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lun. 13 mai

SOLEDAD PENALTA (Noia, La Corogne, 1943). "Torche. Le fer. Pièce unique. Signé. Dimensions : 194 cm (hauteur). Pièce sculpturale dont la partie supérieure est enflammée, à l'image d'une torche. Soledad Penalta est une sculptrice galicienne qui a une longue carrière d'exposition et de formation. Elle a commencé à l'école des métiers artistiques de La Corogne, qu'elle a complétée jusqu'en 1980 par des ateliers de sculpture céramique, de majolique et de grès à Barcelone, Gérone, Sargadelos (Lugo) ou Alicante, et par des cours au château de Soutomaior/Pontevedra et à Faenza/Italie, avec Emidio Galasi, au cours des dix années qui ont suivi. Dans son parcours plastique, l'apprentissage est une devise, jusqu'à ce qu'il trouve son expression la plus personnelle, en passant par des céramiques polychromes de dimensions notables sur des châssis métalliques, avec lesquelles il obtient ses premiers prix. C'est son expression toujours conceptuelle, pour montrer, déjà avec le fer et l'acier découpés, des allusions réalistes dans la sculpture monumentale et de taille moyenne, depuis les premières expositions à Noia, 1981, et celles qui ont suivi à La Corogne, Ateneo de Ourense, et Ferrol. Le déménagement de la famille dans le Minnesota (États-Unis), dans les années 1989-1991, a été un changement décisif. L'artiste a travaillé au Studio Art de l'université avec Wayne Potratz, Nick Legeros, Roger Junk et Andy Richars, et est revenu l'année suivante avec une bourse d'études pour poursuivre sa formation. Après avoir épuisé la voie de la céramique, elle se concentre sur le fer comme élément plastique préféré, un matériau avec lequel elle a défini son caractère, ce qui lui a valu le respect de la guilde. Les gardiens du parc de sculptures de la Tour d'Hercule (La Corogne) et l'œuvre de Praia Ladeira, Baiona, tous deux en acier cor-ten speak, un acier qui se plie ou s'étend suffisamment pour montrer des formes iconiques suggestives, comme on peut le voir à Malaga, La Corogne, Vigo, dans l'exposition itinérante de la Fondation CaixaGalicia dans les capitales galiciennes, les expositions collectives au Minnesota et les hommages (Fernando Mon, Laureano Álvarez) et les prix (Isaac Díz Pardo), participant avec une œuvre monumentale à "Galicia Terra Única", A Coruña, 1997.

Estim. 2 500 - 2 700 EUR

lun. 13 mai

ARNO BREKER (Elberfeld, Allemagne, 1900-Düsseldorf, Allemagne, 1991) & SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904-1989). "Dalí-Morphosis", 1974-1975. Bronze patiné et doré. Base en marbre. Signé par Arno Breker. Expositions : - Hommage à Salvador Dalí", Schloss Nörvenich, Allemagne, inaugurée par Philippe VI, alors prince, 1991. - Centenaire de la naissance de Salvador Dalí", 2004, sous le patronage de S.M. Juan Carlos I et de la Reine Sofia d'Espagne. Dimensions : 28 x 15,5 x 15 cm (sans la base) ; 36 cm (hauteur avec la base). En 1974, Salvador Dalí invite Arno Breker, sculpteur allemand pour lequel il éprouve une grande admiration, à l'inauguration du Musée Dalí de Figueras, en Espagne. L'Allemand y expose un buste en marbre de Jean Cocteau que Dalí lui-même avait demandé, et raconte l'expérience comme suit : "Après son discours, il a lui-même guidé les invités à travers le musée. Lorsque nous sommes arrivés dans la salle où se trouvait le buste, il a demandé : "Où est Breker ?". Ils m'ont cherché et je me suis approché de lui. La conversation de Dalí s'est tournée vers moi. Devant le public, il m'a serré dans ses bras et m'a remercié d'avoir offert le buste de Cocteau au musée. D'un moment à l'autre, ils m'ont pris le buste. Mais Dalí l'a fait avec un tel charme que je n'ai pas pu dire non". (extrait du livre Schriften d'Arno Breker). L'année suivante, et suite à l'harmonie entre les deux artistes lors de la rencontre, ils entament une collaboration qui aboutit à la réalisation de 10 sculptures uniques et inédites. À cette fin, Breker réalise des portraits exceptionnels de l'artiste de Figueras, sur lesquels Dalí lui-même interviendra par la suite, leur apportant sa touche surréaliste inimitable. Peintre et sculpteur, Salvador Dalí a été l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années 20 et 30. Il est considéré comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres. Arno Breker entre à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf en 1920. En 1927, il s'installe à Paris, où il se familiarise avec les œuvres de Rodin et de Charles Despiau. En 1931, il se rend à Rome. Lors d'un voyage à Florence, il voit le David de Michel-Ange, ce qui signifie pour lui "comme un appel cosmique, comme un ordre, du pur occultisme" pour se consacrer à une sculpture réaliste et harmonieuse. En 1936, à l'occasion des Jeux olympiques de Berlin, il reçoit la commande de trois statues pour le stade. En 1938, il reçoit la commande de deux statues monumentales pour l'entrée de la Nouvelle Chancellerie, qui marqueront le destin de son œuvre. Une semaine plus tard, lorsqu'il présente le projet du Porteur de flambeau et du Porteur d'épée, Adolf Hitler est séduit par les dessins, ce qui marque le début de la période la plus fructueuse de la carrière de Breker, qui devient le sculpteur officiel du régime. Jusqu'en 1945, il sculpte pour les places et les avenues de la capitale du Troisième Reich. Cependant, pendant la Seconde Guerre mondiale, pas même un quart de ses œuvres n'a été épargné par les bombardements ennemis et le vandalisme des troupes d'invasion. Après la Seconde Guerre mondiale, Breker a continué à se consacrer à la fois à l'architecture et à la sculpture, comme en témoignent le bâtiment construit à Cologne pour une compagnie d'assurance en 1955 ou la statue équestre de Mohammed V, roi du Maroc. Salvador Dalí, Ezra Pound, l'athlète Ulrike Meyfarth et le baron Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza sont quelques-uns des visages célèbres représentés par ce sculpteur.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

