi insegnanti furono Guitart e Lostaló. Nell'anno accademico 1895-96 ottenne una borsa di studio che gli permise di viaggiare in Spagna, ottenuta grazie al progetto di una libreria-armadio in stile rinascimentale. Espone per la prima volta progetti di mobili all'Esposizione di Barcellona del 1896. Il laboratorio di Joan Busquets fu uno dei più importanti della Catalogna modernista ed è attualmente, insieme alla produzione di Gaspar Homar, la testimonianza più rappresentativa dell'arredamento e della decorazione del modernismo catalano. Fu presidente del Fomento de las Artes Decorativas tra il 1918 e il 1921 e supervisionò la produzione di mobili per la Casa Calvet di Gaudí. Opere di Busquets si trovano attualmente, tra l'altro, al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, al Palazzo Güell di Barcellona, al Museo Nazionale delle Arti Decorative e al Museo del Modernismo Catalano di Barcellona, oltre che in diverse importanti collezioni private.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 51 - Arazzo che segue il cartone di FRANCESCO DE GOYA; Miguel Stuyck, fine del XX secolo. "Ragazzi che giocano ai soldati". Lana a tre fili. Firmato "Miguel Stuyck" in basso a destra. Misure: 150 x 107 cm. Realizzato a mano su un telaio ad alto ordito, presenta un semplice bordo che incornicia la composizione centrale, chiaramente ispirato a uno dei cartoni disegnati da Goya per la Real Fabbrica di Arazzi di Santa Barbara, che si trovava (e si trova attualmente) a Madrid. Nello specifico, si tratta del cartone intitolato "Ragazzi che giocano ai soldati", oggi conservato al Museo del Prado e realizzato dal maestro per un arazzo di sovrapporta (da qui le sue dimensioni) che sarebbe stato nella camera da letto dei Principi delle Asturie (il futuro Carlo IV, e Maria Luisa de Parma) nel Palazzo di El Pardo, insieme ad altri della stessa serie, realizzati questo tra il 1778 e il 1779. La famiglia Stuyck, data la sua esperienza nell'arte della tessitura, subentrerà ai maestri direttori portati direttamente dalle Fiandre alla Real Fabbrica di Arazzi di Madrid. Gli Stuyck eserciteranno la direzione artistica dal XVIII secolo fino agli albori del XXI secolo. È il 1786 quando Miguel Stuyck, discendente di Jacobo, chiede al re il permesso di far tessere al nipote dei tappeti "turchi" (annodati, non tessuti come un arazzo). Questi primi tappeti saranno in stile Carlo IV, un linguaggio molto debitore del classicismo francese, con tocchi ispanici e talvolta alcune influenze dello stile Impero.

