29th July - Iconic Photography & Graphic work

Lote 1 - HELMUT NEWTON (Allemagne, 1920- Californie, 2004). "Chaussure, Monte Carlo, 1983. Gélatine argentique. Tirage ultérieur. Signé, titré, daté au crayon et cachet de copyright au verso. Pas de numéro d'édition. Provenance : Collection McCord, New York. Dimensions : 36 x 24,6 cm (image) ; 40 x 31 cm (cadre). Une cheville subtilement dressée et chaussée d'un talon haut occupe tout le plan photographique de cette image emblématique d'Helmut Newton. Lieu associé au glamour et au luxe, Monte-Carlo constitue une toile de fond idéale pour l'exploration de la mode et de l'érotisme par Newton. Le fétichisme des talons hauts et des chevilles féminines est exploré par l'artiste dans différents contextes. Dans tous les cas, grâce à des compositions audacieuses et soigneusement élaborées, il redéfinit les paramètres de la photographie de mode et de l'érotisme, le rôle des femmes et les relations de pouvoir. La provocation, l'anti-voyeurisme et l'autonomisation des femmes sont souvent les attributs de ses photos. Newton est né à Berlin, a fréquenté le Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium et l'American School in Berlin. Intéressé par la photographie dès l'âge de 12 ans, lorsqu'il achète son premier appareil, il travaille pour la photographe allemande Yva (Elsie Neuländer Simon) à partir de 1936. Les restrictions de plus en plus oppressives imposées aux Juifs par les lois de Nuremberg font perdre à son père le contrôle de l'usine ; il est brièvement interné dans un camp de concentration lors de la Nuit de Cristal, ce qui contraint finalement la famille à quitter l'Allemagne. Les parents de Newton s'enfuient en Argentine. Enfin, arrivé à Singapour, il découvre qu'il peut y rester, d'abord brièvement en tant que photographe pour le Straits Times, puis en tant que photographe portraitiste. Newton a été interné par les autorités britanniques alors qu'il se trouvait à Singapour et a été envoyé en Australie à bord du Queen Mary, arrivant à Sydney le 27 septembre 1940. Il est libéré en 1942 et travaille brièvement comme cueilleur de fruits dans le nord de l'État de Victoria. En avril 1942, il s'est engagé dans l'armée australienne et a travaillé comme chauffeur de camion. Après la guerre, en 1945, il est devenu sujet britannique et a changé son nom en Newton en 1946. La même année, Newton installe un studio sur Flinders Lane à Melbourne et travaille dans la photographie de mode, de théâtre et industrielle pendant la période d'après-guerre. Il partage sa première exposition commune avec Wolfgang Sievers en mai 1953. L'exposition "New Visions in Photography" est présentée au Federal Hotel dans Collins Street et constitue probablement le premier aperçu de la photographie de la Nouvelle Objectivité en Australie. Newton s'associe à Henry Talbot, un juif allemand qui avait également été interné à Tatura, et son association avec le studio se poursuit même après 1957, lorsqu'il quitte l'Australie pour Londres. Le studio est alors rebaptisé "Helmut Newton and Henry Talbot". La réputation grandissante de Newton en tant que photographe de mode est récompensée lorsqu'il obtient une commande pour illustrer la mode dans un supplément australien spécial pour le magazine Vogue, publié en janvier 1956. Il décroche un contrat de 12 mois avec British Vogue et part pour Londres en février 1957, laissant Talbot gérer l'entreprise. Newton quitte le magazine avant la fin de son contrat et se rend à Paris, où il travaille pour des magazines français et allemands. Il revient à Melbourne en mars 1959 pour travailler avec Australian Vogue. Newton et sa femme s'installent finalement à Paris en 1961. Ses images apparaissent dans des magazines tels que l'édition française de Vogue et Harper's Bazaar. Il établit un style particulier marqué par des scènes érotiques et stylisées, souvent à connotation fétichiste. En 1980, il crée la série des "Big Nudes". Vient ensuite le portfolio "Nude and Clothed" et, en 1992, "Domestic Nudes", qui marque l'apogée de son style érotico-urbain, toutes ces séries témoignent de la dextérité de ses compétences techniques. Newton a également travaillé sur des portraits et des études plus fantastiques. Il a réalisé une série d'illustrations pour Playboy, notamment de Nastassja Kinski et de Kristine DeBell.

Valorac. 12 000 - 14 000 EUR

Lote 2 - STEVE MCCURRY (USA, 1950). "Afghan Girl", Peshawar, Pakistan, 1984. Épreuve chromogène. Annotation au dos : "Fuji color chrystal Archive Paper". Signé à l'encre dans la marge. Provenance : Galerie Cesare Manzo, Pescara, Italie. Dimensions : 45,5 x 30,5 cm (image) ; 49,8 x 39,5 cm (cadre). "The Afghan Girl" est la photographie la plus connue de la carrière de McCurry, et elle est emblématique de l'histoire de la photographie documentaire. Il l'a prise en 1984, dans le camp de réfugiés de Nasir Bagh, au Pakistan, pendant la guerre soviéto-afghane. La jeune fille, Sharbat Gula, était une réfugiée afghane qui avait fui la violence dans son pays. La jeune fille, aux yeux verts perçants, enveloppée d'un châle rouge couvrant ses épaules et ses cheveux, a captivé les téléspectateurs du monde entier. L'image a fait la couverture du numéro de juin 1985 du magazine National Geographic, devenant rapidement l'une des photographies les plus connues et les plus puissantes du XXe siècle. L'image est devenue un symbole de la souffrance et de la résilience des réfugiés et du conflit en Afghanistan. Elle a été largement utilisée pour illustrer la situation critique des réfugiés dans le monde entier. Pendant de nombreuses années, l'identité de la jeune fille sur la photo est restée un mystère. En 2002, McCurry et une équipe du National Geographic ont localisé Sharbat Gula dans un village reculé d'Afghanistan. Son identité a été confirmée par la reconnaissance des traits de son visage, en particulier de ses yeux. Steve McCurry est un photojournaliste américain, connu dans le monde entier comme l'auteur de la photographie "The Afghan Girl", parue dans le magazine National Geographic en 1985. Sa carrière de photographe a commencé avec la guerre d'Afghanistan (1978-1992). Il a également couvert d'autres conflits internationaux tels que la guerre Irak-Iran ou la guerre du Golfe. Après avoir travaillé à King of Prussia, en Pennsylvanie, pendant deux ans, il est parti en Inde pour travailler à son compte en 1978. Après un an, il s'est rendu dans le nord du Pakistan. Sa carrière de photographe a commencé avec sa couverture de la guerre soviétique. En Afghanistan, McCurry s'est déguisé avec les vêtements du pays pour passer inaperçu pendant qu'il travaillait, et il a sorti des pellicules du pays en les cousant dans ses vêtements. Ses images ont été parmi les premières à illustrer le conflit et ont été largement diffusées. Ce travail lui a valu la médaille d'or Robert Capa pour le meilleur photojournalisme étranger et a été publié dans le New York Times, TIME et Paris Match. McCurry a continué à couvrir des conflits internationaux, notamment la guerre Iran-Irak, Beyrouth, le Cambodge, les Philippines, la guerre du Golfe et l'Afghanistan. Il a survécu à un accident d'avion en Yougoslavie. Son travail a été publié dans des magazines du monde entier et il contribue régulièrement au National Geographic. Il est membre de l'agence Magnum depuis 1986. Dans son travail, McCurry se concentre sur la douleur causée par la guerre. Il tente de montrer les effets de la guerre, non seulement sur le champ de bataille, mais aussi sur les personnes qui y vivent. Il affirme qu'il y a toujours quelque chose de commun entre tous les humains, malgré la religion, la langue, l'appartenance ethnique, etc.

Valorac. 10 000 - 13 000 EUR

Lote 3 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). Série de Barcelone, 1972. Eau-forte, aquatinte et carborundum. Copie "Bon a tiré", 1972. Signé et inscrit au crayon. Inscrit : "Bat. Miró 6/IV/72 - 28/III/72 (6)". Réf. n° 598, p. 231, "Miró Graveur", Vol. 598, p. 231, "Miró Graveur", Vol. II. Dimensions : 70 x 105 cm ; 87 x 122 cm (cadre). Joan Miró se forme à Barcelone, et débute individuellement en 1918, dans les galeries Dalmau. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste dans le domaine visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Tout au long de sa vie, il reçoit de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise et de la Fondation Guggenheim, le prix Carnegie de peinture, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya et des Beaux-Arts, et est nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Ses œuvres sont actuellement exposées à la Fondation Joan Miró à Barcelone, ainsi qu'au musée Thyssen-Bornemisza, au MoMA de New York, au musée Reina Sofía de Madrid, à la National Gallery de Washington, au MNAM de Paris et à l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 4 - JEANLOUP SIEFF (Paris, 1933-2000). "Yves Saint Laurent, Paris, 1971. Gélatine argentique. Signé et daté à l'encre (dans la marge). Avec le cachet de l'artiste au verso. Provenance : collection privée O'Hara New York. Dimensions : 30 x 31 cm (image) ; 40,7 x 31 cm (cadre). La photographie d'Yves Saint Laurent prise par Jeanloup Sieff à Paris (1971) a été réalisée au cours d'une période de grande créativité dans le domaine de la mode et de la photographie. Yves Saint Laurent était déjà une figure importante du monde de la mode, connu pour ses créations révolutionnaires, et Sieff était déjà un portraitiste renommé de grandes personnalités. Jeanloup Sieff était connu pour sa capacité à capturer l'élégance et la sensualité de ses sujets. Son style distinctif comprend une utilisation magistrale du noir et blanc, jouant avec l'ombre et la lumière. Dans cette photographie, Sieff utilise ces techniques pour mettre en valeur la silhouette et le caractère de Saint Laurent. En montrant le créateur nu, cette image transmet la vulnérabilité du sujet et son dépouillement, offrant un regard intime sur l'homme qui se cache derrière l'icône de la mode. Jeanloup Sieff était un photographe français, reconnu pour ses portraits de personnalités du show-business et d'hommes politiques, mais aussi pour ses reportages, ses paysages et ses photographies de nu. Il est né à Paris le 30 novembre 1933 de parents d'origine polonaise. Ses études après le lycée sont brèves : il étudie les lettres pendant deux semaines, le journalisme pendant dix jours, la photographie à l'école de Vaugirard en France pendant un mois, puis à Vevey en Suisse pendant sept mois. Sa passion pour la photographie le fait débuter comme photographe "amateur" à l'âge de quinze ans, puis il améliore progressivement sa qualité photographique pour débuter comme photojournaliste en 1954. Un an plus tard, il rejoint le magazine Elle, où il réalise d'abord des reportages, puis des photographies de mode, jusqu'à ce qu'il quitte le magazine en 1959. Cette année-là, il commence à travailler pour Réalités et Le Jardin des Modes. Il quitte également l'agence Magnum pour travailler à son compte. Il reçoit le prix Niépce en 1959 pour l'excellence de sa photographie. En 1961, il s'installe à New York, où il collabore avec Look, Esquire, et surtout Harper's Bazaar. Il fait de brefs séjours en Europe où il travaille pour Twen, Vogue et Queen. En 1967, il décide de s'installer à Paris, où il travaille pour Vogue, Femme, Nova et d'autres publications. Il expose au niveau national et international et plusieurs de ses œuvres sont acquises par divers musées dans le monde. En 1971, elle reçoit la médaille d'or du musée d'art moderne de Skopje et, la même année, elle fait don de plusieurs collections à la Bibliothèque nationale de Paris, qui, à l'époque, n'avait pas les moyens d'acheter des photographies d'auteurs français. La caractéristique la plus marquante de son travail est l'utilisation du noir et blanc, principalement des prises de vue au grand angle et ses marques dramatiques dans le laboratoire. Son style montre l'influence du surréalisme et de la nouvelle objectivité. Son travail a reçu des prix internationaux du Japon aux États-Unis et est distribué dans différentes parties du monde. Il a notamment reçu le prix Niépce en 1959 et le Grand Prix National de Photographie en 1992. Il a été nommé chevalier de la Légion d'honneur.

Valorac. 10 000 - 13 000 EUR

Lote 5 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Série éveillée Jonas" 2007. Photographie numérique, copie AP 3/3. Signée au dos. Dimensions : 152,4 x 114,3 cm ; 154 x 116 cm (cadre). Avec sa série "Awakened", LaChapelle a donné une nouvelle orientation à son travail. Inspiré par le récit biblique, il prend des anonymes jouant le rôle de personnages bibliques (ici nous montrons la figure de Jonas), immergés dans l'eau, en état de lévitation. La beauté des éclairages, leurs expressions, l'apesanteur des vêtements, tout concourt à introduire le spectateur dans une dimension mystique accueillante. Ces œuvres confirment le lien profond de LaChapelle avec le transcendantal, avec la présence du divin dans le quotidien et avec l'idée du sublime. La carrière de LaChapelle a commencé de manière significative en 1982, lorsque Andy Warhol l'a incité à publier ses photographies "Interview". "Andy Warhol correspond parfaitement à son époque", déclare le photographe, "c'est sans aucun doute un grand artiste du XXe siècle. Il était très généreux et j'ai beaucoup appris de lui, mais nous appartenons à deux générations différentes et avons des idées différentes. L'art le plus précieux aujourd'hui est celui qui parvient à clarifier l'époque dans laquelle nous vivons, et c'est ce que j'essaie de faire." Les images loufoques, bizarres et fantastiques de David LaChapelle sont apparues sur les pages et les couvertures des magazines Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face et GQ, pour n'en citer que quelques-uns. Son style est unique et reconnaissable, il travaille avec des plans ouverts, des scènes fraîches et extrêmement colorées montrant son style pop-art. Ses photos sont méticuleuses et détaillées, travaillant l'aspect physique du personnage jusqu'à la caricature. "J'essaie de prendre des photos que je n'ai jamais vues auparavant", explique LaChapelle. Créatif talentueux, il joue avec des scènes fictives et grotesques, le plus souvent artificielles et dispose d'une excellente production, les images étant généralement au moment de la prise de vue, avec peu de post-production. On peut également voir dans son travail la critique de la société dans laquelle nous vivons, pleine d'excès et de vanité. Son attachement inconditionnel à l'originalité est légendaire dans le monde de la mode, du cinéma et de la publicité. LaChapelle a participé à des campagnes publicitaires pour divers clients, notamment L'Oréal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma et la campagne Got Milk ? David a photographié de nombreuses couvertures d'albums pour des artistes tels que Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna et Kylie Minogue. Son premier livre à succès, LaChapelle Land, a été publié en 1996 par Collaway Publishing, apportant dans son emballage extravagant une collection explosive de portraits de célébrités et de mannequins, dont Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore et Elton John. Le livre Hotel LaChapelle, également publié par Collaway en 1999, succède à ce premier ouvrage et présente des images fraîches aux couleurs inoubliables. LaChapelle continue de réaliser des photographies qui confrontent nos goûts visuels et jettent un regard neuf sur le paysage d'aujourd'hui.

Valorac. 28 000 - 30 000 EUR

Lote 6 - ROBERT MAPPLETHORPE (New York, 1946- Boston, 1989). "Lisa Lyon", 1982. Gélatine argentique, imprimée en 1982, montée. Exemplaire 1/10. Provenance : Sean Kelly Gallery, New York, Phillips, "SPOTLIGHT : Photographs from a Private London Collection", 2023 et Collection privée, Espagne. Bibliographie : R. Mapplethorpe, Lady : Lisa Lyon, New York : St. Martin's, 1983, p. 94 (variante). Signé et daté par Michael Ward Stout, exécuteur testamentaire, à l'encre, propriété du droit d'auteur, limitation de la reproduction et cachet de la signature au verso de la monture en retrait. Dimensions : 38,7 x 38,4 cm : 66 x 64 cm (cadre). Lisa Lyon est devenue célèbre en tant que première femme championne du monde de bodybuilding. En 1980, elle rencontre Mapplethorpe et entame une grande amitié qui débouchera sur une relation artistique prolifique. Le physique de Lyon permet au photographe de représenter des sujets qui l'intéressent comme l'androgynie, l'anatomie de la statuaire classique ou encore la culture américaine. À partir de 1980, Mapplethorpe entame une série de portraits dans lesquels Lyon est capturé sous son objectif de multiples façons, dont la photographie. Tout ce travail a été immortalisé dans le livre Lady : Lisa Lyon (1983). Photographe américaine, connue pour sa sensibilité et sa force dans le traitement de sujets controversés en noir et blanc. Son travail comprend une variété de sujets, y compris des portraits de célébrités, des nus masculins et féminins, des autoportraits et des images de fleurs mortes. Son travail le plus controversé est celui de la sous-culture BDSM à la fin des années 1960 et au début des années 1970 à New York. L'homoérotisme de cette œuvre a alimenté un débat national sur le financement public d'œuvres d'art controversées. Mapplethorpe travaillait principalement en studio et presque exclusivement en noir et blanc, à l'exception de certains de ses derniers travaux et de sa dernière exposition "New Colors". Son œuvre présente un large éventail de sujets, mais l'imagerie érotique constitue son principal centre d'intérêt et la majeure partie de son travail. Son art érotique explore un large éventail de thèmes sexuels, dépeignant la sous-culture BDSM de New York dans les années 1970, des représentations de nus masculins noirs et des nus classiques de femmes bodybuildées. Mapplethorpe était un observateur participant dans la plupart de ses photographies érotiques, participant aux actes sexuels qu'il photographiait et s'engageant sexuellement avec ses modèles. Ses autres sujets étaient des fleurs, en particulier des orchidées et des lys, des enfants, des statues, des célébrités et d'autres artistes, tels qu'Andy Warhol, Louise Bourgeois, Deborah Harry, Kathy Acker, Richard Gere, Peter Gabriel, Grace Jones, Amanda Lear, Laurie Anderson, Iggy Pop, Philip Glass, David Hockney, Cindy Sherman, Joan Armatrading et Patti Smith. Smith était une colocataire de Mapplethorpe et un sujet fréquent de ses photographies, dont une photo emblématique et sombre qui figure sur la couverture du premier album de Smith, Horses. Son travail fait souvent référence à l'imagerie religieuse ou classique, comme un portrait de Patti Smith datant de 1986 qui rappelle l'autoportrait de 1500 d'Albrecht Dürer. Entre 1980 et 1983, Mapplethorpe a réalisé plus de 150 photographies de la culturiste Lisa Lyon, qui ont abouti à l'album Lady, Lisa Lyon, publié par Viking Press et contenant un texte de Bruce Chatwin. Bibliographie : R. Mapplethorpe, Lady : Lisa Lyon, New York : St. Martin's, 1983, p. 94 (variante).

Valorac. 10 000 - 12 000 EUR

Lote 7 - HANNAH COLLINS (Royaume-Uni, 1956). "Cuisine. La Laboral Gijón". 2006 Impression numérique sur toile. Diptyque. Avec le cachet de la galerie Joan Prats au dos. Provenance : Galerie Joan Prats. Barcelone. Dimensions : 192 x 274 cm. Cette photographie faisait partie de l'exposition personnelle "A future Life", organisée en 2006 à la galerie Joan Prats de Barcelone. Le travail photographique de Hannah Collins est une réflexion sur le passage du temps et la présence de la trace humaine dans différents environnements. Ses photographies d'espaces intérieurs révèlent une histoire sociale implicite et latente. Pour l'artiste, les aperçus fugaces des villes ne permettent pas de comprendre pleinement leur existence. Loin du caractère documentaire, ses scènes mélangent consciemment cette réalité avec une fiction qui leur donne un nouveau sens. La "cuisine" morne et institutionnelle montrée dans cette photographie fait partie des recherches de l'artiste sur la vie et la mémoire des migrants. Il convient de la relier à une série ultérieure qu'elle présentera au LABoral Centro de Arte y Creación Industrial à Gijón (2017), intitulée "The Fragile Feast", qui se concentre sur la photographie de cuisine et ouvre un dialogue entre l'art culinaire et l'art photographique. Artiste et cinéaste britannique, Hannah Collins a étudié à la Slade School of Fine Arts de Londres, puis a prolongé sa formation aux États-Unis grâce à une bourse Fullbright (1978-79). Tout au long de sa carrière, elle a réalisé d'importantes expositions personnelles dans les principales galeries et centres d'art d'Europe et d'Amérique, et a participé à des expositions collectives au Victoria & Albert Museum de Londres (1987, 1989, 1989, 1989). Il a également participé à des expositions collectives au Victoria & Albert Museum de Londres (1987, 1989, 1989, 1995, 2002), au Centre national des arts plastiques de Paris (1989), au Musée d'art moderne de Kyoto (1990), à la Fundació Joan Miró de Barcelone (1992, 1998), au Museo Español de Arte Moderno de Madrid (1994, 2008), la Saatchi Gallery à Londres (1994), la Helga de Alvear Gallery à Madrid (1999), la Tate Modern à Londres (2000), le Centre Georges Pompidou à Paris (2006) et le Kulturhaus à Vienne (2011), entre autres. Basée entre Londres et Barcelone, elle a été nominée en 1993 pour le prix Turner, a remporté en 1991 le prix européen de la photographie et en 2004 le prix Olympus. Elle est actuellement représentée à la Tate Modern de Londres, au Centre Georges Pompidou de Paris, au MNCA Reina Sofía de Madrid, au MACBA de Barcelone et dans d'autres collections publiques et privées en Europe et en Amérique.

Valorac. 14 000 - 15 000 EUR

Lote 8 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). "Jumeaux", 2018. Gravure à l'aquatinte. Signée. Dimensions : 100 x 71 cm ; 113 x 83 cm (cadre). Jaume Plensa a étudié à la Escuela de La Llotja et au Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, tous deux à Barcelone. Il a excellé dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu le titre de docteur honoris causa de la School of the Art Institute of Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 9 - LORETTA LUX (Dresde, Allemagne, 1969). "Hugo et Dylan 1", 2006. Photographie, édition 10/20. Œuvre référencée sur le site de l'artiste. Dimensions : 27 x 22 cm ; 50 x 40 cm (cadre). Le succès retentissant de la photographe Loretta Lux réside en partie dans son approche froide et non sentimentale des enfants capturés par son objectif. Ses clichés, qui relèvent plus de la métaphore de l'innocence de l'enfance que de la psychologie des individus, sont influencés par les portraits bourgeois du début du XXe siècle, nous montrant de jeunes modèles dans des décors domestiques, vêtus de tenues excentriques, aujourd'hui considérées comme démodées. D'un point de vue esthétique, on apprécie le mélange de photographie, de peinture et de manipulation numérique, grâce auquel Lux déforme les proportions et place les enfants dans des scénarios statiques. Loretta Lux a quitté l'Allemagne de l'Est peu avant la chute du mur de Berlin pour se rendre à Munich, où elle a étudié la peinture à l'Akademie der Bildenden Künste. En 1999, elle a commencé à prendre des photos. Elle a reçu en 2005 le prix Infinity pour l'art, décerné par l'International Center of Photography, New York, NY. Tout au long de sa carrière, elle a exposé en Israël, en Italie, en Suisse, au Mexique, aux Pays-Bas, aux États-Unis, en Russie et en Allemagne (en solo). Actuellement, son travail fait partie de collections publiques telles que le Solomon R. Guggenheim Museum à New York. Le Musée Solomon R. Guggenheim de New York, le Musée national d'art d'Osaka, le Musée de la photo de Munich, le Musée de l'Elysée de Lausanne en Suisse, la Maison européenne de la photographie à Paris, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid, le Musée d'Israël, Jérusalem en Israël, le Gemeentemuseum Helmond aux Pays-Bas, l'Art Gallery of New South Wales de Sydney, la National Gallery of Victoria de Melbourne et l'Art Gallery of Alberta d'Edmonton en Alberta, au Canada. Aux États-Unis : l'Art Institute of Chicago, le Brooklyn Museum of Art, le Denver Art Museum, le Los Angeles County Museum of Art, le Milwaukee Art Museum ou le San Francisco Museum of Modern Art. Il vit et travaille actuellement en Irlande.