lun. 13 mai

GEORGES ROUSSE (Paris, 1947). "Luxembourg : Fers à Bétons", 2004. Impression sur aluminium, exemplaire 1/5. Signé et titré au verso. Étiquette avec cachet au dos. Dimensions : 160 x 125 cm ; 165 x 132 cm (cadre). Le travail de Georges Rousse se caractérise, depuis le début des années quatre-vingt, par les relations qu'il établit entre la photographie, la peinture, la sculpture et l'architecture. Son intérêt pour les lieux abandonnés, démantelés et en ruine, ainsi que pour ce que ces espaces révèlent de la culture qui les a générés, l'a conduit, en 1986, à s'installer pour un temps dans l'ancien hôpital psychiatrique Van Gogh, dans la ville française d'Arles. Le résultat de ce séjour est la série Arles, point de départ de l'exposition du MACBA. Son travail est un exemple très significatif de l'importance que la photographie a acquise tout au long des années 80 et une preuve supplémentaire de la valeur de l'appareil photographique en tant qu'outil de création contemporaine. Brisant les restrictions habituelles entre les médias artistiques, son travail unique a rapidement marqué le monde de l'art contemporain. Depuis sa première exposition à Paris, à la Galerie de France en 1981, Georges Rousse n'a cessé de réaliser ses installations et de montrer ses photographies dans le monde entier, en Europe, en Asie (Japon, Corée, Chine, Népal), aux États-Unis, au Québec et en Amérique latine. Il a participé à de nombreuses biennales (Paris, Venise, Sydney) et a reçu de nombreux prix prestigieux : 1983 : Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987 : Villa Medicis, Rome 1988 : International Center of Photography Award, New York 1989 : Prix du dessin Salon de Montrouge 1992 : Bourse Romain Roland, Calcutta 1993 : Grand Prix National de Photographie 2008 : Succède à Sol LeWitt comme membre associé de l'Académie royale de Belgique. Il est représenté par plusieurs galeries européennes et ses œuvres font partie de nombreuses collections importantes dans le monde entier. Étiquette avec cachet au dos.

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

lun. 13 mai

LOLÓ SOLDEVILLA" ; Dolores Soldevilla Nieto (Pinar del Río, Cuba 1901-Havana, 1971). "Marin avec un bateau", vers 1954. Sculpture mobile en métal (bronze, fer et aluminium), On trouvera ci-joint un certificat délivré par Doña Martha Flora Carranza Barba, petite-fille de l'artiste. Présente le cachet et la signature de l'artiste. Dimensions : 83,3 x 50 x 18 cm. Loló Soledevilla a été la première personne à Cuba, et l'une des premières en Amérique latine, à présenter des sculptures totalement interactives. Dans ce cas, l'œuvre est présentée par l'artiste comme un collage métallique dont chaque élément a un mouvement indépendant, ce qui permet au spectateur d'interagir avec l'œuvre d'un point de vue ludique, une caractéristique fréquente dans l'œuvre sculpturale de Soldevilla, qui souhaitait que les spectateurs de ses œuvres puissent accéder à ses pièces d'une manière personnelle, intervenant ainsi dans le processus créatif. Dans ce cas particulier, l'auteur part de la figuration, créant un bateau grâce à l'utilisation de métaux forgés et assemblés, exaltant ainsi les valeurs de la tradition artisanale et de sa culture. Sa carrière artistique a toujours été marquée par l'expérimentation, non seulement stylistique mais aussi technique, et elle a réalisé des œuvres dans différents médias tels que la sculpture, la gravure et le dessin. Sa carrière artistique débute en 1948, influencée par son amitié avec Wifredo Lam, qui l'encourage et le soutient dans ses débuts dans le monde de la peinture. En 1949, il s'installe à Paris, où il étudie à l'Académie de la Grande Chaumière, tout en effectuant de fréquents voyages et expositions à Cuba pour y présenter son travail. En 1951, elle rejoint l'atelier de Dewasne et Pillet, où elle reste deux ans, et suit un cours sur les techniques de l'estampe par Hayter et Cochet, maintenant et encourageant les échanges créatifs avec l'École de Paris. Liée au Mouvement du 26 juillet, elle est contrainte de vivre dans la clandestinité, puisque pendant la période prérévolutionnaire, elle collabore à Diario de la Marina, Carteles, Información, El País, Avance, Porvenir, Tiempo en Cuba et Survey, ainsi qu'aux publications parisiennes Combat et Arts. Après le triomphe révolutionnaire de 1959, elle rejoint le journal Revolución en tant que rédactrice et, au cours de l'année académique 1960-1961, elle s'établit comme professeur d'arts plastiques à l'école d'architecture de l'université de La Havane. Dès lors, Dolores Soldevilla combine sa carrière artistique avec son travail d'enseignante à l'école d'architecture de l'université et au journal Granma. Grâce à ses approches esthétiques, le Grupo Espacio a vu le jour et elle a fait partie du groupe Diez Pintores Concretos ; elle a été membre de l'UPEC et de l'UNEAC et a collaboré avec Bohemia. Au cours de sa vie, son œuvre a été exposée dans d'importants espaces artistiques tels que le Palacio de Bellas Artes à Cuba, à Caracas (Venezuela), à Paris, à Valence, à Valladolid (Espagne), en Tchécoslovaquie, etc. Aujourd'hui, son œuvre est conservée dans de nombreuses collections privées du monde entier et dans des institutions telles que le Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba (où se trouve la principale collection).