Stima 1 600 - 1 700 EUR

Lotto 54 - Frammento di arazzo. Bruxelles, fine del XVII secolo. "Banchetto di Cleopatra e Marco Antonio". Lana annodata a mano. Bordo di epoca successiva. Dorso foderato. Segni d'uso. Usura e lacerazioni. Presenta alcuni restauri. Misure: 260 x 290 cm. Arazzo realizzato in lana annodata a mano in cui è rappresentata una scena in un giardino ricco di vegetazione con un castello sullo sfondo, in cui si vede Marco Antonio seduto davanti a un tavolo e, dietro di lui, i servitori portano in tavola ogni tipo di leccornia; è decorato con caratteristiche che derivano dall'ispirazione dell'arte nell'antichità classica. Per quanto riguarda la scena centrale, va segnalato il grande dinamismo raggiunto dall'autore attraverso una composizione concepita come un fregio, dove, nonostante l'evidente profondità dell'immagine, la grande maggioranza delle figure si trova in primo piano. Dal tardo Medioevo fino al XVIII secolo, gli arazzi fiamminghi, così come la produzione pittorica dei maestri fiamminghi, divennero un bene di lusso esportato in tutta Europa. Lo speciale rapporto che si stabilì tra la regione nota come Fiandre (un modo impreciso di riferirsi alla parte settentrionale dello Stato borgognone) e i regni peninsulari cristiani medievali (in particolare la Corona di Castiglia, e più tardi la Monarchia ispanica - che incorporò i Paesi Bassi asburgici), da cui proveniva gran parte della lana che raggiungeva i laboratori tessili di Bruges, Gand, Anversa, Bruxelles, Mechelen, Arras.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 55 - Tappeto di design neoclassico; Manifattura reale di arazzi, 1944. Lana. Firmato e datato. Misure: 335 x 545 cm. Tappeto in lana fatto a mano, che presenta un campo nero su cui è disposto un disegno di ispirazione neoclassica. Un rosone è inscritto in un medaglione come una ghirlanda vegetale, che domina il centro di tonalità rosa e blu. Questo centro è circondato da una catena di motivi vegetali ereditati dall'estetica classicista. Infine, il campo è delimitato dal bordo, attraverso un motivo a forma di traforo. Il bordo presenta tre fasce, due più sottili e semplici in termini di decorazione e una centrale decorata con un'estetica di carattere ritmico con aree riservate agli angoli. La nascita della prima fabbrica di arazzi in Spagna risale al 1721, quando Filippo V ne affidò la creazione al suddito belga Jacob van der Gotem. Poco dopo, la nuova fabbrica, la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, estese la sua produzione ai tappeti. La fabbrica di Miguel Stuyck, discendente di Jacobo van der Gotem, dopo dieci generazioni dedicate alla produzione di tappeti e arazzi, può essere considerata una delle più importanti al mondo, poiché ha prodotto e continua a produrre vere e proprie opere d'arte che hanno abbellito i migliori palazzi, hotel di lusso, banche, enti governativi... L'acquisto di uno qualsiasi dei suoi prodotti produce la soddisfazione di possedere una vera e propria opera d'arte, con la garanzia offerta dall'alta qualità delle materie prime, sempre abbinata alla bellezza classica dei disegni, dei disegni e dei colori.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 60 - Dopo "GIAMBOLOGNA", JEAN DE BOLOGNE (Douai, Fiandre, 1529 - Firenze, 1608). Italia, XIX secolo. "Mercurio". Scultura in bronzo. Base in marmo. Ha perso parte del caduceo. Misure: 84 cm. (altezza totale con base). L'opera, di epoca neoclassica, ricalca il modello della scultura originale dell'artista rinascimentale Jean de Bologne, meglio conosciuto con la forma italianizzata del suo nome, "Giambologna", oggi conservata al Museo del Bargello di Firenze. La versione in questione presenta anche un fregio sulla base che non esisteva nella scultura fiamminga. L'opera originale, realizzata nel 1567, presenta la divinità classica Mercurio (versione romana del greco Hermes), il messaggero degli dei. L'artista ha cercato di tradurre la leggerezza e la velocità del personaggio attraverso una postura di grande audacia. Il dio sfida le leggi della gravità appoggiandosi appena sulla punta del piede sinistro, che tocca appena la base della scultura, costituita da una testa maschile che esala un soffio d'aria. È la personificazione del vento del sud, figura divinizzata anche nella mitologia classica e alleata di Mercurio nella diffusione delle notizie, buone e cattive. Nonostante la piccola base, l'artista è riuscito a creare un'opera molto equilibrata, dove i gesti delle braccia e delle gambe sono perfettamente bilanciati per permettere al bronzo di stare in piedi senza bisogno di elementi aggiuntivi. Così, il braccio destro si alza verso il cielo in un gesto espressivo, mentre il sinistro si sposta indietro e lo bilancia, tenendo l'emblema dell'araldo. Con quest'opera, traboccante di movimento, grazia, delicatezza, dove l'artista lavora mirabilmente anche con il nudo, si riassumono alcuni dei contributi più rilevanti del Rinascimento classico italiano: il recupero dell'antichità, sia nei temi che nelle forme, la scultura monumentale libera o il nudo, maschile e femminile. D'altra parte, la ricerca del movimento, del dinamismo, persino dell'instabilità della figura, preludono ad alcuni aspetti del manierismo e alle correnti barocche del tardo XVI e XVII secolo.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 62 - AUGUST GAUL (Hanau, 1869- Berlino, 1921). "Don pinguini", 1911 circa. Bronzo patinato e dorato. Firmato A. Gaul. Misure: 16 x 17, 5 x 8,5 cm; 4,5 x 21,5 x 10,5 cm (base). Nel corso del XIX e XX secolo la scultura a tema animale raggiungerà finalmente uno status proprio, nel contesto della scultura romantica. Cercando di allontanarsi dall'ideale scultoreo classico, molti artisti videro nel tema animale un nuovo modo di esprimersi, legato alla natura emotiva e irrazionale, in senso puramente romantico. August Gaul fu uno scultore e medaglista tedesco attivo durante la transizione dallo storicismo al modernismo. Figlio dello scalpellino Philipp Gaul (1840-1910), ricevette la prima ispirazione per la sua futura professione nella bottega del padre. Fece un apprendistato come modellista in una fabbrica di argenteria e dal 1884 fu studente alla Reale Accademia Prussiana di Disegno di Hanau. Con il sostegno del suo insegnante, lo scultore Max Wiese, si trasferisce a Berlino nel 1888. Qui lavora inizialmente nel laboratorio di scultura di Alexander