Valorac. 6 500 - 7 000 EUR

Lote 10 - HENRI CARTIER-BRESSON ( Chanteloup-en-Brie, France, 1908- Céreste, France, 2004). "Agriculteur, 1950-1959. Gélatine argentique. Tirage ultérieur. "To Madame Bardinet en hommage" et cachet de copyright à l'aveugle (dans la marge). Signé à l'encre. Provenance : Galerie Alona Kagan, New York. Dimensions : 16 x 23, 5 cm. Dans cette œuvre d'une grande expressivité, nous voyons un paysan tendre la main à quelqu'un qui se trouve en dehors du plan du spectateur. La scène semble représenter une image traditionnelle, mais l'artiste va plus loin, non seulement parce qu'elle capture un moment totalement éphémère, habituel dans la production de l'artiste, mais aussi en raison du mystère d'un personnage qui fait partie de la scène, mais dont l'identité n'est pas révélée. Henri Cartier-Bresson était un artiste et photographe humaniste français considéré comme un maître de la photographie et l'un des premiers utilisateurs de la pellicule 35 mm. Pionnier de la photographie de rue, il considérait la photographie comme la capture d'un instant décisif. Son premier grand voyage de reportage l'a conduit en Côte d'Ivoire en 1931. Les photographies de ses nombreux voyages ont rapidement trouvé une tribune dans les magazines et les expositions. Il acquiert également de l'expérience à New York auprès de Paul Strand. À la fin de l'été 1937, avant la bataille de Belchite, il se rend en Espagne avec Herbert Kline, ancien rédacteur en chef du magazine New Theater, et le caméraman Jacques Lemare pour tourner un documentaire sur l'American Medical Bureau pendant la guerre civile espagnole. Ils ont filmé à Villa Paz, l'hôpital des Brigades internationales à Saelices, non loin de Madrid, et sur la côte de Valence pour documenter le rétablissement des volontaires blessés dans les villas de Benicàssim. Ils visitent également la Brigade Abraham Lincoln à Quinto, près de Saragosse, et tournent le film Avec la Brigade Abraham Lincoln en Espagne. De 1937 à 1939, Cartier-Bresson est assistant réalisateur sur trois films de Jean Renoir, dont La Règle du jeu. En 1940, il passe près de trois ans comme prisonnier de guerre en Allemagne. Après avoir été considéré à tort comme mort à la guerre, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une grande rétrospective "posthume" en 1947. La même année, il fonde avec Robert Capa, David Seymour et George Rodger l'agence Magnum Photos à New York, dans le but de préserver les droits des photographes.Cartier-Bresson est le premier photographe autorisé à exposer au Louvre, à Paris, en 1955. Ses photographies ont été rassemblées et publiées dans Images à la sauvette (1952), D'une Chine à l'autre (1968) et Moscou (1955), entre autres. Cartier-Bresson arrête la photographie professionnelle en 1972 et se consacre intensément à l'art du dessin. En 1974, il est élu membre de l'Académie américaine des arts et des sciences. Son œuvre fait partie des collections de l'Art Institute of Chicago, du Museum of Modern Art, de l'International Center of Photography, du Victoria and Albert Museum et du J. Paul Getty Museum.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

Lote 11 - ALFRED EISENSTAEDT ( Dirschau, Prusse occidentale, 1898- États-Unis, 1995). "Le jour de la Victoire sur le Japon à Times Square, New York, 1945. Épreuve à la gélatine argentique. Imprimé à l'époque de la photo de vie en 1991. Signé, daté, titré au crayon au verso et limitation des droits d'auteur de Time Warner au crayon (au verso). Provenance : Galerie Alona Kagan, New York. Dimensions : 48 x 33 cm ; 62 x 51 cm (cadre). Une semaine après qu'Alfred Eisenstaedt a capturé ce moment, le magazine Life, dans une section intitulée Victory et consacrée à la célébration de la fin de la Seconde Guerre mondiale, a publié ce cliché parmi de nombreux autres reflétant le bonheur de la fin de la guerre. Cependant, cette photographie s'est élevée au-dessus des autres et est devenue une icône. Une infirmière et un marine, un défenseur de la nation et une personne soucieuse de préserver son baiser de vie, symbolisant l'espoir pour l'avenir. Eisenstaedt a commencé sa carrière en Allemagne avant la Seconde Guerre mondiale, mais il est devenu célèbre en tant que photographe pour le magazine Life après s'être installé aux États-Unis. Eisenstaedt a été fasciné par la photographie dès sa jeunesse et a commencé à prendre des photos à l'âge de 11 ans, lorsqu'il a reçu son premier appareil photo, un appareil Eastman Kodak Folding Camera avec une pellicule en rouleau. Il a ensuite servi dans l'artillerie de l'armée allemande pendant la Première Guerre mondiale et a été blessé en 1918. Alors qu'il travaille comme vendeur de ceintures et de boutons dans l'Allemagne de Weimar des années 1920, Eisenstaedt commence à prendre des photos en free-lance pour le bureau berlinois de Pacific and Atlantic Photos en 1928. Eisenstaedt est devenu photographe à plein temps en 1929, lorsqu'il a été engagé par le bureau de l'Associated Press en Allemagne, et en l'espace d'un an, il a été décrit comme un "photographe extraordinaire". Il travaille également pour l'Illustrierte Zeitung, publié par Ullstein Verlag, alors la plus grande maison d'édition au monde. Quatre ans plus tard, il photographie la célèbre première rencontre entre Adolf Hitler et Benito Mussolini en Italie. Il photographie Adolf Hitler à Saint-Moritz en 1932 et Joseph Goebbels à la Société des Nations à Genève en 1933. Bien qu'initialement amical, Goebbels a froncé les sourcils lorsqu'il a pris la photo, après avoir appris qu'Eisenstaedt était juif. En 1935, en raison de la situation politique, il s'installe à New York, où Eisenstaedt est naturalisé et rejoint ses compatriotes émigrés de l'Associated Press, Leon Daniel et Celia Kutschuk, dans leur agence photographique PIX Publishing, fondée la même année. L'année suivante, en 1936, Henry Luce, fondateur de Time, rachète le magazine Life et Eisenstaedt, déjà connu pour ses photographies en Europe, est invité à rejoindre le nouveau magazine en tant que l'un des quatre photographes originaux, avec Margaret Bourke-White et Robert Capa[8]. Il fait partie de l'équipe de 1936 à 1972 et se distingue par ses photos d'actualité et de célébrités.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 12 - LAURIE SIMMONS (Long Island, New York, 1949). "Salon à carreaux". The instant decorator Series, 2004. Impression flex. Édition 3/5. Œuvre reproduite sur le site de l'artiste. Présente un certificat d'authenticité, des étiquettes d'exposition et une signature au dos. Provenance : Galerie Distrito Cuatro (Madrid). Dimensions : 76,2 x 96,5 cm ; 84,1 x 104,1 cm (cadre). "Plaid living Room" (2004) appartient à la série Instant Decorator, initiée par Simmons en 2001, avec l'intention de matérialiser ses recherches autour d'un livre sur la décoration d'intérieur publié en 1976. Cette publication présentait différents modèles d'intérieurs domestiques, qui permettaient au lecteur de décorer des pièces à l'aide d'échantillons de tissus et de différentes peintures. En reprenant cette idée du "Faites-le vous-même", l'auteur a construit une image qui fait écho à l'esthétique du collage, où différents éléments indépendants coexistent, formant un ensemble d'une grande expressivité visuelle. À travers un intérieur domestique dans lequel une femme élégamment vêtue est allongée sur le tapis, l'auteur pose au spectateur la question de savoir qui est ce personnage et ce qu'il représente. La protagoniste est entourée de luxe et regarde le spectateur de manière suggestive, mais elle est seule, et sa pose et sa robe invitent à la représenter comme un simple meuble, comme un objet de consommation. Cette représentation de la femme, qui réfléchit à son rôle dans l'environnement social, a été l'un des premiers thèmes explorés par Laurie Simmons dans ses œuvres. Elle y associe l'espace de la maison au féminin, à l'instar d'autres artistes comme Martha Rosler ou Barbara Kruger, qui ont utilisé des thèmes et des techniques similaires à ceux présentés ici. Laurie Simmons a grandi à Long Island, à une époque d'expansion économique qui a marqué le début de la prospérité matérielle, mais qui a également donné lieu à un état de conformisme, caractéristiques qui sont très récurrentes dans les thèmes explorés par l'artiste. Sa carrière se distingue par sa polyvalence, puisqu'elle travaille en tant qu'artiste, photographe et cinéaste. Après avoir obtenu son diplôme de la Tyler School of Art à la fin des années 1960 et s'être installée à New York, Simmons a commencé à développer son côté artistique. En 1972, Simmons découvre une maison de poupée vintage dans le grenier d'un magasin de jouets à Liberty, New York, et commence alors à réaliser des compositions avec des poupées, qu'elle photographie par la suite et sur lesquelles elle intervient. La plupart de ses œuvres font une déclaration sur les rôles traditionnels des hommes et des femmes, les remettant en question et critiquant l'objectivation de la personne, en particulier des femmes. Simmons fait partie de l'important groupe artistique The Pictures Generation, un nom donné à un groupe d'artistes qui s'est fait connaître dans les années 1970 et qui comprend des artistes de renommée mondiale telles que Cindy Sherman, Barbara Kruger et Louise Lawler. Une grande partie du travail de Simmons, comme celui des artistes susmentionnés, est ancrée dans le rôle des femmes et leur intégration dans leur environnement et dans la société. Lors d'une interview en mars 2014, Simmons a déclaré : "Lorsque j'ai pris un appareil photo avec un groupe d'autres femmes, je ne dirai pas que c'était un acte radical, mais nous le faisions certainement dans une sorte de défi ou de réaction à un monde de la peinture dominé par les hommes." Aujourd'hui, ses œuvres figurent dans d'importantes collections privées et publiques, notamment au Queen Sofia Art Center, à l'Art Institute of Chicago, au MoMA de New York, à la National Gallery of Art de Washington, D.C., et au Los Angeles County Museum of Art. Œuvre reproduite sur le site web de l'artiste. Présente un certificat d'authenticité, des étiquettes d'exposition et une signature au dos. Provenance : Galerie Distrito Cuatro (Madrid). Galerie Distrito Cuatro (Madrid).

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 13 - MARK LAITA (Détroit, 1960). "Policier/Hang", 2005/1999. Deux photographies numériques. Diptyque, éd. 1/3. Signée, titrée et datée au dos. Tampon au dos. Œuvre publiée. Dimensions : 145 x 116 cm ; 162 x 130 cm (cadre), chacun. Mark Laita est un merveilleux photographe américain qui, après plusieurs années consacrées à la photographie commerciale, a présenté ces dernières années une série de livres de son travail personnel. Parmi ceux-ci, j'ai sélectionné un échantillon de deux des plus intéressants : "Created Equal", de 2010, et "Serpentine", de cette année. Il a réalisé des travaux commerciaux primés pour des clients tels qu'Adidas, Apple et Mercedes-Benz. Le premier livre d'œuvres non commerciales de Laita, Created Equal, est le résultat d'un projet de huit ans à travers le pays, présentant des portraits 8×10 en noir et blanc d'Américains issus d'un large éventail de cultures, de professions et de milieux. Son travail a été exposé dans des galeries aux États-Unis et en Europe.

Valorac. 6 000 - 7 000 EUR

Lote 14 - GEORGES ROUSSE (Paris, 1947). "Luxembourg : Fers à Bétons", 2004. Impression sur aluminium, exemplaire 1/5. Signé et titré au verso. Étiquette avec cachet au dos. Dimensions : 160 x 125 cm ; 165 x 132 cm (cadre). Le travail de Georges Rousse se caractérise, depuis le début des années quatre-vingt, par les relations qu'il établit entre la photographie, la peinture, la sculpture et l'architecture. Son intérêt pour les lieux abandonnés, démantelés et en ruine, ainsi que pour ce que ces espaces révèlent de la culture qui les a générés, l'a conduit, en 1986, à s'installer pour un temps dans l'ancien hôpital psychiatrique Van Gogh, dans la ville française d'Arles. Le résultat de ce séjour est la série Arles, point de départ de l'exposition du MACBA. Son travail est un exemple très significatif de l'importance que la photographie a acquise tout au long des années 80 et une preuve supplémentaire de la valeur de l'appareil photographique en tant qu'outil de création contemporaine. Brisant les restrictions habituelles entre les médias artistiques, son travail unique a rapidement marqué le monde de l'art contemporain. Depuis sa première exposition à Paris, à la Galerie de France en 1981, Georges Rousse n'a cessé de réaliser ses installations et de montrer ses photographies dans le monde entier, en Europe, en Asie (Japon, Corée, Chine, Népal), aux États-Unis, au Québec et en Amérique latine. Il a participé à de nombreuses biennales (Paris, Venise, Sydney) et a reçu de nombreux prix prestigieux : 1983 : Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987 : Villa Medicis, Rome 1988 : International Center of Photography Award, New York 1989 : Prix du dessin Salon de Montrouge 1992 : Bourse Romain Roland, Calcutta 1993 : Grand Prix National de Photographie 2008 : Succède à Sol LeWitt comme membre associé de l'Académie royale de Belgique. Il est représenté par plusieurs galeries européennes et ses œuvres font partie de nombreuses collections importantes dans le monde entier.

Valorac. 15 000 - 18 000 EUR

Lote 15 - CARMELA GARCÍA (Lanzarote, 1964). "Femmes", 2000. Photographie. Provenance : Importante collection espagnole. Dimensions : 130 x 150 cm. Élément central de son œuvre, dans "Women", Carmela Garcia nous présente la nécessité de repenser le monde dans une perspective de genre, ce qui n'implique pas seulement la possibilité d'un avenir différent, mais signifie aussi, en premier lieu, un scénario de revendication autour de la considération du féminin où, selon les termes de l'artiste, il faut "une sorte de déconstruction de ce que la société patriarcale a établi sur ce que les femmes sont et devraient être, et une reconstruction d'un idéal féministe du monde, où elles sont libérées de toute contrainte". Dans ce cas, le symbolisme puissant de l'image avec l'iconique poupée Barbie soumise au feu brûlant d'une cuisinière interpelle directement le spectateur par rapport au rôle dans lequel les femmes ont été traditionnellement cataloguées de manière péjorative, en même temps qu'il lance un message sur la nécessité de mettre fin à la dictature des canons de beauté qui sont de plus en plus déconnectés et éloignés de la réalité des femmes. Née à Lanzarote en 1964. Carmela Garcia a commencé à étudier la photographie à Madrid et à Barcelone, jusqu'en 1998, date à laquelle elle a commencé à montrer son travail au public. Dès le début, elle a combiné ses intérêts sociaux à la photographie, à travers des références littéraires, plastiques et audiovisuelles, créant un corpus artistique sur l'image stéréotypée des femmes dans la société et la nécessité de repenser et de reformuler leur rôle dans le monde. Après avoir produit des séries aussi représentatives que "Chicas, deseos y ficción" ou "Constelación", Garcia a été sélectionnée en 2005 parmi les cent meilleurs photographes espagnols dans la liste élaborée par Exit, ce qui a confirmé la tendance à l'importance croissante des travaux élaborés ces dernières années. Ces dernières années, elle a travaillé sur des œuvres vidéo visant à réviser diverses images stéréotypées des femmes. Elle est devenue l'artiste canarienne la plus reconnue de la dernière décennie grâce à un discours profondément féministe, à travers lequel elle représente un monde idéalisé où les hommes sont absents et où les femmes restent en dehors du regard masculin traditionnel. Son travail a été exposé au Centro de Arte Reina Sofía de Madrid (Espacio Uno), au Centro de Fotografía de Coímbra, au MUSAC de León, au Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM de Gran Canaria, à l'IVAM de Valence, dans l'exposition collective El real viaje Real /The Real Royal Tryp à PS1, Contemporary Art Center at MOMA (New York) sous la direction de Harald Szeemann3, au MOT Kanazawa au Japon, à l'université de Salamanque et à la Maison européenne de la photographie à Paris, entre autres.4567. Il a exposé dans les galeries Juana de Aizpuru à Séville et à Madrid, et en 2003 à la galerie Altamira à Gijón.8910 Avec la galerie Juana de Aizpuru, il a participé à des foires internationales telles que Arco Madrid, Art Basel, Paris Photo, Frieze London, etc.

Valorac. 9 000 - 10 000 EUR

Lote 16 - BLEDA Y ROSA, María Bleda (Castellón, 1968) José M. Rosa (Albacete, 1970). Grao de Castellón, 1994. Série "Terrains de football". 1992-1995. Positif au gélatino-bromure d'argent sur support rigide 100% coton. Ed. 5/15. Avec l'étiquette de la galerie Visor, Valence. Dimensions : 45 x 55 cm ; 84 x 93 cm (cadre) (chacun). "Campos de fútbol" est l'une des séries les plus représentatives des photographes Bleda et Rosa. Ils expliquent eux-mêmes ce projet : "Dans le but de représenter le passage du temps à travers l'image photographique, nous avons commencé à photographier des terrains de football à la fin de l'année 1992, attirés par ces espaces que nous pouvions trouver à la sortie de n'importe quelle ville ou à la périphérie de la ville. Il s'agissait de lieux semblables à ceux de notre enfance, mais qui, en raison de facteurs tels que la migration du village vers la ville, le faible taux de natalité ou l'étalement urbain, se trouvaient dans un processus avancé de transformation ou d'abandon". María Bleda et José María Rosa sont deux photographes espagnols qui utilisent la photographie comme moyen d'expression artistique. Leur travail commun peut être considéré comme un seul auteur et a été récompensé par le prix national de la photographie. Depuis 1992, ils organisent régulièrement des expositions individuelles et collectives dans toute l'Espagne, mais aussi en Écosse, au Portugal, aux États-Unis, en Chine, etc. Leurs œuvres figurent dans les collections de différentes institutions telles que ARTIUM, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, le Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, etc. Ils ont également reçu plusieurs prix et reconnaissances tels que : 1995 Imágenes Jóvenes - Arte Joven, Madrid.1996 Premio Arte Joven, Valencia.1997 Accésit Certamen de Artes Plásticas, Castellón.1999 Grand Prix Ville de Collioure.2001 Premio Altadis Artes Plásticas, Madrid.2002 Honorable Mention, IV Premio de pintura y fotografía ABC, Madrid.2005 Premio PHotoEspaña Fotógrafo Revelación, Madrid. Présente l'étiquette de la galerie Visor, Valence.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 17 - PIERRE GONNORD (France, 1963). "Soho", de la série "City", New York, 2001. Photographie, copie 1/5. Signée, datée, numérotée, titrée et localisée au dos. Avec étiquette au dos de la galerie Juana de Aizpuru. Dimensions : 150 x 150 cm. Considéré comme l'un des photographes les plus talentueux de ces dernières années, Pierre Gonnord imprègne son travail d'une aura mélancolique et déchirante qui "raconte, à fleur de peau, des histoires singulières et insolites sur notre époque", selon le critique Rafael Doctor. Ses portraits, qui rappellent les grands maîtres de l'histoire de l'art tels que Rembradt, Veermer, Caravaggio, Goya, Zurbarán et Velázquez, se concentrent sur les exclus de la société et leurs histoires. Dans ses œuvres, on trouve des vagabonds, des malades mentaux, des prisonniers et des aveugles, mais aussi des moines, des geishas et des membres de gangs urbains, c'est-à-dire des personnes qui, elles aussi, restent en marge de leur société d'une manière différente. Grand photographe français né à Cholet, Pierre Gonnord vit à Madrid depuis 1988 et travaille actuellement en collaboration avec la prestigieuse galerie Juana de Aizpuru. Artiste autodidacte et lauréat du prix de la culture de la Communauté de Madrid en 2007, Gonnord a entamé en 1998 un projet personnel qui définit son langage mature, centré sur le visage humain. Les premières séries de ce nouveau style sont "Interiors" (Madrid, 1999) et "City" (New York, 2001), dérivées de sa propre expérience urbaine. Plus tard, il réalisera de nouvelles séries, déjà avec des personnages de différentes ethnies : "Regards" (2002-2003), "Far East" (Japon, 2003) et "Utopians" (2004-2005). Dans ces dernières séries, Gonnord aborde des personnages marginalisés par la société, en les présentant en gros plan. Dans sa dernière série, "Witnesses", il aborde le monde des gitans et des personnes ayant vécu les tragédies des Balkans et de l'Afrique du Nord. Tout au long de sa carrière, Gonnord a exposé son travail en Espagne, en France et aux États-Unis, entre autres pays, aussi bien dans des galeries que dans des musées et des centres d'art, notamment au Centro Cultural Conde Duque de Madrid, à la Maison européenne de la photographie de Paris, au Museo de Bellas Artes de Séville, à l'université de Salamanque, à l'Atelier des Forges d'Arles, au FRAC Auvergne-Ecuries de Chazerat et aux festivals photographiques d'Helsinki et d'Oslo. Aujourd'hui, il est principalement représenté à la galerie Juana de Aizpuru, mais son travail figure également dans d'autres collections importantes, comme celle du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 18 - FRANK THIEL (Kleinmachnow, Allemagne, 1966). "Stadt Berlin", 2000. Photographie. Signée et datée au dos. Dimensions : 175 x 238 cm. La photographie proposée ici est étroitement liée à la biographie de l'artiste puisque, bien que Frank Thiel soit né en Allemagne de l'Est, il s'est installé en 1985 à Berlin-Ouest pour y étudier la photographie. Sa carrière professionnelle a donc commencé par une étude approfondie de la ville et de sa transformation, sa deuxième reconstruction. L'œuvre la plus caractéristique de Thiel est celle de sa première période, lorsqu'il a reflété la chute du mur de Berlin et la planification d'une nouvelle ville sur la base des fondations posées par sa double centralité antérieure, c'est-à-dire lorsqu'il a documenté la transformation constante de la capitale allemande. Né dans une ville proche de Berlin, il s'est installé en 1985 à Berlin-Ouest, où il a suivi une formation de photographe de 1987 à 1989. Dans la capitale allemande, il a documenté son histoire sociale et politique. Thiel qualifie Berlin de "ville la plus jeune du monde" et explique que "la ville souffre d'une overdose d'histoire... cependant, elle ne souffre pas de ses sédiments comme d'autres villes européennes, mais des conséquences de ses éruptions". Thiel est actuellement représenté dans de grandes institutions européennes, dont le Reina Sofia Museum, la National Gallery of Canada, le Fotomuseum Winterthur en Suisse, le Moderna Museet à Stockholm, le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden à Washington et la Phillips Collection à Washington.

Valorac. 20 000 - 22 000 EUR

Lote 19 - YASUMASA MORIMURA (Osaka, 1951). "Doublonage". Photographie, exemplaire 1/10. Signée et titrée au dos. Dimensions : 102 x 81 cm. Dans "Doublonage", Morimura rend hommage à Paul Outerbridge, l'un des maîtres de la photographie couleur qui s'est imposé à New York dans les années 1930. Plus précisément, l'artiste japonais s'inspire de "Ide necklace", la première commande publicitaire d'Outerbridge, qui a été publiée dans le magazine Vanity Fair l'année suivant sa réalisation, mais avec de légères nuances par rapport à l'original : Morimura supprime les lettres et les étiquettes sur l'objet, le dépouillant ainsi des indications qui contribuent à le contextualiser. La photographie d'Outerbridge est conservée dans d'importants musées internationaux, tels que le Met et le MoMA à New York. Morimura est un artiste appropriationniste japonais. Il est né à Osaka et a obtenu son diplôme à l'université des arts de la ville de Kyoto en 1978. Depuis 1985, il a présenté son travail principalement dans le cadre d'expositions individuelles à l'échelle internationale, bien qu'il ait participé à plusieurs expositions collectives. Morimura prend des images d'artistes historiques (d'Édouard Manet à Rembrandt et Cindy Sherman) et y insère son propre visage et son propre corps. Il se déguise même en sujet principal des œuvres d'art qu'il s'approprie - dont beaucoup vont à l'encontre de ses limites raciales, ethniques et de genre en tant qu'Asiatique, car la plupart des œuvres d'art qu'il s'approprie ont des sujets occidentaux, en particulier des sujets féminins. Il s'est également inséré dans certains sujets masculins occidentaux, et la plupart de ces œuvres traitent principalement de la race et de l'ethnicité. En utilisant des déguisements, il contourne les effets du regard masculin, du genre, de la race, de l'ethnicité et des normes culturelles, remettant en question les méthodes traditionnelles de portrait qui modifient les œuvres d'art occidentales originales en y incorporant des détails liés à la culture japonaise. Par exemple, dans l'une de ses œuvres, Portrait (Futago), il remplace le châle floral de l'œuvre originale, Olympia de Manet, par un kimono décoré de grues. Ses œuvres ont été exposées au Musée d'art contemporain de Chicago (1992), à la Fondation Cartier pour l'art contemporain de Jouy-en-Josas, en France (1993), au Musée d'art Hara de Tokyo (1994), au Musée Guggenheim. Ses œuvres appartiennent aujourd'hui au Carnegie Museum of Art (Pittsburgh), au Honolulu Museum of Art, au J. Paul Getty Museum (Los Angeles), au Musée d'art contemporain de San Diego (2006) et à la Art Gallery of New South Wales (2007), entre autres. Paul Getty Museum (Los Angeles), le J. Paul Getty Museum (Los Angeles), le Hara Museum of Art in Tokyo (1994), le Hara Museum of Art in Tokyo (1994), le Hara Museum of Art in Tokyo (1994), le Hara Museum of Art in Tokyo (1994), le Hara Museum of Art in Tokyo (1994). Le J. Paul Getty Museum (Los Angeles), le Museum of Contemporary Art, Chicago, le Museum of Contemporary Art, Los Angeles, le San Francisco Museum of Modern Art et le Whitney Museum of American Art (New York) figurent parmi les collections publiques qui détiennent des œuvres de Morimura.