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

lun. 13 mai

ANDRÉS NAGEL (Saint-Sébastien, 1947). "Pita". Collage et techniques mixtes sur papier avec feuille de métal découpée. Signé dans le coin supérieur droit. Dimensions : 46 x 63 cm ; 53 x 71,5 cm (cadre). Nagel termine son diplôme d'architecte en 1972. La même année, il commence à faire des recherches sur les techniques de gravure et rencontre Chillida, qui jouera un rôle clé dans sa carrière. Au milieu des années 70, Nagel commence à exposer beaucoup, aussi bien dans le cadre d'expositions collectives qu'individuelles : Madrid, Barcelone, Bilbao, Pampelune... En 1976, il participe à l'exposition "New Spanish Painting" (New York) et, deux ans plus tard, à une exposition en hommage à Joan Miró à Palma. En 1980, ses œuvres sont incluses dans plusieurs expositions collectives aux États-Unis (Austin, Tallahassee et Cleveland) et il participe également à la Biennale de Fredrikstad (Norvège). À partir des années 80, sa présence dans les expositions internationales s'est accrue. En 1982, il participe à la "IIe Triennale de dessin" à Nuremberg, en 1983 à la "Biennale d'art graphique" à Varna (Bulgarie), et en 1984 il participe à des expositions de groupe à Dortmund, Bonn et Bâle. En 1985, il fait partie d'une sélection d'œuvres du Musée espagnol d'art contemporain (prédécesseur du Musée Reina Sofia) exposée à la Fondation Gulbenkian à Lisbonne. En 1986, il est invité par le gouvernement irakien au "Festival international des arts de Baghdag" avec Manolo Valdés et d'autres artistes espagnols. En 1987, Nagel place une grande sculpture en acier sur une place de Barcelone et participe à la Fiac à Paris avec un stand exclusif (galerie Gamarra et Garrigues). L'année suivante, le musée des beaux-arts de Bilbao consacre une anthologie à son œuvre graphique, dont un catalogue raisonné est publié. En 1989, l'artiste entame une collaboration de plus de dix ans avec la Tasende Gallery de La Jolla (Californie), avec laquelle il participe à des foires à Chicago et Los Angeles et expose même au Meadows Museum de Dallas. En mai 2015, le fondateur de cette galerie, l'Américain de Bilbao José Tasende, a fait don de 34 œuvres de Nagel au musée des beaux-arts de Bilbao.

Estim. 1 600 - 2 000 EUR

lun. 13 mai

ANDRÉS NAGEL (Saint-Sébastien, 1947). "Projection de films". Technique mixte sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 37 x 102 cm ; 47 x 112 cm (cadre). Nagel termine son diplôme d'architecte en 1972. La même année, il commence à faire des recherches sur les techniques de gravure et rencontre Chillida, qui jouera un rôle clé dans sa carrière. Au milieu des années 70, Nagel se lance dans une grande activité d'exposition, à la fois dans des expositions collectives et individuelles : Madrid, Barcelone, Bilbao, Pampelune... En 1976, il participe à l'exposition "New Spanish Painting" (New York) et, deux ans plus tard, à une exposition en hommage à Joan Miró à Palma. En 1980, ses œuvres sont incluses dans plusieurs expositions collectives aux États-Unis (Austin, Tallahassee et Cleveland) et il participe également à la Biennale de Fredrikstad (Norvège). À partir des années 80, sa présence dans les expositions internationales s'est accrue. En 1982, il participe à la "IIe Triennale de dessin" à Nuremberg, en 1983 à la "Biennale d'art graphique" à Varna (Bulgarie), et en 1984 il participe à des expositions de groupe à Dortmund, Bonn et Bâle. En 1985, il fait partie d'une sélection d'œuvres du Musée espagnol d'art contemporain (prédécesseur du Musée Reina Sofia) exposée à la Fondation Gulbenkian à Lisbonne. En 1986, il est invité par le gouvernement irakien au "Festival international des arts de Baghdag" avec Manolo Valdés et d'autres artistes espagnols. En 1987, Nagel place une grande sculpture en acier sur une place de Barcelone et participe à la Fiac à Paris avec un stand exclusif (galerie Gamarra et Garrigues). L'année suivante, le musée des beaux-arts de Bilbao consacre une anthologie à son œuvre graphique, dont un catalogue raisonné est publié. En 1989, l'artiste entame une collaboration de plus de dix ans avec la Tasende Gallery de La Jolla (Californie), avec laquelle il participe à des foires à Chicago et Los Angeles et expose même au Meadows Museum de Dallas. En mai 2015, le fondateur de cette galerie, l'Américain de Bilbao José Tasende, a fait don de 34 œuvres de Nagel au musée des beaux-arts de Bilbao.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