Calandrelli e frequenta i corsi del Museo delle Arti Decorative di Berlino. Dopo aver ottenuto un pass permanente per il Giardino Zoologico di Berlino nel 1890, vi studia intensamente disegno. Nel 1894 inizia a studiare all'Accademia d'Arte di Berlino, nella classe del pittore Paul Meyerheim, il cui punto di forza era la rappresentazione degli animali. Nel 1895 Gaul inizia a lavorare come studente avanzato nello studio di Reinhold Begas, il principale esponente del neobarocco alla scuola di scultura di Berlino. Begas commissionò a lui e ad August Kraus due dei quattro leoni per il Monumento nazionale al Kaiser Guglielmo, situato di fronte al Municipio di Berlino. Un premio assegnato dall'Accademia per un rilievo permise a Gaul di studiare in Italia tra il 1897 e il 1898. Al suo ritorno, divenne noto soprattutto per la scultura delle due capre romane, che poté esporre anche all'Esposizione Universale di Parigi del 1900. Nel 1898 fu uno dei membri fondatori della Secessione di Berlino, un'associazione di artisti come Max Liebermann, Louis Tuaillon e Walter Leistikow, che si opponevano alla scena artistica accademica dominante; dal 1902 fu membro del consiglio direttivo della Secessione. August Gaul fu nominato professore all'Accademia d'Arte nel 1908 e nel 1919 fu nominato membro della commissione acquisizioni della Galleria Nazionale di Berlino.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 63 - CHARLES MALFRAY (Orléans, 1887-Dijon, 1940). "Le Silence". 1916. Bronzo. Esemplare 6/8. Firmato e numerato in basso. Timbro del fondatore. Misure: 32 cm. di altezza. Questo corpo ripiegato su se stesso cerca di proteggersi da un esterno aggressivo. La figura, il cui volume arrotondato è limitato dal blocco di bronzo, vuole essere un omaggio ai combattenti della Prima Guerra Mondiale. Con "Il silenzio", Charles Malfray allegorizza la solitudine e l'impotenza di fronte alla violenza della guerra. Il dramma umano e lo stile d'avanguardia si fondono in quest'opera soggiogante. Charles Malfray era uno scultore francese. Figlio di uno scalpellino di Orléans, studiò all'École des Beaux-Arts di Orléans. A diciassette anni frequentò l'École des Arts Décoratifs di Parigi e l'École nationale supérieure des Beaux-Arts. Tuttavia, rifiuta l'insegnamento accademico della scuola ed è attratto dall'arte di Auguste Rodin e Antoine Bourdelle, che si trovavano a Montmartre. Malfray sopravvisse alla Prima guerra mondiale dopo essere stato gassato e aver partecipato alla battaglia di Verdun, ma rimase profondamente segnato dalle sue esperienze. Insieme al fratello, realizzò i monumenti ai caduti di Pithiviers (1920) e Orleans (1924), il cui modernismo fu molto discusso. Nel 1920 gli viene assegnato il Prix Blumenthal, ma a causa della sua malattia dovuta alla guerra, è sul punto di abbandonare la scultura. Tuttavia, nel 1931, l'amico Aristide Maillol lo nomina suo successore come professore all'Académie Ranson di Parigi. Negli anni successivi, Malfray ebbe molti allievi nel suo studio, tra cui Étienne Martin, François Stahly, Nessa Cohen e Jean Le Moal. Una strada di Orléans porta il nome di Rue Charles Malfray.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 64 - ESTEVA Y CÍA., Barcellona, 1900 circa. "Vergine della Merced". Placconata di stucco dorato. Timbro e numerazione sul lato sinistro. Presenta segni d'uso, usura e difetti, oltre a restauri. Misure: 120 x 52 x 15 cm. Plafone in stucco dorato realizzato nei laboratori di Barcellona di Casa Esteva y Cia. Rappresenta la Vergine della Merced con il Bambino Gesù. Il Bambino regge lo scapolare, simbolo caratteristico di questa devozione mariana. L'intradosso combina alto e bassorilievo, e le qualità ondulatorie delle vesti denotano la sua piena appartenenza al modernismo catalano. Anche il modo di risolvere i fregi floreali e la delicatezza dei volti è caratteristico di questo movimento. La Casa Esteva y Cía. di Barcellona, attiva tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento, lavorò come designer per figure di spicco dell'epoca, come Pablo Gargallo. Attualmente, pezzi di questa ditta sono conservati in collezioni di rilievo come il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna. La Vergine della Misericordia è la patrona dei prigionieri, non solo fisici ma anche spirituali, e di tutti coloro che sono stati emarginati dalla società. La sua devozione ha origine in Catalogna. Intorno a lei è stato fondato l'Ordine della Misericordia, iniziato da San Pietro Nolasco all'inizio del XIII secolo. Furono proprio i monaci mercedari a diffonderne il culto in Spagna, Francia e Italia a partire da quella data. L'iconografia delle rappresentazioni della Vergine della Misericordia acquisisce la sua forma definitiva nel XVI secolo, che nel periodo barocco si orienta verso rappresentazioni più dinamiche, con pause di gloria.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 67 - Modello di KARL HAGENAUER (1898-1956). "Ballerina e cane". Ferro cromato. Misure: 20 x 18 cm. La modellazione di questa scultura è essenziale e sintetica senza tralasciare il naturalismo, tipicamente Art Déco. Così, in generale, i dettagli sono lasciati da parte, la resa meticolosa del modello reale, anche se l'autore, seguace dello stile di Karl Hagenauer, presta particolare attenzione alla cattura del movimento dell'anatomia dei protagonisti. Figlio dell'orafo Carl Hagenauer, Karl studia alla Scuola di Arti e Mestieri di Vienna, dove riceve l'insegnamento di Josef Hoffmann e Oskar Strnad e si impregna dello spirito della Wiener Wekstätte. Dopo aver conseguito il diploma in architettura, tra il 1917 e il 1919 svolge il servizio militare e al suo ritorno inizia a lavorare come architetto e nell'atelier del padre. In questi anni crea numerosi pezzi in argento, ottone, rame, smalto, avorio, pietra e legno. Nel 1928, dopo la morte del padre, assume la direzione del laboratorio e si occupa dell'espansione dell'azienda, ampliando la produzione all'ebanisteria e aprendo negozi a Vienna e Salisburgo. Da allora espone i suoi pezzi migliori in Austria e all'estero, riceve due volte la medaglia d'oro alla Triennale di Milano e viene nominato membro dell'Austrian Werkbund e della Werkstätte. Oggi i suoi pezzi fanno parte di collezioni di tutto il mondo, tra cui il Victoria & Albert Museum di Londra, il MoMA e il Jewish Museum di New York, la Casa Lis di Salamanca e molte altre.

