DROUOT
jeudi 18 juil. à : 16:30 (CEST)

#105 : Eclectique

ArtLaRosa - +390957169129 - Email

viale Africa 12 95129 CATANIA, Italie
Information Conditions de vente
Live
S'inscrire à la vente
Filtres
286 résultats

Lot 1 - Biagio Betti (1535-1605) - Jésus au procès devant le Sanhédrin cm 66 x106 Huile sur toile Non encadrée. Biagio Betti fut l'élève de Daniele Da Volterra, frère laïc de l'ordre des Théatins. Personnage éclectique, il est en contact avec le monde artistique romain, mais aussi au-delà des Alpes. Il a pris connaissance des gravures de Durer, qui l'ont influencé dans ses compositions. Sur le plan stylistique, il représente un maniérisme romain tardif de la dernière partie du XVIe siècle. Studio ASOR L'avis du professeur Claudio Strinati Biagio Betti (Cutigliano c. 1545 - Rome 1615) Jésus interrogé au Sanhédrin (huile sur toile 64 x 104 cm) Le tableau représente le moment crucial de l'histoire de la Passion du Christ, lorsque le Rédempteur est conduit, après sa capture dans le jardin de Gethsémani, au Sanhédrin, c'est-à-dire au tribunal juif administré par les Sadducéens et les Pharisiens, pour y être interrogé sur ses prétendus péchés et ensuite condamné, même si la sentence a été prononcée par Pilate. La scène est exécutée, dans notre tableau, avec une habileté et un raffinement pictural remarquables, dans un style impeccable, rigoureux dans la définition de la perspective et plutôt concis et résumé dans les figures, comme si l'auteur de l'œuvre était avant tout un miniaturiste spécialisé, capable de prodiguer toute sa doctrine dans la définition analytique des images, en accentuant leurs différents états d'âme, de la tristesse du Christ à l'arrogance bureaucratique des grands prêtres qui apparaissent en grand nombre dans le tableau et qui étaient en fait, selon les sources anciennes, environ soixante-dix et tous très agressifs. Notre tableau, pour des raisons strictement stylistiques, semble être daté de la fin du XVIe siècle et s'inscrire précisément dans ce milieu de la culture de la miniature qui comptait à l'époque des représentants italiens et flamands notables. Parmi eux, un peintre qui était aussi un religieux éminent, le père théatin Biagio Betti, dont Giovanni Baglione a écrit une biographie exhaustive et érudite, le décrivant comme une personnalité cultivée et autoritaire, très influente dans le débat sur l'art religieux et lui-même habile peintre, sculpteur et miniaturiste. Dans cette biographie (publiée dans son livre Le Vite de' pittori, scultori e architetti, Roma 1642 (aujourd'hui dans l'édition moderne éditée par Barbara Agosti et Patrizia Tosini, Officina Libraria 2023, vol. 1, p.632 ff.), l'intention théologique est évidente et principalement l'intention doctrinale des œuvres exécutées par le peintre théatin, mais avec une formidable focalisation sur l'art de la peinture. à la qualité intrinsèque et à l'originalité iconographique des peintures. Parmi les œuvres citées par Baglione, peu subsistent aujourd'hui, mais suffisamment pour attribuer à Biagio Betti le tableau dont il est question ici. En effet, l'église de San Silvestro al Quirinale, à Rome, conserve un tableau de Betti. grande toile, certainement signée par cet artiste, représentant la Dispute de Jésus. avec les docteurs (un sujet similaire, bien que différent, à celui de l'œuvre présentée ici) qui, contrairement à notre tableau, est un véritable retable illustré, d'un point de vue iconographique, par les estampes de Dürer, très étudiées et connues à l'époque de Betti. Le cadre de notre tableau est similaire à celui de l'œuvre de Betti, qui est un véritable retable. Betti sur la base d'une comparaison directe avec la Disputa susmentionnée, qui dénote un style "nordique" similaire, même si c'est à une échelle monumentale, alors que notre tableau est, comme nous l'avons dit, absolument miniature. En outre, Baglione affirme clairement que le peintre Biagio Betti "était également un enlumineur et, dans le papier parchemin et dans toutes les autres choses, il était délicieusement coloré". Cela semble être le cas de notre tableau, un exemple remarquable de peinture miniature d'une grande importance intrinsèque et d'une belle qualité de dessin, encore perceptible aujourd'hui malgré quelques problèmes de conservation que l'œuvre a dû connaître mais qui ne nuisent en rien à l'appréciation et au jugement critique qui en découle. Je crois qu'il est possible que notre tableau ait été exécuté pour coïncider avec les célébrations du Jubilé de l'an 1600, lorsque le Père Biagio Betti était au sommet de sa parabole et de sa renommée en tant que miniaturiste et peintre faisant autorité. Il s'agit donc d'un tableau remarquable d'un point de vue artistique, historique et doctrinal, auquel j'attribue une valeur remarquable de 25 000,00 euros. En foi de quoi, Claudio Strinati