Valorac. 13 000 - 14 000 EUR

Lote 20 - MARIA ACHA-KUTSCHER ( Lima, Pérou, 1968). Sans titre. 2019. Série "Womankind". Encres pigmentées sur papier Hahnemühle Photo Rag Baryta, 315 gr. Avec l'étiquette du Taller Digigráfico de Madrid. Dimensions : 41,5 x 30 cm ; 62 x 50 cm (cadre). Comme l'a expliqué l'artiste elle-même dans un entretien accordé à "Elemmental" à propos de cette série, "Womankind est une œuvre intertextuelle, pleine de citations d'œuvres de l'époque : "Womankind est une œuvre intertextuelle, pleine de citations d'œuvres d'art, de photographies, de films, de littérature et de la mémoire de la lutte politique. Dans tous les collages photographiques de ce projet, les femmes occupent une place centrale, non pas en tant qu'objets de contemplation, mais en tant que protagonistes de leur propre histoire. Il est donc crucial que les images soient plausibles, afin de construire une grande archive de documents fictifs". En combinant images d'archives et collages, Acha-Kutscher revendique une place autonome pour les femmes, une place qui leur a été volée. María Acha-Kutscher est une artiste visuelle féministe péruvienne basée en Espagne. Elle est codirectrice avec Tomás Ruiz-Rivas du projet expérimental Antimuseo. Elle a étudié à la faculté des beaux-arts de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Après avoir terminé ses études en 1991, elle s'est installée à Mexico, où elle a travaillé comme directrice artistique dans des agences de publicité. Cette expérience en tant que designer a été cruciale pour la réalisation de son travail artistique et militant. En 2001, elle s'est installée à Madrid et s'est impliquée dans la scène artistique contemporaine alternative par l'intermédiaire de son partenaire Tomás Ruiz-Rivas. Son travail défend et rend visible le féminisme. Depuis 2010, Acha-Kutscher se concentre sur trois projets à long terme : Womankind, Indignadas et Herstorymuseum. Womankind consiste en plusieurs séries de collages photographiques numériques, créés à partir d'images d'archives provenant d'Internet, de magazines, de livres et de photographies prises par l'artiste. L'une de ses séries les plus connues est Indignadas, qui fait partie du projet de récupération de la mémoire historique des femmes, Mujeres Trabajando para Mujeres" (Les femmes travaillent pour les femmes). Son dernier projet est Herstorymuseum, un musée imaginaire qui, à travers sa collection et un programme de conservation, développe un récit rhizomatique et non hiérarchique des femmes créatrices du XXe siècle. Ses collections sont constituées d'images basées sur un langage visuel proche du pictogramme, dans lequel seules deux taches de couleur sont utilisées. Les expositions sont organisées dans des espaces publics, des centres d'art, des galeries et sur son site web. Les expositions établissent des relations entre différentes femmes artistes et œuvres, développant ainsi un récit différent de l'histoire de l'art officielle.16 Le Herstorymuseum est membre de l'Association internationale des musées de femmes (IAWM). Acha-Kutscher a exposé ses œuvres au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), au Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), au Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC), à La Virreina Centre de la Imatge, à The Fed Galleries @ KCAD (USA), à M.A.C.L.A. (USA), Haifa Museum of Art (USA), Haifa Museum of Art (USA) et le Museum of Contemporary Art (USA).), Haifa Museum of Art (Israël), International Museum of Woman-IMOW, Galería - Centro Cultural de la Universidad de Lima (Pérou), Centro Cultural Inca Garcilaso (Pérou), Centro de la Imagen (Mexique), Foto Museo Cuatro Caminos (Mexique) Fototeca Nuevo León (Mexique), parmi d'autres. En Espagne, il a exposé au CentroCentro, au Museo de la Universidad de Alicante-MUA, au Centro de Arte Contemporáneo Caja de Burgos, au Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander et au Cantabria-MAS, entre autres. Il a également participé à des foires d'art contemporain telles que Zona Marco (Mexico). Il a également participé à Madrid aux foires ARCO, Estampa, Madrid Photo, ArteSantander, Munich Contemplo, et dans son pays d'origine, le Pérou, aux foires Art Lima et Lima Photo.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 21 - PER BARCLAY (Oslo, 1955). "L'abattoir", 1996. Photographie de type C de l'installation réalisée. Provenance : collection privée. Anciennement Oliva Arauna Gallery (Inver-Kalis SA). Dimensions : 205 x 165 cm. Avec l'installation "The Slaughterhouse", Per Barclay a joué avec l'effet réfléchissant du sang du bétail, faisant briller le sol. De même que dans d'autres installations, il a déployé des symbolismes sur les effets inquiétants du pétrole déversé dans des espaces inhabités, ici les références sont multipliées : clins d'œil à l'histoire de l'art, mais aussi à l'idée de sacrifice et de violence. Per Barclay est sculpteur, photographe et historien de l'art. Ses installations artistiques ont été exposées dans des musées du monde entier. L'œuvre de Per Barclay combine les concepts de tension et de drame, qu'il travaille sous l'influence de l'artiste norvégien Edvard Munch. Après avoir étudié l'histoire de l'art à Bergen, il quitte la Norvège en 1979 pour trouver de nouvelles références artistiques en Italie. À Florence, il étudie le design et la photographie, puis s'inscrit à l'Académie de Bologne en 1981 et, deux ans plus tard, à Rome. Après un séjour à Naples, il s'installe à Turin, où il entre en contact direct avec les artistes de l'Arte Povera. Dès lors, l'artiste utilise l'huile et l'eau comme éléments picturaux, et l'acier et le verre comme matériaux structurels pour ses œuvres. En 1994, il s'installe à Paris, où il vit et développe ses projets. Ses œuvres sont exposées, entre autres, au Musée national d'art, d'architecture et de design, au Centre d'art Henie-Onstad, au musée d'art contemporain "Kiasma" à Helsinki et dans différents musées en Espagne (Koldo Mitxelena Kulturunea, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), en Italie et en France (Centre de Création Contemporaine). Il a participé à la Biennale de Venise en 1990, au Musée d'art de Lillehammer pendant les Jeux olympiques d'hiver de Lillehammer en 1994, au Festival international de Bergen en 2001 et au Festival de Norvège du Nord en 2009, et a contribué au projet international Skulpturlandskap Nordland.

Valorac. 26 000 - 27 000 EUR

Lote 22 - GEORGES ROUSSE (Paris, 1947). Sans titre. Barcelone, 2003. Papier photographique, exemplaire 12/30. Signé, numéroté, tracé et daté à la main. Exposé à la galerie Carles Taché, Barcelone, 2003. Dimensions : 52 x 41 cm ; 75 x 63 cm (cadre). Depuis le début des années 1980, l'œuvre de Georges Rousse se caractérise par les relations qu'il établit entre la photographie, la peinture, la sculpture et l'architecture. Le langage photographique est cependant la colonne vertébrale des autres, dialoguant avec eux et jouant sur les effets spatiaux. C'est ce qui ressort de l'exposition organisée à la galerie Carles Taché de Barcelone, à laquelle cette œuvre a participé. Depuis qu'il a reçu un Kodak Brownie Flash en cadeau de Noël à l'âge de 9 ans, l'appareil photo n'a jamais quitté les mains de Georges Rousse. Pendant ses études de médecine à Nice, il décide d'apprendre les techniques de la photographie et du tirage auprès d'un professionnel, puis de créer son propre studio de photographie d'architecture. De plus en plus, sa passion l'amène à se consacrer entièrement à la pratique artistique de ce médium, à l'instar des grands maîtres américains Edward Steichen, Alfred Stieglitz et Ansel Adams. C'est avec la découverte des œuvres du Land art et du Carré noir sur fond blanc de Kasimir Malevitch que Georges Rousse choisit d'intervenir dans le champ de la photographie, établissant une relation entre la peinture et l'espace. Il s'approprie des lieux abandonnés qu'il a toujours aimés, les transforme en espaces picturaux et y construit une œuvre unique et éphémère que seule la photographie peut reproduire. Afin de permettre au spectateur de partager son expérience de l'espace, il présente ses images sous forme de tirages grand format depuis le début des années 1980. Cette œuvre forte et singulière, qui déplace les frontières entre les supports traditionnels, s'est immédiatement imposée sur la scène artistique contemporaine. Depuis sa première exposition à Paris, à la Galerie de France en 1981, Georges Rousse n'a cessé de réaliser ses installations et de montrer ses photographies dans le monde entier, en Europe, en Asie (Japon, Corée, Chine, Népal), aux Etats-Unis, au Québec et en Amérique latine. Il a participé à de nombreuses biennales (Paris, Venise, Sydney) et a reçu de nombreux prix prestigieux : 1983 : Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987 : Villa Medicis, Rome 1988 : International Center of Photography Award, New York 1989 : Salon de Montrouge Drawing Award 1992 : Bourse Romain Roland, Calcutta 1993 : Grand Prix National de Photographie 2008 : Succède à Sol LeWitt en tant que membre associé de l'Académie royale de Belgique. Il est représenté par plusieurs galeries européennes et ses œuvres font partie de nombreuses collections importantes dans le monde entier.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 23 - STÉPHANE COUTURIER (Neuilly-sur-Seine, Hauts-de-Seine, 1957) "Séoul Yoido Dong, 1998. Photographie. Dimensions : 127 x 107 cm ; 133 x 112 cm (cadre). Stéphane Couturier a consacré une série de photographies à la capitale sud-coréenne, ainsi qu'à d'autres villes, dans lesquelles son intérêt pour l'abstraction des détails urbains est évident. Il aborde le sujet des transformations métropolitaines d'un point de vue unique et est considéré comme le principal représentant français de l'"archéologie urbaine", à l'instar de Thomas Struth dans le contexte allemand. Il a commencé à exposer des thèmes urbains dans des galeries parisiennes au milieu des années 1990. Spécialisé dans la photographie d'architecture, il vit et travaille à Paris. Il a reçu le prix Niépce en 2003. Le travail de Stéphane Couturier, révélé par sa série sur l'usine Renault de Boulogne-Billancourt, est essentiellement composé de photographies de grand format prises à la chambre ou au moyen format, dans lesquelles l'œil du spectateur se perd, captivé par les détails. La force de ses images vient de ce jeu visuel basé exclusivement sur la pellicule, jusqu'à sa récente série Melting Point, réalisée à l'usine Toyota de Valenciennes. Il y expérimente la fusion de deux images préalablement scannées ; le résultat est une profusion de détails richement colorés qui atteignent magiquement une grande cohérence. Stéphane Couturier s'est progressivement tourné vers la photographie artistique : ses photographies de chantiers révèlent une ville organique en transformation et en couleur, parfois en diptyques ou triptyques géants. Dans Landscape, il s'intéresse aux villes nouvelles de Californie, mais toujours sous un ciel nuageux qui submerge les différentes prises de vue. Son travail a été exposé à la Bibliothèque nationale de France à Paris (2004), au Seoul Museum of Art (2005), au Moscow Museum of Architecture (2006), à l'International Center of Photography à New York (2006), à l'Hôtel des Arts à Toulon (2014), la Maison Européenne de la Photographie à Paris (2015), le Musée Nicéphore Niepce à Châlon sur Saône (2016), le Musée de la Photographie à Charleroi, Belgique (2017) et le Musée Fernand Léger à Biot (2018). Son travail a également été publié dans plusieurs livres. Il est représenté par la Galerie Particulière 1 à Paris, la Benrubi Gallery à New York, la Galerie Kornfeld à Berlin et la Galerie Christophe Guye à Zurich. En mai 2018, Stéphane Couturier a signé une pétition avec des personnalités du monde de la culture pour boycotter la saison culturelle commune "France-Israël" qui, selon la pétition, sert de "vitrine" à l'État d'Israël au détriment du peuple palestinien. Stéphane Couturier a participé à de nombreuses expositions, dont certaines sont listées ici : 2021 Stéphane Couturier, Christophe Guye Galerie, Zurich, Suisse 2016 Alger, Climat de France, Musée Nicéphore-Niépce, Chalon-sur-Saône, France Anaklasis, La Galerie Particulière, Paris, France ; Paris Photo, Galerie Particulière Booth, Grand Palais, Paris, France.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 24 - MARK LAITA (Détroit, 1960). "County Fair Livestock Show Contestant, Sara Von Berger, Salina, Kansas, August 8, 2003 / Cajun Man with Alligator, Charles Olivier, Loreauville, Louisiana, 2003". Ed.2/6. Photographies N&B sur papier photographique montées sur aluminium. Signées, datées et titrées au dos. Dimensions 102 x 81 cm chacune. 116,5 x 179 cm (cadre). Mark Laita est un merveilleux photographe américain qui, après plusieurs années consacrées à la photographie commerciale, a présenté ces dernières années une série de livres avec son travail personnel. Parmi ceux-ci, j'ai sélectionné un échantillon de deux des plus intéressants : "Created Equal", de 2010, et "Serpentine", de cette année. Il a réalisé des travaux commerciaux primés pour des clients tels qu'Adidas, Apple et Mercedes-Benz. Le premier livre d'œuvres non commerciales de Laita, Created Equal, est le résultat d'un projet de huit ans à travers le pays, présentant des portraits 8×10 en noir et blanc d'Américains issus d'un large éventail de cultures, de professions et de milieux. Son travail a été exposé dans des galeries aux États-Unis et en Europe.

Valorac. 3 000 - 3 500 EUR

Lote 25 - MARK LAITA (Détroit, 1960). "Jeune homme avec Boom Box, Billy Monroe", Venice, Californie, 26 avril 1999. "Sunbather, Joey Caveseno", Coney Island, New York, 3 août 2002. Photographies N&B sur papier photographique montées sur aluminium. Exemplaire nº 20. Dimensions : 50 x 40 cm (chaque) ; 65,5 x 96 cm (cadre). Mark Laita est un photographe américain qui, après plusieurs années consacrées à la photographie commerciale, a présenté ces dernières années une série de livres avec son travail personnel. Parmi ceux-ci, j'ai sélectionné un échantillon de deux des plus intéressants : "Created Equal", de 2010, et "Serpentine", de cette année. Il a réalisé des travaux commerciaux primés pour des clients tels qu'Adidas, Apple et Mercedes-Benz. Le premier livre d'œuvres non commerciales de Laita, Created Equal, est le résultat d'un projet de huit ans à travers le pays, présentant des portraits 8×10 en noir et blanc d'Américains issus d'un large éventail de cultures, de professions et de milieux. Son travail a été exposé dans des galeries aux États-Unis et en Europe.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 26 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - New York, 1979). "Couple flamand", 1950. Photographie à la gélatine argentique. Présente au dos le cachet de l'artiste "Copyright by Philippe Halsman". Dimensions : 18 x 13 cm ; 40 x 30 cm (cadre). Halsman a étudié l'ingénierie électrique à Dresde. Après avoir été accusé du meurtre de son père, il a passé deux ans en prison. À sa libération, Halsman décide de s'installer en France, où il commence à collaborer à des magazines de mode tels que Vogue et acquiert rapidement la réputation d'être l'un des meilleurs photographes portraitistes de France. Il est réputé pour ses images très nettes, plutôt que molles, et étroitement cadrées. Lorsque la France est envahie par l'Allemagne, Halsman se réfugie à Marseille. Il réussit finalement à obtenir un visa américain, avec l'aide de son ami de famille Albert Einstein, qu'il photographiera plus tard en 1947. Halsman connaît son premier succès aux États-Unis lorsque la société de cosmétiques Elizabeth Arden utilise son image du mannequin Constance Ford contre le drapeau américain dans une campagne publicitaire pour le rouge à lèvres "Victory Red". Un an plus tard, en 1942, il trouve un emploi au magazine Life, où il photographie des modèles de chapeaux. En 1941, Halsman rencontre l'artiste surréaliste Salvador Dalí et ils commencent à collaborer à la fin des années 1940. L'œuvre Dalí Atomicus de 1948 explore l'idée de suspension, représentant trois chats en train de voler, un seau d'eau jeté et Dalí dans les airs. Le titre de la photographie fait référence à l'œuvre de Dalí, Leda Atomicus, que l'on peut voir à droite de la photographie, derrière les deux chats. Halsman et Dalí ont fini par publier un recueil de leurs collaborations dans le livre Dali's Moustache (1954), qui présente 36 vues différentes de la moustache caractéristique de l'artiste. Une autre collaboration célèbre entre les deux artistes est In Voluptas Mors, un portrait surréaliste de Dalí à côté d'un grand crâne, en fait un tableau vivant composé de sept nus. En 1947, Halsman prend ce qui deviendra l'une de ses photos les plus célèbres, celle d'un Albert Einstein en deuil qui, au cours de la séance photo, confie ses regrets quant au rôle qu'il a joué dans la recherche de la bombe atomique par les États-Unis. La photo sera ensuite utilisée en 1966 sur un timbre-poste américain et, en 1999, en couverture du magazine Time, qui qualifie Einstein de "personne du siècle". En 1951, NBC a demandé à Halsman de photographier plusieurs humoristes populaires de l'époque, dont Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx et Bob Hope. Le photographe a développé une philosophie de la photographie de sauts, qu'il a appelée la jumpologie. Il a publié le Jump Book de Philippe Halsman en 1959, qui contient une discussion humoristique sur la jumpologie et 178 photographies de célèbres sauteurs.

Valorac. 600 - 700 EUR

Lote 27 - WILLIAM KLEIN (New York, 1926- Paris, 2022) . "Simone + Nina, Piazza di Spagna, Rome, 1960. Épreuve à la gélatine argentique. Signée, titrée et datée au crayon (au verso). Provenance : collection privée Solomon New York. Dimensions : 45 x 37 cm (image) ; 51 x 40,8 cm (cadre). La photographie "Simone + Nina, Piazza di Spagna, Rome" de William Klein, prise en 1960, témoigne de son style novateur et de son engagement dans la photographie de rue, de son désir de sortir la photographie de mode du studio. À cette occasion, il joue avec la ligne rythmique et contrastée du passage zébré. La composition est élaborée mais se veut décontractée, ce qui donne lieu à une grande réussite visuelle : la vespa (élément iconique des rues italiennes), l'agitation de cette place névralgique de Rome, les silhouettes élégantes de Nina et SImone... composent une sorte d'arrêt sur image. Telle est l'impression spontanée et la richesse narrative qu'elle véhicule. William Klein était un photographe et réalisateur américain. Bien que né à New York et formé au City College of New York, Klein a principalement exercé son activité en France. Il a réalisé plusieurs longs métrages (dont le film "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" en 1966 et la satire anti-américaine "Mr Freedom"). Dans le domaine de la photographie, Klein a remporté le prix Nadar en 1956. En 1947, alors qu'il est dans l'armée, il se rend pour la première fois à Paris et, depuis lors, il vit et travaille dans cette ville, dont il est tombé amoureux. En 1948, il s'inscrit à l'université de la Sorbonne, où il étudie notamment avec Fernand Léger. Ses œuvres les plus connues tournent autour de la photographie de mode et de rue, dont il est considéré comme l'un des créateurs et des maîtres. Récompenses : En 1988, il reçoit le prix de la culture de l'association allemande de photographie. En 1990, il a reçu le prix international de la Fondation Hasselblad. En 2005, il a reçu le prix PhotoEspaña. Livres de photographie : 1956. Life Is Good & Good for You in New York : Trance witness revels, Éditions su Seul, Paris. 1959. Rome : la ville et ses habitants, Feltrinelli, Milan. 1964. Tokyo, Zokeisha Publications, Tokyo. 1964. Moscou, Zokeisha Publications, Tokyo. 1989. Close up, Thames and Hudson, Londres, New York et Paris. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Milan. 1994. In and Out of Fashion, Random House, New York et Londres.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 28 - KENNETH DUDLEY SMITH (États-Unis, 1886 - 1965) "Fort San Juan". Photographie. Cachet de l'artiste au dos. Dimensions : 26 x 34 cm. Cette photographie présente le fort de San Juan à Cuba, un espace historique puisqu'il a été crucial pendant la guerre de Cuba. La présence de personnes à côté de la construction indique sa pertinence en tant que monument historique et intérêt touristique. Cette présence invite le spectateur à réfléchir à la valeur des bâtiments.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 29 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, France, 1908- Céreste, France, 2004). "Hyères, France, 1932. Gélatine argentique. Impression tardive. Signée à l'encre et avec le cachet de copyright du photographe (dans la marge). Provenance : Collection privée Bennett, New York. Le Centre Pompidou possède une copie de cette photographie. Dimensions : 25 x 36 cm (image) ; 31 x 41 cm (papier). Pris à l'âge de 24 ans, alors qu'Henri Cartier Bresson venait d'acheter son petit appareil photo Leica, cet instantané devient l'une de ses images les plus connues et l'une des plus chères vendues aux enchères par l'artiste. Il montre la vitesse et la mobilité que cet appareil permettait de figer le mouvement et l'instant fugace avec des possibilités esthétiques infinies. Henri Cartier-Bresson était un artiste français et un photographe humaniste considéré comme un maître de la photographie et l'un des premiers utilisateurs de la pellicule 35 mm. Pionnier de la photographie de rue, il considérait la photographie comme la capture d'un instant décisif. Son premier grand voyage de reportage l'a conduit en Côte d'Ivoire en 1931. Les photographies de ses nombreux voyages ont rapidement trouvé une tribune dans les magazines et les expositions. Il acquiert également de l'expérience à New York auprès de Paul Strand. À la fin de l'été 1937, avant la bataille de Belchite, il se rend en Espagne avec Herbert Kline, ancien rédacteur en chef du magazine New Theater, et le caméraman Jacques Lemare pour tourner un documentaire sur l'American Medical Bureau pendant la guerre civile espagnole. Ils ont filmé à Villa Paz, l'hôpital des Brigades internationales à Saelices, non loin de Madrid, et sur la côte de Valence pour documenter le rétablissement des volontaires blessés dans les villas de Benicàssim. Ils visitent également la Brigade Abraham Lincoln à Quinto, près de Saragosse, et tournent le film Avec la Brigade Abraham Lincoln en Espagne. De 1937 à 1939, Cartier-Bresson est assistant réalisateur sur trois films de Jean Renoir, dont La Règle du jeu. En 1940, il passe près de trois ans comme prisonnier de guerre en Allemagne. Après avoir été considéré à tort comme mort à la guerre, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une grande rétrospective "posthume" en 1947. La même année, il fonde avec Robert Capa, David Seymour et George Rodger l'agence Magnum Photos à New York, dans le but de préserver les droits des photographes.Cartier-Bresson est le premier photographe autorisé à exposer au Louvre, à Paris, en 1955. Ses photographies ont été rassemblées et publiées dans Images à la sauvette (1952), D'une Chine à l'autre (1968) et Moscou (1955), entre autres. Cartier-Bresson arrête la photographie professionnelle en 1972 et se consacre intensément à l'art du dessin. En 1974, il est élu membre de l'Académie américaine des arts et des sciences.

Valorac. 13 000 - 14 000 EUR

Lote 30 - DAVID HAMILTON (Londres, 1933-Paris, 2016). "Jeune femme endormie", 1974. Photographie sur gélatine argentique. Signée et datée. Dimensions : 17 x 23,5 cm : 17 x 23,5 cm. Dans cette photographie, l'auteur se concentre sur le modèle dans une perspective élevée. Il évite de représenter le visage, non seulement parce que la jeune femme est allongée, mais aussi parce qu'il laisse la tête du modèle hors du cadre. Par la position et l'érotisme explicite, l'auteur nous offre une révision de "L'origine du monde" de Coulbert. David Hamilton était un photographe et réalisateur britannique connu pour ses photographies de jeunes femmes et de jeunes filles, principalement nues. Son style d'approche était appelé "Hamilton Blur", les images d'Hamilton ont fait partie d'un débat sur "l'art ou la pornographie". Ses compétences artistiques ont commencé à se manifester lors d'un emploi dans un bureau d'architecte. À l'âge de 20 ans, il se rend à Paris, où il travaille comme graphiste pour Peter Knapp du magazine Elle. Après avoir été reconnu, il est engagé par le magazine Queen à Londres en tant que directeur artistique. Mais Hamilton se rend vite compte qu'il aime Paris et, à son retour, il devient directeur artistique du Printemps, le plus grand magasin de la ville. Alors qu'il travaillait encore au Printemps, Hamilton a commencé à faire de la photographie commerciale, et le style onirique et granuleux de ses images a été salué par la critique. Ses photographies sont recherchées par d'autres magazines tels que Réalités, Twen et Photo. Parmi ses autres succès, on compte des dizaines de livres de photographies, cinq longs métrages, d'innombrables expositions dans des magazines, ainsi que dans des musées et des galeries d'art. En décembre 1977, Images Gallery, un studio appartenant à Bob Persky situé au 11 East 57th Street à Manhattan, a exposé ses photographies en même temps que le lancement de Bilitis. À l'époque, le critique d'art Gene Thornton écrit dans le New York Times qu'elles révèlent "le genre d'idéal qui était régulièrement exprimé dans les grandes peintures du passé". Dans son livre, Photographes contemporains, le conservateur Christian Caujolle a écrit qu'Hamilton travaillait avec seulement deux dispositifs fixes : "une intention picturale claire et un érotisme latent, apparemment romantique, mais qui ne manque pas d'attirer les ennuis". Outre les jeunes femmes, Hamilton a composé des photographies de fleurs, d'hommes, de paysages, d'animaux de ferme, de pigeons et de natures mortes de fruits. Plusieurs de ses photographies ressemblent à des peintures à l'huile. La plupart de ses œuvres donnent une impression d'intemporalité en raison de l'absence d'automobiles, de bâtiments modernes et de publicités. En 1976, Denise Couttès a expliqué le succès de Hamilton en disant : "(ses photographies) expriment l'évasion. Les gens ne peuvent échapper à la violence et à la cruauté du monde moderne que par le rêve et la nostalgie". À partir de 2003, son style "soft-focus" est revenu à la mode dans Vogue, Elle et d'autres magazines de mode. Les livres de photos qu'elle a réalisés ont été portés à l'écran dans Bilitis. Plus tard, il a épousé Gertrude, qui a co-dessiné L'âge de l'innocence, mais ils ont divorcé à l'amiable.Hamilton partageait son temps entre Saint-Tropez et Paris. Depuis 2005, il connaît un regain de popularité. En 2006, David Hamilton, une collection de photographies légendées, et Erotic Tales, contenant les nouvelles fictives de Hamilton, ont été publiés. Au moment de sa mort, Hamilton travaillait sur un autre livre, Monograph of Montenegro.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 31 - PIERRE ET GILLES (France, collaboration depuis 1976). "Le petit Rimbaud", 2005. Photographie. Signée. Œuvre unique. Dimensions : 126 x 100 cm. Le duo d'artistes français Pierre et Gilles réalise des photographies provocantes dans lesquelles ils construisent leurs propres scénarios et costumes à la main, en retouchant souvent les tirages à la peinture. La culture gay et la pornographie sont les genres qu'ils explorent avec un esprit libéré et sardonique. À cette occasion, dans cette photographie de format ovale, le poète maudit Arthur Rimbaud renaît, réincarné en un jeune homme dont le visage angélique au regard céleste contraste avec son exhibitionnisme vulgaire. Le choc entre la poésie élevée et le comportement scandaleux que Rimbaud a eu dans la vie est relu dans une tonalité campagnarde. Pierre et Gilles sont deux artistes français, un couple sentimental et artistique. Ils réalisent des photographies uniques et très stylisées. Leur travail inclut des images de l'histoire de l'art, de la culture populaire, de la religion et de la culture gay, y compris la pornographie (en particulier James Bidgood). La méthode de travail de ces deux artistes consiste à mettre en place des scénographies complexes, car ils n'utilisent pratiquement pas la post-production numérique après les prises de vue. Une partie de leur méthode de travail comprend des éclairages élaborés et des travaux scéniques, représentant les modèles entourés de mandorles florales qui font souvent référence à des œuvres religieuses du passé ou à des scénarios idylliques et imaginaires. Plus tard, ils travaillent les photographies avec de la peinture acrylique pour retoucher les images et leur donner une finition originale. Parmi ses thèmes de prédilection figurent les thèmes religieux et mythologiques, ainsi que les scènes homoérotiques (certains exemples font référence à l'océan et aux marins, ayant développé un livre sur ce sujet intitulé "Sailors and Sea"). Sans aucun doute, ses œuvres peuvent être incluses dans le mouvement kitsch exprimé de manière consciente, étant également influencées par le monde de la culture pop. Les célébrités photographiées par Pierre et Gilles comprennent : Amanda Lear (la couverture de son album de 1980, Diamonds for Breakfast, l'une de ses premières commandes), Lio, Khaled, Étienne Daho, Marie France, Mikado, Marc Almond, Leslie Winer, Marilyn Manson, Madonna, Kylie Minogue, Erasure, Deee-Lite, The Creatures, Nina Hagen et Coco Rosie (la couverture de son album de 2007, The Adventures of Ghosthorse and Stillborn) ; le mannequin Naomi Campbell, les actrices Tilda Swinton et Catherine Deneuve, les acteurs Jérémie Renier et Layke Anderson ainsi que les stylistes Jean-Paul Gaultier et Paloma Picasso. Son œuvre fait partie des collections du Centre Pompidou à Paris.