Stima 500 - 550 EUR

Lotto 73 - Coppia di vasi SEVRES, fine XIX secolo. Vetro blu e metallo dorato. Con segni d'uso. Misure: 57 x 23 x 17 cm. Coppia di vasi di Sèvres. I corpi stilizzati in vetro blu cobalto poggiano su piedi in metallo dorato, lavorati con sottili guaine vegetali. Gli esili bracci geometrici si abbinano agli ornamenti in metallo dorato che circondano la bocca e il coperchio. Il coperchio è sormontato da un pomello a forma di ghianda. Alla fine del XVIII secolo, la prestigiosa Sèvres iniziò a specializzarsi nella lavorazione del vetro sotto la direzione di Abel-François Poisson de Vandières, marchese di Marigny e fratello di Madame de Pompadour. I suoi clienti spaziavano dalle case reali e dai nobili cortigiani ai ricchi mercanti e banchieri. Fondata originariamente a Vincennes nel 1740, la Manufacture Nationale de Sèvres fu trasferita qui nel 1756. Una delle fabbriche di porcellana più importanti d'Europa, la manifattura prese successivamente il nome di diversi regimi politici: manifattura reale, imperiale e nazionale. Ancora oggi attiva, la manifattura continua a produrre oggetti creati a partire dal 1740, anche se la produzione attuale è in gran parte orientata verso la creazione contemporanea. La Manufacture de Vincennes fu fondata con il sostegno di Luigi XV e Madame de Pompadour, con l'idea di creare pezzi per la corte e di competere con le produzioni di porcellana di Meissen e Chantilly. I primi esperimenti furono infatti condotti dai fratelli Robert e Gilles Dubois, provenienti dalla manifattura di Chantilly. Nel 1745, sotto la direzione dei coniugi Gravant, erano stati raggiunti importanti risultati, in particolare la creazione di modelli di fiori di porcellana per decorare ogni tipo di pezzo. Il nuovo edificio di Sèvres, dove la manifattura si trasferì nel 1756, fu costruito su iniziativa di Madame de Pompadour.

Stima 1 200 - 1 400 EUR

Lotto 76 - Étui; Francia, seconda metà del XIX secolo. Porcellana smaltata e dorata. Presenta segni di usura. Misure: 15,5 x 6 x 3 cm. Astuccio "Étui" in porcellana bianca e bronzo. Forma allungata e piatta con estremità arrotondate. Si compone di due parti, corpo e coperchio, che si chiude a pressione e bocchino in bronzo dorato. Magnificamente decorato in stile rococò, offre, al centro del corpo con un grande ovale su ogni lato, dipinto a mano, un paesaggio fluviale anteriore e, sul retro, una dama in giardino con cesto di fiori e putti sulla testa; sul resto decorazione a rilievo di roccoli e bretelle dorate, fiori o stelle e losanghe. Coperchio: stessa decorazione con paesaggio fluviale. Questo tipo di scatola o étui divenne di moda nella società francese del XVIII secolo come segno di lusso e potere; il suo uso era quello di contenere oggetti di uso personale dei più vari. Parigi, nel Settecento, ebbe un'esplosione economica con un grande dinamismo artistico e culturale, diventando la capitale dell'Europa occidentale. È comune ricordare che, a quel tempo, da San Pietroburgo, Stoccolma o Berlino a Madrid, tutta l'Europa parlava francese, una lingua che prevaleva sia nella diplomazia sia, in generale, nella vita sociale. Tuttavia, pochi sanno che questo primato era radicato nello stile di vita che gli intellettuali, gli artisti e gli artigiani che avevano studiato e vissuto a Parigi manifestavano nella loro quotidianità con straordinario dinamismo. Molti di loro, tra l'altro, erano di origine straniera.

Stima 650 - 700 EUR

Lotto 79 - LE VERRE FRANÇAIS. Francia, 1925 ca. Vaso. Vetro in pasta con decorazione incisa all'acido. Misure: 15 cm (altezza) x 5 cm (diametro). Pezzo realizzato dall'azienda vetraria Schneider-Le Verre Français in cui pulsa fortemente l'estetica Art Déco. Ernest (1877-1937) e Charles Schneider (1881-1953) fondarono nel 1911 una piccola vetreria a Epinay-sur-Seine, in Francia. Charles Schneider, diplomato alla Scuola di Belle Arti di Parigi e dotato di capacità artistiche fuori dal comune, riuscirà ad andare d'accordo con il fratello tanto che la loro produzione diventerà la più importante vetreria d'arte in Francia tra il 1926 e il 1930. I suoi erano sempre pezzi soffiati a mano, il che significava che ogni bicchiere della stessa serie non sarebbe mai stato identico a un altro. Allo stesso tempo, la gamma di processi di decorazione a caldo e a freddo era sempre applicata con virtuosa maestria. Charles Schneider studiò meticolosamente la temperatura e le composizioni chimiche per ottenere una tavolozza di colori estremamente ampia, alcuni dei quali mai visti prima e di una forza senza precedenti nell'arte del vetro. Il cosiddetto Tango, ad esempio, un arancione esplosivo, diventerà il più innovativo. Conosciuta come Verreries Schneider, l'azienda realizzava due linee di produzione. La prima, con il marchio Le Verre Français, comprende pezzi decorati con la tecnica del cammeo inciso all'acido, con generalmente due colori di vetro sovrapposti e una decorazione floreale stilizzata, lucida su fondo opaco. La seconda linea, sotto l'emblematico marchio Schneider, è costituita da pezzi in serie più brevi, talvolta unici, che propongono una vetreria liscia e lucida, con tecniche decorative più elaborate e personali. In ogni caso, il trionfo di questa azienda si deve senza dubbio alla frenesia creativa, all'entusiasmo, al talento e al genio di un uomo, Charles Schneider.