Estim. 4 300 EUR

Lot 3 - Simone de Wobreck (Haarlem 1557) - Montée au Calvaire H cm 53 x 40, dans le cadre 63 x 48 Huile sur panneau Expertise du Professeur Claudio Strinati : "La Montée au Calvaire porte l'inscription suivante au dos (partiellement recouvert par un parquet vraisemblablement posé assez récemment pour renforcer la stabilité du bois) : Martin de Vos Anvers 1532-1603. Il s'agit donc d'une référence, que je crois également récente, au célèbre peintre flamand qui était également présent en Italie et qui a laissé dans notre pays des œuvres remarquables ainsi qu'un atelier florissant. Et c'est précisément ce point qu'il convient d'aborder en ce qui concerne notre tableau. En effet, l'œuvre que nous examinons ici est absolument flamande et peut être datée avec une certitude absolue de la seconde moitié du XVIe siècle, mais elle ne dénote en rien le style inimitable de Martin de Vos. Au contraire, notre œuvre s'inscrit dans une sphère de la peinture flamande en Italie qui ne dérive pas directement de Vos mais coïncide plutôt avec une école collatérale mais distincte de ses compatriotes. La caractéristique de notre peinture, ici examinée, est le fourmillement de personnages autour du Rédempteur déchu, reflétant un double sentiment : éthique et esthétique. D'une part, à y regarder de plus près, le peintre dépeint vigoureusement, avec des accents durs, presque populaires, le chagrin et la tristesse de la foule, qui se concentre et s'amenuise avec un effet scénique très évocateur et engageant ; d'autre part, on peut lire dans l'œuvre comme un sentiment général de moquerie et de dérision, en accord avec l'histoire dépeinte. Ce type de représentation est typique de la culture flamande, qui se rattache même de loin, par de nombreux auteurs également actifs en Italie, à la culture de Jérôme Bosch, qui remonte toutefois à la première moitié du XVIe siècle. Mais tout cela n'appartient pas à la culture de de Vos, qui s'oriente plutôt vers un classicisme austère et noble. Ici, dans notre travail, on voit tout le contraire du classicisme. Au contraire, le peintre qui a exécuté le tableau a adopté une attitude absolument maniériste qui correspond à ce que nous avons remarqué ici. Les caractéristiques stylistiques de notre tableau sont donc étroitement liées à un autre maître flamand travaillant dans le sud de l'Italie dans la seconde moitié du XVIe siècle, Simone De Wobreck. Ce nom est peut-être moins connu aujourd'hui que celui de Vos, mais Simone De Wobreck était un maître exceptionnel, actif surtout en Sicile où il a créé un groupe important de disciples et d'adeptes. Si l'on compare notre tableau à un authentique chef-d'œuvre de De Wobreck, comme le majestueux retable de la Circoncision dans l'église de San Domenico à Castelvetrano, il est, à mon avis, évident qu'il s'agit de la même main. Analytique et piquant, vif et proliférant, notre tableau a été réalisé par un artiste de la même mentalité et de la même culture figurative que celle qui s'exprime dans le retable de Castelvetrano. En outre, Simone De Wobreck a traité à plusieurs reprises le thème de la montée au Calvaire, comme le prouvent au moins deux retables que les sources lui attribuent, l'un à San Francesco in Caccamo et l'autre dans l'église de Santa Maria Maddalena à Ciminna. En résumé, notre tableau doit être considéré comme une œuvre remarquable du maniérisme flamand en Italie, probablement datable entre la neuvième et la dixième décennie du XVIe siècle, dans les dernières années de la vie de De Wobreck qui, né à Haarlem à une date non précisée mais à placer dans la quatrième décennie, a disparu, sur la base de documents, vers 1596/97".