Valorac. 110 000 - 120 000 EUR

Lote 32 - ANDY WARHOL (Pittsburgh, États-Unis, 1928-New York, États-Unis, 1987). "Lana Turner", 1985. Photographie polaroïd. Exemplaire unique. Certificat de provenance joint, indiquant que l'œuvre provient de la "Estate of Andy Warhol", et de la "Andy Warhol Foundation for the Visual Arts". Dimensions : 10,8 x 8,6 cm. Lana Turner était une actrice américaine. Tout au long de sa carrière, qui a duré près de 50 ans, elle s'est fait connaître en tant que mannequin pin-up et actrice de cinéma, ainsi que pour sa vie privée très médiatisée. Au milieu des années 40, elle était l'une des actrices les mieux payées des États-Unis et l'une des plus grandes stars de la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Turner est considérée comme une icône du glamour hollywoodien dans la culture populaire et une légende du cinéma hollywoodien classique. Andrew Warhola, plus connu sous le nom d'Andy Warhol, était un artiste visuel, cinéaste et producteur de musique américain qui a joué un rôle crucial dans la naissance et le développement du pop art. Considéré en son temps comme un gourou de la modernité, Warhol a été l'un des artistes les plus influents du XXe siècle. Fils d'immigrés slovaques, il commence ses études d'art au Carnegie Institute of Technology entre 1945 et 1949. Cette dernière année, déjà établi à New York, il commence sa carrière de dessinateur publicitaire pour divers magazines tels que Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen et The New Yorker. Parallèlement, il peint des toiles dont le sujet s'inspire d'un élément ou d'une image de l'environnement quotidien, de la publicité ou de la bande dessinée. Bientôt, il commence à exposer dans diverses galeries. Il élimine progressivement de ses œuvres tout trait expressionniste jusqu'à les réduire à la répétition en série d'un élément populaire de la culture de masse, du monde de la consommation ou des médias. Cette évolution atteint son niveau maximal de dépersonnalisation en 1962, lorsqu'il commence à utiliser comme méthode de travail le procédé mécanique de la sérigraphie, par lequel il reproduit systématiquement des mythes de la société contemporaine, dont les exemples les plus représentatifs sont les séries consacrées à Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor ou Mao Tsé-toung, ainsi que son célèbre traitement des boîtes de soupe Campbell, toutes œuvres réalisées au cours de la fructueuse décennie des années 1960. Cet appropriationnisme, constant dans les œuvres des tenants du pop art, s'étend aux œuvres d'art à caractère universel. Par le biais de la reproduction de masse, il parvient à dépouiller les fétiches médiatiques qu'il utilise de leurs référents habituels pour en faire des icônes stéréotypées à vocation purement décorative. En 1963, il crée la Factory, un atelier dans lequel se réunissent autour de lui de nombreuses figures de la culture underground new-yorkaise. La frivolité et l'extravagance qui marquent son mode de vie finissent par établir une ligne cohérente entre son œuvre et la trajectoire de sa vie. Il est actuellement représenté dans les plus importants musées d'art contemporain du monde, tels que le MoMA, le Metropolitan et le Guggenheim à New York, le Fukoka Museum au Japon, le Kunstmuseum de Bâle, le Musée national d'art du XXIe siècle à Rome, le MUMOK à Vienne, le SMAK à Gand et la Tate Gallery à Londres, ainsi que dans les musées qui portent son nom à Pittsburgh et à Medzilaborce (Slovaquie).

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 33 - MASSIMO VITALI (Côme, Italie, 1944). "Vecchiano". Série "Paysage avec personnages", ca. 2000. Photographie. Édition limitée à 10 exemplaires ? Dimensions : 78 x 88 cm ; 76 x 96 cm (cadre). Vitali a commencé à capturer des vues panoramiques de plages baignées de soleil dans son Italie natale, immortalisant leurs foules, leur architecture et leur beauté naturelle. Il a depuis élargi son champ d'action en photographiant les baigneurs en Turquie, en Espagne et dans d'autres pays. Les plages offrent à Vitali un vaste espace ouvert qui lui permet d'expérimenter la composition et la perspective. Il utilise un point d'observation élevé pour obtenir une vue panoramique et capturer les détails et les motifs qui apparaissent lorsqu'on observe un grand nombre de personnes à distance. Il s'agit en même temps d'une étude sociologique liée aux loisirs des foules. Massimo Vitali est un photographe italien basé à Lucques. Il a étudié la photographie au London College of Printing. Au début, dans les années 70, il a travaillé comme photojournaliste à la Report Agency, puis comme caméraman. En 1995, il a commencé à pratiquer la photographie d'art, souvent sur un podium de quatre ou cinq mètres de haut et avec des appareils photo grand format pour capturer des détails de haute résolution dans des plans larges de lieux tels que des plages, des clubs et des espaces publics. Son travail a été exposé au Centro de Arte Reina Sofia à Madrid, au Guggenheim Museum à New York, au Museum of Contemporary Art à Denver, Colorado, au Fonds national d'art contemporain à Paris, au Centre Pompidou à Paris, au Musée national d'art moderne (France) à Paris, à la Fondation Cartier à Paris et au Museo Luigi Pecci à Prato, en Italie.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 34 - CANDIDA HÖFER (Allemagne, 1944). "Deutsche Oper am Rhein Düsseldorf, 2012. Photographie, c-print, copie 97/100. Signé et numéroté au dos. Dimensions : 30 x 45,5 cm ; 48 x 63 cm (cadre). "Deutsch Oper am Rhein Düsseldorf" fait partie d'un projet intitulé "In Portugal", que l'artiste a réalisé entre 2005 et 2006. La série consiste en une sélection de photographies prises dans des lieux publics à travers le pays. Caractéristique de Candida Höfer, l'artiste a photographié des intérieurs vides de bibliothèques, de musées, de palais et de théâtres, en se concentrant sur des espaces culturels dépourvus de présence humaine. Les contraintes thématiques qu'elle s'est imposées dans son projet sont de nature à la fois culturelle et formelle. Les intérieurs baroques, modernes et contemporains que Höfer capture à travers son objectif offrent un "portrait formel du social lui-même", tel qu'il a été défini en Europe depuis le siècle des Lumières. Candida Höfer a commencé sa carrière en 1968 en travaillant comme photographe portraitiste pour divers journaux et, à partir de 1970, comme assistante de Werner Bokelberg. De 1973 à 1982, elle fréquente la Kunstakademie de Düsseldorf, où elle étudie d'abord le cinéma avec Ole John, puis la photographie avec Bernd Becher. Avec Thomas Ruff, Höfe est la première étudiante de Becher à utiliser la photographie couleur, montrant son travail sous forme de diapositives. Elle a commencé à réaliser ses célèbres intérieurs de bâtiments publics en 1979, alors qu'elle était encore étudiante. La célébrité finira par lui revenir grâce à sa série de photographies portant sur la vie des travailleurs immigrés en Allemagne. Le travail de Höfer s'inscrit dans la tradition des photographes allemands directement hérités de l'esthétique conceptuelle et des enseignements de Bernd et Hilla Becher de la Kunstakademie de Düsseldorf, qui ont réadapté le projet originel de la Nouvelle Objectivité pour adopter une manière unique de regarder le monde. Suivant la méthode de travail initiée par leurs professeurs, leurs photographies témoignent d'un intérêt quasi ethnographique pour la multiplicité des formes de représentation de la culture contemporaine, se rapportant d'une manière très particulière aux scénarios dans lesquels la société évolue et la connaissance se développe. Les photographies de Höfer sont des intérieurs de bâtiments, de préférence à usage public, tels que des musées, des églises, des théâtres ou des opéras, des archives et des bibliothèques, qui sont photographiés lorsqu'ils ont cessé toute activité et sont vides. Spécialisées dans les grands formats, ses photographies sont prises sous un angle frontal classique ou recherchent une diagonale marquée qui organise la composition. L'artiste tend à photographier ses scènes d'un point de vue élevé, de sorte que le mur en arrière-plan est centré par rapport à l'image finale. Sa première exposition personnelle a eu lieu en 1975 à la galerie Konrad Fischer de Düsseldorf. Depuis lors, l'œuvre de Höfer a été exposée dans les plus grands musées du monde, tels que les Kunsthalle de Bâle, Hambourg et Berne, le Louvre de Paris, le Portikus de Francfort-sur-le-Main, le MoMA de New York, le Power Plant de Toronto, le Kunsthaus de Bregenz, le Ludwig Museum de Cologne ou, dans notre pays, le Musée d'art contemporain de Vigo. De même, en 2002, il a participé à la Documenta 11 et, en 2003, il a représenté l'Allemagne à la Biennale de Venise, aux côtés de Martin Kippenberger. D'autre part, entre 1997 et 2000, elle a combiné sa pratique artistique avec l'enseignement, qu'elle a dispensé à la Hochschule für Gestaltung de Karlsruhe. Elle est actuellement représentée au musée Guggenheim de New York, au Hamburger Banhof de Berlin, à la Kunsthalle de Nuremberg, au musée d'art moderne et contemporain de Trente, au musée de photographie contemporaine du Columbia College de Chicago, à la Fundación Telefónica de Madrid et au musée d'art de Philadelphie, parmi d'autres collections publiques et privées.

Valorac. 3 000 - 3 400 EUR

Lote 35 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981). "Space2, Providence, Rhode Island, 1976. Épreuve à la gélatine argentique. Imprimé ultérieurement par Igor Bakht, cachet au verso. Signé par George et Betty Woodman, annoté au n. 17 "For Igor Kind Ryards" au crayon. Cachet de crédit PE/FW au verso. Provenance : Collection privée de Foster Glasgow. Dimensions : 13,5 x 13,5 cm (image) ; 26,2 x 21,5 cm (papier). Francesca Woodman a réalisé cette série à Providence, où elle était étudiante, après avoir séjourné à Rome (grâce à une bourse d'études). Dans la série "Space2", Woodman se photographie en train d'interagir avec des espaces architecturaux, souvent délabrés ou abandonnés. Elle utilise ces espaces non seulement comme des décors, mais aussi comme des éléments actifs de la composition. Les murs, les portes et les fenêtres font partie intégrante des images et interagissent avec son corps de manière symbolique et visuelle. Woodman utilise des espaces qui évoquent un sentiment d'abandon et qui contrastent avec sa présence physique, ajoutant une couche de tension et de vulnérabilité aux images. Francesca Woodman était une photographe américaine connue pour ses autoportraits intimes en noir et blanc. Elle est diplômée de la Rhode Island School of Design, l'université des beaux-arts de Providence. Ses photographies se caractérisent principalement par l'utilisation d'un seul modèle, généralement nu. Il s'agit généralement d'elle, mais dans certaines photographies, elle a représenté plusieurs de ses amis. Le corps capturé par l'appareil photo était généralement en mouvement, en raison des longs temps d'exposition, ou l'image n'était pas nette. Il a également utilisé d'autres techniques, comme se masquer ou essayer de se fondre dans les objets ou l'environnement lui-même. Elle est née dans une famille d'artistes. Dès son plus jeune âge, avec son frère Charles Woodman, elle a été initiée au monde de l'art par ses parents, George Woodman et Betty Woodman, tous deux artistes plasticiens. Aujourd'hui, ils gèrent des archives de plus de 800 images de leur fille, dont 120 ont été exposées ou publiées. Elle appartient à la génération des femmes d'avant-garde des années 1970 qui ont revendiqué leur contribution et leur vision du monde, qui comprend également des artistes activistes comme Cindy Sherman, Martha Rosler ou Ana Mendieta.

Valorac. 12 000 - 15 000 EUR

Lote 36 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) "Autoportrait", N3017.1. New York, 1979-80. Épreuve à la gélatine argentique. Imprimé ultérieurement par Igor Bakht, cachet au verso. Signé par George et Betty Woodman, annoté "I B" "N3017.1" au crayon. Cachet de crédit PE/FW au verso. Provenance : Collection privée de Foster Glasgow. Dimensions : 13,7 x 13,7 cm (image) ; 26 x 21 cm (papier). Cette photographie, où l'on voit Francesca Woodman raccourcie et coupée en quatre, appartient à la dernière étape de la courte vie de l'artiste. À l'époque, elle vivait à New York. Woodman avait passé l'été 1979 à Stanwood, dans l'État de Washington, pour rendre visite à son compagnon, Benjamin Moore. C'est là qu'elle réalise une série photographique sur des sujets domestiques. De retour à New York, elle tente de faire connaître son travail et réussit à exposer à la Daniel Wolf Gallery. Dans le secteur de la publicité et de la mode, elle découvre le travail de Deborah Turbeville, qui se caractérise par la mise en scène de mannequins dans des décors gothiques et mélodramatiques, tels que des bâtiments ou des couloirs désolés ou sombres. Woodman s'imprègne de ce style, qu'elle retrouve dans ses futures photographies. Au cours de l'été 1980, il expérimente son propre corps afin d'aborder des thèmes plus élevés, selon la lettre qu'il écrit à son amie Suzanne Santoro, qui vit à Rome. À cette époque, sa création artistique devient plus méticuleuse et il élabore plus méthodiquement la composition, à partir d'esquisses déjà réalisées, pour élaborer la narration de ses images. Bien qu'elle se soit beaucoup investie dans son travail artistique, elle n'en a jamais été convaincue. Ce qui l'a vraiment poussée au suicide, c'est la médiocrité de l'accueil réservé par le public à ses photographies et une rupture sentimentale. Son père a suggéré que la raison du suicide était l'échec d'une demande de financement auprès de la National Endowment for the Arts (Fondation nationale pour les arts). Elle était trop en avance sur son temps. Tout cela a fait sombrer Francesca Woodman dans la dépression et finalement, quelques jours après le lancement de son livre, le 19 janvier 1981, elle a décidé de mettre fin à ses jours, à l'âge de 22 ans seulement, en se jetant par la fenêtre d'un loft dans le Lower East Side de Manhattan, à New York. Francesca Woodman était une photographe américaine connue pour ses autoportraits intimes en noir et blanc. Elle est diplômée de la Rhode Island School of Design, l'université des beaux-arts de Providence. Ses photographies se caractérisent principalement par l'utilisation d'un seul modèle, généralement nu. Il s'agit généralement d'elle, mais dans certaines photographies, elle a représenté plusieurs de ses amis. Le corps capturé par l'appareil photo était généralement en mouvement, en raison des longs temps d'exposition, ou l'image n'était pas nette. Il a également utilisé d'autres techniques, comme se masquer ou essayer de se fondre dans les objets ou l'environnement lui-même. Elle est née dans une famille d'artistes. Dès son plus jeune âge, avec son frère Charles Woodman, elle a été initiée au monde de l'art par ses parents, George Woodman et Betty Woodman, tous deux artistes plasticiens. Aujourd'hui, ils gèrent des archives de plus de 800 images de leur fille, dont 120 ont été exposées ou publiées. Elle appartient à la génération des femmes d'avant-garde des années 1970 qui ont revendiqué leur contribution et leur vision du monde, qui comprend également des artistes activistes comme Cindy Sherman, Martha Rosler ou Ana Mendieta.

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 37 - RENÉ BURRI (Zurich, 1933 - 2014). "Che Guevara. La Havane, Cuba, 1963. Gélatine argentique. Impression ultérieure. Signé, titré et daté à l'encre (dans la marge). Provenance : Collection privée Cortez, New York. Dimensions : 22,5 x 32,5 cm (image) ; 30,5 x 40 cm (cadre). René Burri ne savait pas qu'il photographiait l'un des personnages qui allaient devenir l'un des martyrs les plus emblématiques du XXe siècle. Il montre Che Guevara fumant un cigare de la Havane, dans une attitude qui révèle une forte personnalité. Le photographe suisse dira de ce moment : "Le visage fier du Che est en fait un visage de colère. J'étais dans son bureau à Cuba, envoyé par 'Magnum', et il se battait avec un journaliste américain qui avait voyagé avec moi. Il ressemblait à un tigre en cage et ne m'a même pas remarqué, si bien que j'ai pu prendre toutes les photos que je voulais ! L'image, qui deviendra l'une des plus emblématiques du Che, a été prise dans le bureau du ministre cubain de l'industrie de l'époque. René Burri était un photographe et cinéaste suisse. Il a étudié à l'école des arts décoratifs de Zurich (1950-1953), où il a appris à composer avec la lumière et à la considérer en relation avec les ombres. De ces cours est née la "Burri touch", qui a façonné son regard : l'élégance raffinée d'une composition, le jeu subtil, ouvert et significatif des lignes pleines d'une image. Il s'inscrit dans la "photographie humaniste" qui domine à Paris dans les années cinquante et y photographie des moments particuliers et délicats, à la manière d'Izis et de Doisneau. Cependant, en prenant Cartier-Bresson comme modèle, Burri commence à rechercher des photographies documentaires plus denses que le reflet de simples anecdotes. En tant qu'assistant caméra d'Ernest Hininger, il commence également à tourner de petits documentaires. En 1955, il rejoint l'agence Magnum et commence à voyager à travers le monde, réalisant des portraits, des paysages, des reportages politiques et sociaux, des photographies d'architecture et d'industrie, etc. En 1982, il ouvre la galerie Magnum à Paris, avec Bruno Barbey. Depuis 1988, il est directeur artistique du magazine Schweizer Illustrierten. Parmi ses photographies les plus célèbres figurent une photo de la ville de São Paulo (Brésil) et une photo de Che Guevara.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 38 - JEANLOUP SIEFF (Paris, 1933-2000). "Derrière Anglais, Paris, 1969. Gélatine argentique. Signé et daté à l'encre. Avec le cachet de l'artiste au dos. Dimensions : 30,4 x 21 cm (image) ; 41 x 31 cm (papier). Dans "Derrière Anglais, Paris", Jeanloup Sieff met l'accent sur les détails du corps des femmes, leur sensualité, l'élégance de leurs lignes et leur diversité. Le photographe a axé sa production sur les portraits de personnalités du show-business et de la politique, mais aussi sur le reportage, le paysage et le nu. Photographe autodidacte, Jeanloup Sieff fait ses débuts comme photojournaliste en 1954. Un an plus tard, il rejoint le magazine Elle, où il travaille d'abord dans le reportage, puis dans la photographie de mode. En 1959, il collabore à Réalités et au Jardin des Modes. Il quitte également l'agence Magnum pour travailler à son compte. Il reçoit le prix Niépce en 1959 pour l'excellence de sa photographie. En 1961, il s'installe à New York, où il collabore avec Look, Esquire, et surtout Harper's Bazaar. Il fait un bref séjour en Europe, où il travaille pour Twen, Vogue et Queen. En 1967, elle décide de s'installer à Paris, où elle travaille pour Vogue, Femme, Nova et d'autres publications. Il expose au niveau national et international et plusieurs de ses œuvres sont acquises par divers musées dans le monde. En 1971, elle reçoit la médaille d'or du musée d'art moderne de Skopje et, la même année, elle fait don de plusieurs collections à la Bibliothèque nationale de Paris. Son œuvre a reçu des prix internationaux, du Japon aux États-Unis, et est distribuée dans différentes parties du monde. Il a notamment reçu le prix Niépce en 1959 et le Grand Prix National de Photographie en 1992. Son œuvre est actuellement conservée à la Bibliothèque nationale de Paris (donation), Musée Réatu (Arles), Musée Sterxhof (Belgique), Musée de Toulon, Musée d'Art Moderne (Paris), Tulsa Art & Humanities Council (Tulsa, USA), Fonds national d' Art contemporain (Puteaux), Collection FNAC, MEP (Paris), Fondation Cartier d' Art Contemporain (Paris).

Valorac. 6 500 - 7 000 EUR

Lote 39 - MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Paris, 2016). "Jeune fille tenant une fleur", Washington, 1967. Gélatine argentique. Tirage ultérieur. Signé et dédicacé "à Patrick" à l'encre, dans la marge. Provenance : Collection Zwigoff, New York. Dimensions : 25 x 36 cm (image) ; 31 x 40,5 cm (papier). Cette photographie d'une jeune femme tenant une fleur devant des soldats, prise dans le cadre d'une manifestation à Washington contre la guerre du Vietnam, est l'une des images les plus célèbres de Marc Riboud. L'intérêt de la scène, outre la force émotionnelle qu'elle véhicule, est de pouvoir universaliser le message d'espoir au milieu du déchaînement de la violence. Car, de toute façon, c'est toujours l'aspect humain des conflits que Riboud a revendiqué dans ses photographies en tant que correspondant de guerre. Ainsi, tout en photographiant la guerre du Viêt Nam et la révolution culturelle chinoise, il a également reflété des aspects de la vie quotidienne dans des villes telles que Fès, Angkor, Shaanxi ou Bénarès. Marc Riboud était un photographe français spécialisé dans le photojournalisme qui faisait partie de l'agence Magnum. Au début de la Seconde Guerre mondiale, il combat dans la Résistance et commence ses études d'ingénieur à l'École centrale de Lyon en 1945. Il apprend la photographie de manière autodidacte dès l'âge de quinze ans, en utilisant un appareil Vest Pocket Kodak fourni par son père. Après avoir travaillé comme ingénieur, il rejoint en 1952 l'agence Magnum, après avoir rencontré Henri Cartier-Bresson et Robert Capa, où il réalise les reportages les plus importants de sa carrière jusqu'en 1979. Sa première photographie publiée dans Life en 1953 est "Peintre à la Tour Eiffel". Il a été l'un des premiers photographes autorisés à entrer en Chine en 1957 et presque le seul Occidental à rendre compte de la guerre du Viêt Nam depuis le Nord-Viêt Nam. Il a publié de nombreux livres et a exposé son travail dans de nombreuses villes. En 2003, il a reçu le prix Cornell Capa des Infinity Awards. Il a fait l'objet de plusieurs expositions rétrospectives, comme celle qui s'est tenue en 1997 à New York et en 2005 à Paris. Expositions (sélection depuis 2010) : 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Paris. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Paris. 2012 Lors des Journées du patrimoine, Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Début de siècle, Conseil régional Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Musée d'art moderne Richard Anacréonte, Granville.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 40 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) Sans titre, de la "série des anges", Rome, 1977-1978. Épreuve à la gélatine argentique. Imprimé ultérieurement par Igor Bakht, cachet au verso. Signé par George et Betty Woodman, annoté au crayon au n. 297 "For Igor Kind Ryards". Cachet de crédit PE/FW au verso. Provenance : Collection privée de Foster Glasgow. Dimensions : 15,5 x 15,5 cm (image) ; 26 x 21 cm (papier). Cette photographie appartient à la période romaine de Woodman. Le flou du corps, les présences fantomatiques, la nuit et les spectres composent un tirage suggestif dont l'artiste elle-même est la protagoniste. Woodman plonge dans la partie cachée de son propre être, essayant de rendre visible ce qui est essentiellement invisible. Dans cette série, la photographe utilise des techniques d'exposition longue pour capturer le mouvement, ce qui donne des figures floues qui semblent s'estomper ou se fondre dans leur environnement. Cet effet crée un sentiment de dynamisme et évoque l'idée d'êtres éthérés ou de fantômes. Il a réalisé cette série (Anges) à Rome. Entre 1975 et 1979, alors qu'elle étudie au Providence College of Fine Arts, où Francesca Woodman excelle dans ses capacités artistiques, elle reçoit une bourse du Honors Program qui lui permet de vivre pendant un an dans les installations de l'école au Palazzo Cenci à Rome. Elle rencontre et rejoint un groupe d'artistes liés à la galerie et à la librairie Maldoror. Les propriétaires Giuseppe Casetti et Paolo Missigoi sont attirés par tous ceux qui sont liés aux mouvements d'avant-garde, et plus particulièrement au futurisme, au surréalisme et au symbolisme. Ce sont les propriétaires qui parviennent à inclure Woodman dans une exposition de cinq jeunes artistes à la galerie Ugo Ferranti, où elle est la seule Américaine à participer. Il s'agit de sa première exposition personnelle. C'est à Rome qu'elle réalise certaines de ses œuvres les plus connues à ce jour, telles que "On Being an Angel", "Glove Series", "Self-deceit". Ses photographies reformulent l'image de la femme, Francesca Woodman était une photographe américaine connue pour ses autoportraits intimes en noir et blanc. Elle est diplômée de la Rhode Island School of Design et de l'Université des beaux-arts de Providence. Ses photographies se caractérisent principalement par l'utilisation d'un seul modèle, généralement nu. Il s'agit généralement d'elle, mais dans certaines photographies, elle a représenté plusieurs de ses amis. Le corps capturé par l'appareil photo était généralement en mouvement, en raison des longs temps d'exposition, ou l'image n'était pas nette. Il a également utilisé d'autres techniques, comme se masquer ou essayer de se fondre dans les objets ou l'environnement lui-même. Elle est née dans une famille d'artistes. Dès son plus jeune âge, avec son frère Charles Woodman, elle a été initiée au monde de l'art par ses parents, George Woodman et Betty Woodman, tous deux artistes. Aujourd'hui, ils gèrent des archives de plus de 800 images de leur fille, dont 120 ont été exposées ou publiées. Elle appartient à la génération des femmes d'avant-garde des années 1970 qui ont revendiqué leur contribution et leur vision du monde, qui comprend également des artistes activistes comme Cindy Sherman, Martha Rosler ou Ana Mendieta.