Stima 600 - 800 EUR

Lotto 80 - ANTONI SERRA (Barcellona, 1869-1932). "Signora modernista". Firmato e timbrato sulla base. Misure: 33 x 21 x 17 cm. La stirpe dei ceramisti Serra inizia con Antoni Serra Fiter (1869-1932), nell'ambito del modernismo, che fondò il primo laboratorio specializzato in ceramica e porcellana d'arte in Spagna. A Serra Fiter seguirono i figli Antonio (1905-85), Josep (1906-89) ed Enric (1908-86) Serra Abella, che iniziarono una nuova fase con un orientamento completamente nuovo. Infine, Jordi Serra Moragas (1942), figlio di Josep Serra Abella, continua la tradizione familiare. Lo scultore Enric Casanovas inizia la sua formazione come discepolo di Josep Llimona, per poi entrare nella Scuola di La Lonja a Barcellona. Nel 1900 compie il suo primo viaggio a Parigi e al suo ritorno espone le sue opere a Els Quatre Gats. Tra il 1904 e il 1913 vive tra Parigi e Barcellona, in contatto con Picasso, Maillol e Gargallo, tra gli altri artisti. Nel 1920 ottiene una sala speciale all'Esposizione di Belle Arti e nel 1922 partecipa all'Esposizione degli artisti catalani ad Amsterdam. Cinque anni dopo espone le sue opere in Italia e nel 1929 vince la medaglia d'oro all'Esposizione Universale di Barcellona. Nel 1932 entra nell'Accademia di Belle Arti di San Jorge e nel 1935 ottiene il premio Campeny della Generalitat de Catalunya. Attualmente è rappresentato al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna, al Museo Municipale di Tossa de Mar, al Museo d'Arte Jaume Morera di Lleida, al Museo della Scultura Luis Perlotti di Buenos Aires e al MACBA di Barcellona.

Stima 900 - 1 000 EUR

Lotto 83 - Piatto; Manises, XVI secolo. Ceramica smaltata. Presenta linee di frattura e restauri. Misure: 4 x 63 cm (diametro). Piatto in ceramica a lustro metallico con tetone centrale decorato con un toro, corrispondente allo stemma della famiglia Borgia. L'ala è decorata con gadroons obliqui, ispirati all'argenteria contemporanea, che alternano motivi geometrici. La ceramica a lustro sarà la grande arte del periodo nazarì, anche se nasce in Spagna durante il periodo almohade, tra la seconda metà del XII secolo e la prima metà del XIII secolo. In epoca successiva avrà particolare sviluppo a Manises, dove la tradizione ispano-musulmana continuerà sia negli aspetti tecnici che in quelli decorativi. Si tratta di una ceramica smaltata, cioè con un bagno di smalto bianco, molto puro nei migliori esempi, che viene cotta in forno. Su di esso, una volta freddo, si decora con un pigmento composto da cinque ingredienti base: rame, argento, zolfo, almazarrón (ossido di ferro) e aceto. La tonalità finale dipenderà dalla proporzione di questi componenti, risultando più dorata se è presente una maggiore quantità di argento, e più rossastra se predomina il rame. Infine, il pezzo viene cotto una seconda volta a 650ºC, in atmosfera riducente, per fissare la decorazione. Una volta che il pezzo è stato cotto, la decorazione è nera, quindi deve essere brunita per ottenere il tono finale di oro metallico lucido. Presenta linee di frattura e restauri.

Stima 1 400 - 1 500 EUR

Lotto 86 - Vaso Art Nouveau DAUM. Nancy, Francia, 1905. Vetro cammeo. Con marchio. Misure: 12 cm (altezza) x 6 cm (diametro). Vaso con base circolare su cui poggia il corpo del vaso, decorato con motivi floreali su fondo bicromatico. Formalmente il pezzo presenta un leggero rigonfiamento nella pancia. Per quanto riguarda la tecnica, in realtà il vetro cammeo è conosciuto fin dall'antichità, anche se fu ripreso alla fine dell'Ottocento in Francia e in Inghilterra. Émile Gallé presentò la sua tecnica del cammeo inciso all'acido all'Esposizione di Parigi del 1889, con l'obiettivo di far conoscere al pubblico il vetro modernista. Si trattava di una forma di decorazione più rapida ed economica rispetto alla ruota incisa a cammeo, quindi il risultato erano pezzi più accessibili, prodotti in serie ma fatti a mano, poiché non si usavano sagome ma il motivo veniva disegnato a mano su ogni pezzo. La tecnica del vetro cammeo consiste nel soffiare una bolla di due o più strati di vetro di colore diverso, che vengono poi intagliati o rimossi mediante rifusione acida del fondo, lasciando così il motivo in rilievo, nel colore dello strato di vetro superiore. Questa tecnica innovativa fu presto adottata anche da altre aziende di vetro artistico, come Daum. La manifattura Daum fu fondata alla fine del XIX secolo da Augustin Daum (1853-1909), proveniente da una piccola vetreria familiare di Nancy. A lui si unirà il fratello Antonin (1864-1931) e i laboratori Daum diventeranno presto un luogo di incontro e formazione per molti giovani artisti, che promuoveranno lo stile Art Nouveau a Nancy. In un primo momento, i laboratori producono vetro ordinario, ma nel 1891 decidono di aprire un laboratorio di decorazione e di intraprendere una produzione artistica, probabilmente in seguito al successo di Émile Gallé (1846-1904) all'Esposizione del 1889. Alla fine, Daum avrà una fabbrica con più di trecento dipendenti e una produzione artistica di grande varietà. Durante la Prima Guerra Mondiale la fabbrica chiude, ma riprende la produzione nel dopoguerra, adattandosi al cambiamento dell'estetica e lasciandosi alle spalle il modernismo del primo periodo. Durante il periodo dell'Art Nouveau, la maggior parte dei pezzi di Daum era realizzata in vetro cammeo inciso all'acido, ma con il nuovo stile Art Déco furono studiate nuove tecniche e stili decorativi.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 90 - ÉMILE GALLÉ (Nancy, Francia, 1846 - 1904). Vaso, 1908-1920. Vetro cammeo intagliato all'acido. Firmato. Misure: 20 x 10 x 10 cm. Émile Gallé inizia la sua carriera lavorando per il padre, proprietario di una fabbrica di vetro e ceramica, realizzando disegni con motivi floreali e araldici. Molto interessato alla botanica, la studiò a fondo durante la giovinezza, alternandola a lezioni di disegno. Tra il 1862 e il 1864, su richiesta del padre, viaggiò in Italia, Inghilterra e Germania, interessandosi alle arti applicate ma anche a temi che avrebbe poi ripreso nelle sue opere, come la musica, la filosofia e la natura. Al suo ritorno si stabilì a Meisenthal, dove si trovavano le fornaci di vetro della sua famiglia, per apprendere appieno il mestiere di vetraio. Viaggiò anche a Londra e Parigi per vedere le collezioni dei loro musei. Nel 1874 rilevò la fabbrica paterna e ben presto ottenne un grande successo internazionale, vincendo premi in esposizioni internazionali e vendendo opere a importanti collezioni e musei. Oggi i pezzi realizzati da Émile Gallé si trovano, tra gli altri, al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo, al Metropolitan Museum di New York, al Museo d'Orsay di Parigi, al Museo Brohan di Berlino e al Victoria & Albert Museum di Londra. La natura è una delle principali fonti di ispirazione di Gallé, il cui stile era caratterizzato dalla cattura degli elementi in modo naturalistico, come se fossero osservati attraverso una macro, a grandi dimensioni, o sotto forma di paesaggi. Questo pezzo è lavorato con acido fluoridrico, che era la tecnica principale della produzione industriale di Gallé. Si tratta di un vetro cammeo, ovvero di un pezzo realizzato con due o più strati di vetro di colore diverso in modo che, dopo l'immersione nell'acido, il motivo decorativo risulti in rilievo su uno sfondo liscio di colore diverso.