Estim. 6 900 EUR

Lot 5 - () Vierge à l'enfant, anges et saint Joseph, XVIe siècle 104X78 cm dans le cadre 124X99 Huile sur panneau Le tableau en question, qui représente la Sainte Famille et les deux anges, reflète une iconographie répandue au XVIe siècle dans les écoles de peinture italiennes et étrangères. Le tableau peut être placé dans la seconde moitié du XVIe siècle et probablement vers 1570/80. Il présente un intérêt historique dans la mesure où il est représentatif de la sphère stylistique flamande qui a traversé l'Espagne et le Portugal et s'est répandue pour culminer chez certains disciples de l'école napolitaine. En particulier, le tableau semble être étroitement lié, dans sa composition et son style, à l'activité des ateliers de peinture espagnols et plus particulièrement à ceux de Palma de Majorque. Les influences flamandes dans ces ateliers apparaissent dès la seconde moitié du XVe siècle et restent actives jusqu'à la fin du XVIe siècle, période dont notre œuvre est représentative. En effet, il s'agit d'un témoignage historique évident de ce moment de convergence de la letio hispano-flamande avec la letio européenne en général et en particulier avec l'école napolitaine, qui avait déjà montré ses prodromes dans la seconde moitié du XVe siècle avec Colantonio. L'iconographie de l'enfant, qui semble bondir hors de la composition picturale en manifestant sa joie et son affection envers sa mère, est particulièrement intéressante. Cette iconographie se retrouve souvent, surtout dans l'école catalane. Studio ASOR.

Estim. 3 400 EUR

Lot 11 - Elena Recco (Naples 1654-Madrid 1715) - Nature morte au poisson, XVIIe siècle cm 40 x cm 48, dans le cadre cm 52 x cm 60 huile sur toile Présent Avis d'expert du professeur Strinati. "La Nature morte au poisson (huile sur toile, 37 x 47 cm, encadrée 50 x 62 cm) est une œuvre qui s'inscrit bien dans la production d'Elena Recco, peintre distinguée spécialisée dans ce genre, fille du grand maître napolitain Giuseppe Recco et longtemps active aux côtés de son père (ainsi que de son frère méconnu Nicola Maria) entre Naples et la Cour royale espagnole où elle se rendit, à la suite de son père, vers la fin du XVIIe siècle et où elle resta longtemps, honorée par des commandes très importantes et primordiales. Sur la base de l'âge connu et historiquement documenté de Recco (Naples 1654, Madrid 1715), la peinture examinée ici, d'un point de vue stylistique et matériel, semble certainement pouvoir être datée de la première décennie du XVIIIe siècle, dans la phase la plus mûre de la production de l'artiste distinguée. J'en viens à cette considération en comparant notre travail avec un certain nombre de peintures de l'ancienne collection Orsini à Gravina di Puglia (aujourd'hui totalement dispersée entre diverses propriétés) où l'on trouve en fait de remarquables Poissons morts d'Elena Recco, même si les inventaires les rapportent parfois de manière erronée sous le nom du grand père Giuseppe. À cet égard, je signale comme un cas d'école d'un grand intérêt historique et artistique une Nature morte de poisson, extrêmement proche de la nôtre, publiée par Lucio Galante, dans La Natura Morta in Italia, tomo secondo, Electa Milano 1989, p. 971, n° 1183, sous le nom de Giuseppe Recco mais en réalité un chef-d'œuvre absolu de sa fille Elena. Recco s'est spécialisé dans le genre de la peinture de poissons et notre tableau semble très significatif de la méthode typique et distinctive de l'artiste qui consiste à mélanger des images de poissons comme s'ils avaient été jetés en désordre sur le comptoir du poissonnier, en attendant d'être distribués aux différents clients et mécènes. La matière picturale dans notre cas est épaisse et corsée et ceci est aussi un élément particulier qui caractérise la production de cette grande peintre qui mérite une place à part entière, et d'une importance absolue, dans la grande et haute histoire de la Nature Morte à Naples entre le 17ème et le 18ème siècle.Je conclus en notant l'état de conservation du tableau examiné ici comme très bon et en confirmant ainsi sa qualité intrinsèque assez élevée.J'estime donc le tableau par rapport aux conditions actuelles du marché international à une estimation de E. 18,000.00 (dix-huit mille). En foi de quoi, Claudio Strinati".