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 41 - WILLIAM KLEIN (New York, 1926- Paris, 2022) . "Simone + Sophia Loren, Rome, 1960. Épreuve à la gélatine argentique. Signé, titré et daté au crayon (au verso). Provenance : collection privée Solomon, New York. Dimensions : 46 x 34,5 cm (image) ; 51 x 41 cm (cadre). Un commerçant tient des deux mains une grande affiche découpée représentant Sophia Loren grandeur nature. Simone regarde de côté la grande dame du cinéma italien, et derrière elle flottent une horloge murale et un panneau de signalisation. Il s'agit d'une scène de trottoir dans laquelle la spontanéité chaotique de la vie humaine et l'œil calculateur de William Klein se rencontrent, l'un des photographes les plus "cinématographiques" de son temps, coïncident. William Klein était un photographe et réalisateur américain. Bien qu'il soit né à New York et qu'il ait étudié au City College of New York, l'activité de Klein se développe principalement en France. Il a réalisé plusieurs longs métrages (dont le film "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" en 1966 et la satire anti-américaine "Mr Freedom"). Dans le domaine de la photographie, Klein a remporté le prix Nadar en 1956. En 1947, alors qu'il est dans l'armée, il se rend pour la première fois à Paris et, depuis lors, il vit et travaille dans cette ville, dont il est tombé amoureux. En 1948, il s'inscrit à l'université de la Sorbonne, où il étudie notamment avec Fernand Léger. Ses œuvres les plus connues tournent autour de la photographie de mode et de rue, dont il est considéré comme l'un des créateurs et des maîtres. Récompenses : En 1988, il reçoit le prix de la culture de l'association allemande de photographie. En 1990, il a reçu le prix international de la Fondation Hasselblad. En 2005, il a reçu le prix PhotoEspaña. Livres de photographie : 1956. Life Is Good & Good for You in New York : Trance witness revels, Éditions su Seul, Paris. 1959. Rome : la ville et ses habitants, Feltrinelli, Milan. 1964. Tokyo, Zokeisha Publications, Tokyo. 1964. Moscou, Zokeisha Publications, Tokyo. 1989. Close up, Thames and Hudson, Londres, New York et Paris. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Milan. 1994. In and Out of Fashion, Random House, New York et Londres.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 42 - SEBASTIAO SALGADO (Aimorés, Brésil, 1944). De la série "Brésil", 1980-1983. Épreuve à la gélatine argentique. Crédit du photographe dans la marge. Signé, daté et annoté au crayon ; cachet de l'artiste (au verso). Provenance : Collection privée Coolidge, New York. Dimensions : 34,5 x 52 cm (image) ; 51 x 61 cm (papier). Les photographies de Sebastião Salgado prises au Brésil entre 1980 et 1983, en particulier celles qui se concentrent sur les pieds des travailleurs ruraux, sont de puissants témoignages du lien humain avec la terre, le travail et les luttes quotidiennes. À travers son objectif, Salgado a réussi à capturer la dignité et l'humanité de ses sujets, créant des images qui résonnent profondément avec le spectateur et continuent d'avoir un impact durable. Sebastião Salgado est un photographe socio-documentaire et photojournaliste brésilien. Il a voyagé dans plus de 100 pays pour ses projets photographiques. La plupart de ses photos ont été publiées dans de nombreux ouvrages et publications. Des expositions itinérantes de son travail ont été présentées dans le monde entier. Le galeriste Hal Gould considère Salgado comme le plus grand photographe du début du XXIe siècle. Il a reçu de nombreux prix internationaux, dont le prix Prince des Asturies 1998 pour les arts3 et le prix W. Eugene Smith pour la photographie humanitaire. Il a reçu le prix W. Eugene Smith pour la photographie humanitaire4 en 1982. Il est venu relativement tard à la photographie, après avoir suivi une formation d'économiste et travaillé dans ce domaine. Dans sa carrière de photographe, il a commencé à travailler pour l'agence Gamma, basée à Paris, avant de rejoindre Magnum Photos en 1979. En 1994, il a quitté Magnum pour créer sa propre agence Amazonas Images à Paris afin de représenter son travail. Salgado appartient à la tradition de la photographie socio-documentaire : son travail met l'accent sur la documentation du travail des personnes dans les pays moins développés ou dans la pauvreté. En 2001, il a été nommé représentant spécial de l'Unicef pour son travail. Il travaille sur ses propres projets à long terme, dont certains ont été publiés dans des livres tels que "Otras Américas" ou "Éxodos". Parmi ses photographies les plus connues figurent celles prises dans les mines d'or de Serra Pelada au Brésil. Il photographie généralement en noir et blanc avec un Leica. En 1989, il a reçu le prix international de la Fondation Hasselblad. En juin 2007, après avoir reçu le prix Prince des Asturies pour les arts, une grande exposition anthologique de son travail a été organisée au festival international PHotoEspaña à Madrid, où il a remporté le prix du public. Alors que la renommée de Sebastião Salgado grandit dans le monde de la photographie, puisqu'il fait partie de l'agence Magnum, sa femme Lélia Wanick travaille comme éditrice de ses œuvres pour les publier dans des livres et des expositions. Dans les années 1990, ils décident tous deux de retourner à Minas Gerais, au Brésil, pour recevoir de la famille de Sebastião un champ totalement dévasté, érodé et sec. En 1998, ils ont créé l'Institut Terra et, avec Lélia comme présidente du projet, ils ont commencé à reboiser la terre. Avec plus de 4 millions de graines d'espèces indigènes qu'ils ont cultivées, ils ont complètement reboisé la ferme Bulcao avec sa flore d'origine, donnant vie à un projet emblématique et plein d'espoir pour le monde entier. Livres publiés : GOLD (2020), Genesis (2013), Exodus (2000), The Gold Mine of Serra Pelada (1999), Terra (1997), Trabalhadores (1996), The Hand of Man (1993), Sahel : l'Homme en Détresse, Prisma Presse et Centre National de la Photographie, pour Médecins sans frontières, France (1986), Other Americas (1986), Les Hmongs, Médecins sans frontières, Chêne/Hachette, Paris (1982).

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 43 - MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Paris, 2016). "Le peintre de la Tour Eiffel, Paris, 1953. Gélatine argentique. Tirage ultérieur. Signée et datée à l'encre, dans la marge. Provenance : Collection O'Hara, New York. Dimensions : 37,5 x 24 cm (image) ; 40,8 x 30 cm (papier). "Peintre à la Tour Eiffel" est la première photographie que Marc Riboud a publiée dans Life Magazine (1953). On peut y apprécier un élément qui a traversé l'œuvre artistique de Riboud : sa capacité à extraire la magie de n'importe quelle activité, aussi adverse ou anodine soit-elle. C'est pourquoi, bien qu'il ait été correspondant de guerre, on se souvient surtout de lui comme d'un photographe humaniste, car ce sont les valeurs humaines face à l'adversité qu'il a toujours défendues. Marc Riboud était un photographe français spécialisé dans le photojournalisme qui faisait partie de l'agence Magnum. Au début de la Seconde Guerre mondiale, il combat dans la Résistance et commence ses études d'ingénieur à l'École centrale de Lyon en 1945. Il apprend la photographie de manière autodidacte dès l'âge de quinze ans, en utilisant un appareil Vest Pocket Kodak fourni par son père. Après avoir travaillé comme ingénieur, il rejoint en 1952 l'agence Magnum, après avoir rencontré Henri Cartier-Bresson et Robert Capa, où il réalise les reportages les plus importants de sa carrière jusqu'en 1979. Il a été l'un des premiers photographes autorisés à entrer en Chine en 1957 et presque le seul Occidental à rendre compte de la guerre du Viêt Nam depuis le Nord-Viêt Nam. Il a publié de nombreux livres et a exposé son travail dans de nombreuses villes. En 2003, il a reçu le prix Cornell Capa des Infinity Awards. Il a fait l'objet de plusieurs expositions rétrospectives, comme celle qui s'est tenue en 1997 à New York et en 2005 à Paris. Expositions (sélection depuis 2010) : 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Paris. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Paris. 2012 Lors des Journées du patrimoine, Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Début de siècle, Conseil régional Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Musée d'art moderne Richard Anacréonte, Granville.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 44 - ANDRÉ KERTÉSZ (Budapest, 1894-New York, 1985). "Danseur satirique". Paris, 1926. Gélatine argentique, tirage ultérieur. Signé, titré et daté au crayon (au verso). Provenance : De la collection privée de Schroeder New Jersey. Dimensions : 20,6 x 25,5 cm (image) ; 21 x 26 cm (papier). André Kertész appréciait énormément la capacité de l'appareil photo à capturer la danse et les personnes en mouvement. La personne allongée sur le canapé dans cette photographie, dans une pose tout à fait anti-archétypale, est la danseuse et artiste de cabaret Magda Förstner, que Kertész avait invitée au studio spécialement pour la prise de vue. L'image a été prise dans l'atelier du sculpteur István Beöthy, comme l'indique le buste sculptural à côté du fauteuil, qui sert d'inspiration au modèle. Kertész lui-même raconte la situation : "Je lui ai dit : "Fais quelque chose dans l'esprit du coin de l'atelier", et elle a commencé à bouger sur le canapé. Elle a juste fait un mouvement. Je n'ai pris que deux photos... C'est merveilleux de photographier des gens en mouvement. Il n'est pas nécessaire de tirer des centaines de pellicules comme c'est le cas aujourd'hui. Il s'agit de capturer le bon moment. Le moment où quelque chose se transforme en quelque chose d'autre". Le photographe André Kertész était connu pour ses approches novatrices de la composition et des angles de prise de vue, bien que son style unique ait d'abord entravé sa reconnaissance au début de sa carrière. Autodidacte, ses premiers travaux ont été publiés principalement dans des magazines, qui constituaient à l'époque une plate-forme importante. Après avoir participé à la Première Guerre mondiale, il s'installe à Paris, où il travaille pour VU, le premier magazine illustré de France. Il se lie avec de jeunes artistes immigrés et le mouvement Dada, ce qui lui vaut la reconnaissance de la critique et un succès commercial. En 1936, il émigre aux États-Unis où il présente son exposition personnelle à New York à la PM Gallery et travaille brièvement pour l'agence Keystone. C'est là qu'il a refusé une offre de travailler pour Vogue, estimant que ce n'était pas fait pour lui. Il choisit alors de travailler pour le magazine Life. Sa période new-yorkaise se caractérise par le fait qu'il prend des photos depuis la fenêtre de son appartement, immortalisant des moments de la vie quotidienne, toujours avec la conviction que "Tout est un sujet. Chaque sujet a un rythme. Le sentir est la raison d'être. La photographie est un moment fixe de cette raison d'être, qui vit en elle-même". En 1963, il retourne à Paris et prend plus de 2 000 photographies en noir et blanc et près de 500 diapositives qui capturent l'essence de la ville de Montmartre, des rives de la Seine, de ses jardins et de ses parcs.

Valorac. 4 500 - 5 000 EUR

Lote 45 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, France, 1908- Céreste, France, 2004). "Matisse", Vence, France, 1944. Gélatine argentique, tirage ultérieur. Signée à l'encre dans la marge et avec le cachet de copyright du photographe (dans la marge). Provenance : Collection privée Reuben, Chicago. Dimensions : 25,3 x 37 cm (image) ; 31 x 40,8 cm (papier). Henri Cartier-Bresson a immortalisé le peintre français Henri Matisse dans la villa "Le Rêve", sa maison des Alpes-Maritimes, lorsque l'éditeur Pierre Braun lui a demandé de photographier des écrivains et des artistes pour un projet de livre qui ne s'est jamais concrétisé. À l'époque, le peintre fauve a 70 ans et, ayant subi une opération chirurgicale quelques années auparavant, son état de santé l'oblige à rester prostré dans un fauteuil ou un lit, comme on peut le voir sur le cliché proposé. Dans Le Rêve, Matisse dessine et peint les colombes blanches qui volent dans sa chambre, ainsi que ses modèles habituels, Micaela Avogadro et Lydia Delectorskaya. Le fauve passe également du temps dans son appartement de Nice, où Cartier-Bresson le photographie également. Bresson lui-même dira de ces visites à la villa : "Quand je suis allé voir Matisse, je me suis assis dans un coin, je n'ai pas bougé, nous n'avons pas parlé. C'était comme si nous n'existions pas". Henri Cartier-Bresson était un artiste français et un photographe humaniste considéré comme un maître de la photographie et l'un des premiers utilisateurs de la pellicule 35 mm. Pionnier de la photographie de rue, il considérait la photographie comme la capture d'un instant décisif. Son premier grand voyage de reportage l'a conduit en Côte d'Ivoire en 1931. Les photographies de ses nombreux voyages ont rapidement trouvé une tribune dans les magazines et les expositions. Il acquiert également de l'expérience à New York auprès de Paul Strand. À la fin de l'été 1937, avant la bataille de Belchite, il se rend en Espagne avec Herbert Kline, ancien rédacteur en chef du magazine New Theater, et le caméraman Jacques Lemare pour tourner un documentaire sur l'American Medical Bureau pendant la guerre civile espagnole. Ils ont filmé à Villa Paz, l'hôpital des Brigades internationales à Saelices, non loin de Madrid, et sur la côte de Valence pour documenter le rétablissement des volontaires blessés dans les villas de Benicàssim. Ils visitent également la Brigade Abraham Lincoln à Quinto, près de Saragosse, et tournent le film Avec la Brigade Abraham Lincoln en Espagne. De 1937 à 1939, Cartier-Bresson est assistant réalisateur sur trois films de Jean Renoir, dont La Règle du jeu. En 1940, il passe près de trois ans comme prisonnier de guerre en Allemagne. Après avoir été considéré à tort comme mort à la guerre, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une grande rétrospective "posthume" en 1947. La même année, il fonde à New York, avec Robert Capa, David Seymour et George Rodger, l'agence Magnum Photos dans le but de préserver les droits sur les œuvres des photographes. Cartier-Bresson est le premier photographe autorisé à exposer au Louvre à Paris en 1955. Ses photographies ont été rassemblées et publiées dans Images à la sauvette (1952), D'une Chine à l'autre (1968) et Moscou (1955), entre autres. Cartier-Bresson arrête la photographie professionnelle en 1972 et se consacre intensément à l'art du dessin. En 1974, il est élu membre de l'Académie américaine des arts et des sciences.

Valorac. 8 000 - 8 500 EUR

Lote 46 - LEWIS MORLEY (Hong Kong, 1925-Sidney, 2013). "Christine Keeler, 1963. Gélatine argentique. Signé, titré et daté à l'encre (dans la marge). Provenance : Collection privée Bennett, New York. Dimensions : 31,5 x 25 cm (image) ; 36 x 28,9 cm (papier). Après que Christine Keeler, artiste de cabaret et danseuse, a eu une liaison avec un ministre du gouvernement d'Harold Macmillan, ce qui a jeté le discrédit sur le parti conservateur dans ce qui est devenu l'affaire Profumo, elle a été appelée à faire une séance de photos au studio de Lewis Morley. Les événements ont eu lieu parce qu'une société de production cinématographique avait l'intention de réaliser un film sur le scandale et avait besoin de photos publicitaires. Bien que Keeler ait d'abord accepté d'être photographiée nue, elle s'est montrée réticente lorsqu'elle est arrivée au studio. C'est pourquoi Lewis Morley a commencé la séance photo en photographiant le modèle habillé, mais les représentants de la société cinématographique ont insisté pour qu'elle pose nue. Le photographe, sentant la gêne de Keeler, fait partir les autres personnes présentes et, lui tournant le dos pendant que Keeler se déshabille, lui propose de poser sur la chaise du studio placée à l'envers. Lewis Morley a commencé sa carrière en travaillant pour des magazines tels que Tatler et a été un photographe de théâtre à succès pour plus de 100 productions du West End. Ses photographies publicitaires pour le magazine Beyond The Fringe (1961) comprenaient une étude des acteurs Peter Cook, Dudley Moore, Alan Bennett et Jonathan Miller, qui a été utilisée pour la couverture de l'album à succès de la série. En 1971, il s'installe à Sydney, où il travaille pour des magazines tels que Belle et avec des architectes d'intérieur et des stylistes comme Babette Hayes et Charmaine Solomon. En 1989, il collabore avec le conservateur de la photographie Terence Pepper pour organiser sa première rétrospective muséale à la National Portrait Gallery de Londres et fait ensuite don de toutes les images imprimées pour l'exposition dans le cadre d'une archive plus large de son travail. Sa première autobiographie, Black and White Lies, a été publiée en 1992. En 2003, un film sur sa vie est sorti et une exposition intitulée Myself and Eye a été organisée à la National Portrait Gallery de Canberra. En 2006, l'Art Gallery of New South Wales a présenté une exposition complète mettant en valeur 50 ans de son travail. Intitulée Lewis Morley : 50 Years of Photography, l'exposition comprenait 150 de ses œuvres couvrant la mode, le théâtre et le reportage, dont beaucoup n'avaient jamais été vues auparavant. Après sa mort, ses archives ont été données au National Media Museum de Bradford, en Angleterre.

Valorac. 8 000 - 8 500 EUR

Lote 47 - HELEN LEVITT (New York, 1913-2009). "NYC. Enfants masqués à l'arrêt", New York, 1940. Gélatine argentique, tirage ultérieur. Signée, datée et portant l'inscription "N.Y.C." au crayon (au verso). Provenance : De la collection privée de Schroeder New Jersey. Dimensions : 19,4 x 27,7 cm (image) ; 28 x 34,8 cm (papier). Helen Levitt est considérée comme l'une des photographes les plus importantes du XXe siècle et l'un des précurseurs du cinéma indépendant d'aujourd'hui. Elle appartient à l'école dite de New York, qui défendait une photographie de rue directe et aseptisée. Elle a été l'élève de Walker Evans et de Cartier-Bresson, de Ben Shanhn et du cercle de la Photo League of New York, dont elle a appris la recherche de l'instant. Sa façon de capter les gestes, les corps en mouvement, le langage de la rue, ont transformé son travail en une véritable étude anthropologique. En 1939, les photos d'Helen Levitt étaient déjà publiées dans des magazines tels que Fortune, US Camera, Minicam et PM. Son travail le plus connu est en noir et blanc et dans le genre documentaire, mettant son objectif sur les rues et les habitants de la ville, en particulier les enfants. En témoigne l'exposition "Helen Lewitt : Photographs of Children" que le MoMA de New York lui a consacrée en 1943. Lors de son voyage au Mexique en 1941, elle a également fait le portrait d'enfants des rues. Dans les années 1970, Levitt a photographié les rues de New York avec des diapositives couleur et les a intégrées dans son propre langage comme une ressource supplémentaire. Il convient de noter qu'il a toujours eu une vocation pour le cinéma : c'est dans les années 1940 qu'il a réalisé ses premiers projets de films documentaires, sous les ordres du réalisateur espagnol Luis Buñuel, exilé aux États-Unis en raison de la guerre civile espagnole. En 1948, il réalise les films "In the Street" et "The Quiet One".

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 48 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, France, 1908- Céreste, France, 2004). "Jardins du Palais Royal, Paris, 1959. Gélatine argentique, tirage ultérieur. Signé et annoté "pour Tuto" à l'encre et cachet de copyright du photographe en relief (dans la marge). Provenance : Collection privée Reuben, Chicago. Le Centre Pompidou possède une copie de cette photographie. Dimensions : 37 x 25 cm (image) ; 41 x 31 cm (plaque). Grâce à son appareil Leica tenu à la main, Henri Cartier-Bresson se déplaçait avec aisance dans les villes et les pays étrangers, prenant des images qui alliaient sa spontanéité de bohémien à son sens de la composition de peintre. Ce mode opératoire est connu sous le nom d'"instant décisif", un concept célèbre qui influencera les photographes tout au long du XXe siècle. Henri Cartier-Bresson était un artiste français et un photographe humaniste considéré comme un maître de la photographie et l'un des premiers utilisateurs de la pellicule 35 mm. Pionnier de la photographie de rue, il considérait la photographie comme la capture d'un instant décisif. Son premier grand voyage de reportage l'a conduit en Côte d'Ivoire en 1931. Les photographies de ses nombreux voyages ont rapidement trouvé une tribune dans les magazines et les expositions. Il acquiert également de l'expérience à New York auprès de Paul Strand. À la fin de l'été 1937, avant la bataille de Belchite, il se rend en Espagne avec Herbert Kline, ancien rédacteur en chef du magazine New Theater, et le caméraman Jacques Lemare pour tourner un documentaire sur l'American Medical Bureau pendant la guerre civile espagnole. Ils ont filmé à Villa Paz, l'hôpital des Brigades internationales à Saelices, non loin de Madrid, et sur la côte de Valence pour documenter le rétablissement des volontaires blessés dans les villas de Benicàssim. Ils visitent également la Brigade Abraham Lincoln à Quinto, près de Saragosse, et tournent le film Avec la Brigade Abraham Lincoln en Espagne. De 1937 à 1939, Cartier-Bresson est assistant réalisateur sur trois films de Jean Renoir, dont La Règle du jeu. En 1940, il passe près de trois ans comme prisonnier de guerre en Allemagne. Après avoir été considéré à tort comme mort à la guerre, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une grande rétrospective "posthume" en 1947. La même année, il fonde avec Robert Capa, David Seymour et George Rodger l'agence Magnum Photos à New York, dans le but de préserver les droits des photographes.Cartier-Bresson est le premier photographe autorisé à exposer au Louvre, à Paris, en 1955. Ses photographies ont été rassemblées et publiées dans Images à la sauvette (1952), D'une Chine à l'autre (1968) et Moscou (1955), entre autres. Cartier-Bresson arrête la photographie professionnelle en 1972 et se consacre intensément à l'art du dessin. En 1974, il est élu membre de l'Académie américaine des arts et des sciences.