lun. 13 mai

ANDRÉS NAGEL (Saint-Sébastien, 1947). "Pied". Technique mixte sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 60 x 48 cm ; 76 x 64 cm (cadre). Nagel termine son diplôme d'architecte en 1972. La même année, il commence à faire des recherches sur les techniques de gravure et rencontre Chillida, qui jouera un rôle clé dans sa carrière. Au milieu des années 70, Nagel se lance dans une grande activité d'exposition, à la fois dans des expositions collectives et individuelles : Madrid, Barcelone, Bilbao, Pampelune... En 1976, il participe à l'exposition "New Spanish Painting" (New York) et, deux ans plus tard, à une exposition en hommage à Joan Miró à Palma. En 1980, ses œuvres sont incluses dans plusieurs expositions collectives aux États-Unis (Austin, Tallahassee et Cleveland) et il participe également à la Biennale de Fredrikstad (Norvège). À partir des années 80, sa présence dans les expositions internationales s'est accrue. En 1982, il participe à la "IIe Triennale de dessin" à Nuremberg, en 1983 à la "Biennale d'art graphique" à Varna (Bulgarie), et en 1984 il participe à des expositions de groupe à Dortmund, Bonn et Bâle. En 1985, il fait partie d'une sélection d'œuvres du Musée espagnol d'art contemporain (prédécesseur du Musée Reina Sofia) exposée à la Fondation Gulbenkian à Lisbonne. En 1986, il est invité par le gouvernement irakien au "Festival international des arts de Baghdag" avec Manolo Valdés et d'autres artistes espagnols. En 1987, Nagel place une grande sculpture en acier sur une place de Barcelone et participe à la Fiac à Paris avec un stand exclusif (galerie Gamarra et Garrigues). L'année suivante, le musée des beaux-arts de Bilbao consacre une anthologie à son œuvre graphique, dont un catalogue raisonné est publié. En 1989, l'artiste entame une collaboration de plus de dix ans avec la Tasende Gallery de La Jolla (Californie), avec laquelle il participe à des foires à Chicago et Los Angeles et expose même au Meadows Museum de Dallas. En mai 2015, le fondateur de cette galerie, l'Américain de Bilbao José Tasende, a fait don de 34 œuvres de Nagel au musée des beaux-arts de Bilbao.

Estim. 900 - 1 000 EUR

lun. 13 mai

ANDRÉS NAGEL (Saint-Sébastien, 1947). "Fusain", 1996. Huile, plomb et polyester sur fibre de verre. Signé et daté au dos. Dimensions : 54 x 59 cm. Nagel termine son diplôme d'architecte en 1972. La même année, il commence à faire des recherches sur les techniques de gravure et rencontre Chillida, qui jouera un rôle clé dans sa carrière. Au milieu des années 70, Nagel se lance dans une grande activité d'exposition, à la fois dans des expositions collectives et individuelles : Madrid, Barcelone, Bilbao, Pampelune... En 1976, il participe à l'exposition "New Spanish Painting" (New York) et, deux ans plus tard, à une exposition en hommage à Joan Miró à Palma. En 1980, ses œuvres sont incluses dans plusieurs expositions collectives aux États-Unis (Austin, Tallahassee et Cleveland) et il participe également à la Biennale de Fredrikstad (Norvège). À partir des années 80, sa présence dans les expositions internationales s'est accrue. En 1982, il participe à la "IIe Triennale de dessin" à Nuremberg, en 1983 à la "Biennale d'art graphique" à Varna (Bulgarie), et en 1984 il participe à des expositions de groupe à Dortmund, Bonn et Bâle. En 1985, il fait partie d'une sélection d'œuvres du Musée espagnol d'art contemporain (prédécesseur du Musée Reina Sofia) exposée à la Fondation Gulbenkian à Lisbonne. En 1986, il est invité par le gouvernement irakien au "Festival international des arts de Baghdag" avec Manolo Valdés et d'autres artistes espagnols. En 1987, Nagel place une grande sculpture en acier sur une place de Barcelone et participe à la Fiac à Paris avec un stand exclusif (galerie Gamarra et Garrigues). L'année suivante, le musée des beaux-arts de Bilbao consacre une anthologie à son œuvre graphique, dont un catalogue raisonné est publié. En 1989, l'artiste entame une collaboration de plus de dix ans avec la Tasende Gallery de La Jolla (Californie), avec laquelle il participe à des foires à Chicago et Los Angeles et expose même au Meadows Museum de Dallas. En mai 2015, le fondateur de cette galerie, l'Américain de Bilbao José Tasende, a fait don de 34 œuvres de Nagel au musée des beaux-arts de Bilbao.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