Estim. 3 900 EUR

Lot 13 - Antonio Cifrondi (Clusone 1656-Brescia 1730) - Femme à la poule, 1700-1730 84x105 cm Huile sur toile Oeuvre sans cadre. "Sur un fond bleuâtre, nu et aplati, seule référence à une spatialité extérieure, émerge de la pénombre la figure d'une femme âgée et voûtée, au front sillonné de rides et aux bras forts - usés par le dur travail de la terre - qui délimitent son rôle de paysanne. Avec une composition sobre et naturaliste, la femme peut être considérée comme le véritable protagoniste du tableau même si, en lisant son regard relâché - éprouvé par la fatigue et l'âge - l'observateur est invité à se concentrer sur l'oiseau blanc, délicatement perché sur un perchoir rempli de foin. L'image de la femme est modelée par des coups de pinceau larges et matériels, imprégnés de couleurs rares et chaudes, clairement perceptibles dans les teintes rosées de son teint, partageant les ombres terreuses qui contribuent à la plasticité de la figure. Les caractéristiques formelles de l'œuvre sont influencées par la peinture lombarde, à tel point qu'elle est proche des sujets profanes en vogue dans les dernières décennies du XVIIe siècle. Cependant, le trait stylistique révélé par la sobriété chromatique permet d'attribuer l'œuvre à Antonio Cifrondi de Bergame et de la situer dans les trente premières années du XVIIIe siècle". En effet, après avoir séjourné en France, il s'installe définitivement à Brescia, conscient de la connaissance qu'il avait eue de Le Brun et de la vision directe de la nature et de la vie quotidienne qui inspirait la peinture transalpine du XVIIe siècle. Il se consacre donc à la composition de tableaux dont les protagonistes sont les classes les plus humbles : figures de pauvres, de pitocchis, de paysans, etc. Le tableau en question est une expression de cette période, exécutée avec une technique rapide, avec des coups de pinceau larges, déterminés et confiants. ASORstudio

Estim. 2 000 EUR

Lot 29 - Francesco Conti (Florence 1681-1760) - Annonciation 88x55 cm dans le cadre 101,5x69 cm Huile sur toile Expertise du professeur Claudio Strinati. Annonciation (huile sur toile, cm. 101 x 69 avec cadre) Il s'agit d'une œuvre qui, en raison de son style (le dessin ondulé et animé des figures et des draperies) et de son iconographie (l'archange Gabriel et la Vierge sont tous deux debout et d'égale stature et présence dans l'espace), doit être datée du début du XVIIIe siècle, reflétant en partie la culture picturale de l'école romaine de Carlo Maratta, probablement encore vivante à l'époque de la création du tableau que nous examinons ; en partie l'héritage de l'école baroque florentine, moins connue aujourd'hui mais extrêmement florissante et riche en personnalité, surtout après le passage dans la ville de Pietro da Cortona et de Ciro Ferri, qui ont laissé d'éminents chefs-d'œuvre dont l'écho est également perceptible dans notre tableau. Pour des raisons stylistiques, je crois que l'auteur de ce beau tableau doit être identifié comme le Florentin Francesco Conti, qui a été en contact étroit avec l'école Marattesca à Rome dans sa jeunesse (où il a été l'élève de l'éminent Giovanni Maria Morandi), mais qui a ensuite suivi sa propre voie qui l'a conduit, après être rentré à Florence à temps, à obtenir de brillants résultats dans le domaine de la peinture baroque toscane marquée par ces caractéristiques d'esprit, d'élégance formelle et de doux dynamisme qui me semblent être toutes présentes dans notre œuvre. La comparaison avec l'un des premiers chefs-d'œuvre de Conti, le retable de la Trinité de l'église florentine de San Jacopo sopr' Arno, qui peut être daté d'avant la fin de la première décennie du XVIIIe siècle, m'amène à reconnaître la même main dans notre tableau. Entre autres choses, il est curieux de constater que le modèle du Père éternel, avec une calvitie singulière et une barbe nerveuse et clairsemée, serait exactement le même aussi bien dans le retable mentionné que dans notre tableau où il est représenté canoniquement en train d'envoyer sur l'autel de la Trinité, le visage de l'enfant, le visage de la femme. sur la terre l'Esprit Saint sous la forme d'une colombe. J'en conclus que notre tableau est un témoignage intéressant et très beau de l'histoire de l'humanité. débuts d'un artiste qui est certainement moins célébré aujourd'hui que certains de ses éminents compatriotes. et contemporains, mais d'un intérêt considérable et à ce titre cité avec mérite tant dans les écrits de anciens historiens de l'art, que dans ceux de certains maîtres de l'historiographie du 20e siècle. comme Matteo Marangoni, qui dans l'un de ses importants essais Settecentisti (mais non pas pas trop) florentins, dans son volume Arte barocca, Firenze Vallecchi 1973 (2e éd.), a mis la pertinence de Conti avec des arguments qui sont encore valables aujourd'hui. Il s'agit donc d'une œuvre d'une importance historique remarquable et d'une grande qualité artistique garantie par son excellent état de conservation. Je considère donc que la valeur du tableau examiné ici est, sur la base des conditions actuelles du marché à la date de la présente expertise, d'environ 25 000 euros. En foi de quoi, Claudio Strinati