Stima 900 - 1 000 EUR

Lotto 91 - ÉMILE GALLÉ (Nancy, Francia, 1846 - 1904). Vaso, 1908-1920. Vetro cammeo intagliato all'acido. Firmato. Misure: 35,5 x 14 x 14 cm. Émile Gallé inizia la sua carriera lavorando per il padre, proprietario di una fabbrica di vetro e ceramica, realizzando disegni con motivi floreali e araldici. Molto interessato alla botanica, la studiò a fondo durante la giovinezza, alternandola a lezioni di disegno. Tra il 1862 e il 1864, su richiesta del padre, viaggiò in Italia, Inghilterra e Germania, interessandosi alle arti applicate ma anche a temi che avrebbe poi ripreso nelle sue opere, come la musica, la filosofia e la natura. Al suo ritorno si stabilì a Meisenthal, dove si trovavano le fornaci di vetro della sua famiglia, per apprendere appieno il mestiere di vetraio. Viaggiò anche a Londra e Parigi per vedere le collezioni dei loro musei. Nel 1874 rilevò la fabbrica paterna e ben presto ottenne un grande successo internazionale, vincendo premi in esposizioni internazionali e vendendo opere a importanti collezioni e musei. Oggi i pezzi realizzati da Émile Gallé si trovano, tra gli altri, al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo, al Metropolitan Museum di New York, al Museo d'Orsay di Parigi, al Museo Brohan di Berlino e al Victoria & Albert Museum di Londra. La natura è una delle principali fonti di ispirazione di Gallé, il cui stile era caratterizzato dalla cattura degli elementi in modo naturalistico, come se fossero osservati attraverso una macro, a grandi dimensioni, o sotto forma di paesaggi. Questo pezzo è lavorato con acido fluoridrico, che era la tecnica principale della produzione industriale di Gallé. Si tratta di un vetro cammeo, ovvero di un pezzo realizzato con due o più strati di vetro di colore diverso in modo che, dopo l'immersione nell'acido, il motivo decorativo risulti in rilievo su uno sfondo liscio di colore diverso.

Stima 1 200 - 1 300 EUR

Lotto 92 - ÉMILE GALLÉ (Nancy, Francia, 1846 - 1904). Vaso, 1905-1908. Vetro cammeo intagliato all'acido. Firmato. Misure: 31 x 10,5 x 10,5 cm. Émile Gallé inizia la sua carriera lavorando per il padre, proprietario di una fabbrica di vetro e ceramica, realizzando disegni con motivi floreali e araldici. Molto interessato alla botanica, la studiò a fondo durante la giovinezza, alternandola a lezioni di disegno. Tra il 1862 e il 1864, su richiesta del padre, viaggiò in Italia, Inghilterra e Germania, interessandosi alle arti applicate ma anche a temi che avrebbe poi ripreso nelle sue opere, come la musica, la filosofia e la natura. Al suo ritorno si stabilì a Meisenthal, dove si trovavano le fornaci di vetro della sua famiglia, per apprendere appieno il mestiere di vetraio. Viaggiò anche a Londra e Parigi per vedere le collezioni dei loro musei. Nel 1874 rilevò la fabbrica paterna e ben presto ottenne un grande successo internazionale, vincendo premi in esposizioni internazionali e vendendo opere a importanti collezioni e musei. Oggi i pezzi realizzati da Émile Gallé si trovano, tra gli altri, al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo, al Metropolitan Museum di New York, al Museo d'Orsay di Parigi, al Museo Brohan di Berlino e al Victoria & Albert Museum di Londra. La natura è una delle principali fonti di ispirazione di Gallé, il cui stile era caratterizzato dalla cattura degli elementi in modo naturalistico, come se fossero osservati attraverso una macro, a grandi dimensioni, o sotto forma di paesaggi. Questo pezzo è lavorato con acido fluoridrico, che era la tecnica principale della produzione industriale di Gallé. Si tratta di un vetro cammeo, ovvero di un pezzo realizzato con due o più strati di vetro di colore diverso in modo che, dopo l'immersione nell'acido, il motivo decorativo risulti in rilievo su uno sfondo liscio di colore diverso.