lun. 13 mai

"KAWS" Brian Donnelly (New Jersey, 1974). "Cat teeth bank (orange)", 2007. Vinyle. Édition de 400 exemplaires. Reste dans l'emballage d'origine, avec l'anagramme. Dimensions : 12,7 cm (diamètre) ; 16,5 x 16,5 cm (boîte) : 12,7 cm (diamètre) ; 16,5 x 16,5 cm (boîte). Sculpture ronde en vinyle, dans laquelle l'auteur tire parti de la forme pour créer une tirelire figurative. S'appuyant sur son langage idiosyncrasique, Kaws utilise l'animation pour donner vie à cet objet quotidien. Il dote la sphère d'yeux et d'une bouche ouverte, qui laisse apparaître des dents affiliées à l'esthétique menaçante. Cette œuvre fait partie d'une collection lancée par l'artiste, composée de quatre autres pièces qui présentent la même physionomie, mais dans une couleur différente : bleu, vert et noir. Brian Donnelly, connu professionnellement sous le nom de Kaws (stylisé en KAWS), est un artiste et designer américain. Son travail comprend l'utilisation répétée d'une série de personnages et de motifs figuratifs, dont certains remontent au début de sa carrière dans les années 1990, d'abord peints en 2D puis réalisés en 3D. Certains de ses personnages sont ses propres créations, tandis que d'autres sont des versions modifiées d'icônes existantes. Les sculptures de Kaws mesurent de quelques centimètres à dix mètres de haut et sont réalisées dans divers matériaux, dont la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et un ponton gonflable en acier. Ses œuvres sont exposées dans des galeries et des musées, font partie des collections permanentes d'institutions publiques et sont avidement collectionnées par des particuliers, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le rappeur Pharrell Williams. Plusieurs livres illustrant son travail ont été publiés. Il vit et travaille à Brooklyn, New York, créant des sculptures, des peintures acryliques sur toile et des sérigraphies, tout en collaborant commercialement, principalement sur des jouets en édition limitée, mais aussi sur des vêtements, des skateboards et d'autres produits.Le travail de Kaws peut être caractérisé par une emphase sur la couleur et la ligne, des graphiques distinctifs, tels que l'utilisation répétée du "x" dans les mains et les yeux, et une réappropriation des icônes de la culture pop telles que Mickey Mouse, le Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy, et Snoopy. Snoopy, et Bob l'éponge. Ses personnages sont généralement représentés dans une pose timide ou impuissante, souvent avec les mains sur les yeux. Les personnages sont généralement représentés dans une attitude timide ou impuissante, souvent avec les mains sur les yeux.

Estim. 800 - 900 EUR

lun. 13 mai

KAWS (New Jersey, 1974). "Poupée Kokeshi, ensemble de désodorisants" (marron, gris et noir), 2019. Vinyle. Tirages 1/1000. Publié par Ding Dong Taknhaibin. Comprend 9 recharges de parfum et 3 supports de pince. Conserve la boîte de l'auteur avec une petite bosse au dos. Dimensions : 7 x 7,5 x 3,5 cm (x3) : 7 x 7,5 x 3,5 cm (x3) ; 6 x 19 x 19 x 19 cm (boîte). Ensemble de trois figurines en vinyle qui sont également des désodorisants. Brian Donnelly, connu professionnellement sous le nom de Kaws (stylisé en KAWS), est un artiste et designer américain. Son travail comprend l'utilisation répétée d'une série de personnages et de motifs figuratifs, dont certains remontent au début de sa carrière dans les années 1990, d'abord peints en 2D puis réalisés en 3D. Les sculptures de Kaws mesurent de quelques centimètres à dix mètres de haut et sont réalisées dans divers matériaux, dont la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et un ponton gonflable en acier. Ses œuvres sont exposées dans des galeries et des musées, font partie des collections permanentes d'institutions publiques et sont avidement collectionnées par des particuliers, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le rappeur Pharrell Williams. Plusieurs livres illustrant son travail ont été publiés. Il vit et travaille à Brooklyn, à New York, où il crée des sculptures, des peintures acryliques sur toile et des sérigraphies, tout en collaborant à des projets commerciaux, principalement des jouets en édition limitée, mais aussi des vêtements, des planches à roulettes et d'autres produits. L'œuvre de Kaws se caractérise par l'importance accordée à la couleur et à la ligne, par des graphismes distinctifs, tels que l'utilisation répétée du "x" dans les mains et les yeux, et par la réappropriation d'icônes de la culture pop telles que Mickey Mouse, Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy, et Snoopy. Snoopy, et Bob l'éponge. Ses personnages sont généralement représentés dans une pose timide ou impuissante, souvent avec les mains sur les yeux.