Estim. 3 400 EUR

Lot 31 - Angelo Inganni (Brescia 1807-Gussago 1880) - Vue de la place des Mercanti ou Le passage de la place des Mercanti à la Pescheria Vecchia H cm 46,5x36 - dans le cadre H cm 57x45 Huile sur toile Signée et datée en bas à droite Expertise du professeur Claudio Strinati : "La très belle peinture est signée par Angelo Inganni et est une œuvre typique de sa période tardive, c'est-à-dire exécutée au cours de la huitième décennie du XIXe siècle, lorsque le maître, après divers événements intéressants entre Milan et Vienne, s'est consacré avec beaucoup d'engagement et de ferveur à la représentation de la vie quotidienne dans la ville, avec un sens aigu de la perspective et une magnifique aptitude à la peinture narrative, avec des personnages toujours fortement caractérisés, parsemant ses tableaux d'anecdotes et d'épisodes de toutes sortes qui rendent au mieux le tumulte d'une vie animée et foisonnante. A vrai dire, dès sa jeunesse, Inganni avait suivi ce type d'approche, mais avec le temps son style s'est fait plus minutieux et délicat, et notre tableau, ici examiné, reflète pleinement ce changement stylistique extrême. L'influence des grands "peintres de ville" de la génération qui l'a précédé, comme le Piémontais Giovanni Migliara ou le Vénitien Giuseppe Canella, qui a été déterminante à ses débuts, se fait encore sentir de manière très vive dans cette œuvre. C'est précisément de ces artistes qu'Inganni a tiré ce goût pour la narration urbaine qui a caractérisé tant de moments mémorables de la peinture européenne de la première moitié du XIXe siècle. Mais par rapport à ses prédécesseurs, Inganni est plus que jamais en droit d'être considéré (comme notre tableau le démontre suffisamment) comme le peintre par excellence du popolo minuto et de la petite bourgeoisie. Dans notre tableau, l'un côtoie l'autre avec naturel et simple spontanéité, mais en même temps l'œil de l'artiste est aimablement impliqué dans les joies et les souffrances de la vie quotidienne. Le tout s'inscrit dans une structure perspective très précise où le regard se porte vers des horizons lointains qui se profilent sur l'enchevêtrement fermé des ruelles et des petites places. Le quartier de Milan représenté dans le tableau que nous examinons ici est celui où le peintre a exercé son métier pendant des décennies, le quartier de l'église Saint-Marc, qui existe toujours même s'il a été profondément transformé par l'urbanisme moderne. Un beau témoignage d'un peintre vraiment distingué avec une œuvre, de surcroît, parfaitement conservée".

Estim. 8 500 EUR