Valorac. 12 000 - 13 000 EUR

Lote 49 - ROBERT FRANK (Zurich 1924 - Nouvelle-Écosse 2019) "Jour de pluie", vers 1955. Gélatine argentique sur papier Agfa. Signé à l'encre dans le coin inférieur gauche. Provenance : Christie's Paris, Photographies 10/11/2020, Lot 107. Dimensions : 41 x 30 cm ; 66,5 x 58 cm (cadre). Robert Frank était un photographe et documentariste suisse, qui a également obtenu la nationalité américaine. Son œuvre la plus remarquable est le livre The Americans, publié en 1958, qui a valu à Frank d'être comparé à De Tocqueville, car ses photographies offraient une vision nouvelle et nuancée de la société américaine, vue de l'extérieur. Le critique Sean O'Hagan a écrit dans The Guardian en 2014 que The Americans "a changé la nature de la photographie, ce qu'elle pouvait dire et comment elle pouvait le dire. Il reste peut-être le livre de photographie le plus influent du XXe siècle". Frank a ensuite exploré d'autres domaines tels que le film et la vidéo et a expérimenté la manipulation de photos et le photomontage. Robert Frank est né à Zurich, en Suisse, dans une famille juive. Frank et sa famille sont restés en sécurité en Suisse pendant la Seconde Guerre mondiale. Il s'est formé auprès de plusieurs photographes et graphistes avant de créer son premier livre de photographies fait à la main, 40 Photos, en 1946. Frank émigre aux États-Unis en 1947 et trouve un emploi à New York en tant que photographe de mode pour Harper's Bazaar. En 1949, le nouveau rédacteur en chef du magazine Camera, Walter Laubli (1902-1991), publie un important portfolio de photographies de Jakob Tuggener prises lors de défilés de haut niveau et dans des usines, ainsi que le travail de Frank, âgé de 25 ans, qui vient de rentrer dans son pays natal, la Suisse, après deux années passées à l'étranger. Il part bientôt pour l'Amérique du Sud et l'Europe et crée un autre livre de photographies faites à la main qu'il a prises au Pérou. De retour aux États-Unis en 1950, il rencontre Edward Steichen et participe à l'exposition collective 51 American Photographers au Museum of Modern Art (MoMA). D'abord optimiste sur la société et la culture américaines, Frank change rapidement de perspective lorsqu'il est confronté au rythme rapide de la vie américaine, qu'il perçoit comme une trop grande importance accordée à l'argent. C'est alors que ses images ont commencé à montrer l'Amérique comme un endroit souvent désolé et solitaire. L'insatisfaction de Frank face au contrôle exercé par les éditeurs sur son travail a sans aucun doute influencé son expérience. Il continue de voyager et installe brièvement sa famille à Paris. En 1953, il retourne à New York et continue à travailler comme photojournaliste indépendant pour des magazines tels que McCall's, Vogue et Fortune. En s'associant à d'autres photographes contemporains tels que Saul Leiter et Diane Arbus, il a contribué à former ce que Jane Livingston a appelé l'école new-yorkaise des photographes au cours des années 1940 et 1950. En 1955, Frank obtient une nouvelle reconnaissance avec l'inclusion par Edward Steichen de sept de ses photographies dans l'exposition du Museum of Modern Art. En 1955, Frank reçoit une bourse Guggenheim de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation pour parcourir les États-Unis et photographier la société. Il se rend dans les villes suivantes : Detroit et Dearborn (Michigan), Savannah (Géorgie), Miami Beach et St. Petersburg (Floride), La Nouvelle-Orléans (Louisiane), Houston (Texas), Los Angeles (Californie), Reno (Nevada), Salt Lake City (Utah), Butte (Montana) et Chicago (Illinois). Il a emmené sa famille avec lui pour une partie de sa série de voyages en voiture au cours des deux années suivantes. Pendant cette période, il a pris 28 000 photos, dont 83 seulement ont été sélectionnées par lui pour être publiées dans The Americans. Il présente sa première exposition personnelle à l'Art Institute of Chicago et, un an plus tard, il expose une seconde fois au MoMA. En 1972, le Kunsthaus de Zurich lui consacre une grande rétrospective.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 50 - SEBASTIAO SALGADO (Aimorés, Brésil, 1944). "Un léopard (Panthera pardus) dans la vallée de la rivière Barab". Damaraland, Namibie, 2005. Épreuve à la gélatine argentique. Crédit du photographe en relief (dans la marge). Signé, daté et annoté au crayon ; cachet de l'artiste (au verso). Provenance : Galerie Claudio Poleschi Arte Contemporanea, Saint-Marin, Italie. Dimensions : 37,4 x 51 cm (image) ; 50,8 x 61 cm (papier). Cette image est d'une beauté et d'une élégance subjuguantes. La puissante majesté du léopard rehaussée par le jeu des reflets entre l'eau et le ciel nocturne nous introduit dans une nature sublime que les éléments minimaux laissent à peine deviner. Il s'agit peut-être de l'une des photographies les moins descriptives et les plus expérimentales de Sebastiao Salgado, qui s'écarte ici de la crudité documentaire de ses photographies sociales pour aborder une autre de ses préoccupations les plus pressantes : la conservation de l'environnement. Dans plusieurs séries, Salgado a utilisé son art pour attirer l'attention sur les défis auxquels notre planète est confrontée. Sebastião Salgado est un photographe socio-documentaire et photojournaliste brésilien. Il a voyagé dans plus de 100 pays pour ses projets photographiques. La plupart d'entre elles ont été publiées dans de nombreux ouvrages et publications. Des expositions itinérantes de son travail ont été présentées dans le monde entier. Le galeriste Hal Gould considère Salgado comme le plus grand photographe du début du XXIe siècle. Il a reçu de nombreux prix internationaux, dont le prix Prince des Asturies 1998 pour les arts3 et le prix W. Eugene Smith pour la photographie humanitaire. Il a reçu le prix W. Eugene Smith pour la photographie humanitaire4 en 1982. Il est venu relativement tard à la photographie, après avoir suivi une formation d'économiste et travaillé dans ce domaine. Dans sa carrière de photographe, il a commencé à travailler pour l'agence Gamma, basée à Paris, avant de rejoindre Magnum Photos en 1979. En 1994, il a quitté Magnum pour créer sa propre agence Amazonas Images à Paris afin de représenter son travail. Salgado appartient à la tradition de la photographie socio-documentaire : son travail met l'accent sur la documentation du travail des personnes dans les pays moins développés ou dans la pauvreté. En 2001, il a été nommé représentant spécial de l'Unicef pour son travail. Il travaille sur ses propres projets à long terme, dont certains ont été publiés dans des livres tels que "Otras Américas" ou "Éxodos". Parmi ses photographies les plus connues figurent celles prises dans les mines d'or de Serra Pelada au Brésil. Il photographie généralement en noir et blanc avec un Leica. En 1989, il a reçu le prix international de la Fondation Hasselblad. En juin 2007, après avoir reçu le prix Prince des Asturies pour les arts, une grande exposition anthologique de son travail a été organisée au festival international PHotoEspaña à Madrid, où il a remporté le prix du public. Alors que la renommée de Sebastião Salgado grandit dans le monde de la photographie, puisqu'il fait partie de l'agence Magnum, sa femme Lélia Wanick travaille comme éditrice de ses œuvres pour les publier dans des livres et des expositions. Dans les années 1990, ils décident tous deux de retourner à Minas Gerais, au Brésil, pour recevoir de la famille de Sebastião un champ totalement dévasté, érodé et sec. En 1998, ils ont créé l'Institut Terra et, avec Lélia comme présidente du projet, ils ont commencé à reboiser la terre. Avec plus de 4 millions de graines d'espèces indigènes qu'ils ont cultivées, ils ont complètement reboisé la ferme Bulcao avec sa flore d'origine, donnant vie à un projet emblématique et plein d'espoir pour le monde entier. Livres publiés : GOLD (2020), Genesis (2013), Exodus (2000), The Gold Mine of Serra Pelada (1999), Terra (1997), Trabalhadores (1996), The Hand of Man (1993), Sahel : l'Homme en Détresse, Prisma Presse et Centre National de la Photographie, pour Médecins sans frontières, France (1986), Other Americas (1986), Les Hmongs, Médecins sans frontières, Chêne/Hachette, Paris (1982).

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 51 - HELMUT NEWTON (Allemagne, 1920- Californie, 2004). "Sylvia examinant ses chaussures à talons hauts dans mon studio, Paris, 1981. Gélatine argentique. Signé, titré, daté et annoté au crayon. Provenance : Galerie Maurizio Siniscaldo, Naples, Italie. Dimensions : 54,6 x 40 cm (image). "Sylvia examinant ses talons hauts dans mon studio" est une photographie qui reflète de nombreux thèmes qui définissent la méthode de travail d'Helmut Newton : la composition soigneusement élaborée (la lumière d'un lampadaire filtrant dans l'obscurité de la nuit urbaine contraste avec la clarté du nu et du cadre de la fenêtre), l'élément fétichiste des chaussures à talons aiguilles que Sylvia tient sans maniérisme.... Newton explore souvent les thèmes du pouvoir, du contrôle et du fétichisme dans son travail. Dans cette image, le visage introspectif de la femme (inconsciente du regard du désir masculin) et le naturel de sa posture lui donnent du pouvoir, plutôt que de la réduire au stéréotype de la femme objet. Ce faisant, Newton redéfinit les paramètres de la photographie érotique et de mode : provocation, anti-voyeurisme et autonomisation de la femme sont ses attributs. Ses femmes n'apparaissent pas alanguies comme des odalisques, mais défiantes, sans complexe et sans admettre un voyeurisme facile. Dans des photographies comme celle-ci, elle explore les frontières entre l'intime et le public, tout en planifiant soigneusement ses compositions pour maximiser l'impact visuel. Newton est née à Berlin, a fréquenté le Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium et l'American School in Berlin. Intéressé par la photographie dès l'âge de 12 ans, lorsqu'il achète son premier appareil, il travaille pour la photographe allemande Yva (Elsie Neuländer Simon) à partir de 1936. Les restrictions de plus en plus oppressives imposées aux Juifs par les lois de Nuremberg font perdre à son père le contrôle de l'usine ; il est brièvement interné dans un camp de concentration lors de la Nuit de Cristal, ce qui contraint finalement la famille à quitter l'Allemagne. Les parents de Newton s'enfuient en Argentine. Enfin, arrivé à Singapour, il découvre qu'il peut y rester, d'abord brièvement en tant que photographe pour le Straits Times, puis en tant que photographe portraitiste. Newton a été interné par les autorités britanniques alors qu'il se trouvait à Singapour et a été envoyé en Australie à bord du Queen Mary, arrivant à Sydney le 27 septembre 1940. Il est libéré en 1942 et travaille brièvement comme cueilleur de fruits dans le nord de l'État de Victoria. En avril 1942, il s'est engagé dans l'armée australienne et a travaillé comme chauffeur de camion. Après la guerre, en 1945, il est devenu sujet britannique et a changé son nom en Newton en 1946. La même année, Newton installe un studio sur Flinders Lane à Melbourne et travaille dans la photographie de mode, de théâtre et industrielle pendant la période d'après-guerre. Il partage sa première exposition commune avec Wolfgang Sievers en mai 1953. L'exposition "New Visions in Photography" est présentée au Federal Hotel dans Collins Street et constitue probablement le premier aperçu de la photographie de la Nouvelle Objectivité en Australie. Newton s'associe à Henry Talbot, un juif allemand qui avait également été interné à Tatura, et son association avec le studio se poursuit même après 1957, lorsqu'il quitte l'Australie pour Londres. Le studio est alors rebaptisé "Helmut Newton and Henry Talbot". La réputation grandissante de Newton en tant que photographe de mode est récompensée lorsqu'il obtient une commande pour illustrer la mode dans un supplément australien spécial pour le magazine Vogue, publié en janvier 1956. Il décroche un contrat de 12 mois avec British Vogue et part pour Londres en février 1957, laissant Talbot gérer l'entreprise. Newton quitte le magazine avant la fin de son contrat et se rend à Paris, où il travaille pour des magazines français et allemands. Il revient à Melbourne en mars 1959 pour travailler avec Australian Vogue. Newton et sa femme s'installent finalement à Paris en 1961. Ses images apparaissent dans des magazines tels que l'édition française de Vogue et Harper's Bazaar. Il établit un style particulier marqué par des scènes érotiques et stylisées, souvent à connotation fétichiste. En 1980, il crée la série des "Big Nudes". Vient ensuite le portfolio "Nude and Clothed" et, en 1992, "Domestic Nudes", qui marque l'apogée de son style érotico-urbain, toutes ces séries témoignent de la dextérité de ses compétences techniques. Newton a également travaillé sur des portraits et des études plus fantastiques. Il a réalisé une série d'illustrations pour Playboy, notamment de Nastassja Kinski et de Kristine DeBell.

Valorac. 9 000 - 12 000 EUR

Lote 52 - HELMUT NEWTON (Allemagne, 1920- Californie, 2004). "Domestic Nude 7, Los Angeles, 1992. Gélatine argentique, copie 9/15. Signé, titré, daté et numéroté au crayon. Provenance : Galerie Maurizio Siniscaldo, Naples, Italie. Dimensions : 45,2 x 36,2 cm (image). La série "Domestic Nude" qu'Helmut Newton réalise à Los Angeles en 1992 représente un nouveau tour de vis pour la photographie artistique et de mode. Il y place des femmes dans des poses provocantes et dans des espaces domestiques inhabituels : dans la niche, adossées au réfrigérateur.... Elles ne sont pas montrées langoureusement comme des odalisques, mais avec puissance et défi, sans pudeur et sans admettre un voyeurisme facile. Dans "Domestic Nude", elle explore les frontières entre le privé et le public, entre les femmes en tant que sujet et objet. Newton planifie aussi soigneusement ses compositions pour maximiser l'impact visuel. Newton est née à Berlin, a fréquenté le Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium et l'American School in Berlin. Intéressé par la photographie dès l'âge de 12 ans, lorsqu'il achète son premier appareil, il travaille pour la photographe allemande Yva (Elsie Neuländer Simon) à partir de 1936. Les restrictions de plus en plus oppressives imposées aux Juifs par les lois de Nuremberg font perdre à son père le contrôle de l'usine ; il est brièvement interné dans un camp de concentration lors de la Nuit de Cristal, ce qui contraint finalement la famille à quitter l'Allemagne. Les parents de Newton s'enfuient en Argentine. Enfin, arrivé à Singapour, il découvre qu'il peut y rester, d'abord brièvement en tant que photographe pour le Straits Times, puis en tant que photographe portraitiste. Newton a été interné par les autorités britanniques alors qu'il se trouvait à Singapour et a été envoyé en Australie à bord du Queen Mary, arrivant à Sydney le 27 septembre 1940. Il est libéré en 1942 et travaille brièvement comme cueilleur de fruits dans le nord de l'État de Victoria. En avril 1942, il s'est engagé dans l'armée australienne et a travaillé comme chauffeur de camion. Après la guerre, en 1945, il est devenu sujet britannique et a changé son nom en Newton en 1946. La même année, Newton installe un studio sur Flinders Lane à Melbourne et travaille dans la photographie de mode, de théâtre et industrielle pendant la période d'après-guerre. Il partage sa première exposition commune avec Wolfgang Sievers en mai 1953. L'exposition "New Visions in Photography" est présentée au Federal Hotel dans Collins Street et constitue probablement le premier aperçu de la photographie de la Nouvelle Objectivité en Australie. Newton s'associe à Henry Talbot, un juif allemand qui avait également été interné à Tatura, et son association avec le studio se poursuit même après 1957, lorsqu'il quitte l'Australie pour Londres. Le studio est alors rebaptisé "Helmut Newton and Henry Talbot". La réputation grandissante de Newton en tant que photographe de mode est récompensée lorsqu'il obtient une commande pour illustrer la mode dans un supplément australien spécial pour le magazine Vogue, publié en janvier 1956. Il décroche un contrat de 12 mois avec British Vogue et part pour Londres en février 1957, laissant Talbot gérer l'entreprise. Newton quitte le magazine avant la fin de son contrat et se rend à Paris, où il travaille pour des magazines français et allemands. Il revient à Melbourne en mars 1959 pour travailler avec Australian Vogue. Newton et sa femme s'installent finalement à Paris en 1961. Ses images apparaissent dans des magazines tels que l'édition française de Vogue et Harper's Bazaar. Il établit un style particulier marqué par des scènes érotiques et stylisées, souvent à connotation fétichiste. En 1980, il crée la série des "Big Nudes". Vient ensuite le portfolio "Nude and Clothed" et, en 1992, "Domestic Nudes", qui marque l'apogée de son style érotico-urbain, toutes ces séries témoignent de la dextérité de ses compétences techniques. Newton a également travaillé sur des portraits et des études plus fantastiques. Il a réalisé une série d'illustrations pour Playboy, notamment de Nastassja Kinski et de Kristine DeBell.

Valorac. 10 000 - 15 000 EUR

Lote 53 - WILLIAM KLEIN (New York, 1926- Paris, 2022) . "Modèle + Graffiti (photo décor)". Paris (Vogue), 1961. Épreuve à la gélatine argentique. Signé, titré et daté au crayon (au verso). Provenance : Galerie Claudio Poleschi Arte Contemporanea, Saint-Marin, Italie. Dimensions : 39,5 x 30,8 cm (image). William Klein a développé un style novateur et expérimental dans le domaine de la photographie de mode, comme le montre cette photographie prise à Paris en 1961 pour le magazine Vogue. La robe de la femme imite partiellement le mur de graffitis par un jeu de lumière et de texture. En revanche, les chaussures fines et les boucles d'oreilles en or créent une tension visuelle intéressante. Klein explore le contraste entre le glamour exclusif de la mode et la crudité des graffitis de rue en utilisant des techniques artistiques qui élargissent la grammaire de la photographie de mode. Dans les années 1960, la photographie de mode était dominée par des images polies et soigneusement composées. Klein a rompu avec ces conventions en introduisant un sens de la spontanéité et du réalisme. Son travail photographique est influencé par l'art, la culture urbaine et le langage cinématographique (domaine dans lequel il s'est également développé). À la recherche de l'éphémère et de l'authentique, il a sorti la photographie du studio et l'a placée dans des environnements réels, souvent chaotiques. William Klein était un photographe et réalisateur américain. Bien qu'il soit né à New York et qu'il ait fait ses études au City College de cette ville, Klein a surtout travaillé en France. Il a réalisé plusieurs longs métrages (dont le film "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" en 1966 et la satire anti-américaine "Mr Freedom"). Dans le domaine de la photographie, Klein a remporté le prix Nadar en 1956. En 1947, alors qu'il est dans l'armée, il se rend pour la première fois à Paris et, depuis lors, il vit et travaille dans cette ville, dont il est tombé amoureux. En 1948, il s'inscrit à l'université de la Sorbonne, où il étudie notamment avec Fernand Léger. Ses œuvres les plus connues tournent autour de la photographie de mode et de rue, dont il est considéré comme l'un des créateurs et des maîtres. Récompenses : En 1988, il reçoit le prix de la culture de l'association allemande de photographie. En 1990, il a reçu le prix international de la Fondation Hasselblad. En 2005, il a reçu le prix PhotoEspaña. Livres de photographie : 1956. Life Is Good & Good for You in New York : Trance witness revels, Éditions su Seul, Paris. 1959. Rome : la ville et ses habitants, Feltrinelli, Milan. 1964. Tokyo, Zokeisha Publications, Tokyo. 1964. Moscou, Zokeisha Publications, Tokyo. 1989. Close up, Thames and Hudson, Londres, New York et Paris. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Milan. 1994. In and Out of Fashion, Random House, New York et Londres.

Valorac. 12 000 - 16 000 EUR

Lote 54 - EDWARD STEICHEN (Luxembourg, 1879 - West Redding, Connecticut, 1973). "La mer", 1904. Photographie au platine montée sur papier noir original sur papier crème (original). Présente une étiquette au dos de la collection allemande (Hambourg 1971). Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 13 x 17,5 cm ; 29 x 37 cm (cadre). Edward Steichen a été une figure clé de la photographie du XXe siècle, dont il a dirigé le développement en tant que photographe de premier plan et conservateur influent. Steichen est arrivé aux États-Unis en 1881. Il peint et travaille la lithographie, avant de se tourner vers la photographie en 1896, et expose pour la première fois des photographies au Salon de Philadelphie en 1899. Steichen est naturalisé américain en 1900 et, après avoir exposé au salon de Chicago, il reçoit le soutien de Clarence White, qui le présente à Alfred Stieglitz. Steichen pratique la peinture à Paris par intermittence entre 1900 et 1922 ; il y rencontre Rodin et est en contact avec les mouvements d'art moderne, ce qui lui permet de conseiller Stieglitz sur le choix des expositions. En 1901, il est élu membre de la Linked Ring Brotherhood à Londres et, en 1902, il cofonde la Photo-Secession et dessine la première couverture de Camera Work, dans laquelle ses travaux sont souvent publiés. À New York, Steichen aide Stieglitz à créer les Small Galleries of the Photo-Secession, connues sous le nom de "291", et en 1910, il participe à l'Exposition internationale de photographie picturale à Buffalo. Pendant la Première Guerre mondiale, il dirige la photographie aérienne pour les forces expéditionnaires de l'armée. Peu après, il abandonne la peinture, ainsi que les vestiges du pictorialisme, et adopte un style moderniste. Il est photographe en chef de Condé Nast de 1923 à 1938, tout en réalisant des travaux publicitaires en free-lance. Nommé lieutenant-commandant en 1942, Steichen est nommé directeur de l'Institut photographique de la marine américaine en 1945 ; il y supervise la photographie de combat et organise les expositions "Road to Victory" et "Power in the Pacific". Directeur de la photographie au Museum of Modern Art de 1947 à 1962, il est à l'origine de plus de cinquante expositions, dont The Family of Man en 1955, l'exposition la plus populaire de l'histoire de la photographie. Steichen a reçu d'innombrables prix et distinctions, dont le titre de Chevalier de la Légion d'honneur française, un titre de membre honoraire de la Royal Photographic Society, la Distinguished Service Medal, le Art Directors Club of New York Award, le U.S. Camera Achievement Award pour la "Most Outstanding Individual Contribution to Photography" (1949), et la Presidential Medal of Freedom (1963). D'importantes expositions de son travail ont été organisées au Baltimore Museum of Art, au Museum of Modern Art, à la Bibliothèque nationale de Paris, à l'ICP et à la George Eastman House.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 55 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - New York, 1979). "La moustache de Dali", vers 1954. Photographie à la gélatine argentique. Légers plis dans les coins qui n'affectent pas l'œuvre. Signée au crayon et tamponnée au verso. "Copyright by Philippe Halsman". Dimensions : 20 x 16 cm : 40 x 44 cm (cadre). Halsman a étudié l'ingénierie électrique à Dresde. Après avoir été accusé du meurtre de son père, il a passé deux ans en prison. À sa libération, Halsman décide de s'installer en France, où il commence à collaborer à des magazines de mode tels que Vogue et acquiert rapidement la réputation d'être l'un des meilleurs photographes portraitistes de France. Il est réputé pour ses images très nettes, plutôt que molles, et étroitement cadrées. Lorsque la France est envahie par l'Allemagne, Halsman se réfugie à Marseille. Il réussit finalement à obtenir un visa américain, avec l'aide de son ami de famille Albert Einstein, qu'il photographiera plus tard, en 1947. Halsman connaît son premier succès aux États-Unis lorsque la société de cosmétiques Elizabeth Arden utilise son image du mannequin Constance Ford contre le drapeau américain dans une campagne publicitaire pour le rouge à lèvres "Victory Red". Un an plus tard, en 1942, il trouve un emploi au magazine Life, où il photographie des modèles de chapeaux. En 1941, Halsman rencontre l'artiste surréaliste Salvador Dalí et ils commencent à collaborer à la fin des années 1940. L'œuvre Dalí Atomicus de 1948 explore l'idée de suspension, représentant trois chats en train de voler, un seau d'eau jeté et Dalí dans les airs. Le titre de la photographie fait référence à l'œuvre de Dalí, Leda Atomicus, que l'on peut voir à droite de la photographie, derrière les deux chats. Halsman et Dalí ont fini par publier un recueil de leurs collaborations dans le livre Dali's Moustache (1954), qui présente 36 vues différentes de la moustache caractéristique de l'artiste. Une autre collaboration célèbre entre les deux artistes est In Voluptas Mors, un portrait surréaliste de Dalí à côté d'un grand crâne, en fait un tableau vivant composé de sept nus. En 1947, Halsman prend ce qui deviendra l'une de ses photos les plus célèbres, celle d'un Albert Einstein en deuil qui, au cours de la séance photo, confie ses regrets quant au rôle qu'il a joué dans la recherche de la bombe atomique par les États-Unis. La photo sera ensuite utilisée en 1966 sur un timbre-poste américain et, en 1999, en couverture du magazine Time, qui qualifie Einstein de "personne du siècle". En 1951, NBC a demandé à Halsman de photographier plusieurs humoristes populaires de l'époque, dont Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx et Bob Hope. Le photographe a développé une philosophie de la photographie de sauts, qu'il a appelée la jumpologie. Il a publié le Jump Book de Philippe Halsman en 1959, qui contient une discussion humoristique sur la jumpologie et 178 photographies de célèbres sauteurs. L'ouvrage présente de légers plis dans les coins qui n'affectent pas l'œuvre.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 56 - WEEGEE ; ARTHUR FELLIG (Ukraine, 1899- 1968). "Circus Biker", vers 1943. Photographie à la gélatine argentique. Léger dommage au cadre. Tampon de présentation au dos "Credit photo by Weegee-The Famous". Dimensions : 18 x 13,5 cm ; 40x 30,5 cm (cadre). Arthur Fellig, connu sous le pseudonyme de Weegee, était un photographe et photojournaliste réputé pour son style photographique brut, qui présentait les scènes de rue de la ville de New York, généralement en noir et blanc. Weegee a travaillé dans le Lower East Side de Manhattan en tant que photographe de presse dans les années 1930 et 1940. Il a développé son style caractéristique en suivant les services d'urgence de la ville et en documentant une grande partie de leurs activités. C'est pourquoi ses compositions dépeignent des scènes réalistes de la vie urbaine, de la criminalité et de la mort. Weegee a publié des livres sur la photographie et a également travaillé dans le domaine du cinéma, d'abord en réalisant ses propres courts métrages, puis en collaborant avec des cinéastes tels que Jack Donohue et Stanley Kubrick. L'un de ses premiers emplois fut dans le laboratoire photo du New York Times. Plus tard, alors qu'il travaillait pour Acme Newspictures, son habileté et son ingéniosité à développer des tirages en direct lui valurent le nom de "Mr. Squeegee". La plupart de ses photographies ont été prises avec l'équipement et les principes esthétiques typiques des photographes de presse. Il était autodidacte et n'avait pas reçu de formation officielle. Certaines de ses photos reflètent une juxtaposition entre la représentation de personnes de la haute société et d'autres qui n'appartiennent pas au même cercle social. Le travail de Weege est largement reconnu au niveau national et international et ses œuvres font partie d'importantes collections privées et publiques. En outre, son travail continue de susciter de l'intérêt après sa mort, comme en témoigne l'exposition Weegee's New York, qui s'est tenue en 2009 à la Fundación Telefónica de Madrid. Le cadre est légèrement endommagé.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 57 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - New York, 1979). "Sans titre (Réflexion)", vers 1940. Photographie à la gélatine d'argent. Estampillée au dos "Copyright by Philippe Halsman". Dimensions : 20,5 x 21 cm ; 31,5 x 29 cm (cadre). Halsman a étudié l'ingénierie électrique à Dresde. Après avoir été accusé du meurtre de son père, il a passé deux ans en prison. À sa libération, Halsman décide de s'installer en France, où il commence à collaborer à des magazines de mode tels que Vogue et acquiert rapidement la réputation d'être l'un des meilleurs photographes portraitistes de France. Il est réputé pour ses images très nettes, plutôt que floues, et étroitement cadrées. Lorsque la France est envahie par l'Allemagne, Halsman se réfugie à Marseille. Il réussit finalement à obtenir un visa américain, avec l'aide de son ami de famille Albert Einstein, qu'il photographiera plus tard, en 1947. Halsman connaît son premier succès aux États-Unis lorsque la société de cosmétiques Elizabeth Arden utilise son image du mannequin Constance Ford contre le drapeau américain dans une campagne publicitaire pour le rouge à lèvres "Victory Red". Un an plus tard, en 1942, il trouve un emploi au magazine Life, où il photographie des modèles de chapeaux. En 1941, Halsman rencontre l'artiste surréaliste Salvador Dalí et ils commencent à collaborer à la fin des années 1940. L'œuvre Dalí Atomicus de 1948 explore l'idée de suspension, représentant trois chats en train de voler, un seau d'eau jeté et Dalí dans les airs. Le titre de la photographie fait référence à l'œuvre de Dalí, Leda Atomicus, que l'on peut voir à droite de la photographie, derrière les deux chats. Halsman et Dalí ont fini par publier un recueil de leurs collaborations dans le livre Dali's Moustache (1954), qui présente 36 vues différentes de la moustache caractéristique de l'artiste. Une autre collaboration célèbre entre les deux artistes est In Voluptas Mors, un portrait surréaliste de Dalí à côté d'un grand crâne, en fait un tableau vivant composé de sept nus. En 1947, Halsman prend ce qui deviendra l'une de ses photos les plus célèbres, celle d'un Albert Einstein en deuil qui, au cours de la séance photo, confie ses regrets quant au rôle qu'il a joué dans la recherche de la bombe atomique par les États-Unis. La photo sera ensuite utilisée en 1966 sur un timbre-poste américain et, en 1999, en couverture du magazine Time, qui qualifie Einstein de "personne du siècle". En 1951, NBC a demandé à Halsman de photographier plusieurs humoristes populaires de l'époque, dont Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx et Bob Hope. Le photographe a développé une philosophie de la photographie de sauts, qu'il a appelée la jumpologie. Il a publié le Jump Book de Philippe Halsman en 1959, qui contient une discussion humoristique sur la jumpologie et 178 photographies de célèbres sauteurs.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 58 - AI WEIWEI (Pékin, 1957). "Femme nue". Photographie sur papier Fuji. Édition ouverte. Signée en bas à droite. Dimensions : 12,5 x 18 cm. Ai Weiwei est un activiste et un artiste contemporain. Il a collaboré avec les architectes suisses Herzog & de Meuron en tant que conseiller artistique pour le stade national de Pékin lors des Jeux olympiques de 2008. En tant qu'activiste, il a constamment critiqué le gouvernement chinois pour sa position sur la démocratie et les droits de l'homme. Il a également enquêté sur la corruption et les dissimulations du gouvernement en Chine, en particulier sur l'effondrement des écoles dans le Sichuan après le tremblement de terre de 2008. Le 3 avril 2011, il a été arrêté à l'aéroport international de Pékin, détenu pendant 81 jours sans inculpation officielle, et les autorités ont fait allusion à des "crimes économiques". En 1978, Ai s'inscrit à l'Académie du film de Pékin et étudie l'animation. En 1978, il est l'un des fondateurs du groupe d'avant-garde "Stars", avec Ma Desheng, Wang Keping, Huang Rui, Li Shuang, Zhong Acheng et Qu Leilei. Le groupe se dissout en 1983, mais Ai participe régulièrement aux expositions organisées par le groupe, comme The Stars : Dix ans en 1989 (Hanart Gallery, Hong Kong et Taipei) et une rétrospective à Pékin en 2007 : Origin Point (aujourd'hui Musée d'art de Pékin). En 2014, Ai Weiwei a réalisé une installation intitulée Illumination dans un ancien hôpital pénitentiaire, conçue pour ressembler à un film d'horreur. Pour cette œuvre, Ai Weiwei est retourné en Chine en 1993 après que son père soit tombé malade. Il participe à la création du groupe d'artistes expérimentaux "Beijing East Village" et coédite une série de trois livres sur cette nouvelle génération avec le commissaire d'exposition chinois Feng Boyi : Black Cover Book (1994), White Cover Book (1995) et Gray Cover Book (1999). En 1999, il s'installe à Caochangdi, au nord-est de Pékin, et construit une maison-atelier, son premier projet architectural. En raison de son intérêt pour l'architecture, il a fondé FALSA Design Studio en 2003. En 2000, il a coorganisé l'exposition d'art "Fuck Off" avec le conservateur Feng Boyi à Shanghai, en Chine.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 59 - LARRY CLARK (Tulsa, Oklahoma ; 1943). "Femme nue". Photographie sur papier Fuji. Tampon de la Presents Gallery au dos. Dimensions : 15 x 10 cm. Lawrence Donald Clark (né le 19 janvier 1943) est un réalisateur, photographe, écrivain et producteur de films américain, surtout connu pour son film controversé sur les adolescents Kids (1995) et son livre de photographies Tulsa (1971). Son travail se concentre principalement sur les jeunes qui consomment des drogues illégales, ont des relations sexuelles avec des mineurs et sont violents, et qui font partie d'une sous-culture spécifique, comme le surf, le punk rock ou le skateboard.