Estim. 500 - 600 EUR

lun. 13 mai

ENRIQUE SALAMANCA (Cadix, 1943). "Triangulation", 1974. Sculpture mobile en acier inoxydable. Exemplaire 23/100. Signée, datée et justifiée sur la base. Dimensions : 43 x 25 x 11 cm. Peintre et sculpteur, José Enrique Fernández y Enríquez de Salamanca, plus connu sous le nom d'Enrique Salamanca, a été formé à Madrid, où il a étudié les beaux-arts et le dessin. En 1965, il s'installe sur l'île d'Ibiza, où il réalise des dessins pour l'architecte José Luis Sert. En 1968, il ouvre son propre atelier de sérigraphie, grâce auquel il collabore avec les artistes de la galerie Carl Van der Voort. Dans les années soixante-dix, il entre en contact à Madrid avec les artistes des groupes El Paso et Grupo 57, et fait partie de la Nueva Generación. En 1973, il reçoit la médaille d'or de la VIe Biennale de sculpture de Saragosse et, en 1978, il passe plusieurs mois à Majorque, où il participe à un hommage à Joan Miró. À cette époque, il avait déjà organisé d'importantes expositions personnelles à Madrid, Bilbao, Saragosse et dans d'autres villes, et participé à des expositions collectives en Espagne, au Brésil, en France, en Hongrie et dans d'autres pays. En 1984, il reçoit sa première grande commande institutionnelle, une sculpture de Tierno Galván pour l'hôtel de ville de Madrid. Il est actuellement représenté dans d'importantes collections telles que la Sa Nostra à Palma ou la Juan Huarte à Madrid, ainsi que dans le musée Villafamés à Castellón, le musée international Salvador Allende, les musées d'art contemporain de Madrid et de Saragosse, la Estrada Saladich à Barcelone, la Lanzarote et la Rafael Alberti à Cadix, la fondation Juan March à Madrid, etc.

Estim. 400 - 500 EUR

mar. 14 mai

Une tête en marbre archaïque, mid-6th century B.C. Tête en marbre archaïque de grande qualité, servant de support à un élément architectural orienté verticalement, probablement issu de la sima d'un temple archaïque, semblable à la tête de bélier du telesterion de Peisistratos à Euleusis, modelée sur une gargouille sans sa fonction réelle. La moitié arrière et le dos droit sont grossièrement ciselés sur toute la surface (secondaire à l'époque moderne). La moitié avant est travaillée avec précision et de grande qualité, la surface est finement polie. Au-dessus de la tête, en arc de cercle, quatre lignes de courbes se terminent devant les oreilles. Derrière la tête travaillée en douceur, elles sont décalées vers l'arrière. En dessous des oreilles, deux lignes de courbes descendent le long de l'arrière des joues. Derrière eux, les côtés se déroulent en douceur, sans être arrêtés. Les sourcils et les paupières sont finement travaillés. Les lèvres, tirées légèrement vers le haut pour former un sourire, ouvrent une fente et exposent les extrémités des dents supérieures et inférieures (comme dans la tête d'une Gorgone, avec un caractère apotropaïque ?). La tête est inclinée obliquement vers l'avant pour une vue en contre-plongée. Abrasions plus prononcées sur les sourcils, la patte droite et le bout du nez, sinon minimes dans des endroits isolés. Dans l'ensemble, une sculpture archaïque très bien conservée, d'un grand art et d'un grand charisme. Elle est livrée avec une base moderne en plexiglas et une broche en acier. Sur le dessous de la sculpture, une douille pour la broche en acier. Dimensions sans base : longueur env. 25 cm, largeur env. 19 cm, hauteur env. 22 cm. Provenance : From an Austrian private collection, acquired from another Austrian private collection seven years ago. Condition : I - II

Aucune estimation

mar. 14 mai

Torse en marbre d'un countryman, 2e siècle apr. Torse de haute qualité d'une figure masculine forte portant une peau de mouton. La fourrure est attachée autour du ventre et n'est fermée qu'à l'épaule gauche. L'homme, interprété comme un chasseur ou un fermier, tient un skewer avec deux oiseaux, probablement des canards, dans la main droite à hauteur de la hanche. Son bras est parallèle à son corps et il tient dans sa main un lapin par ses pattes. Les muscles et la structure osseuse sont travaillés dans le plus grand détail. Non restauré. Dimensions 46 x 22 x 14 cm, hauteur sur base en acier 49 cm. La sculpture appartient au genre des "pêcheurs et gens de la campagne", un genre qui a probablement vu le jour à l'époque hellénistique. Les statues de ce groupe représentent des gens simples, souvent clairement caractérisés comme pauvres et marqués par la vie. Ce sont souvent des pêcheurs et des chasseurs qui transportent les animaux qu'ils ont capturés, généralement de petits gibiers, et les attributs dionysiens sont parfois présents, de sorte que l'on pourrait supposer que les personnages se rendent à un festival dionysien auquel ils apportent leur proie. La recherche de base sur ce sujet : H. P. Laubscher "Pêcheurs et campagnards. Studien zur hellenistischen Genreplastik", Mayence 1982. Un torse identique, qui provient vraisemblablement du même atelier et peut être attribué au même groupe de figures, est conservé à la Barnes Foundation à Philadelphie, USA, sous le numéro d'accession A231. Le torse de Barnes, dans la même fourrure tachetée, tient une vinasse dans ses bras, mais est interprété comme un satyre. Monté sur un socle. Provenance : collection privée belge U.C., acquise dans les années 1950. Depuis lors, dans une propriété familiale diplomatique. Condition : II -