Stima 1 200 - 1 300 EUR

Lotto 93 - ÉMILE GALLÉ (Nancy, Francia, 1846 - 1904). Vaso, 1905-1908. Vetro cammeo intagliato all'acido. Firmato. Misure: 24 x 20 x 20 cm. Émile Gallé inizia la sua carriera lavorando per il padre, proprietario di una fabbrica di vetro e ceramica, realizzando disegni con motivi floreali e araldici. Molto interessato alla botanica, la studiò a fondo durante la giovinezza, alternandola a lezioni di disegno. Tra il 1862 e il 1864, su richiesta del padre, viaggiò in Italia, Inghilterra e Germania, interessandosi alle arti applicate ma anche a temi che avrebbe poi ripreso nelle sue opere, come la musica, la filosofia e la natura. Al suo ritorno si stabilì a Meisenthal, dove si trovavano le fornaci di vetro della sua famiglia, per apprendere appieno il mestiere di vetraio. Viaggiò anche a Londra e Parigi per vedere le collezioni dei loro musei. Nel 1874 rilevò la fabbrica paterna e ben presto ottenne un grande successo internazionale, vincendo premi in esposizioni internazionali e vendendo opere a importanti collezioni e musei. Oggi i pezzi realizzati da Émile Gallé si trovano, tra gli altri, al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo, al Metropolitan Museum di New York, al Museo d'Orsay di Parigi, al Museo Brohan di Berlino e al Victoria & Albert Museum di Londra. La natura è una delle principali fonti di ispirazione di Gallé, il cui stile era caratterizzato dalla cattura degli elementi in modo naturalistico, come se fossero osservati attraverso una macro, a grandi dimensioni, o sotto forma di paesaggi. Questo pezzo è lavorato con acido fluoridrico, che era la tecnica principale della produzione industriale di Gallé. Si tratta di un vetro cammeo, ovvero di un pezzo realizzato con due o più strati di vetro di colore diverso in modo che, dopo l'immersione nell'acido, il motivo decorativo risulti in rilievo su uno sfondo liscio di colore diverso.

Stima 1 400 - 1 500 EUR

Lotto 94 - ÉMILE GALLÉ (Nancy, Francia, 1846 - 1904). Vaso, 1908-1920. Vetro cammeo intagliato all'acido. Firmato. Misure: 49 x 18 x 18 cm. Émile Gallé inizia la sua carriera lavorando per il padre, proprietario di una fabbrica di vetro e ceramica, realizzando disegni con motivi floreali e araldici. Molto interessato alla botanica, la studia a fondo durante la giovinezza, alternandola a lezioni di disegno. Tra il 1862 e il 1864, su richiesta del padre, viaggiò in Italia, Inghilterra e Germania, interessandosi alle arti applicate ma anche a temi che avrebbe poi ripreso nelle sue opere, come la musica, la filosofia e la natura. Al suo ritorno si stabilì a Meisenthal, dove si trovavano le fornaci di vetro della sua famiglia, per apprendere appieno il mestiere di vetraio. Viaggiò anche a Londra e Parigi per vedere le collezioni dei loro musei. Nel 1874 rilevò la fabbrica paterna e ben presto ottenne un grande successo internazionale, vincendo premi in esposizioni internazionali e vendendo opere a importanti collezioni e musei. Oggi i pezzi realizzati da Émile Gallé si trovano, tra gli altri, al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo, al Metropolitan Museum di New York, al Museo d'Orsay di Parigi, al Museo Brohan di Berlino e al Victoria & Albert Museum di Londra. La natura è una delle principali fonti di ispirazione di Gallé, il cui stile era caratterizzato dalla cattura degli elementi in modo naturalistico, come se fossero osservati attraverso una macro, a grandi dimensioni, o sotto forma di paesaggi. Questo pezzo è lavorato con acido fluoridrico, che era la tecnica principale della produzione industriale di Gallé. Si tratta di un vetro a cammeo, che consiste nel realizzare un pezzo con due o più strati di vetro di colore diverso in modo che, dopo l'immersione nell'acido, il motivo decorativo risulti in rilievo su uno sfondo liscio di colore diverso.