Valorac. 300 - 350 EUR

Lote 60 - PACO PEREGRÍN (Almería, 1976). "Scorpion, 2015. Photographie numérique montée sur aluminium. Un certificat d'authenticité délivré par l'artiste sera livré. L'œuvre est publiée sur le site web de l'artiste. -Bibliographie : Revue Fucking Young ! nº 6 yCatalogue de l'exposition "Artificio". Centre andalou de la photographie (CAF), 2018. -Expositions : Centre andalou de la photographie (CAF). Exposition personnelle "Artificio", du 1er juin au 15 juillet 2018.Mesures : 50 x 40 cm ; 51 x 41 cm (cadre). Paco Peregrín est un éminent photographe, artiste visuel et directeur créatif andalou, basé à Madrid, qui travaille à l'échelle internationale dans le monde de l'art, de la publicité et de la mode (il a réalisé et dirigé des projets de haut niveau pour des marques mondiales telles que Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Lancôme, Shiseido, Marie Dalgar, L'Occitane, La Rinascente, Vögele Shoes, Adidas, Nike, etc.) Il publie dans des magazines prestigieux tels que Vogue (IT, DE, ES), Harper's Bazaar (US, Russie, Espagne et Vietnam), VMAN, L'Officiel, Vanity Fair, ELLE, Marie Claire, Grazia, Cosmopolitan, Glamour, Dsection, Fucking Young !, Vision, Zink !, Neo2, Yo Dona, Vanidad, Schön !, Noi.se, Allure, NYLON, etc. Diplômé en beaux-arts de l'université de Séville, il a poursuivi sa formation à l'International Center of Photography (New York), au Central Saint Martins College of Art and Design (Londres), à l'Universidad Complutense de Madrid, à l'Universidad de Santiago de Compostela... Il a reçu d'importantes bourses (Pilar Juncosa et Sotheby's, Talens, Universidad Complutense, Ayuntamiento de Sevilla, Proyectos de Fotografía Caja San Fernando, Centro Andaluz de la Fotografía, etc.) et son travail audiovisuel a été récompensé dans des festivals internationaux tels que le Chicago Fashion Film Festival, le London Fashion Film Festival, l'International Fashion Film Festival Brussels et le Global Short Film Awards Festival à Cannes. Ses œuvres font partie d'importantes collections d'art (Centro Andaluz de la Fotografía, Comunidad de Madrid, Instituto Andaluz de la Juventud, Universidad de Sevilla, Fundación Talens, Colección de Arte Contemporáneo Delegación de Cultura de Doña Mencía, Centro Andaluz de Arte Seriado.) et figure dans de nombreux ouvrages tels que "Artificio" (Centro Andaluz de la Fotografía, Editorial Universidad de Almería), "Facing", 6th Crossover Art Project (Marie Dalgar, Beijing), "Super-Modified : The Behance Book of Creative Work" (Gestalten), "Diccionario de fotógrafos españoles (La Fábrica & Acción Cultural Española), "Otherworldly" (Gestalten), "New Fashion Photography" (Prestel), "PALETTE 03 : Gold & Silver, New Metallic Graphics" (Victionary), "PALETTE 02 : Multicolour, New Rainbow-hued Graphics" (Victionary), "Cazadores de Tendencias : los nombres esenciales de Moda Española" (Lunwerg), "STAND BY_012. Guía de Fotografía Andaluza Actual" (Valentín de Madariaga Foundation & MP Corporation), "Hair'em Scare'em" (Gestalten) ou "Arte desde Andalucía para el siglo XXI catalogación monográfica ilustrada del joven arte andaluz" (Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía). J'ai exposé dans des galeries à New York, Pékin, Paris, Barcelone, Madrid, Berlin, Séville, Saint-Sébastien, Valence, Caceres, Almeria .... et dans des musées tels que le Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Séville), le Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), le Museo de Artes y Tradiciones de Sevilla, CaixaForum Sevilla, Centro Andaluz de la Fotografía, ARTSevilla, Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, Forosur 2004 (Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo) et PHotoESPAÑA. L'œuvre de Peregrín est riche en symboles et s'inspire de l'art classique, de la peinture flamande et baroque, ainsi que de la culture d'avant-garde la plus expérimentale. Il s'est intéressé à l'image sociale du corps, à sa perception, aux canons de la beauté contemporaine, au concept du masque, au passage du temps, à la communication dans les médias de masse, à la publicité dans la société de consommation, aux nouvelles technologies et à la représentation du corps comme lieu d'investigation des conséquences du pouvoir et des rôles de genre aujourd'hui. Un certificat d'authenticité délivré par l'artiste sera fourni. L'œuvre est publiée sur le site web de l'artiste. -Bibliographie : Fucking Young ! magazine nº 6 yCatalogue de l'exposition "Artificio". Centre andalou de la photographie (CAF), 2018.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

Lote 61 - EDUARDO MOMEÑE (Bilbao, 1952). "Anfred Prufrock" 2009. Triptyque. Gélatine argentique, copie 3/30. Titré, daté et numéroté. Provenance : Galerie N2, Barcelone. Dimensions : 37,5 x 24 cm (photographie) ; 52,5 x 42,5 cm (chaque cadre). Eduardo Momeñe est photographe et auteur d'articles et d'essais sur l'esthétique photographique. L'enseignement de la photographie a occupé une place prépondérante dans sa carrière professionnelle, et il a donné de nombreux cours, ateliers et séminaires. Il a réalisé des projets tels que la série télévisée "La Puerta Abierta" ou le magazine "Fotografías", tous deux considérés comme des ouvrages de référence. Sa première exposition a eu lieu à la galerie Nikon de Barcelone en 1974. Depuis lors, ses photographies font partie de collections publiques et privées et il a exposé dans différents pays. Sa dernière exposition au Círculo de Bellas Artes s'est terminée en janvier 2024. Des magazines tels que Vogue, Marie Claire, Elle ou Stlyle ont publié ses images de mode, d'illustration ou de portrait. Il est l'auteur des livres "La visión fotográfica", "Las fotografías de Burton Norton" et "El placer de fotografiar" et coordinateur de "pam/Plassu" publié par AfterPhoto, ses portraits et compositions de studio sont inclus dans le livre "Eduardo Momeñe" publié dans Photobolsillo par La Fábrica.

Valorac. 1 600 - 2 000 EUR

Lote 62 - RAY K. METZKER (USA, 1931-2014). Sans titre. 1997. Photographie. Signée et datée au dos. Dimensions : 35 x 27 cm ; 66 x 55,5 cm. Ray K. Metzker était un photographe américain connu principalement pour ses paysages urbains audacieux et expérimentaux en noir et blanc et pour ses grandes "compositions", assemblages de bandes de film imprimées et d'images individuelles. Son travail est conservé dans plusieurs grandes collections publiques et a fait l'objet de huit monographies. Il a reçu des prix de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, de la National Endowment for the Arts et de la Royal Photographic Society. Metzker a été l'élève de Harry Callahan et d'Aaron Siskind à l'Institute of Design de Chicago. Il a enseigné pendant de nombreuses années au Philadelphia College of Art et a également enseigné à l'université du Nouveau-Mexique. Après des études supérieures à l'Institute of Design de Chicago, Metzker a beaucoup voyagé en Europe en 1960-1961, où il a eu deux révélations : la "lumière" serait son thème principal et il rechercherait la synthèse et la complexité plutôt que la simplicité. Metzker avait l'habitude de dire que l'artiste commence ses explorations en embrassant ce qu'il ne connaît pas. Récompenses : 1966 : Bourse Guggenheim, John Simon Guggenheim Memorial Foundation. 1975 : Bourse de la National Endowment for the Arts. 1988 : Bourse de la National Endowment for the Arts. 1989 : Bourse Bernheim à l'Arboretum et à la Forêt de recherche Bernheim, Clermont, Kentucky. 2000 : Médaille du centenaire, Royal Photographic Society, Bath (HonFRPS). Il est représenté, parmi de nombreux autres musées, au : Musée des beaux-arts de Houston. Museum of Modern Art, New York : 14 tirages (au 22 décembre 2021). J. Paul Getty Museum, Los Angeles. Whitney Museum of American Art, New York : 14 tirages (à partir du 15 décembre 2021). Metropolitan Museum of Art, New York.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 63 - CARINA LINGE (Cuxhaven, Allemagne, 1976). De la série "Single n. III". 2011. Cinq photographies sur carton d'aluminium. Signé au dos à la main. Dimensions : 80 x 120 cm ; 60 x 45 cm ; 46,5 x 35 cm ; 28,3 x 24,3 cm. Dans sa série photographique "Single", Carina Linge explore des thèmes qui l'ont toujours intéressée, liés à l'identité, à la féminité et à l'interaction entre la réalité et la fiction, entre le rêve et l'éveil. Elle développe un travail visuellement captivant et sensuel, sans pour autant cesser d'explorer le conceptuel. Cela est plus qu'évident dans ces images : elle joue avec les genres classiques de la nature morte baroque et de la peinture de vanités (explorant le symbolisme érotique des fruits), ainsi qu'avec le nu féminin et la tradition des odalisques, habillant ces genres de nouvelles significations, où la femme parle du centre de son être et de son désir, de ses fantasmes sexuels accomplis ou rêvés, de la nature éphémère des passions et de la vie. En 2000, elle a commencé à étudier les beaux-arts à l'université Bauhaus de Weimar, où elle a obtenu en 2006 un diplôme de Norbert W. Hinterberger. En 2007, elle a obtenu son premier poste d'enseignante à l'université Bauhaus de Weimar, suivi d'un autre en 2014. Carina Linge a un fils et vit à Leipzig. Depuis 2009, elle est représentée par la galerie berlinoise Jarmuschek + Partner. Carina Linge travaille dans le domaine de la photographie et de l'installation. Dans des tableaux d'images complexes, elle met en relation des photographies, des objets et des feuilles de texte. Les photographies de Carina Linge sont des mises en scène d'intérieurs, des natures mortes et des images corporelles multicouches chargées de références associatives, symboliques et historiques. L'évanescence et la mort, l'amour et la solitude, les aspirations et les désirs sont thématisés à l'aide de références choisies à des personnes, des mythes et des images historiques. Dans sa série d'œuvres "Einsamer Eros", Carina Linge aborde depuis 2008 un concept élargi du portrait et représente des célibataires et des couples dans des compositions d'images agencées comme des psychogrammes. La série d'images "About Desire", créée entre 2011 et 2013, traite du passé, de la disparition et du désir, ainsi que de l'évolution des aspirations et des désirs de l'homme. Avec "Theatrum Mundi", une nouvelle série d'œuvres a été créée en 2014, qui montre la représentation extérieure et le monde intérieur des émotions derrière elle de personnes sélectionnées et les rend visibles. Son travail est présent dans d'importantes collections telles que : Testimony Collection, La Caixa Foundation, Barcelona ; Vila Casas Foundation, Torroella de Montgrí, Girona ; Barcelona Bar Association ; Agbar Foundation ; La Sardana Foundation, Barcelona.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 64 - SCARLET BERNER (Berlin, 1955). "O.T. (Gelbe Vase)". 1990. Photographie sur bois. Signée et titrée au dos. Cadre en formica. Dimensions : 105 x 80 cm (photographie) ; 129,5 x 129 cm (cadre). Scarlet Berner vit à Munich. Elle a d'abord étudié la peinture à l'Académie des beaux-arts de Munich, où elle est l'élève préférée de Rudi Tröger. Elle a organisé des expositions individuelles et participé à des expositions collectives depuis 1982. Elle participe souvent à des projets photographiques appliqués à l'architecture institutionnelle. Elle reçoit le prix de parrainage pour la photographie de la ville de Munich.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 65 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). Sans titre. Photographie imprimée en tirage d'art. Dimensions : 25 x 30 cm. Psychopédagogue et photographe, elle a étudié à l'école de photographie EFTI de Madrid. Lors de son séjour à Paris, elle a réalisé plusieurs séries photographiques dont "Cathédrales Gothiques" entre autres. Elle a réalisé un travail documentaire sur la manifestation "Je suis Charlie" contre les attaques terroristes de 2015, étant l'une de ces photographies lauréate de la dynamique "Making history" en l'honneur de l'exposition de Josef Koudelka à la Fondation Mapfre à Madrid. Elle a été sélectionnée par le Centre national de la photographie de Torrelavega pour l'exposition "Fotografías para un encierro", cette fois-ci elle participe avec un quimigramme, étant une technique de photographie sans appareil photo, ledit travail est catalogué. Ses œuvres ont été exposées à la galerie d'art Santana et actuellement sur la plateforme en ligne "El club de las mujeres invisibles". Elle réalise actuellement un projet personnel intitulé "Mírate", dans le but d'utiliser la photographie comme outil émotionnel et social.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 66 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). "Panthéon d'Agrippa". Photographie imprimée en tirage d'art. Dimensions : 40 x 60 cm. Psychopédagogue et photographe, elle a étudié à l'école de photographie EFTI de Madrid. Lors de son séjour à Paris, elle a réalisé plusieurs séries photographiques dont "Cathédrales Gothiques" entre autres. Elle a réalisé un travail documentaire sur la manifestation "Je suis Charlie" contre les attaques terroristes de 2015, étant l'une de ces photographies lauréate de la dynamique "Making history" en l'honneur de l'exposition de Josef Koudelka à la Fondation Mapfre à Madrid. Elle a été sélectionnée par le Centre national de la photographie de Torrelavega pour l'exposition "Fotografías para un encierro", cette fois-ci elle participe avec un quimigramme, étant une technique de photographie sans appareil photo, ledit travail est catalogué. Ses œuvres ont été exposées à la galerie d'art Santana et actuellement sur la plateforme en ligne "El club de las mujeres invisibles". Elle réalise actuellement un projet personnel intitulé "Mírate", dans le but d'utiliser la photographie comme outil émotionnel et social.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 67 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). "Filo Bianco". Photographie imprimée en tirage d'art. Dimensions : 30 x 25 cm. Psychopédagogue et photographe, elle a étudié à l'école de photographie EFTI de Madrid. Lors de son séjour à Paris, elle a réalisé plusieurs séries photographiques dont "Cathédrales Gothiques" entre autres. Elle a réalisé un travail documentaire sur la manifestation "Je suis Charlie" contre les attaques terroristes de 2015, étant l'une de ces photographies lauréate de la dynamique "Making history" en l'honneur de l'exposition de Josef Koudelka à la Fondation Mapfre à Madrid. Elle a été sélectionnée par le Centre national de la photographie de Torrelavega pour l'exposition "Fotografías para un encierro", cette fois-ci elle participe avec un quimigramme, étant une technique de photographie sans appareil photo, ledit travail est catalogué. Ses œuvres ont été exposées à la galerie d'art Santana et actuellement sur la plateforme en ligne "El club de las mujeres invisibles". Elle réalise actuellement un projet personnel intitulé "Mírate", dans le but d'utiliser la photographie comme outil émotionnel et social.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 68 - BEATRIZ SANCHES MIGUEL (Brésil, 1974). "Les fleurs de Sophia". Impression sur papier Hahnemühle. Exemplaire 1/10. Certificat joint délivré par l'artiste. Présente un cachet sec. Signé et justifié au dos. Dimensions : 30 x 21 cm (tache) : 42 x 29,7 cm (papier photographique). Beatriz Sanches a obtenu un diplôme d'architecture intérieure à Unifenas, au Brésil, en 1996, année au cours de laquelle elle a également suivi un cours de photographie et de développement analogique. Elle a ensuite poursuivi ses études en obtenant une maîtrise en art au MDCC College de Miami, en Floride. Tout au long de sa carrière, elle a travaillé en tant que photographe indépendante et pour Lean, Wilson and Assoc, en tant que décoratrice d'intérieur et dans la collection privée de Gladys Palmera en tant que photographe et retoucheuse.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 69 - "PACO PEREGRÍN" ; PEREGRÍN, Francisco (Almería, 1976). "Alien Beauty (VI)". Modèle Naadia Kloet (Delphoss). Exemplaire 1/10. Petite édition (limitée à 10 exemplaires + 1AP). Photographie numérique. Tirage lambda sous méthacrylate sur dibond et cadre en aluminium. Certificat ci-joint délivré par l'artiste. Bibliographie : " Otherworldly ", Theo Mass Lexileictous et Editorial Gestalten, 2016 (Page 238) ; Magazine " Avenue Illustrated ", numéro 19, Espagne, 2009 (page 105) ; " Ozine Magazine ", numéro octobre-novembre 2009 (Page 199). Œuvre signée et numérotée. Dimensions : 50 x 37 cm. Dans cette œuvre, Paco Peregrín a créé, en s'inspirant de l'esthétique extraterrestre, une belle histoire d'avant-garde, à la mode, entre le futurisme et l'extraterrestre. Il s'agit d'une spéculation personnelle et frappante sur l'évolution de l'identité et la transfiguration des traits humains. Paco Peregrín est un photographe andalou, actuellement considéré comme l'un des plus grands talents mondiaux de la photographie artistique, éditoriale et publicitaire, qui met toujours en avant son côté expérimental dans toutes ses œuvres, caractérisées par leur force et leur vigueur. Formé à Séville, il adopte une sensibilité mystique, des schémas de composition et un chromatisme inspirés de l'art baroque. Il est possible que ce soit son expérience théâtrale qui lui ait donné la capacité de diriger ses modèles devant son appareil photo, de développer sa perception spatiale et de montrer le corps, la présence et le temps dans son œuvre. Il vit actuellement à Madrid, un détail qui, associé à son passage dans d'importantes capitales culturelles (Londres, New York...), a ajouté de la contemporanéité et de la fraîcheur à son travail, qui est unique. Il est également important de souligner sa vaste expérience dans les domaines du design, de la communication, du théâtre et de la peinture. Il alterne la photographie de mode pour des magazines tels que Vogue, Harper's Bazaar ou L'Officiel avec des travaux commerciaux pour des marques telles que Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Adidas, Nike, Gant, Toyota, Lancôme, Shiseido... avec la photographie de signature, ayant exposé son travail dans des galeries à New York, Paris, Barcelone, Pékin, Madrid, Berlin, Séville, San Sebastián, etc, et dans des musées et galeries tels que le Centro de Arte y Creación Industrial à Madrid, Barcelone, Pékin, Madrid, Berlin, Séville, San Sebastián, etc. et dans des musées et galeries tels que le Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Séville), le Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, le Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), le Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Foro Sur, Sala de exp. del Canal de Isabel II, le Museo Provincial de Cádiz, etc. Son travail remarquable a été récompensé par des prix tels que le prix national LUX Gold de la photographie professionnelle dans le domaine de la mode et de la beauté (2008). La maison d'édition Gestalten (spécialisée dans l'art et l'architecture) l'a inclus parmi les projets les plus importants et les plus originaux dans le livre "Otherworldly", et la maison d'édition Prestel a publié son travail dans "New Fashion Photography", où il est l'une des références mondiales les plus importantes en matière de photographie de mode contemporaine.