Aucune estimation

mar. 14 mai

Un casque en bronze avec des cornes de bélier, région nord de la mer Noire, 4e siècle B.C. Casque en bronze bipartite avec des éléments de forme des casques chalcidiens. Les deux moitiés du crâne sont rivetées au milieu à des intervalles irréguliers de 1 à 2 cm. Au-dessus de la tête lisse, une nervure à chaque bord des plaques qui se chevauchent légèrement, celles-ci s'étendant vers le bas sur la couronne jusqu'à l'arrière de la tête. Entre ces côtes se trouvent les rivets reliant les deux moitiés. A l'arrière de la tête, les côtes s'incurvent légèrement vers l'extérieur, après un angle aigu. En dessous d'elles, sous les deux côtes, une côte angulaire court parallèlement à la côte supérieure. Une corne de bélier stylisée et coiffée avec des côtes angulaires martelées vers l'extérieur de chaque côté. l'avant, au-dessus de la face, deux "yeux" en repoussé, étagés et arqués, qui se rejoignent au milieu pour former une nasale extrêmement courte. Derrière celle-ci, l'ensemble du bord court horizontalement et est bombé vers l'extérieur. Dans la moitié avant du casque, une pièce de cheville en forme de U de chaque côté, qui est reliée au casque par une attache tubulaire en cinq parties. Les deuxième et quatrième tubes s'étendent à partir d'un rabat de fixation rectangulaire qui est fixé à l'intérieur du casque au moyen de deux rivets. Les tubes centraux et extérieurs sont créés en tournant le bord supérieur de la pièce de cheville vers l'intérieur. Une nervure court le long du bord intérieur de la partie supérieure. La surface intérieure est décorée d'un étrier en repoussé. Une petite découpe en forme de crescent sur le haut de la face, une perforation pour une lanière de fixation de chaque côté en bas. Belle patine vert foncé avec des dépôts d'oxyde épars. Minor indentations sur la corne gauche du marteau, résultant d'un choc avec un objet tranchant. Sinon, un casque antique parfaitement conservé. La construction en deux parties, avec des échos de casques chalcidiens tardifs ("eyebrows" et parties nasales et mobiles de la joue), est typique des formes locales de la région nord de la mer Noire. Le design à deux pièces est probablement une influence de la région d'Asie centrale et n'est pas caractéristique des casques méditerranéens de cette période. Hauteur avec les pièces du menton : environ 30 cm, sans les pièces du menton : 17 cm. Largeur 23 cm. Longueur 22 cm. Provenance : Collection privée est-allemande. Précédemment collection américaine. Acquise sur le marché de l'art américain. Condition : II -

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mar. 14 mai

Une statue néoclassique en marbre basée sur le paradigme high-classical de l'Aphrodite des Jardins, circa 1800 - early 19th century Statue néoclassique en marbre d'Aphrodite, légèrement moins grande que la vie, basée sur une sculpture classique de haut niveau d'Alcamène dans le Sanctuaire d'Aphrodite dans les Jardins. La sculpture d'Alcamène de la fin du Ve siècle avant J.-C. a été réalisée pour le sanctuaire d'Aphrodite sur le fleuve Ilissos dans la plaine d'Athènes et n'est connue que par des sources écrites. Un fragment de corps supérieur provenant du sanctuaire d'Aphrodite de Daphni, au nord d'Athènes, est considéré comme une variation précoce du type qui a servi de modèle pour de nombreuses variantes d'une "Aphrodite penchée". Des copies d'époque romaine (dont celles du musée d'Héraklion et une particulièrement bonne parallèle à l'exemple actuel du Louvre) donnent une idée plus précise du type. Les caractéristiques sont la tête découverte, le support relativement haut (pilier ou arbre) sous le bras supérieur gauche légèrement lacéré et l'épaule gauche exposée. Le bras droit est plié. La jambe, poussée vers l'avant à un angle, croise la jambe de soutien droite. La figure est habillée d'une chimère artistiquement pliée et attachée à la partie supérieure du corps. La posture et les plis de cette statue sont très proches d'une copie romaine du deuxième quart du Ier siècle A.D. de la statue de grande classe conservée au Louvre. Les pieds sont cassés juste au-dessus des tabourets. La main gauche avec l'avant-bras frontal et l'avant-bras droit sont manquants, ainsi que la tête. Diverses chips modérées. Probablement créé délibérément comme un torse. Surface soigneusement nettoyée. Récemment monté sur une base en pierre noire avec une broche en acier solide. Exemplaire de très grande qualité d'une œuvre d'art importante et de grande classe, qui a inspiré de nombreux travaux de sculpture ancienne et d'arts mineurs. Hauteur env. 108 cm (avec base 135 cm), largeur env. 54 cm, profondeur env. 30 cm. Provenance : De la collection du Dr. H. Lanz, Munich. Acquis dans les années 1980 auprès d'une collection privée française à Antibes. Condition : II -

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mar. 14 mai

Une statue d'Aphrodite néoclassique modelée sur l'Aphrodite de type "Fréjus", circa 1800 - early 19th century Torse en marbre plus petit que la taille réelle d'une Aphrodite du type Fréjus. Ce modèle de grande classe (vers 420 B.C.) est considéré comme une création de Callimaque. Il existe de nombreuses copies de ce type d'époque romaine, de différents degrés de finesse (y compris des objets de Pergame et de Délos, ainsi que des exemples au musée de Naples et au musée du Louvre). La jambe gauche de soutien et la jambe droite libre, qui est placée sur le côté, sont caractéristiques. La figure est vêtue d'un chiton nu qui s'est détaché de l'épaule gauche, exposant le sein gauche. La tête était auparavant tournée vers le côté de la jambe de soutien. La main droite levée tire le manteau qui est drapé sur le dos au-dessus de l'épaule droite, qui tombe sur le côté au-dessus du bras gauche plié. Le bras gauche est en avant. Les pieds sont cassés juste au-dessus des tabourets. La main gauche avec l'avant-bras et le bras droit sont manquants, ainsi que la tête. Probablement créé délibérément comme un torse. Surface soigneusement nettoyée. Récemment monté sur une base en pierre noire avec une broche en acier lourd, qui ne correspond pas parfaitement à l'axe de la statue et qui penche légèrement vers la droite. Exemplaire de très haute qualité d'une œuvre d'art de grande classe, qui a inspiré de nombreux travaux de sculpture ancienne et d'arts mineurs. Hauteur env. 90 cm (avec base 108 cm), largeur env. 44 cm, profondeur env. 30 cm. Provenance : De la collection du Dr. H. Lanz, Munich. Acquis dans les années 1980 auprès d'une collection privée française à Antibes. Condition : II -