Stima 1 500 - 1 600 EUR

Lotto 96 - FRANÇOIS ÉMILE DÉCORCHEMONT (Conches-en-Ouche, Francia, 1880-1971). Posacenere, 1930 ca. In pasta di vetro. Con timbro su un lato. Misure: 3,5 x 15 x 10 cm. Décorchemont nasce in una famiglia di artisti. Nel 1902 inizia a sperimentare il vetro, ispirato dal lavoro in pâte de noche dell'artista del vetro Albert Dammouse. Nel 1903 debutta al Salon des Artistes Français con dipinti e alcuni vasi in pâte de noche. Per i suoi vasi riceve una menzione d'onore. In seguito, si concentra interamente sulla lavorazione della pâte de nuit. Questi primi esperimenti furono faticosi, ma egli perseverò ed espose regolarmente ai Salon parigini, con grande successo, ricevendo diversi premi e persino una borsa di viaggio nel 1908. Al suo ritorno si stabilisce a Conches-en-Ouches. Inizia a utilizzare anche la tecnica della cire-perdue (tecnica a cera persa), con la quale cerca di ottenere la brillantezza delle pietre preziose nella pâte de nuit. Espone i suoi nuovi lavori al Salon des Artistes nel 1911 e nel 1912 al Salon d'Automne, ricevendo subito la medaglia d'oro. Durante gli anni Venti, i disegni di Décorchemont divennero spesso più stilizzati e cominciarono ad essere utilizzati anche motivi geometrici. Nelle sue maniglie vengono spesso incorporate figure come camaleonti, serpenti, pesci e cariatidi. La fama di Décorchemont aumentò rapidamente e gli vennero assegnate molte posizioni d'onore nei vari salotti parigini. Le sue opere divennero (e sono tuttora) molto preziose. Espone anche all'Exposition Internationale des Arts Decoratifs del 1925 a Parigi. Le sue opere sono presenti in diversi padiglioni, come l'"Hotel d'un Collectioneur" di Jacques Ruhlmann. Ha partecipato a importanti mostre speciali internazionali, a Ginevra, negli Stati Uniti, ad Atene, Amsterdam e Barcellona.

Stima 1 800 - 2 200 EUR

Lotto 99 - Coppia di vasi SÈVRES Art Nouveau, 1900 ca. Porcellana e bronzo. Con segni di firma sulla base. Misure: 36 cm. di altezza. Coppia di vasi di Sèvres fin de siècle. Nella loro decorazione seguono l'estetica Art Nouveau al cui periodo appartengono. Graziose ninfe fluviali circondate da crisantemi e steli vegetali zigzaganti decorano le pance ovali. I manici fogliati e la base sono in bronzo dorato. Fondata originariamente a Vincennes nel 1740, la Manufacture Nationale de Sèvres fu trasferita in questa sede nel 1756. Una delle principali fabbriche di porcellana europee, la manifattura prese successivamente il nome di diversi regimi politici: manifattura reale, imperiale e nazionale. Tuttora in attività, la manifattura continua a curare gli oggetti creati a partire dal 1740, anche se la sua produzione attuale è in gran parte orientata verso la creazione contemporanea. La Manufacture de Vincennes fu fondata con il sostegno di Luigi XV e Madame de Pompadour, con l'idea di creare pezzi per la corte e di competere con le produzioni di porcellana di Meissen e Chantilly. I primi esperimenti furono condotti dai fratelli Robert e Gilles Dubois, provenienti dalla manifattura di Chantilly. Già nel 1745, sotto la direzione dei coniugi Gravant, si ottennero importanti risultati, in particolare la creazione di modelli di fiori di porcellana per decorare tutti i tipi di pezzi. Il nuovo edificio di Sèvres fu costruito su iniziativa di Madame de Pompadur. Tre anni dopo fu nominata fabbrica reale e da quel momento in poi avrebbe utilizzato oro fino, l'unica con questo privilegio in tutta la Francia. Durante la Rivoluzione francese, la fabbrica subì un calo di produzione, ma conobbe una ripresa tra il 1800 e il 1847 sotto la direzione di Alexandre Brongniart. Dalla metà del XIX secolo, gli stili dominanti furono l'eclettismo e lo storicismo, e alcuni modelli recuperarono tipologie del passato, come il manierismo di Fontainebleau e il barocco di Versailles.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 100 - GOLDSCHEIDER; Vienna, 1930 ca. Figura. Porcellana smaltata. Presenta segni sulla base. Misure: 25 x 18 x 15 cm. L'azienda austriaca di ceramica e porcellana Goldscheider fu fondata nel 1885 dallo scultore boemo Friedrich Goldscheider. Per oltre mezzo secolo l'azienda ha creato capolavori dello storicismo, dell'Art Nouveau e dell'Art Déco. Il fondatore riuscì ad attirare nella sua fabbrica sia artisti di fama che giovani innovatori, tanto che vi lavorarono grandi ceramisti dell'epoca, come W. Bosse, B. Geiger, J. Lorenzl, I. Meisinger e M. Powolny, tra gli altri. Dopo la morte di Goldscheider, la fabbrica fu rilevata dalla vedova Regina, che continuò a produrre i modelli del marito, insieme a nuovi modelli creati da artisti che lavoravano per l'azienda, come D. Chiparus durante il periodo Art Déco. Fino alla sua chiusura, avvenuta con l'avvento del nazionalsocialismo, nella fabbrica furono realizzati più di quattromila modelli diversi, sia dallo stesso Goldscheider che da altri autori. Fin dall'inizio, la fabbrica vinse una moltitudine di premi, primi premi e medaglie d'oro in innumerevoli fiere mondiali, mostre e fiere commerciali. Oggi i suoi pezzi sono molto richiesti dai collezionisti di tutto il mondo. Attualmente si possono ammirare in vari musei del mondo, come il Fine Arts Museum di San Francisco, il Metropolitan Museum of Art di New York o il Minneapolis Institute of Arts. Nel 2007, le opere di Goldscheider sono state esposte al Museo di Vienna e, l'anno successivo, al LBI di New York.

Stima 2 000 - 2 400 EUR
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