Valorac. 1 400 - 1 600 EUR

Lote 70 - ORLAN (Saint-Étienne, France, 1947). "Défiguration-Refiguration, l'auto-hybridation précolombienne" n° 12, 1999. Photographie. Spécimen 2/7. Humidité et dommages au cadre. Signée, justifiée et titrée au dos. Dimensions : 100 x 100 cm ; 104 x 104 cm (cadre). Dans cette photographie, Orlan continue de s'interroger sur les pressions sociales et culturelles exercées sur le corps et sa représentation dans les médias. Orlan a créé une nouvelle image dans cette œuvre, en combinant littéralement des icônes précolombiennes et africaines avec sa propre image ; les hybridations qui en résultent créent une narration complexe qui brouille les distinctions entre le temps et le lieu, le réel et l'irréel. Il a créé une nouvelle image pour produire de nouvelles images : Self-Hybridizations. L'œuvre contient des preuves de rites tribaux passés et de rituels associés à l'embellissement qui, avec ses propres modifications par le biais de la chirurgie plastique, discutent de questions importantes dans l'histoire récente telles que l'identité collective, la tragédie et l'exclusivité. Les auto-hybridations sont également des portraits d'une humanité future potentielle, dans laquelle le métissage entre humains d'origines diverses donne naissance à de nouveaux corps, avec des identités nomades et mutantes. La carrière d'ORLAN en tant qu'artiste performeur a commencé en 1964, lorsqu'il a réalisé des Marches au ralenti dans sa ville natale de Saint-Étienne. Lors de ces performances, il marche le plus lentement possible entre deux quartiers centraux de la ville. En 1965, ORLAN réalise MesuRages, dans lequel il utilise son propre corps comme instrument de mesure. Avec son "corps ORLAN" comme unité de mesure, il évalue combien de personnes peuvent tenir dans un espace architectural donné. C'était la première fois qu'il utilisait son corps dans une performance. ORLAN a réutilisé ce concept dans plusieurs projets ultérieurs. Entre 1964 et 1966, ORLAN a produit Vintages, une série d'œuvres photographiques en noir et blanc. Elle a détruit les négatifs originaux de ces œuvres et il ne reste aujourd'hui qu'une copie de chaque photographie. Dans cette série, elle pose nue dans diverses positions proches du yoga. L'une des images les plus célèbres de cette série est ORLAN accouche d'elle m'aime.Entre 1967 et 1975, ORLAN a produit un ensemble d'œuvres intitulé Tableaux Vivants. Il s'inspire des œuvres d'artistes baroques tels que le Greco et Géricault. Il utilise des détenus comme modèles, porte des costumes baroques exagérés et s'inspire des stéréotypes caravagesques. En 1971, ORLAN se "baptise" Sainte-ORLAN et se pare de vinyle ondulé noir et de faux cuir blanc. Des photographies en couleur de Sainte-ORLAN sont ensuite incorporées dans des photo-collages, des vidéos et des films retraçant une hagiographie fictive. En 1977, lors de la Foire internationale d'art contemporain (FIAC) à Paris, ORLAN réalise la performance controversée Le baiser de l'artiste (The Artist's Kiss). À l'extérieur du Grand Palais, à Paris, une photo grandeur nature de son torse a été transformée en machine à sous. Les spectateurs pouvaient voir la pièce insérée dans le torse descendre dans une aine avant de recevoir un baiser de l'artiste.ORLAN a fondé le Symposium international de la performance à Lyon. En 1982, il collabore avec l'artiste Frédéric Develay pour créer la première revue d'art contemporain en ligne, Art-Accès-Revue, sur le précurseur français d'Internet, le Minitel. En 1990, ORLAN initie la Réincarnation de Sainte-ORLAN. Il s'agit d'une série de chirurgies plastiques par lesquelles l'artiste se transforme en éléments de célèbres peintures et sculptures de femmes. Dans le cadre de son manifeste "Carnal Art", ces œuvres ont été filmées et présentées dans des institutions du monde entier, telles que le Centre Georges Pompidou à Paris et la Sandra Gehring Gallery à New York. Le but d'ORLAN dans ces opérations est d'acquérir l'idéal de beauté féminine tel qu'il est représenté par les artistes masculins. Lorsqu'elle est satisfaite Il présente de l'humidité et des dommages dans le cadre.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 71 - Eladio de Mora est l'un des grands représentants de l'art contemporain espagnol. Eladio de Mora découvre sa vocation artistique dès l'enfance. Artiste fondamentalement autodidacte, il développe une œuvre que l'on pourrait situer à mi-chemin entre le pop et l'expressionnisme. Ses créations se caractérisent par des traits simplifiés et des couleurs pures, et sont réalisées dans des matériaux tels que le plastique, le polyester et certaines résines. Sous l'apparence presque enfantine de ses œuvres se cachent parfois des significations critiques ; il avoue rechercher dans ses œuvres l'équilibre entre la rigueur et le sourire. Certaines de ses œuvres les plus connues sont ses séries d'ours, de canards, de plongeurs et de ménines. En fait, ses sculptures sont généralement regroupées en familles, de sorte que la répétition intensifie l'impact. En outre, la plupart de ses sculptures sont placées à l'extérieur, car Mora recherche avant tout une relation directe avec le public. Au début du XXIe siècle, il commence à se faire connaître par le biais d'expositions collectives et, en 2002, il organise ses premières expositions personnelles, tant en Espagne (galeries Azteca et Séller à Madrid, Espacio Líquido à Gijón) qu'à l'étranger (galerie Heyd à Hildritzhausen, en Allemagne). Depuis lors, sa présence sera constante sur la scène artistique ; il continuera à exposer individuellement, tout en participant à des foires d'art et à des expositions de groupe. Ces dernières années, il a présenté ses œuvres dans le cadre d'expositions personnelles organisées dans des galeries et des centres d'art espagnols et étrangers de premier plan, parmi lesquels la galerie Jorge Ontiveros à Madrid, la galerie Drissien à Munich, le musée Florencio de la Fuente à Valence, le musée d'art contemporain de Malaga, le centre d'art Juan Ismael à Madrid, le centre d'art Juan Ismael à Madrid, le centre d'art Juan Ismael à Madrid, la galerie Drissien à Munich, le musée d'art contemporain de Malaga, le centre d'art Juan Ismael à Madrid, le centre d'art Juan Ismael à Madrid, la galerie Drissien à Munich et le musée Florencio de la Fuente à Valence, le Centro de Arte Juan Ismael à Fuerteventura, l'Espacio para el Arte Caja Madrid, l'Hotel Urban et le Centro de Arte Moderno également à Madrid, l'IVAM à Valence, le Museo MACAY au Mexique, la galerie Los Oficios et le Museo de Bellas Artes à La Havane, le Museo Arterra à Vienne et la Fundación Antonio Pérez à Cuenca. Il a également participé à d'importantes expositions collectives en Espagne, au Mexique, en Italie, au Portugal et en Allemagne. Il convient également de mentionner l'important travail de Mora en tant que créateur de trophées, notamment le "Women Together" à New York, le "Master Senior Comunidad de Madrid" ou les "Protagonistas del motor de El Mundo". Tout au long de sa carrière, il a reçu les prix "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) et "Aura" (Tolède, 2007), et a créé des monuments et des installations à Madrid, Logroño, La Havane, Vienne, Gijón, Málaga et Valence, entre autres villes. Mora est actuellement représenté à l'IVAM de Valence, au musée Arterra de Vienne, au musée d'art contemporain Domus Artium de Salamanque, au musée d'art verrier d'Alcorcón, au musée des beaux-arts de La Havane, au musée de l'œuvre graphique de San Clemente à Cuenca, à la fondation Antonio Pérez, à la fondation Antonio Saura et à Coca-Cola, la Fondation Coca-Cola, les Fondations Antonio Saura et Coca-Cola, les Conseils provinciaux de Cuenca et de Guadalajara, plusieurs municipalités de Madrid et de Tolède, le ministère de la culture et du tourisme de la Communauté de Madrid, et la collection d'art contemporain de "El Mundo", parmi de nombreuses autres collections publiques et privées.

Valorac. 1 300 - 1 500 EUR

Lote 72 - "dEmo" ; ELADIO DE MORA (1960, Tolède). "L'ours bleu dans le salon". Photographie. Le cadre est légèrement endommagé. Dimensions : 74 x 93 cm ; 98 x 117 cm (cadre). Eladio de Mora est l'un des grands représentants de l'art contemporain espagnol. Eladio de Mora découvre sa vocation artistique dès l'enfance. Artiste fondamentalement autodidacte, il développe une œuvre que l'on pourrait situer à mi-chemin entre le pop et l'expressionnisme. Ses créations se caractérisent par des traits simplifiés et des couleurs pures, et sont réalisées dans des matériaux tels que le plastique, le polyester et certaines résines. Sous l'apparence presque enfantine de ses œuvres se cachent parfois des significations critiques ; il avoue rechercher dans ses œuvres l'équilibre entre la rigueur et le sourire. Certaines de ses œuvres les plus connues sont ses séries d'ours, de canards, de plongeurs et de ménines. En fait, ses sculptures sont généralement regroupées en familles, de sorte que la répétition intensifie l'impact. En outre, la plupart de ses sculptures sont placées à l'extérieur, car Mora recherche avant tout une relation directe avec le public. Au début du XXIe siècle, il commence à se faire connaître par le biais d'expositions collectives et, en 2002, il organise ses premières expositions personnelles, tant en Espagne (galeries Azteca et Séller à Madrid, Espacio Líquido à Gijón) qu'à l'étranger (galerie Heyd à Hildritzhausen, en Allemagne). Depuis lors, sa présence sera constante sur la scène artistique ; il continuera à exposer individuellement, tout en participant à des foires d'art et à des expositions de groupe. Ces dernières années, il a présenté ses œuvres dans le cadre d'expositions personnelles organisées dans des galeries et des centres d'art espagnols et étrangers de premier plan, parmi lesquels la galerie Jorge Ontiveros à Madrid, la galerie Drissien à Munich, le musée Florencio de la Fuente à Valence, le musée d'art contemporain de Malaga, le centre d'art Juan Ismael à Madrid, le centre d'art Juan Ismael à Madrid, le centre d'art Juan Ismael à Madrid, la galerie Drissien à Munich, le musée d'art contemporain de Malaga, le centre d'art Juan Ismael à Madrid, le centre d'art Juan Ismael à Madrid, la galerie Drissien à Munich et le musée Florencio de la Fuente à Valence, le Centro de Arte Juan Ismael à Fuerteventura, l'Espacio para el Arte Caja Madrid, l'Hotel Urban et le Centro de Arte Moderno également à Madrid, l'IVAM à Valence, le Museo MACAY au Mexique, la galerie Los Oficios et le Museo de Bellas Artes à La Havane, le Museo Arterra à Vienne et la Fundación Antonio Pérez à Cuenca. Il a également participé à d'importantes expositions collectives en Espagne, au Mexique, en Italie, au Portugal et en Allemagne. Il convient également de mentionner l'important travail de Mora en tant que créateur de trophées, notamment le "Women Together" à New York, le "Master Senior Comunidad de Madrid" ou les "Protagonistas del motor de El Mundo". Tout au long de sa carrière, il a reçu les prix "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) et "Aura" (Tolède, 2007), et a créé des monuments et des installations à Madrid, Logroño, La Havane, Vienne, Gijón, Málaga et Valence, entre autres villes. Mora est actuellement représenté à l'IVAM de Valence, au musée Arterra de Vienne, au musée d'art contemporain Domus Artium de Salamanque, au musée d'art verrier d'Alcorcón, au musée des beaux-arts de La Havane, au musée de l'œuvre graphique de San Clemente à Cuenca, à la fondation Antonio Pérez, à la fondation Antonio Saura et à Coca-Cola, la Fondation Coca-Cola, les Fondations Antonio Saura et Coca-Cola, les Conseils provinciaux de Cuenca et de Guadalajara, plusieurs municipalités de Madrid et de Tolède, le ministère de la culture et du tourisme de la Communauté de Madrid, et la collection d'art contemporain de "El Mundo", parmi de nombreuses autres collections publiques et privées. Léger dommage au cadre.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 73 - FRANCIS BACON (Dublin, 1909- Madrid, 1992). "Trois études pour un autoportrait". Lithographie sur papier Arches, exemplaire E.A. Signée et justifiée à la main. Œuvre acquise à la Coskun Gallery de Londres en 2008. Dimensions : 52 x 94 cm ; 79 x 121 cm (cadre). Francis Bacon est l'auteur de certaines des peintures les plus frappantes et les plus inédites de l'art contemporain. Son style, obsessionnel, tourmenté et déchirant, est un document clair sur les difficultés vécues en Europe après la Seconde Guerre mondiale. Ses œuvres atteignent actuellement des montants stratosphériques dans les ventes aux enchères internationales, ce qui fait de lui l'un des artistes les plus recherchés sur le marché de l'art aujourd'hui. En témoigne le triptyque "Three Studies by Lucian Freud (1969)", qui a atteint en 2013 un prix de vente record de 142 millions de dollars lors d'une vente publique, ce qui en fait l'une des trois œuvres les plus chères de l'histoire. Certaines de ses œuvres sont exposées dans les plus grandes galeries d'art du monde, telles que la Tate Britain à Londres (qui possède l'une des plus grandes collections de l'artiste), le MET et le Moma à New York, le musée Thyssen-Bornemisza et le musée Reina Sofía. "Three Studies for a Self-Portrait" définit avec force ce qu'est l'art de Bacon. Des figures décomposées, isolées, inquiétantes et spirituelles qui, loin de rechercher une ressemblance spécifique avec la personne représentée, plongent dans la spiritualité du modèle. Nous voyons ici l'abstraction, la fragmentation et la déformation du visage du peintre, un aspect clé du développement artistique de Bacon, une conséquence des événements de la vie qui ont fait de son existence une fervente bombe à retardement sur le point d'exploser. À travers son œuvre, il exprime sa condition vitale, qui est également liée à son côté autodestructeur, parvenant ainsi à exprimer la solitude, la violence et la dégradation. Né à Dublin, bien que de parents anglais, Francis Bacon commence à peindre en autodidacte. Alors qu'il n'a que 17 ans, en 1927, la galerie Paul Rosemberg lui ouvre ses portes. Il y découvre l'œuvre de Pablo Picasso, un artiste qu'il admirera tout au long de sa carrière. À l'instar de Picasso, d'autres peintres ont marqué l'œuvre de Bacon : Velázquez (dont il peint la version du pape Innocent X, produisant au moins 40 "papes") et Nicolas Poussin, dont le "Massacre des Innocents", aujourd'hui conservé au musée Condé, suscite chez lui une émotion intense. En 1945, il expose à Londres, avec les artistes anglais Henry Moore et Graham Sutherland, son tableau Three Studies for Figures at the Foot of a Crucifixion (vers 1944), un triptyque qui, selon Bacon lui-même, marque le point de départ de sa carrière. En 1945, Bacon a développé son propre style. En 1949, le Museum of Modern Art de New York (MOMA) achète une œuvre impressionnante de Bacon intitulée Painting 1946. En 1956, il est invité à représenter la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise, aux côtés de Ben Nicholson et de Lucian Freud. Dans son œuvre, Bacon décide que le sujet de ses peintures sera à la fois la vie dans la mort et la mort dans la vie. Il cherche à exprimer sa condition vitale, qui est aussi liée à son côté autodestructeur. Michel Leiris lui suggère que le masochisme, le sadisme et d'autres manifestations similaires ne sont en fait que des moyens de se sentir plus humain. Les portraits et autoportraits constituent une part importante des peintures de Bacon, parmi lesquelles George Dyer in a Mirror de 1968, une œuvre dans laquelle le peintre suggère la vulnérabilité et la fragilité du moi. Bacon réalise des portraits sans pose, pris sur le vif, élaborés à partir de photographies. Il fait le portrait de ses compagnons intimes et de ses amis, ainsi que de personnes célèbres : Peter Lacy, George Dyer et John Edwards, Henrietta Moraes, Isabel Rawsthorne, Muriel Belcher, Lucian Freud, Peter Beard et Michel Leiris, ainsi que Hitler, Pie XII et Mick Jagger. Certaines de ses œuvres sont exposées dans les plus importantes galeries d'art du monde, telles que la Tate Britain à Londres (qui possède l'une des plus vastes collections de l'artiste), le MET et le Moma à New York, le Museo Thyssen-Bornemisza et le Muse

Valorac. 20 000 - 25 000 EUR

Lote 74 - ROBERT MOTHERWELL (États-Unis, 1915-États-Unis 1991). "Samouraï, 1971 Lithographie sur papier Japan Suzuki. Signée à la main par l'artiste. Étiquette de Brooke Alexander au dos. Dimensions : 200 x 160 cm ; 216 x 124 cm (cadre). "Samurai" est un paradigme de l'œuvre de Motherwell : une forme noire agressive d'où rayonnent des explosions et des taillades. C'est l'une des images les plus puissantes de Motherwell, qui invoque des éléments de sexualité dans la forme abstraite phallique et de violence dans le titre. Bien qu'il soit difficile de déchiffrer les traces de figuration dans l'œuvre de Motherwell, il s'inspirait de la littérature, de la vie, de la politique et y faisait référence. Artiste pluridisciplinaire, il s'est formé à Stanford et Harvard en philosophie et à Columbia en histoire et en art, sous la direction de Meyer Schapiro. Il a été l'un des principaux représentants de l'expressionnisme abstrait américain, dont il est l'un des fondateurs avec Pollock, Arshile Gorky et Rothko. Il a également excellé en tant que critique d'art. Il a écrit de nombreux articles dans des revues d'avant-garde et a édité des livres tels que "Documents of Modern Art" (1944-1961) ou "Documents of 20th Century Art" (1971). Il était membre du comité de rédaction de la publication "VVVV", liée au surréalisme. L'objectif principal de Motherwell était de montrer au spectateur l'engagement mental et physique de l'artiste avec la toile. Il utilise la dureté de la couleur noire comme élément de base ; l'une de ses techniques les plus connues consiste à diluer la peinture avec de l'essence de térébenthine pour créer un effet d'ombre. Sa série de peintures connue sous le nom d'"Élégies à la République espagnole" (Elegy to the Spanish Republic) est considérée comme son projet le plus important. Parmi ses nombreuses expositions, on peut souligner sa participation à la plus importante exposition surréaliste aux États-Unis, organisée par André Breton, Marcel Duchamp et le galeriste Sidney Janis au Whitelaw Reid Mansion (Manhattan-1942). Citons également l'exposition organisée à la galerie "Art of this Century" (New York) en 1943 sous la direction de Peggy Guggenheim, à laquelle il participe aux côtés de Jackson Pollock et de Baziotes. L'année suivante, le Museum of Modern Art de New York acquiert l'une de ses œuvres ; il participera par la suite à plusieurs expositions du même musée. En 1980, Robert Motherwell expose pour la première fois en Espagne à la Fundación Juan March (Madrid). En 1986, il reçoit la médaille d'or du mérite des beaux-arts, la plus haute distinction culturelle espagnole. En 1989, la National Medal of Arts des États-Unis, le Museum of Modern Art de Fort Worth (USA) abrite la plus grande collection d'œuvres de Motherwell. L'Empire State Plaza (New York) abrite également certaines de ses œuvres. Le Walker Art Center (Minneapolis, États-Unis) possède une collection presque exhaustive de ses gravures. En outre, ses œuvres sont représentées dans de nombreux musées, collections publiques et privées et dans les galeries les plus prestigieuses du monde entier.

Valorac. 25 000 - 30 000 EUR

Lote 75 - DAMIEN HIRST (Bristol, Royaume-Uni, 1965). "Kynance Cove" de la série "Where the Land Meets the Sea". Impression giclée laminée sur un panneau composite en aluminium. Numéro d'édition : 296/411. Heni Editions, 2023. Numéro de catalogue : H13-3. Avec des informations sur l'édition au dos et signé à la main par l'artiste. Dimensions : 120 x 90 cm. La version abstraite et contemporaine de Kynance Cove, située à l'est de Mount's Bay, en Cornouailles (Angleterre), est représentée dans ce tirage Giclée. Elle correspond à la série des "Coast Paintings", des peintures dites "d'action abstraite" nommées d'après des sites côtiers britanniques, que Hirst a développées pendant qu'il peignait sa célèbre série Cherry Blossoms. Damien Hirst est né à Bristol le 7 juin 1965, dans une banlieue économiquement défavorisée. Il n'a jamais connu son père biologique et sa mère a épousé un vendeur de voitures, qui les a quittés lorsque Hirst avait 13 ans. Sa mère, artiste amateur et chrétienne fervente, s'est occupée de lui, mais à cause de l'abandon de son père, il a dû être éduqué à la base, ce qui est peut-être la principale raison pour laquelle Damien Hirst affirme que l'art n'a pas de classe. Il a suivi une formation à l'université de Leed tout en combinant ses études avec un emploi à la morgue locale, qu'il a ensuite abandonné pour s'installer à Londres. Pendant ce temps, il travaille dans le bâtiment et postule à diverses écoles d'art telles que St Martins ou la faculté du Pays de Galles. Il est finalement accepté au Golsdmiths College qui, à la même époque et en raison de la récession économique en Angleterre, est une école qui attire des étudiants brillants et des professeurs créatifs. Pendant ses études, Hirst finance ses dépenses en travaillant sur des enquêtes téléphoniques, une cause directe de sa capacité à simuler n'importe quelle émotion au téléphone. Pendant ses études, il travaille également chez McDonald's et à temps partiel à la galerie Anthony D'Ofray, où il apprend les mécanismes du marché de l'art. Dès sa deuxième année d'études, Hirst acquiert le rôle d'artiste et de conservateur, et parvient à réaliser une exposition qui changera le cours de l'art britannique, c'est sa première exposition solo à seulement 26 ans. Quatre ans plus tard, en 1995, il remporte sa deuxième nomination au Turner Prize pour Mother and Child. À 32 ans, la galerie Larry Gagosian lui offre une grande rétrospective, à l'issue de laquelle il déclare qu'il n'a plus d'endroit où exposer, qu'il a tout fait et trop vite. Très vite, les médias le baptisent du nom de Hooligan Genius. Bien qu'il soit devenu millionnaire à l'âge de 40 ans, l'hypersensibilité de Hirst est devenue suspecte ; enveloppé d'une aura de romantisme, il a donné l'impression qu'il était facile de révolutionner le monde de l'art. Les œuvres de Damien Hirst se trouvent au MoMA de New York, à la Tate Gallery et au Victoria & Albert Museum de Londres, au Palazzo Gras de Venise, au Kunstmuseum Wolfsburg (Allemagne), au Hirshhorn de Washington D.C. et à la Neu Galerie de Graz (Autriche), parmi d'autres importantes collections publiques et privées.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 76 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Miró, Musée d'art moderne de Mexico". 1980. Lithographie sur vélin d'Arches, exemplaire 2/100. Signée, dédicacée, datée et numérotée au crayon. Éditeur : Museo de Arte Moderno de México. Imprimeur : Litografías Artística Damià Caus, Barcelone. Reproduit dans Maeght Editeur "Miró Litógrafo VI", p. 148. Dimensions : 76 x 56 cm ; 97 x 77 x 4 cm (cadre). Cette lithographie de Miró, limitée à cent exemplaires, a été utilisée pour l'affiche annonçant l'exposition de Joan Miró au Bosque de Chapultepec au printemps 1980, au Museum of Modern Art. Lunes, étoiles, figures réduites à quelques traits d'un noir épais enfermant en leur sein des couleurs primaires... synthétisent quelques-unes des constellations de l'âme de Joan Miró rassemblées dans cette image. Joan Miró a été formé à Barcelone et a fait ses débuts individuels en 1918, dans les galeries Dalmau. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste sur le plan visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Tout au long de sa vie, il reçoit de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise et de la Fondation Guggenheim, le prix Carnegie de peinture, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya et des Beaux-Arts, et est nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Ses œuvres sont actuellement exposées à la Fondation Joan Miró à Barcelone, ainsi qu'au musée Thyssen-Bornemisza, au MoMA de New York, au musée Reina Sofía de Madrid, à la National Gallery de Washington, au MNAM de Paris et à l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 77 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "El cap", 1987. Gravure, exemplaire HC 11/15. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 98 x 130 cm (estampe) ; 135 x 168 cm (cadre). Certaines des recherches plastiques de Tàpies dans les années 80 convergent dans "El Cap" : la numérologie et l'alchimie (la progression et la séquence codées dans les nombres 1,2,3,4), la croix grecque (avec son sens spirituel au-delà du dogme chrétien, ajouté à l'idée d'intersection et d'identité personnelle) et l'accent mis sur le zéro comme symbole du vide et du plein, du cycle et de l'éternité, c'est-à-dire de la conjugaison des opposés. Enfin, la calligraphie en traits noirs défie la lisibilité pour souligner la texture et l'énigme du texte. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il expose en solo à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives qu'individuelles, se déroulent dans le monde entier, dans des galeries remarquables et dans des musées tels que le Guggenheim de New York ou le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 70, des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, alliant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand prix de peinture de France, la Wolf Foundation of the Arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Vélasquez pour les arts plastiques (2003). Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Valorac. 7 000 - 9 000 EUR

Lote 78 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). "Merveilleuse la conversation que nous n'avons pas". Lithographie sur plaque de zinc et gravure au polymère sur papier japonais Arakaji. Exemplaire E.A. Signée et justifiée. Dimensions : 77 x 50 cm. Jaume Plensa a étudié à l'école de La Llotja et à l'école supérieure des beaux-arts de Sant Jordi, toutes deux à Barcelone. Il excelle dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu le titre de docteur honoris causa de la School of the Art Institute of Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

Lote 79 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). "Arcano", 2015. Lithographie et gravure sur papier Somerset, Signée et datée à la main. Dimensions : 70 x 50 cm (estampe) ; 86 x 65 cm (papier). Jaume Plensa a étudié à l'école de La Llotja et à l'école supérieure des beaux-arts de Sant Jordi, toutes deux à Barcelone. Il excelle dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu le titre de docteur honoris causa de la School of the Art Institute of Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Valorac. 1 500 - 2 000 EUR

Lote 80 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). Sans titre, vers 1980 Gravure, copie P.A. Signé et justifié au crayon. Dimensions : 57 x 28 cm (estampe) ; 67 x 51,5 cm (papier) ; 78 x 62 cm (cadre). Jaume Plensa a étudié à l'école de La Llotja et à l'école supérieure des beaux-arts de Sant Jordi, toutes deux à Barcelone. Il excelle dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu le titre de docteur honoris causa de la School of the Art Institute of Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Valorac. 1 500 - 2 000 EUR

Lote 81 - JAUME PLENSA (Barcelone, 1955). "Carl Orff", vers 1980 Gravure en relief sur papier vergé du Japon, exemplaire 13/50. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 97 x 61 cm (estampe) ; 113 x 77 cm (cadre). Jaume Plensa a étudié à l'école de La Llotja et à l'école supérieure des beaux-arts de Sant Jordi, toutes deux à Barcelone. Il excelle dans la sculpture, le dessin et la gravure. Son travail se concentre sur la relation entre l'homme et son environnement, questionnant souvent le rôle de l'art dans la société et la position de l'artiste. Il vit actuellement à Paris et a récemment reçu le titre de docteur honoris causa de la School of the Art Institute of Chicago. Plensa a commencé sa carrière en travaillant avec du fer forgé mélangé à du polyester. Entre 1983 et 1984, il commence à mouler le fer avec la technique de la fonte et développe un concept sculptural basé sur des éléments zoomorphes. Son œuvre évolue progressivement et il est aujourd'hui considéré comme un précurseur du néo-expressionnisme espagnol. Dans les années 90, il modifie son travail, tant sur le plan matériel que formel, et commence à utiliser des matériaux différents tels que la ferraille, le polyester et les résines. Au cours de ces années, il élabore des séries de murs, de portes et de constructions architecturales, cherchant à donner à l'espace un protagonisme absolu. Entre 1999 et 2003, Plensa est devenu l'un des piliers de la scénographie mondiale, réinterprétant avec "La Fura dels Baus" quatre opéras classiques de Falla, Debussy, Berlioz et Mozart, et réalisant seul une production théâtrale contemporaine, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Il a présenté des expositions individuelles et collectives dans le monde entier, dont une rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En juin 2008, il a inauguré à Londres, au siège de la BBC, son œuvre "Breathing", un monument dédié aux journalistes tués dans l'exercice de leur profession. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreuses distinctions, telles que la Médaille des Chevaliers des Arts et des Lettres en 1993, décernée par le ministère français de la Culture, ou le Prix national des arts plastiques en 1997, décerné par la Generalitat de Catalogne. Considéré comme l'un des principaux représentants du nouvel art espagnol de tendance expressionniste, son œuvre est présente dans les meilleures galeries et foires d'art nationales et internationales, ainsi que dans les principaux musées d'Europe et des États-Unis, tels que le MOMA à New York, le Kemper au Kansas, le Museo Patio Herreriano à Valladolid, le Palazzo Forti à Vérone, le MACBA ou le Museo Reina Sofía à Madrid.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

29 juillet - Photographie et graphisme iconiques

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