Aucune estimation

mer. 15 mai

Pendule "au char" d'époque Empire Bronze doré à chaud, laiton, anneau de chiffres en émail blanc avec inscriptions noires, aiguilles bleuies. Le mouvement dans l'axe de la roue avec 14 jours de marche, suspension à fil du pendule et sonnerie des demi-heures sur cloche. Moulé en plusieurs parties et vissé. Grande pendule de cheminée sur socle oblong avec trois applications, quatre faisceaux de licteurs sur les coins en guise de pieds. Le char antique est tiré par deux chevaux qui se cabrent, le timon est tenu par un lion, Athéna debout derrière le conducteur du char Télémaque. Signé "LHOEST FG. ST. HONORE". H 45,5, L 48,5, P 11,5 cm. Paris, vers 1810, la fonte en bronze est attribuée à Jean-André Reiche. La Bibliothèque nationale possède un dessin du bronzier Jean-André Reiche (1752 - 1817), à l'origine de cette attribution. Kjellberg mentionne également un exemplaire au château de Malmaison, un autre se trouve au Musée du Temps au Palais Granvelle à Besançon. Quant à l'horloger LHoest, il s'agit probablement de Dieudonné LHoest, né à Liège en 1778, dont la présence est attestée à Paris à partir de 1796 et qui était spécialisé dans la production de montres de poche. Provenance Acquis en 1997 chez un marchand d'art de Düsseldorf. Littérature Cf. Kjellberg, Encyclopédie de la pendule française du Moyen Age au XXe siècle, Paris 1997, p. 417. Cf. Niehüser, Die französische Bronzeuhr. Eine Typologie der figurlichen Darstellungen, Munich 1997, p. 68 et suivantes.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

jeu. 16 mai

Norddeutsch um 1200 - Allemagne du Nord vers 1200 Aquamanile Bronze, coulé, gravé, ciselé, restes de dorure. Ce récipient creux à parois très fines en forme de lion, coulé à la cire perdue, servait autrefois à l'ablution liturgique des mains du prêtre pendant la célébration de la messe. De par sa conception, notre aquamanile peut être comparé à un groupe de onze autres aquamaniles au lion qui, selon les recherches d'Otto von Falke et d'Erich Meyer (op. cit.), ont été réalisés dans les années 1200 dans un atelier du nord de l'Allemagne, probablement à Lübeck, et qui sont tous conservés aujourd'hui dans différents musées, entre autres au Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg, au British Museum de Londres, au Nationalmuseum de Copenhague et au Domschatz d'Aix-la-Chapelle. L'analyse par fluorescence X de notre lion de 2021, toujours en possession d'un particulier, a en effet révélé que l'alliage de cuivre, d'étain et de plomb de son bronze ne présentait aucun indice d'une origine post-médiévale. D'autre part, l'alliage correspond presque à l'identique, dans ses proportions de métaux différents, à l'alliage de l'aquamanile du lion du groupe d'atelier réuni par Falke et Meyer, conservé à Nuremberg au Germanisches Nationalmuseum (Inv. n° KG 491) (cf. Otto Werner : Analysen mittelalterlicher Bronzen und Messinge. Partie IV, Berlin 1981, p. 186, analyse n° 238). Petits éclats au dos, où se trouve un petit ajout contemporain rectangulaire. Plus grand ajout contemporain ovale sur la partie inférieure du corps. Fermeture non conservée sur le dessus de la tête, probablement un petit ajout sur le bord de l'ouverture. Frottement de la surface, légers chocs. 18,5 x 9 x 21 cm. Expertise Artemis Testing Lab, Louisville (USA) 15.12.2021 (X-RAY Fluorescence Report). - Afterlight Inc., 23.11.2022 (scan 3D-CT). Provenance Collection du capitaine Herbert Willaume Murray (1870-1931), Londres. - Leur vente aux enchères Christie's, Londres, 1.12.1908, lot 43. - Là, acquis par le marchand d'art Samuel Willson & Son, Strand, Londres. - Arnold Broomhall Willson (1871-1961), Londres. - Acquis de son héritage par Frederick Bucher (1886-1971), Rhode Island, New York. - Hérité par sa fille Frederica Bucher Morrow Parreno (1915-1998), Rhode Island, New York. - Acquis en 1998 par le propriétaire actuel à partir de l'héritage de cette dernière. Littérature Sur les aquamaniles comparables, voir Otto von Falke, Erich Meyer : Romanische Leuchter und Gefässe. Giesssgefässe der Gotik, Berlin 1935, p. 60-61 et 110, n° 361-371, pl. 149-151, ill. 337-340 et 343-349.

Estim. 50 000 - 60 000 EUR
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